Italiensk genoplivningsarkitekturfigurer. Skoleleksikon

Det er ikke tilfældigt, at mange navigatører og videnskabsmænd, der fik verdensomspændende berømmelse i æraen med de store geografiske opdagelser - P. Toscanelli, X. Columbus, J. Cabot, A. Vespucci - var italienere. Italien, politisk fragmenteret, var på det tidspunkt det land med den mest udviklede økonomi og kultur i Europa. I moderne tid trådte hun ind midt i en storslået kulturel omvæltning, kaldet renæssancen, eller på fransk - renæssancen, fordi det i første omgang betød genoplivning af den antikke arv. Renæssancen var dog en fortsættelse af middelalderen ikke mindre end en tilbagevenden til antikken, den blev født på grundlag af en højt udviklet, raffineret og kompleks middelalderkultur.

Begrebet genfødsel. Humanisme

Sammen med begrebet "renæssance" er begrebet "humanisme", afledt af det latinske humanis - menneske, meget brugt. Det er tæt knyttet til begrebet "renæssance", men svarer ikke til det. Udtrykket "renæssance" betegner hele komplekset af kulturelle fænomener, der er karakteristiske for en given historisk æra. "Humanisme" er et system af synspunkter, der blev dannet i renæssancetiden, ifølge hvilket menneskets høje værdighed, dets ret til fri udvikling og manifestation af dets kreative evner anerkendes.

I renæssancen betød begrebet "humanisme" også et kompleks af viden om mennesket, om dets plads i naturen og samfundet. Et særligt spørgsmål er humanisternes holdning til religion. Humanismen eksisterede ganske sideløbende med kristendommen, hvor det mest slående bevis var præsternes aktive deltagelse i den humanistiske bevægelse og især pavernes protektion. I renæssancen forvandlede religion sig fra et objekt for blind tro til et objekt for tvivl, refleksion, videnskabelig undersøgelse, ja endda kritik. Men på trods af dette forblev Italien som helhed et religiøst, overvejende katolsk land. Al slags overtro bestod stadig i det italienske samfund, og astrologi og andre pseudovidenskaber blomstrede.

Genoplivningen gik gennem flere stadier. Tidlig renæssance (14. og det meste af det 15. århundrede) præget af fremkomsten af ​​renæssancelitteratur og beslægtede humaniora, humanismens opblomstring generelt. I periode B Højrenæssance (slutningen af ​​det 15. - første tredjedel af det 16. århundrede) der var en hidtil uset opblomstring af de skønne kunster, men der var allerede en klar krise i det humanistiske verdensbillede. I løbet af disse årtier gik renæssancen ud over Italien. Sen renæssance (det meste af det 16. århundrede)- en periode, hvor dens udvikling fortsatte parallelt med den religiøse reformation i Europa.

Hovedstaden i den italienske renæssance hovedby Toscana - Firenze, hvor der var en unik kombination af omstændigheder, der bidrog til kulturens hurtige fremkomst. Midt i Højrenæssance Centrum for renæssancekunst flyttede til Rom. Paver Julius II (1503-1513) og Leo X (1513-1521) gjorde derefter store anstrengelser for at genoplive den evige bys tidligere herlighed, takket være hvilken den virkelig blev til et centrum for verdenskunst. Det tredjestørste centrum af den italienske renæssance var Venedig, hvor renæssancekunst fik en særegen farve på grund af lokale karakteristika.

Kunst fra den italienske renæssance

Det kulturelle opsving, der fandt sted i Italien under renæssancen. tydeligst manifesteret i kunst og arkitektur. De afspejlede med særlig kraft og klarhed æraens store vendepunkt, som bestemte vejene for verdenskunstens videre udvikling.

En af den italienske renæssances mest fremtrædende skikkelser var Leonardo da Vinci (1452-1519), som kombinerede mange talenter - en maler, billedhugger, arkitekt, ingeniør, original tænker. Han levede et stormfuldt og kreativt liv og skabte sine mesterværker i tjeneste for den florentinske republik, hertugen af ​​Milano, Pan af Rom og kongen af ​​Frankrig. Fresco af Leonardo Den sidste nadver"er et af højdepunkterne i udviklingen af ​​al europæisk kunst, og" La Gioconda "er et af dets største mysterier.

Maleri var for Leonardo et universelt middel til ikke kun at afspejle verden, men også dens viden. Ifølge hans egen definition er dette "fantastisk færdighed, det hele består af de fineste spekulationer." Med sine eksperimentelle observationer berigede denne geniale kunstner næsten alle områder af sin tids videnskab. Og blandt hans tekniske opfindelser var for eksempel faldskærmsprojektet.

Den ikke mindre store kunstner Michelangelo Buonarroti (1475-1564) konkurrerede med Leonardos genialitet., hvis stjerne begyndte at stige ved århundredeskiftet. Det var svært at forestille sig så forskellige mennesker: Leonardo - omgængelig, ikke fremmed for sekulære manerer, altid søgende, med en bred vifte af hyppigt skiftende interesser; Michelangelo er lukket, streng, hovedkulds i arbejdet, fokuseret på hvert af sine nye værker. Michelangelo blev berømt som billedhugger og arkitekt, maler og digter. Blandt hans første mesterværker er skulpturgruppen Lamentation of Christ. I 1504 bar Firenzes befolkning i et triumftog den kolossale Davidsfigur, som er denne mesters mesterværk. Den blev højtideligt installeret foran byrådsbygningen. Endnu større berømmelse blev bragt til ham af freskoerne i Det Sixtinske Kapel i Vatikanet, hvor Michelangelo på fire år malede 600 kvadratmeter. m scener fra Det Gamle Testamente. Senere dukkede hans berømte freske "Den sidste dom" op i samme kapel.

Michelangelo opnåede ikke mindre imponerende succes inden for arkitektur. Fra 1547 til slutningen af ​​sit liv ledede han opførelsen af ​​Peterskirken, der skulle blive den vigtigste katolske kirke i verden. Michelangelo ændrede radikalt det originale design af denne storslåede struktur. Ifølge hans geniale projekt blev der skabt en kuppel, som den dag i dag er uovertruffen enten i størrelse eller storhed. Denne romerske katedral er en af ​​verdens største værker.

Som byplanlægger udtrykte Michelangelo al magten i sit talent i skabelsen af ​​et arkitektonisk ensemble på Capitol Square. Han dannede faktisk et nyt billede af Rom, som siden da har været uløseligt forbundet med hans navn. Maleriet af den italienske renæssance nåede sit højdepunkt i Raphael Santis (1483-1520) værk. Han deltog i opførelsen af ​​Peterskirken, og i 1516 blev han udnævnt til overbetjent for alle romerske oldsager. Raphael viste sig dog hovedsagelig som en kunstner, i hvis værk de maleriske kanoner fra højrenæssancen blev fuldendt. Blandt Rafaels kunstneriske præstationer er maleriet af Vatikanets ceremonielle haller. Han malede portrætterne af Julius II og Leo X, takket være hvilken Rom blev hovedstad for renæssancekunst. Det foretrukne billede af kunstneren har altid været Guds Moder, et symbol moderkærlighed. Det er ikke tilfældigt, at den fantastiske sixtinske Madonna anerkendes som hans største mesterværk.

En hæderlig plads i renæssancekunstens historie indtager den venetianske malerskole, hvis grundlægger var Giorgione (1476/77-1510). Hans mesterværker som "Judith" og "Sleeping Venus" modtog verdensomspændende anerkendelse. . Den mest fremragende kunstner i Venedig var Tizian (1470/80'erne - 1576). Alt, hvad han lærte af Giorgione og andre mestre, bragte Titian til perfektion, og den frie måde at skrive på, han skabte, havde stor indflydelse på den efterfølgende udvikling af verdensmaleriet.

Blandt de tidlige mesterværker af Titian er maleriet "Earthly Love and Heavenly Love", som er originalt i design. Den venetianske kunstner var kendt som en uovertruffen portrætmaler. At posere for ham blev betragtet som en ære af både de romerske paver og de kronede personer.

Arkitektur og skulptur

Grundlæggerne af den nye arkitektoniske stil var fremragende mestre Firenze, især Filippo Brunelleschi, der skabte den monumentale kuppel af katedralen Santa Maria del Fiore. Men hovedtypen af ​​arkitektonisk struktur i denne periode var ikke længere en kirke, men en sekulær bygning - et palads (palads). Renæssancestilen er kendetegnet ved monumentalitet, der skaber et indtryk af storhed, og den understregede enkelhed af facader, bekvemmeligheden af ​​rummelige interiører. Den komplekse struktur af gotiske bygninger, som overvældede folk med deres storhed, blev modarbejdet af ny arkitektur, som skabte et fundamentalt nyt miljø, mere i overensstemmelse med menneskelige behov.

Under renæssancen var der en adskillelse af skulptur fra arkitektur, fritstående monumenter optrådte som et selvstændigt element i bylandskabet, og kunsten at skulpturelle portrætter udviklede sig hurtigt. Portrætgenren, som var udbredt inden for maleri, skulptur og grafik, svarede til renæssancekulturens humanistiske stemning.

Litteratur, teater, musik

Renæssancelitteraturen, som oprindeligt blev skabt på latin, gav efterhånden plads til en virkelig national, italiensk. Ved midten af ​​det XVI århundrede. det italienske sprog, hvis grundlag var den toscanske dialekt, bliver fremherskende. Det var det første nationale litterære sprog i Europa, hvis overgang bidrog til den store udbredelse af renæssanceundervisningen.

Gennem det 16. århundrede stammer fra Italien nationalteater i ordets moderne betydning. Italienske folkekomedier var de første i Europa, der blev skrevet i prosa og havde en realistisk karakter, det vil sige svarede til virkeligheden.

Lidenskaben for musik i Italien har altid været mere udbredt end i noget andet land i Europa. Det var af massekarakter og var en integreret del af dagligdagen for de bredeste dele af befolkningen. Renæssancen medførte store forandringer på dette område. Orkestre er især populære. Nye typer musikinstrumenter bliver til, violinen kommer frem fra strygere.

Ny forståelse af historie og statsvidenskabens fødsel

Renæssancens tænkere udviklede et originalt syn på historien og skabte en fundamentalt ny periodisering historisk proces, som var fundamentalt anderledes end det mytiske skema lånt fra Bibelen. Erkendelsen af, at en ny historisk epoke var ankommet, var det mest originale træk ved den italienske renæssance. I modsætning til middelalderen vendte humanisterne sig til den antikke verdens mestre som deres direkte forgængere, og de betegnede årtusindet mellem deres "nye" tid og antikken som den navnløse "middelalder". Dermed blev en helt ny tilgang til historiens periodisering født, som stadig er accepteret i dag.

Den italienske renæssances største tænker, som ydede et uvurderligt bidrag til udviklingen af ​​både historiske og politisk tankegang, var Niccolò Machiavelli (1469-1527). Han var indfødt i Firenze, han havde ledende stillinger i regeringen og udførte vigtige diplomatiske missioner i de år, hvor Italien blev skueplads for voldsom international rivalisering. Det var i denne katastrofale æra for sit land, at den florentinske tænker forsøgte at besvare vor tids mest akutte problemer. For ham repræsenterede historien fortidens politiske erfaring, og politik repræsenterede moderne historie.

De vigtigste bekymringer for Machiavelli var folkets "fælles bedste" og "statens interesse". Det er deres beskyttelse, og ikke private interesser, der efter hans mening bør bestemme herskerens adfærd. "Bevis på min ærlighed og troskab er min fattigdom," skrev Machiavelli til støtte for sine konklusioner. Hans politiske testamente var ordene: "vig ikke fra det gode, hvis det er muligt, men vær i stand til at gå ind på det ondes vej, hvis det er nødvendigt." Denne opfordring opfattes ofte som en begrundelse for en umoralsk politik, der ikke foragter nogen midler til at nå sine mål, for hvilken begrebet "machiavellianisme" endda blev opfundet.

Fra bogen af ​​N. Machiavelli "The Sovereign"

"Min hensigt er at skrive noget nyttigt for nogen, der forstår dette, og derfor forekom det mig mere korrekt at lede efter den virkelige og ikke den imaginære sandhed af tingene." Når alt kommer til alt, "så stor er afstanden fra, hvordan livet rent faktisk flyder, til hvordan det skal leves."

"Både velorganiserede stater og kloge fyrster prøvede især hårdt på ikke at forbitre de adelige og samtidig tilfredsstille folket, gøre dem glade, for dette er en af ​​prinsens hovedting." Og "den, i hvis hænder magten er givet, må aldrig tænke på sig selv."

Den suveræne "bør virke barmhjertig, trofast, human, oprigtig, from; det burde være sådan, men man skal så bekræfte sin ånd, at man om nødvendigt bliver anderledes ... bliver til det modsatte. "Når alt kommer til alt, vil den, der altid vil bekende tro på godhed, uundgåeligt gå til grunde blandt så mange mennesker, der er fremmede for godhed."

Referencer:
V.V. Noskov, T.P. Andreevskaya / Historie fra slutningen af ​​det 15. til slutningen af ​​det 18. århundrede

Den italienske renæssances æra eller italiensk renæssance, perioden med kulturel og ideologisk udvikling af landet i perioden fra slutningen af ​​det XIII til det XVI århundrede. et nyt vigtigt stadium i udviklingen af ​​verdenskulturen. På dette tidspunkt når alle former for kunst en hidtil uset blomstring. Interessen for mennesket under renæssancen bestemte et nyt skønhedsideal.

I kunsthistorien bruges de italienske navne fra de århundreder, hvor oprindelsen og udviklingen af ​​den italienske renæssancekunst falder. Så det 13. århundrede hedder Ducento, det 14. - Trecento, det 15. - Quattrocento, det 16. - Cinquecento.

Quattrocento satte dette program ud i livet. Karakteristisk for ham var fremkomsten af ​​adskillige centre for renæssancekultur - i Firenze (det var i spidsen indtil begyndelsen af ​​det 16. århundrede), Milano, Venedig, Rom, Napoli.

I arkitekturen spillede appellen til den klassiske tradition en særlig vigtig rolle. Det manifesterede sig ikke kun i afvisningen af ​​gotiske former og genoplivningen af ​​det gamle ordenssystem, men også i den klassiske proportionalitet af proportioner, i udviklingen af ​​en centrisk type bygninger i tempelarkitekturen med et let synligt indre rum. Især en masse nye ting blev skabt inden for civilarkitekturen. I renæssancen får bybygninger i flere etager (rådhuse, købmandslaugshuse, universiteter, pakhuse, markeder osv.) et mere elegant udseende, en type bypalads (palazzo) dukker op - boligen af ​​en velhavende borger, samt en type landvilla. Spørgsmål i forbindelse med planlægning af byer bliver løst på en ny måde, bycentre bliver rekonstrueret.

Renæssancens kunst er opdelt i fire faser:

Proto-renæssance (slutningen af ​​XIII - I halvdelen af ​​det XIV århundrede),

Tidlig renæssance (II halvdel af XIV - begyndelsen af ​​det XV århundrede),

Højrenæssance (slutningen af ​​det 15. århundrede, de første tre årtier af det 16. århundrede),

Sen renæssance (midten og anden halvdel af det 16. århundrede)

PROTORENESSANCE.

