Maailman oudoin kuva. Peter Paul Rubensin Beating the Babies

Maalaus, jos ei ota huomioon realisteja, on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa, metaforista, uusia muotoja ja ilmaisuvälineitä etsivä. Mutta on olemassa useita maalauksia, joiden omituisuus ei voi jättää ketään välinpitämättömäksi.
Jotkut taideteokset näyttävät osuvan katsojaa päähän mykistyneenä ja hämmästyneenä; jotkut - vetää ajatuksiin ja etsimään semanttisia kerroksia, salaista symboliikkaa. Jotkut maalaukset ovat salaisuuksien ja mystisten arvoitusten peitossa, ja jotkut ovat yllättäviä kohtuuttomalla hinnalla.

10 maailman oudointa kuvaa

1. Edvard Munch "Scream"

1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli. 91 × ​​73,5 cm
Kansallisgalleria, Oslo

Monille erittäin epämiellyttävän jälkimaun jättävä ja jopa pelottava kuva "The Scream" on ehkä yksi maailman oudoimmista kuvista.

The Screamia pidetään ekspressionismin maamerkkitapahtumana ja yhtenä suurimmista kuuluisia maalauksia maailmassa.
"Kävelin polkua pitkin kahden ystävän kanssa - aurinko laski - yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, pysähdyin väsyneenä ja nojasin aidan päälle - katsoin verta ja liekkejä sinimustan vuonon ja kaupunki - ystäväni jatkoivat, ja minä seisoin vapisten jännityksestä ja tunsin loputtoman itkua, joka tunkeutuu luontoon", sanoi Edvard Munch maalauksen historiasta.

2. Paul Gauguin “Mistä me tulemme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"
1897-1898, öljy kankaalle. 139,1 × 374,6 cm
Museum of Fine Arts, Boston

Post-impressionistin Paul Gauguinin syvän filosofinen kuva maalattiin Tahitilla, jonne hän pakeni Pariisista. Työn valmistuttuaan hän halusi jopa tehdä itsemurhan, koska uskoi: "Uskon, että tämä kangas ei ole vain parempi kuin kaikki aikaisemmat, vaan etten koskaan luo parempaa tai edes samanlaista."

3. Pablo Picasso "Guernica"
1937, kangas, öljy. 349 × 776 cm
Reina Sofia -museo, Madrid

Sinun ei tarvitse olla taiteen asiantuntija nähdäksesi paljon tuskaa tässä oudossa, oudossa maalauksessa. Valtava maalaus-fresko "Guernica", jonka Picasso maalasi vuonna 1937, kertoo vapaaehtoisyksikön "Luftwaffe" hyökkäyksestä Guernican kaupunkiin, jonka seurauksena kuuden tuhannen kaupunki tuhoutui kokonaan. Kuva kirjoitettiin kirjaimellisesti kuukaudessa - ensimmäiset työpäivät kuvan parissa Picasso työskenteli 10-12 tuntia, ja jo ensimmäisissä luonnoksissa voi nähdä pääidea... Tämä on yksi parhaat kuvat fasismin painajainen sekä inhimillinen julmuus ja suru.

4. Jan van Eyck "Arnolfini-parin muotokuva"
1434, puu, öljy. 81,8 × 59,7 cm
Lontoo kansallisgalleria, Lontoo

Ensi silmäyksellä kuva ei anna vaikutelmaa oudosta ja käsittämättömästä teoksesta, mutta se saa yleisön jähmettymään ja katselemaan.

Muotokuva, oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinista ja hänen vaimostaan, on yksi läntisen pohjoisen renessanssin maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista.
Kuuluisa maalaus on täysin ja täysin täynnä symboleja, allegorioita ja erilaisia ​​viittauksia - aina allekirjoitukseen "Jan van Eyck oli täällä", joka teki siitä paitsi taideteoksen, myös historiallisen asiakirjan, joka vahvistaa todellisen tapahtuman. taiteilija osallistui.

5. Mikhail Vrubel "Istuva demoni"
1890, kangas, öljy. 114 × 211 cm
Tretjakovin galleria, Moskova

Tämän kuvan omituisuus piilee ennen kaikkea odottamattomassa demonin kuvassa. Surullinen pitkätukkainen kaveri ei muistuta lainkaan yleistä ihmisen käsitystä siitä, miltä pahan hengen pitäisi näyttää. Taiteilija itse puhui tunnetuimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän kanssa hallitseva ja majesteettinen henki."

6. Vasily Vereshchagin "Sodan apoteoosi"
1871, kangas, öljy. 127 × 197 cm
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova

Vereshchagin on yksi Venäjän tärkeimmistä taistelumaalareista, mutta hän maalasi sotia ja taisteluita ei siksi, että hän rakasti niitä. Päinvastoin, hän yritti välittää ihmisille omansa negatiivinen asenne sotaan. Kerran Vereshchagin huudahti tunteiden kuumuudessa: "En maalaa enää taistelukuvia - siinä kaikki! Otan kirjoittamani liian lähellä sydäntäni, itken (kirjaimellisesti) jokaisen haavoittuneen ja kuolleen surua." Todennäköisesti tämän huudon seurauksena oli kauhea ja oudon lumoava maalaus "The Apotheosis of War", joka kuvaa peltoa, variksia ja ihmisten pääkalloja.

7. Grant Wood "American Gothic"
1930, öljy. 74 × 62 cm
Chicagon taideinstituutti, Chicago

"American Gothic" on yksi tunnetuimmista kuvista 1900-luvun amerikkalaisessa taiteessa, tunnetuin 1900- ja 2000-lukujen taiteellinen meemi. Kuvan omituisuus näkyy heti. Maalaus synkän isän ja tyttären kanssa on täynnä yksityiskohtia, jotka kertovat kuvattujen ihmisten ankaruudesta, puritaanisuudesta ja retrogradisuudesta. Vihaiset kasvot, haarukat aivan kuvan keskellä, vanhanaikaisia ​​vaatteita jopa 1930-luvun mittakaavassa, paljas kyynärpää, viljelijän vaatteiden saumat, toistavat haarukan muotoa, ja siksi uhka, joka on osoitettu kaikille, jotka hyökkäävät niiden päällä. Kaikkia näitä yksityiskohtia voidaan tarkastaa loputtomasti, ja ne voivat murtua epämukavuudesta.

8. Rene Magritte "Lovers"
1928, kangas, öljy

Maalaus "Lovers" ("Lovers") on olemassa kahdessa versiossa. Toisella heistä mies ja nainen, joiden päät on kääritty valkoiseen kankaaseen, suutelevat, toisella he "katsovat" katsojaa. Kuva on yllättävä ja lumoava. Kahdella kasvottomalla hahmolla Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta. Sokeudesta kaikessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, eivät näe heitä todellisia kasvoja ja yleisö, ja lisäksi rakastajat ovat mysteeri jopa toisilleen.

9. Marc Chagall "Walk"
1917, kangas, öljy
Valtion Tretjakovin galleria

Yleensä äärimmäisen vakava maalauksessaan Marc Chagall kirjoitti ihastuttavan manifestin omasta onnellisuudestaan, joka oli täynnä allegorioita ja rakkautta. The Walk on omakuva hänen vaimonsa Bellan kanssa. Hänen rakkaansa kohoaa taivaalla, ja se katse lepää lentoon ja Chagall seisoo maassa hauraana, ikään kuin koskettaisi häntä vain kenkien varpailla. Chagallin toisessa kädessään on tiainen - hän on onnellinen, hänellä on sekä tiainen käsissään (luultavasti hänen maalauksensa) että nosturi taivaalla.

10. Hieronymus Bosch"Puutarha maallisia nautintoja»
1500-1510, puu, öljy. 389 × 220 cm
Prado, Espanja

Maallisten ilojen puutarha on Hieronymus Boschin kuuluisin triptyykki, joka on nimetty keskiosan teeman mukaan ja on omistettu himon synnille. Toistaiseksi yhtäkään kuvan käytettävissä olevista tulkinnoista ei ole tunnistettu ainoaksi oikeaksi.
Triptyykin kestävä viehätys ja samalla omituisuus piilee siinä, miten taiteilija ilmaisee pääidean monien yksityiskohtien kautta.

