Esitys - Venäjän hopeakauden kulttuuri "Musiikki. Esitys - Hopeakauden venäläinen kulttuuri "Musiikki Hopeakauden musiikkikulttuuri

Säveltäjien luovuuden loistavan kukoistuksen jälkeen 1870-luvulla " mahtavasta kourallisesta"Ja Tšaikovski venäläistä musiikkia mukana myöhään XIX v. astuu sisään uusi aikakausi sen kehitystä. Siinä, kansallisen säveltäjäkoulun vakiintuneiden perinteiden jatkamisen myötä, uusien olosuhteiden aiheuttamat piirteet alkavat näkyä selvästi. julkinen elämä Venäjä vuosisadan vaihteessa. Musiikkitaide sisältää uusia teemoja ja kuvia. On ominaista, että pääintressi siirtyy laajalta sosiaalisia ongelmia ihmisen sisäisen maailman heijastuksen alueella. Jopa kuvat kansanelämää, eeppinen, historia, syntyperäinen luonto saada lyyrinen konnotaatio. Paljon koskettaa täällä yhteisiä prosesseja kotimaisen kehityksen taiteellista kulttuuria Tuolloin. Kauniuden väittäminen, inhoa kaikesta karkeasta, filisteasta läpäisevät monien venäläisten kirjailijoiden ja taiteilijoiden, esimerkiksi Tšehovin, Levitanin, töiden. Luonnon kauneus, ihmissydän, ihmisoikeus onnellisuuteen ovat tämän ajanjakson venäläisen musiikin pääteemoja. Siinä, kuten lähitaideissa, kiinnostus ruumiillistumaa kohtaan filosofisia ongelmia, filosofisia pohdiskeluja elämästä, älyllisen prinsiipin rooli kasvaa, synteesiä muiden taiteiden kanssa ilmenee.

Vallankumouksellisen noususuhdanteen ilmapiiri terävin vastakohtineen, kireä muutosten odotus herättää henkiin kuvia kevään heräämisestä ja sankarillisesta tulevaisuudenpyrkimyksestä, väkivaltaisesta protestista ja ihmisen tahdon toteutumisesta. Erityisen vahvasti ne kuulostavat Skrjabinin ja Rahmaninovin musiikissa. Suora vastaus vuoden 1905 vallankumoukseen on orkesteriteosten luominen venäläisten vallankumouksellisten laulujen teemoilta - "Dubinushka" (Rimski-Korsakov) ja "Hei, uhnem!" (Glazunov).

Kuitenkin suorin heijastus vallankumouksellisesta noususta, vallankumouksellinen liike pääsi sisään kansantaidetta, Venäjän vallankumouksellisessa laulussa, josta tuli voimakas väline massojen kokoamisessa. Myös tiettyjen musiikkilajien merkitys säveltäjien työssä on muuttumassa. Monet heistä haluavat instrumentaalinen musiikki, usein ohjelman ulkopuolella (musiikin yhteyden puute tiettyyn tekstiin antoi heille enemmän vapautta ilmaista ajatuksiaan ja tunteitaan). Parannuskysymyksiin kiinnitetään vakavaa huomiota ammattimainen tekniikka, ammattitaito, työkalujen kehitys musiikillinen ilmaisukyky. Musiikki taide rikastettu silmiinpistävillä saavutuksilla melodian, harmonian, polyfonian, pianon ja orkesterimaun alalla.

Tuon ajan kirjallisuuden ja taiteen eri suuntausten kireä taistelu vaikutti myös venäläisen musiikin kehitykseen. Joidenkin säveltäjien teoksissa klassisten perinteiden omaksuminen yhdistettiin modernististen suuntausten vaikutuksiin, jotka näkyvät selvästi ulkomailla ja läpäisevät. taiteellista elämää Venäjä vuosisadan alussa. Musiikissa tämä ilmaantui vetoomuksella kapeiden, individualististen kokemusten maailmaan ja tämän mukaisesti liiallisella monimutkaisuudella. musiikillinen kieli, minkä tahansa musiikillisen ilmaisutavan yksipuolisessa kehittämisessä. Totta, aikakauden johtavien säveltäjien teoksissa nämä suuntaukset eivät koskaan tulleet hallitseviksi eivätkä luoneet merkittäviä esteitä. yleistä kehitystä Venäjän kieli musiikin klassikoita.

Kirjallisuuden ja musiikin hopeakausi oli samaan suuntaan. Pääteema oli henkilö. Elämä, sisäinen maailma, ihmisen ajatukset ja teot. Kirjallisuudessa ja musiikissa esiintyy erilaisia suuntauksia, joilla on oma erikoisuutensa ilmaista tunteita ja intohimoja. Uusia runoilijoita, kirjailijoita ja säveltäjiä ilmestyy. Ne kaikki tuovat hopeakaudelle paljon uutta ja mielenkiintoista tulevaisuutta ja nykypäivää varten.

2. A.A. Blok ja A.N. Skrjabin hopeakauden suuria luojia

2.1 A.A. Block - symbolisti

Symbolismi on yksi niistä taiteellisia liikkeitä hopea-aika, jota monet runoilijat noudattavat. Symboliikasta puhuttaessa on huomattava, että hän kääntyi ihmisille tärkeiden ikuisten ideoiden puoleen. Kaikista symbolistisista runoilijoista Alexander Blokin työ on minulle läheisin. Pidän häntä yhtenä kirkkaimmat edustajat Hopeakaudelta.

Blok on erinomainen ilmiö venäläisessä runoudessa. Hän on yksi merkittävimmistä symbolistisista runoilijoista. Hän ei koskaan vetäytynyt symboliikasta: ei nuoruuden runoissa, täynnä sumuja ja unia, eikä kypsemmissä teoksissa. Kirjallinen perintö Alexander Blok on laaja ja monipuolinen. Siitä on tullut osa kulttuuriamme ja elämäämme, mikä auttaa ymmärtämään henkisten etsintöjen alkuperää, ymmärtämään menneisyyttä.

Aleksanteri Blok (Aleksandri Aleksandrovitš Blok, 28. marraskuuta 1880 - 7. elokuuta 1921), oli kenties lahjakkain Venäjällä Aleksanteri Puškinin jälkeen syntynyt lyriikkarunoilija. Blok syntyi Pietarissa intellektuelliperheeseen. Jotkut hänen sukulaisistaan olivat kirjailijoita, hänen isänsä oli oikeustieteen professori Varsovassa ja hänen äitinsä isoisänsä, Pietarin rehtori. valtion yliopisto... Vanhempiensa avioeron jälkeen Blok asui aristokraattisten sukulaisten luona Shakhmatovon kartanolla lähellä Moskovaa, jossa hän opiskeli setänsä Vladimir Solovjovin filosofiaa sekä silloin tuntemattomien 1800-luvun runoilijoiden Fjodor Tyutševin ja Afanasy Fetin runoutta. Nämä vaikutukset heijastuivat häneen aikainen työ, koottu myöhemmin kirjaan Ante Lucem.

Hän rakastui Lyubov (Ljuba) Mendeleeviin (suuren kemistin tytär) ja meni naimisiin hänen kanssaan vuonna 1903. Myöhemmin hän sai hänet monimutkaiseen vihan ja rakkauden suhteeseen ystävänsä, symbolistin Andrei Belyn kanssa. Hän omisti Lyuballe syklin, joka toi hänelle mainetta, "Runot kauniista naisesta", 1904. Tässä syklissä hän muutti nöyrän vaimonsa loputtomaksi näyksi. naisen sielu ja ikuinen naisellisuus.

Hänen ensimmäisessä kirjassaan esitetyt idealisoidut mystiset kuvat auttoivat Blokia tulemaan Venäjän symbolistiliikkeen johtajaksi. Blokin varhaiset runot ovat moitteettoman musikaalisia ja soundiltaan runsaita, mutta myöhemmin hän pyrki tuomaan runouteensa rohkeita rytmisiä kuvia ja epätasa-arvoisia vedoksia. Runollinen inspiraatio tuli hänelle luonnostaan, ja se tuotti usein unohtumattomia, toisaalta maailmallisia kuvia tavallisimmista ja triviaalimmista tapahtumista (Fabrika, 1903). Tästä johtuen hänen kypsät runonsa perustuvat usein konfliktiin platonisen ideaalisen kauneuden näkemyksen ja likaisten teollisten esikaupunkien pettymystodellisuuden välillä (Stranger, 1906).

