Moderne malerier med beskrivelser. Anatomi lektion fra Michelangelo

"Mona Lisa". Leonardo da Vinci 1503-1506

Et af de mest genkendelige og berømte malerier i verden, dets fulde navn er Portræt af Madame Lisa del Giocondo. Portrættet forestiller italieneren Lisa del Giocondo, en repræsentant for middelklassen i renæssancen, mor til seks børn. Modellen har barberede øjenbryn og hår på toppen af ​​panden, hvilket svarer til Quattrocento-moden. Leonardo da Vinci betragtede dette portræt som et af sine yndlingsværker, beskrev det ofte i sine noter og betragtede det uden tvivl som hans bedste værk. Dette maleri topper med rette listen over de mest populære malerier i verden.

"Venus fødsel" Sandro Botticelli 1482 - 1486

En fremragende illustration af myten om Afrodites fødsel. Nøgen Venus går mod jorden i en skal, drevet af vestenvinden Zephyr, vinden blandet med blomster - dette symboliserer forår og skønhed. På kysten mødes Afrodite af en af ​​skønhedens gudinder. Efter at have skabt dette maleri modtog kunstneren Botticelli global anerkendelse, hans unikke skrivestil hjalp ham med dette, han skilte sig ud fra sin samtid med sine svævende rytmer, som ikke blev brugt af andre end ham.

"Adams skabelse". Michelangelo 1511

Placeret på loftet sixstinske Kapel, det fjerde af ni værker i serien. Michelangelo afklarede uvirkeligheden i symbiosen mellem det himmelske og det menneskelige; ifølge kunstneren indeholder gudsbilledet ikke fænomenalt himmelsk magt, men kreativ energi, der kan overføres uden berøring.

"Inde i morgen fyrreskov" Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky 1889

"Pige på bolden". Pablo Picasso 1905

Et billede af kontraster. Det skildrer et mellemlanding af et omrejsende cirkus i en brændt ørken. Hovedpersonerne er også meget kontrastfyldte: En stærk, trist, monolitisk mand sidder på en terning. På det tidspunkt, ved siden af ​​ham, på en bold, balancerer en skrøbelig og smilende pige.

"Den sidste dag i Pompeji". Karl Bryullov 1833

Under et besøg i Pompeji i 1828 lavede Bryulov mange skitser og skitser, han vidste allerede, hvordan det endelige værk ville se ud. Maleriet blev præsenteret i Rom, men så blev det flyttet til Louvre, hvor mange kritikere og kunsthistorikere beundrede Karls talent, efter at dette værk kom til ham verdensklassiker, men desværre forbinder de fleste kun hans arbejde med dette billede.

Et af de mest genkendelige malerier

"Starlight Night". Vincent van Gogh 1889

Kult maleri hollandsk kunstner, som han skrev ud fra sine erindringer (hvilket ikke er typisk for Van Gogh), fordi han på det tidspunkt var på hospitalet. Når alt kommer til alt, da raserianfaldene gik forbi, var han ganske tilstrækkelig og kunne tegne. For at gøre dette var hans bror Theo enig med lægerne, og de gav ham lov til at arbejde med maling på afdelingen. Hvorfor skar Van Gogh sit øre af? Læs i min artikel.

"Den niende bølge" Ivan Aivazovsky 1850

Et af de mest berømte malerier om et havtema (marina). Aivazovsky var fra Krim, så det er ikke svært at forklare hans kærlighed til vand og hav. Den niende bølge - kunstnerisk billede, uundgåelig fare og spænding, kan man også sige: stilheden før stormen.

"Pige med en perleørering." Jan Vermeer 1665

En ikonisk scene af en hollandsk kunstner, den kaldes også den hollandske Mona Lisa. Dette værk er ikke helt portræt, men i højere grad tilhører "troni"-genren, hvor vægten ikke ligger på portrættet af en person, men på hans hoved. Pigen med en perleørering er populær i moderne kultur, er der også lavet flere film om hende.