2. Paul Gauguin “Mistä me tulemme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"

897-1898, öljy kankaalle. 139,1 × 374,6 cm
Museum of Fine Arts, Boston

Post-impressionistin Paul Gauguinin syvän filosofinen kuva maalattiin Tahitilla, jonne hän pakeni Pariisista. Työn valmistuttuaan hän halusi jopa tehdä itsemurhan, koska uskoi: "Uskon, että tämä kangas ei ole vain parempi kuin kaikki aikaisemmat, vaan etten koskaan luo parempaa tai edes samanlaista."

Viime vuosisadan 80-luvun lopun kesällä monet ranskalaiset taiteilijat kokoontuivat Pont-Aveniin (Bretagne, Ranska). He muuttivat yhteen ja jakautuivat melkein välittömästi kahteen vihamieliseen ryhmään. Yhdessä heistä oli taiteilijoita, jotka lähtivät etsinnän tielle ja joita yhdisti yhteinen nimi kaikille "impressionisteille". Paul Gauguinin johtaman toisen ryhmän mukaan tämä nimi oli loukkaava. P. Gauguin oli tuolloin jo alle neljäkymmentä. Vieraita maita kokeneen matkailijan salaperäisen sädekehän ympäröimänä hänellä oli suuri elämänkokemusta sekä hänen työnsä ihailijat että jäljittelijät.

Molemmat leirit olivat jakautuneet ja pääosin asemassaan. Impressionistien asuessa ullakoilla tai ullakoilla muut taiteilijat asuivat Gloanek-hotellin parhaissa huoneissa ja ruokailivat ravintolan suurimmassa ja mukavimmassa huoneessa, jonne ensimmäisen ryhmän jäseniä ei päästetty. Ryhmien väliset yhteenotot eivät kuitenkaan estäneet P. Gauguinia toimimasta, päinvastoin, vaan auttoivat häntä jossain määrin ymmärtämään piirteet, jotka herättivät hänen väkivaltaista protestiaan. Impressionistien analyyttisen menetelmän hylkääminen oli osoitus hänen täydellisestä maalauksen tehtävien uudelleenajattelusta. Impressionistien halu vangita kaikki, mitä he näkivät, omansa taiteellinen periaate- antaa maalauksilleen vahingossa vakoiltun vaikutelman - ei vastannut P. Gauguinin hallitsevaa ja energistä luonnetta.

Vielä vähemmän tyytyväinen teoreettiseen ja taiteelliseen tutkimukseensa J. Seurat, joka pyrki supistamaan maalauksen kylmään, järkevään tieteellisten kaavojen ja reseptien käyttöön. J. Seuratin pointillistinen tekniikka, hänen menetelmällinen maalin levittäminen siveltimen ristikkäisillä vedoilla ja pisteillä ärsytti Paul Gauguinia monotonisuudellaan.

Taiteilijan oleskelu Martiniquella luonnon keskellä, joka vaikutti hänestä ylelliseltä, upealta matolta, sai P. Gauguinin lopulta käyttämään maalauksissaan vain koristelematonta väriä. Yhdessä hänen kanssaan ajatuksiaan jakaneet taiteilijat julistivat "synteesin" periaatteekseen - eli synteettiseksi linjojen, muotojen ja värien yksinkertaistamiseksi. Tämän yksinkertaistamisen tarkoituksena oli välittää vaikutelma maksimaalisesta värin voimakkuudesta ja jättää pois kaikki, mikä heikentää tätä vaikutelmaa. Tämä tekniikka muodosti perustan vanhalle koristeellinen maalaus freskoja ja lasimaalauksia.

P. Gauguin oli erittäin kiinnostunut kysymyksestä värin ja värien suhteesta. Hän yritti myös ilmaista maalauksessaan ei sattumanvaraista eikä pinnallista, vaan pysyvää ja olennaista. Hänelle laki oli vain taiteilijan luova tahto ja hänen taiteellinen tehtävä hän näki ilmeessään sisäistä harmoniaa, jonka hän ymmärsi synteesin luonnon rehellisyydestä ja taiteilijan sielun tunnelmasta, jota tämä rehellisyys häiritsee. P. Gauguin itse puhui siitä näin: "En ota huomioon ulkoisesti näkyvää luonnon totuutta... Korjaa tämä väärä näkökulma, joka vääristää aihetta totuudenmukaisuutensa vuoksi... Dynamiikkaa tulee välttää. Olkoon kaikki hengitä rauhassa ja sielunrauhassa, vältä asentoja liikkeessä... Jokaisen hahmon on oltava staattisessa asennossa." Ja hän lyhensi maalaustensa perspektiiviä, toi sen lähemmäksi tasoa sijoittaen hahmot etuasentoon ja välttäen lyhennyksiä. Siksi P. Gauguinin kuvaamat ihmiset ovat maalauksissa liikkumattomia: ne ovat kuin suurella taltalla veistettyjä patsaita ilman tarpeettomia yksityiskohtia.

Kausi kypsää luovuutta Paul Gauguin aloitti Tahitilla, täällä taiteellisen synteesin ongelma sai täyden kehityksensä. Tahitilla taiteilija luopui paljon tiedostaansa: tropiikissa muodot ovat selkeitä ja tarkkoja, varjot raskaita ja kuumia ja kontrastit erityisen teräviä. Täällä kaikki hänen Pont-Avenissa asettamansa tehtävät ratkesivat itsestään. P. Gauguinin maalit tulevat kirkkaiksi, ilman tahroja. Hänen tahitilaiset maalauksensa tekevät vaikutuksen itämaiset matot tai freskoja, joten niiden värit tuodaan harmonisesti tiettyyn sävyyn.

P. Gauguinin tämän ajanjakson teoksia (eli taiteilijan ensimmäistä vierailua Tahitilla) esitellään ihana satu, jonka hän koki kaukaisen Polynesian alkuperäisen, eksoottisen luonnon keskellä. Matajen alueelta hän löytää pienen kylän, ostaa kotan, jonka toisella puolella roiskuu valtameri ja toisella puolella näkyy vuori, jossa on valtava rako. Eurooppalaiset eivät olleet vielä päässeet tähän paikkaan, ja elämä näytti P. Gauguinille todelliselta maallisesta paratiisista. Hän tottelee tahitilaisen elämän hidasta rytmiä, imee kirkkaat värit sininen meri, ajoittain peitetty vihreillä aalloilla, jotka törmäävät koralliriuttoja vasten melulla.

Taiteilija loi ensimmäisistä päivistä lähtien yksinkertaiset, inhimilliset suhteet tahitilaisiin. Teos alkaa vangita yhä enemmän P. Gauguinia. Hän tekee lukuisia luonnoksia ja luonnoksia elämästä, joka tapauksessa hän yrittää vangita kankaalle, paperille tai puulle tahitilaisten tunnusomaiset kasvot, hahmot ja asennot - työn tai levon aikana. Tänä aikana hän luo maailmankuuluja maalauksia "Kuolleiden henki on hereillä", "Oletko mustasukkainen?", "Keskustelu", "Tahitian pastoraalit".

Mutta jos vuonna 1891 polku Tahitille tuntui hänestä säteilevän (hän ​​matkusti tänne muutaman taiteellisen voiton jälkeen Ranskassa), niin toisella kerralla hän meni rakkaalle saarelleen sairaana, joka oli menettänyt suurimman osan illuusioistaan. Kaikki matkan varrella ärsytti häntä: pakkopysähdykset, turha jäte, tiehaitat, tullin nalkutus, pakkomielteiset seuralaiset ...