Hänen seuraavaa runokokoelmaansa, Kaupunkia (1904–1908) varten jalostama kuva Pietarista oli sekä impressionistinen että aavemainen. Myöhemmät kokoelmat, Faina ja Snow Mask, lisäsivät Blockin kiinnostusta uskomattomiin mittoihin. Häntä verrattiin usein Aleksanteri Puškiniin, ja koko venäläisen runouden hopeakautta kutsutaan joskus "Blokin aikakaudeksi". 1910-luvulla Blokia ihailivat lähes kaikki hänen kirjalliset kollegansa, ja hänen vaikutuksensa nuorempiin runoilijoihin oli lähes vertaansa vailla. Anna Ahmatova, Marina Tsvetaeva, Boris Pasternak ja Vladimir Nabokov kirjoittivat tärkeän kunnianosoituksen Blokin runoudelle.

Enemmän aikana myöhäinen ajanjakso hänen elämänsä, Blok, keskittyi ensisijaisesti poliittisista aiheista, pohtivat maansa messiaanista kohtaloa (Retribution, 1910–21; Isänmaa, 1907–16; skyytit, 1918). Solovjovin oppien vaikutuksesta hän oli täynnä epämääräisiä apokalyptisiä aavistuksia ja epäröi usein toivon ja epätoivon välillä. "Minusta tuntuu että merkittävä tapahtuma tapahtui, mutta sitä, mitä se oli, ei minulle tarkalleen näytetty ”, hän kirjoitti päiväkirjaansa kesällä 1917. Melko odottamatta suurimmalle osalle hänen faneistaan hän hyväksyi Lokakuun vallankumous Miten lopullinen päätös tästä apokalyptisesta kaipauksesta.

Blok ilmaisi näkemyksensä vallankumouksesta salaisessa säkeessä - Kaksitoista (1918). Pitkä runo "mielialaa luovilla äänillään, moniäänisillä rytmeillä ja karkealla, mautonta kielellään" (kuten Encyclopedia Britannica kuvaili tätä säkettä) on yksi kiistanalaisimmista koko venäläisen runouden runossa. Se kuvaa kahdentoista bolshevikkisotilaan marssia (verrataan kahteentoista apostoliin, jotka seurasivat Kristusta) vallankumouksellisen Pietarin kaduilla, ja heidän ympärillään riehui raju talvinen lumimyrsky.

Alexander Blok, yksi vuosisadan tärkeimmistä runoilijoista, visioi runollisen tuotantonsa kolmessa osassa. Ensimmäinen osa sisältää hänen varhaisia runojaan Vanhurskasta Ladysta; sen hallitseva väri on valkoinen. Toinen volyymi, tehossa sinisen väristä, kommentoi mahdottomuus saavuttaa ihannetta, jota hän kaipasi. Kolmas osa, joka esittää hänen runojaan vallankumousta edeltäviltä vuosilta, on upotettu tuliseen tai veriseen punaiseen.

Blok piti itseään antihumanistina. Hän oli valmis ottamaan vastaan sivilisaation kuoleman, jos se auttaisi elantonsa vapauttamisessa ihmisen sielu tai elävä luonnon elementti. Nietzschen ja Schopenhauerin opetuksiin perustuen Blok identifioi vapaan elementin musiikkiin, joka läpäisee kaikki maailmat. Hän piti musiikkia kulttuurin keskuksena, sen sieluna. Runoilija oli vakuuttunut siitä, että monet sivilisaation saavutuksista vain rajoittavat elementtien vapautta, lukitsevat sen tiukkaan kehykseen ja tekevät sen tyhjäksi. Musiikin elementti katoaa sivistyneistä maista, ja todellisuus menettää siellä ihmeensä muuttuen ihmisten mukavuuden vuoksi luoduksi esineklusteriksi.

Kurssityö aiheesta:

"Hopeaaika ja A.N:n teokset. Skrjabin"

Johdanto

1. Venäjän kulttuurin hopeaaika

1.1 Hopeakausi

1.2 Hopeakauden musiikki

2. A.A. Blok ja A.N. Skrjabin hopeakauden suuria luojia

2.1 A.A. Block - symbolisti

2.2 Luovuus A.N. Skrjabin

Johtopäätös

Luettelo käytetystä kirjallisuudesta

Johdanto

Hopeakausi venäläisessä kulttuurissa ei ole vain jugendmaalausta ja -arkkitehtuuria, ei vain symbolistista teatteria, joka ilmensi ajatusta taiteen synteesistä, kun taiteilijat ja säveltäjät työskentelivät yhdessä ohjaajien ja näyttelijöiden kanssa esityksen näyttämiseksi. Tämä on symbolismin kirjallisuutta ja erityisesti runoutta, joka tuli maailmankirjallisuuden historiaan nimellä "hopeakauden runous". Runon tekeminen elämästäsi on supertehtävä, jonka hopeakauden sankarit asettavat itselleen. Joten symbolistit eivät ensinnäkään halunneet erottaa kirjailijaa henkilöstä, kirjallista elämäkertaa henkilökohtaisesta. Symbolismi ei halunnut olla vain kirjallinen liike, vaan siitä yritettiin tulla elintärkeä luova menetelmä. Se oli sarja yrityksiä löytää moitteettoman oikea elämän ja luovuuden yhdistelmä, eräänlainen taiteen filosofinen kivi.

Tieteellisen kehittyneisyyden aste: muiden katsoma.

Esine: luovuus A.N. Skrjabin.

Asia: musiikin ja hopeakauden kirjallisuuden yhteys.

Kohde: Tutkimus hopeakauden musiikin ja runouden suhteesta.

Tehtävät: musiikin ja kirjallisuuden tutkimus ja analyysi tästä aiheesta.

Rakenne: johdanto, 2 lukua, johtopäätös, bibliografia, liite.

1. Venäjän kulttuurin hopeaaika

1.1 Hopeakausi

Hopeakausi on henkisen kulttuurin kukoistuksen aikaa: kirjallisuus, filosofia, musiikki, teatteri ja kuvataiteet. Se on ollut käynnissä 90-luvulta lähtien. XIX vuosisadalla. 20-luvun loppuun asti. XX vuosisadalla Tässä historian vaiheessa hengellinen kehitys Venäjällä tapahtui yksilöllisten ja kollektiivisten periaatteiden välisen suhteen perusteella. Aluksi yksilöperiaate oli hallitseva, sen vieressä oli taustalle jäänyt kollektiivinen periaate. Lokakuun vallankumouksen jälkeen tilanne muuttui. Kollektiivinen periaate tuli pääperiaatteeksi, ja yksilöllinen periaate alkoi olla olemassa rinnakkain sen kanssa.

Hopeakauden alun asettivat symbolistit, pieni kirjailijoiden ryhmä, joka toteutti XIX lopulla - XX vuosisadan alussa. "Esteettinen vallankumous". Symbolistit XIX vuosisadan 90-luvulla. keksi ajatuksen arvioida kaikki arvot uudelleen. Se perustui ongelmaan yksilöllisten ja kollektiivisten periaatteiden suhteesta yhteiskunnassa ja taiteessa. Tämä ongelma ei ollut uusi. Se syntyi heti orjuuden lakkauttamisen ja suurten uudistusten toteuttamisen jälkeen, kun kansalaisyhteiskunta alkoi muodostua aktiivisesti. Narodnikit olivat ensimmäisiä, jotka yrittivät ratkaista sen. Kun he pitivät kollektiivista periaatetta määräävänä, he alistivat yksilöllisen periaatteen sille, persoonallisuuden yhteiskunnalle. Ihminen oli arvokas vain, jos hänestä oli hyötyä kollektiiville. Narodnikit pitivät tehokkaimpana yhteiskunnallisena ja poliittisena toimintana. Siinä ihmisen piti paljastaa itsensä. 1800-luvun 60-80-luvuilla tapahtunut populistisen lähestymistavan ihmiseen ja hänen toimintaansa yhteiskunnassa vahvistuminen johti siihen, että kirjallisuutta, filosofiaa ja taidetta alettiin pitää toissijaisena ilmiönä, siihen verrattuna vähemmän tarpeellisena. poliittisen toiminnan kanssa. Symbolistit suuntasivat "esteettisen vallankumouksensa" populisteja ja heidän ideologiansa vastaan.

Symbolistit: sekä vanhimmat (V.Ya.Bryusov, F.K.Sologub, Z.N. Gippius ja muut) että nuoremmat (A. Bely, A.A. Blok, V.V. Gippius jne.) pitivät yksilön periaatetta pääperiaatteena. He määrittelivät uudelleen yksilön ja kollektiivin välisen suhteen. Symbolistit veivät ihmisen pois yhteiskunnasta ja alkoivat pitää häntä itsenäisenä suurena, joka on yhteiskunnalle ja Jumalalle samanarvoinen. He määrittelivät yksilön arvon hänen sisäisen maailmansa varallisuuden ja kauneuden perusteella. Ihmisen ajatukset ja tunteet muutettiin tutkimuksen kohteiksi. Niistä tuli luovuuden perusta. Ihmisen sisäistä maailmaa pidettiin hänen henkisen kehityksensä tuloksena.

