Hvor er vi? Fem store efterkrigsskuespil og deres bedste produktioner Play where.

Spil

Alexander Volodin, 1958

Om hvad: Efter at have befundet sig i Leningrad i anledning af en forretningsrejse, beslutter Ilyin pludselig at gå ind i en lejlighed, hvor han for sytten år siden forlod sin kæreste, og - se og se! - hans Tamara bor stadig i et værelse over apoteket. Kvinden blev aldrig gift: hendes nevø-elev, som hun erstatter sin mor, og hans excentriske kæreste - det er hele hendes familie. Ved at tvinge sig igennem frygten for misforståelser, uoprigtighed, uenighed og forsoning indser to voksne til sidst, at lykke stadig er mulig - "hvis der bare ikke var nogen krig!"

Hvorfor læse: Mødet mellem Ilyin og Tamara, der strækker sig over fem aftener, er ikke kun en historie om den sene rastløse kærlighed til mesteren af ​​Krasny Triangle-fabrikken og Zavgar Zavgar- garagebestyrer. den nordlige landsby Ust-Omul, men evnen til at bringe ægte, ikke mytisk sovjetiske folk: smart og samvittighedsfuld, med ødelagte skæbner.

Måske det mest gribende af Volodins dramaer, dette stykke er fyldt med trist humor og høje tekster. Hendes helte er altid tavse om noget: under taleklichéerne - "mit arbejde er interessant, ansvarligt, du føler nødvendigt for mennesker"- der er et helt lag af hårde spørgsmål drevet dybt inde, forbundet med evig frygt, hvor en person er tvunget til at leve, som om han var fængslet i en enorm lejr kaldet "hjemland".

Unge elskere lever og ånder ved siden af ​​de voksne helte: Først ser Katya og Slava "ikke bange ud", men de føler instinktivt frygten, der æder Tamaras og Ilyins sjæle. Så usikkerheden om selve muligheden for lykke i den "sejrrige socialismes" land bliver gradvist videregivet til næste generation.

Iscenesættelse

Bolshoi Dramateater
Instruktør Georgy Tovstonogov, 1959

Man kan næsten ikke forestille sig det chok, som denne forestilling blev for publikum, takket være radiooptagelsen fra 1959. Publikum her reagerer meget voldsomt – griner, bekymrer sig, falder til ro. Anmeldere skrev om Tovstonogovs produktion: "Dagens tid - slutningen af ​​50'erne - åbenbarede sig med forbløffende nøjagtighed. Næsten alle heltene, så det ud til, tog scenen fra Leningrads gader. De var klædt nøjagtigt, som de tilskuere, der så på dem, var klædt." Karaktererne, der kørte ud af scenens dybder på platforme med indhegninger af dårligt møblerede rum, spillede lige under næsen af ​​første række. Dette krævede den korrekte intonation, absolut gehør... En særlig kammeratmosfære blev også skabt af stemmen fra Tovstonogov selv, som udtalte bemærkningerne (det er ærgerligt, at det ikke er ham, der læser teksten fra forfatteren i radiospillet).

Intern konflikt præstation var der en modsætning mellem de påtvungne sovjetiske stereotyper og det naturlige menneskelige natur... Tamara udført af Zinaida Sharko så ud til at kigge frem bag masken af ​​en sovjetisk social aktivist, før hun smed den af ​​sig og blev sig selv. Af radiooptagelsen fremgår det tydeligt med hvad indre styrke og med et fantastisk væld af nuancer spillede Charcot sin Tamara - rørende, øm, ubeskyttet, opofrende. Ilyin (spillet af Yefim Kopelyan), som tilbragte 17 år et sted i Norden, var fra begyndelsen meget mere fri internt, men han formåede ikke umiddelbart at fortælle sandheden til sin elskede kvinde, foregav at være chefingeniøren. I radiospillet i Kopelyans forestilling i dag kan man høre en masse teatralitet, nærmest patos, men han har også mange pauser, stilhed – så forstår man, at det vigtigste sker for hans helt netop i disse øjeblikke.

"På jagt efter glæde"

Spil

Victor Rozov, 1957

Om hvad: Moskva-lejligheden til Klavdia Vasilievna Savina er overfyldt og overfyldt: hendes fire voksne børn bor her, og der er møbler, som Lenochka, konen til Fedyas ældste søn, engang en talentfuld ung videnskabsmand, nu en succesrig karrieremand fra videnskaben. Dækket med klude og aviser i forventning om en forestående flytning til ny lejlighed nygifte, garderobeskabe, skænke, sofaer og stole bliver et stridspunkt i familien: Moderen kalder den ældste søn "en lille handelsmand", og hans yngre bror, en gymnasieelev Oleg, hugger møblerne til Lenochka med sin afdøde fars sabel, en krigshelt. Forsøg på at forklare forværrer kun situationen, og som et resultat forlader Fedor og hans kone indfødte hjem, de resterende børn forsikrer Klavdia Vasilievna om, at de har valgt en anden livsvej: "Vær ikke bange for os, mor!"

Hvorfor læse: Denne to-akters komedie blev oprindeligt opfattet som en "bagatel" af Viktor Rozov: på det tidspunkt var dramatikeren allerede kendt som manuskriptforfatter legendarisk film Mikhail Kalatozov "Tranerne flyver".