"Indtryk. Solopgang» Claude Monet 1872

Maleriet, der gav anledning til "impressionisme"-genren. Den populære journalist Louis Leroy, efter at have besøgt en udstilling med dette værk, knuste Claude Monet, han skrev: "tapetet, der hænger på væggen, ser mere færdigt ud end dette "indtryk". Det betragtes som en kanonisk repræsentant for genren, mere populær end mange andre malerier af store kunstnere.

Efterord og lille anmodning

Hvis du fandt dette materiale nyttigt og kunne lide det, så fortæl det til dine venner på denne side! Dette vil i høj grad hjælpe med at udvikle webstedet og glæde dig med nye materialer! Hvis du vil bestille en kopi af et populært maleri, så besøg siden Sådan køber du et maleri. Det sker ofte, at en person i starten er interesseret i populære malerier, og vil så gerne have en kopi af mesterværket på sin væg.

Hvis du tror, ​​at alle store kunstnere er i fortiden, så aner du ikke, hvor forkert du tager. I denne artikel vil du lære om de mest berømte og talentfulde kunstnere modernitet. Og tro mig, deres værker vil forblive i din hukommelse ikke mindre dybt end værker af maestroer fra tidligere epoker.

Wojciech Babski

Wojciech Babski er en moderne polsk kunstner. Han afsluttede sine studier ved Silesian Polytechnic Institute, men knyttede sig til. I På det sidste trækker hovedsageligt kvinder. Fokuserer på udtryk for følelser, stræber efter at opnå størst mulig effekt ved hjælp af enkle midler.

Elsker farver, men bruger ofte nuancer af sort og grå for at opnå det bedste indtryk. Ikke bange for at eksperimentere med forskellige nye teknikker. På det seneste har han vundet stigende popularitet i udlandet, primært i Storbritannien, hvor han med succes sælger sine værker, som allerede kan findes i mange private samlinger. Ud over kunst interesserer han sig for kosmologi og filosofi. Lytter til jazz. Bor og arbejder i øjeblikket i Katowice.

Warren Chang

Warren Chang - moderne amerikansk kunstner. Født i 1957 og opvokset i Monterey, Californien, dimitterede han med udmærkelse fra Art Center College of Design i Pasadena i 1981, hvor han modtog en BFA. I løbet af de næste to årtier arbejdede han som illustrator for forskellige virksomheder i Californien og New York, før han i 2009 begyndte på en karriere som professionel kunstner.

Hans realistiske malerier kan opdeles i to hovedkategorier: biografiske interiørmalerier og malerier, der forestiller mennesker i arbejde. Hans interesse for denne malerstil går tilbage til 1500-tallets kunstner Johannes Vermeers arbejde og strækker sig til emner, selvportrætter, portrætter af familiemedlemmer, venner, studerende, studieinteriør, klasseværelser og hjem. Dens mål er at realistiske malerier skabe stemning og følelser gennem manipulation af lys og brug af dæmpede farver.

Chang blev berømt efter at have skiftet til traditionel kunst. I løbet af de sidste 12 år har han vundet adskillige priser og udmærkelser, hvoraf den mest prestigefyldte er Master Signature fra Oil Painters of America, det største oliemalersamfund i USA. Kun én person ud af 50 får mulighed for at modtage denne pris. Warren bor i øjeblikket i Monterey og arbejder i sit studie, og han underviser også (kendt som en talentfuld lærer) på San Francisco Academy of Art.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – italiensk kunstner. Født i Blair, 15. oktober 1955. Han modtog et diplom i scenografi fra Institute of Art i Spoleto. Som kunstner er han autodidakt, da han selvstændigt "byggede et videnshus" på det grundlag, der blev lagt i skolen. Han begyndte at male i olie som 19-årig. Bor og arbejder i øjeblikket i Umbrien.

