Ang mga pangalan ng pinakasikat na artista ng Renaissance. Mahusay na Mga Artist ng Renaissance

Ang mga unang nangunguna sa sining ng Renaissance ay lumitaw sa Italya noong ika-14 na siglo. Mga artista sa panahong ito, sina Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) at (pangunahin) Giotto (1267-1337) nang lumikha ng mga kuwadro na gawa ng tradisyonal na mga paksa sa relihiyon, nagsimula silang gumamit ng bago masining na pamamaraan: gusali volumetric na komposisyon, ang paggamit ng landscape sa background, na nagbigay-daan sa kanila na gawing mas makatotohanan, masigla ang mga larawan. Ito ay malinaw na nakikilala ang kanilang trabaho mula sa nakaraang tradisyon ng iconographic, na puno ng mga kombensiyon sa imahe.
Ang termino ay ginagamit upang sumangguni sa kanilang trabaho. Proto-Renaissance (1300s - "Trecento") .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - artistang Italyano at isang arkitekto ng Proto-Renaissance. Isa sa mga pangunahing tauhan sa kasaysayan ng Kanluraning sining. Ang pagkakaroon ng pagtagumpayan ang tradisyon ng pagpipinta ng icon ng Byzantine, siya ang naging tunay na tagapagtatag ng paaralan ng pagpipinta ng Italya, na nakabuo ng isang ganap na bagong diskarte sa paglalarawan ng espasyo. Ang mga gawa ni Giotto ay inspirasyon ni Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Maagang Renaissance(1400s - "Quattrocento").

Sa simula ng ika-15 siglo Filippo Brunelleschi (1377-1446), iskolar at arkitekto ng Florentine.
Nais ni Brunelleschi na gawing mas visual ang pang-unawa sa mga termino at mga sinehan na muling itinayo niya at sinubukang lumikha ng geometrically perspective na mga larawan mula sa kanyang mga plano para sa isang tiyak na punto ng view. Sa mga paghahanap na ito, direktang pananaw.

Pinahintulutan nito ang mga artist na makakuha ng perpektong mga larawan ng three-dimensional na espasyo sa isang patag na canvas ng larawan.

Ang isa pang mahalagang hakbang patungo sa Renaissance ay ang paglitaw ng di-relihiyoso, sekular na sining. Portrait at landscape itinatag ang kanilang mga sarili bilang mga independiyenteng genre. Kahit na ang mga relihiyosong paksa ay nakakuha ng ibang interpretasyon - nagsimulang isaalang-alang ng mga artista ng Renaissance ang kanilang mga karakter bilang mga bayani na may malinaw na mga indibidwal na katangian at pagganyak ng tao para sa mga aksyon.

Ang pinakasikat na mga artista sa panahong ito ay Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - ang sikat na pintor ng Italyano, ang pinakamalaking master ng paaralang Florentine, ang repormador ng pagpipinta ng panahon ng Quattrocento.

Fresco. Himala sa stater.

Pagpipinta. pagpapako sa krus.

Fresco. Kasaysayan ng Reyna ng Sheba. Simbahan ng San Francesco sa Arezzo

tagsibol.

Kapanganakan ni Venus.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florence) (1452-1519) - Italyano na pintor (pintor, eskultor, arkitekto) at siyentipiko (anatomista, naturalista), imbentor, manunulat.

sariling larawan

Babaeng may ermine. 1490. Czartoryski Museum, Krakow

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Hermitage Museum.

Madonna Benois(Madonna na may dalang bulaklak). 1478-1480

Madonna na may Carnation. 1478

Sa panahon ng kanyang buhay, si Leonardo da Vinci ay gumawa ng libu-libong mga tala at mga guhit sa anatomy, ngunit hindi nai-publish ang kanyang trabaho. Sa pagsasagawa ng autopsy ng mga katawan ng mga tao at hayop, tumpak niyang inihatid ang istraktura ng balangkas at lamang loob, kasama ang maliliit na bahagi. Ayon sa propesor ng clinical anatomy na si Peter Abrams, gawaing siyentipiko Si da Vinci ay nauna nang 300 taon kaysa sa kanyang panahon at sa maraming paraan ay nalampasan ang sikat na Grey's Anatomy.

Listahan ng mga imbensyon, parehong totoo at naiugnay sa kanya:

parasyut, sakastilyo ng olescovo,bisikleta, tankh, lmagagaan na portable na tulay para sa hukbo, pprojector, saatapult, robot, dvohlenz teleskopyo.

Ang mga pagpinta at eskultura ni Michelangelo Buonarotti ay puno ng mga kabayanihan at, sa parehong oras, isang trahedya na kahulugan ng krisis ng humanismo. Ang kanyang mga pintura ay niluluwalhati ang lakas at kapangyarihan ng tao, ang kagandahan ng kanyang katawan, habang binibigyang-diin ang kanyang kalungkutan sa mundo.

Ang henyo ni Michelangelo ay nag-iwan ng marka hindi lamang sa sining ng Renaissance, kundi pati na rin sa buong hinaharap kultura ng daigdig. Ang kanyang mga aktibidad ay pangunahing nauugnay sa dalawang lungsod ng Italya - Florence at Roma.

Gayunpaman, napagtanto ng artista ang kanyang pinakadakilang mga plano nang tumpak sa pagpipinta, kung saan kumilos siya bilang isang tunay na innovator ng kulay at anyo.
Sa utos ni Pope Julius II, pininturahan niya ang kisame ng Sistine Chapel (1508-1512), na kumakatawan sa kasaysayan ng Bibliya mula sa paglikha ng mundo hanggang sa baha at may kasamang higit sa 300 mga numero. Noong 1534-1541, sa parehong Sistine Chapel para kay Pope Paul III, nagtanghal siya ng isang engrande, dramatikong fresco " Huling Paghuhukom».
Sistine Chapel 3D.

Ang gawain nina Giorgione at Titian ay nakikilala sa pamamagitan ng isang interes sa landscape, ang poeticization ng balangkas. Ang parehong mga artist ay nakamit ang mahusay na kasanayan sa sining ng portraiture, kung saan sila conveyed karakter at kayamanan. panloob na mundo kanilang mga karakter.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - Italian artist, kinatawan ng Venetian school of painting.