Yksilöllisen periaatteen vahvistamisen ohella heidän läheiset symbolistit ja kirjailijat (A. L. Volynsky, V. V. Rozanov, A. N. Benois ja muut) osallistuivat yleisön esteettisen maun muodostumiseen. Teoksissaan he avasivat lukijalle venäläisen ja länsieurooppalaisen kirjallisuuden maailman, esittelivät maailman taiteen mestariteoksia. Symbolistien taiteelliset teokset, jotka käsittelivät aiemmin kiellettyjä aiheita: individualismi, amoralismi, erotiikka, demonismi - provosoivat yleisöä, pakottivat sen kiinnittämään huomiota paitsi politiikkaan, myös taiteeseen, ihmiseen tunteineen, intohimoineen, valoineen ja hänen sielunsa pimeät puolet... Symbolistien vaikutuksesta yhteiskunnan asenne henkiseen toimintaan muuttui.

Symbolistien jälkeen akmeistit jatkoivat yksilöllisen periaatteen puolustamista taiteessa ja yhteiskunnallisessa elämässä.

1900-luvun 10-luvulla syntyneen kirjallisuuden suuntauksen akmeismin kannattajat (M. Kuzmin, N. Gumilev, G. Ivanov jne.) pitivät persoonallisuutta itsestäänselvyytenä, joka ei vaadi muodostumista ja hyväksyntää, vaan paljastamista. Uskonnolliset pyrkimykset ja halu muuttaa yhteiskuntaa olivat heille vieraita. He kokivat maailman kauniiksi ja halusivat kuvata sitä teoksissaan samalla tavalla.

1900-luvun 10-luvulla. acmeismin ohella syntyi toinen kirjallinen suuntaus - futurismi. Sen kehittyminen liittyy kollektiivisen periaatteen palauttamiseen taiteeseen ja sosiaaliseen elämään. Futuristit (V.V. Majakovski, D. Burliuk, A. Kruchenykh ja muut) hylkäsivät ihmisen tutkimuksen kohteena ja itsenäisenä suuruusluokkana. He näkivät hänessä vain täysin kasvottoman hiukkasen yhteiskuntaa. Autot, työstökoneet ja lentokoneet muutettiin esineiksi. Julistamalla itsensä todellisten taideteosten tekijöiksi futuristit arvioivat uudelleen arvonsa. He hylkäsivät täysin vanhan kulttuurin saavutukset ja tarjoutuivat heittämään ne pois "modernin höyrylaivalta". Uskonto hylättiin vanhan kulttuurin peruselementtinä. Futuristit aikoivat rakentaa uuden kulttuurin "ilman moraalia ja chertyakovismia".

Kollektiivista periaatetta aktiivisesti puolustavan suuntauksen synty kulttuuriin osui samaan aikaan Venäjän yhteiskuntapoliittisen järjestelmän hajoamisen kanssa. Ensimmäinen maailmansota, sen seuraukset: nälkä, anarkia, poliittiset levottomuudet johtivat kahteen vallankumoukseen. Lokakuun vallankumouksen aikana valtaan tulivat bolshevikit, jotka julistivat proletariaatin diktatuurin maassa. Monien ihmisten mielessä poliittinen muutos on yhdistynyt kulttuurisiin innovaatioihin. Se oli erityisen vaikeaa niille, jotka taistelivat monta vuotta kollektiivista periaatetta vastaan. He kohtasivat hänet jälleen taiteessa ja politiikassa. Heistä tuntui, että kaikki, mitä he olivat kovalla työllä luoneet, tuhoutui hetkessä, että loppu oli tullut paitsi vanhalle poliittiselle hallitukselle myös kulttuurille. Vanhat kulturtragerit, jotka olivat vakuuttuneita siitä, että taide "kasvaa ulos ihmisen henkisestä syvyydestä", suhtautuivat kielteisesti avantgardiin. He eivät pitäneet sitä taiteena. Kielteinen asenne avantgardia kohtaan juurtui vanhojen kulttuurihenkilöiden mieliin sen jälkeen, kun monet futuristit ilmoittivat tukevansa uutta hallitusta ja bolshevikit puolestaan tunnustivat futurismin taiteena. Bolshevikkien asenne etujoukkoon oli kaksijakoinen. Uusi hallitus antoi tunnustusta avantgardille taistelusta "dekadenttia" porvarillista kulttuuria vastaan, mutta ei voinut hyväksyä vetäytymistä epäobjektiivisuuteen ja innokkuuteen. Hän luotti taiteeseen, "joka on selkeää ja ymmärrettävää kaikille". Suuntautuminen massoihin oli yksi bolshevikkien pääasenteista kulttuurissa. Mutta asenne oli epämääräinen eikä sillä ollut varmaa sisältöä.

Bolshevikkien kulttuuripolitiikka 1920-luvulla oli vasta muotoutumassa. Vielä ei ollut kulttuurista hallintoelimiä, ei myyttejä Leninistä, vallankumouksesta ja puolueesta - Neuvostoliiton kulttuurin rakenteellisesta elementistä, joka kattaa kaikki julkisen ja yksityisen elämän osa-alueet. Kaikki tämä ilmestyi myöhemmin. Puolueiden ideologit laativat 1920-luvulla yleiset suuntaviivat lukutaidottomuuden poistamiseksi ja joukkojen kulttuuritason nostamiseksi. Ideologit väittivät, että taidetta on yhdistettävä tuotantoon ja uskonnonvastaiseen propagandaan. Mutta heillä ei ollut yhtä näkemystä siitä, millaista kulttuuria valtaluokan luokan oli rakennettava. Hän ilmestyi myöhemmin, 30-luvulla. Kaikki tämä vaikutti kiistan syntymiseen kulttuurin kehitystavoista. Heille osallistui uuden hallituksen edustajia (L.D. Trotsky, A.V. Lunacharsky jne.) sekä kirjailijoita, taiteilijoita ja teatterihahmoja, jotka tuntevat myötätuntoa heitä kohtaan. He julistivat tarpeen rakentaa kulttuuri, joka vastaisi koko yhteiskunnan ja jokaisen yksittäisen ihmisen makuja ja tarpeita. Kiistaan osallistui myös vanhan perinteisen kulttuurin edustajia, jotka halusivat edetä yksilön periaatteesta taiteen ja sosiaalisen elämän rakentamisessa. Kiistat kulttuurin kehitystavoista loppuivat 30-luvulla, kun neuvostovalta vahvistui voimakkaasti ja sen vaikutus yhteiskuntaan kasvoi.

Venäläisen kulttuurin hopeakauden estetiikka sen erilaisten, usein diametraalisesti vastakkaisten suuntien, liikkeiden kokonaisuutena, silmiinpistävä tekijän löydös tiivisti monia klassisen esteettisen ajattelun etsintöjä, erityisesti taiteen estetiikan ja taiteellisuuden metafyysisen olemuksen paljastamisessa. . Tämän myötä monet tuon ajan ajattelijat, kirjailijat, taiteilijat, taideteoreetikot tulivat hyvinvoivassa kulttuurin ja taiteen kriisin ilmapiirissä enemmän tai vähemmän yksimielisesti siihen johtopäätökseen, että on välttämätöntä laajentaa merkittävästi kulttuurin ja taiteen alaa. esteettinen kokemus sen kehyksen ulkopuolella, joka rajoitti sitä klassisessa estetiikassa. He ymmärsivät, että taide uudessa eurooppalaisessa käsityksessään autonomisesta "kuvataiteesta" on täydentämässä olemassaoloaan, ja taiteilijan on mentävä sen yli todelliseen elämään ja työskenneltävä siellä aktiivisesti esteettisten lakien mukaisesti muuttaakseen sitä. Nykyään on ilmeistä, että hopeakauden estetiikka on suurten utopioiden estetiikkaa, maniristista estetiikkaa, rohkeita ja radikaaleja kokeiluja ja vakavia löytöjä. Sen ajan esteettiset kokemukset ja esteettiset teoriat ovat lähtökohtana monille nykyaikaisille radikaaleille prosesseille taiteellisen käytännön alalla ja ovat vaihe ei-klassisen ja post-ei-klassisen estetiikan muodostumisessa, jotka saavuttavat aktiivisesti eksplisiittisen tason uuden vuosituhannen alku.

