Mitkä ovat käsittämättömien kuvien nimet. Okeimmat kuvat

2. Paul Gauguin “Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"

897-1898, kangas, öljy. 139,1 × 374,6 cm
Museo kuvataide, Boston

Syväfilosofinen kuva postimpressionistisesta Paul Gauguinista maalattiin Tahitissa, missä hän pakeni Pariisista. Työn valmistuttua hän halusi jopa tehdä itsemurhan, koska hän uskoi: "Uskon, että tämä kangas ei ole vain ylivoimainen kaikista aikaisemmista, vaan että en koskaan luo jotain parempaa tai edes samanlaista."

Viime vuosisadan 80-luvun lopun kesällä monet ranskalaiset taiteilijat kokoontuivat Pont-Aveniin (Bretagne, Ranska). Muutti yhteen ja jakoi melkein välittömästi kahteen vihamieliseen ryhmään. Yksi heistä sisälsi taiteilijoita, jotka aloittivat etsinnän polun ja yhdistivät yleisnimen "impressionistit". Toisen ryhmän, jota johtaa Paul Gauguin, mukaan tämä nimi oli väärinkäyttäjä. P.Gauguin oli tuolloin jo alle neljäkymmentä. Vieraita maita kokeneen matkustajan salaperäisen halon ympäröimänä hänellä oli suuri elämänkokemus sekä hänen työnsä ihailijoita että jäljittelijöitä.

Molemmat leirit olivat jakautuneet ja pääosin asemassaan. Vaikka impressionistit asuivat ullakoilla tai ullakoilla, muut taiteilijat käyttivät Gloanek-hotellin parhaita huoneita, jotka aterioivat ravintolan suurimmassa ja mukavimmassa huoneessa, johon ensimmäisen ryhmän jäsenet eivät päässeet. Ryhmien väliset yhteentörmäykset eivät kuitenkaan estäneet P.Gauguinia työskentelemästä, päinvastoin, ne auttoivat häntä jossain määrin ymmärtämään piirteet, jotka herättivät hänen väkivaltaisen mielenosoituksen. Impressionistien analyyttisen menetelmän hylkääminen oli osoitus hänen täydellisestä maalaustehtävien uudelleentarkastelusta. Impressionistien halu vangita kaikki näkemänsä, niiden hyvin taiteellinen periaate - antaa maalauksilleen jotain vahingossa vakoiltua - ei vastannut P. Gauguinin vaatimatonta ja energistä luonnetta.

Vielä vähemmän tyytyväinen teoreettiseen ja taiteelliseen tutkimukseensa J. Seurat, joka pyrki vähentämään maalauksen kylmäksi, tieteellisten kaavojen ja reseptien järkeväksi käytöksi. J. Seuratin pointillistinen tekniikka, hänen systemaattinen maalien levittäminen siveltimellä ja pisteillä ärsytti Paul Gauguinia yksitoikkoisuudellaan.

Taiteilijan oleskelu Martiniquessa luonnon keskellä, mikä tuntui hänelle ylelliseltä, upealta matolta, vakuutti P.Gauguinin lopulta käyttämään maalauksissaan vain laimentamattomia värejä. Hänen ajatuksensa jakaneet taiteilijat julistivat yhdessä hänen kanssaan "Synthesis" -periaatteen - eli viivojen, muotojen ja värien synteettisen yksinkertaistamisen. Tämän yksinkertaistamisen tarkoituksena oli välittää vaikutelma värin suurimmasta voimasta ja jättää pois kaikki, mikä heikentää tätä vaikutelmaa. Tämä tekniikka muodosti vanhan perustan koristeellinen maalaus freskoja ja lasimaalauksia.

P. Gauguin oli hyvin kiinnostunut värien ja värien suhteesta. Maalauksessaan hän yritti myös ilmaista ei rentoa eikä pinnallista, mutta pysyvää ja välttämätöntä. Hänelle laki oli vain taiteilijan ja hänen luovaa tahtoa taiteellinen tehtävä hän näki sisäisen harmonian ilmaisun, jonka hän ymmärsi synteesinä luonnon avoimuudesta ja taiteilijan sielun mielialasta, jota tämä avoimuus häiritsi. P. Gauguin itse puhui siitä tällä tavalla: "En laske luonnon totuutta, joka näkyy ulkoisesti ... Korjaa tämä väärä näkökulma, joka vääristää kohdetta sen totuudenmukaisuuden vuoksi ... Dynaamisuutta tulisi välttää. Anna kaiken hengitä rauhalla ja sielun rauhalla, vältä liikkeessä olevia poseja ... Jokaisen hahmon on oltava staattisessa asennossa. " Ja hän lyhensi maalaustensa perspektiiviä, toi sen lähemmäksi lentokonetta, sijoittamalla hahmot edestä ja välttäen ennakkoja. Siksi P.Gauguinin kuvaamat ihmiset ovat liikkumattomia maalauksissa: ne ovat kuin suurella taltalla veistettyjä patsaita ilman tarpeettomia yksityiskohtia.

Aika kypsä luovuus Paul Gauguin aloitti Tahitissa, ja täällä taiteellisen synteesin ongelma kehittyi täysin. Tahitissa taiteilija luopui suuresta osasta, jonka hän tiesi: tropiikissa muodot ovat selkeät ja selkeät, varjot ovat painavia ja kuumia, ja kontrastit ovat erityisen teräviä. Tässä kaikki hänen Pont-Avenissa asettamat tehtävät ratkaistiin itse. P.Gauguinin maalit kirkastuvat, ilman tahroja. Hänen tahitinlaiset maalauksensa tekevät vaikutuksen itämaiset matot tai freskoja, joten niiden värit tuodaan harmonisesti tiettyyn sävyyn.

Esitetään tämän ajanjakson P. Gauguinin teos (tarkoittaen taiteilijan ensimmäistä vierailua Tahitilla) ihana tarina, jonka hän koki kaukaisen Polynesian alkeellisessa, eksoottisessa luonnossa. Matajen alueelta hän löytää pienen kylän, ostaa mökin, jonka toiselta puolelta valtameri roiskuu, ja toisella puolella näkyy vuori, jolla on valtava rako. Eurooppalaiset eivät olleet vielä saavuttaneet tätä paikkaa, ja elämä näytti P.Gauguinilta olevan todellinen maallinen paratiisi. Hän noudattaa Tahitin elämän hidasta rytmiä, imee kirkkaita värejä sininen meri, joskus peitetty vihreillä aalloilla, törmää melua koralliriuttoihin.

Ensimmäisistä päivistä lähtien taiteilija loi yksinkertaiset, inhimilliset suhteet tahitilaisiin. Teos alkaa kaapata yhä enemmän P. Gauguinia. Hän tekee lukuisia luonnoksia ja luonnoksia elämästä, joka tapauksessa hän yrittää kaapata kankaalle, paperille tai puulle tahitilaisten ominaispiirteitä, heidän hahmojaan ja asennoitaan - työprosessissa tai levossa. Tänä aikana hän luo maailmankuuluja maalauksia "Kuolleiden henki herää", "Oletko kateellinen?", "Keskustelu", "Tahitin pastorit".