Hän ei ollut käynyt Tahitilla vain kahteen vuoteen, ja niin paljon on muuttunut täällä. Eurooppalainen hyökkäys tuhosi alkuperäiskansojen alkuperäisen elämän, kaikki näyttää P. Gauguinille sietämättömältä sekaiselta: saaren pääkaupungin Papeeten sähkövalaistus ja sietämätön karuselli kuninkaallisen linnan vieressä ja fonografin rikkoutumisen äänet. entinen hiljaisuus.

Tällä kertaa taiteilija oleskelee Punoauian alueella, Tahitin länsirannikolla, vuokralle tontille, hän rakentaa taloa, josta on näkymät merelle ja vuorille. Hän odottaa saavansa lujasti asettua saarelle ja luoda olosuhteet työlle, eikä säästä kustannuksia kotinsa järjestämisessä ja pian, kuten usein tapahtuu, jää ilman rahaa. P. Gauguin luotti ystäviin, jotka ennen taiteilijan lähtöä Ranskasta lainasivat häneltä yhteensä 4000 frangia, mutta heillä ei ollut kiirettä palauttaa niitä. Huolimatta siitä, että hän lähetti heille lukuisia muistutuksia velasta, hän valitti kohtalosta ja äärimmäisestä ahdingosta ...

Kevääseen 1896 mennessä taiteilija joutuu kovimman tarpeen otteeseen. Tähän lisätään kipu murtuneessa jalassa, joka on haavaumien peittämä ja aiheuttaa hänelle sietämätöntä kärsimystä, joka vie häneltä unta ja energiaa. Ajatus ponnistelujen turhuudesta taistelussa olemassaolosta, kaikkien epäonnistumisesta taiteellisia suunnitelmia saa hänet ajattelemaan itsemurhaa yhä useammin. Mutta P. Gauguinin tarvitsee vain tuntea pieninkin helpotus, kun taiteilijan luonne voittaa hänessä ja pessimismi haihtuu elämänilon ja luovuuden edessä.

Nämä olivat kuitenkin harvinaisia ​​hetkiä, ja onnettomuudet seurasivat toisiaan katastrofaalisella säännöllisyydellä. Ja kauhein uutinen hänelle oli uutinen Ranskasta hänen rakkaan tyttärensä Alinan kuolemasta. Ei selvinnyt tappiosta, P. Gauguin otti valtavan annoksen arseenia ja meni vuorille, jotta kukaan ei voinut häiritä häntä. Itsemurhayritys johti siihen, että hän vietti yön kauheassa tuskassa, ilman apua ja täydellisessä yksinäisyydessä.

Taiteilija oli pitkään umpikujassa, hän ei voinut pitää sivellintä käsissään. Hänen ainoa lohdutuksensa oli valtava kangas (450 x 170 cm), jonka hän oli maalannut ennen itsemurhayritystä. Hän kutsui maalausta "Mistä olemme kotoisin? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?" ja eräässä kirjeessä hän kirjoitti: "Ennen kuin kuolin, panin siihen kaiken energiani, niin surullisen intohimon kauheissa olosuhteissani, ja visio on niin selkeä, ilman korjauksia, että kiireen jäljet ​​katosivat ja koko elämä näkyy siinä."

P. Gauguin työskenteli kuvan parissa kauheassa jännityksessä, vaikka hän oli haukkunut ideaa siitä mielikuvituksessaan pitkään, hän ei itse osannut varmuudella sanoa, milloin idea tästä kankaasta syntyi. Hän on kirjoittanut joitain katkelmia tästä monumentaalisesta teoksesta eri vuosia ja muissa teoksissa. Esimerkiksi "Tahitian Pastoralsin" naishahmo toistuu tässä kuvassa idolin vieressä, keskeinen hahmo Tapasin hedelmänpoimijan kultaisessa luonnoksessa "Mies poimimassa hedelmiä puusta" ...

Maalausmahdollisuuksien laajentamisesta haaveillessaan Paul Gauguin pyrki antamaan kuvalleen freskon luonteen. Tätä tarkoitusta varten hän jättää kaksi yläkulmaa (toisessa maalauksen nimi, toisessa taiteilijan allekirjoitus) keltaisiksi eikä täytetty maalauksella - "kuin kulmista vaurioitunut ja kultaseinän päälle asetettu fresko".

Keväällä 1898 hän lähetti maalauksen Pariisiin, ja kriitikko A. Fontaine sanoi kirjeessään, ettei hänen tavoitteenaan ollut luoda monimutkaista nerokkaiden allegorioiden ketjua, joka olisi ratkaistava, vaan allegorinen. maalauksen sisältö on äärimmäisen yksinkertainen - mutta ei siinä mielessä, että se vastaisi esitettyihin kysymyksiin, vaan näiden kysymysten sanamuodon kannalta." Paul Gauguin ei aikonut vastata kuvan otsikossa esittämiinsä kysymyksiin, koska hän uskoi, että ne ovat ja tulevat olemaan kauhea ja suloisin arvoitus ihmisen tietoisuus... Siksi tällä kankaalla kuvattujen allegorioiden ydin piilee tämän luonnossa piilevän mysteerin puhtaasti maalauksellisessa ruumiillistuksessa, kuolemattomuuden pyhässä kauhussa ja olemisen salaisuudessa.

Ensimmäisellä vierailullaan Tahitilla P. Gauguin katsoi maailmaa suuren lapsi-ihmisen innokkain silmin, jolle maailma ei ole vielä menettänyt uutuuttaan ja upeaa puolijalokelpoisuuttaan. Hänen lapsellinen ylevä katseensa avautui muille näkymättömissä luonnonväreissä: smaragdiyrtit, safiiritaivas, ametisti auringonvarjo, rubiinikukat ja maorien ihon punainen kulta. P. Gauguinin tämän ajanjakson tahitilaiset maalaukset loistivat jaloa kultaista hehkua kuin lasimaalaukset goottilaiset katedraalit valettu kuninkaalliseen loistoon Bysantin mosaiikit, tuoksuu mehukkailta maaliroiskeilta.

Yksinäisyys ja syvä epätoivo, joka vallitsi hänet toisella vierailullaan Tahitilla, sai P. Gauguinin näkemään kaiken vain mustana. Mestarin luonnollinen vaisto ja hänen silmänsä koloristina eivät kuitenkaan antaneet taiteilijan menettää makuaan elämästä ja sen väreistä kokonaan, vaikka hän loi synkän kankaan, hän maalasi sen mystisen kauhun tilassa.

Mitä tämä kuva sitten vielä kätkee? Kuten itämaiset käsikirjoitukset, joita kannattaa lukea oikealta vasemmalle, kuvan sisältö avautuu samaan suuntaan: askel askeleelta virtaus paljastuu ihmiselämä- sen alusta kuolemaan, kantaen tyhjän pelkoa.

Katsojan edessä suurella, vaakasuoraan venytetyllä kankaalla on kuvattu metsäpuron ranta, jonka tummissa vesissä heijastuu salaperäisiä, määrittelemättömiä varjoja. Toisella puolella - tiheä, rehevä trooppinen kasvillisuus, smaragdiruoho, tiheät vihreät pensaat, omituiset siniset puut, "kasvavat kuin ei maan päällä, vaan paratiisissa".

Puiden rungot kiertyvät oudosti, kietoutuvat yhteen muodostaen pitsiverkoston, jonka läpi näkyy kaukaa meri valkoisine rannikon aallonharjoineen, tummanvioletti vuori naapurisaarella, sinitaivas- "neitseellisen luonnon spektaakkeli, joka voisi olla paratiisi".