Brunis tidlige malerier har rod i surrealismen, men med tiden begynder han at fokusere på nærheden af ​​lyrisk romantik og symbolik, hvilket forstærker denne kombination med hans karakterers udsøgte sofistikering og renhed. Animerede og livløse genstande opnår samme værdighed og ser næsten hyperrealistiske ud, men samtidig gemmer de sig ikke bag et gardin, men giver dig mulighed for at se essensen af ​​din sjæl. Alsidighed og sofistikering, sensualitet og ensomhed, omtanke og frugtbarhed er Aurelio Brunis ånd, næret af kunstens pragt og musikkens harmoni.

Aleksander Balos

Alkasander Balos er en moderne polsk kunstner med speciale i oliemaleri. Født i 1970 i Gliwice, Polen, men siden 1989 har han boet og arbejdet i USA, i Shasta, Californien.

Som barn studerede han kunst under vejledning af sin far Jan, en autodidakt kunstner og billedhugger, så han tidlig alder, kunstnerisk aktivitet fik fuld opbakning fra begge forældre. I 1989, som attenårig, forlod Balos Polen til USA, hvor han skole lærer og deltidskunstneren Katie Gaggliardi opfordrede Alkasander til at melde sig ind kunstskole. Balos modtog derefter et fuldt stipendium til University of Milwaukee, Wisconsin, hvor han studerede maleri hos filosofiprofessor Harry Rosin.

Efter sin eksamen i 1995 med en bachelorgrad flyttede Balos til Chicago for at gå i skole visuel kunst hvis metoder er baseret på kreativitet Jacques-Louis David. Figurativ realisme og portrætkunst udgjorde mest Balos' værker i 90'erne og begyndelsen af ​​2000'erne. I dag bruger Balos den menneskelige figur til at fremhæve karakteristika og mangler ved den menneskelige eksistens, uden at tilbyde nogen løsninger.

Emnekompositionerne i hans malerier er beregnet til at blive uafhængigt fortolket af beskueren, først da vil malerierne få deres sande tidsmæssige og subjektive betydning. I 2005 flyttede kunstneren til det nordlige Californien, siden da er emnet for hans arbejde udvidet betydeligt og omfatter nu friere malemetoder, herunder abstraktion og forskellige multimediestile, der hjælper med at udtrykke ideer og tilværelsesidealer gennem maleri.

Alyssa Monks

Alyssa Monks er en moderne amerikansk kunstner. Født i 1977 i Ridgewood, New Jersey. Jeg begyndte at interessere mig for at male, da jeg stadig var barn. Studerede på New School i New York og State University Montclair og dimitterede fra Boston College i 1999 med en B.A. Samtidig studerede hun maleri på akademiet Lorenzo Medici i Firenze.

Derefter fortsatte hun sine studier på kandidatuddannelsen ved New York Academy of Art, i afdelingen for figurativ kunst, og dimitterede i 2001. Hun dimitterede fra Fullerton College i 2006. I nogen tid underviste hun på universiteter og uddannelsesinstitutioner i hele landet underviste hun i maleri på New York Academy of Art, samt Montclair State University og Lyme Academy of Art College.

”Ved at bruge filtre som glas, vinyl, vand og damp forvrænger jeg menneskelige legeme. Disse filtre giver dig mulighed for at oprette store områder abstrakt design, med farveøer, der kigger igennem - dele af den menneskelige krop.

Mine malerier ændrer det moderne syn på badende kvinders allerede etablerede, traditionelle positurer og gestus. De kunne fortælle en opmærksom seer meget om så tilsyneladende selvindlysende ting som fordelene ved svømning, dans og så videre. Mine karakterer presses mod brusevinduets rude og forvrænger egen krop, idet de indser, at de derved påvirker det berygtede mandlige blik på en nøgen kvinde. Tykke lag maling blandes for at efterligne glas, damp, vand og kød på afstand. Men tæt på, det fantastiske fysiske egenskaber oliemaling. Ved at eksperimentere med lag af maling og farve finder jeg et punkt, hvor abstrakte penselstrøg bliver til noget andet.