Natutulog si Venus. 1510

Judith. 1504

Nagpinta si Titian ng mga larawan sa mga paksang biblikal at mitolohiya, naging tanyag siya bilang isang pintor ng larawan. Siya ay inatasan ng mga hari at papa, kardinal, duke at prinsipe. Wala pang tatlumpung taong gulang si Titian nang kinilala siya bilang pinakamahusay na pintor sa Venice.

Self-portrait. 1567

Venus Urbinskaya. 1538

Larawan ni Tommaso Mosti. 1520

Huling Renaissance.
Matapos ang sako ng Roma ng mga tropang imperyal noong 1527, ang Renaissance ng Italya ay pumasok sa isang panahon ng krisis. Nasa trabaho na ng yumaong Raphael, isang bagong artistikong linya ang binalangkas, tinatawag mannerism.
Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga overstretched at putol-putol na mga linya, pahaba o kahit na deformed figure, madalas na hubad, pag-igting at hindi natural na pose, hindi pangkaraniwang o kakaibang mga epekto na nauugnay sa laki, ilaw o pananaw, ang paggamit ng isang caustic chromatic scale, overloaded komposisyon, atbp. unang masters mannerism Parmigianino , Pontormo , Bronzino- nanirahan at nagtrabaho sa korte ng mga duke ng bahay ng Medici sa Florence. Nang maglaon, kumalat ang Mannerist fashion sa buong Italya at higit pa.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "naninirahan sa Parma") (1503-1540,) Italyano na artista at engraver, kinatawan ng mannerism.

Self-portrait. 1540

Larawan ng isang babae. 1530.

Jacopo Robusti, mas kilala bilang Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pintor ng paaralang Venetian ng huling Renaissance.

Ang huling Hapunan. 1592-1594. Simbahan ng San Giorgio Maggiore, Venice.

Kristo sa krus. OK. 1577. Pribadong koleksyon.

Trinidad. 1579 Prado.

Ang hindi mapag-aalinlanganang tagumpay ng Renaissance ay ang geometrically correct construction ng larawan. Binuo ng artist ang imahe gamit ang mga diskarte na kanyang binuo. Ang pangunahing bagay para sa mga pintor noong panahong iyon ay ang pagmasdan ang mga proporsyon ng mga bagay. Kahit na ang kalikasan ay nahulog sa ilalim ng mga pamamaraan ng matematika ng pagkalkula ng proporsyonalidad ng imahe sa iba pang mga bagay sa larawan.

Sa madaling salita, hinahangad ng mga artista sa Renaissance na ihatid ang isang tumpak na imahe, halimbawa, ng isang tao laban sa backdrop ng kalikasan. Kung ihahambing sa mga modernong pamamaraan ng muling paglikha ng isang nakikitang imahe sa ilang uri ng canvas, kung gayon, malamang, ang isang larawan na may kasunod na pagsasaayos ay makakatulong upang maunawaan kung ano ang sinisikap ng mga artista ng Renaissance.

Naniniwala ang mga pintor ng Renaissance na may karapatan silang iwasto ang mga bahid ng kalikasan, ibig sabihin, kung ang isang tao ay may pangit na mga tampok ng mukha, itinutuwid sila ng mga artista sa paraang naging matamis at kaakit-akit ang mukha.

Leonardo da Vinci

Ang Renaissance ay naging salamat sa marami mga taong malikhain na nabuhay noong panahong iyon. Ang sikat sa mundo na si Leonardo da Vinci (1452 - 1519) ay lumikha ng isang malaking bilang ng mga obra maestra, ang halaga nito ay tinatayang sa milyun-milyong dolyar, at ang mga connoisseurs ng kanyang sining ay handa na pag-isipan ang kanyang mga pagpipinta sa loob ng mahabang panahon.

Sinimulan ni Leonardo ang kanyang pag-aaral sa Florence. Ang kanyang unang canvas, na ipininta noong 1478, ay si Benois Madonna. Pagkatapos ay mayroong mga nilikha tulad ng "The Madonna in the Grotto", "Mona Lisa", ang "Last Supper" na binanggit sa itaas at maraming iba pang mga obra maestra na isinulat ng kamay ng isang titan ng Renaissance.

Ang kalubhaan ng mga geometric na sukat at ang eksaktong pagpaparami ng anatomical na istraktura ng isang tao - ito ang nailalarawan sa pagpipinta ni Leonard da Vinci. Ayon sa kanyang mga paniniwala, ang sining ng pagpapakita ng ilang mga larawan sa canvas ay isang agham, at hindi lamang isang uri ng libangan.

Rafael Santi

Si Raphael Santi (1483 - 1520) na kilala sa mundo ng sining bilang si Raphael ay lumikha ng kanyang mga gawa sa Italya. Ang kanyang mga pagpipinta ay puno ng liriko at biyaya. Si Raphael ay isang kinatawan ng Renaissance, na naglalarawan ng isang tao at ang kanyang pagiging nasa lupa, mahilig magpinta ng mga dingding ng mga katedral ng Vatican.

Ang mga kuwadro na gawa ay ipinagkanulo ang pagkakaisa ng mga pigura, ang proporsyonal na pagkakatugma ng espasyo at mga imahe, ang euphony ng kulay. Ang kadalisayan ng Birhen ang naging batayan ng marami sa mga ipininta ni Raphael. Ang kanyang pinakaunang imahe ng Ina ng Diyos ay ang Sistine Madonna, na ipininta ng isang sikat na pintor noong 1513. Ang mga larawan na nilikha ni Raphael ay sumasalamin sa perpektong imahe ng tao.

Sandro Botticelli

Si Sandro Botticelli (1445 - 1510) ay isa ring pintor ng Renaissance. Isa sa kanyang mga unang gawa ay ang pagpipinta na "The Adoration of the Magi". Ang banayad na tula at pagiging mapangarapin ang kanyang orihinal na asal sa larangan ng paglilipat ng mga masining na imahe.

Noong unang bahagi ng 80s ng siglo XV, pininturahan ng mahusay na pintor ang mga dingding ng Vatican Chapel. Nakakamangha pa rin ang mga fresco na ginawa niya.

Sa paglipas ng panahon, ang kanyang mga pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng katahimikan ng mga gusali ng sinaunang panahon, ang kasiglahan ng mga itinatanghal na mga character, ang pagkakaisa ng mga imahe. Bilang karagdagan, kilala ang pagkahumaling ni Botticelli sa mga guhit para sa mga sikat na akdang pampanitikan, na nagdagdag lamang ng kaluwalhatian sa kanyang gawa.