Kuvan lähimmässä pohjapiirroksessa, maassa, kasveista vapaana, joukko ihmisiä sijoittuu jumaluuden kivipatsaan ympärille. Hahmoja ei yhdistä mikään yksittäinen tapahtuma tai yhteistä toimintaa, jokainen on kiireinen omiensa kanssa ja uppoutunut itseensä. Nukkuvaa vauvaa vartioi iso musta koira; "kolme naista kyykyssä kyykkyissään näyttävät kuuntelevan itseään, jäätyneenä odottamaan jotain odottamatonta iloa... Nuori mies seisoo keskellä molemmin käsin poimii hedelmän puusta... Yksi hahmo, tarkoituksella valtava, vastoin perspektiivin lakeja... nostaa kätensä ja katselee hämmästyneenä kahta hahmoa, jotka uskaltavat ajatella omaansa. kohtalo."

Patsaan vieressä yksinäinen nainen, ikään kuin mekaanisesti, kävelee sivulle, uppoutuneena intensiiviseen, keskittyneen ajatuksen tilaan. Lintu liikkuu häntä kohti maassa. Kankaan vasemmalla puolella maassa istuva lapsi tuo hedelmää suuhunsa, kissa lippaa kulhosta... Ja katsoja kysyy itseltään: "Mitä tämä kaikki tarkoittaa?"

Ensi silmäyksellä se on kuin jokapäiväinen elämä mutta erillään suora merkitys, jokainen kuva sisältää runollisen allegorian, vihjeen figuratiivisen tulkinnan mahdollisuudesta. Joten esimerkiksi metsäpuron tai maasta pursuavan lähdeveden motiivi on Gauguinin suosikkimetafora elämän lähteestä, elämän salaperäisestä alkamisesta. Nukkuva vauva personoi ihmiselämän aamunkoiton siveyttä. Puusta hedelmiä poimiva nuori mies ja oikealla maassa istuvat naiset ilmentävät ajatusta ihmisen orgaanisesta ykseydestä luonnon kanssa, hänen olemassaolonsa luonnollisuudesta siinä.

Mies, jolla on käsi kohotettuna ja katsoo ystäviään hämmästyneenä, on ensimmäinen välähdys ahdistuksesta, alkusysäys ymmärtää maailman ja olemisen salaisuudet. Toiset paljastavat ihmismielen rohkeuden ja kärsimyksen, hengen mysteerin ja tragedian, jotka sisältyvät ihmisen väistämättömyyteen tiedossa kuolevaisesta kohtalostaan, maallisen olemassaolon lyhyydestä ja lopun väistämättömyydestä.

Paul Gauguin itse antoi monia selityksiä, mutta hän varoitti halusta nähdä kuvassaan yleisesti hyväksyttyjä symboleja, tulkita kuvia liian tylysti ja vielä enemmän etsiä vastauksia. Jotkut taidehistorioitsijat uskovat, että taiteilijan masentunut tila, joka sai hänet yrittämään itsemurhaa, ilmaistui tiukasti, lakonisesti. taiteellista kieltä... He huomauttavat, että kuva on ylikuormitettu. pieniä yksityiskohtia, jotka eivät selvennä yleistä ajatusta, vaan vain hämmentävät katsojaa. Edes mestarin kirjeiden selitykset eivät voi hälventää sitä mystistä sumua, jonka hän laittoi näihin yksityiskohtiin.

P. Gauguin itse piti työtään henkisenä testamenttina, ehkä siksi maalauksesta tuli kuvaruno, jossa konkreettiset kuvat muutettiin yleväksi ideaksi ja aine hengeksi. Kankaan juonetta hallitsee runollinen tunnelma, jossa on runsaasti vaikeasti havaittavia sävyjä ja sisäistä merkitystä. Rauhan ja armon tunnelmaa kuitenkin varjostaa jo epämääräinen levottomuus kosketuksessa salaperäiseen maailmaan, synnyttää piilevän ahdistuksen tunteen, elämän sisimpien mysteerien tuskallisen ratkaisemattomuuden, ihmisen maailmaan tulemisen mysteerin ja hänen katoamisensa mysteeri. Kuvassa onnea pimentää kärsimys, henkistä piinaa pesee fyysisen olemassaolon makeus - "kultainen kauhu, ilon peitossa". Kaikki on erottamatonta, kuten elämässä.

P. Gauguin ei tarkoituksella korjaa vääriä mittasuhteita ja pyrkii kaikin keinoin säilyttämään luonnostelutyylinsä. Tätä luonnosllisuutta, epätäydellisyyttä hän arvosti erityisen korkealle uskoen, että juuri hän tuo elävän virran kankaaseen ja tuo kuvaan erityistä runoutta, joka ei ole tyypillistä valmiille ja liian viimeistellyille asioille.

Taide voi olla mitä tahansa. Joku näkee luonnon kauneuden ja välittää sen siveltimellä tai taltalla, joku ottaa upeita valokuvia ihmiskehosta ja joku löytää kauneuden kauheudesta - tällä tyylillä Caravaggio ja Edvard Munch työskentelivät. Nykytaiteilijat he pysyvät perustajien tahdissa.

1. Dado

Jugoslavian Dado syntyi vuonna 1933 ja kuoli vuonna 2010. Ensi silmäyksellä hänen työnsä voi tuntua täysin tavalliselta tai jopa nautittavalta - tämä johtuu valinnasta värit: Monet kauhutaiteilijat valitsivat mustan tai punaisen, ja Dado piti pastellisävyistä.

Mutta katso tarkemmin maalauksia, kuten "The Big Farm" 1963 tai "The Footballer" 1964, ja näet niissä groteskeja olentoja. Heidän kasvonsa ovat täynnä kipua tai kärsimystä, kasvaimia tai ylimääräisiä elimiä näkyy heidän ruumiissaan tai heidän ruumiinsa on yksinkertaisesti epäsäännöllinen muoto... Itse asiassa maalaukset, kuten "The Big Farm" ovat paljon pelottavampia kuin pelkkä kauhu - juuri siksi, että ensi silmäyksellä ei huomaa niissä mitään kauheaa.

2. Keith Thompson

Keith Thompson on enemmän kaupallinen taiteilija kuin taidemies. Hän suunnitteli hirviöt Guillermo Del Toron Pacific Rimille ja Scott Westerfieldin Leviathanille. Hänen työnsä tehdään tekniikalla, jonka mieluummin odotat Magic: The Gathering -korteilla kuin museossa.

Katso hänen maalaustaan ​​"The Creature from Pripyat": hirviö on valettu useista eläimistä ja hirveän ruma, mutta se antaa erinomaisen kuvan Thompsonin tekniikasta. Hirviöllä on jopa tarina - sen väitetään olevan Tšernobylin katastrofin tuote. Tietenkin hirviö on hieman sekava, aivan kuin se olisi tullut suoraan 1950-luvulta, mutta se ei tee siitä yhtään vähemmän kammottavaa.

SCP-säätiö on ottanut tämän olennon maskottikseen, kutsuen sitä SCP-682:ksi. Mutta Thompsonin arsenaalissa on edelleen monia tällaisia ​​hirviöitä, ja on pahempiakin.

3. Junji Ito

Kysymys kaupallisista taiteilijoista: jotkut heistä piirtävät sarjakuvia. Kauhusarjakuva-alalla Junji Ito on mestari. Hänen hirviensä eivät ole vain groteskeja: taiteilija piirtää huolella jokaisen ryppyn, jokaisen laskoksen olennon kehoon. Tämä pelottaa ihmisiä, ei ollenkaan hirviöiden irrationaalisuus.

Esimerkiksi sarjakuvassaan "The Mystery of the Amigara Fault" hän riisuu ihmisiä ja lähettää heidät ihmisen muotoiseen kuoppaan kiinteässä kalliossa - mitä lähemmäksi näemme tämän reiän, sitä pelottavampi, mutta jopa "kaukaa" se näyttää pelottavalta.

Hänen sarjakuvasarjassaan Uzumaki (Spiraali) on kaveri, joka on pakkomielle spiraaleihin. Aluksi hänen pakkomielteensä näyttää naurettavalta, ja sitten se on jo pelottavaa. Lisäksi siitä tulee pelottavaa jo ennen kuin sankarin pakkomielle tulee taikuutta, jonka avulla hän muuttaa ihmisen joksikin epäinhimilliseksi, mutta samalla eläväksi.