Mutta jos vuonna 1891 polku Tahitille näytti hänelle säteilevältä (hän \u200b\u200bmatkusti tänne Ranskassa taiteellisten voittojen jälkeen), toisen kerran hän meni rakastetulle saarelleen sairaana miehenä, joka oli menettänyt suurimman osan illuusioistaan. Kaikki matkan varrella ärsytti häntä: pakotetut pysähdykset, turha tuhlaaminen, tielle aiheutuvat haitat, tullin kiusaaminen, pakkomielteiset kumppanit ...

Hän ei ollut käynyt Tahitissa vain kaksi vuotta, ja niin paljon on muuttunut täällä. Eurooppalainen hyökkäys tuhosi alkuperäiskansojen alkuperäisen elämän, P.Gauguin näyttää kaiken sietämättömältä sekavalta: sähkövalaistus saaren pääkaupungissa Papeetessa ja vastenmieliset karusellit lähellä kuninkaanlinnaa sekä äänimerkin äänet, jotka rikkovat entisen hiljaisuuden. .

Tällä kertaa taiteilija asuu Punoauian alueella Tahitin länsirannikolla vuokratulla tontilla ja rakentaa taloa, josta on näkymät merelle ja vuorille. Hän odottaa vakiintuneensa saarella ja luomalla olosuhteet työlle, hän säästää kuluja kodin järjestämisessä ja jää usein, kuten usein tapahtuu, ilman rahaa. P. Gauguin luotti ystäviin, jotka ennen taiteilijan lähtöä Ranskasta lainasivat häneltä yhteensä 4000 frangia, mutta he eivät kiirehtineet palauttamaan heitä. Huolimatta siitä, että hän lähetti heille lukuisia muistutuksia velasta, hän valitti kohtalosta ja äärimmäisen ahdingosta ...

Kevääseen 1896 mennessä taiteilija joutuu vakavimman tarpeen haltuun. Tähän lisätään murtuneen jalan kipu, joka on peitetty haavaumilla ja aiheuttaa sietämätöntä kärsimystä, mikä vie häneltä unen ja energian. Ajatus pyrkimysten turhuudesta olemassaolotaistelussa, kaikkien taiteellisten suunnitelmien epäonnistumisesta saa hänet yhä useammin ajattelemaan itsemurhaa. Mutta heti kun P.Gauguin tuntee pienintäkään helpotusta, taiteilijan luonto voittaa hänet, ja pessimismi hajoaa elämän ilon ja luovuuden edessä.

Nämä olivat kuitenkin harvinaisia \u200b\u200bhetkiä, ja epäonnet seurasivat toisiaan katastrofaalisella säännöllisyydellä. Ja kauhein uutinen hänelle oli uutinen Ranskasta rakkaan tyttärensä Alinan kuolemasta. Koska hän ei kyennyt selviytymään menetyksestä, hän otti valtavan annoksen arseenia ja meni vuorille, jotta kukaan ei voisi häiritä häntä. Itsemurhayritys johti siihen, että hän vietti yön kauheassa tuskassa ilman apua ja täydellisessä yksinäisyydessä.

Pitkästä aikaa taiteilija oli täysin kumartamassa, hän ei voinut pitää harjaa käsissään. Ainoa lohdutus oli valtava kangas (450 x 170 cm), jonka hän maalasi ennen itsemurhayritystä. Hän kutsui kuvaa "Mistä me olemme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?" ja yhdessä kirjeistä hän kirjoitti: "Ennen kuin kuolin, panin siihen kaiken energian, niin surevan intohimon kammottavissa olosuhteissani, ja visio on niin selkeä, ilman korjauksia, että kiireiden jäljet \u200b\u200bkatosivat ja koko elämä on siinä näkyvissä. "

P.Gauguin työskenteli kuvan parissa kovassa jännitteessä, vaikka hän oli kaivannut ajatusta siitä mielikuvituksessaan pitkään, hän ei itse voinut sanoa varmasti, milloin tämän kankaan idea ilmestyi ensimmäisen kerran. Valitut fragmentit tästä monumentaalinen työ kirjoitti hänelle eri vuosina ja muissa teoksissa. Esimerkiksi naishahmo Tahitian Pastoralsista toistetaan tässä kuvassa idolin vieressä, keskeinen hahmo Tapasin hedelmien poimijan kultaisessa luonnoksessa "Mies poimii hedelmiä puusta" ...

Haaveillessaan maalausmahdollisuuksien laajentamisesta Paul Gauguin pyrki antamaan kuvalleen freskon. Tätä varten hän jättää kaksi yläkulmaa (toisessa on maalauksen nimi, toisessa taiteilijan allekirjoitus) keltaiset eivätkä ole täynnä maalausta - "kuin kulmissa vaurioitunut ja kultaseinälle asetettu fresko".

Keväällä 1898 hän lähetti maalauksen Pariisiin ja kirjoitti kriitikolle A. Fontainen, että hänen tavoitteenaan ei ollut luoda monimutkaista ketjua nerokkaista allegorioista, jotka olisi ratkaistava. Päinvastoin, allegorinen maalauksen sisältö on äärimmäisen yksinkertainen - mutta ei vastauksena esitettyihin kysymyksiin, vaan siinä mielessä, että nämä kysymykset ovat itse ". Paul Gauguin ei aikonut vastata kuvan otsikkoon esittämiinsä kysymyksiin, koska hän uskoi, että ne ovat ja tulevat olemaan kauhea ja suloisin arvoitus ihmisen tietoisuus... Siksi tällä kankaalla kuvattujen allegorioiden ydin on tämän luonnossa piilotetun mysteerin puhtaasti viehättävässä suoritusmuodossa, kuolemattomuuden pyhässä kauhussa ja olemisen salaisuudessa.

Ensimmäisellä vierailullaan Tahitilla P.Gauguin katsoi maailmaa suuren lapsen kansan innostuneilla silmillä, joille maailma ei ole vielä menettänyt uutuuttaan ja upeaa puolijalokivet. Hänen lapsellinen korotettu katseensa avasi luonnossa muille näkymättömiä värejä: smaragdiyrttejä, safiiritaivasta, ametistiauringon varjoa, rubiinikukkia ja maorin ihon punakullaa. Tahitialaiset P. Gauguinin tämän ajan maalaukset syttyvät jalolla kultaisella hehkulla, kuten lasimaalaukset goottilaiset katedraalitvalettu kuninkaalliseen loistoon bysantin mosaiikit, tuoksuva mehukkailla maalien roiskeilla.