1.2 Hopeakauden musiikki

Mighty Handful- ja Tchaikovsky-säveltäjien teosten loistavan kukinnan jälkeen 1870-luvulla venäläistä musiikkia 1800-luvun lopulla. siirtyy uuteen kehitysvaiheeseensa. Siinä alkavat kansallisen säveltäjäkoulun vakiintuneiden perinteiden jatkamisen ohella näkyä tuntuvasti piirteitä, joita vuosisadan vaihteen Venäjän sosiaalisen elämän uudet olosuhteet ovat aiheuttaneet. Musiikkitaide sisältää uusia teemoja ja kuvia. On ominaista siirtää pääintressi laajasta yhteiskunnallisesta aiheesta ihmisen sisäisen maailman heijastusalueelle. Jopa kuvat kansanelämästä, eeposista, historiasta, alkuperäisestä luonnosta saavat lyyrisen värin. Tässä on paljon kosketusta tuon ajan kansallisen taiteellisen kulttuurin yleisiin kehitysprosesseihin. Kauniuden väittäminen, inhoa kaikesta karkeasta, filisteasta läpäisevät monien venäläisten kirjailijoiden ja taiteilijoiden, esimerkiksi Tšehovin, Levitanin, töiden. Luonnon kauneus, ihmissydän, ihmisoikeus onnellisuuteen ovat tämän ajanjakson venäläisen musiikin pääteemoja. Siinä, kuten lähitaiteissa, kiinnostus filosofisten ongelmien ruumiillistumiseen, filosofiset pohdiskelut elämästä lisääntyy, älyllisen prinsiipin rooli kasvaa, synteesiä muiden taiteiden kanssa ilmenee.

Vallankumouksellinen nousu ja vallankumouksellinen liike heijastuivat kuitenkin suorimmin kansantaiteessa, venäläisessä vallankumouksellisessa laulussa, josta tuli voimakas joukkojen kokoamisen väline. Myös tiettyjen musiikkilajien merkitys säveltäjien työssä on muuttumassa. Monet heistä suosivat instrumentaalimusiikkia, usein ohjelman ulkopuolella (musiikin ja tietyn tekstin välisen yhteyden puute antoi heille enemmän vapautta ilmaista ajatuksiaan ja tunteitaan). Vakavaa huomiota kiinnitetään ammatillisen tekniikan kehittämiseen, taitoon, musiikillisten ilmaisuvälineiden kehittämiseen. Musiikkitaide on rikastunut silmiinpistävillä saavutuksilla melodian, harmonian, polyfonian, pianon ja orkesterimaun alalla.

Tuon ajan kirjallisuuden ja taiteen eri suuntausten kireä taistelu vaikutti myös venäläisen musiikin kehitykseen. Joidenkin säveltäjien teoksissa klassisten perinteiden omaksuminen yhdistettiin modernististen suuntausten vaikutuksiin, jotka näkyivät selvästi ulkomailla ja tunkeutuivat Venäjän taiteelliseen elämään vuosisadan alussa. Musiikissa tämä ilmaantui vetoamuksena kapeiden, individualististen kokemusten maailmaan ja tämän mukaisesti musiikin kielen liialliseksi monimutkaiseksi, minkä tahansa musiikillisen ilmaisutavan yksipuoliseksi kehittämiseksi. Totta, aikakauden johtavien säveltäjien työssä nämä suuntaukset eivät koskaan tulleet hallitseviksi eivätkä luoneet merkittäviä esteitä venäläisten musiikkiklassikkojen yleiselle kehitykselle.

Kirjallisuuden ja musiikin hopeakausi oli samaan suuntaan. Pääteema oli henkilö. Ihmisen elämä, sisäinen maailma, ajatukset ja teot. Kirjallisuudessa ja musiikissa esiintyy erilaisia suuntauksia, joilla on oma erikoisuutensa ilmaista tunteita ja intohimoja. Uusia runoilijoita, kirjailijoita ja säveltäjiä ilmestyy. Ne kaikki tuovat hopeakaudelle paljon uutta ja mielenkiintoista tulevaisuutta ja nykypäivää varten.

2. A.A. Blok ja A.N. Skrjabin hopeakauden suuria luojia

2.1 A.A. Block - symbolisti

Symbolismi on yksi hopeakauden taiteellisista suuntauksista, jota monet runoilijat noudattivat. Symboliikasta puhuttaessa on huomattava, että hän kääntyi ihmisille tärkeiden ikuisten ideoiden puoleen. Kaikista symbolistisista runoilijoista Alexander Blokin työ on minulle läheisin. Pidän häntä yhtenä hopeakauden kirkkaimmista edustajista.

Blok on erinomainen ilmiö venäläisessä runoudessa. Hän on yksi merkittävimmistä symbolistisista runoilijoista. Hän ei koskaan vetäytynyt symboliikasta: ei nuoruuden runoissa, täynnä sumuja ja unia, eikä kypsemmissä teoksissa. Alexander Blokin kirjallinen perintö on laaja ja monipuolinen. Siitä on tullut osa kulttuuriamme ja elämäämme, mikä auttaa ymmärtämään henkisten etsintöjen alkuperää, ymmärtämään menneisyyttä.

Aleksanteri Blok (Aleksandri Aleksandrovitš Blok, 28. marraskuuta 1880 - 7. elokuuta 1921), oli kenties lahjakkain Venäjällä Aleksanteri Puškinin jälkeen syntynyt lyriikkarunoilija. Blok syntyi Pietarissa intellektuelliperheeseen. Jotkut hänen sukulaisistaan olivat kirjailijoita, hänen isänsä oli oikeustieteen professori Varsovassa ja hänen äitinsä isoisänsä oli Pietarin valtionyliopiston rehtori. Vanhempiensa avioeron jälkeen Blok asui aristokraattisten sukulaisten luona Shakhmatovon kartanolla lähellä Moskovaa, jossa hän opiskeli setänsä Vladimir Solovjovin filosofiaa sekä silloin tuntemattomien 1800-luvun runoilijoiden Fjodor Tyutševin ja Afanasy Fetin runoutta. Nämä vaikutukset näkyivät hänen varhaisessa työssään, joka on myöhemmin koottu kirjaan Ante Lucem.

Hän rakastui Lyubov (Ljuba) Mendeleeviin (suuren kemistin tytär) ja meni naimisiin hänen kanssaan vuonna 1903. Myöhemmin hän sai hänet monimutkaiseen vihan ja rakkauden suhteeseen ystävänsä, symbolistin Andrei Belyn kanssa. Hän omisti Lyuballe syklin, joka toi hänelle mainetta, Runot kauniista naisesta, 1904. Tässä jaksossa hän muutti nöyrän vaimonsa loputtomaksi näkemykseksi naisen sielusta ja ikuisesta naiseudesta.

Myöhemmin elämänsä aikana Blok keskittyi ensisijaisesti poliittisiin aiheisiin pohtien maansa messiaanista kohtaloa (Retribution, 1910–21; Isänmaa, 1907–16; skyytit, 1918). Solovjovin oppien vaikutuksesta hän oli täynnä epämääräisiä apokalyptisiä aavistuksia ja epäröi usein toivon ja epätoivon välillä. "Minusta tuntuu, että tärkeä tapahtuma tapahtui, mutta mitä se oli, ei minulle tarkalleen näytetty", hän kirjoitti päiväkirjaansa kesällä 1917. Melko odottamatta suurimmalle osalle faneistaan hän hyväksyi lokakuun vallankumouksen lopullisena ratkaisuna tähän apokalyptiseen ahdistukseen.

Alexander Blok, yksi vuosisadan tärkeimmistä runoilijoista, visioi runollisen tuotantonsa kolmessa osassa. Ensimmäinen osa sisältää hänen varhaisia runojaan Vanhurskasta Ladysta; sen hallitseva väri on valkoinen. Toinen osa, jossa hallitsee sininen, kommentoi mahdottomuus saavuttaa ihanne, jota hän kaipasi. Kolmas osa, joka esittää hänen runojaan vallankumousta edeltäviltä vuosilta, on upotettu tuliseen tai veriseen punaiseen.

Blok piti itseään antihumanistina. Hän oli valmis ottamaan vastaan sivilisaation kuoleman, jos se auttaisi elävän ihmissielun tai elävän luonnonelementin vapautumista. Nietzschen ja Schopenhauerin opetuksiin perustuen Blok identifioi vapaan elementin musiikkiin, joka läpäisee kaikki maailmat. Hän piti musiikkia kulttuurin keskuksena, sen sieluna. Runoilija oli vakuuttunut siitä, että monet sivilisaation saavutuksista vain rajoittavat elementtien vapautta, lukitsevat sen tiukkaan kehykseen ja tekevät sen tyhjäksi. Musiikin elementti katoaa sivistyneistä maista, ja todellisuus menettää siellä ihmeensä muuttuen ihmisten mukavuuden vuoksi luoduksi esineklusteriksi.