Da jeg først begyndte at male den menneskelige krop, blev jeg straks fascineret og endda besat af den og troede, at jeg skulle gøre mine malerier så realistiske som muligt. Jeg "bekendte" realismen, indtil den begyndte at optrevle og afsløre modsigelser i sig selv. Jeg udforsker nu mulighederne og potentialet i en malerstil, hvor repræsentativt maleri og abstraktion mødes – hvis begge stilarter kan eksistere samtidig på samme tid, vil jeg gøre det.”

Antonio Finelli

Italiensk kunstner – “ Tidsobservatør” – Antonio Finelli blev født den 23. februar 1985. Bor og arbejder i øjeblikket i Italien mellem Rom og Campobasso. Hans værker har været udstillet i flere gallerier i Italien og i udlandet: Rom, Firenze, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, og kan også findes i private og offentlige samlinger.

Blyantstegninger" Tidsobservatør"Antonio Finelli tager os med på en evig rejse igennem indre verden menneskets tidslighed og den tilhørende omhyggelige analyse af denne verden, hvis hovedelement er tidens gang og de spor, den laver på huden.

Finelli maler portrætter af mennesker af enhver alder, køn og nationalitet, hvis ansigtsudtryk indikerer passage gennem tiden, og kunstneren håber også at finde beviser for tidens nådesløshed på hans karakterers kroppe. Antonio definerer sine værker med én, generel titel: "Selvportræt", fordi han i sine blyantstegninger ikke kun skildrer en person, men tillader beskueren at overveje reelle resultater tidens gang i en person.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni er en 37-årig italiensk kunstner, datter af en diplomat. Hun har tre børn. Hun boede i Rom i tolv år og tre år i England og Frankrig. Hun fik en eksamen i kunsthistorie fra BD School of Art. Så fik hun et diplom som kunstrestauratør. Før hun fandt sit kald og helligede sig selv at male, arbejdede hun som journalist, kolorist, designer og skuespillerinde.

Flaminias passion for at male opstod i barndommen. Hendes primære medium er olie, fordi hun elsker at "coiffer la pate" og også lege med materialet. Hun genkendte en lignende teknik i kunstneren Pascal Toruas værker. Flaminia er inspireret af store malermestre som Balthus, Hopper og François Legrand, samt forskellige kunstneriske bevægelser: gadekunst, kinesisk realisme, surrealisme og renæssancerealisme. Hendes yndlingskunstner er Caravaggio. Hendes drøm er at opdage kunstens terapeutiske kraft.

Denis Chernov

Denis Chernov - talentfuld ukrainsk kunstner, født i 1978 i Sambir, Lviv-regionen, Ukraine. Efter eksamen fra Kharkov kunstskole i 1998 blev han i Kharkov, hvor han i dag bor og arbejder. Han studerede også i Kharkov statsakademiet design og kunst, afdelingen for grafik, dimitteret i 2004.

Han deltager jævnligt i kunstudstillinger, på dette øjeblik mere end tres af dem fandt sted, både i Ukraine og i udlandet. De fleste af Denis Chernovs værker opbevares i private samlinger i Ukraine, Rusland, Italien, England, Spanien, Grækenland, Frankrig, USA, Canada og Japan. Nogle af værkerne blev solgt hos Christie's.

Denis arbejder inden for en bred vifte af grafiske og maleteknikker. Blyantstegninger er en af ​​hans mest foretrukne malemetoder, en liste over hans emner blyantstegninger er også meget forskelligartet, han maler landskaber, portrætter, nøgenbilleder, genresammensætninger, bogillustrationer, litterære og historiske rekonstruktioner og fantasier.