Michelangelo Buonarroti

Si Michelangelo Buonarotti (1475-1564) ay isang Italyano na pintor na nagtrabaho din noong Renaissance. Ang hindi ginawa ng taong ito lamang ang kilala ng marami sa atin. At eskultura, at pagpipinta, at arkitektura, pati na rin ang tula. Si Michelangelo, tulad nina Raphael at Botticelli, ay nagpinta sa mga dingding ng mga templo ng Vatican. Pagkatapos ng lahat, tanging ang pinaka mahuhusay na pintor ng mga panahong iyon ang kasangkot sa naturang responsableng gawain tulad ng paglalapat ng mga imahe sa mga dingding. mga katedral na katoliko. Mahigit 600 metro kuwadrado ng Sistine Chapel ang kinailangan niyang takpan ng mga fresco na naglalarawan ng iba't ibang eksena sa Bibliya. Ang pinakatanyag na gawain sa istilong ito ay kilala sa amin bilang Ang Huling Paghuhukom. Ang kahulugan ng kuwento sa Bibliya ay ipinahayag nang buo at malinaw. Ang ganitong katumpakan sa paglilipat ng mga imahe ay katangian ng buong gawain ni Michelangelo.

Renaissance (Renaissance). Italya. XV-XVI siglo. maagang kapitalismo. Ang bansa ay pinamumunuan ng mayayamang bangkero. Interesado sila sa sining at agham.

Ang mayayaman at makapangyarihan ay nagtitipon ng mga mahuhusay at matatalino sa paligid nila. Ang mga makata, pilosopo, pintor at iskultor ay araw-araw na nakikipag-usap sa kanilang mga parokyano. Para sa isang sandali tila na ang mga tao ay pinamumunuan ng mga pantas, tulad ng gusto ni Plato.

Naalala nila ang mga sinaunang Romano at Griyego. Na nagtayo rin ng lipunan ng mga malayang mamamayan. saan pangunahing halaga- isang tao (hindi binibilang ang mga alipin, siyempre).

Ang Renaissance ay hindi lamang pagkopya sa sining ng mga sinaunang sibilisasyon. Ito ay isang timpla. Mitolohiya at Kristiyanismo. Realismo ng kalikasan at katapatan ng mga imahe. Pisikal na kagandahan at espirituwal na kagandahan.

Isang iglap lang. Panahon Mataas na Renaissance- iyon ay tungkol sa 30 taon! Mula 1490s hanggang 1527 Mula sa simula ng pamumulaklak ng pagkamalikhain ni Leonardo. Bago ang sako ng Roma.

Mirage perpektong mundo mabilis na kumupas. Masyadong marupok ang Italy. Hindi nagtagal ay inalipin siya ng isa pang diktador.

Gayunpaman, ang mga 30 taon na ito ay nakilala ang mga pangunahing tampok European painting 500 taon sa hinaharap! Hanggang .

Realismo ng imahe. Anthropocentrism (kapag ang isang tao ay bida at bayani). Linear na pananaw. Mga pintura ng langis. Larawan. Tanawin…

Hindi kapani-paniwala, sa 30 taon na ito, marami mga master ng henyo. Na sa ibang panahon ay ipinanganak ng isa sa 1000 taon.

Sina Leonardo, Michelangelo, Raphael at Titian ay ang mga titans ng Renaissance. Ngunit imposibleng hindi banggitin ang kanilang dalawang nauna. Giotto at Masaccio. Kung wala ito ay walang Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

siglo XIV. Proto-Renaissance. Ang pangunahing tauhan nito ay si Giotto. Isa itong master na nag-iisang nag-rebolusyon sa sining. 200 taon bago ang High Renaissance. Kung hindi dahil sa kanya, halos hindi na darating ang panahong ipinagmamalaki ng sangkatauhan.

Bago si Giotto ay may mga icon at fresco. Nilikha sila ayon sa mga kanon ng Byzantine. Mga mukha sa halip na mga mukha. mga flat figure. Proporsyonal na hindi pagkakatugma. Sa halip na isang landscape - isang ginintuang background. Bilang, halimbawa, sa icon na ito.

At biglang lumitaw ang mga fresco ni Giotto. Malaki ang figure nila. Mga mukha ng marangal na tao. Malungkot. Malungkot. Nagulat. Matanda at bata. magkaiba.

Mga Fresco ni Giotto sa Scrovegni Church sa Padua (1302-1305). Kaliwa: Panaghoy ni Kristo. Gitna: Halik ni Hudas (detalye). Kanan: Anunsyo ni St. Anne (ina ni Maria), fragment.

Ang pangunahing likha ni Giotto ay isang cycle ng kanyang mga fresco sa Scrovegni Chapel sa Padua. Nang magbukas ang simbahang ito sa mga parokyano, maraming tao ang bumuhos dito. Dahil hindi pa sila nakakita ng katulad nito.

Pagkatapos ng lahat, ginawa ni Giotto ang isang bagay na hindi pa nagagawa. Nagtranslate daw siya mga kuwento sa Bibliya sa simpleng naiintindihan na wika. At sila ay naging mas naa-access. ordinaryong mga tao.

Ito ang magiging katangian ng maraming mga masters ng Renaissance. Laconism ng mga imahe. Live na emosyon ng mga karakter. Realismo.

Magbasa nang higit pa tungkol sa mga fresco ng master sa artikulo.

Hinangaan si Giotto. Ngunit ang kanyang mga inobasyon ay hindi na binuo pa. Ang fashion para sa internasyonal na gothic ay dumating sa Italya.

Pagkatapos lamang ng 100 taon ay lilitaw ang isang master, isang karapat-dapat na kahalili ni Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Simula ng ika-15 siglo. Ang tinatawag na Early Renaissance. Ang isa pang innovator ay pumasok sa eksena.

Si Masaccio ang unang artist na gumamit linear na pananaw. Dinisenyo ito ng kanyang kaibigan, ang arkitekto na si Brunelleschi. Ngayon ang itinatanghal na mundo ay naging katulad ng tunay. Ang arkitektura ng laruan ay nasa nakaraan.

Pinagtibay niya ang pagiging totoo ni Giotto. Gayunpaman, hindi tulad ng kanyang hinalinhan, alam na niya ang anatomy.