2.2 Luovuus A.N. Skrjabin

Skrjabin A.N. - Venäläinen säveltäjä ja pianisti. Säveltäjän isä Nikolai Aleksandrovitš oli diplomaatti Turkissa; äiti Lyubov Petrovna oli erinomainen pianisti. Lapsuudesta lähtien hemmoteltu, vaikutuksellinen, sairas Skrjabin osoitti sinnikkyyttä minkä tahansa liiketoiminnan toteuttamisessa. Skrjabinin musiikillinen lahjakkuus paljastui hyvin varhain: viidentenä vuonna hän soitti helposti kuulemaansa musiikkia pianolla improvisoituna; 8-vuotiaana hän yritti säveltää oman oopperansa ("Liza") jäljitellen klassisia malleja. Perheperinteen mukaan hän siirtyi 11-vuotiaana Moskovan 2. kadettijoukkoon, jossa hän esiintyi ensimmäisenä opiskeluvuotena konsertissa pianistina. Hänen pianonsoiton opettajat olivat aluksi T.E. Konus, sitten N.S. Zverev, jonka musiikillisessa sisäoppilaitoksessa samaan aikaan S.V. Rahmaninov, L.A. Maximov, M.L. Presman ja F.F. Keneman. Musiikki- ja teoreettisissa aineissa Skrjabin otti yksityistunteja, valmistui Moskovan konservatoriosta kultamitalilla pianossa: V.I. Sofonova, S.I. Taneeva ja A.S. Arensky. Skrjabinilla ei ollut hyviä suhteita Arenskiin, ja hän lopetti opinnot ja hylkäsi säveltäjän tutkinnon. Vuosina 1898-1903 hän opetti pianonsoittoa Moskovan konservatoriossa. Opiskelijoiden joukossa - M.S. Nemenova - Lunts, E.A. Beckman - Shcherbina.

Skrjabin A.N. oli erinomainen pianisti, keskittyi koko ikänsä, mutta jo nuoruudessa hänen taiteelliset kiinnostuksen kohteet keskittyivät lähes yksinomaan omien sävellyksiensä tulkintaan. Hengellisyys, romanttinen kohottaminen, hienovaraisuus - yksityiskohtien ilmaisu - kaikki nämä ja muut Skrjabinin esittävän taiteen piirteet vastasivat hänen musiikkinsa henkeä.

Scriabin on säveltänyt paljon 1980-luvun jälkipuoliskolta lähtien, ja hän ohitti suhteellisen nopeasti jäljitelmien ja oman polkunsa etsintöjen vaiheen. Jotkut hänen varhaisista luovista kokemuksistaan todistavat hänen varhaisista pyrkimyksistään ja makuun. 90-luvun alussa. sisältää hänen pianokappaleidensa ensimmäiset painokset ja esitykset. Ne tuovat menestystä kirjailijalle. Useat huomattavat säveltäjät ja musiikkihahmot, erityisesti V.V. Stasov, A.K. Lyadov, olkaa hänen kannattajiaan. Tärkeä rooli nuoren Skrjabinin elämässä oli tuella, jonka hänelle tarjosi kuuluisa filantrooppi M.P. Beljajev.

Skryabin A.N. ensimmäinen jakso (80-luvun lopulla 90-luvulla)- hienovaraisesti spiritualisoitujen sanoitusten maailma, joskus hillitty, keskittynyt, siro (fp. Preludit, mazurkat, valssit, nokturnit), sitten kiihkeä, väkivaltaisen dramaattinen (fp. Etude dis - moll, op. 8, nro 12; kp. Prelude Es - moll, op. 11, nro 14 jne.). Näissä teoksissa Skrjabin on edelleen hyvin lähellä 1800-luvun romanttisen musiikin ilmapiiriä, ennen kaikkea rakastettua F. Chopinia lapsuudesta lähtien ja myöhemmin F. Lisztiä. R. Wagnerin vaikutus näkyy sinfonisessa teoksessa. Skrjabinin työ liittyy läheisesti venäläisen musiikin perinteisiin, erityisesti P.I. Tšaikovski. Skrjabinin ensimmäisen ajanjakson teokset liittyvät monin tavoin Rahmaninovin teoksiin. Mutta jo Skrjabinin varhaisissa teoksissa hänen yksilöllisyytensä tuntuu tavalla tai toisella. Intonaatioissa ja rytmeissä on havaittavissa erityinen impulsiivisuus, oikukas vaihtelevuus, harmonioissa - miellyttävyys, dissonanssien jatkuva "välkkyminen", koko kankaassa - keveys, läpinäkyvyys suurella sisäisellä kylläisyydellä. Skrjabin osoitti jo varhain taipumusta ideologisiin yleistyksiin, vaikutelmien muuttamiseksi käsitteiksi. Tämä houkutteli häntä suuriin muotoihin. Sonaatit pianolle, myöhemmät sinfoniat ja sinfoniset runot nousivat hänen uransa tärkeimpiin maamerkkeihin.

Sonaatti nro 1 (1892) sisältää romanttiselle taiteelle ominaisen vapaan hillittömän tunteen maailman (1., 3. osa) ja ankaran väistämättömyyden tunteen (2. osa, surun finaali). Merikuvien inspiroima kaksiosainen sonaatti - fantasia (nro 2, 1892 - 97) on syvästi lyyrinen: aluksi hillitty, mutta jo häiriintynyt tunne (1. osa) muuttuu myrskyiseksi romanttiseksi jännitykseksi, rajattomaksi kuin meren elementti (2. osa) ... Sonaattia nro 3 (1897–98) kirjoittaja kuvaili "mielentilaksi". Siinä on toisessa ääripäässä draamaa, joka kehittyy sankarillisuudeksi, vahvan tahdon rohkeuteen, toisaalta - sielun hienostuneisuus, sen herkkä kaipuu, hellä leikkisyys (2., 3. osa). Finaalin koodissa esiintyy 3. osan hymnisesti muunneltu teema, kirjoittajan kommentin mukaan "olemisen syvyyksistä miehen - luojan - mahtava ääni, jonka voitokas laulu soi voitokkaasti". Ideologisesti mittakaavaltaan ja ilmaisuvoimaltaan uutta Sonaatti 3 merkitsi Skrjabinin etsintöjen huippua hänen työnsä alkuvaiheessa ja samalla hänen kehityksensä seuraavan vaiheen alkua.

Toisen ajanjakson teoksissa (1800-luvun 90-luvun loppu - 1900-luvun alku) Skrjabin kiintyi käsitteisiin, jotka eivät olleet vain laajoja, vaan myös yleismaailmallisia, ylittäen lyyrisen ilmaisun rajat. Moraalisten ja filosofisten ideoiden rooli, olemisen korkeimman merkityksen ja paatosten etsiminen kasvaa. Teoksen luominen tarkoittaa juurruttaa ihmisiin jokin tärkeä totuus, joka johtaa lopulta yleismaailmallisiin hyödyllisiin muutoksiin - tämä on Skrjabinin ideologinen ja taiteellinen kanta, joka lopulta muodostui tuolloin. Kuusiosainen sinfonia nro 1 (1899-1900) ilmentää ajatusta taiteen muuntavasta voimasta. Romanttisesti levoton sielun mielialan muutosta (2. - 5. osa) vastustaa ylevän, kaiken sovittavan kauneuden kuva (1., 6. osa). Finaali on juhlallinen ylistys taiteelle - "taikalahja", joka tuo ihmisille "lohdutusta" ja synnyttää säveltäjän mukaan "rajattoman tunteiden valtameren". Loppukuorosta, joka on kirjoitettu 1700-luvun oratorioklassikoiden hengessä, säveltäjä sanoi: "Kirjoitin sen tarkoituksella, koska halusin sen olevan jotain yksinkertaista, valtakunnallista." Ensimmäisen sinfonian optimistinen finaali aloitti kevyen utopistisen romantiikan, joka väritti kaikkia myöhempiä Skrjabinin töitä.

Toisessa sinfoniassa (1901) sankarilliset elementit ovat voimistuneet. "Juonin" lanka venyy ankarasta ja surullisesta andantesta rohkean impulssin (2. osa), unen ja intohimon päihtymyksen (3. osa) kautta uhkaavasti raivoavien elementtien kautta (4. osa) horjumattoman ihmisvoiman vakuuttamiseen ( 5. osa). Finaalin harmoniaa korostaa tyylillinen yhteys koko sykliin. Mutta myöhemmin, arvioidessaan tätä finaalia, säveltäjä kirjoitti: "Minun piti antaa valoa tänne ... Valoa ja iloa ... Valon sijaan se osoittautui jonkinlaiseksi pakkomielteiseksi ..., loistoksi ... Löysin valo myöhemmin." Tunteen, joka liittyy ihmisen voittoon, hän halusi ilmentää hänelle kevyttä ja leikkisää, kuten upeaa tanssia; hän ei ajatellut iloa itselleen rauhan autuudena, vaan äärimmäisenä jännityksenä, ekstaasiana.