Gutter, vi lægger vores sjæl i siden. Tak for det
at du opdager denne skønhed. Tak for inspirationen og gåsehuden.
Slut dig til os Facebook Og I kontakt med

europæiske kunstnere begyndte at bruge oliemaling i 1400-tallet, og siden var det med dens hjælp, der mest berømte malerier af alle tider. Men i disse højteknologiske dage bevarer olien stadig sin charme og mystik, og kunstnere fortsætter med at opfinde nye teknikker, rive formen i stykker og skubbe grænserne for moderne kunst.

internet side valgte værker, der glædede os og fik os til at huske, at skønhed kan fødes i enhver tid.

Ejeren af ​​utrolig dygtighed, den polske kunstner Justyna Kopania, var i sine ekspressive, fejende værker i stand til at bevare tågens gennemsigtighed, sejlets lethed og skibets glatte vugging på bølgerne.
Hendes malerier forbløffer med deres dybde, volumen, rigdom, og teksturen er sådan, at det er umuligt at fjerne øjnene fra dem.

Primitivistisk kunstner fra Minsk Valentin Gubarev jager ikke berømmelse og gør bare det, han elsker. Hans arbejde er utrolig populært i udlandet, men næsten ukendt for sine landsmænd. I midten af ​​90'erne forelskede franskmændene sig i hans hverdagsskitser og underskrev en kontrakt med kunstneren for 16 år. Malerierne, som det ser ud til, kun burde være forståelige for os, bærere af "den beskedne charme af uudviklet socialisme", appellerede til den europæiske offentlighed, og udstillinger begyndte i Schweiz, Tyskland, Storbritannien og andre lande.

Sergei Marshennikov er 41 år gammel. Han bor i Sankt Petersborg og arbejder i bedste traditioner klassisk russisk skole realistisk portrætmaleri. Heltinderne i hans lærreder er kvinder, der er ømme og forsvarsløse i deres halvnøgenhed. Mange af de mest berømte malerier forestiller kunstnerens muse og kone, Natalya.

I den moderne tidsalder af billeder høj opløsning og stigningen i hyperrealismens kreativitet Philip Barlow(Philip Barlow) vækker straks opmærksomhed. Der kræves dog en vis indsats fra beskueren for at tvinge sig selv til at se på de slørede silhuetter og lyspunkter på forfatterens lærreder. Det er sandsynligvis sådan, folk, der lider af nærsynethed, ser verden uden briller og kontaktlinser.

Maleri af Laurent Parcelier er fantastiske verden, hvor der hverken er tristhed eller modløshed. Du finder ikke dystre og regnfulde billeder fra ham. Der er meget lys, luft og lyse farver, som kunstneren anvender med karakteristiske, genkendelige streger. Dette skaber følelsen af, at malerierne er vævet af tusinde solstråler.

Den amerikanske kunstner Jeremy Mann maler dynamiske portrætter af en moderne metropol i olie på træpaneler. " Abstrakte former, linjer, kontrast af lys og mørke pletter- alt skaber et billede, der fremkalder den følelse, som en person oplever i byens mylder og travlhed, men som også kan udtrykke den ro, der findes, når man betragter stille skønhed,” siger kunstneren.

I den britiske kunstner Neil Simones malerier er intet, som det ser ud ved første øjekast. "For mig er verden omkring mig en række skrøbelige og evigt skiftende former, skygger og grænser," siger Simon. Og i hans malerier er alt virkelig illusorisk og indbyrdes forbundet. Grænser udviskes, og historier flyder ind i hinanden.

Italienskfødte moderne amerikanske kunstner Joseph Lorasso (

Samlingerne af Moskvas museer og gallerier er blandt de rigeste i verden. Mere end 150 år siden Russiske filantroper og samlere begyndte at samle mest berømte malerier verden, unikke kunstneriske kreationer, der hverken sparer penge eller tid på at søge efter talent. Og for at du ikke farer vild i de titusindvis af præsenterede malerier, har vi udvalgt verdensberømte malerier til dig, der præsenteres på museer og gallerier i Moskva

Statens Tretyakov Galleri

"Bogatyrs", Viktor Vasnetsov, 1881-1898.