Sa halip na mga blocky na character, si Giotto ay mga taong maganda ang pagkakagawa. Katulad ng mga sinaunang Griyego.

Hindi nabuhay si Masaccio mahabang buhay. Namatay siya, tulad ng kanyang ama, nang hindi inaasahan. Sa 27 taong gulang.

Gayunpaman, marami siyang tagasunod. Ang mga master ng mga sumusunod na henerasyon ay pumunta sa Brancacci Chapel upang matuto mula sa kanyang mga fresco.

Kaya ang mga inobasyon ng Masaccio ay kinuha ng lahat ng mga dakilang titans ng High Renaissance.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Si Leonardo da Vinci ay isa sa mga titans ng Renaissance. Na lubhang nakaimpluwensya sa pag-unlad ng pagpipinta.

Siya mismo ang nagtaas ng katayuan ng artista. Salamat sa kanya, ang mga kinatawan ng propesyon na ito ay hindi na lamang mga artisan. Ito ang mga tagalikha at aristokrata ng espiritu.

Si Leonardo ay gumawa ng isang pambihirang tagumpay sa unang lugar sa portrait painting.

Naniniwala siya na walang dapat makagambala sa pangunahing imahe. Ang mata ay hindi dapat gumala mula sa isang detalye patungo sa isa pa. Kaya ito lumitaw sikat na portrait. Concise. Harmonious.

Ang pangunahing inobasyon ni Leonardo ay nakahanap siya ng paraan para gawing ... buhay.

Sa harap niya, ang mga karakter sa mga portrait ay parang mga mannequin. Malinaw ang mga linya. Ang lahat ng mga detalye ay maingat na iginuhit. Ang isang pininturahan na guhit ay hindi maaaring buhay.

Ngunit pagkatapos ay naimbento ni Leonardo ang sfumato method. Pinalabo niya ang mga linya. Ginawa ang paglipat mula sa liwanag patungo sa anino na napakalambot. Ang kanyang mga karakter ay tila natatakpan ng halos hindi mahahalata na ulap. Nabuhay ang mga karakter.

Simula noon, papasok ang sfumato sa aktibong bokabularyo ng lahat ng magagaling na artista sa hinaharap.

Madalas na pinaniniwalaan na si Leonardo, siyempre, ay isang henyo. Ngunit wala siyang makumpleto. At madalas ay hindi niya natapos ang pagpipinta. At marami sa kanyang mga proyekto ang nanatili sa papel (sa pamamagitan ng paraan, sa 24 na volume). Sa pangkalahatan, siya ay itinapon sa medisina, pagkatapos ay sa musika. At kahit na ang sining ng paglilingkod sa isang pagkakataon ay mahilig sa.

Gayunpaman, isipin mo ang iyong sarili. 19 na mga pintura. At siya- pinakadakilang artista lahat ng panahon at mga tao. Ang ilan sa kanila ay hindi kahit na malapit sa laki. Kasabay nito, ang pagsulat ng 6000 canvases sa kanyang buhay. Malinaw, kung sino ang may mas mataas na kahusayan.

Tungkol sa kanyang sarili sikat na pagpipinta basahin ang wizard sa artikulo.

4. Michelangelo (1475-1564)

Itinuring ni Michelangelo ang kanyang sarili bilang isang iskultor. Ngunit siya ay unibersal na master. Tulad ng iba niyang kasamahan sa Renaissance. Samakatuwid, ang kanyang pictorial heritage ay hindi gaanong engrande.

Siya ay nakikilala pangunahin sa pamamagitan ng mga karakter na nabuo nang pisikal. Dahil ipinakita niya ang perpektong tao. Kung saan ang pisikal na kagandahan ay nangangahulugan ng espirituwal na kagandahan.

Samakatuwid, ang lahat ng kanyang mga karakter ay napaka-muscular, matipuno. Kahit mga babae at matatanda.

Michelangelo. Mga Fragment ng Huling Paghuhukom fresco sa Sistine Chapel, Vatican.

Kadalasan ay ipininta ni Michelangelo ang karakter na hubad. At pagkatapos ay nagdagdag ako ng mga damit sa itaas. Upang gawing embossed ang katawan hangga't maaari.

Siya mismo ang nagpinta ng kisame ng Sistine Chapel. Kahit na ito ay ilang daang mga numero! Hindi man lang niya hinayaang kuskusin ng sinuman ang pintura. Oo, loner siya. Nagtataglay ng isang matarik at palaaway na karakter. Ngunit higit sa lahat, hindi siya nasisiyahan sa ... kanyang sarili.

Si Michelangelo ay nabuhay ng mahabang buhay. Nakaligtas sa pagbaba ng Renaissance. Para sa kanya isa itong personal na trahedya. Ang kanyang mga huling gawa ay puno ng kalungkutan at kalungkutan.

Basta gawin malikhaing paraan Kakaiba si Michelangelo. Ang kanyang mga unang gawa ay papuri ng bayani ng tao. Malaya at matapang. SA pinakamahusay na mga tradisyon sinaunang greece. Tulad ng kanyang David.

SA mga nakaraang taon ang buhay ay mga trahedya na larawan. Isang batong sadyang magaspang na tinabas. Para bang mayroon tayong mga monumento sa harapan ng mga biktima ng pasismo noong ika-20 siglo. Tingnan ang kanyang "Pieta".

Mga sculpture ni Michelangelo sa Academy sining sa Florence. Kaliwa: David. 1504 Kanan: Pieta ng Palestrina. 1555

Paano ito posible? Isang artista sa isang buhay ang dumaan sa lahat ng mga yugto ng sining mula sa Renaissance hanggang sa ika-20 siglo. Ano ang gagawin ng mga susunod na henerasyon? Well, pumunta sa iyong sariling paraan. Alam na ang bar ay itinakda nang napakataas.

5. Raphael (1483-1520)

Si Raphael ay hindi nakalimutan. Ang kanyang henyo ay palaging kinikilala. At habang buhay. At pagkatapos ng kamatayan.

Ang kanyang mga karakter ay pinagkalooban ng senswal, liriko na kagandahan. Siya ang nararapat na itinuturing na pinakamaganda mga larawan ng babae kailanman nilikha. Sila panlabas na kagandahan sumasalamin sa espirituwal na kagandahan ng mga pangunahing tauhang babae. Ang kanilang kaamuan. Ang kanilang sakripisyo.

sikat na salita"Ililigtas ng kagandahan ang mundo" tiyak na sinabi ni Fyodor Dostoevsky. Iyon ang paborito niyang larawan.