Italiensk kultur oplever et strålende opsving. Udviklingen af ​​proto-renæssancetendenser forløb ujævnt. Et træk ved italiensk kirkearkitektur er også konstruktionen af ​​kupler over krydset mellem det centrale skib og tværskibet. Blandt de mest berømte monumenter af denne italienske version af gotikken er katedralen i Siena (XIII-XIV århundreder).Trækkene af det gamle og det nye var sammenflettet i italiensk kultur. Inden for arkitektur, skulptur og maleri dukker store mestre frem, som er blevet æraens stolthed - Niccolo og Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Pietro Cavallini, Giotto di Bondone, hvis arbejde i vid udstrækning bestemte den videre udvikling af italiensk kunst, der lagde grundlag for fornyelse.

Niccolo Pisano - Prædikestolen af ​​hvid, pink-rød og mørkegrøn marmor er en hel arkitektonisk struktur, let synlig fra alle sider. Ifølge middelaldertraditionen er der på brystningerne (prædikestolens vægge) relieffer på scener fra Kristi liv, mellem dem er profeternes skikkelser og allegoriske dyder. Søjlerne hviler på ryggen af ​​liggende løver. Niccolo Pisano brugte her traditionelle plots og motiver, men prædikestolen tilhører en ny æra.

Romersk skole (Pietro Cavallini (mellem 1240 og 1250 - omkring 1330)

Florentinsk skole (Cimabue)

Skole i Siena (Sienas kunst er præget af træk af raffineret sofistikering og dekorativitet. I Siena blev franske illustrerede manuskripter og kunsthåndværk værdsat. I XIII-XIV århundreder blev en af ​​de mest elegante katedraler i italiensk gotik opført her, på hvis facade Giovanni Pisano arbejdede i 1284-1297.)

TIDLIG RENAISSANCE KUNST

i Italiens kunst er der en afgørende forandring. Fremkomsten af ​​et magtfuldt centrum for renæssancen i Firenze førte til fornyelsen af ​​hele den italienske kunstneriske kultur.

Vend mod realisme. Firenze blev det førende centrum for kultur og kunst. Sejr af House of Medici. I 1439 Det Platonske Akademi oprettes. Laurentian Library, Medici Art Collection. En ny vurdering af det smukke - lighed med naturen, en sans for proportioner.

I bygninger fremhæves væggens plan. Materialitet Bruneleschi, Alberti, Benedetto da Maiano.

Filippo Brunelleschi (1337-1446) er en af ​​de største italienske arkitekter i det 15. århundrede. Det danner stilen fra renæssancen. Mesterens innovative rolle blev bemærket selv af hans samtidige. Ved at bryde med det gotiske stolede Brunelleschi ikke så meget på antikke klassikere som på arkitekturen fra proto-renæssancen og på den nationale tradition for italiensk arkitektur, som bevarede elementer fra klassikerne gennem middelalderen. Brunelleschis værk står ved overgangen til to epoker: Samtidig fuldender det traditionen fra proto-renæssancen og lægger grundlaget for en ny vej i arkitekturens udvikling.

Donatello (1386-1466) - den store florentinske billedhugger, der ledede mestrene, der indledte renæssancens blomstring. I sin tids kunst optrådte han som en sand innovatør. Donatello var den første af renæssancens mestre, der formåede at løse problemet med en stabil indstilling af figuren, for at formidle kroppens organiske integritet, dens tyngde, masse. Han var en af ​​de første til at bruge teorien om lineært perspektiv i sine værker.

HØJ VEJLEDNING

Dette er tidspunktet for den nærmeste interaktion forskellige områder kunstnerisk og intellektuel kreativitet baseret på det etablerede fællestræk af nye verdenssynspositioner, og forskellige typer kunst - på baggrund af en ny stil, der er blevet almindelig for hele deres ensemble. Renæssancens kultur fik på dette tidspunkt hidtil uset magt og bred anerkendelse i det italienske samfund.

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Grundlægger af højrenæssancen. For ham er kunst viden om verden. Dybdegående funktioner. Generaliserede former. Større videnskabsmand.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

Billedhugger, maler, arkitekt

I 1508 inviterede pave Julius II Michelangelo til at male loftet i Det Sixtinske Kapel.

SEN GIVELSE

senrenæssancemestre - Palladio, Veronese, Tintoretto. Mester Tintoretto gjorde oprør mod de etablerede traditioner i billedkunsten - overholdelse af symmetri, streng balance, statisk; udvidede rummets grænser, mættede det med dynamik, dramatisk handling, begyndte at udtrykke menneskelige følelser mere levende. Han er skaberen af ​​massescener gennemsyret af erfaringens enhed.

Hvad er Revival. Vi forbinder vækkelsen med præstationer på kulturområdet, primært inden for billedkunst. For øjnene af enhver, der i det mindste er lidt fortrolig med kunsthistorien, er der harmonisk smukke og majestætiske billeder skabt af kunstnere: blide madonnaer og kloge helgener, modige krigere og borgere fuld af betydning. Deres figurer rejser sig højtideligt på baggrund af marmorbuer og søjler, bag hvilke gennemsigtige lyslandskaber breder sig.

Kunsten fortæller altid om sin tid, om de mennesker, der levede dengang. Hvilken slags mennesker skabte disse billeder, fulde af værdighed, indre fred, tillid til deres egen betydning?

Udtrykket "renæssance" blev først brugt af Giorgio Vasari i midten af ​​det 16. århundrede. i sin bog om de berømte italienske malere, billedhuggere og arkitekter fra XIII-XVI århundreder. Navnet dukkede op i det øjeblik, hvor selve æraen sluttede. Vasari investerede i dette koncept en meget bestemt betydning: kunstens storhedstid, opgang, genoplivning. Senere begyndte ønsket om genoplivning af gamle traditioner i kultur, der er iboende i denne periode, at blive betragtet som ikke mindre vigtigt.

Renæssancefænomenet blev skabt af samfundets betingelser og behov på tærsklen til den nye tidsalder (dvs. tiden i udkanten af ​​dannelsen af ​​et industrisamfund), og appellen til antikken gjorde det muligt at finde egnede udtryksformer nye ideer og stemninger. Den historiske betydning af denne periode ligger i dannelsen af ​​en ny type personlighed og i skabelsen af ​​grundlaget for en ny kultur.

Nye tendenser i det italienske samfunds liv. For lettere at forstå essensen af ​​de forandringer, der er begyndt på det sociale og åndelige område, er det nødvendigt at forestille sig, hvordan forholdet mellem individ og samfund blev bygget i middelalderen. Så blev den menneskelige personlighed opløst i det lille kollektiv (et bondesamfund, en ridderorden, et klosterbroderskab, et håndværksværksted, et købmandslaug), som en person var knyttet til af omstændighederne omkring sin oprindelse og fødsel. Han selv og alle omkring ham opfattede ham primært som for eksempel en fra (bror) - et medlem af klosterbroderskabet, og ikke som en bestemt person med et bestemt navn.

Relationer mellem mennesker, adfærdsnormer og deres opfattelse er blevet uddybet og klart defineret. Hvis vi kun fokuserer på den teoretiske side af sagen, så kan vi sige dette: gejstligheden var forpligtet til at bede for alle lægfolk, adelen til at beskytte alle mod en mulig ydre trussel, og bønderne til at støtte og brødføde de første og andet gods. I praksis var alt dette selvfølgelig langt fra en teoretisk idyl, men rollefordelingen var netop det. Social ulighed var solidt forankret i den offentlige bevidsthed, hver ejendom havde sine egne strengt definerede rettigheder og forpligtelser, spillede en social rolle, der strengt svarede til dens sociale position. Fødslen sikrede individet en bestemt plads i samfundsstrukturen, det kunne næsten udelukkende ændre sin position inden for rammerne af det trin på den sociale rangstige, som det af oprindelse tilhørte.

Fiksering til en bestemt social niche forstyrrede det menneskelige individs frie udvikling, men gav ham visse sociale garantier. Således var middelalderens samfund fokuseret på uforanderlighed, stabilitet som en idealtilstand. Det tilhørte typen af ​​traditionelle samfund, hvis hovedbetingelse for eksistensen er konservatisme, lydighed mod traditioner og skikke.

Det gamle verdensbillede var fokuseret på det faktum, at det jordiske liv kun er en kort periode, hvor en person forbereder sig på det vigtigste, evige, andet verdensliv. Evigheden underkuede den flygtige virkelighed. Håb om gode forandringer var udelukkende forbundet med dette sande liv, med evigheden. Den jordiske verden, denne "sorgens dal", var kun interessant for så vidt som den var en svag afspejling af en anden hovedverden. Holdningen til mennesket var ambivalent – ​​han delte strengt taget sin jordiske, dødelige og syndige begyndelse, som burde have været foragtet og hadet, og den sublime, åndelige, som var den eneste, der var værdig til at eksistere. En asketisk munk, der gav afkald på det jordiske livs glæder og bekymringer, blev betragtet som et ideal.

En person var en del af et lille socialt fællesskab, og derfor blev enhver af hans aktiviteter, herunder kreative, opfattet som et resultat af kollektiv indsats. Faktisk var kreativiteten anonym, og vores viden om en bestemt billedhugger eller middelaldermalers arbejde er tilfældig og fragmentarisk. Byen, samfundet byggede katedralen, og alle dens detaljer var en del af en enkelt helhed, designet til integreret perception. Arkitektmestre, murermestre, ristere, malermestre rejste vægge, skabte skulpturer og glasmosaik, malede vægge og ikoner, men næsten ingen af ​​dem søgte at forevige deres navn for eftertiden. Ideelt set skulle de have gentaget på den bedst mulige måde, gengivet det, der var indviet af antikkens autoritet og blev betragtet som en "original", der burde efterlignes.

Det første skridt mod fremkomsten af ​​nye tendenser i samfundslivet var byernes vækst og udvikling. Appennin-halvøen, kilet ind i de åbne rum med en udstrakt støvle Middelhavet, indtog en yderst fordelagtig position i middelalderens verden. Fordelene ved denne placering blev især tydelige, da det økonomiske liv begyndte at genoplive i Vesten, og behovet for handelskontakter med de rige lande i Mellemøsten voksede. Fra det 12. århundrede Italienske byer begyndte at blomstre. Korstogene blev drivkraften til den hurtige udvikling af byøkonomien: ridderne, der tog af sted for at erobre Den Hellige Grav, havde brug for skibe til at krydse havet; våben til at bekæmpe; produkter og diverse husholdningsartikler. Alt dette blev tilbudt af italienske håndværkere, købmænd, sømænd.

I Italien var der ingen stærk centralregering, så hver by blev sammen med det omkringliggende landskab bystat, hvis velstand afhang af dens håndværkeres dygtighed, dens købmænds raskhed, dvs. fra alle indbyggeres virksomhed og energi.

Grundlaget for det økonomiske liv i det samfund, der eksisterede i Italien i det 14.-15. århundrede, var industri og handel, koncentreret i byer. Laugsystemet blev bevaret, og kun medlemmer af laugene havde borgerrettigheder; ikke alle indbyggere i byen. Ja, og forskellige værksteder adskilte sig væsentligt i graden af ​​indflydelse: for eksempel i Firenze, ud af 21 værksteder, havde "seniorværkstederne", som forenede folk fra de mest prestigefyldte erhverv, størst indflydelse. Medlemmerne af seniorværkstederne, de "fede mænd", var i virkeligheden iværksættere, og nye træk i det økonomiske liv kom til udtryk i fremkomsten af ​​elementer (indtil videre kun elementer!) af en ny økonomisk struktur.

Renæssance by. Renæssancens kultur er en bykultur, men byen, der fødte den, var mærkbart anderledes end middelalderbyen. Udadtil var dette ikke for slående: de samme høje mure, det samme tilfældige layout, den samme katedral på hovedtorvet, de samme smalle gader. "Byen voksede som et træ: beholdt sin form, men voksede i størrelse, og bymurene, som ringe på et snit, markerede milepælene i dens vækst." Så i Firenze i det XIII århundrede. det tog to gange et århundrede at udvide ringen af ​​vægge. Ved midten af ​​det XIV århundrede. pladsen til byudvikling blev øget 8 gange. Regeringen tog sig af opførelsen og bevarelsen af ​​murene.

Byportene fungerede som kontaktpunkt med omverdenen. Vagterne, der stod ved porten, opkrævede et gebyr fra købmænd og bønder, der ankom til byen, de beskyttede også byen mod et eventuelt fjendtligt angreb. Før begyndelsen af ​​artilleriets æra var mure med stærke porte ret pålidelig beskyttelse mod eksterne indtrængen, kun mad og vand ville være nok. Denne begrænsning gjorde det overfyldt, for at øge antallet af etager i bygninger. Italien er karakteriseret ved opførelsen af ​​høje tårne ​​af rivaliserende velhavende familier, hvis vertikaler sammen med kirkernes klokketårne ​​gav byens silhuet udseende af en stenskov. Sienas udseende er for eksempel beskrevet i A. Bloks linjer som følger: "Du stak kirker og tårne ​​ind i himlen."

Byen er et kunstigt organiseret rum. Gader og pladser i italienske byer fra det 13. århundrede. brolagt med sten eller småsten. Hverdagen folk passerede for det meste på gaden. Købmænd, pengevekslere og håndværkere udførte pengetransaktioner på gaden; håndværkere arbejdede ofte på gaden under en baldakin; de mødtes på gaden eller på pladsen for at diskutere forskellige spørgsmål; fødsler, konkurser, dødsfald, ægteskaber, henrettelser. Hver bybos liv fortsatte foran naboerne.

Den centrale plads var dekoreret ikke kun med en majestætisk katedral, men med skulpturer. Et eksempel på en sådan udsmykning er i Firenze pladsen foran Palazzo Vecchio (rådhuset). I den forreste del af byen var kvarteret af gamle bygninger i romansk (i mindre grad gotisk) stil og nye renæssancebygninger særligt bemærkelsesværdigt. Beboere i nabobyer konkurrerede med hinanden i udsmykning af pladser, kirker og offentlige bygninger.

I XIV-XV århundreder. i italienske byer byggede man hurtigt, gamle bygninger blev revet ned og erstattet med nye. Bygningernes forfald var langt fra altid årsagen til dette - smagen ændrede sig, velstanden voksede, og samtidig ønsket om at demonstrere nye muligheder. Et eksempel af denne art er det, der startede i det XIV århundrede. opførelsen af ​​det nye florentinske katedral(Duomo, bedre kendt som Santa Maria del Fiori), hvis kuppel var den største for sin tid i Vesten.