I næsten tyve år arbejdede Viktor Mikhailovich på en af ​​de største kunstværker Rusland, et mesterværk, der er blevet et symbol på det russiske folks magt. Vasnetsov betragtede dette billede som sin kreative pligt, en forpligtelse over for sit hjemland. I midten af ​​billedet er de tre hovedpersoner i russiske epos: Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets og Alyosha Popovich. Prototypen af ​​Alyosha Popovich blev yngre søn Savva Mamontov, men Dobrynya Nikitich - kollektivt billede kunstneren selv, hans far og bedstefar.

"Ukendt", Ivan Kramskoy, 1883

Et mystisk billede, indhyllet i en aura af mystik. Hun skiftede sine ejere mange gange, da kvinder hævdede, at når de opholdt sig i nærheden af ​​dette portræt i lang tid, mistede de deres ungdom og skønhed. Det er mærkeligt, at selv Pavel Tretyakov ikke ønskede at købe det til sin samling, og værket dukkede først op i galleriet i 1925 som følge af nationaliseringen af ​​private samlinger. Kun i sovjetisk tid Kramskoys "Ukendt" blev anerkendt som idealet om skønhed og spiritualitet. Det er let at genkende Nevsky Prospekt i baggrunden af ​​maleriet, eller rettere Anichkov-broen, langs hvilken det "ukendte" yndefuldt passerer i en elegant vogn. Hvem er den pige? Endnu et mysterium efterladt af kunstneren. Kramskoy efterlod ingen omtale af hendes personlighed hverken i hans breve eller i hans dagbøger, og versionerne er forskellige: fra forfatterens datter til Tolstojs Anna Karenina.

"Morgen i en fyrreskov", Ivan Shishkin og Konstantin Savitsky, 1889

Få mennesker ved, at ud over Ivan Shishkin deltog en anden berømt person i skabelsen af ​​dette billede. russisk kunstner, hvis underskrift på Pavel Tretyakovs insisteren blev slettet. Ivan Ivanovich, der havde et enestående talent som maler, skildrede storheden i den vågne skov, men skabelsen af ​​de spillende bjørne tilhører hans kammerat, Konstantin Savitskys børste. Dette billede har et andet populært navn - "Three Bears", som dukkede op takket være de berømte slik fra Red October-fabrikken.

"Siddende Dæmon", Mikhail Vrubel, 1890

Tretyakov Galleri- et unikt sted for fans af Mikhail Vrubels arbejde, da her er det meste fuld af møder hans malerier. Dæmonens tema, der personificerer den indre kamp for den menneskelige ånds storhed med tvivl og lidelse, blev det vigtigste i kunstnerens arbejde og et fænomenalt fænomen i verdensmaleriet.

"The Seated Demon" er den mest berømte af lignende billeder Vrubel. Maleriet er skabt med ret store, skarpe strøg af en paletkniv, der minder om en mosaik på afstand.

“Boyaryna Morozova”, Vasily Surikov, 1884-1887.

Det episke historiske lærred, gigantisk i størrelse, blev skrevet baseret på "Fortællingen om Boyarina Morozova", en associeret med tilhængere af den gamle tro. Forfatteren brugte lang tid på at lede efter et passende ansigt - blodløst, fanatisk, hvorfra han kunne skrive en portrætskitse. hovedperson. Surikov huskede, at nøglen til billedet af Morozova blev givet af en krage, han engang så med en beskadiget vinge, som desperat slog mod sneen.

"Ivan den Forfærdelige og hans søn Ivan 16. november 1581" eller "Ivan den Forfærdelige dræber sin søn", Ilya Repin, 1883-1885.