Gayunpaman, ang mga pandama na imahe ay hindi lamang forte Raphael. Pinag-isipan niyang mabuti ang komposisyon ng kanyang mga ipininta. Siya ay isang hindi maunahang arkitekto sa pagpipinta. Bukod dito, palagi niyang natagpuan ang pinakasimpleng at pinaka-maayos na solusyon sa organisasyon ng espasyo. Tila hindi ito maaaring iba.

Nabuhay lamang si Rafael ng 37 taon. Namatay siya bigla. Mula sa sipon at medikal na pagkakamali. Ngunit ang kanyang legacy ay hindi maaaring overestimated. Maraming artista ang umiidolo sa master na ito. Pagpaparami ng kanyang mga sensual na imahe sa libu-libong kanyang mga canvases..

Si Titian ay isang hindi maunahang colorist. Marami rin siyang nag-eksperimento sa komposisyon. Sa pangkalahatan, siya ay isang matapang at maliwanag na innovator.

Para sa gayong kinang ng talento, minahal siya ng lahat. Tinawag na "Hari ng mga pintor at pintor ng mga hari".

Speaking of Titian, gusto kong ilagay pagkatapos ng bawat pangungusap tandang padamdam. Pagkatapos ng lahat, siya ang nagdala ng dinamika sa pagpipinta. Pathos. Sigasig. Matingkad na kulay. Shine ng mga kulay.

Sa pagtatapos ng kanyang buhay, nakabuo siya ng isang hindi pangkaraniwang pamamaraan ng pagsulat. Mabilis at makapal ang mga hampas. Ang pintura ay inilapat alinman sa isang brush o sa mga daliri. Mula dito - ang mga imahe ay mas buhay, paghinga. At ang mga plot ay mas dynamic at dramatic.

Hindi ba ito nagpapaalala sa iyo ng anuman? Siyempre, ito ay isang pamamaraan. At teknik mga artista ng ika-19 siglo: Barbizon at. Si Titian, tulad ni Michelangelo, ay dadaan sa 500 taon ng pagpipinta sa isang buhay. Kaya pala genius siya.

TUNGKOL SA sikat na obra maestra basahin ang wizard sa artikulo.

Ang mga artista ng Renaissance ay mga artista ng mahusay na kaalaman. Upang mag-iwan ng gayong pamana, ang isang tao ay kailangang malaman ng maraming. Sa larangan ng kasaysayan, astrolohiya, pisika at iba pa.

Samakatuwid, ang bawat isa sa kanilang mga imahe ay nagpapaisip sa atin. Bakit ito ipinapakita? Ano ang naka-encrypt na mensahe dito?

Samakatuwid, halos hindi sila mali. Dahil pinag-isipan nilang mabuti ang kanilang magiging trabaho. Gamit ang lahat ng bagahe ng kanilang kaalaman.

Sila ay higit pa sa mga artista. Sila ay mga pilosopo. Ang pagpapaliwanag ng mundo sa atin sa pamamagitan ng pagpipinta.

Iyon ang dahilan kung bakit sila ay palaging magiging malalim na kawili-wili sa atin.

Renaissance - ang panahon ng pag-unlad ng intelektwal sa Italya, na nakaimpluwensya sa pag-unlad ng sangkatauhan. Ang kahanga-hangang oras na ito ay nagsimula sa siglong XIV at nagsimulang bumaba sa siglong XVI. Imposibleng makahanap ng isang solong lugar ng aktibidad ng tao na hindi maapektuhan ng Renaissance. Ang pag-usbong ng kultura ng tao, pagkamalikhain, sining, agham. Pulitika, pilosopiya, panitikan, arkitektura, pagpipinta - lahat ng ito ay nakakuha ng bagong hininga at nagsimulang umunlad sa isang hindi karaniwang mabilis na tulin. Karamihan sa mga pinakadakilang artista na umalis tungkol sa kanilang sarili walang hanggang alaala sa mga gawa at binuo ang karamihan sa mga prinsipyo at batas ng pagpipinta, namuhay at nagtrabaho noong panahong iyon. Ang Renaissance ay naging isang paghigop para sa mga tao sariwang hangin at ang simula ng isang bagong buhay, isang tunay na rebolusyong pangkultura. Ang mga prinsipyo ng buhay ng Middle Ages ay bumagsak at ang isang tao ay nagsimulang magsikap para sa mataas, na parang napagtatanto ang kanyang tunay na kapalaran sa Earth - upang lumikha at umunlad.

Ang muling pagsilang ay nangangahulugang isang pagbabalik sa mga halaga ng nakaraan. Ang mga halaga ng nakaraan, kabilang ang tulad ng pananampalataya at taos-pusong pagmamahal sa sining, paglikha, paglikha, ay muling pinag-isipan. Ang kamalayan ng tao sa sansinukob: ang tao bilang korona ng kalikasan, ang korona ng banal na nilikha, na siya mismo ang lumikha.

ng karamihan mga sikat na artista Ang Renaissance ay Alberti, Michelangelo, Raphael, Albrecht Dürer at marami pang iba. Sa kanilang gawain, ipinahayag nila ang pangkalahatang konsepto ng uniberso, ang konsepto ng pinagmulan ng tao, na batay sa relihiyon at mga alamat. Masasabi natin na noon ay lumitaw ang pagnanais ng mga artista na matutunan kung paano lumikha ng isang makatotohanang imahe ng isang tao, kalikasan, bagay, pati na rin ang hindi madaling unawain na mga phenomena - damdamin, emosyon, mood, atbp. Sa una, ang Florence ay itinuturing na sentro ng Renaissance, ngunit noong ika-16 na siglo ay nakuha nito ang Venice. Sa Venice matatagpuan ang pinakamahalagang benefactors o patron ng Renaissance, tulad ng Medici, papa at iba pa.