Yksinäisyys ja syvä epätoivo, joka vallitsi hänet toisella vierailullaan Tahitilla, sai P.Gauguinin näkemään kaiken vain mustana. Mestarin luonnollinen vaisto ja hänen silmänsä koloristina eivät kuitenkaan antaneet taiteilijan menettää täysin elämänmakuaan ja sen värejä, vaikka hän loi synkän kangas, hän maalasi sen mystisen kauhun tilassa.

Joten mitä tämä kuva vielä kätkee? Kuten itämaiset käsikirjoitukset, jotka tulisi lukea oikealta vasemmalle, kuvan sisältö etenee samaan suuntaan: vaihe vaiheelta virta paljastuu ihmiselämä - sen syntymästä kuolemaan saakka peläten tyhjyyttä.

Katsojan edessä, suurella vaakasuunnassa venytetyllä kankaalla, kuvataan metsävirran rantaa, jonka pimeissä vesissä heijastuvat salaperäiset, määrittelemättömät varjot. Toisella puolella on tiheää, rehevää trooppista kasvillisuutta, smaragdin ruohoja, tiheitä vihreitä pensaita, ulkomaisia \u200b\u200bsinisiä puita, "jotka kasvavat ikään kuin maan päällä, mutta paratiisissa".

Puiden rungot kiertyvät oudosti, kietoutuvat yhteen muodostaen pitsiverkoston, jonka läpi etäisyydessä meri, jossa on valkoisia rantaaltoisia harjuja, tummanvioletti vuori naapurisaarella, sinitaivas - "neitsyt luonnon spektaakkeli, joka voi olla paratiisi".

Kuvan lähimmässä suunnitelmassa joukko ihmisiä sijaitsee jumaluuden kivipatsas ympäri maata, jossa ei ole kaikkia kasveja. Hahmoja ei yhdistä mikään yksittäinen tapahtuma tai yhteinen toiminta, kukin on kiireinen omiinsa ja uppoutunut itseensä. Nukkuvaa vauvaa vartioi iso musta koira; "Kolme naista, kyykyssä kyynärillä, näyttävät kuuntelevan itseään, jähmettyneinä joidenkin odottamiseksi odottamaton ilo... Nuori mies, joka seisoo keskellä molemmin käsin, poimii hedelmän puusta ... Yksi hahmo, tarkoituksella valtava, vastoin perspektiivilakeja ... nostaa kätensä katsellen yllättyneenä kahta hahmoa, jotka uskaltavat ajatella kohtalo. "

Patsan vieressä yksinäinen nainen, ikään kuin mekaanisesti, kävelee sivulle upotettuna voimakkaan, keskittyneen ajatuksen tilaan. Lintu liikkuu häntä kohti maassa. Kankaan vasemmalla puolella maassa istuva lapsi tuo hedelmiä suuhunsa, kissa huokuu kulhosta ... Ja katsoja kysyy itseltään: "Mitä tämä kaikki tarkoittaa?"

Ensi silmäyksellä se on kuin arki, mutta lisäksi suora merkitys, jokaisessa kuvassa on runollinen allegoria, vihje kuvallisen tulkinnan mahdollisuudesta. Joten esimerkiksi metsävirran tai lähdeveden motiivi maasta on Gauguinin suosikki metafora elämän lähteestä, salaperäisestä elämän alusta. Nukkuva vauva yksilöi ihmiselämän kynnyksen siveyden. Nuori mies, joka poimii hedelmiä puusta, ja naiset, jotka istuivat oikealla maassa, edustavat ajatusta ihmisen orgaanisesta ykseydestä luontoon, hänen olemassaolonsa luonnosta siinä.

Mies, jolla on kohotettu käsi ja joka yllätti ystäviään, on ensimmäinen välähdys ahdistuksesta, ensimmäinen impulssi ymmärtää maailman ja olemuksen salaisuudet. Toiset paljastavat ihmismielen rohkeuden ja kärsimykset, hengen mysteerin ja tragedian, jotka sisältyvät väistämättömyyteen, jonka mukaan ihminen tietää kuolevaisen kohtalonsa, maallisen olemassaolon lyhyyden ja lopun väistämättömyyden.

Paul Gauguin itse antoi useita selityksiä, mutta hän varoitti halusta nähdä kuvassaan yleisesti hyväksytyt symbolit, tulkita kuvat liian suoraviivaisesti ja vielä enemmän etsiä vastauksia. Jotkut taidekriitikot uskovat, että taiteilijan masentunut tila, joka johti hänet itsemurhayritykseen, ilmaistiin tiukassa, lakonisessa muodossa taiteellinen kieli... He huomauttavat, että kuva on hukkua. pieniä yksityiskohtiajotka eivät selvennä yleistä ajatusta, vaan vain hämmentävät katsojaa. Jopa päällikön kirjeissä olevat selitykset eivät voi hajottaa mystistä sumua, jonka hän pani näihin yksityiskohtiin.

P. Gauguin itse piti työtään hengellisenä testamenttina, ehkä siksi maalauksesta tuli kuvaruno, jossa konkreettiset kuvat muutettiin yleväksi ajatukseksi ja aine hengeksi. Kankaan juoni hallitsee runollista tunnelmaa, joka on rikas vaikeasti sävyisillä ja sisäisillä merkityksillä. Rauhan ja armon tunnelma on kuitenkin jo peitetty epämääräisellä levottomuudella kosketuksessa salaperäiseen maailmaan, se saa aikaan piilevän ahdistuksen, elämän sisimpien mysteerien tuskallisen liukenemattomuuden tunteen, ihmisen mysteerin tulemisen maailmaan ja mysteeri hänen katoamisesta. Kuvassa onnea tummentaa kärsimys, hengellistä kärsimystä pesee fyysisen olemassaolon makeus - "kultainen kauhu, peitetty ilolla". Kaikki on erottamaton, kuten elämässä.

P.Gauguin ei tarkoituksellisesti korjaa vääriä mittasuhteita pyrkiessään hinnanmuotoilunsa säilyttämiseen joka hinnalla. Tätä luonnosta, epätäydellisyyttä hän arvosti erityisen suuresti, uskoen, että juuri hän toi elävän virran kankaalle ja antoi kuvalle erityisen runouden, joka ei ole ominaista valmiille ja liian valmiille asioille.

On taideteoksia, jotka näyttävät osuvan katsojaan päähän, hämmästyneinä ja hämmästyneinä. Toiset vetävät sinut ajatuksiin ja etsimään semanttisia kerroksia, salaisia \u200b\u200bsymboleja. Jotkut maalaukset on peitetty salaisuuksilla ja mystisillä arvoituksilla, kun taas toiset yllättävät kohtuuttomalla hinnalla.

Tarkastimme huolellisesti kaikki maailman maalauksen tärkeimmät saavutukset ja valitsimme niistä kaksi tusinaa kummallisimmista maalauksista. Salvador Dalia, jonka teokset kuuluvat täysin tämän materiaalin muotoon ja jotka tulevat ensimmäiseksi mieleen, ei sisällytetty tähän kokoelmaan tarkoituksella.