Säveltäjä saavutti ensin halutun tavoitteen sinfoniassa nro 3 (The Divine Poem, 1903–04). Tämä teos yhdistää säveltäjän koko aikaisemman kehityksen säikeet. Tässä Skrjabinin filosofinen ohjelma on muotoiltu paljon täydellisemmin ja johdonmukaisemmin, musiikki-figuratiivista sisältöä täsmennetään, hänen yksilöllinen tyylinsä ilmentyy elävästi. Aikalaisille Skrjabinin kolmas sinfonia, enemmän kuin mikään muu aikaisempi teos, oli "Scriabinin löytö". Kolmas sinfonia on säveltäjän mukaan eräänlainen "hengen elämäkerta", joka kaiken aineellisen ja järkevän voittamalla pääsee tiettyyn korkeampaan vapauteen ("jumalallinen leikki"). Osa 1 ("The Struggle") alkaa hitaalla johdannalla, jossa tapahtuu "itsensä vahvistamisen" ankara ja hallitseva motiivi. Tätä seuraa allegrodraama, jossa kontrastit synkkä-tahtoinen ja unenomainen-kevyt tunnelmia. Tyypillistä, jo puhtaasti Skrjabinista liikkumisen helppoutta, tavallaan finaalia ennakoivaa. Toinen, hidas osa ("Pleasures") on "maallisten", aistillisten sanoitusten maailma, jossa luonnon äänet ja tuoksut vastaavat sielun kuivumista. Finaali ("Divine Game") on eräänlainen "sankarillinen scherzo". Toisin kuin sinfoniaa edeltäneet raskaasti juhlalliset finaalit, tässä annetaan mielikuva huumaavasta iloisesta tanssista tai vapaasta "näytelmästä", joka esitetään kuitenkin tahdonvoimalla ja kiihkeästi.

FP on lähellä "jumalallista runoa". sonaatti nro 4 (1901–03). Sen koko ”juoni” on saman ilon tunteen asteittaista syntymistä, joka ilmentyy Sinfonian nro 3 finaalissa. Alussa - tähden tuikkuva valo; se on edelleen "hukkaantunut kevyeen ja läpinäkyvään sumuun", mutta paljastaa jo "toisen maailman" säteilyn. Sitten (2. viimeinen osa) - vapautumisen teko, lento kohti valoa, valtavasti kasvava ilo. Tämän Prestissimo volandon aivan erityisen tunnelman luovat sen täysin kiihtynyt rytminen sykkiminen, kevyiden "lento"-liikkeiden välkkyminen, läpinäkyvä ja samalla äärimmäisen dynaaminen harmonia. Skrjabinin 1800- ja 1900-luvun vaihteessa luomat teokset on suunnattu sekä menneisyyteen että tulevaisuuteen; joten 3. sinfoniassa 1. ja 2. osa pysyvät edelleen linjassa 1800-luvulta perittyjen "todellisten" lyyris-dramaattisten kuvien kanssa, kun taas finaalissa tapahtuu läpimurto uuteen.

Luovuuden kolmas kausi (1904-1910) jolle on ominaista Skrjabinin uusi-utopistisen konseptin lopullinen kiteytyminen. Hän alistaa kaiken toimintansa kuvitteellisen "mysteerin" luomiselle, jonka tarkoitus ylittää paljon taiteen rajat. Kolmannen jakson erikoisuus on myös tyylin radikaalissa muodossa, kokonaan uusien taiteellisten tehtävien määräämä. Näinä vuosina pysyviä käsitteitä. Vapaana kaikista raskaista velvollisuuksista ulkomailla ollessaan Skrjabin opiskelee intensiivisesti filosofista kirjallisuutta - Kantin, Fichten, Schellingin, Hegelin teoksia, toisen filosofisen kongressin teoksia. Hän oli kiinnostunut "universumin" käsitteestä, "absoluutin" merkityksestä subjektiivisessa tietoisuudessa, muuten hän oli yhdessä joidenkin idealististen filosofien kanssa taipuvainen ymmärtämään "jumalallisena" ihmisessä ja maailmassa. Skrjabinin pyrkimys kaikenkattavaan kaavaan tehdä Schellingin oppi "maailmansielusta" erityisen houkuttelevaksi hänelle. Samaan aikaan Skrjabin pysyi filosofisissa etsinnöissään ensisijaisesti taiteilijana. Kokonaisvaltainen olemisen tunne, joka vahvisti hänen uskoaan ihmiseen, ihanteen tiellä tehtävien ponnistelujen voittoon, oli laajempi kuin ne teoreettiset käsitteet, joiden avulla hän yritti ratkaista häntä huolestuttavia ongelmia ja rakentaa omaa taiteellisuuttaan. "maailman malli". Pohjimmiltaan Skrjabiniin teki vaikutuksen kaikki, missä hän tunsi vapauden hengen, uusien voimien heräämisen, missä hän näki liikkeen kohti persoonallisuuden korkeinta kukoistusta. Filosofinen lukeminen, keskustelut ja kiistat olivat Skrjabinille ajatuksen herättämisen prosessia. Häntä veti puoleensa se kerran tyydyttämätön jano universaalille, radikaalille totuudelle maailmasta ja ihmisestä, johon hänen taiteensa eettinen luonne liittyy erottamattomasti. Filosofia tarjosi lisäksi materiaalia, jota hän niin paljon tarvitsi yleistettyihin runollisiin metaforoihin. Mystisen filosofian kantama Skrjabin tutustui samalla marxilaiseen kirjallisuuteen, joten tapasi G.V. Plekhanov (1906). "Kun tapasin hänet Bogliascossa", muistelee Plekhanov, "hän ei ollut lainkaan perehtynyt K. Marxin ja F. Engelsin materialistiseen näkemykseen. Kiinnitin hänen huomionsa tämän näkemyksen tärkeään filosofiseen merkitykseen. Muutamaa kuukautta myöhemmin, kun tapasin hänet Sveitsissä, näin, että hän ei missään nimessä tullut historiallisen materialismin kannattajaksi, mutta oli onnistunut ymmärtämään sen olemuksen niin hyvin, että hän pystyi toimimaan tämän opin kanssa paremmin kuin monet "kovakivi" Marxilaiset." Plekhanov sanoi Skrjabinista: ”Hänen suurenmoista musiikkia. Tämä musiikki heijastaa vallankumouksellista aikakauttamme idealisti-mystikon temperamentissa ja näkemyksissä." Mystiikan maailmankatsomus määritteli joitakin erittäin haavoittuvia piirteitä Skrjabinin teoksessa - hänen konseptinsa utopistisuus, äärimmäinen subjektivismi, joka jätti leimansa moniin hänen teoksiinsa, erityisesti myöhempiin.

Yksi Skrjabinin työskentelyn kolmannen ajanjakson pääteoksista on yksiselitteinen Ekstaasin runo (1905-1907). Tämän teoksen yksityiskohtaisesti kehitetyn ja säkeistössä esitellyn ohjelman säveltäjä julkaisi erillisen esitteen muodossa. Tekstin sisältö on lähellä 3. sinfonian ohjelmaa. Musiikissa runollista käsitettä tulkitaan ytimekkäämmin painottaen selkeästi juonen kevyitä, optimistisia elementtejä. Vapaasti tulkittuun sonaattimuotoon kirjoitetun runon neljä suurta osaa edustavat kahden temaattisen ryhmän - kuvien unien ja aktiivisen toiminnan - nelinkertaista vertailua. Sielun luova pakkomielle, haaveileva ja lumoutunut, murtautuu yhä sitkeämmin toimintaan ja "vapaan tahdon" lopulliseen voittoon. Runon koodissa sankarillisten "tahdon" ja "itsensä vahvistamisen" kehitys luo poikkeuksellisen voimakkaan tunnelman - romanttisen juhlan apoteoosin. FP. Sonaatti nro 5 (1907) yhdistää Sonaatti 4:n ja Ekstaasin runon tunnusomaisia kuvia. Mutta johdannon teema on jo koskettanut sinfonisen runon "Prometheus" aluetta: "pimeiden syvyyksien" häiritsevää ja salaperäistä voimaa, jossa "elämän alkiot" ovat piilossa. "Ekstaasin runoon" ja

Yksittäisten diojen esityksen kuvaus:

1 dia

Dian kuvaus:

Hopeakauden runojen musiikkia. Kirjallisuustunti .. Täydennetty 11. luokan oppilaat Mustafina I. ja Tychinina I. Opettaja Zubareva E.F.