Dette billede efterlader ingen galleribesøgende ligeglade: det forårsager angst, uforklarlig frygt, tiltrækker og samtidig frastøder, fascinerer og giver gåsehud. Repin skrev om sine følelser af angst og begejstring under skabelsen af ​​maleriet: "Jeg arbejdede som tryllebundet. I minutter blev det skræmmende. Jeg vendte mig væk fra dette billede. Gemte hende. Men noget drev mig til hende, og jeg arbejdede igen. Nogle gange løb der et gys gennem mig, og så sløvede følelsen af ​​mareridt...” Kunstneren formåede at færdiggøre maleriet til 300-årsdagen for Ivan den Forfærdeliges død, men mesterværket dukkede ikke umiddelbart op for offentligheden: i tre måneder blev maleriet forbudt ved censur. De siger, at maleriet på mystisk vis bragte katastrofe for dets skaber og de mennesker, der deltog i dets skabelse. Efter at have fuldført maleriet mistede Repin sin hånd, og kunstnerens ven, der poserede for maleriet i rollen som den myrdede Ivan, gik amok.

"Pige med ferskner", Valentin Serov, 1887

Dette billede betragtes som et af de mest glædelige, friske og lyriske malerier slutningen af ​​XIXårhundrede. Ungdom og tørst efter livet her mærkes i hvert slag af den stadig meget unge (22 år) Valentin Serov, i det lette, subtile smil fra Verochka Mamontova, datter af en berømt iværksætter og filantrop, såvel som i det lyse og hyggeligt værelse, hvis varme smitter af på dens beskuer.

Serov blev senere en af ​​de bedste portrætmalere, anerkendt næsten over hele verden og udødeliggjorde mange berømte samtidige, men "Pige med ferskner" er stadig hans mest berømte værk.

"Bade den røde hest", Kuzma Petrov-Vodkin, 1912

Kunstkritikere kalder dette billede for visionært. De mener, at forfatteren symbolsk forudsagde Ruslands "røde" skæbne i det tyvende århundrede og skildrede det i billedet af en racerhest.

Petrov-Vodkins værk er ikke bare et maleri, men et symbol, en åbenbaring, et manifest. Samtidige sammenligner kraften i dens indvirkning med Kazimir Malevichs "Sorte Plads", som du også kan se i Tretyakov-galleriet.

"Sorte Plads", Kazemir Malevich, 1915

Dette maleri kaldes et ikon af futuristerne, som de satte i stedet for Madonnaen. Ifølge forfatteren tog det flere måneder at skabe den, og den blev en del af en triptykon, som også omfattede "Black Circle" og "Black Cross". Som det viste sig, skrev Malevich det primære lag af maleriet forskellige farver og hvis man ser godt efter, vil man se, at kvadratets hjørner næppe kan kaldes lige. I verdenskunstens historie er det svært at finde et maleri med større berømmelse end "Black Square" af Kazimir Malevich. Han er kopieret, imiteret, men hans mesterværk er unikt.

Galleri med kunst fra Europa og Amerika i det 19.-20. århundrede. Statens Museum for Fine Kunster opkaldt efter A.S. Pushkin

"Portræt af Jeanne Samary", Pierre-Auguste Renoir, 1877

Det er paradoksalt, at dette maleri oprindeligt blev planlagt af kunstneren som en forberedende skitse til et ceremonielt portræt. fransk skuespillerinde Jeanne Samari, som kan ses i Eremitagen. Men i sidste ende var kunstkritikere enstemmigt enige om, at dette er det bedste af alle Renoirs portrætter af skuespillerinden. Kunstneren kombinerede så dygtigt tonerne og halvtonerne i Samaris kjole, at billedet som et resultat gnistrede med en usædvanlig optisk effekt: Når den ses fra en bestemt vinkel, bliver Jeannes grønne kjole blå.