On selvää, että "outo" on melko subjektiivinen käsite, ja jokaisella on omat hämmästyttävät kuvansa, jotka erottuvat useista muista taideteoksista. Olemme iloisia, jos jaat ne kommenteissa ja kerrot meille vähän niistä.

"Huutaa"

Edvard Munch. 1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli.
Kansallisgalleria, Oslo.

Huutoa pidetään ekspressionismin merkittävänä tapahtumana ja yhtenä tunnetuimmista maalauksista maailmassa.

Kuvattua on kaksi tulkintaa: sankari itse tarttuu kauhuun ja huutaa äänettömästi ja painaa kätensä korvilleen; tai sankari sulkee korvansa ympäröivän rauhan ja luonnon huudosta. Munch kirjoitti neljä versiota The Screamista, ja on versio siitä, että tämä kuva on mania-masennuspsykoosin hedelmä, josta taiteilija kärsi. Hoidon jälkeen klinikalla Munch ei palannut töihin kankaalle.

”Kävelin polkua kahden ystävän kanssa. Aurinko oli laskemassa - yhtäkkiä taivas muuttui veripunaiseksi, pysähdyin, uupuneena ja nojauduin aidaa vasten - katsoin verta ja liekkejä sinimustan vuonon ja kaupungin yli. Ystäväni menivät pidemmälle, ja minä seisoin, vapisin innostuksesta, tunsin loputtoman itken lävistävän luonnon ”, Edvard Munch kertoi maalauksen historiasta.

"Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"

Paul Gauguin. 1897-1898, öljy kankaalle.
Kuvataidemuseo, Boston.

Gauguinin itse ohjeistama maalaus tulisi lukea oikealta vasemmalle - kolme pääryhmää kuvaa kuvaa otsikossa esitettyjä kysymyksiä.

Kolme naista, joilla on lapsi, edustavat elämän alkua; keskiryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; viimeisessä ryhmässä taiteilijan ajatuksen mukaan "vanha nainen, joka lähestyy kuolemaa, näyttää olevan sovitettu ja omistautunut ajatuksiinsa", jaloillaan "outo valkoinen lintu ... edustaa sanojen turhuutta".

Hän maalasi syvästi filosofisen kuvan postimpressionistisesta Paul Gauguinista Tahitissa, missä hän pakeni Pariisista. Työn valmistuttua hän halusi jopa itsemurhan: "Uskon, että tämä kangas on ylivoimainen kaikista aikaisemmista ja että en koskaan luo jotain parempaa tai edes samanlaista." Hän asui vielä viisi vuotta, ja niin se tapahtui.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, kangas, öljy.
Reina Sofian museo, Madrid.

Guernica esittelee kuoleman, väkivallan, julmuuden, kärsimyksen ja avuttomuuden kohtauksia määrittelemättä niiden välittömiä syitä, mutta ne ovat ilmeisiä. Sanotaan, että Pablo Picasso kutsuttiin vuonna 1940 Pariisin Gestapoon. Puhe kääntyi heti kuvan kohdalle. "Teitkö sinä tämän?" - "Ei, teit sen."

Picasson vuonna 1937 maalama valtava maalausfresko "Guernica" kertoo Luftwaffen vapaaehtoisen yksikön hyökkäyksestä Guernican kaupunkiin, jonka seurauksena kuusi tuhannesosa kaupunki tuhoutui kokonaan. Kuva kirjoitettiin kirjaimellisesti kuukaudessa - kuvan ensimmäiset työpäivät, Picasso työskenteli 10-12 tuntia, ja jo ensimmäisissä luonnoksissa voitiin nähdä pääidea... Tämä on yksi parhaat kuvitukset fasismin painajainen, samoin kuin ihmisten julmuus ja suru.

"Arnolfini-pariskunnan muotokuva"

Jan van Eyck. 1434, puu, öljy.
Lontoo kansallisgalleria, Lontoo.

Kuuluisa maalaus on täysin ja kokonaan täynnä symboleita, allegorioita ja erilaisia \u200b\u200bviitteitä - aina allekirjoitukseen "Jan van Eyck oli täällä", joka muutti kuvan paitsi taideteokseksi, myös historialliseksi dokumentiksi, joka vahvistaa kuvan todellisuuden. tapahtuma, jossa taiteilija oli läsnä.

Giovanni di Nicolao Arnolfinin ja hänen vaimonsa muotokuva on yksi länsimaisen maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista. Pohjoinen renessanssi.

Venäjällä viime vuosina maalaus on saanut suuren suosion Arnolfinin muotokuvan samankaltaisuuden vuoksi Vladimir Putinin kanssa.

"Demon istuu"

Mikhail Vrubel. 1890, kangas, öljy.
Osavaltio Tretjakovin galleria, Moskova.

"Kädet vastustavat häntä"

Bill Stoneham. 1972.

Tätä teosta ei tietenkään voida laskea maailmanmaalauksen mestariteoksiin, mutta se, että se on outoa, on tosiasia.

Maalauksen ympärillä on legendoja, joissa poika, nukke ja kämmenet painetaan lasia vasten. "Tämän kuvan vuoksi he kuolevat" ja "siinä olevat lapset ovat elossa". Kuva näyttää todella kammottavalta, mikä saa aikaan ihmisiä heikko psyyke paljon pelkoja ja arvailuja.

Taiteilija vaati, että maalaus kuvaa itseään viiden vuoden iässä, että ovi edustaa jakolinjaa oikea maailma ja unelmien maailma, ja nukke on opas, joka voi ohjata poikaa tämän maailman läpi. Aseet edustavat vaihtoehtoista elämää tai mahdollisuuksia.

Maalaus sai mainetta helmikuussa 2000, kun se saatettiin myyntiin eBayssa, ja sen taustalla kerrottiin, että maalaus oli "ahdisti". "Hands Resist Him" \u200b\u200bosti 1025 dollaria Kim Smith, joka sitten yksinkertaisesti tulvi kirjeillä kammottavia tarinoita ja vaatii kuvan polttamista.

Tänään haluamme kertoa sinulle vähän ihmisistä, jotka mielestämme kuuluvat eniten epätavalliset taiteilijat nykyaikaisuus. He käyttävät epätyypillisiä tekniikoita epätavallisia ideoitasijoittamalla kaikki luovuutensa ja lahjakkuutensa ainutlaatuisiin töihinsä.

1. Lorenzo Duran

Hänen tapansa luoda maalauksia perustuu historiallinen tutkimus paperinleikkaus Kiinassa, Japanissa, Saksassa ja Sveitsissä. Hän kerää lehdet, pesee, kuivaa, puristaa ja veistää maalauksensa varovasti niihin.