Iton työ erottuu kaikkien japanilaisten mangan joukosta – hänen "normaalit" hahmonsa näyttävät uskomattoman realistisilta ja jopa söpöiltä, ​​ja niiden taustalla olevat hirviöt vaikuttavat vieläkin kammottavammilta.

4. Zdzislaw Beksiński

Jos taiteilija julistaa: "En voi kuvitella, mitä rationaalisuus tarkoittaa maalauksessa", hän ei todennäköisesti maalaa kissanpentuja.

Puolalainen taidemaalari Zdzislaw Beksiński syntyi vuonna 1929. Hän loi vuosikymmeniä painajaismaisia ​​kuvia fantastisen realismin genressä aina kauheaseen kuolemaansa vuonna 2005 asti (häntä puukotettiin 17 kertaa). Hänen työnsä hedelmällisin ajanjakso osui 1960-1980-luvuille: sitten hän loi erittäin yksityiskohtaisia ​​kuvia, joita hän itse kutsui "unelmavalokuviksi".

Beksińskin mukaan tämän tai tuon maalauksen merkitys ei häirinnyt häntä, mutta jotkut hänen teoksistaan ​​symboloivat selvästi jotain. Esimerkiksi vuonna 1985 hän loi maalauksen "Trollforgatok". Taiteilija varttui toisen maailmansodan tuhoamassa maassa, joten maalauksen mustat hahmot voivat edustaa Puolan kansalaisia, ja pää on jonkinlainen armoton auktoriteetti.

Taiteilija itse väitti, ettei hän tarkoittanut mitään sellaista. Itse asiassa Beksiński sanoi tästä kuvasta, että se pitäisi ottaa vitsinä - sitä todella musta huumori tarkoittaa.

5. Wayne Barlow

Tuhannet taiteilijat ovat yrittäneet kuvata helvettiä, mutta Wayne Barlow on selvästi onnistunut. Vaikka et olisi kuullut hänen nimeään, olet todennäköisesti nähnyt teoksen. Hän on työskennellyt elokuvissa, kuten James Cameronin Avatar (josta ohjaaja henkilökohtaisesti kehui häntä), Pacific Rim, Harry Potter and the Prisoner of Azkaban ja Harry Potter and the Goblet of Fire. Mutta yhtä hänen merkittävimmistä teoksistaan ​​voidaan kutsua vuonna 1998 julkaistuksi kirjaksi "Inferno".

Hänen helvettinsä ei ole vain vankityrmiä demonisten herrojen ja armeijoiden kanssa. Barlow sanoi: "Helvetti on täydellistä välinpitämättömyyttä inhimillistä kärsimystä kohtaan." Hänen demoninsa ovat usein kiinnostuneita ihmisruumiit ja sielut ja käyttäytyvät enemmän kuin kokeilijoita - he jättävät huomioimatta muiden ihmisten tuskan. Hänen demoneilleen ihmiset eivät ole lainkaan vihan kohteita, vaan vain väline turhaan viihteeseen, ei sen enempää.

6. Tetsuya Ishida

Isisin akryylimaalauksissa ihmiset muunnetaan usein esineiksi, kuten pakkauksiksi, kuljetinhihnoiksi, urinaaleiksi tai jopa peräpukamatyynyiksi. Hänellä on myös visuaalisesti miellyttäviä maalauksia, joissa ihmiset sulautuvat luontoon tai pakenevat taikamaa sinun mielikuvituksesi. Mutta sellaiset teokset ovat paljon himmeämpiä kuin maalaukset, joissa ravintolatyöntekijät muuttuvat mallinukkeiksi, jotka pumppaavat ruokaa asiakkaille ikään kuin he huoltaisivat autoja huoltoasemalla.

Huolimatta mielipiteistä taiteilijan tarkkuudesta ja oivalluksesta tai hänen metaforien elävyydestä, ei voida kiistää, että hänen työnsä tyyli on aavemainen. Kaikki Isisin huumori kulkee käsi kädessä inhoa ​​ja pelkoa. Hänen uransa päättyi vuonna 2005 - 31-vuotias Ishida joutui junan alle, ja se oli lähes varmasti itsemurha. Hänen jättämänsä työn arvoksi arvioidaan satoja tuhansia dollareita.

7. Dariusz Zawadsky

Zavadsky syntyi vuonna 1958. Kuten Beksiński, hän työskentelee aavemaisen fantastisen realismin tyyliin. Hänen opettajansa mukaan taidekoulu kertoi Zavadskylle, ettei hänellä ollut liikaa hyvä visio ja huono silmä, joten hän ei voi tulla taiteilijaksi. No, heillä oli selvästi kiire johtopäätösten kanssa.

Zavadskyn teoksissa on steampunkin elementtejä: hän piirtää usein robottien kaltaisia ​​olentoja, joiden keinonahan alla näkyy toimivia mekanismeja. Katso esimerkiksi vuoden 2007 öljymaalausta "Pesä". Lintujen asennot ovat samat kuin elävien, mutta runko on selkeästi metallia, tuskin peitetty ihon naarmuilla. Kuva voi olla inhottava, mutta samalla se houkuttelee katsetta - haluat harkita kaikkia yksityiskohtia.

8. Joshua Hoffin

Joshua Hoffin syntyi vuonna 1973 Emporiassa, Kansasissa. Hän ottaa pelottavia valokuvia, joissa lapsuudesta tuttuja satuja kerääntyy pelottavia piirteitä- historian voi tietysti oppia, mutta samalla sen merkitys on suuresti vääristynyt.

Monet hänen teoksistaan ​​näyttävät liian lavallisilta ja epäluonnollisilta ollakseen todella pelottavia. Mutta on myös sarja valokuvia, kuten Pickman's Masterpieces - kunnianosoitus yhdelle Lovecraftin hahmoista, taiteilija Pickmanille.

Vuoden 2008 valokuvat, jotka voit nähdä täällä, ovat hänen tyttärensä Chloe. Tytön kasvot eivät melkein ilmaise tunteita, eikä hän melkein katso yleisöä kohti. Kontrasti on pelottava: perhekuva yöpöydällä tyttö vaaleanpunaisessa pyjamassa - ja valtavia torakoita.

9. Patricia Piccinini

Piccininin veistokset eroavat toisinaan hyvinkin toisistaan: jotkut veistokset ovat epäsäännöllisen muotoisia moottoripyöriä, toiset ovat outoja ilmapalloja kuumalla ilmalla. Mutta enimmäkseen hän luo veistoksia, joiden kanssa on erittäin, erittäin epämukavaa seistä samassa huoneessa. Ne näyttävät jopa pelottavilta valokuvissa.

Vuoden 2004 teoksessa "Jakamaton" humanoidi painetaan normaalin ihmislapsen selkää vasten. Häiritsevintä on luottamuksen ja kiintymyksen elementti - ikään kuin lapsen viattomuutta käytettäisiin julmasti vahingoittamaan häntä.

Tietenkin Piccininin työtä arvostellaan. "Jakamattomasta" sanottiin jopa, että se ei ollut veistos, vaan eräänlainen todellinen eläin. Mutta ei – se on vain hänen mielikuvituksensa tuotetta, ja taiteilija jatkaa teosten luomista lasikuidusta, silikonista ja hiuksista.

10. Mark Powell

Australialaisen Mark Powellin teokset ovat todella järkyttäviä. Hänen vuoden 2012 esityksensä on sarja sävellyksiä, joissa fantastiset olennot kehittyvät, syövät ja erottavat toisistaan omat ruumiit, lisääntyvät ja hajoavat. Olentojen tekstuurit ja ympäristöön ovat erittäin vakuuttavia, ja hahmojen kehonkieli on juuri räätälöity saamaan tilanteet näyttämään mahdollisimman arkilta - ja siksi vakuuttavilta.