"Boulevard des Capucines i Paris", Claude Monet, 1873

Dette er et af Claude Monets mest genkendelige værker - stolthed og arv Pushkin Museum. På kort afstand er kun små streger synlige i maleriet, men tager man blot et par skridt tilbage, kommer maleriet til live: Paris trækker vejret frisk luft, oplyser solens stråler den sydende menneskemængde, der myldrer langs boulevarden, og det ser ud til, at man endda kan høre byens rumlen, som kan høres langt ud over billedets grænser. Dette er den store impressionist Monets færdighed: et øjeblik glemmer du lærredets plan og opløses i den illusion, som kunstneren dygtigt har skabt.

"Prisoners' Walk", Van Gogh, 1890

Der er noget symbolsk i, at Van Gogh skrev Prisoners' Walk, en af ​​hans mest gribende kreationer, på det hospital, hvor han først endte på grund af begyndelsen af psykisk sygdom. Desuden kan man, hvis man ser godt efter, tydeligt se, at billedets centrale karakter er udstyret med træk af kunstnerne. På trods af brugen af ​​rene nuancer af blå, grøn og lilla farver, farven på lærredet virker dyster, og fangerne, der bevæger sig i en cirkel, synes at sige, at der ikke er nogen vej ud af den blindgyde, hvor livet er som en ond cirkel.

"Kongens hustru", Paul Gauguin, 1896

Mange kunstkritikere anser dette værk af kunstneren for at være en unik perle blandt de berømte nøgne jomfruer af europæisk kunst. Det blev malet af Gauguin under hans andet ophold på Tahiti. Forresten skildrer maleriet ikke kongens kone, men Gauguin selv - 13-årige Tehura. Billedets eksotiske og maleriske landskab kan ikke andet end at vække beundring - overfloden af ​​farver og grønne områder, farvede træer og den blå kystlinje i det fjerne.

« Blå dansere", Edgar Degas, 1897

Den franske impressionist Edgar Degas' værker ydede et uvurderligt bidrag til verdenshistorien og fransk kunst. Maleriet "Blå dansere" er anerkendt som et af bedste virker Degas om ballet-temaet, som han viede mange af sine mest fremragende malerier til. Maleriet er udført i pastel, som kunstneren især elskede for sin elegante kombination af farver og linjer. "Blue Dancers" refererer til sen periode kunstnerens kreativitet, da hans syn svækkedes, og han begyndte at arbejde med store farvepletter.

"Girl on a Ball", Pablo Picasso, 1905

Et af de mest berømte og betydningsfulde værker fra Pablo Picassos "lyserøde periode" dukkede op i Rusland takket være filantropen og samleren Ivan Morozov, som erhvervede det i 1913 til sin personlige samling. Den blå farve, hvor næsten alle værkerne fra kunstnerens tidligere vanskelige periode blev malet, er stadig til stede i værket, men er mærkbart svækket og giver plads til en lysere og mere glædelig pink. Picassos lærreder er let genkendelige: forfatterens sjæl og hans ekstraordinære opfattelse af verden omkring ham er tydeligt synlig i dem. Og som kunstneren selv sagde: "Jeg kunne tegne som Raphael, men det ville tage mig hele mit liv at lære at tegne som et barn."

Adresse: Lavrushinsky bane, 10

Permanent udstilling "Det 20. århundredes kunst" og udstillingssale

Adresse: Krymsky Val, 10

Driftstilstand:

Tirsdag, onsdag, søndag - fra 10.00 til 18.00

Torsdag, fredag, lørdag - fra 10.00 til 21.00

Mandag - lukket

Entré:

Voksen - 400 rubler ($6)

Galleri med kunst fra Europa og Amerika i det 19.-20. århundrede.

Adresse: Moskva, st. Volkhonka, 14

Driftstilstand:

Tirsdag, onsdag, fredag, lørdag, søndag - fra 11:00 til 20:00

Torsdag - fra 11:00 til 21:00

Mandag - lukket

Entré:

Voksen - 300 rubler ($4,5), om fredagen fra 17:00 - 400 rubler ($6)

Rabatbillet - 150 rubler ($2,5), om fredagen fra 17:00 - 200 rubler ($3)

Børn under 16 år gratis