2. Nina Aoyama

Ensi silmäyksellä saattaa tuntua siltä, \u200b\u200bettä tämä nuori ranskalainen ei tee mitään erityistä - hän vain veistää paperia. Mutta hän kiinnittää leikkeet kankaalle tai lasille, ja se osoittautuu niin kauneudeksi!

3. Claire Morgan

Brittiläinen taiteilija Claire Morgan luo epätavallisia installaatioita, jotka jäätyvät suoraan ilmaan. Taiteilijan työmateriaali on kuivia kasveja, jyviä, hyönteisiä, pehmoleluja ja tuoreita hedelmiä. Tuhannet asennustiedot kiinnitetään tarkasti ohuella siimalla. Claire Morganin ilmaveistokset on omistettu maapallolle ja kaikelle sen elämälle.

4. Mike Stilkey

Mike Stilkey luo maalauksia kirjojen piikistä. Hän rakentaa kokonaisen seinän kirjoista ja kirjoittaa kuvansa heidän piireilleen. Pitkästä aikaa Mike haaveili albumin julkaisemisesta maalaustensa kanssa, mutta yksikään kustantaja ei ottanut sitä vastaan. Hänen maalauksensa eivät löytäneet vastausta kriitikoiden keskuudessa. Sitten taiteilija päätti antaa kirjojen kertoa työstään.

5. Jim Denevan

Jim piirtää kuvioita hiekkaan ennennäkemättömällä matemaattisella tarkkuudella. Jim vetää enimmäkseen rannoista, mutta viime aikoina hän alkoi maalata autiomaassa. "Minulla ei ole niin paljon aikaa rannalla kuin aavikoilla", hän sanoo. "Valtameri pesee kaiken hyvin nopeasti."

6. Vhils

Hänen työnsä on epätavallinen siinä mielessä, että hän naarmuttaa ne vanhalle rappaukselle.

7. Bruce Munroe

Työssään hän työskentelee valon kanssa. Ei niin kauan sitten hänen asennuksensa uudelle valokentälle avattiin Englannin Bathin kaupungissa. Se on kenttä, jossa on lampuilla ohuita muovivarret. Näyttää joukolta elokuvaa "Avatar".

8. Jason Mecier

Huumeriippuvuuden ongelma on akuutti kaikkialla maailmassa. Yrittäessään saada hänet suuren yleisön, lahjakkaiden huomion kohteeksi amerikkalainen taiteilija Jason Mecier teki muotokuvia tähdistä tableteista. Mielenkiintoisinta on, että taiteilija käytti kankaisiinsa vain pillereitä, jotka annosteltiin erityisen reseptin mukaan, jota hän ei laillisesti saanut. Voimme sanoa, että Jason teki laittoman teon, mutta tekemällä näin hän kiinnitti huomiota huumeiden laittomaan jakeluun.

9. Jennifer Maestre

Maalaus, jos et ota huomioon realisteja, on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa. Mutta jotkut kuvat ovat oudompia kuin toiset.
Jotkut taideteokset näyttävät osuvan katsojaan päähän, hämmästyneinä ja hämmästyneinä. Jotkut heistä vetävät sinut ajatuksiin ja etsimään semanttisia kerroksia, salaisia \u200b\u200bsymboleja. Jotkut maalaukset on peitetty salaisuuksilla ja mystisillä arvoituksilla, ja jotkut ovat yllättäviä kohtuuttomalla hinnalla.

Bright Side on tarkastellut huolellisesti kaikkia maailman maalauksen tärkeimpiä saavutuksia ja valinnut niistä kaksi tusinaa kummallisimmista maalauksista. Valikoima ei sisältänyt Salvador Dalin maalauksia, joiden teokset sopivat täysin tämän materiaalin muotoon ja ovat ensimmäisiä mieleen.

"Huutaa"

Edvard Munch. 1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli
Kansallisgalleria, Oslo

Huutoa pidetään ekspressionismin merkittävänä tapahtumana ja yhtenä tunnetuimmista maalauksista maailmassa. On kaksi tulkintaa siitä, mitä on kuvattu: sankari itse tarttuu kauhuun ja huutaa äänettömästi ja painaa kätensä korvilleen; tai sankari sulkee korvansa ympäröivältä rauhan ja luonnon huudolta. Munch kirjoitti neljä versiota "Huutamisesta", ja on versio siitä, että tämä kuva on mania-masennuspsykoosin hedelmä, josta taiteilija kärsi. Hoidon jälkeen klinikalla Munch ei palannut töihin kankaalle.

"Kävelin polkua pitkin kahden ystävän kanssa - aurinko laski - yhtäkkiä taivas muuttui veripunaiseksi, pysähdyin, uupuneena ja nojauduin aidalle - katsoin verta ja liekkejä sinimustan vuonon ja kaupunki - ystäväni jatkoivat, ja minä seisoin vapisemasta innostuksesta ja tunsin loputtoman itken lävistävän luonnon ", - Edvard Munch kertoi maalauksen historiasta.

"Mistä olemme tulleet? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"

Paul Gauguin. 1897-1898, kangas, öljy
Kuvataidemuseo, Boston

Gauguinin itse ohjeistama maalaus tulisi lukea oikealta vasemmalle - kolme pääryhmää kuvaa kuvaa otsikossa esitettyjä kysymyksiä. Kolme naista, joilla on lapsi, edustavat elämän alkua; keskiryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; viimeisessä ryhmässä, jonka taiteilija on suunnitellut, "vanha nainen, joka lähestyy kuolemaa, näyttää olevan sovitettu ja omistautunut ajatuksiinsa", hänen jaloillaan "outo valkoinen lintu ... edustaa sanojen turhuutta".

Hän maalasi syvästi filosofisen kuvan postimpressionistisesta Paul Gauguinista Tahitissa, missä hän pakeni Pariisista. Työn valmistuttua hän halusi jopa tehdä itsemurhan, koska: "Uskon, että tämä kangas ei ole vain ylivoimainen kaikista aikaisemmistani, enkä koskaan luo jotain parempaa tai edes samanlaista." Hän asui vielä 5 vuotta, ja se tapahtui.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, kangas, öljy
Reina Sofian museo, Madrid

Guernica esittelee kuoleman, väkivallan, julmuuden, kärsimyksen ja avuttomuuden kohtauksia määrittelemättä niiden välittömiä syitä, mutta ne ovat ilmeisiä. Sanotaan, että Pablo Picasso kutsuttiin vuonna 1940 Pariisin Gestapoon. Puhe kääntyi välittömästi maalaukseen. "Teitkö sinä tuon?" - "Ei, teit sen."