Tietenkin Internet ei voinut olla antamatta taiteilijalle hänen ansaintansa. Edellä mainittu SCP-säätiö otti hirviön yllä olevasta kuvasta ja teki siitä osan tarinaa nimeltä Flesh That Hates. Hänen työhönsä liittyy myös monia kauhutarinoita.

Kuinka paljon taiteilijaksi tuleminen vaatii? Ehkä lahjakkuutta? Tai kyky oppia jotain uutta? Vai villiä fantasiaa? Tietenkin nämä ovat kaikki välttämättömiä tekijöitä, mutta mikä on tärkeintä? Inspiraatiota. Kun taiteilija kirjaimellisesti laittaa sielunsa maalaukseen, siitä tulee kuin elävä. Värien taika tekee ihmeitä, mutta ilmettä ei voi kääntää, haluan tutkia jokaista pientä asiaa ...

Tässä artikkelissa tarkastelemme 25 todella loistavaa ja kuuluisaa maalausta.

✰ ✰ ✰

Muistin pysyvyys, Salvador Dali

Tämä pieni maalaus toi Dalille suosion, kun hän oli 28-vuotias. Tämä ei ole kuvan ainoa nimi, sillä on myös nimet " Pehmeä kello"," Muistin pysyvyys "," Muistin kovuus ".

Ajatus kuvan maalaamisesta syntyi taiteilijalle sillä hetkellä, kun hän ajatteli sulatettua juustoa. Dali ei jättänyt kirjaa maalauksen merkityksestä ja merkityksestä, joten tutkijat tulkitsevat sen omalla tavallaan nojaten Einsteinin suhteellisuusteoriaan.

✰ ✰ ✰

Tanssi, Henri Matisse

Maalaus on maalattu vain kolmella värillä - punainen, sininen ja vihreä. Ne symboloivat taivasta, maata ja ihmisiä. "Tanssin" lisäksi Matisse maalasi myös kuvan "Musiikki". Ne tilasi venäläinen keräilijä.

Siinä ei ole turhia yksityiskohtia, vain luonnollinen tausta ja tanssissa jäässä olevat ihmiset. Juuri tätä taiteilija halusi – vangita onnistuneen hetken, jolloin ihmiset ovat yhtä luonnon kanssa ja ekstaasin vallassa.

✰ ✰ ✰

Suudelma, Gustav Klimt

Suudelma on Klimtin tunnetuin maalaus. Hän kirjoitti sen "kultaisen" luovuuden aikana. Hän käytti aitoa lehtikultaa. Maalauksen elämäkerrasta on kaksi versiota. Ensimmäisen version mukaan maalaus kuvaa itse Gustavia rakkaan Emilia Flögen kanssa, jonka nimen hän lausui elämänsä viimeisenä. Toisen version mukaan tietty kreivi tilasi kuvan, jotta Klimt maalaisi hänet ja hänen rakkaansa.

Kun kreivi kysyi, miksi itse suudelma ei ollut kuvassa, Klimt sanoi olevansa taiteilija ja hän näki sen. Itse asiassa Klimt rakastui kreivin tyttöön ja se oli eräänlainen kosto.

✰ ✰ ✰

Henri Rousseaun Nukkuva mustalainen

Kangas löydettiin vasta 13 vuotta kirjailijan kuoleman jälkeen ja siitä tuli heti hänen kallein teoksensa. Hän yritti elämänsä aikana myydä sen kaupungin pormestarille, mutta turhaan.

Kuva välittää alkuperäinen merkitys ja syvä idea. Rauha, rentoutuminen – näitä tunteita Sleeping Gypsy herättää.

✰ ✰ ✰

Viimeinen tuomio, Hieronymus Bosch

Maalaus on hänen säilyneistä teoksistaan ​​kunnianhimoisin. Kuva ei kaipaa juonen selitystä, kaikki on selvää otsikosta. Viimeinen tuomio, Apokalypsi. Jumala tuomitsee sekä vanhurskaat että syntiset. Maalaus on jaettu kolmeen kohtaukseen. Ensimmäisessä kohtauksessa paratiisi, vihreät puutarhat, autuus.

Keskiosassa on itse viimeinen tuomio, jossa Jumala alkaa tuomita ihmisiä heidän tekojensa perusteella. V oikea puoli kuvaa helvettiä sellaisena kuin se näyttää. Kamalia hirviöitä, paahtavan kuumuuden ja hirviömäisen syntisten kidutuksen.

✰ ✰ ✰

"Narkissoksen metamorfoosit", Salvador Dali

Pohjalle otettiin monia juonia, mutta tärkein paikka on Narkissuksen tarina - kaveri, joka ihaili kauneuttaan niin paljon, että hän kuoli siihen, ettei hän voinut tyydyttää toiveitaan.

Kuvan etualalla Narkissos istuu ajatuksissaan veden äärellä eikä voi irrottaa itseään omasta heijastuksestaan. Lähistöllä on kivikäsi, jossa muna on, se on uudestisyntymisen ja uuden elämän symboli.

✰ ✰ ✰

Peter Paul Rubensin Beating the Babies

Kuva perustui juonen Raamatusta, kun kuningas Herodes käski tappaa kaikki vastasyntyneet pojat. Maalaus kuvaa puutarhaa Herodeksen palatsissa. Aseelliset soturit ottavat väkivaltaisesti vauvat itkeviltä äideiltä ja tappavat heidät. Maa on täynnä ruumiita.

✰ ✰ ✰

Numero 5 1948, kirjoittanut Jackson Pollock

Jackson käytti ainutlaatuista maalausmenetelmää. Hän laski kankaan maahan ja käveli sen ympäri. Mutta sen sijaan, että hän olisi levittänyt sivelyä, hän otti harjat, ruiskut ja ruiskutti kankaalle. Myöhemmin tätä menetelmää kutsuttiin "toimintamaalaukseksi".

Pollock ei käyttänyt luonnoksia, hän luotti aina vain tunteisiinsa.

✰ ✰ ✰

Ball Moulin de la Galettessa, Pierre-Auguste Renoir

Renoir on ainoa taiteilija, joka ei maalannut yhtä surullista kuvaa. Renoir löysi aiheen tälle maalaukselle kotinsa läheltä, Moulin de la Galette -ravintolasta. Rakennuksen vilkas ja iloinen ilmapiiri inspiroi taiteilijaa luomaan tämän maalauksen. Ystävät ja suosikkimallit poseerasivat hänelle kirjoittamaan teoksen.

✰ ✰ ✰

Leonardo da Vincin viimeinen ehtoollinen

Tämä maalaus kuvaa Kristuksen viimeistä juhlaa opetuslastensa kanssa. Uskotaan, että hetki on piirretty, kun Kristus sanoo, että yksi opetuslapsista kavaltaa hänet.

Da Vinci vietti paljon aikaa lastenvahtien etsimiseen. Vaikeimmat olivat Kristuksen ja Juudaksen kuvat. Kirkon kuorossa Leonardo huomasi nuoren laulajan ja veti hänestä Kristuksen kuvan. Kolme vuotta myöhemmin taiteilija näki juoppolaisen ojassa ja tajusi, että tämä oli se jota hän etsi, ja toi hänet työpajaan.

Kun hän kopioi kuvan juomarilta, hän tunnusti hänelle - kolme vuotta sitten taiteilija itse piirsi hänestä Kristuksen kuvan. Niin tapahtui, että Jeesuksen ja Juudaksen kuvat kopioitiin samalta henkilöltä, mutta eri elämänaikoina.

✰ ✰ ✰

Vesililjat kirjoittanut Claude Monet

Vuonna 1912 taiteilijalla diagnosoitiin kaksinkertainen kaihi, minkä vuoksi hän joutui leikkaukseen. Menetettyään linssin vasemmasta silmästä taiteilija alkoi nähdä ultraviolettivalon sinisenä tai violetti Tämän vuoksi hänen maalauksensa saivat uusia ja eloisia värejä. Maalaaessaan tämän kuvan Monet näki liljat sinisenä tavalliset ihmiset näki vain tavallisia valkoisia liljoja.