Walang alinlangan na ang Renaissance ay nakaimpluwensya sa kurso ng pag-unlad ng lahat ng sangkatauhan sa bawat kahulugan ng salita. Ang mga gawa ng sining noong panahong iyon ay kabilang pa rin sa mga pinakamahal, at iniwan ng kanilang mga may-akda ang kanilang mga pangalan sa kasaysayan magpakailanman. Ang mga pagpipinta at eskultura ng Renaissance ay itinuturing na hindi mabibili ng mga obra maestra at isa pa ring gabay at halimbawa para sa sinumang artista. Ang kakaibang sining ay humahanga sa kagandahan at lalim ng layunin nito. Dapat malaman ng bawat tao ang tungkol sa pambihirang panahon na ito na nasa kasaysayan ng ating nakaraan, nang walang pamana kung saan imposibleng isipin ang ating kasalukuyan at hinaharap.

Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)

Raphael Santi - Madonna

Matagal nang napapaligiran ang mga pangalan ng mga artista ng Renaissance pangkalahatang pagkilala. Maraming mga paghuhusga tungkol sa kanila at mga pagtatasa ang naging mga axiom. Gayunpaman, ang pagtrato sa kanila nang kritikal ay hindi lamang isang karapatan, kundi isang tungkulin din ng kasaysayan ng sining. Saka lamang napapanatili ng kanilang sining ang tunay na kahulugan nito para sa mga susunod na henerasyon.

Piero della Francesca

Si Piero della Francesca ay hanggang kamakailan lamang ang hindi gaanong kilala at kinikilala. Ang epekto kay Piero della Froncesca ng mga Florentine masters noong unang bahagi ng ika-15 siglo, gayundin ang kanyang katumbas na impluwensya sa kanyang mga kontemporaryo at kahalili, lalo na sa paaralan ng Venice, wastong naobserbahan. Gayunpaman, ang pambihirang, kilalang posisyon ni Piero della Francesca sa pagpipinta ng Italyano ay hindi pa rin sapat na nauunawaan. Malamang, sa paglipas ng panahon, tataas lamang ang kanyang pagkilala.

Piero della Francesca (c. 1420-1492) Italian artist at theorist, kinatawan ng Early Renaissance

Ang kanyang pinakamalaki at pinakamagandang gawa ay isang cycle ng mga fresco sa temang "History of the Cross" sa Arezzo (1452-1466). Ang gawain ay isinagawa ayon sa kalooban ng lokal na mangangalakal na si Bacci. Posible na ang isang klerigo, isang tagapagpatupad ng kalooban ng namatay, ay nakibahagi sa pagbuo ng programa. Si Piero della Francesca ay umasa sa tinatawag na "Golden Legend" ni J. da Voragine. Nagkaroon din siya ng mga nauna sa mga artista. Ngunit ang pangunahing ideya, malinaw naman, ay pag-aari niya. Ito ay malinaw na nagpapakita ng karunungan, kapanahunan at mala-tula sensitivity ng artist.

Halos ang tanging pictorial cycle sa Italya noong panahong iyon, Ang Kasaysayan ng Krus, ay may dobleng kahulugan. Sa isang banda, lahat ng sinabi sa alamat tungkol sa kung paano lumaki ang puno, kung saan ang krus ng Kalbaryo ay pinagsama-sama, kung paano ito lumitaw nang maglaon. mahimalang kapangyarihan. Ngunit dahil ang mga indibidwal na mga pagpipinta ay wala sa sunud-sunod na pagkakasunud-sunod, ang literal na kahulugan na ito, kumbaga, ay umuurong sa background. Inayos ng pintor ang mga pagpipinta sa paraang nagbibigay sila ng ideya sa iba't ibang anyo buhay ng tao: tungkol sa patriyarkal - sa pinangyarihan ng pagkamatay ni Adan at sa paglipat ng krus ni Heraclius, tungkol sa sekular, korte, lunsod - sa mga eksena ng Reyna ng Sheba at sa Paghahanap ng Krus, at sa wakas tungkol sa ang militar, labanan - sa "Victory of Constantine" at sa "Victory of Heracles". Sa esensya, sinakop ni Piero della Francesca ang halos lahat ng aspeto ng buhay. Kasama sa kanyang ikot ang: kasaysayan, alamat, paraan ng pamumuhay, trabaho, mga larawan ng kalikasan at mga larawan ng mga kontemporaryo. Sa lungsod ng Arezzo, sa simbahan ng San Francesco, na nasa ilalim ng pulitika sa Florence, nagkaroon ng pinaka-kahanga-hangang fresco cycle. Italian Renaissance.

Ang sining ni Piero della Francesca ay higit na totoo kaysa perpekto. Ang isang makatwirang simula ay naghahari sa kanya, ngunit hindi katwiran, na may kakayahang lunurin ang tinig ng puso. At sa paggalang na ito, si Piero della Francesca ay nagpapakilala sa pinakamaliwanag, pinakamabungang pwersa ng Renaissance.

Andrea Mantegna

Ang pangalang Mantegna ay nauugnay sa ideya ng isang humanist artist na umiibig sa mga antigo ng Roma, na armado ng malawak na kaalaman sa sinaunang arkeolohiya. Buong buhay niya ay nagsilbi siya sa mga Duke ng Mantua d "Este, ang pintor ng kanilang korte, tinupad ang kanilang mga tagubilin, naglingkod sa kanila nang tapat (bagaman hindi nila palaging binabayaran siya kung ano ang nararapat sa kanya). Ngunit sa puso at sa sining siya ay nagsasarili, tapat. sa kanyang mataas ang ideal ng sinaunang kagitingan, panatiko na tapat sa kanyang pagkain upang bigyan ang mga gawa ng alahas polish. Nangangailangan ito ng isang malaking pagsisikap ng mga espirituwal na pwersa. Ang sining ng Mantegna ay malubha, kung minsan ay malupit sa punto ng kawalang-awa, at dito naiiba sa sining ni Piero della Francesca at lumalapit kay Donatello.

Andrea Mantegna. Self-portrait sa Ovetari Chapel

Kumanta siya ng galing sa Romano, halos mas mahusay kaysa sa mga Romano mismo. Ang kanyang mga bayani ay nakabaluti at estatwa. Ang kanyang mabato na mga bundok ay tumpak na inukit ng pait ng iskultor. Maging ang mga ulap na lumulutang sa kalangitan ay tila hinagis mula sa metal. Kabilang sa mga fossil at casting na ito ay ang mga bayaning matitigas sa labanan, matapang, mahigpit, matatag, tapat sa isang pakiramdam ng tungkulin, katarungan, handang magsakripisyo ng sarili. Ang mga tao ay malayang gumagalaw sa kalawakan, ngunit, nakahanay sa isang hilera, sila ay bumubuo ng isang uri ng mga relief na bato. Ang mundong ito ng Mantegna ay hindi nakakaakit sa mata, nagpapalamig sa puso. Ngunit hindi maaaring tanggapin ng isa na ito ay nilikha ng espirituwal na salpok ng artista. At samakatuwid, ang humanistic erudition ng artist, hindi ang payo ng kanyang natutunan na mga kaibigan, ngunit ang kanyang malakas na imahinasyon, ang kanyang pagnanasa, na nakatali sa kalooban at tiwala na kasanayan, ay napakahalaga dito.