2 liukumäki

Dian kuvaus:

3 liukumäki

Dian kuvaus:

Hopeakausi on vuosisadan vaihteessa, tämä on odottamaton runouden nousu, joka vaati uusia runollisen kuvauksen periaatteita, uutta asennetta runollinen sana elämälle. Siksi monet kirjallisia liikkeitä: symbolismi, akmeismi, futurismi, imagismi ... Aikakauden henki synnytti tämän ihmeen - hopeaajan ilmiön.

4 liukumäki

Dian kuvaus:

Venäjän kirjallisuuden "hopeaaika". Tämä oli XIX-XX vuosisadan vaihteen nimi. - henkisten innovaatioiden aika, suuri harppaus kehityksessä kansallista kulttuuria... Tänä aikana se oli uusi kirjallisuuden genrejä, estetiikka on rikastunut taiteellista luomista, kokonainen galaksi erinomaisia kouluttajia, tiedemiehiä, kirjailijoita, runoilijoita ja taiteilijoita tuli tunnetuksi.

5 liukumäki

Dian kuvaus:

Ja vuosisata synnytti niin monia runoilijoita - "hyviä ja erilaisia", mutta he kaikki asuivat kompleksissa sisäinen elämä, traaginen ja iloinen, sumuinen ja mystinen, intohimoinen ja kapinallinen. Heidän koko elämänsä on ääriään myöten täynnä etsintöjä, tunteita, ajatuksia, musiikkia ja runoutta.

6 liukumäki

Dian kuvaus:

7 liukumäki

Dian kuvaus:

"Joka hetki olen täyttänyt paljastukset..." Näin jokainen hopeakauden runoilija voisi sanoa työstään.

8 liukumäki

Dian kuvaus:

SYMBOLISMI - suunta eurooppalaisessa ja venäläisessä taiteessa 1870-1910-luvuilla; keskittyy ensisijaisesti taiteelliseen ilmaisuun intuitiivisesti ymmärrettyjen olemusten ja ideoiden, epämääräisten, usein hienostuneiden tunteiden ja visioiden symbolin kautta. Symbolistit V. Ya. Bryusov; KD Balmont; D.S. Merezhkovsky; A. Bely; A. A. Blok

9 liukumäki

Dian kuvaus:

V. Ya. Bryusov (1873 - 1924) Valeri Yakovlevich Bryusov syntyi 13. joulukuuta 1873. kauppiasperheessä. Vuonna 1921. järjesti korkeamman kirjallisuus- ja taideinstituutin ja oli elämänsä loppuun asti sen rehtori ja professori. Hän kuoli 9. lokakuuta 1924. Moskovassa. Ja läpinäkyvät kopit, soinnoivassa hiljaisuudessa, kasvaa kuin kimalteita, Taivaansinisen kuun kanssa. Alaston kuukausi nousee Taivaansinisen kuun kanssa ... Kuulostaa karjuvan puoliunessa, kuulostaa minusta tasaisemmalta ...

10 diaa

Dian kuvaus:

KD Balmont (1867 - 1942) Konstantin Dmitrievich Balmont syntyi Gumnishchin kylässä, Shuiskin alueella, Vladimirin maakunnassa, aatelisperheeseen. Vuosina 1887-1889. Balmont käänsi länsieurooppalaisia runoilijoita. Kokoelmat Under the Northern Sky (1894), In Boundlessness (1895), Hiljaisuus (1898) ovat venäläisen symbolismin edelläkävijöitä. Kirjat "Paltavat rakennukset", "Ollaan kuin aurinko", "Vain rakkaus" (1900-1903) toivat mainetta ja tunnustusta Balmontille. Ne vahvistivat runoilijan arvovaltaa yhtenä symbolistisen liikkeen johtavista runoilijoista. Vuonna 1920. Balmont muutti maasta. Hän kuoli vuonna 1942. Olen venäläisen hitaan puheen hienostuneisuus, Ennen minua on muita runoilijoita - edelläkävijöitä, löysin ensimmäisen kerran tässä puheessa rinteet, Uudelleenlaulu, vihainen, hellä soitto. Olen äkillinen tauko, olen leikkivä ukkonen, olen läpinäkyvä virta, olen kaikille enkä kenellekään ...

11 diaa

Dian kuvaus:

12 diaa

Dian kuvaus:

N. S. Gumiljov (1886 - 1921) Nikolai Stepanovitš Gumiljov syntyi 15. huhtikuuta 1886. Kronstadtissa sotilaslaivalääkärin perheessä. Vuonna 1911. yhdessä S. Gorodetskyn kanssa loi "runoilijoiden työpajan". Vuonna 1914. ilmoittautui vapaaehtoiseksi Venäjän armeijaan. Rohkeudesta ja urheudesta hänelle myönnettiin kaksi Pyhän Yrjön ristiä ja hänet ylennettiin lipuksi. 3. elokuuta 1921 Pietarin ylimääräinen komissio pidätti hänet ja 25. elokuuta 1921. - ammuttu.

13 diaa

Dian kuvaus:

14 diaa

Dian kuvaus:

Anna Ahmatova. Venäjän Sappho, rakkauden pappitar ... Hänen runonsa ovat rakkauslauluja. Kaikki tietävät hänen hämmästyttävän runonsa "U sininen meri", jossa voit kuulla surffauksen äänen ja lokkien huudot ... On naurettavaa kutsua" kansan vihollista "henkilöksi, joka loi" Requiemin "- kauhea totuus Tietoja Venäjästä. Enkelien kuoro hieno tunti ylistetty, ja taivaat sulavat tulessa. Hän sanoi isälleen: "Miksi hän jätti minut!" Ja Äidille: "Voi, älä itke minun puolestani..."

15 diaa

Dian kuvaus:

16 diaa

Dian kuvaus:

O. E. Mandelstam (1891 - 1938) Osip Emilievich Mandelstam syntyi 15. tammikuuta 1891. Pietarin juutalaisessa kauppiasperheessä. Vuonna 1913. - ensimmäinen runokokoelma "Kivi". Vuonna 1928. - toinen kokoelma ("Tristia" ja runous 1921-1925). 30-luvulla. - "Voronežin sykli". Toukokuussa 1934. runoilija pidätettiin, karkotettiin Cherdyniin pohjoiseen. Uralissa ja siirrettiin sitten Voronežiin. Toukokuussa 1938. pidätettiin naurettavan syytteen perusteella ja lähetettiin Kolymaan, missä 27. joulukuuta 1938. kuoli. Elämme, emme tunne maata allamme, Puheemme eivät kuulu kymmeneen askeleeseen, Ja missä riittää puolet keskustelusta, He muistavat Kremlin ylämaan. Hänen paksut sormensa ovat lihavia kuin madot, ja hänen sanansa ovat totta kuin puntapainot - Torakan viikset nauravat Ja saappaat kiiltävät ... Marraskuu 1933

17 liukumäki

Dian kuvaus:

18 diaa

Dian kuvaus:

FUTURISMI (sanasta lat.futurum - tulevaisuus), avantgarde-trendi in eurooppalaista taidetta 1910 - 20-luvuilla pääasiassa Italiassa ja Venäjällä. Kirjallisuudelle - dokumentaarisen materiaalin ja fiktion yhdistäminen, runoudessa - kielellinen kokeilu ("sanat yleisesti" tai "hullu"). Futuristit D. D. Burliuk; V. V. Hlebnikov; V.V. Kamensky; varhainen B. Pasternak; V. V. Majakovski

19 diaa

Dian kuvaus:

Muotokultti ei kestänyt kauan, futurismi kesti nopeasti käyttökelpoisuutensa. Mutta futuristien työ ei ollut turhaa. Heidän runoissaan sanan lähes täydelliseen hallintaan lisättiin merkitystä ja ne kuulostivat kauniilta musiikilta. Muistakaamme Boris Pasternakin runo "Talviyö", jossa lumimyrskyn laulu kuuluu ensimmäisistä riveistä. Hän aloitti tulevaisuudentutkijana. Boris Pasternakin lahjakkuus ja futuristinen muodonhallinta antoi hämmästyttävän tuloksen: Melo, liitu kaikkialla maailmassa.Kaikissa rajoissa kynttilä paloi pöydällä, kynttilä paloi.