Picasson vuonna 1937 maalama valtava maalausfresko "Guernica" kertoo Luftwaffen vapaaehtoisyksikön hyökkäyksestä Guernican kaupunkiin, jonka seurauksena kuusi tuhannesosa kaupunki tuhoutui kokonaan. Kuva kirjoitettiin kirjaimellisesti kuukaudessa - kuvan ensimmäisinä päivinä Picasso työskenteli 10–12 tuntia ja jo ensimmäisissä luonnoksissa voitiin nähdä pääidea. Tämä on yksi parhaista kuvista fasismin painajaisista, samoin kuin ihmisten julmuudesta ja surusta.

"Arnolfini-pariskunnan muotokuva"

Jan van Eyck. 1434, puu, öljy
Lontoon kansallisgalleria, Lontoo

Kuuluisa maalaus on kokonaan ja kokonaan täynnä symboleja, allegorioita ja erilaisia \u200b\u200bviitteitä - aina allekirjoitukseen "Jan van Eyck oli täällä", joka muutti sen paitsi taideteokseksi, myös historialliseksi dokumentiksi, joka vahvistaa todellisen tapahtuman, joka taiteilija osallistui.

Muotokuva, oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfini ja hänen vaimonsa, on yksi Länsi-pohjoisen renessanssin maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista. Venäjällä viime vuosina kuva sai suuren suosion Arnolfinin muotokuvan samankaltaisuuden vuoksi Vladimir Putinin kanssa.

"Demon istuu"

Mikhail Vrubel. 1890, kangas, öljy
Tretjakovin galleria, Moskova

Mikhail Vrubelin maalaus yllättää demonin kuvalla. Surullinen pitkäkarvainen kaveri ei muistuta lainkaan ihmisen yleistä käsitystä siitä, miltä pahan hengen tulisi näyttää. Tämä on kuva ihmisen hengen, sisäisen taistelun, epäilyn voimasta. Kädet ristissä traagisesti, Demon istuu valtavien, surullisten silmien kanssa, jotka on suunnattu etäisyydelle, kukkien ympäröimänä. Koostumus korostaa demonin hahmon kireyttä, ikään kuin se olisi rungon ylä- ja alatankojen välissä.

Taiteilija itse puhui kuuluisimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän kanssa dominoiva ja majesteettinen henki."

"Sodan apoteoosi"

Vasily Vereshchagin. 1871, kangas, öljy
Tretjakovin valtion galleria, Moskova

Kuva on kirjoitettu niin syvästi ja emotionaalisesti, että jokaisen tässä kasassa makaavan kallon takana alat nähdä ihmisiä, heidän kohtalonsa ja niiden kohtalot, jotka eivät enää näe näitä ihmisiä. Vereshchagin itse, surullisella sarkasmilla, kutsui kangasta "asetelmaksi" - se kuvaa "kuollutta luontoa". Kaikki maalauksen yksityiskohdat, mukaan lukien keltainen väritys, symboloivat kuolemaa ja tuhoa. Kirkas sininen taivas korostaa kuvan kuolleisuutta. Sapelien arvet ja kallojen luodinreiät ilmaisevat myös ajatuksen "sodan apoteoosista".

Vereshchagin on yksi tärkeimmistä venäläisistä taistelumaalareista, mutta hän maalasi sotia eikä siksi, että rakasti heitä. Päinvastoin, hän yritti välittää ihmisille negatiivista suhtautumistaan \u200b\u200bsotaan. Kerran Vereshchagin tunteiden kuumuudessa huudahti: "En maalaa enää taistelukuvia - basta! Otan kirjoittamani liian lähellä sydäntäni, huudan (kirjaimellisesti) kaikkien haavoittuneiden ja tapettujen surua." Todennäköisesti tämän huutomuodon tulos oli kauhea ja lumoava maalaus "Sodan apoteoosi", joka kuvaa peltoa, variksia ja vuorta ihmisen kalloja.

"Amerikkalainen goottilainen"

Grant Wood. 1930, öljy. 74 × 62 cm
Chicagon taideinstituutti, Chicago

Synkän isän ja tyttären maalauksessa on täynnä yksityiskohtia, jotka osoittavat kuvattujen ihmisten vakavuuden, puritanismin ja jälkikäteen. Suuttuneet kasvot, haarukat aivan kuvan keskellä, vanhanaikaiset vaatteet jopa vuoden 1930 standardien mukaan, paljaat kyynärpäät, viljelijän vaatteiden saumat, toistaen varren muoto ja siten uhka, joka kohdistuu kaikille, jotka loukkaavat . Kaikki nämä yksityiskohdat voidaan tutkia loputtomasti ja järkyttyä levottomuudesta. "American Gothic" on yksi 1900-luvun amerikkalaisen taiteen tunnetuimmista kuvista, 1900- ja 2100-lukujen kuuluisin taiteellinen meme. Mielenkiintoista on, että Chicagon taideinstituutin kilpailun tuomarit kokivat "goottilaisen" "humoristisena ystävänpäivänä", ja Wood loukkaantui kauheasti Iowan asukkaita kuvailemalla heitä niin epämiellyttävässä valossa.

"Lovers"

Rene Magritte. 1928, kangas, öljy

Maalaus "Lovers" ("Lovers") on olemassa kahdessa versiossa. Yhden heistä mies ja nainen, joiden pää on kääritty valkoiseen liinaan, suutelevat, ja toisella he "katsovat" katsojaa. Kuva on yllättävä ja lumoava. Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta kahdella hahmolla ilman kasvoja. Sokeudesta jokaisessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, emme näe heidän todellisia kasvojaan, ja lisäksi rakastajat ovat mysteeri jopa toisilleen. Mutta tällä näennäisellä selkeydellä katsomme edelleen Magritte-ystäville ja ajattelemme heitä.

Lähes kaikki Magritten maalaukset ovat palapelejä, joita ei voida täysin ratkaista, koska ne herättävät kysymyksiä olemisen olemuksesta. Magritte puhuu koko ajan näkyvän vilpillisyydestä, sen piilotetusta mysteeristä, jota emme yleensä huomaa.

"Kävely"

Marc Chagall. 1917, kangas, öljy
Tretjakovin osavaltion galleria

"Kävely" on omakuva vaimonsa Bellan kanssa. Hänen rakkaansa kohoaa taivaalla, ja tämä ilme vetäytyy lennolle ja Chagall seisoo maassa epävarmasti, ikään kuin koskettaisi häntä vain kenkiensä varpailla. Chagallin toisessa kädessä on tissihiiri - hän on onnellinen, hänellä on sekä tissihiiri kädessään (luultavasti hänen maalauksensa) että nosturi taivaalla. Yleensä Marc Chagall, joka on erittäin vakava maalauksessaan, kirjoitti ihastuttavan manifestin omasta onnestaan, täynnä allegorioita ja rakkautta.