Nogle gange forenede velhavende familier flere gamle boliger bag den renoverede facade. Så arkitekten L. B. Alberti, bestilt af Ruchelai-familien, byggede et palads i en ny stil, der skjulte otte huse bag en rustikeret facade. Banen mellem husene blev omdannet til en gårdhave. En sådan teknik gjorde det muligt at inkludere boliger, varehuse og butikker, loggiaer og en have i et enkelt kompleks. Den vigtigste arkitektoniske form for en sekulær bybygning -palazzo - paladser velhavende borgere, som havde en rektangulær form med en gårdhave. Palazzoets facader ud mod gaden svarede til de levevilkår, der var karakteristiske for de italienske byrepublikker. Eftertrykkeligt grov bearbejdning af sten (rustovka), som var foret med væggen på underetagen, tykke vægge, små vinduer - alt dette mindede om, at et sådant palads kunne tjene som et pålideligt husly under adskillige politiske konflikter i byen.

Interiøret bestod af en suite af værelser dekoreret med vægmalerier og dækket med trælofter, udskårne og sjældnere stuklofter. Ved højtidelige lejligheder blev væggene dekoreret med vægtæpper (espalier), som også bidrog til at bevare varmen i lokalerne. Rummelig Yu

rum (strofer), marmortrapper skabte indtrykket af højtidelig pragt. Vinduerne blev lukket med træskodder, nogle gange blev de dækket af olieret linned, senere (men dette var allerede næsten en syndig luksus!) De blev fyldt med små stykker glas indsat i et blydæksel. Hovedopvarmningsapparatet forblev ildstedet i køkkenet, samt ildsteder i de store forstuer, der hellere pyntede end opvarmede. Derfor forsøgte de at forsyne senge med en baldakin og hegn tunge gardiner af fra det omkringliggende rum. Det var umuligt at varme hele rummet op med en varm sten eller en flaske varmt vand. Som regel havde kun familiens overhoved "sitt eget" værelse, et studie-atelier, "et arbejdssted for korrespondance af manuskripter, refleksioner, ensom viden om verden og sig selv" og resten af ​​husstanden boede sammen. Det daglige liv for en velhavende familie foregik oftest i gården og gallerierne omkring den.

Relativt få, men massive og rigt dekorerede med udskæringer og malerier, vidnede møbler om ønsket om komfort. De mest almindelige eksempler på møbler var en bryllupskiste (cassonne), en kistebænk med ryg, massive garderobeskabe dekoreret med arkitektoniske detaljer, borde, lænestole og taburetter. Interiøret var dekoreret ikke kun med vægmalerier, men også med bronzelamper, malet keramik (majolica), spejle i udskårne rammer, sølv og glasvarer og blondeduge.

Mange arkitekter drømte om at ændre byernes udseende efter ny smag, men dette var umuligt: ​​storstilet byggeri krævede enorme midler og ikke mindre autoritet til at gennemføre massenedrivning af huse. For dette var det trods alt nødvendigt at bryde så mange huse, så mange mennesker at flytte, men der var ingen midler til dette. Derfor måtte de nøjes med opførelsen af ​​individuelle bygninger, oftest katedraler eller paladser af velhavende familier. Byer blev genopbygget gradvist, efter behov og muligt, uden nogen plan, og deres ydre udseende forblev stort set middelalderligt.

De ideelle renæssancebyer optrådte næsten udelukkende i tegninger og som baggrund for billedkompositioner. ”Modellen af ​​renæssancebyen er en åben model. Kernen er... pladsens frirum, som åbner sig udad med iagttagelsesåbninger af gaderne, med udsigt ud i det fjerne, ud over bymurene... sådan skildrede kunstnerne byen, sådan har forfatterne af arkitektoniske afhandlinger se det. Ideelt set beskytter renæssancebyen sig ikke mod ikke-byens åbne rum, tværtimod kontrollerer den den, underlægger den sig selv ... Renæssancens arkitektoniske tanke ... opponerer afgørende mod byen som en kunstig og dygtigt skabt arbejde, til det naturlige miljø. Byen skulle ikke adlyde lokaliteten, men underordne den... Middelalderens by var lodret. Byen i det 15. århundrede er ideelt tænkt som horisontal ... ”Arkitekterne, der tegnede de nye byer, tog højde for de skiftende forhold, og i stedet for de sædvanlige fæstningsværker foreslog de at bygge forsvarsborge rundt om byen.

Menneskers udseende. Menneskers udseende ændrede sig, tingenes verden, som de omgav sig med, ændrede sig. Selvfølgelig forblev de fattiges boliger (en lille træbygning eller et værelse bag en butik uden vinduer) de samme som for hundreder af år siden. Ændringerne påvirkede den velstående, velhavende del af befolkningen.

Tøjet ændrede sig alt efter epokens stemninger og smag. Smag blev nu bestemt af behovene og evnerne hos civile, velhavende borgere og ikke af den militære klasse af riddere. Overtøj blev syet af flerfarvede, ofte mønstrede stoffer som brokade, fløjl, stof og kraftig silke. Hør begyndte udelukkende at blive brugt som en underkjole, der kiggede gennem snøring og slidser på topkjolen. "En ældre borgers ydre påklædning, selv om han ikke havde nogen valgfunktion, var nødvendigvis lang, bred og gav hans udseende et præg af tyngde og betydning." Unges tøj var kort. Den bestod af en skjorte, en vest med stående krave og stramme strømper bundet til vesten, ofte flerfarvede. Hvis i det femtende århundrede præference blev givet til lyse og kontrasterende farver, dengang fra begyndelsen af ​​XYI århundrede. monokromt tøj, dekoreret med pels og en kæde af ædelmetal, bliver mere moderigtigt.

Kvinders tøj i det 15. århundrede Det var kendetegnet ved sin bløde form og mangefarvede. Over skjorter og kjoler med lange smalle ærmer, høj talje og stor firkantet halsudskæring bar de en kappe (sikora), som bestod af tre paneler. Bagpanelet faldt ned af ryggen i frie folder, og to hylder var draperet efter ejerens smag. Den overordnede silhuet mindede om antikken. Med begyndelsen af ​​det XVI århundrede. i kvinders outfits fremhæves vandret opdeling. En stor rolle i at dekorere kjolen begynder at spille blonder, indrammer halsudskæringen og kanterne af ærmerne. Taljen falder til et naturligt sted, halsudskæringen er gjort større, ærmerne er mere voluminøse, nederdelen er mere storslået. Tøj skulle understrege skønheden i en stærk, sund kvinde.

Opdagelsen af ​​det menneskelige "jeg". I det italienske renæssancesamfunds liv sameksisterer og fletter det gamle og det nye sig sammen. En typisk familie fra den æra er en stor familie, der forener flere generationer og flere grene af slægtninge, underordnet hovedpatriarken, men ved siden af ​​dette velkendte hierarki opstår en anden tendens relateret til opvågnen af ​​personlig selvbevidsthed.

Når alt kommer til alt, med fremkomsten i Italien af ​​betingelser for fremkomsten af ​​en ny økonomisk struktur og et nyt samfund, har kravene til mennesker, deres adfærd, holdning til jordiske anliggender og bekymringer også ændret sig. Grundlaget for det nye samfunds økonomiske liv var handel og håndværksproduktion, koncentreret i byerne. Men før det meste af befolkningen koncentrerede sig i byer, før fabrikker, fabrikker, laboratorier opstod, var der mennesker, der kunne skabe dem, mennesker, der var energiske, stræbte efter konstant forandring, kæmpede for at hævde deres plads i livet. Der har været en udgivelse menneskelig bevidsthed fra evighedens hypnose, hvorefter værdien af ​​øjeblikket, betydningen af ​​det flygtige liv, ønsket om at mærke fylden af ​​at være mere fuldt ud begyndte at mærkes skarpere.

opstod ny type personlighed, karakteriseret ved mod, energi, aktivitetstørst, fri for lydighed mod traditioner og regler, i stand til at handle på en usædvanlig måde. Disse mennesker var interesserede i en række af livets problemer. Så i florentinske købmænds regnskabsbøger kan man blandt numre og lister over forskellige varer finde diskussioner om menneskers skæbne, om Gud, om de vigtigste begivenheder i det politiske og kunstneriske liv. Bag alt dette mærker vi en øget interesse for mennesket, for sig selv.

En person begyndte at betragte sin egen individualitet som noget unikt og værdifuldt, så meget desto mere betydningsfuldt, fordi det har evnen til konstant at forbedre sig. Den hypertrofierede følelse af ens egen personlighed i al sin originalitet optager hele renæssancens menneske. Han opdager sin egen individualitet, kaster sig med glæde ind i sin egen sindsro chokeret over denne verdens nyhed og kompleksitet.

Digtere er særligt følsomme over for at fange og formidle epokens stemning. I de lyriske sonetter af Francesco Petrarch, dedikeret til den smukke Laura, er det tydeligt, at deres hovedperson er forfatteren selv og ikke genstand for hans tilbedelse. Læseren vil faktisk næsten intet lære om Laura, bortset fra at hun er perfektion i sig selv, besidder gyldne krøller og en gylden karakter. Deres ekstase, deres erfaringer, deres Lidelse blev beskrevet af Petrarca i sonetter. Efter at have hørt om Lauras død, min forældreløshed sørgede han:

Jeg sang om hendes gyldne krøller,

Jeg sang om hendes øjne og hænder,

ære pine med himmelsk lyksalighed,

Og nu er hun koldt støv.

Og jeg, uden et fyrtårn, i en forældreløs skal Gennem stormen, som ikke er ny for mig,

Jeg svæver gennem livet og hersker tilfældigt.

Man skal huske på, at opdagelsen af ​​det personlige "jeg" kun vedrørte den ene halvdel af menneskeheden - mænd. Kvinder blev i denne verden opfattet som væsener uden egen værdi. De skulle tage sig af husholdningen, føde og opdrage små børn, glæde mænd med deres behagelige udseende og manerer.

I realiseringen af ​​det menneskelige "jeg" blev tilstedeværelsen af ​​resultater betragtet som vigtig, og ikke det aktivitetsområde, hvor de blev opnået - uanset om det var en etableret handelsvirksomhed, en storslået skulptur, en vundet kamp eller beundringsværdig digt eller billede. Kend meget, læs meget, studer fremmedsprog, stift bekendtskab med gamle forfatteres skrifter, vær interesseret i kunst, forstå meget om maleri og poesi - dette var idealet for en person i renæssancen. Den høje standard af krav til den enkelte fremgår af Baldasar Castigliones essay "Om hoffet" (1528): "Jeg ønsker, at vores hoffmand skal være mere end middelmådig fortrolig med litteratur ... så han kan ikke kun latin, men også græsk ... så han kender digtere godt, såvel som talere og historikere, og ... forstår at skrive på vers og prosa ... Jeg vil ikke være tilfreds med vores hofmand, hvis han endnu ikke er musiker ... Der er en ting mere, som jeg lægger stor vægt på: det er netop evnen til at tegne og kendskabet til at male.

Det er nok at nævne nogle få navne på kendte personer fra den tid for at forstå, hvor forskelligartede interesserne var hos dem, der blev betragtet en typisk repræsentant af hans æra. Leon Batista Alberti - arkitekt, billedhugger, oldtidsekspert, ingeniør. Lorenzo Medici er en statsmand, strålende diplomat, digter, kender og protektor for kunsten. Verrocchio er billedhugger, maler, juveler og matematiker. Michelangelo Buonarroti - billedhugger, maler, arkitekt, digter. Raphael Santi - maler, arkitekt. Alle af dem kan kaldes heroiske personligheder, titaner. Samtidig skal man ikke glemme, at storhed præger skalaen, men ikke giver en vurdering af deres aktiviteter. Renæssancens titaner var ikke kun skabere, men også gode genier af deres land.

De sædvanlige forestillinger om, hvad der er "tilladt", og hvad der er "ulovligt", mistede deres betydning. Samtidig mistede de gamle regler for relationer mellem mennesker deres mening, som måske ikke gav absolut kreativ frihed, men er så vigtige for livet i samfundet. Ønsket om at hævde sig antog en række forskellige former - en sådan holdning kunne og gav anledning til ikke kun geniale kunstnere, digtere, tænkere, hvis aktiviteter var rettet mod skabelse, men også genier til ødelæggelse, genier af skurkskab. Et eksempel på denne art er en sammenlignende beskrivelse af to berømte samtidige, hvis aktivitetshøjde fandt sted ved overgangen til det 15.-16. århundrede.

Leonardo da Vinci (1452-1519)) - en person, om hvem det er lettere at sige, hvad han ikke vidste, end at opremse, hvad han kunne gøre. Den berømte maler, billedhugger, arkitekt, ingeniør, digter, musiker, naturforsker, matematiker, kemiker, filosof - alt dette refererer med rette til Leonardo. Han udviklede et projekt for et fly, en tank, de mest komplekse kunstvandingsfaciliteter og meget mere. Han arbejdede, hvor det var mere bekvemt at finde lånere blandt den herskende elite, nemt at skifte dem, og døde i Frankrig, hvor det står skrevet på hans gravsten, at han var "en stor fransk kunstner." Hans personlighed blev personificeringen af ​​renæssancens kreative ånd.

En samtidig af Leonardo var den berømte condottiere Cesare Borgia (1474-1507). Bred uddannelse blev kombineret i ham med naturlige talenter og uhæmmet egoisme. Hans ambition manifesterede sig i et forsøg på at skabe stærk stat i centrum af Italien. Han drømte om at forene hele landet i tilfælde af succes, han var en dygtig og succesrig kommandør og effektiv hersker. For at nå sit mål greb denne raffinerede kender og skønhedskender til bestikkelse, bedrag og mord. Sådanne metoder forekom ham ganske acceptable for at nå det store mål - skabelsen af ​​en stærk stat i centrum af Italien. Omstændighederne forhindrede C. Borgia i at udføre sine planer.

Leonardo da Vinci og Cesare Borgia er samtidige, lige så typiske for deres kritiske æra, hvor de gamle regler og normer for menneskelivet var ved at miste deres betydning, og de nye endnu ikke var blevet accepteret af samfundet. Den menneskelige personlighed stræbte efter selvbekræftelse ved at bruge alle midler og muligheder. For hende mistede de gamle ideer om "godt" og "dårligt", om "tilladt" og "ulovligt" også deres betydning. "Folk begik de vildeste forbrydelser og omvendte sig ikke fra dem på nogen måde, og de gjorde det, fordi det sidste kriterium for menneskelig adfærd så blev anset for at være individet, der følte sig isoleret." Ofte blev uselvisk hengivenhed til hans kunst og uhæmmet grusomhed kombineret i én person. Sådan var for eksempel billedhuggeren og guldsmeden B. Cellini, om hvem de sagde: "en bandit med fehænder."

Individets ønske om at udtrykke sig på alle måder kaldes titanisme. Renæssancens titaner blev personificeringen af ​​den æra, der opdagede værdien af ​​mennesket "JEG ER", men stoppede før problemet med at etablere visse regler i forholdet mellem transportører af mange forskellige "jeg".