Sa harap natin ay isa sa mga makabuluhang phenomena ng kasaysayan ng sining: ang mga dakilang masters, sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanilang intuwisyon, ay tumayo sa linya kasama ang kanilang malayong mga ninuno at magawa ang hindi nila magagawa. mamaya mga artista na nag-aral ng nakaraan, ngunit hindi nakahabol dito.

Sandro Botticelli

Binuksan si Botticelli English Pre-Raphaelites. Gayunpaman, kahit na sa simula ng ika-20 siglo, kasama ang lahat ng paghanga sa kanyang talento, hindi siya "pinatawad" para sa mga paglihis mula sa karaniwang tinatanggap na mga tuntunin- mga pananaw, chiaroscuro, anatomy. Kasunod nito, napagpasyahan na bumalik si Botticelli sa Gothic. Ang bulgar na sosyolohiya ay nagbuod ng sarili nitong paliwanag para dito: "reaksyon ng pyudal" sa Florence. Ang mga interpretasyong iconolohikal ay nagtatag ng mga koneksyon sa pagitan ng Botticelli at ng bilog ng Florentine Neoplatonists, lalo na maliwanag sa kanyang mga bantog na mga pintura na "Spring" at "The Birth of Venus".

Self-portrait ni Sandro Botticelli, fragment ng komposisyon ng altar na "The Adoration of the Magi" (circa 1475)

Sa pagbabasa ng mga modernong komento ng mga iskolar sa pagpipinta na ito, mahirap paniwalaan na ang pintor mismo ay maaaring pumunta nang malalim mitolohiyang balangkas upang makabuo ng lahat ng uri ng mga subtleties sa interpretasyon ng mga figure, na kahit ngayon ay hindi maintindihan sa isang sulyap, at sa mga lumang araw, tila, sila ay naiintindihan lamang sa Medici circle. Ito ay mas malamang na sila ay sinenyasan sa artist sa pamamagitan ng ilang erudite at siya pinamamahalaang upang matiyak na ang artist ay nagsimulang line-by-line na isalin ang pandiwang serye sa visual. Ang pinaka-kagiliw-giliw na bagay tungkol sa pagpipinta ni Botticelli ay ang mga indibidwal na pigura at grupo, lalo na ang grupo ng tatlong grasya. Sa kabila ng katotohanan na ito ay muling ginawa ng walang katapusang bilang ng beses, hindi pa rin nawawala ang kagandahan nito hanggang ngayon. Sa tuwing makikita mo siya, nakakaranas ka ng panibagong pag-atake ng paghanga. Tunay na nakipag-usap si Botticelli sa kanyang mga nilalang habambuhay na pagkabata. Iminungkahi ng isa sa mga iskolar na komento sa pagpipinta na ang sayaw ng Graces ay nagpahayag ng ideya ng pagkakaisa at hindi pagkakasundo, na madalas na binabanggit ng mga Florentine Neoplatonist.

Si Botticelli ay nagmamay-ari ng walang kapantay na mga guhit para sa " Divine Comedy". Ang sinumang nakakita sa kanyang mga sheet ay palaging maaalala ang mga ito kapag nagbabasa ng Dante. Siya, tulad ng walang iba, ay napuno ng diwa ng tula ni Dante. Ang ilan sa mga guhit para kay Dante ay nasa likas na katangian ng isang tumpak na graphic inline para sa tula. Ngunit ang pinakamaganda ay ang mga kung saan ang artist ay nag-imagine at nag-compose sa diwa ni Dante. Karamihan sa mga ito sa mga ilustrasyon ng paraiso. Tila ang pagpipinta ng paraiso ang pinakamahirap na bagay para sa mga artista ng Renaissance, na mahal na mahal ang mabangong lupa, lahat ng tao. Hindi tinatalikuran ni Botticelli ang pananaw ng Renaissance, mula sa mga spatial na impresyon na nakadepende sa anggulo ng view ng manonood. Ngunit sa paraiso ito ay bumangon upang ihatid ang hindi pananaw na kakanyahan ng mga bagay mismo. Ang mga pigura nito ay walang timbang, ang mga anino ay nawawala. Ang liwanag ay tumagos sa kanila, ang espasyo ay umiiral sa labas ng makalupang mga coordinate. Ang mga katawan ay magkasya sa isang bilog bilang simbolo ng celestial sphere.

Leonardo da Vinci

Si Leonardo ay isa sa mga kinikilalang henyo ng Renaissance. Itinuturing ng marami na siya ang unang artista noong panahong iyon, sa anumang kaso, ang kanyang pangalan ay unang-una sa isip pagdating sa kahanga-hangang mga tao Renaissance. At iyon ang dahilan kung bakit napakahirap na lumihis mula sa karaniwang mga opinyon at walang kinikilingan na isaalang-alang ang kanyang artistikong pamana.

Self-portrait, kung saan ipinakita ni Leonardo ang kanyang sarili bilang isang matandang pantas. Ang pagguhit ay itinago sa Royal Library ng Turin. 1512

Si Leonardo ay isang mahusay na siyentipiko, insightful thinker, manunulat, may-akda ng Treatise, at isang inhinyero na mapag-imbento. Ang kanyang pagiging komprehensibo ay nagtaas sa kanya sa antas ng karamihan sa mga artista noong panahong iyon at sa parehong oras ay nagtakda sa kanya ng isang mahirap na gawain - upang pagsamahin ang isang siyentipikong analytical na diskarte sa kakayahan ng artist na makita ang mundo at direktang sumuko sa pakiramdam. Ang gawaing ito ay sumunod na sinakop ang maraming mga artista at manunulat. Sa Leonardo, nakuha nito ang katangian ng isang hindi malulutas na problema.