"Puutarha maalliset nautinnot"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, puu, öljy
Prado, Espanja

"Maallisten ilojen puutarha" - Hieronymus Boschin tunnetuin triptyykki, joka on nimetty keskiosan teeman mukaan, on omistettu himon synnille. Kuva on täynnä läpinäkyviä hahmoja, upeita rakenteita, hirviöitä, lihaa saaneita hallusinaatioita, helvetillisiä todellisuuden karikatyyrejä, joita hän katsoo koettelevalla, erittäin terävällä katseella.

Jotkut tutkijat halusivat nähdä triptyykissä kuvan ihmisen elämästä sen turhamaisuuden ja kuvien prisman kautta maallinen rakkaus, toiset - riemuvoitto. Kuitenkin syyttömyys ja erilainen irrallisuus, jolla yksittäisiä hahmoja tulkitaan, sekä kirkon viranomaisten suotuisa asenne tähän työhön saavat epäilemään, että sen sisältö voisi olla ruumiillisten nautintojen ylistäminen. Tähän mennessä mikään käytettävissä olevista kuvan tulkinnoista ei ole tunnistettu ainoaksi oikeaksi.

"Kolme naistaikaa"

Gustav Klimt. 1905, kangas, öljy
kansallisgalleria nykytaide, Rooma

"Naisen kolme ikää" on sekä iloinen että surullinen samanaikaisesti. Tarina naisen elämästä on kirjoitettu siihen kolmella luvulla: huolimattomuus, rauha ja epätoivo. Nuori nainen on orgaanisesti kudottu elämän koristeeseen, vanha erottuu hänestä. Kontrasti nuoren naisen tyylitetyn kuvan ja vanhan naisen naturalistisen kuvan välillä saavutetaan symbolinen merkitys: elämän ensimmäinen vaihe tuo mukanaan loputtomat mahdollisuudet ja muodonmuutokset, viimeinen - jatkuva vakaus ja ristiriita todellisuuden kanssa. Kangas ei päästä irti, kiipeää sieluun ja saa sinut ajattelemaan taiteilijan sanoman syvyyttä sekä elämän syvyyttä ja väistämättömyyttä.

"Perhe"

Egon Schiele. 1918, kangas, öljy
Galleria "Belvedere", Wien

Schiele oli Klimtin opiskelija, mutta kuten mikä tahansa erinomainen oppilas, hän ei kopioinut opettajaansa, mutta etsi jotain uutta. Schiele on paljon traagisempi, outo ja pelottavampi kuin Gustav Klimt. Hänen teoksissaan on paljon mitä voisi kutsua pornografiaksi, erilaisiksi perversseiksi, naturalismiksi ja samalla kipeäksi epätoivoksi. "Perhe" on hänen viimeinen työ, jossa epätoivo kulkee absoluuttisesti, huolimatta siitä, että tämä on hänen vähiten outo näköinen kuva. Hän piirsi hänet juuri ennen kuolemaansa, kun hänen raskaana oleva vaimonsa Edith kuoli espanjalaiseen influenssaan. Hän kuoli 28-vuotiaana, vain kolme päivää Edithin jälkeen, onnistuen vetämään hänet, itsensä ja heidän syntymättömän lapsensa.

"Kaksi Frida"

Frida Kahlo. 1939

Tarina vaikea elämä Meksikolainen taiteilija Frida Kahlo tuli laajalti tunnetuksi sen jälkeen, kun Salma Hayek pääosassa nähty "Frida" -elokuva julkaistiin. Kahlo kirjoitti enimmäkseen omakuvia ja selitti sen yksinkertaisesti: "Maalaan itseni, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten." Yksikään Frida Kahlon omakuva ei hymyile: vakava, jopa surullinen kasvo, sulautunut paksut kulmakarvat, hieman havaittavissa olevat antennit tiiviisti puristettujen huulien yläpuolella. Hänen maalaustensa ideat on salattu yksityiskohtiin, taustaan, hahmoihin, jotka näkyvät Fridan vieressä. Kahlon symboliikka perustuu kansalliset perinteet ja liittyy läheisesti espanjalaisen ajanjakson alkuperäiskansojen mytologiaan. Yhdessä parhaat maalaukset - "Kaksi Fridaa" - hän ilmaisi maskuliinisen ja naisellisen periaatteen, jotka hänessä yhdisti yksi verenkiertoelimistö, osoittaen hänen eheytensä.

"Waterloon silta. Sumuefekti"

Claude Monet. 1899, kangas, öljy
Eremitaasi, Pietari

Tarkastellessaan kuvaa lähietäisyydeltä katsoja ei näe muuta kuin kangasta, johon levitetään usein paksuja öljyiskuja. Teoksen kaikki taikuudet paljastuvat, kun alamme vähitellen siirtyä kankaalta suurelle etäisyydelle. Ensinnäkin kuvan keskikohdan läpi kulkevat käsittämättömät puoliympyrät alkavat näkyä edessämme, sitten näemme veneiden selkeät ääriviivat, ja kun siirrymme noin kahden metrin etäisyydelle, kaikki yhdistävät teokset piirretään terävästi meidät ja riviin loogiseen ketjuun.

"Numero 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, kuitulevy, öljy

Tämän kuvan omituisuus on, että amerikkalaisen abstraktin ekspressionismin johtajan kangas, jonka hän maalasi, vuodattamalla maalia lattialle levitetylle lastulevylle, on eniten kallis maalaus maailmassa. Vuonna 2006 Sotheby's-huutokaupassa he maksoivat siitä 140 miljoonaa dollaria. Elokuvantuottaja ja keräilijä David Giffen myi sen Meksikon rahoittajalle David Martinezille. "Etenen edelleen tavallisista taiteilijatyökaluista, kuten maalaustelineestä, paletista ja harjoista. Pidän parempana tikkuja, kauhoja, veitsiä ja kaatamalla maalia tai maaliseosta hiekalla, rikkoutuneella lasilla tai muulla. Kun olen maalauksen sisällä, En tiedä, että ymmärtäminen tulee myöhemmin. Minulla ei ole pelkoa kuvan muutoksista tai tuhoutumisista, koska kuva elää omaa elämäänsä. Autan vain sitä tulemaan esiin. Mutta jos menetän yhteyden kuvaan, siitä tulee sotku ja sotku. Jos ei, niin se on puhdasta harmoniaa, keveyttä kuinka otat ja annat. "

"Mies ja nainen ulosteiden kasan edessä"

Joan Miró. 1935, kupari, öljy
Joan Miró -säätiö, Espanja

Hieno otsikko. Ja kuka olisi uskonut, että tämä kuva kertoo sisällissotien kauhuista. Maalaus tehtiin kuparilevylle viikolla 15. – 22. Lokakuuta 1935. Miron mukaan tämä on seurausta yrityksestä kuvata tragedia. Sisällissota Espanjassa. Miro sanoi, että tämä on kuva ahdistuksen ajanjaksosta. Maalaus kuvaa miestä ja naista, jotka tavoittelevat toisiaan syleilyssä, mutta eivät liiku. Suurentuneita sukuelimiä ja pahaenteisiä värejä on kuvattu "täynnä inhoa \u200b\u200bja inhottavaa seksuaalisuutta".