Holdning til kreativ personlighed og kunstnerens stilling i samfundet. Der har været en drejning mod den type civilisation, der involverer menneskets aktive indgriben i miljø, - ikke kun selvforbedring, men også transformation af miljøet - naturen, samfundet - gennem udvikling af viden og deres anvendelse i den praktiske sfære. Det vigtigste i en person var således hans evne til selvrealisering og kreativitet (i ordets bredeste forstand). Dette indebar igen en afvisning af omfattende regulering til fordel for anerkendelse af privat initiativ. Det middelalderlige ideal om et kontemplativt liv blev fortrængt af et nyt ideal om et aktivt, aktivt liv, som gjorde det muligt at efterlade synlige beviser på en persons ophold på Jorden. Aktivitet bliver hovedformålet med tilværelsen: at bygge en smuk bygning, at erobre en masse lande, at udskære en skulptur eller male et billede, der vil forherlige dens skaber, at blive rig og efterlade et velstående handelsselskab, at etablere et nyt stat, at komponere et digt eller at efterlade talrige afkom - alt dette var i en vis betydning ækvivalent, tillod en person at efterlade sit præg. Kunst gjorde det muligt for det kreative princip at manifestere sig i en person, mens resultaterne af kreativitet bevarede hukommelsen om ham i lang tid, bragte ham tættere på udødelighed. Folk fra den æra var overbevist:

Skabelsen kan overleve skaberen:

Skaberen vil forlade, besejret af naturen,

Men det billede, han fangede

Vil varme hjerter i århundreder.

Disse linjer af Michelangelo Buonarroti kan ikke kun tilskrives kunstnerisk kreativitet. Ønsket om selvudfoldelse, selvbekræftelsens patos blev meningen med det åndelige liv i det italienske samfund i denne periode. Den kreative person blev værdsat meget højt og var først og fremmest forbundet med den kreative kunstner.

Sådan opfattede kunstnerne sig selv, og det var ikke i modstrid offentlige mening. Ordene, som den florentinske juveler og billedhugger Benvenuto Cellini angiveligt sagde til en hofmand, er kendt: "Måske er der kun én som mig i hele verden, men der er ti som dig ved hver dør." Legenden hævder, at herskeren, som hofmanden klagede over kunstnerens frækhed, støttede Cellini og ikke hofmanden.

En kunstner kunne blive rig som Perugino, få adelstitel, ligesom Mantegna eller Titian, at blive en del af herskernes inderkreds, ligesom Leonardo eller Raphael, men de fleste af kunstnerne havde status som håndværkere og betragtede sig selv som sådan. Billedhuggere var i samme værksted med murere, malere med apotekere. Ifølge deres tids ideer tilhørte kunstnerne det midterste lag af bybefolkningen, mere præcist til bunden af ​​dette lag. De fleste af dem blev betragtet som middelklassemennesker, der konstant skulle arbejde, lede efter ordrer. D. Vasari, der taler om sin kreative vej, bemærker konstant, at for at opfylde en ordre var han nødt til at tage til Napoli, den anden til Venedig, den tredje til Rom. Ind imellem disse ture vendte han tilbage til sit hjemland Arezzo, hvor han havde et hus, som han konstant udstyrede, indrettede, udvidede. Nogle kunstnere havde deres egne huse (i det 15. århundrede i Firenze kostede et hus 100-200 floriner), andre lejede det. Maleren brugte omkring to år på at male et mellemstort kalkmaleri, og modtog 15-30 floriner for dette, og dette beløb inkluderede omkostningerne til det anvendte materiale. Billedhuggeren brugte omkring et år på at lave skulpturen og modtog omkring 120 floriner for sit arbejde. I sidstnævnte tilfælde skal der tages højde for dyrere forbrugsstoffer.

Ud over pengebetalinger fik mestrene nogle gange ret til at spise i klostret. Den alvidende Vasari beskrev tilfældet med maleren Paolo Uccello, som abbeden fodrede ost i lang tid og flittigt, indtil mesteren holdt op med at komme på arbejde. Efter at kunstneren havde klaget til munkene over, at han var træt af ost, og de informerede abbeden om dette, ændrede denne menuen.

Det er interessant at sammenligne oplysninger om den økonomiske situation for to billedhuggere Donatello og Ghiberti, der er lige (og højt) værdsat af deres samtidige. Den første af dem var efter sin natur og levevis en skødesløs person i pengesager. Sagnet vidner om, at han lagde alle sine (betydelige) indtægter i en pung, der hang ved døren, og alle medlemmer af hans værksted kunne tage af disse penge. Så i 1427 lejede den herlige mester Donatello et hus for 15 floriner om året og havde en nettoindkomst (forskellen mellem hvad han skyldte og hvad han skyldte) - 7 floriner. Den økonomiske Lorenzo Ghiberti havde i samme 1427 et hus, en grund, en bankkonto (714 floriner) og en nettoindkomst på -185 floriner.

Mestre påtog sig villigt at opfylde en række ordrer om at dekorere kirker, rige paladser og dekorere bydækkende helligdage. “Der var ikke noget aktuelt hierarki af genrer: kunstgenstande var nødvendigvis funktionelle i naturen... Alterbilleder, malede kister, portrætter og malede bannere kom ud af ét værksted... Sådan var den kunstneriske selvbevidsthed, og man kan kun gæt på graden af ​​magi, mesterens enhed med sit arbejde, som han selv gned malingen til, han limede selv penslen, han bankede selv rammen sammen - derfor så han ikke den grundlæggende forskel mellem maleriet af alter og kiste.

Konkurrencer mellem kunstnere om retten til at modtage en rentabel statslig ordre var almindelig praksis. Den mest berømte af disse konkurrencer er konkurrencen om retten til at lave døre til det florentinske dåbskapellet (dåbskapellet), der blev afholdt i de første år af det 15. århundrede. San Giovanni var kær for alle byens indbyggere, fordi de blev døbt der, udstyret med navnet på hver af dem, derfra begyndte alle deres livsrejse. Alle kendte mestre deltog i konkurrencen, og den blev vundet af Lorenzo Ghiberti, som senere stolt skrev om den i sine Noter.

En anden berømt konkurrence fandt sted et århundrede senere. Dette er en kommission til udsmykning af rådssalen, givet af den florentinske Senoria til to af de mest berømte rivaler, Leonardo da Vinci og Michelangelo Buonarroti. Udstilling af pap (tegninger i livsstørrelse), lavet af mestre, blev en begivenhed i republikkens offentlige liv.

Humanisme. Middelalderens tænkere glorificerede det sublime, åndelige princip i mennesket og forbandede grunden, kropsligt. Mennesker fra den nye æra sang i mennesket både sjælen og kroppen og betragtede dem som lige så smukke og lige betydningsfulde. Deraf navnet på denne ideologi - humanisme (homo- Menneske).

Renæssancens humanisme omfattede to komponenter: humanisme, kulturens høje spiritualitet; og et kompleks af humanitære discipliner rettet mod at studere en persons jordiske liv, såsom grammatik, retorik, filologi, historie, etik og pædagogik. Humanister søgte at vende hele vidensystemet for at løse problemerne med menneskets jordiske liv. Humanismens semantiske kerne var påstanden om en ny forståelse af individet, i stand til fri selvudvikling. Således manifesterede det hovedtendensen i det historiske perspektiv for moderniseringsudvikling - forandring, fornyelse, forbedring.

Humanisterne udgjorde ikke et talrigt, men et indflydelsesrigt socialt lag af samfundet, forløberen for den fremtidige intelligentsia. Den humanistiske intelligentsia omfattede repræsentanter for bybefolkningen, adelen og gejstligheden. De brugte deres viden og interesser i en række aktiviteter. Blandt humanisterne kan man nævne fremragende politikere, advokater, ansatte i magistraten, kunstnere.

Manden i repræsentationen af ​​datidens folk blev sammenlignet med en dødelig gud. Essensen af ​​renæssancen ligger i, at mennesket blev anerkendt som "skabelsens krone", og den synlige jordiske verden fik en selvstændig værdi og betydning. Hele tidens verdensbillede var fokuseret på glorificeringen af ​​menneskets fortjenester og evner; det var ikke tilfældigt, at det blev kaldt humanisme.

Middelalderens teocentrisme blev erstattet af antropocentrisme. Mennesket som den mest perfekte skabelse af Gud var i centrum for filosoffers og kunstneres opmærksomhed. Renæssancens antropocentrisme viste sig på forskellige måder. Således blev sammenligningen af ​​arkitektoniske strukturer med den menneskelige krop, lavet i antikken, suppleret i den kristne ånd. "Leon Batista Alberti, der fremhævede bibelsk antropomorfi fra den hedenske Vitruvius, sammenlignede søjlernes proportioner med forholdet mellem højden og tykkelsen af ​​en person ... han, efter Augustin den salige, korrelerede menneskelige proportioner med parametrene for Noas ark og Salomons tempel. Maksimen "mennesket er alle tings mål" havde en aritmetisk betydning for renæssancen.

Den italienske humanist, der levede i anden halvdel af 1400-tallet, var i stand til på mest overbevisende måde at udtrykke antropocentrismens væsen. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494 ). Han ejer et essay kaldet "Tale om menneskets værdighed." Selve navnet er veltalende, hvor det evaluerende øjeblik understreges - "menneskelig værdighed". I denne afhandling siger Gud til en person: "Jeg har placeret dig midt i verden, så det ville være lettere for dig at trænge ind i dine omgivelser med dine øjne. Jeg skabte dig som et væsen ikke himmelsk, men ikke kun jordisk, ikke dødelig, men heller ikke udødelig, så du, fri for tvang, selv bliver en skaber og skaber dit eget billede fuldstændigt.

Mennesket viser sig at være den mest perfekte skabelse, mere perfekt end selv himmelske væsener, da de er udstyret med deres egne dyder lige fra begyndelsen, og et menneske kan udvikle dem selv, og hans tapperhed, hans adel vil udelukkende afhænge af hans personlige kvaliteter. (virtu). Her er, hvad arkitekten og forfatteren Leon Batista Alberti skrev om menneskelige evner: "Så jeg indså, at det er i vores magt at opnå alle former for ros, uanset tapperhed, ved hjælp af vores egen iver og dygtighed, og ikke kun ved at naturens og tidernes nåde ...” Humanistiske videnskabsmænd søgte bekræftelse af deres holdning til mennesket hos filosoffer fra andre tidsaldre og fandt lignende synspunkter blandt antikkens tænkere.

Gammel arv. Vanen med at stole på en eller anden form for autoritet tvang humanisterne til at lede efter bekræftelse af deres synspunkter, hvor de fandt ideer, der var tætte i ånden - i gamle forfatteres værker. "Kærlighed til de gamle" er blevet et karakteristisk træk, der adskiller repræsentanter for denne ideologiske retning. At mestre antikkens åndelige oplevelse skulle bidrage til dannelsen af ​​en moralsk perfekt person og dermed den åndelige rensning af samfundet.

Middelalderen brød aldrig helt med den gamle fortid. Italienske humanister betragtede antikken som et ideal. Tænkere fra det forrige årtusinde udpegede Aristoteles blandt de antikke forfattere, humanister var mere tiltrukket af berømte talere (Cicero) eller historikere (Titus Livius), digtere. I de gamles skrifter forekom de vigtigste tanker dem om åndelig storhed, kreative muligheder og menneskers heltegerninger. F. Petrarch var en af ​​de første, der begyndte specifikt at lede efter antikke manuskripter, studere antikke tekster og henvise til antikke forfattere som den højeste autoritet. Humanister opgav middelalderlatin og forsøgte at skrive deres kompositioner på klassisk "ciceronisk" latin, hvilket tvang dem til at underordne det nutidige livs realiteter til grammatikkens krav. Klassisk latin forenede sine lærde i hele Europa, men adskilte deres "republik af lærde" fra dem, der ikke var fortrolige med latinens finesser.

Renæssance og kristne traditioner. De nye livsbetingelser krævede en afvisning af de gamle kristne idealer om ydmyghed og ligegyldighed over for jordelivet. Denne fornægtelses patos var meget mærkbar i renæssancens kultur. Dog afslå Kristen lære Det skete ikke. Renæssancefolk fortsatte med at betragte sig selv som gode katolikker. Kritik af kirken og dens ledere (især klostervæsen) var meget almindelig, men det var en kritik af kirkens folk, og ikke af den kristne lære. Desuden blev ikke kun den umoralske adfærd hos en del af kirkemændene kritiseret af humanisterne, for dem var middelalderens ideal om tilbagetrækning, afvisning af verden uacceptabel. Her er, hvad humanisten Caluccio Salutati skrev til sin ven, der besluttede sig for at blive munk: "Tro ikke, O Pellegrino, at du løber væk fra verden, undgår synet af smukke ting, låser dig inde i et kloster eller trækker dig tilbage til en skete er vejen til perfektion."

Kristne ideer sameksisterede ganske fredeligt i menneskers sind med nye adfærdsnormer. Blandt forsvarerne af nye ideer var der mange skikkelser fra den katolske kirke, inklusive de højeste rækker, op til og med kardinaler og paver. I kunsten, især i maleriet, forblev religiøse temaer fremherskende. Vigtigst af alt omfattede renæssancens idealer kristen spiritualitet, fuldstændig fremmed for antikken.

Samtidige værdsatte humanisternes aktiviteter som den højeste præstation af deres tids kultur, og deres efterkommere kender deres højt lærde studier mere af rygter. For de efterfølgende generationer er deres arbejde, i modsætning til kunstneres, arkitekters og billedhuggeres værker, af interesse som et historisk fænomen. I mellemtiden er det netop disse pedantiske kendere af latin, disse elskere af ræsonnement

0 dyder af de gamle udviklede grundlaget for et nyt syn på verden, mennesket, naturen, indpodet i samfundet nye etiske og æstetiske idealer. Alt dette gjorde det muligt at bryde væk fra middelalderens traditioner og give den fremvoksende kultur et fornyet udseende. Derfor er renæssancetidens italienske historie for eftertiden først og fremmest historien om den italienske kunsts storhedstid.

Problemet med at flytte plads. Renæssancen er præget af en respektfuld, næsten ærbødig holdning til viden, til læring. Det var i betydningen viden i ordets bredeste betydning, at ordet "videnskab" blev brugt på det tidspunkt. Der var kun én måde at opnå viden på - observation, kontemplation. Den mest progressive gren af ​​viden på det tidspunkt viste sig at være viden relateret til den visuelle undersøgelse af den ydre verden.

”Den lange modningsproces for natur- og livsvidenskaberne begynder allerede i det trettende århundrede. Og dens begyndelse var en revolution i udviklingen af ​​syn, forbundet med optikkens fremskridt og opfindelsen af ​​briller ... Konstruktionen af ​​et lineært perspektiv udvidede synsfeltet horisontalt og begrænsede dermed dominansen af ​​den vertikale rettet mod himlen i det. Kilden til information var menneskeligt øje. Kun en kunstner kunne formidle information, skabe et synligt billede af enhver genstand, en person, der ikke kun har et skarpt øje, men også evnen til at fange og formidle til beskueren udseendet af en genstand eller et fænomen, som beskueren ikke ser, men vil gerne vide det. Derfor entusiasmen og stoltheden i ordene fra D. Vasari, der skrev: "Øjet, kaldet sjælens vindue, er den vigtigste måde, hvorpå den generelle følelse kan største rigdom og pragt at betragte naturens endeløse kreationer ... "

Det er derfor ikke overraskende, at renæssancens folk ærede maleriet som en videnskab og den vigtigste af videnskaberne: "Åh, fantastiske videnskab, du holder de dødeliges dødelige skønheder i live, gør dem mere holdbare end kreationerne af natur, konstant ændret af tiden, hvilket bringer dem til en uundgåelig alderdom ...” gentog Leonardo da Vinci på forskellige måder i sine noter.