Kalimutan natin sandali ang lahat ng ibinubulong sa atin ng magandang mito tungkol sa artista-siyentipiko, at hahatulan natin ang kanyang pagpipinta sa parehong paraan tulad ng paghatol natin sa pagpipinta ng iba pang mga master sa kanyang panahon. Ano ang nagpapatingkad sa kanyang trabaho sa kanilang trabaho? Una sa lahat, pagbabantay sa paningin at mataas na kasiningan ng pagpapatupad. Taglay nila ang imprint ng katangi-tanging craftsmanship at ang pinakamasarap na lasa. Sa larawan ng kanyang gurong si Verrocchio "Baptism", ang batang Leonardo ay sumulat ng isang anghel nang napakahusay at pino na sa tabi niya ang magandang anghel na si Verrocchio ay tila rustic, base. Sa paglipas ng mga taon, lalo pang tumindi ang "aesthetic aristokrasiya" sa sining ni Leonardo. Hindi ito nangangahulugan na sa mga korte ng mga soberanya ang kanyang sining ay naging magalang, magalang. Sa anumang kaso, hindi mo matatawag ang kanyang mga babaeng magsasaka ng Madonnas.

Siya ay kabilang sa parehong henerasyon bilang Botticelli, ngunit hindi sinasang-ayunan, kahit na panunuya ay nagsalita tungkol sa kanya, isinasaalang-alang siya sa likod ng mga oras. Si Leonardo mismo ay naghangad na ipagpatuloy ang paghahanap para sa kanyang mga nauna sa sining. Hindi limitado sa espasyo at lakas ng tunog, itinatakda niya sa kanyang sarili ang gawain ng pag-master ng liwanag at hangin na kapaligiran na bumabalot sa mga bagay. Nangangahulugan ito ng susunod na hakbang sa artistikong pag-unawa. tunay na mundo, sa isang tiyak na lawak ay nagbukas ng daan para sa colorism ng mga Venetian.

Mali na sabihin na ang pagkahilig sa agham ay nakagambala sa artistikong pagkamalikhain ni Leonardo. Ang galing ng lalaking ito ay napakahusay, ang kanyang kakayahan ay napakataas na kahit na ang isang pagtatangka na "tumayo sa lalamunan ng kanyang kanta" ay hindi maaaring pumatay ng pagkamalikhain sa kanya. Ang kanyang regalo bilang isang artista ay patuloy na lumampas sa lahat ng mga limitasyon. Sa kanyang mga likha, ang hindi mapag-aalinlanganang katapatan ng mata, kalinawan ng kamalayan, pagsunod ng brush, virtuoso technique ay nakukuha. Sinakop nila tayo sa kanilang mga alindog, tulad ng isang pagkahumaling. Naaalala ng sinumang nakakita ng "La Gioconda" kung gaano kahirap ang humiwalay dito. Sa isa sa mga bulwagan ng Louvre, kung saan katabi niya ang pinakamahusay na mga obra maestra Ang paaralang Italyano, siya ay nagtagumpay at buong pagmamalaki na naghahari sa lahat ng bagay na nakapaligid sa kanya.

Ang mga pagpipinta ni Leonardo ay hindi bumubuo ng isang kadena, tulad ng maraming iba pang mga Renaissance artist. Sa kanyang mga unang gawa, tulad ng Benois Madonna, mayroong higit na init at spontaneity, ngunit kahit na sa loob nito ang eksperimento ay nagpapadama sa sarili. "Adoration" sa Uffizi - at ito ay isang mahusay na underpainting, isang barumbado, buhay na buhay na imahe ng mga tao na magalang na hinarap sa isang eleganteng babae na may isang sanggol sa kanyang mga tuhod. Sa Madonna in the Rocks, isang anghel, isang kulot na buhok na binata, na sumilip sa labas ng larawan, ay kaakit-akit, ngunit ang kakaibang ideya ng paglipat ng payapa sa kadiliman ng yungib ay nagtataboy. Ang sikat na "Huling Hapunan" ay palaging natutuwa sa angkop na katangian ng mga tauhan: ang magiliw na si Juan, ang mahigpit na si Pedro, ang kontrabida na si Hudas. Gayunpaman, ang katotohanan na ang gayong masigla at nasasabik na mga numero ay nakaayos nang tatlo sa isang hilera, sa isang gilid ng talahanayan, ay mukhang isang hindi makatarungang kombensiyon, karahasan laban sa buhay na kalikasan. Gayunpaman, ito dakilang Leonardo da Vinci, at dahil ipininta niya ang larawan sa ganitong paraan, nangangahulugan ito na ipinaglihi niya ito sa ganitong paraan, at ang sakramento na ito ay mananatili sa loob ng maraming siglo.

Ang pagmamasid at pagbabantay, kung saan nanawagan si Leonardo sa mga artista sa kanyang Treatise, ay hindi limitado sa kanyang malikhaing mga posibilidad. Sinadya niyang pasiglahin ang kanyang imahinasyon sa pamamagitan ng pagsusuri sa mga dingding na basag mula sa katandaan, kung saan maiisip ng manonood ang anumang balangkas. Sa sikat na Windsor drawing ng sanguine na "Thunderstorm" ay ipinarating ni Leonardo kung ano ang nahayag sa kanyang tingin mula sa ilang tuktok ng bundok. Isang serye ng mga guhit ng Windsor sa tema pandaigdigang baha- katibayan ng isang tunay na napakatalino na pananaw ng artist-thinker. Gumagawa ang artista ng mga palatandaan na walang pahiwatig, ngunit nagdudulot ng pagkamangha na may halong katakutan. Ang mga guhit ay nilikha ng dakilang master sa ilang uri ng propetikong delirium. Lahat ay sinasabi sa kanila madilim na wika mga pangitain ni Juan.

Ang panloob na hindi pagkakasundo ni Leonardo sa kanyang mga humihinang araw ay nararamdaman sa dalawa sa kanyang mga gawa: ang Louvre na "John the Baptist", isang larawan ng sarili sa Turin. Sa isang huli na larawan ng sarili sa Turin, ang artista, na umabot na sa katandaan, ay hayagang tinitingnan ang kanyang sarili sa salamin dahil sa nakasimangot na mga kilay - nakikita niya sa mukha ang mga tampok ng kahinaan, ngunit nakikita rin niya ang karunungan, ang tanda ng " taglagas ng buhay".