✰ ✰ ✰

The Scream, Edvard Munch

Munch kärsi maanis-masennuspsykoosista, häntä piinasivat usein painajaiset ja masennus. Monet kriitikot uskovat, että kuvassa Munch kuvasi itsensä - huutavan paniikista ja järjettömästä kauhusta.

Taiteilija itse kuvaili kuvan merkitystä "luonnon itkuksi". Hän sanoi, että hän käveli ystävien kanssa auringonlaskun aikaan ja taivas muuttui verenpunaiseksi. Pelosta vapisten hän kuuli saman "luonnon huudon".

✰ ✰ ✰

James Whistlerin "Whistler's Mother".

Taiteilijan äiti poseerasi kuvassa. Aluksi hän halusi äitinsä poseeraavan seisten, mutta vanhalle naiselle se osoittautui vaikeaksi.
Whistler kutsui maalaustaan ​​nimellä Järjestetty harmaaksi ja mustaksi. Taiteilijan äiti." Mutta ajan myötä oikea nimi unohtui ja ihmiset alkoivat kutsua häntä "Whistlerin äidiksi".

Tämä oli alun perin kansanedustajan määräys. jotka halusivat taiteilijan maalaavan Maggien tyttären. Mutta samalla hän hylkäsi maalauksen ja James pyysi äitiään malliksi viimeistelemään maalauksen.

✰ ✰ ✰

"Dora Maarin muotokuva", Pablo Picasso

Dora tuli Picasson työhön "naisena kyyneleissä". Hän huomautti, ettei hän koskaan voinut kirjoittaa hänelle hymyillen. Syvät, surulliset silmät ja suru kasvoilla - se on ominaisuudet Maarin muotokuvia. Ja välttämättä verenpunaiset kynnet - tämä ilahdutti erityisesti taiteilijaa. Picasso maalasi usein muotokuvia Dora Maarista ja ne ovat kaikki ihailtavia.

✰ ✰ ✰

Tähtiyö, Vincent Van Gogh

Maalaus kuvaa yömaisemaa, jonka taiteilija ilmaisi paksulla, kirkkaita värejä ja rauhallinen ilmapiiri yöllä. Kirkkaimmat kohteet ovat tietysti tähdet ja kuu, ne piirretään selkeimmin.

Korkeat sypressit kasvavat maassa, ikään kuin unelmoivat pääsevänsä mukaan kiehtovaan tähtien tanssiin.

Kuvan merkitys tulkitaan eri tavoin. Jotkut näkevät viittauksen Vanha testamentti, ja joku on yksinkertaisesti taipuvainen uskomaan, että maalaus on seurausta taiteilijan pitkittyneestä sairaudesta. Hoidon aikana hän kirjoitti The Starry Night.

✰ ✰ ✰

Olympia, Edouard Manet

Maalaus oli syynä yksi eniten korkean profiilin skandaalit historiassa. Loppujen lopuksi se kuvaa alaston tyttöä, joka makaa valkoisilla lakanoilla.
Raivostuneet ihmiset sylkivät taiteilijaa, ja jotkut jopa yrittivät pilata kankaan.

Manet halusi vain piirtää "modernin" Venuksen osoittaakseen, että nykyajan naiset eivät ole huonompia kuin menneisyyden naiset.

✰ ✰ ✰

3. toukokuuta 1808 Francisco Goya

Napoleonin hyökkäykseen liittyvät tapahtumat vaikuttivat taiteilijaan syvästi. Toukokuussa 1808 Madridin kansannousu päättyi traagisesti, ja se kosketti taiteilijan sielua niin paljon, että 6 vuotta myöhemmin hän vuodatti tunteensa kankaalle.

Sota, kuolema, menetys - kaikki tämä on kuvattu kuvassa niin realistisesti, että se ilahduttaa edelleen monien mieliä.

✰ ✰ ✰

Jan Vermeerin "Tyttö helmikorvakorulla".

Maalauksella oli toinen otsikko "Girl in a Turban". Yleisesti ottaen kuvasta tiedetään vähän. Yhden version mukaan Yang piirsi oman tyttärensä Marian. Kuvassa tyttö näyttää kääntyvän jonkun puoleen ja katsojan katse on keskittynyt tytön korvassa olevaan helmikorvakoruun. Korvakorun kiilto hehkuu sekä silmissä että huulilla.

Kuvan perusteella kirjoitettiin romaani, jonka jälkeen kuvattiin samanniminen elokuva.

✰ ✰ ✰

"Yövartio", Rembrandt

Tämä on ryhmäkuva kapteeni Frans Banning Kockin ja luutnantti Willem van Ruutenbürgin komppaniasta. Muotokuva on Shooting Societyn tilaama.
Kaikesta sisällön vaikeudesta huolimatta kuva on täynnä paraatin ja juhlallisuuden henkeä. Ikään kuin muskettisoturit poseeraavat taiteilijalle unohtaen taistelun.
Myöhemmin maalaus leikattiin kaikilta puolilta sopimaan uuteen saliin. Jotkut nuolet katosivat kuvasta peruuttamattomasti.

✰ ✰ ✰

The Meninas, Diego Velazquez

Kuvaan taiteilija maalaa muotokuvia kuningas Filippistä Neljännestä ja hänen vaimostaan, jotka näkyvät peilistä heijastuneena. Sävellyksen keskellä on heidän viisivuotias tyttärensä seuran ympäröimänä.

Monet uskovat, että Velazquez halusi kuvata itseään luovuuden hetkellä - "maalaamalla ja maalaamalla".

✰ ✰ ✰

Maisema Ikaruksen kaatumisen kanssa, Pieter Bruegel

Tämä on taiteilijan ainoa säilynyt myyttiaiheinen teos.

Kuvan päähenkilö on käytännössä näkymätön. Hän putosi jokeen, vain jalat työntyivät ulos veden pinnasta. Joen pinnalla on hajallaan Ikaruksen höyheniä, jotka lensivät ulos syksystä. Ja ihmiset ovat kiireisiä omissa asioissaan, kukaan ei välitä kaatuneesta nuoresta.

Vaikuttaa siltä, ​​​​että kuva on traaginen, koska se kuvaa nuoren miehen kuolemaa, mutta kuva on maalattu rauhallisilla, tylsillä väreillä ja sanotaan ikään kuin "mitään ei tapahtunut".

✰ ✰ ✰

"Ateenan koulu", Rafael

Ennen " Ateenalainen koulu”Rafaelilla oli vähän kokemusta freskoista, mutta yllättäen tämä fresko osoittautui loistavaksi.

Tämä maalaus kuvaa Platonin Ateenassa perustamaa Akatemiaa. Akatemian kokoukset pidettiin v ulkoilma, mutta taiteilija päätti, että upeasti tehdyssä antiikkirakennuksessa tulee loistavia ideoita ja siksi se kuvaa opiskelijat tarkasti luonnon taustaa vasten. Freskolla Rafael kuvasi myös itseään.

✰ ✰ ✰

Michelangelon "Aadamin luominen".

Tämä on neljäs yhdeksästä kattofreskasta Sikstuksen kappeli maailman luomisesta. Michelangelo ei pitänyt itseään suurena taiteilijana, hän asettui kuvanveistäjäksi. Siksi kuvan Adamin ruumis on niin verrannollinen, että siinä on selkeät piirteet.

Vuonna 1990 havaittiin, että ihmisen aivojen anatomisesti tarkka rakenne oli salattu Jumalan kuvaksi. Ehkä Michelangelo tunsi hyvin ihmisen anatomian.

✰ ✰ ✰

Leonardo da Vincin Mona Lisa

Mona Lisa on edelleen yksi parhaista salaperäisiä maalauksia taiteen maailmassa. Kriitikot kiistelevät edelleen, kuka siinä todella on kuvattu. Monet ovat taipuvaisia ​​uskomaan, että Mona Lisa on Francesco Giocondan vaimo, joka pyysi taiteilijaa maalaamaan muotokuvan.