I dette tilfælde vil overførslen af ​​illusionen om et objekts tredimensionalitet, dets placering i rummet, dvs. evnen til at skabe en pålidelig tegning. Farve spillede en underordnet rolle, tjente som en ekstra dekoration. "Perspektivet var det vigtigste intellektuelt spil tid..."

Vasari bemærkede i sine "Biografier" specifikt entusiasme hos en række kunstnere fra det 15. århundrede. studiet af lineært perspektiv. Således "fikserede" maleren Paolo Uccello bogstaveligt talt på problemerne med perspektivet, viede alle sine bestræbelser på at bygge rummet korrekt og lærte at formidle illusionen om reduktion og forvrængning af arkitektoniske detaljer. Kunstnerens kone "sagde ofte, at Paolo brugte hele nætter på at sidde i sit atelier på jagt efter perspektivets love, og at da hun kaldte ham i søvn, svarede han hende: "Åh, hvor er dette perspektiv hyggeligt!"

Stadier af den italienske renæssance. Kulturen i den italienske renæssance gik gennem flere stadier. Navnene på perioder er traditionelt bestemt af århundreder:

• - skiftet af XIII-XIV århundreder. - Ducento, Proto-renæssance (førrenæssance). Center - Firenze;
• - XIV århundrede. -trecento (tidlig renæssance);
• - XV århundrede. - quattrocento (fejringen af ​​renæssancens kultur). Sammen med Firenze dukker nye kulturcentre op i Milano, Ferrara, Mantua, Urbino, Rimini;
• - XVI århundrede. -cinquecento, omfatter: højrenæssance (første halvdel af det 16. århundrede), lederskab i kulturlivet går over til Rom, og sen renæssance (50-80'erne af det 16. århundrede), hvor Venedig bliver det sidste centrum for renæssancekulturen.

Proto-renæssance. I de tidlige stadier af renæssancen var Firenze hovedcentret for den nye kultur. Ikonisk digterfigur Dante Alighieri (1265-1321 ) og maleren Giotto af Bondone (1276-1337 ), begge kommer ud af Firenze, begge personligheder er typiske for en ny historisk æra - aktiv, aktiv, energisk. Kun en af ​​dem, Dante, der havde deltaget aktivt i den politiske kamp, ​​endte sit liv som politisk eksil, og den anden, Giotto, var ikke kun kendt kunstner, men også arkitekt, levede som en respektabel og velstående borger (i halv). Hver inden for sit kreativitetsområde var en innovatør og fuldendelsen af ​​traditioner på samme tid.

Sidstnævnte kvalitet er mere karakteristisk for Dante. Hans navn blev gjort udødelig af digtet "Den guddommelige komedie", som fortæller om forfatterens vandringer i anden verden. Alle hovedideerne i det middelalderlige verdensbillede er koncentreret i dette værk. Det gamle og det nye side om side i det. Handlingen er ganske middelalderlig, men genfortalt på en ny måde. Først og fremmest er det vigtigt at bemærke, at Dante opgav latin. Digtet er skrevet på toscansk dialekt. Billedet af et middelalderligt lodret billede af universet er givet: Helvedes cirkler, skærsildens bjerg, Paradisets rum, men hovedpersonen er Dante selv, som ledsages af den romerske digter Vergil på hans vandringer gennem Helvede og Skærsilden, og i Paradis møder han den "guddommelige Beatrice", en kvinde, som digteren elskede hele sit liv. Rollen tildelt den dødelige kvinde i digtet indikerer, at forfatteren er vendt mod fremtiden snarere end til fortiden.

Digtet er beboet af mange karakterer, aktive, ukuelige, energiske, deres interesser er vendt til det jordiske liv, de er bekymrede for jordiske lidenskaber og gerninger. Forskellige skæbner, karakterer, situationer går foran læseren, men disse er mennesker fra den kommende æra, hvis ånd ikke er vendt til evigheden, men til øjeblikkelig interesse "her og nu." Skurke og martyrer, helte og ofre, der forårsager medfølelse og had - de forbløffer alle med deres vitalitet og kærlighed til livet. Det gigantiske billede af universet er skabt af Dante.

Kunstneren Giotto satte sig som mål at efterligne naturen, som ville blive hjørnestenen for malere i den næste æra. Dette blev manifesteret i ønsket om at formidle mængden af ​​objekter, ty til lys-og-skygge-modellering af figurer, introducere landskab og interiør i billedet, forsøge at organisere billedet som en sceneplatform. Derudover forlod Giotto middelaldertraditionen med at fylde hele rummet af vægge og lofter med malerier, der kombinerer forskellige emner. Kapellernes vægge er dækket af fresker, som er placeret i bælter, og hvert bælte er opdelt i flere isolerede malerier dedikeret til en bestemt episode og indrammet med en ornamental mønsterramme. Beskueren, der passerer langs kapellets vægge, undersøger forskellige episoder, som om han vender siderne i en bog.

De mest berømte værker af Giotto er vægmalerier (freskoer) i kirker i Assisi og Padua. I Assisi er maleriet dedikeret til livet

Frans af Assisi, kort forinden kanoniseret som helgen. Padua-cyklussen er forbundet med Det Nye Testamentes historier, der fortæller historien om Jomfru Marias og Jesu Kristi liv.

Giottos innovation bestod ikke kun i brugen af ​​nye teknikker, ikke kun i at "kopiere" naturen (som blev taget for bogstaveligt af hans umiddelbare tilhængere - jottesco), men i at genskabe et nyt verdensbillede med billedteknikker. Billederne skabt af ham er fulde af styrke og rolig storhed. Sådanne er lige så meget Mary, der højtideligt accepterer nyheden om sin udvalgte ("Bebudelse"), og den godmodige St. Francis, der glorificerer universets enhed og harmoni ("St. Frans prædiker for fuglene"), og Kristus møder roligt Judas' forræderiske kys ("Kys of Judas"). Dante og Giotto betragtes som de mestre, der startede udviklingen af ​​temaet heroisk mand i den italienske renæssance.

Trecento. Ære til denne periode blev bragt af mestrene, der udviklede sig lyrisk tema i kunst. De klangfulde strofer i Petrarchs sonetter om den smukke Laura gengiver den raffinerede linearitet i værkerne af Sienesiske kunstnere. Disse malere var påvirket af gotiske traditioner: kirkernes spidse spir, lancetbuer, figurernes 5-formede kurve, billedets fladhed og linjens dekorative karakter kendetegner deres kunst. af de fleste berømt repræsentant Sienese skole overvejes Simone Martini (1284-1344). Alterkompositionen, der viser scenen for Bebudelsen, indrammet af udsøgte forgyldte udskæringer, der danner aflange gotiske buer, er typisk for ham. Den gyldne baggrund gør hele scenen til en fantastisk vision, og figurerne er fulde af dekorativ finesse og finurlig ynde. Den æteriske skikkelse af Mary lunefuldt bøjet på en gylden trone, hendes sarte ansigt får os til at huske Bloks linjer: "lumske Madonnaer kniber deres lange øjne." Kunstnerne i denne kreds udviklede den lyriske linje i renæssancens kunst.

I det XIV århundrede. dannelsen af ​​det italienske litterære sprog. Datidens forfattere komponerede villigt sjove historier om jordiske forhold, huslige problemer og menneskers eventyr. De var optaget af spørgsmål: hvordan en person vil opføre sig under visse omstændigheder; Hvordan svarer menneskers ord og gerninger til hinanden? Sådanne noveller (noveller) blev kombineret til samlinger, der udgjorde en slags " menneskelig komedie» fra den tid. Den mest berømte af dem, Decameron » Giovanni Boccaccio (1313-1375 ), er en encyklopædi over hverdagslivet og skikke i sin tids liv.

For eftertiden Francesco Petrarca (1304-1374) - den første lyriske digter i moderne tid. For sine samtidige var han den største politiske tænker, filosof, mester i flere generationers tanker. Han kaldes den første humanist. I hans afhandlinger blev de vigtigste teknikker og temaer, der er iboende i humanismen, udviklet. Det var Petrarch, der henvendte sig til studiet af gamle forfattere, han henviste konstant til deres autoritet, begyndte at skrive på den korrekte ("Ciceronian") latin, opfattede problemerne i sin tid gennem prisme af gammel visdom.

I musik dukkede nye tendenser op i værker af sådanne mestre som F. Landini. Denne retning blev kaldt "ny kunst". På det tidspunkt, nyt musikalske former sekulær musik som balladen og madrigalen. Gennem indsatsen fra komponisterne af den "nye kunst" blev melodi, harmoni og rytme kombineret til et enkelt system.

Quattrocento. Denne periode åbner tre mestres aktivitet: arkitekten Filippo Brunelleschi (1377-1446 ), billedhugger Donatello(1386-1466 ), maler Masaccio (1401-1428 ). Deres hjemby Firenze bliver det anerkendte centrum for en ny kultur, hvis ideologiske kerne var forherligelsen af ​​mennesket.

I Brunelleschis arkitektoniske design er alt underordnet menneskets ophøjelse. Dette blev manifesteret i det faktum, at bygninger (selv store kirker) blev bygget for at en person ikke skulle virke fortabt og ubetydelig dér, som i en gotisk katedral. Lys arkader (elementer, der ikke havde nogen analog i antikken) pryder børnehjemmets ydre gallerier, lyse og stringente interiører sat i en seriøs stemning, en majestætisk og let ottekantet kuppel kroner rummet i katedralen Santa Maria della Fiore. Facaderne på bypaladser-paladser, hvor det ru murværk på første sal (rustikation) er modsat af elegante portalvinduer, er fulde af streng tilbageholdenhed. Dette indtryk blev opnået af arkitekten Filippo Brunelleschi.

Billedhuggeren Donato, der trådte ind i kunsthistorien under sit kælenavn Donatello, genoplivede en type fritstående skulptur glemt i middelalderen. Han formåede at kombinere det gamle ideal om en harmonisk udviklet menneskelige legeme med kristen spiritualitet og intens intellektualitet. De billeder, han skabte, det være sig den ophidset anspændte profet Avvakum ("Zukkone"), den eftertænksomme erobrer David, den roligt koncentrerede Maria Anunziata, den frygtindgydende Gattamelata i sin lidenskabelige udholdenhed, forherliger det heroiske princip i mennesket.

Tomaso Masaccio fortsatte Giottos reformer i maleriet. Hans figurer er omfangsrige og eftertrykkeligt materielle ("Madonna og barn med St. Anne"), de står på jorden og "svæver" ikke i luften ("Adam og Eva, fordrevet fra paradis"), de er placeret i et rum, som kunstneren formåede at formidle ved hjælp af det centrale perspektivs teknikker ("Trinity").

Kalkmalerierne af Masaccio i Brancacci-kapellet forestiller apostlene, der ledsagede Kristus på hans jordiske vandringer. Det er almindelige mennesker, fiskere og håndværkere. Kunstneren søger dog ikke at klæde dem i klude for at understrege deres enkelhed, men undgår også frodige klæder, der ville vise deres udvalgthed, eksklusivitet. Det er vigtigt for ham at vise den tidløse betydning af det, der sker.

Renæssancemestre i Mellemøsten i Italien forsøgte at undgå denne form for detaljer. Det blev anset for at være vigtigere at formidle det typiske, generaliserede, frem for individuelle, tilfældige, at formidle en persons storhed. Til dette benyttede Piero della Francesca f.eks. teknikker som brugen af ​​en "lav horisont" og sammenligningen af ​​menneskelige figurer draperet i brede kapper med arkitektoniske former ("Dronningen af ​​Saba før Salomon").

Sammen med denne heroiske tradition udviklede der sig en anden lyrisk. Det var domineret af dekorativitet, flerfarvet (overfladen af ​​mange malerier fra den æra ligner elegante tæpper) og mønstre. Karaktererne afbildet af mestrene i denne retning er melankolsk eftertænksomme, fyldt med øm sorg. Små ting i hverdagen, finurlige detaljer udgør en væsentlig del af deres tiltrækningskraft. Kunstnerne i denne cirkel inkluderede både florentinske mestre og kunstnere fra andre skoler. De mest berømte af dem er Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Den mest geniale mester i denne retning var florentineren Sandro Botticelli (1445-1510 ). Den rørende, gribende skønhed ved hans Madonnaer og Venuser er for mange forbundet med Quattrocentos kunst generelt. Udsøgt falmede farver, finurlige, nu flydende, nu vridende linjer, lyse skikkelser, der glider over jorden og ikke lægger mærke til hinanden. Botticelli er en af ​​renæssancens mest charmerende kunstnere, hvis arbejde kombinerer indflydelsen fra middelalderens æstetik, flydende i nye kunstneriske teknikker og en forudanelse om en krise i den humanistiske kultur. I hans maleri er der mytologiske, allegoriske og bibelske fortællinger. Disse plot er formidlet af en enkelthjertet og oprigtig person, der har tilsluttet sig neoplatonismens filosofiske ideer.

Botticellis kunst blomstrede ved hoffet hos den uofficielle hersker i Firenze, bankmand Lorenzo Medici, som var en typisk sociopolitisk skikkelse i sin tid: en snedig og risikable politiker, en barsk hersker, en entusiastisk kunstelsker, en god digter. Han begik ikke sådanne grusomheder som S. Malatesta eller C. Borgia, men holdt sig i det hele taget til de samme principper i sine handlinger. Han var karakteriseret (igen i tidens ånd) af en trang til at demonstrere ydre luksus, pragt, festivitas. Under ham var Firenze berømt for sine strålende karnevaler, hvoraf en obligatorisk del var udklædte processioner, hvor der blev spillet små teaterforestillinger om mytologiske og allegoriske temaer, akkompagneret af dans, sang og recitation. Disse festligheder forudså dannelsen af ​​teaterkunst, hvis fremkomst begyndte i det næste, 16. århundrede.

Humanismens idékrise. Humanismen fokuserede på forherligelsen af ​​mennesket og nærede håb om, at en fri menneskelig personlighed kunne forbedres uendeligt, og samtidig ville menneskers liv blive bedre, forholdet mellem dem ville være venligt og harmonisk. To århundreder er gået siden begyndelsen af ​​den humanistiske bevægelse. Menneskets spontane energi og aktivitet har skabt meget - storslåede kunstværker, rige handelsvirksomheder, videnskabelige afhandlinger og vittige noveller, men livet er ikke blevet bedre. Desuden var tanken om dristige skaberes posthume skæbne mere og mere foruroligende. Hvad kan retfærdiggøre menneskets jordiske aktivitet fra efterlivets synspunkt? Humanismen og hele renæssancens kultur gav ikke svar på dette spørgsmål. Individets frihed, indskrevet på humanismens fane, gav anledning til problemet med det personlige valg mellem godt og ondt. Valget blev ikke altid truffet til fordel for det gode. Kampen om magt, indflydelse, rigdom førte til konstante blodige træfninger. Blod oversvømmede gader, huse og endda kirker i Firenze, Milano, Rom, Padua og alle de store og små bystater i Italien. Meningen med livet blev reduceret til at opnå specifikke og håndgribelige succeser og præstationer, men samtidig havde det ikke nogen højere berettigelse. Derudover kunne "spillet uden regler", som blev til livsreglen, ikke fortsætte for længe. Denne situation gav anledning til et voksende ønske om at indføre et element af organisering og sikkerhed i samfundslivet. Det var nødvendigt at finde en højere retfærdiggørelse, en højere stimulans til den vanvittige kogning af menneskelig energi.