"Eroosio"

Jacek Jerka

Puolalainen uussiurrealistinen tunnetaan hänestä kaikkialla maailmassa upeita kuvia, jossa todellisuus yhdistetään luomalla uusia. Hänen erittäin yksityiskohtaisia \u200b\u200bja jossain määrin koskettavia teoksiaan on vaikea pitää yksitellen, mutta tämä on materiaalimme muoto, ja meidän oli valittava yksi - havainnollistamaan hänen mielikuvitustaan \u200b\u200bja taitojaan. Suosittelemme, että luet tarkemmin.

"Kädet vastustavat häntä"

Bill Stoneham. 1972

Tätä teosta ei tietenkään voida luokitella maailmanmaalauksen mestariteosten joukkoon, mutta tosiasia on, että se on outoa. Maalauksen ympärillä on legendoja, joissa poika, nukke ja kämmenet painetaan lasia vasten. "Tämän kuvan vuoksi kuolevat" ja "siinä olevat lapset ovat elossa". Kuva näyttää todella kammottavalta, mikä herättää paljon pelkoja ja aavistuksia ihmisillä, joilla on heikko psyyke. Taiteilija vaati, että maalaus kuvaa itseään viiden vuoden iässä, että ovi edustaa todellisen ja unelmamaailman välistä rajaviivaa ja nukke on opas, joka voi ohjata poikaa tämän maailman läpi. Kädet edustavat vaihtoehtoista elämää tai mahdollisuuksia. Maalaus nousi esiin helmikuussa 2000, kun se saatettiin myyntiin eBayssa taustahistorian kanssa, jonka mukaan maalaus oli "ahdisti". "Hands Resist Him" \u200b\u200bosti 1025 dollaria Kim Smith, joka sitten yksinkertaisesti tulvi kirjeillä, joissa oli kauhistuttavia tarinoita ja vaatimuksia kuvan polttamiseksi.

) ilmeikkäissä lakaisuissaan hän pystyi säilyttämään sumujen läpinäkyvyyden, purjeen keveyden, aluksen sujuvan heilumisen aalloilla.

Hänen maalauksensa ovat silmiinpistäviä syvyydeltään, volyymiltään, kylläisyydeltään ja tekstuuriltaan sellaiset, että on mahdotonta irrottaa silmiäsi heiltä.

Lämmin yksinkertaisuus Valentina Gubarev

Alkuperäinen taiteilija Minskistä Valentin Gubarev ei tavoittele mainetta ja tekee vain mitä rakastaa. Hänen työnsä on mielettömän suosittu ulkomailla, mutta melkein tuntematon maanmiehilleen. 90-luvun puolivälissä ranskalainen rakastui jokapäiväisiin luonnoksiinsa ja allekirjoitti sopimuksen taiteilijan kanssa 16 vuodeksi. Kuvat, joiden pitäisi näyttää olevan ymmärrettäviä vain meille, "kehittymättömän sosialismin vaatimattoman viehätyksen kantajille", pitivät Euroopan yleisöstä, ja näyttelyt alkoivat Sveitsissä, Saksassa, Isossa-Britanniassa ja muissa maissa.

Sergei Marshennikovin aistillinen realismi

Sergey Marshennikov on 41-vuotias. Hän asuu Pietarissa ja työskentelee parhaat perinteet klassinen venäläinen realististen muotokuvien koulu. Hänen kankaidensa sankaritarit ovat lempeitä ja puolustuskyvyttömiä naisia \u200b\u200balastomuudessaan. Monissa eniten kuuluisia maalauksia kuvaa taiteilijan museota ja vaimoa - Nataliaa.

Philip Barlow'n lyhytnäköinen maailma

Korkean resoluution kuvien ja hyperrealismin kukoistuksen nykyaikana luovuus Philip Barlow (Philip Barlow) herättää välittömästi huomiota. Katsoja vaatii kuitenkin tiettyä ponnistusta pakottaakseen itsensä katsomaan hämärtyneitä siluetteja ja kirkkaita pisteitä kirjoittajan kankailla. Luultavasti näin likinäköisyyttä sairastavat ihmiset näkevät maailman ilman lasia ja piilolinssejä.

Laurent Parsellierin aurinkopuput

Laurent Parcelierin maalaus on mahtava maailma, jossa ei ole surua eikä epätoivoa. Et löydä synkkiä ja sateisia kuvia hänen kanssaan. Hänen kankaillaan on paljon valoa, ilmaa ja kirkkaita värejä, joita taiteilija soveltaa tyypillisillä tunnistettavissa olevilla aivohalvauksilla. Tämä luo tunteen, että maalaukset on kudottu tuhannesta auringon säteestä.

Kaupunkidynamiikka Jeremy Mannin teoksissa

Amerikkalainen taiteilija Jeremy Mann maalaa dynaamisia muotokuvia modernista metropolista öljyssä puupaneeleille. " Abstraktit muodot, viivat, vaaleiden ja tummien täplien kontrasti - kaikki luo kuvan, joka herättää tunteen, jonka ihminen kokee kaupungin väkijoukossa ja vilskeessä, mutta voi myös ilmaista rauhallisuuden, joka löytyy hiljaista kauneutta miettimällä ", taiteilija kertoo.

Neil Simonin kuvitteellinen maailma

Brittiläisen taiteilijan Neil Simonen maalauksissa kaikki ei ole niin kuin ensi silmäyksellä näyttää. "Minulle ympäröivä maailma on sarja hauraita ja jatkuvasti muuttuvia muotoja, varjoja ja rajoja", Simon sanoo. Ja hänen maalauksissaan kaikki on todella harhakuvitettua ja yhteydessä toisiinsa. Rajat pestään pois, ja juoni virtaa toisiinsa.

Joseph Lorasson rakkaudraama

Italialainen alkuperältään nykyaikainen amerikkalainen taiteilija Joseph Lorusso siirtää kankaalle kohtaukset, joissa hän oli nähnyt jokapäiväinen elämä tavalliset ihmiset... Halaat ja suudelmat, intohimoiset impulssit, arkuus ja toiveet täyttävät hänen tunnekuvat.

Dmitry Levinin kyläelämä

Dmitry Levin on tunnustettu venäläisen maiseman mestari, joka on vakiinnuttanut asemansa Venäjän realistisen koulun lahjakkaana edustajana. Hänen taiteensa tärkein lähde on hänen kiintymyksensä luontoon, jota hän rakastaa kipeästi ja intohimoisesti ja johon hän tuntee olevansa osa.

Valery Blokhinin kirkas itä

Idässä kaikki on erilaista: eri värit, erilainen ilma, erilainen elämän arvot ja todellisuus on enemmän upeita kuin fiktio - tätä ajattelee nykytaiteilija