Kuvan tärkein mysteeri piilee naisen hymyssä. Versioita on monia - naisen raskaudesta ja hymystä pettää sikiön liikkeet, päättyen siihen, että itse asiassa tämä on taiteilijan omakuva naiskuvassa. No, voi vain arvailla ja ihailla kuvan uskomatonta kauneutta.

✰ ✰ ✰

Sandro Botticelli Venuksen syntymä

Maalaus kuvaa myyttiä jumalatar Venuksen syntymästä. Jumalatar syntyi merivaahdosta varhain aamulla. Tuulien jumala Zephyr auttaa jumalattaren uimaan kuoressaan rantaan, missä jumalatar Ora kohtaa hänet. Kuva personoi rakkauden syntymän, herättää kauneuden tunteen, koska maailmassa ei ole mitään kauniimpaa kuin rakkaus.

✰ ✰ ✰

Johtopäätös

Olemme yrittäneet sovittaa tähän artikkeliin vain osan tärkeimmistä suosittuja maalauksia maailmassa. Mutta on myös monia muita yhtä mielenkiintoisia mestariteoksia. Kuvataide... Mitkä kuvat ovat mielestäsi suosittuja?

On taideteoksia, jotka näyttävät osuvan katsojaa päähän mykistyneenä ja hämmästyneenä. Toiset vetävät sinut ajatuksiin ja etsimään semanttisia kerroksia, salaista symboliikkaa. Jotkut maalaukset ovat peitetty salaisuuksilla ja mystisilla arvoituksilla, kun taas toiset yllättävät kohtuuttomalla hinnalla.

Kävimme huolellisesti läpi kaikki maailmanmaalauksen tärkeimmät saavutukset ja valitsimme niistä kaksi tusinaa omituisinta maalausta. Salvador Dali, jonka teokset kuuluvat täysin tämän materiaalin muotoon ja tulevat ensimmäisenä mieleen, ei sisällytetty tähän kokoelmaan tarkoituksella.

On selvää, että "outollisuus" on melko subjektiivinen käsite ja jokaisella on omansa upeita kuvia jotka erottuvat useista muista taideteoksista. Olemme iloisia, jos jaat ne kommenteissa ja kerrot meille vähän niistä.

"Huutaa"

Edvard Munch. 1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli.
Kansallisgalleria, Oslo.

The Screamia pidetään ekspressionismin maamerkkitapahtumana ja yhtenä maailman kuuluisimmista maalauksista.

Kuvatusta on kaksi tulkintaa: sankari itse joutuu kauhuun ja huutaa hiljaa painaen kätensä korvilleen; tai sankari sulkee korvansa ympärilläsi soivalta rauhan ja luonnon huudolta. Munch kirjoitti neljä versiota The Screamista, ja on olemassa versio, jonka mukaan tämä kuva on maanis-depressiivisen psykoosin hedelmä, josta taiteilija kärsi. Klinikalla suoritetun hoitojakson jälkeen Munch ei palannut kankaalle.

"Kävelin polkua pitkin kahden ystäväni kanssa. Aurinko oli laskemassa - yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, pysähdyin väsyneenä ja nojasin aitaa vasten - katsoin verta ja liekkejä sinimustan vuonon ja kaupungin yllä. Ystäväni menivät pidemmälle, ja minä seisoin vapisten jännityksestä ja tunsin loputtoman itkua tunkeutuvan luontoon ”, Edvard Munch kertoi maalauksen historiasta.

"Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"

Paul Gauguin. 1897-1898, öljy kankaalle.
Museum of Fine Arts, Boston.

Gauguinin itsensä ohjeiden mukaan maalaus tulee lukea oikealta vasemmalle - kolme päähahmoryhmää havainnollistavat otsikossa esitettyjä kysymyksiä.

Kolme naista lapsen kanssa edustaa elämän alkua; keskimmäinen ryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; loppuryhmässä taiteilijan suunnitelman mukaan "kuolemaa lähestyvä vanha nainen näyttää olevan sovussa ja omistautunut heijastuksilleen", hänen jaloissaan "outo valkoinen lintu... edustaa sanojen hyödyttömyyttä."

Hän maalasi syvän filosofisen kuvan postimpressionistisesta Paul Gauguinista Tahitilla, jonne hän pakeni Pariisista. Teoksen valmistuttua hän halusi jopa tehdä itsemurhan: "Uskon, että tämä kangas on parempi kuin kaikki aikaisemmat, enkä koskaan luo parempaa tai edes samanlaista." Hän eli vielä viisi vuotta, ja niin se tapahtui.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, kangas, öljy.
Reina Sofia -museo, Madrid.

Guernica esittää kohtauksia kuolemasta, väkivallasta, julmuudesta, kärsimyksestä ja avuttomuudesta määrittelemättä niiden välittömiä syitä, mutta ne ovat ilmeisiä. Sanotaan, että vuonna 1940 Pablo Picasso kutsuttiin Gestapoon Pariisiin. Puhe kääntyi heti kuvaan. "Teitkö sinä tämän?" - "Ei, sinä teit sen."

Valtava maalaus-fresko "Guernica", jonka Picasso maalasi vuonna 1937, kertoo Luftwaffen vapaaehtoisyksikön hyökkäämisestä Guernican kaupunkiin, jonka seurauksena kuudes tuhannes kaupunki tuhoutui kokonaan. Maalaus valmistui kirjaimellisesti kuukaudessa - maalauksen ensimmäisinä työpäivinä Picasso työskenteli 10-12 tuntia, ja jo ensimmäisissä luonnoksissa näkyi pääidea. Tämä on yksi parhaista kuvista fasismin painajaisesta sekä ihmisten julmuudesta ja surusta.

"Arnolfini-parin muotokuva"

Jan van Eyck. 1434, puu, öljy.
Lontoon kansallisgalleria, Lontoo.

Kuuluisa maalaus on täysin ja täysin täynnä symboleja, allegorioita ja erilaisia ​​viittauksia - aina allekirjoitukseen "Jan van Eyck oli täällä", joka teki maalauksesta paitsi taideteoksen, myös historiallisen asiakirjan, joka vahvistaa sen todellisuuden. tapahtuma, jossa taiteilija oli läsnä.

Muotokuva, oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinista ja hänen vaimostaan, on yksi läntisen pohjoisen renessanssin maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista.

Venäjällä maalaus on viime vuosina saavuttanut suuren suosion, koska Arnolfini muistuttaa muotokuvaa Vladimir Putiniin.

"Demoni istuu"

Mihail Vrubel. 1890, kangas, öljy.
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova.

"Kädet vastustavat häntä"

Bill Stoneham. 1972.

Tätä työtä ei tietenkään voida laskea maailmanmaalauksen mestariteoksiin, mutta se, että se on outo, on tosiasia.

Maalauksen ympärillä on legendoja, jossa on poika, nukke ja kämmenet painettuina lasia vasten. "Tämän kuvan takia he kuolevat" ja "lapset siinä ovat elossa". Kuva näyttää todella kammottavalta, mikä saa aikaan ihmisiä, joilla on heikko psyyke paljon pelkoja ja spekulaatioita.

Taiteilija väitti, että maalaus kuvaa itseään viisivuotiaana, että ovi on esitys jakoviivasta oikea maailma ja unelmien maailma, ja nukke on opas, joka voi ohjata pojan läpi tämän maailman. Kädet edustavat vaihtoehtoisia elämiä tai mahdollisuuksia.

Maalaus nousi tunnetuksi helmikuussa 2000, kun se laitettiin myyntiin eBayssa taustatarinalla, että maalaus "kummitteli". "Kädet vastustavat häntä" osti 1 025 dollarilla Kim Smith, joka oli sitten yksinkertaisesti täynnä kirjeitä pelottavia tarinoita ja vaatii polttamaan kuvan.