Hverken den humanistiske ideologi, orienteret mod at løse det jordiske livs problemer, eller den gamle katolicisme, hvis etiske ideal blev vendt til et rent kontemplativt liv, kunne give en overensstemmelse mellem livets skiftende behov og deres ideologiske forklaring. Religiøse dogmer måtte tilpasse sig behovene i et samfund af aktive, initiativrige, uafhængige individualister. Forsøg på kirkereformer under forholdene i Italien, det tidligere ideologiske og organisatoriske centrum i den katolske verden, var dog dømt til at mislykkes.

Det mest slående eksempel på dette er den dominikanske munk Girolamo Savonarolas forsøg på at gennemføre en sådan reform under forholdene i Firenze. Efter den geniale Lorenzo de' Medicis død oplevede Firenze en politisk og økonomisk krise. Medici-domstolens pragt blev trods alt ledsaget af en forringelse af Firenzes økonomi, en svækkelse af dens position blandt nabostaterne. Den strenge dominikanske munk Savonarola fik enorm indflydelse i byen og opfordrede til afvisning af luksus, udøvelse af forfængelige kunster og etablering af retfærdighed. De fleste af byens indbyggere (inklusive kunstnere som Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) begyndte entusiastisk at bekæmpe det onde, ødelægge luksusgenstande, brænde kunstværker. Gennem bestræbelserne fra kurien i Rom blev Savonarola væltet og henrettet, oligarkiets magt blev genoprettet. Men den tidligere, fredfyldte og glædelige tillid til idealerne, rettet til forherligelsen af ​​det perfekte menneske, var væk.

Højrenæssance. Kernen i den humanistiske ideologi var frigørelsens, frigørelsens subversive patos. Da dets muligheder var udtømt, var der en krise. En kort periode, cirka tre årtier, er tidspunktet for den sidste start før starten på ødelæggelsen af ​​hele systemet af ideer og stemninger. Centret for kulturel udvikling flyttede på dette tidspunkt fra Firenze, som var ved at miste sin republikanske dygtighed og orden, til Rom, centrum for det teokratiske monarki.

Tre mestre udtrykte højrenæssancen bedst muligt i kunsten. Det kan siges, selv om det naturligvis er noget betinget, at den ældste af dem, Leonardo Da Vinci (1452-1519 ), sang det menneskelige intellekt, sindet, der hæver en person over den omgivende natur; den yngste, Rafael Santi (1483-1520 ), skabte perfekt smukke billeder, der legemliggør harmonien mellem åndelig og fysisk skønhed; -en Michelangelo Buonarroti (1475-1564) forherligede menneskets styrke og energi. Den verden skabt af kunstnerne er en realitet, men renset for alt småligt og tilfældigt.

Det vigtigste, Leonardo overlod til folk, er hans maleri, der glorificerer menneskets skønhed og sind. Allerede den første af selvstændigt arbejde Leonardo - hovedet af en engel, skrevet til "Dåben" af sin lærer Verrocchio, slog publikum med sit tankevækkende og eftertænksomme blik. Kunstnerens karakterer, uanset om det er den unge Maria, der leger med et barn (“ Madonna Benois”), den smukke Cicilia (“Dame med en hermelin”) eller apostlene og Kristus i scenen for den sidste nadver er først og fremmest tænkende væsener. Det er tilstrækkeligt at minde om maleriet kendt som portrættet af Mona Lisa ("Gioconda"). Udseendet af en roligt siddende kvinde er fuld af en sådan indsigt og dybde, at det ser ud til, at hun ser og forstår alt: følelserne hos folk, der ser på hende, kompleksiteten i deres liv, uendeligheden af ​​kosmos. Bag hende er et smukt og mystisk landskab, men hun hæver sig over alt, hun er det vigtigste i denne verden, hun personificerer det menneskelige intellekt.

I Raphael Santis personlighed og arbejde blev ønsket om harmoni, indre balance, rolig værdighed karakteristisk for den italienske renæssance manifesteret med særlig fylde. Han efterlod sig ikke kun malerier og arkitektoniske værker. Hans malerier er meget forskellige i emner, men når de taler om Raphael, dukker billeder af hans Madonnaer først op. De har en rimelig andel af ligheder, manifesteret i åndelig klarhed, barnlig renhed og klarhed i den indre verden. Blandt dem er der tankevækkende, drømmende, flirtende, fokuserede, hver enkelt legemliggør en eller anden facet af et billede - en kvinde med en barnesjæl.

Den mest berømte af Raphael Madonnaerne, den sixtinske madonna, falder ud af denne serie. Sådan beskrives indtrykket af de sovjetiske soldater, der så det i 1945 taget ud af minen, hvor det blev gemt af nazisterne: ”Intet på billedet holder i starten din opmærksomhed; dit blik glider, stopper ikke ved noget, indtil det øjeblik, indtil det møder et andet, bevæger sig mod blikket. Mørke, bredt anlagte øjne ser roligt og opmærksomt på dig, indhyllet i en gennemsigtig skygge af øjenvipper; og allerede noget vagt rørte sig i din sjæl, hvilket gjorde dig opmærksom ... Du forsøger stadig at forstå, hvad sagen er, hvad der præcist på billedet gjorde dig opmærksom på, alarmerede dig. Og dine øjne trækkes ufrivilligt igen og igen til hendes blik ... Den sixtinske madonnas blik, let skyet af sorg, er fuld af tillid til fremtiden, mod hvilken hun med sådan storhed og enkelthed bærer sin kære søn.

En lignende opfattelse af billedet formidles af sådanne poetiske linjer: "Kongeriger gik til grunde, havene tørrede ud, / Citadeller brændte til grunden, / Aona i moderlig sorg / Fra fortid til fremtid gik."

I Rafaels arbejde er ønsket om at finde det fælles, typiske i individet særligt levende. Han talte om, at han var nødt til at se en masse smukke kvinder for at kunne skrive Skønhed.

Når de lavede et portræt, fokuserede kunstnerne fra den italienske renæssance ikke på detaljerne, der hjælper med at vise individet i en person (øjneformen, næsens længde, læbernes form), men på det generaliserende- typisk, der udgør mandens "arts"-træk.

Michelangelo Buonarroti var både en vidunderlig digter og en strålende billedhugger, arkitekt og maler. Michelangelos lange kreative liv omfattede tiden med den højeste blomstring af renæssancekulturen; han, der overlevede de fleste af renæssancens titaner, måtte observere sammenbruddet af humanistiske idealer.

Den styrke og energi, som hans værker er gennemsyret af, virker nogle gange overdreven, overvældende. I denne mesters arbejde kombineres skabelsens patos, karakteristisk for æraen, med en tragisk følelse af denne patos undergang. Kontrasten mellem fysisk magt og impotens er til stede i en række skulpturelle billeder, såsom figurerne af "Slaver", "Fanger", berømt skulptur"Nat", såvel som i billederne af sibyllerne og profeterne på loftet i Det Sixtinske Kapel.

Et særligt tragisk indtryk gør maleriet, der forestiller scenen for den sidste dom, på den vestlige væg af Det Sixtinske Kapel. Ifølge kunstkritikeren er "Kristi løftede hånd kilden til en hvirvelformet sfærisk bevægelse, der finder sted omkring den centrale oval... Verden sættes i bevægelse, den hænger over afgrunden, hele rækken af ​​kroppe hænger over afgrunden i den sidste dom... I et vredt udbrud gik Kristi hånd op. Nej, han fremstod ikke som en frelser for mennesker ... og Michelangelo ønskede ikke at trøste folk ... Denne Gud er ganske usædvanlig ... han er skægløs og ungdommelig hurtig, han er kraftfuld i sin fysiske styrke, og alt hans styrke er givet til vrede. Denne Kristus kender ingen nåde. Nu ville det kun være at tolerere det onde.

Renæssance i Venedig: en fejring af farver. En rig handelsrepublik blev centrum for senrenæssancen. Blandt de kulturelle centre i Italien indtog Venedig en særstilling. Nye tendenser trængte ind der meget senere, hvilket forklares af de stærke konservative følelser, der eksisterede i denne oligarkiske handelsrepublik, forbundet med tætte forbindelser med Byzans og stærkt påvirket af den "byzantinske måde".

Derfor viser renæssancens ånd sig i venetianernes kunst først fra anden halvdel af det 15. århundrede. i værker af flere generationer af kunstnere fra Bellini-familien.

I øvrigt, Venetiansk maleri har en anden bemærkelsesværdig forskel. I billedkunsten på andre italienske skoler var det vigtigste tegning, evnen til at formidle volumen af ​​kroppe og genstande ved hjælp af lys- og skyggemodellering (den berømte sfumato Leonardo da Vinci), venetianerne, lagde på den anden side stor vægt på farvespillet. Den fugtige atmosfære i Venedig var medvirkende til, at kunstnerne behandlede det maleriske i deres arbejde med stor opmærksomhed. Ikke overraskende var venetianerne de første af italienske kunstnere henvendte sig til teknikken oliemaleri, udviklet i det nordlige Europa, i Holland.

Den virkelige blomstring af den venetianske skole er forbundet med kreativitet Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Denne tidligt afdøde mester efterlod sig få malerier. Mennesket og naturen er hovedtemaet for sådanne værker som "Country Concert", "Sovende Venus", "Thunderstorm". "Der hersker en lykkelig harmoni mellem natur og menneske, som strengt taget er billedets hovedtema." Farve spiller en vigtig rolle i Giorgiones maleri.

Den mest berømte repræsentant for den venetianske skole var Tizian Vecelio, hvis fødselsår er ukendt, men han døde en meget gammel mand, i 1576 under en pestepidemi. Han malede billeder om bibelske, mytologiske, allegoriske emner. I hans maleri er der en stærk livsbekræftende begyndelse, heltene og heltinderne er fulde af styrke og fysisk sundhed, majestætiske og smukke. Alterbilledet af Maria Himmelfart (Assunta) og det antikke motiv af Bacchanalia er lige så mættet med impulsens og bevægelsens energi. Cæsars Denarius (Kristus og Judas) og Kærligheden på jorden og himlen er også gennemsyret af filosofiske overtoner. Kunstneren sang om kvindelig skønhed ("Venus of Urbino", "Danae", "Pige med frugt") og det tragiske øjeblik af en persons afgang fra livet ("Kristi klagesang", "Begravelsen"). Majestætisk smukke billeder, harmoniske detaljer i arkitektoniske former, smukke ting, der fylder interiøret, maleriernes bløde og varme farve - alt vidner om kærligheden til livet, der ligger i Titian.

Det samme tema blev konstant udviklet af en anden venetianer, Paolo Veronese (1528-1588 ). Det er hans storstilede "Feasts" og "Celebrations", hans allegorier til ære for velstanden i den venetianske republik, der først og fremmest kommer til at tænke på med ordene "venetiansk maleri". Veronese mangler Tizians alsidighed og visdom. Hans maleri er mere dekorativt. Det blev skabt, først og fremmest, for at dekorere paladset i det venetianske oligarki og designe officielle bygninger. Det muntre temperament og oprigtighed gjorde dette panegyriske maleri til en jublende fejring af livet.

Det skal bemærkes, at venetianerne oftere end repræsentanter for andre italienske skoler, der er antikke historier.

politiske ideer. Det blev tydeligt, at den humanistiske tro på, at en fri og almægtig person ville blive lykkelig og gøre alle omkring ham glade, ikke var berettiget, og søgen efter andre muligheder for at opnå lykke begyndte. Efterhånden som håbet om et individs evne til at skabe betingelser for et lykkeligt eller i det mindste fredeligt liv for mennesker forsvandt, blev opmærksomheden flyttet til mulighederne i et organiseret menneskeligt fællesskab - staten. Ved oprindelsen af ​​den moderne tids politiske tankegang er en florentiner Niccolo Machiavelli (1469-1527 ), som var statsmand, historiker, dramatiker, militærteoretiker og filosof. Han forsøgte at forstå, hvordan samfundet skulle organiseres, så folk kunne leve mere fredeligt. Herskerens stærke magt er det, der efter hans mening kunne sikre orden. Må herskeren være grusom som en løve og snedig som ræve, må han, beskytte sin magt, eliminere alle rivaler. Ifølge Machiavelli skulle ubegrænset og ukontrolleret magt bidrage til skabelsen af ​​en stor og magtfuld stat. I sådan en tilstand vil de fleste mennesker leve i fred, uden frygt for deres liv og ejendom.

Machiavellis aktiviteter vidnede om, at tiden med "at spille uden regler" gjorde samfundet ret træt, at der var behov for at skabe en kraft, der kunne forene mennesker, regulere forholdet mellem dem, etablere fred og retfærdighed, og staten begyndte at blive betragtet som som sådan en kraft.

Kunstens plads i samfundet. Som allerede nævnt var det mest ærede aktivitetsområde dengang kunstnerisk kreativitet, fordi det var kunstens sprog, der udtrykte sig i æraen som helhed. Den religiøse bevidsthed var ved at miste sin omsiggribende indflydelse på samfundslivet, og den videnskabelige viden var stadig i sin vorden, så verden blev opfattet gennem kunsten. Kunsten spillede den rolle, som i middelalderen tilhørte religionen, og i samfundet i moderne og nutidig tid, til videnskaben. Universet blev ikke opfattet som et mekanistisk system, men som en integreret organisme. Det vigtigste middel til at forstå miljøet var iagttagelse, kontemplation, fiksering af det sete, og dette var bedst tilvejebragt ved at male. Det er ikke tilfældigt, at Leonardo da Vinci kalder maleriet for en videnskab, i øvrigt den vigtigste af videnskaberne.

Mange fakta vidner om vigtigheden af ​​udseendet af et fremragende kunstværk i samtidens øjne.

Om konkurrencer mellem kunstnere om retten til at modtage en rentabel statslig ordre blev nævnt ovenfor. Lige så kontroversielt var spørgsmålet om, hvor Michelangelos "David" skulle stå, og et par årtier senere opstod det samme problem over installationen af ​​"Perseus" af B. Cellini. Og dette er blot nogle få af de mest berømte eksempler af denne art. En sådan holdning til fremkomsten af ​​nye kunstneriske kreationer designet til at dekorere og glorificere byen var helt naturlig for renæssancens byliv. Epoken talte om sig selv i kunstværkernes sprog. Derfor blev enhver begivenhed i kunstnerlivet vigtig for hele samfundet.