20 diaa

Dian kuvaus:

V.V. Majakovski (1893 - 1930) Vladimir Vladimirovich Majakovski syntyi 19. heinäkuuta 1893. Kutaisin maakunnassa Baghdadin kylässä (Georgia) metsänhoitajan perheessä. Hänet pidätettiin useita kertoja. Hän tuli maalauksen, kuvanveiston ja arkkitehtuurin kouluun. Vuonna 1912. - ensimmäistä kertaa julkaistut runot. Vuonna 1913. kirja "minä" julkaistiin. Vuonna 1918. järjesti Komfoot-ryhmän. Hän kuoli 14. huhtikuuta 1930. Moskovassa.

1.2 Hopeakauden musiikki

Tuon ajan kirjallisuuden ja taiteen eri suuntausten kireä taistelu vaikutti myös venäläisen musiikin kehitykseen. Joidenkin säveltäjien teoksissa klassisten perinteiden omaksuminen yhdistettiin modernististen suuntausten vaikutuksiin, jotka näkyivät selvästi ulkomailla ja tunkeutuivat Venäjän taiteelliseen elämään vuosisadan alussa. Musiikissa tämä ilmaantui vetoamuksena kapeiden, individualististen kokemusten maailmaan ja tämän mukaisesti musiikin kielen liialliseksi monimutkaiseksi, minkä tahansa musiikillisen ilmaisutavan yksipuoliseksi kehittämiseksi. Totta, aikakauden johtavien säveltäjien työssä nämä suuntaukset eivät koskaan tulleet hallitseviksi eivätkä luoneet merkittäviä esteitä venäläisten musiikkiklassikkojen yleiselle kehitykselle.

Vaikka korostetaan tärkeimpiä painopisteitä venäläisen kulttuurin kehityksessä 1800-luvun lopulla - 1900-luvun alussa, ei voida sivuuttaa sen tärkeimpiä piirteitä. XIX-luvun loppua - XX-luvun alkua venäläisen kulttuurin historiassa kutsutaan yleensä Venäjän renessanssiksi tai ...

Venäjän musiikkikulttuurin "hopeaaika".

2.1 1800-luvun lopun - 1900-luvun alun musiikkitaiteen tunnusmerkit "Hopeaaika" antaa vaikutelman "halkeamisesta" ja musiikin ajattelun intensiteetin laskusta. Kukaan ei aiheuta akuutteja musiikillisia ja sosiaalisia ongelmia suuressa mittakaavassa ...

XX vuosisadan venäläinen kulttuuri

Tätä aikakautta ei arvioida yksiselitteisesti. Joillekin tämä on euforiaa valkoisten pisteiden täyttämisestä, uusiin nimiin tutustumisesta, niiden absolutisoimisesta. Toisille tämä on rappion aikakautta, yrityksiä jumalanpilkkaaseen kristilliseen etsintään...

Hopeakauden kulttuuri

XX vuosisadan alku. - käännekohta paitsi Venäjän poliittisessa ja sosioekonomisessa elämässä, myös yhteiskunnan henkisessä tilassa. Teollinen aikakausi saneli omat ehtonsa ja norminsa elämään, tuhoten perinteiset ja ihmisten ajatukset ...

1800-luvun lopun ja 1900-luvun alun musiikkia

1800-luvun loppu ja 1900-luvun alku (vuoteen 1917) ovat yhtä rikasta, mutta paljon vaikeampaa ajanjaksoa. Sitä ei erota edellisestä mikään tauko: paras ...

Kansallisen kulttuurin kehityksen tärkeimmät suuntaukset 1900-luvulla. Arkkitehtuuri

Hopea-aika. Tämä oli XIX-XX vuosisadan vaihteen nimi. - henkisten innovaatioiden aika, suuri harppaus venäläisen kulttuurin kehityksessä. Tänä aikana syntyi uusia kirjallisia genrejä, taiteellisen luovuuden estetiikka rikastui ...

A.Yan työn piirteet. Golovin yli näytelmän "Masquerade"

Nopea kehitys teatteritaidetta 1900-luvun alussa siihen ilmestyi useita vallankumouksellisia innovaatioita, muutoksia osallistujien hierarkiassa teatteritoimintaa(jos aiemmin näyttelijä ja näytelmäkirjailija olivat ensimmäisellä paikalla ...

A.Yan työn piirteet. Golovin yli näytelmän "Masquerade"

Teatralisuus kulttuurin ja elämän rakentamisen periaatteena ei siis vain dominoinut hopeakaudella, vaan siitä tuli taiteen - maalauksen, grafiikan, kirjallisuuden ja teatterin - ymmärtämisen kohde (siis ... Hopeakauden siluetti

Venäjän kirjallisuuden realistinen suuntaus 1900-luvun vaihteessa. jatkoi L.N. Tolstoi (Ylösnousemus, 1880-99; Hadji Murad, 1896-1904; Elävä ruumis, 1900); A.P. Tšehov (1860-1904), joka loi parhaat teoksensa ...

Hopeakauden siluetti

Nykyään "hopeakaudelle" kuuluvat taiteen tekijät yhdistävät näkymättömät säikeet uusiutuneeseen maailmankuvaan luovuuden vapauden nimissä. Yhteiskunnallisten törmäysten kehittyminen vuosisadan vaihteessa vaati pakottavasti arvojen uudelleenarviointia...

"Hopeaajan" ilmiö venäläisessä taiteessa 1800- ja 1900-luvun vaihteessa

Hopeakausi on Venäjän merkittävin panos maailman kulttuuria. Henkinen elämä Tuon ajan Venäjä oli tunnettu ennennäkemättömästä rikkaudesta, halusta jatkaa monia arvokkaita taiteellisia perinteitä ...

hopea-aika

Hopeakausi on ajanjakso venäläisen kulttuurin historiassa, joka liittyy kronologisesti 1900-luvun alkuun ja osuu yhteen modernismin aikakauden kanssa. Tällä kertaa on myös ranskalainen nimi fin de siècle ("vuosisadan loppu").

Vuosisadan vaihteen aikakautta kutsuttiin sen valmistumisen jälkeen "hopeakaudeksi". Käsite syntyi venäläisten siirtolaisuuden keskuudessa, joka arvioi menneen aikakauden takautuvasti venäläisen kulttuurin toiseksi kukoistukseksi "kulta-ajan" jälkeen, jota usein kutsuttiin Puškinin aikakaudeksi eli 1800-luvun ensimmäiseksi kolmannekseksi. Termin kirjoittajaksi väittivät filosofi Nikolai Berdjajev, kirjailijat Nikolai Otsup, Sergei Makovsky. Jos fin de siècle ("vuosisadan loppu") on yleinen eurooppalainen termi, niin hopeakauden kirjallisuudesta puhutaan vain venäläiseen kulttuuriin sovellettaessa.

Useimmiten sitä käytetään yhdistelmänä "hopeakauden runoutta" - käsitteessä, joka kattaa paitsi ensimmäisen suuruuden runoilijat, myös kymmeniä ja satoja amatöörejä, jotka ovat luoneet ulkonäölleen tarvittavan ympäristön. Yleisesti ottaen hopeaajalle oli ominaista laajan koulutetun yhteiskunnan kerroksen syntyminen, lukuisten valistunutta taiteen ystävien ilmaantuminen. Monista näistä amatööreistä tuli myöhemmin itse ammattilaisia, kun taas toiset muodostivat yleisön - he olivat katsojia, kuuntelijoita, lukijoita, kriitikkoja. Ilmaisua "hopeaaika" käytettiin laajalti Neuvostoliitossa sen jälkeen, kun lukijat tutustuivat Anna Akhmatovan "Runoon ilman sankaria" (ensimmäinen lyhennetty julkaisu kokoelmassa "Running of Time", 1965).

Hopeakauden musiikkia

Tuon ajan kirjallisuuden ja taiteen eri suuntausten kireä taistelu vaikutti myös venäläisen musiikin kehitykseen. Joidenkin säveltäjien teoksissa klassisten perinteiden omaksuminen yhdistettiin modernististen suuntausten vaikutuksiin, jotka näkyivät selvästi ulkomailla ja tunkeutuivat Venäjän taiteelliseen elämään vuosisadan alussa. Musiikissa tämä ilmaantui vetoamuksena kapeiden, individualististen kokemusten maailmaan ja tämän mukaisesti musiikin kielen liialliseksi monimutkaiseksi, minkä tahansa musiikillisen ilmaisutavan yksipuoliseksi kehittämiseksi. Totta, aikakauden johtavien säveltäjien työssä nämä suuntaukset eivät koskaan tulleet hallitseviksi eivätkä luoneet merkittäviä esteitä venäläisten musiikkiklassikkojen yleiselle kehitykselle.

1.2 Hopeakauden musiikki

hopea-aika

Hopeakauden musiikkia

Toimittajan valinta