Temaer og fortolkning af plots i kunsten fra den italienske renæssance. For første gang i tusind år efter kristen kulturs eksistens begyndte kunstnere at skildre den jordiske verden, ophøje, glorificere, guddommeliggøre den. Kunstens temaer forblev næsten udelukkende religiøse, men inden for rammerne af dette traditionelle tema flyttede interessen sig relativt set til livsbekræftende emner.

Det første, der kommer til at tænke på ved omtalen af ​​den italienske renæssance, er billedet af Maria med en baby, som er repræsenteret af en ung elskerinde (Madonna) med et rørende smukt barn. "Madonna og barn", "Madonna med hellige" (det såkaldte "Hellige interview"), "Hellig familie", "tilbedelse af magi", "Fødsel", "Procession of the Magi" er de foretrukne temaer i tidens kunst. Nej, både "Korsfæstelser" og "Lamentations" blev skabt, men denne note var ikke den vigtigste. Kunder og kunstnere, som legemliggjorde deres ønsker i synlige billeder, fandt i traditionelle religiøse emner noget, der bar håb og tro i en lys begyndelse.

Blandt karaktererne af hellige legender dukkede billeder af rigtige mennesker op, som donorer(donorer) placeret uden for rammen af ​​alterkompositionen eller som hovedpersoner i overfyldte processioner. Det er tilstrækkeligt at minde om "Mægernes tilbedelse" af S. Botticelli, hvor medlemmer af Medici-familien er genkendelige i den elegante skare af tilbedere, og hvor kunstneren formodentlig placerede et selvportræt. Sammen med dette blev selvstændige portrætbilleder af samtidige, malet fra livet, fra hukommelsen, ifølge beskrivelser, udbredt. I de sidste årtier af det femtende århundrede kunstnere begyndte i stigende grad at skildre scener af mytologisk karakter. Sådanne billeder skulle dekorere palazzoets lokaler. Scener fra det moderne liv indgik i religiøse eller mytologiske kompositioner. I sig selv interesserede moderniteten i dens daglige udfoldelser ikke kunstnere for meget, de klædte sublime, ideelle temaer i velkendte visuelle billeder. Renæssancens mestre var ikke realister i ordets moderne betydning, de genskabte med de midler, de havde til rådighed, menneskets verden, renset for hverdagslighed.

Efter teknikkerne i lineært perspektiv skabte kunstnerne på flyet illusionen af ​​et tredimensionelt rum fyldt med figurer og genstande, der så ud til at være tredimensionelle. Mennesker i renæssancemalerier er repræsenteret som majestætiske og vigtige. Deres stillinger og fagter er fulde af alvor og højtidelighed. En smal gade eller en rummelig plads, et smart møbleret værelse eller frit spredte bakker - alt tjener som baggrund for menneskers figurer.

I italiensk renæssancemaleri er landskabet eller interiøret primært en ramme for menneskelige figurer; subtil lys- og skyggemodellering skaber et indtryk af materialitet, men ikke groft, men udsøgt luftigt (det er ikke tilfældigt, at Leonardo anså det ideelle tidspunkt for arbejde for at være midt på dagen i overskyet vejr, når belysningen er blød og diffus) ; den lave horisont gør figurerne monumentale, som om de rører himlen med deres hoveder, og tilbageholdenheden i deres stillinger og fagter giver dem højtidelighed og majestæt. Karakterer er ikke altid smukke i ansigtstræk, men er altid fyldt med indre betydning og betydning, følelser værdighed og ro.

Kunstnere i alt og undgå altid ekstremer og ulykker. Her er, hvordan kunstkritikeren beskrev museumsindtrykkene af maleriet fra den italienske renæssance: "Salene for italiensk kunst i XIV-XVI århundreder er kendetegnet ved en interessant funktion- de er overraskende stille med en overflod af besøgende og forskellige udflugter ... Stilheden flyder fra væggene, fra malerierne - den høje himmels majestætiske stilhed, bløde bakker, store træer. Og -store mennesker... Mennesker er større end himlen. Verden, der breder sig bag dem - med veje, ruiner, flodbredder, byer og ridderborge - ser vi som fra flyvehøjde. Det er omfattende, detaljeret og respektfuldt fjernet."

I historien om udstillingen af ​​pap lavet af Leonardo og Michelangelo til rådssalen (malerierne blev aldrig færdiggjort af hverken den ene eller den anden), er det værd at være opmærksom på, at det virkede særligt vigtigt for florentinerne at se pap. De værdsatte især tegningen, som formidler formen, volumen af ​​de afbildede genstande og kroppe, såvel som det ideologiske koncept, som mesteren forsøgte at legemliggøre. Farve i maleriet var for dem snarere en tilføjelse, der understregede den form, tegningen skabte. Og en ting mere: at dømme efter de overlevende kopier skulle begge værker (de var viet til to kampe, der var vigtige for bystaten Firenzes historie) være blevet en typisk manifestation af renæssancens tilgang til kunst, hvor hovedsagen var mand. På trods af al forskellen på pap, Leonardo og Michelangelo - kavalerikrigere, der klamrer sig til en enkelt bold under kampen om banneret ved Leonardo ("Slaget ved Anghiari") og soldater, der skynder sig til våben, fanget af fjenden, mens de svømmer i floden, hos Michelangelo ("Slaget ved Cachine"), er indlysende generel tilgang til præsentationen af ​​det afbildede, der kræver at fremhæve den menneskelige figur, underordne det omgivende rum til det. Skuespillerne er jo vigtigere end handlingsstedet.

Det er interessant at spore, hvordan tidens tankegang blev afspejlet i kunsten ved at sammenligne flere værker, der er dedikeret til at skildre det samme emne. En af tidens yndlingshistorier var historien om Sankt Sebastian, som blev henrettet af romerske soldater for sit engagement i kristendommen. Dette tema gjorde det muligt at vise den menneskelige persons heltemod, i stand til at ofre sit liv for sin tro. Derudover gjorde plottet det muligt at vende sig til billedet af en nøgen krop for at realisere det humanistiske ideal - en harmonisk kombination af et smukt udseende og en smuk menneskesjæl.

I midten af ​​det XV århundrede. Der er skrevet flere artikler om dette emne. Forfatterne var ret forskellige mestre: Perugino, Antonello de Mesina og andre. Når man ser på deres malerier, bliver man slået af den ro, følelsen af ​​indre værdighed, der gennemsyrer billedet af en smuk nøgen ung mand, der står nær en søjle eller et træ og drømmende ser ind i himlen. Bag ham er et fredeligt landskab eller et hyggeligt bytorv. Kun tilstedeværelsen af ​​pile i en ung mands krop fortæller seeren, at vi har en henrettelsesscene foran os. Smerte, tragedie, død mærkes ikke. Disse smukke unge mænd, forenet af martyren Sebastians skæbne, er bevidste om deres udødelighed, ligesom folk, der levede i Italien i det 15. århundrede, følte deres usårlighed, almagt.

På billedet, malet af kunstneren Andrea Mantegna, mærker vi tragedien af ​​det, der sker, hans St. Sebastian føler, at han er ved at dø. Og endelig, i midten af ​​det XVI århundrede. Titian Vcelio skrev sin St. Sebastian. Der er ikke noget detaljeret landskab på dette lærred. Handlingsstedet er kun angivet. Der er ingen tilfældige figurer i baggrunden, ingen bøddelkrigere, der sigter mod deres bytte, intet, der kan fortælle seeren meningen med situationen, og der er samtidig en følelse tragisk afslutning. Dette er ikke bare et menneskes død, det er hele verdens død, der brænder i de røde glimt af en universel katastrofe.

Værdien af ​​den italienske renæssances kultur. Jorden, der gav anledning til kulturen i den italienske renæssance, blev ødelagt i løbet af det 16. århundrede. Det meste af landet blev udsat for udenlandske invasioner, den nye økonomiske struktur blev undermineret af bevægelsen af ​​de vigtigste handelsruter i Europa fra Middelhavet til Atlanterhavet, de polske republikker faldt under herredømmet af ambitiøse lejesoldater fra condottiere, og bølgen af ​​individualistiske energi mistede sin indre berettigelse og døde gradvist ud under betingelserne for genoplivningen, feudale ordener (genfeudalisering af samfundet). Forsøget på at skabe et nyt samfund baseret på frigørelsen af ​​den menneskelige personlighed, på initiativ af iværksætteri, blev afbrudt i Italien i lang tid. Landet var i tilbagegang.

På den anden side blev den kulturelle tradition skabt af dette samfund spredt gennem indsatsen fra italienske mestre i hele Europa, blev en standard for europæisk kultur som helhed, fik yderligere liv i sin version, som blev tildelt navnet "høj", " lært" kultur. Monumenter af renæssancekulturen forblev - smukke bygninger, statuer, vægmalerier, malerier, digte, kloge skrifter af humanister, traditioner tilbage, der blev afgørende for kulturen hos de folk, der var under dens indflydelse i de næste tre og et halvt århundrede (indtil kl. slutningen af ​​det 19. århundrede). , og denne indflydelse spredte sig efterhånden meget bredt.

Det skal især bemærkes og fremhæves betydningen af ​​den italienske renæssances billedkunst med dens ønske om at formidle et ark papir indesluttet i en lærredsramme på væg- eller brætplanet illusionen af ​​tredimensionelt rum fyldt med illusoriske tredimensionelle billeder af mennesker og objekter – hvad man kan kalde det "vindue af Leonardo Danilov I.E. Italiensk by i det 15. århundrede. Virkelighed, myte, billede. M., 2000.S. 22, 23. Se: Golovin V.P. Kunstnerens verden tidlig renæssance. M.: Forlag ved Moscow State University, 2002. S. 125. Boyadzhiev G. Italienske notesbøger. M., 1968. S. 104.

Italien er det bedste sted at let forstå kunsthistorien. Der er bogstaveligt talt mesterværker ved hver tur.

Fra denne artikel lærer du:

"Rinascimento": ri - "igen" + nasci - "født"

Jeg håber, at alle har hørt udtrykket "renæssance". Født på ny, født på ny Eller renæssancen. Næsten altid anvendes dette koncept på kunstområdet: maleri, litteratur, arkitektur osv. Det kan i øvrigt tilskrives videnskaben.

Botticelli, Venus' fødsel

Lad os nu finde ud af det, men hvad blev der i virkeligheden født på ny? Dette er en særlig type kultur, der allerede er gået ud over middelalderen, men kun går forud for oplysningstiden.

Udtrykket blev først introduceret af Giorgio Vasari (italiensk humanist). Dette betyder et vist væsentligt skridt fremad på alle områder af det sociale liv, og især på det kulturelle område. Blomstrer, kommer ud af skyggerne, transformation.

Kampen mellem middelalder og oldtid

Hvis det stadig ikke er meget klart, vil jeg forklare det mere enkelt. Faktum er, at middelalderlig kultur, maleri, poesi og selve menneskers liv var meget afhængig af kirken, hierarkiet i samfundet og religion. Middelalderkunst er religiøs kunst, personligheden er tabt her, det er lige meget.

Forresten er der flere fremmedsprog​ på siderne på min blog!

Husk de middelalderlige katolske fresker, lærreder. Det er meget skræmmende billeder, som glæder kirken. Her er de hellige, de retfærdige, og i modsætning til den sidste dom, frygtelige dæmoner, monstre. En situation blev skabt, hvor det at være dig selv, have almindelige menneskelige lidenskaber, begær er den rigtige vej til helvede. Kun en renhjertet, retfærdig kristen kunne håbe på frelse, tilgivelse.

Domanico Veneziano, Madonna og barn

Renæssancen er præget af antropocentrisme og. I centrum af det er en person, hans aktivitet, tanker, forhåbninger. Denne tilgang er karakteristisk for den antikke kulturs æra. Det her Det gamle Rom, Grækenland. I stedet for hedenskab kommer kristendommen til Europa, samtidig med dette ændrer kunstens kanoner sig fuldstændigt.

Raphael Santi, Madonna i det grønne

Nu blev en person betragtet som en person, en vigtig bestanddel af samfundet. En person fik i kunsten en frihed, som de strenge love i middelalderens religiøse kultur aldrig gav ham.

Genoplivningen, undskyld tautologien, genopliver antikkens periode, men dette er allerede dets højere, moderne niveau. Europa falder under sin indflydelse i perioden fra det 15. til det 16. århundrede. I Italien vil der være lidt forskellige kronologiske rammer af renæssancen, vil jeg fortælle dig lidt senere.

Hvordan startede det hele?

Det hele startede med det byzantinske riges fald. Hvis Europa var under kirkens styre i lang tid, så glemte ingen i Byzans kunsten fra den antikke periode. Folk flygtede fra det smuldrende imperium. De tog bøger, malerier med sig, bragte skulpturer og nye ideer til Europa.

Det byzantinske riges fald

Cosimo de' Medici grundlagde Platons Akademi i Firenze. Det genopliver hende snarere. Alt dette var imponeret af talen fra en byzantinsk foredragsholder.

Byer vokser, godsernes indflydelse vokser, såsom håndværkere, købmænd, bankfolk, håndværkere. De er absolut ligeglade med det hierarkiske værdisystem. Den ydmyge ånd i religiøs kunst er uforståelig for dem, fremmed.

Der er en moderne tendens - humanisme. Det er dette, der har en stærk indflydelse på renæssancens nye kunst. Europæiske byer søgte at udstyre sig selv med progressive centre for videnskab og kunst.

Dette område er kommet under Kirkens indflydelse. Selvfølgelig satte middelalderen med deres bål og bogafbrænding udviklingen af ​​civilisationen tilbage i årtier. Nu søgte renæssancen med store fremskridt at indhente det.

italiensk renæssance

Skøn kunst bliver ikke kun en vigtig bestanddel af æraen, men også en nødvendig aktivitet. Folk har brug for kunst nu. Hvorfor?

Raphael Santi, portræt

En periode med økonomisk opsving er på vej, og med den et gigantisk skift i folkets sind. Al menneskelig bevidsthed var ikke længere kun rettet mod overlevelse, nye behov dukker op.

At skildre verden, som den er, at vise ægte skønhed og virkelige problemer - dette er opgaven for dem, der blev ikoniske figurer i den italienske renæssance.

Det menes, at denne tendens optrådte i Italien. Og det har eksisteret siden det 13. århundrede. Så dukker den første begyndelse på en ny trend op i værkerne af Paramoni, Pisano, derefter Giotto og Orcagna. Den slog endelig rod først fra 1420'erne.

I alt kan 4 store stadier i dannelsen af ​​æraen skelnes:

1. Proto-renæssance (hvad der skete i Italien);
2. Tidlig renæssance;
3. Højrenæssance;
4. Sen renæssance.

Lad os overveje hver af perioderne mere detaljeret.

Proto-renæssance

Stadig tæt forbundet med middelalderen. Dette er en periode med gradvis overgang fra traditionerne fra den gamle tid til den nye. Det fandt sted i perioden fra 2. halvdel af XIII århundrede til XIV århundrede. En smule bremset dens udvikling på grund af den globale pestepidemi i Italien.

Proto-renæssance æra, Andrea Mantegna, San Zeno altertavle i Verona

Maleriet fra denne periode er bedst kendetegnet ved værker af mestrene i Firenze Cimabue, Giotto, såvel som Siena-skolen - Duccio, Simone Martini. Selvfølgelig betragtes mesteren Giotto som den vigtigste figur i proto-renæssancen. Virkelig en reformator af maleriets kanoner.

Tidlig renæssance

Dette er perioden fra 1420 til 1500. Det kan siges, at dette er tidspunktet for en glidende overgang til en ny strøm. Stadig meget lånt fra tidligere tiders kunst. Nye trends, billeder tilføjes, mange hverdagsmotiver tilføjes. Maleri og arkitektur, litteratur bliver mindre figurativ, mere og mere "menneskelighed".

Tidlig renæssance, Basilica di Santa Maria del Carmine, Firenze

Højrenæssance

Renæssancens frodige storhedstid falder på årene 1500 - 1527 i Italien. Dens centrum er overført fra Firenze til Rom. Pave Julius II går ind for den nye stemning, som i høj grad hjælper håndværkerne.

Sixtinske Madonna, Raphael Santi, højrenæssance

Han, en driftig, moderne person, tildeler midler til skabelsen af ​​kunstgenstande. De bedste fresker i Italien bliver malet, kirker, bygninger, paladser bliver bygget. Det anses for at være ret passende at låne funktionerne i det antikke i skabelsen af ​​selv religiøse bygninger.

Italiens mest ikoniske kunstnere fra High Objection-æraen er Leonardo da Vinci og Raphael Santi.

Jeg var i Louvre i marts 2012, der var ikke mange turister, og jeg kunne roligt og med fornøjelse se på maleriet "Mona Lisa", som også kaldes "La Gioconda". Faktisk, uanset hvilken side af gangen du går, ser hendes øjne altid på dig. Mirakel! Er det ikke?

Mona Lisa, Leonardo da Vinci

Sen renæssance

Det fandt sted fra 1530 til 1590-1620'erne. Historikere er blevet enige om at reducere arbejdet i denne periode til en enkelt kun betinget. Der var så mange nye retninger, at øjnene løber op. Det gælder alle former for kreativitet.

Så ind Sydeuropa Modreformationen sejrede. De begyndte at se meget forsigtige på den overdrevne sang af menneskekroppen. Mange modstandere af en lys tilbagevenden til antikken dukkede op.

Veronese, ægteskab i Cana, sen renæssance

Som et resultat af en sådan kamp dukkede stilen "nervøs kunst" op - manerisme. Der er brudte linjer, vidtløftige farver og billeder, nogle gange for tvetydige og nogle gange overdrevne.

Sideløbende hermed dukker værkerne af Titian og Palladio op. Deres arbejde betragtes som et vartegn for den sene renæssance, det er fuldstændig upåvirket af det århundredes krisestrømme.

Filosofien i disse perioder finder et nyt studieobjekt: det "universelle" menneske. Her flettes filosofiske strømninger sammen med maleriet. For eksempel Leonardo da Vinci. Hans arbejde er en repræsentation af fraværet af grænser, grænser for det menneskelige sind.

Hvis du eller dit barn skal forberede dig til Unified State Examination og GIA, så kan du gøre dette på Foxford-hjemmesiden for skolebørn. Uddannelse for elever fra klasse 5 til 11 i alle discipliner, der er til stede i russiske skoler. Ud over grundkurser i kernefag har portalen specialiserede kurser til forberedelse til Unified State Examination, State Academic Examination og Olympiads. Tilgængelige discipliner til træning: matematik, samfundsfag, russisk, fysik, datalogi, kemi, historie, engelsk, biologi.

Tiden indtager Norden

Ja, det hele startede i Italien. Så gik strømmen videre. Bare et par ord, jeg vil sige om den nordlige renæssance. Senest kom det til Holland, Tyskland og Frankrig. Der var ingen renæssance i den klassiske forstand, men den nye stil erobrede Europa.

Gotisk kunst hersker, og menneskelig viden falder i baggrunden. Albrecht Dürer, Hans Holbein den Yngre, Lucas Cranach den Ældre, Pieter Brueghel den Ældre skiller sig ud.

De bedste repræsentanter for hele æraen

Vi talte om historien om dette interessant periode. Lad os nu se nærmere på alle dets komponenter.

Renæssance mand

Det vigtigste er at forstå - og hvem er renæssancens mand?
Filosoffer vil hjælpe os her. For dem var genstanden for undersøgelsen sindet og evnerne hos den person, der skaber. Det er sindet, der adskiller mennesket fra alt andet. Sindet gør det lig Gud, fordi mennesket kan skabe, skabe. Dette er Skaberen, som skaber en ny, konstant udviklende person.

Det er placeret i skæringspunktet mellem Natur og Modernitet. Naturen udstyret ham med en utrolig gave - en perfekt krop og et stærkt intellekt. Moderne verdenåbner op for uendelige muligheder. Uddannelse, fantasi og dens gennemførelse. Der er ingen grænser for, hvad en person er i stand til.

Vitruviansk mand, Leonardo Da Vinci

Idealet om den menneskelige personlighed nu: venlighed, styrke, heltemod, evnen til at skabe og skabe omkring sig selv ny verden. Det vigtigste her er den enkeltes frihed.

Ideen om en person ændrer sig - nu er han fri, fuld af styrke og entusiasme. Selvfølgelig flyttede en sådan idé om mennesker dem til noget stort, betydningsfuldt, vigtigt.

"Adel, som en slags udstråling, der udgår fra dyd og oplyser dens ejere, uanset hvilken oprindelse de er." (Poggio Bracciolini, 1400-tallet).

Udvikling af videnskab

Perioden i XIV-XVI århundreder blev et vartegn i udviklingen af ​​videnskab. Hvad sker der i Europa?

• Dette er perioden for de store geografiske opdagelser;
• Nicolaus Copernicus ændrer folks idé om Jorden, beviser, at Jorden kredser om Solen;
• Paracelsus og Vesalius tager et stort spring inden for medicin og anatomi. I lang tid var obduktion, studiet af menneskets anatomi en forbrydelse, en vanhelligelse af kroppen. Viden om medicin var absolut ufuldstændig, og al forskning var forbudt;
• Niccolo Machiavelli udforsker sociologi, adfærd hos mennesker i grupper;
• Ideen om et "ideelt samfund" dukker op, Campanellas "Solens by";
• Siden det 15. århundrede har trykkeriet været aktivt i udvikling, mange værker er blevet udgivet for folket, videnskabelige, historiske værker bliver tilgængelige for enhver;
• En aktiv undersøgelse af antikke sprog, oversættelser af gamle bøger begyndte.

Illustration til bogen City of the Sun, Campanella

Litteratur og Filosofi

Mest lys repræsentantæra - Dante Alighieri. Hans "komedie" eller "guddommelige komedie" blev beundret af samtidige, den blev gjort til en model for ren litteratur fra renæssancen.

Generelt kan perioden karakteriseres som glorificeringen af ​​en harmonisk, fri, kreativ, omfattende udviklet personlighed.

Francesco Petrarchs frie sonetter om kærlighed afslører dybden af ​​den menneskelige sjæl. I dem ser vi en hemmelig, skjult verden af ​​følelser, lidelse og glæde fra kærlighed. Menneskelige følelser kommer i forgrunden.

Petrarch og Laura

Giovanni Boccaccio, Niccolo Machiavelli, Ludovico Ariosto og Torquato Tasso glorificerede æraen med deres værker af helt forskellige stilarter. Men de blev klassiske for renæssancen.

Selvfølgelig romantiske romaner, historier om kærlighed og venskab, sjove historier og tragiske romaner. Her er "Decamerone" af Boccaccio f.eks.

Decameron, Boccaccio

Pico della Mirandola skrev: "Om den ypperste og dejlige lykke for en mand, der er givet til at eje, hvad han vil, og at være, hvad han vil."
Berømte filosoffer fra denne æra:

• Leonardo Bruni;
• Galileo Galilei;
• Niccolo Machiavelli;
• Giordano Bruno;
• Gianozzo Manetti;
• Pietro Pomponazzi;
• Tommaso Campanella;
• Marsilio Ficino;
• Giovanni Pico della Mirandola.

Interessen for filosofi er stærkt stigende. Fritænkning holder op med at være noget forbudt. Emner til analyse er meget forskellige, moderne, aktuelle. Der er ikke flere emner, der anses for upassende, og filosoffers refleksioner går ikke længere kun for at behage kirken.

kunst

Et af de hurtigst voksende områder er maling. Alligevel er der så mange nye emner. Nu bliver kunstneren også filosof. Han viser sit syn på naturlovene, anatomi, livsperspektiver, ideer, lys. Der er ikke flere forbud for en, der har talent og lyst til at skabe.

Tror du, at emnet religiøs maleri ikke længere er relevant? Helt modsat. Renæssancemestre skabte fantastiske nye malerier. De gamle kanoner går væk, deres plads er taget voluminøse kompositioner, landskaber, "verdslige" egenskaber vises. Helgenerne er klædt realistisk, de bliver tættere, mere menneskelige.

Michelangelo, Adams skabelse

Billedhuggere bruger også gerne religiøse temaer. Deres arbejde bliver mere frit, ærligt talt. Den menneskelige krop, anatomiske detaljer er ikke længere tabu. Temaet for gamle guder vender tilbage.

Skønhed, harmoni, balance, kvindelige og mandlige kroppe kommer først. I den menneskelige krops skønhed er der intet forbud, beskedenhed, fordærv.

Arkitektur

Principperne og formerne for gammel romersk kunst vender tilbage. Nu hersker geometri, symmetri, meget opmærksomhed lægges på søgen efter ideelle proportioner.
Tilbage i mode:

1. nicher, halvkugler af kupler, buer;
2. aediculae;
3. bløde linjer.

De erstattede de kolde gotiske konturer. For eksempel den berømte katedral Santa Maria del Fiore, Villa Rotonda. Det var dengang, de første villaer dukkede op - forstadsbyggeri. Normalt store komplekser med haver, terrasser.

Katedralen Santa Maria del Fiore

Et stort bidrag til arkitekturen blev ydet af:

1. Filippo Brunelleschi betragtes som "faderen" til renæssancearkitekturen. Han udviklede teorien om perspektiv og ordenssystemet. Det var ham, der skabte kuplen til Firenze-katedralen.
2. Leon Battista Alberti - blev berømt for at gentænke motiverne af tidlige kristne basilikaer * fra Konstantins tid.
3. Donato Bramante - arbejdede under højrenæssancen. Kendt for sine afbalancerede proportioner.
4. Michelangelo Buonarroti er senrenæssancens hovedarkitekt. Lavede Peterskirken, Laurentian-trappen.
5. Andrea Palladio - grundlæggeren af ​​klassicismen. Han skabte sin egen trend, kaldet palladianisme. Han arbejdede i Venedig med at designe de største katedraler og paladser.

Under den tidlige og høje renæssance blev de bedste paladser i Italien bygget. For eksempel Medici Villa i Poggio a Caiano. Også Palazzo Pitti.

Farverne herskede: blå, gul, lilla, brun.

Generelt var datidens arkitektur kendetegnet ved stabilitet på den ene side, og på den anden side var det glatte linjer, halvcirkelformede overgange og komplekse buer.

Værelserne var rummelige med højt til loftet. Dekoreret med træ- eller bladpynt.

* Basilika - kirke, katedral. Den har en rektangulær form og et eller flere (ulige antal) skibe. Det er karakteristisk for den tidlige kristne periode, og selve formen stammer fra antikke græske og romerske tempelbygninger.

Nye byggematerialer begyndte at blive brugt. Basen er stenblokke. Begyndte at blive behandlet forskellige veje. Nye byggesten dukker op. Og alligevel - dette er perioden med aktiv brug af gips.

Mursten bliver et dekorativt og strukturelt materiale. Der bruges også glaserede mursten, terracotta og majolika. Der lægges meget vægt på dekorative detaljer, kvaliteten af ​​deres undersøgelse.

Nu bruges metaller også til dekorativ forarbejdning. Disse er kobber, tin og bronze. Udviklingen af ​​tømrerarbejde gør det muligt at lave forbløffende smukke gennembrudte elementer af hårdttræ.

musik

Folkemusikkens indflydelse vokser sig stærkere. Vokal og vokal-instrumental polyfoni er i hastig udvikling. Den venetianske skole var især vellykket her. I Italien dukker nye musikalske stilarter op - frottola og villanella.

Caravaggio, lutmusiker

Italien er berømt for bueinstrumenter. Der er endda en kamp mellem bratsch og violin om bedste præstation de samme melodier. Nye sangstilarter overtager Europa - solosang, kantate, oratorium og opera.

Hvorfor Italien?

Forresten, hvorfor begyndte renæssancen i Italien? Faktum er, at størstedelen af ​​befolkningen boede i byer. Ja, dette er en usædvanlig situation for perioden fra XIII-XV århundreder. Men hvis der ikke var særlige omstændigheder, ville alle epokens mesterværker dukke op?

Handel og håndværk udviklede sig hurtigt. Det var simpelthen nødvendigt at lære, opfinde, forbedre produkterne af deres arbejde. Så der var tænkere, billedhuggere, kunstnere. Produkterne skulle gøres mere attraktive, bøger med illustrationer skulle sælges bedre.

Handel er altid rejse. Folk havde brug for sprog. De så en masse nye ting på deres rejser, forsøgte at introducere det i livet i deres by.

Vasari, Firenze

På den anden side er Italien efterfølgeren til Det Store Romerrige. Kærlighed til det smukke, resterne af gammel kultur - alt dette er koncentreret i byerne i Italien. En sådan atmosfære kunne simpelthen ikke andet end at opmuntre talentfulde mennesker til nye opdagelser.

Forskere mener, at en anden grund netop er den vestlige og ikke den østlige type kristne trosretning. Det menes, at dette er en særlig form for kristendom. Den ydre side af det katolske liv i landet tillod en vis fritænkning.

For eksempel fremkomsten af ​​"anti-paver"! Så argumenterede paverne selv for magten ved at bruge umenneskelige, fuldstændig ulovlige metoder for at nå målet. Folket fulgte dette og indså, at i I virkeligheden Katolske principper og moral virker ikke altid.

Nu blev Gud genstand for teoretisk viden, og ikke centrum for menneskelivet. Mennesket var tydeligt adskilt fra Gud. Det gav naturligvis anledning til al mulig tvivl. Videnskab og kultur udvikler sig under sådanne forhold. Naturligvis bliver kunst skilt fra religion.

Venner, tak fordi du læste mine artikler! Jeg håber, jeg var i stand til at afklare vigtige punkter om den italienske renæssance.

Læs også om Italien og Italien, hvor du nemt kan besøge de mest interessante og smukkeste steder i landet.

Abonner på opdateringer, repost mine artikler. Når du abonnerer, vil du også modtage som en gave, helt gratis, en fremragende grundlæggende parlør på tre sprog, engelsk, tysk og fransk. Dens største fordel er, at der er en russisk transskription, så selv uden at kende sproget kan du nemt mestre mundtlige sætninger. Vi ses snart!

Jeg var sammen med dig, Natalya Glukhova, jeg ønsker dig en god dag!