Faktisk, rørende, romantiske, uforenelige med uærlighed, pengerytteri, de yngre børn af Klavdia Vasilievna Kolya, Tatyana og Oleg, såvel som deres venner og kære, udgjorde en stærk gruppe af "korrekte sovjetiske unge", numerisk overlegne i forhold til kredsen af ​​"søgende, karriereister" repræsenteret i stykket og borgerskabet." Den skematiske karakter af konfrontationen mellem forbrugsverdenen og idealernes verden var ikke særligt maskeret af forfatteren.

Udestående viste sig at være hovedperson- 15-årige drømmer og digter Oleg Savin: hans energi, indre frihed og følelse værdighed forbundet med håbet om en optøning, med drømme om en ny generation af mennesker, der fejede alle former for socialt slaveri til side (denne generation af kompromisløse romantikere begyndte at blive kaldt "Rose-drengene").

Iscenesættelse

Central børneteater
Instruktør Anatoly Efros, 1957

Den mest berømte scene i dette skuespil er den, hvor Oleg Savin hugger møbler ned med sin fars sværd. Sådan var det i teaterstudiet Sovremennik, udgivet i 1957, og fra filmen af ​​Anatoly Efros og Georgy Natanson "A Noisy Day" (1961) er det først og fremmest det, der forblev i hukommelsen - måske fordi i både produktioner Oleg spillede unge og heftige Oleg Tabakov. Den første forestilling baseret på dette stykke udkom dog ikke i Sovremennik, men i Centralen børneteater, og i den var den berømte episode med sablen og den døde fisk, dåsen, som Helen smed ud af vinduet med, dog vigtig, men stadig en af ​​mange.

Det vigtigste i stykket af Anatoly Efros i Central House of Theatres var følelsen af ​​polyfoni, kontinuitet, flydende liv. Instruktøren insisterede på betydningen af ​​hver stemme i denne folkerige historie - og førte straks beskueren ind i et hus fyldt med møbler, bygget af kunstneren Mikhail Kurilko, hvor de nøjagtige detaljer indikerede livet for en stor venlig familie... Ikke at fordømme bourgeoisiet, men de levendes og de dødes modstand, poesi og prosa (som kritikerne Vladimir Sappak og Vera Shitova bemærkede) - dette var essensen af ​​Efros' synspunkt. Ikke kun Oleg udført af Konstantin Ustyugov - en blid dreng med en høj, ophidset stemme - var i live, men også Valentina Sperantovas mor, som besluttede at have en seriøs samtale med sin søn og blødgjorde den tvungne hårdhed ved intonationen. Meget ægte og denne Fyodor Gennady Pechnikova selv, på trods af alt meget kærlig sin pragmatiske kone Lenochka, og en anden elsker - Gennady Aleksey Shmakov, og klassekammerater, der kom for at besøge Oleg. Alt dette er perfekt hørbart i radiooptagelsen af ​​forestillingen, lavet i 1957. Hør, hvordan Oleg udtaler stykkets nøglesætning: "Det vigtigste er, at der skal være meget i hovedet og i sjælen." Ingen didaktik, stille og slidt, snarere for dig selv.

"Min stakkels Marat"

Spil

Alexey Arbuzov, 1967

Om hvad: Der var engang Lika, hun elskede Marat, hun var elsket af ham, og Leonidik elskede hende også; begge fyre gik i krig, begge vendte tilbage: Marat er en helt Sovjetunionen, og Leonidik er uden arm, og Lika gav sin hånd og hjerte til "stakkels Leonidik". Værkets anden titel - "Vær ikke bange for at være glad", i 1967 af London-kritikere blev det kåret til årets skuespil. Dette melodrama er en historie om møder og afsked mellem tre helte, der vokser op fra episode til episode, strækket over næsten to årtier, engang forenet af krig og blokade i det kolde og sultne Leningrad.

Hvorfor læse: Tre liv, tre skæbner for sovjetiske idealister, der blev ramt af krigen, der forsøgte at opbygge liv ifølge propagandalegenden. Af alle de "sovjetiske eventyr" af Alexei Arbuzov, hvor heltene nødvendigvis blev belønnet med kærlighed for deres arbejdsbedrifter, er "Min stakkels Marat" det sørgeligste eventyr.

Den sovjetiske myte "lev for andre" retfærdiggøres for karaktererne - stadig teenagere - af krigens tab og bedrifter, og Leonidiks bemærkning: "Never change our winter 1942 ... yes?" - bliver deres credo i livet. Men "dagene går forbi," og livet er "for andre" og professionel karriere(Marat "bygger broer") bringer ikke lykke. Lika dirigerer medicinen som "den ufrigivne leder af afdelingen", og Leonidik forædler manerer med digtsamlinger, udgivet i et oplag på fem tusinde eksemplarer. Offer bliver til metafysisk angst. I slutningen af ​​stykket proklamerer 35-årige Marat en ændring af milepæle: "Hundredetusinder er døde, så vi er ekstraordinære, besatte, glade. Og vi - mig, dig, Leonidik? .."

Den kvaltede kærlighed er her lig med den kvaltede individualitet, og personlige værdier bekræftes af hele stykkets forløb, hvilket gør det til et unikt fænomen for sovjetisk drama.

Iscenesættelse

Instruktør Anatoly Efros, 1965

Anmeldere kaldte denne forestilling for "sceneforskning", "teaterlaboratorium", hvor følelserne hos stykkets karakterer blev studeret. "På scenen er laboratoriet rent, præcist og fokuseret," skrev kritikeren Irina Uvarova. Kunstnerne Nikolai Sosunov og Valentina Lalevich skabte en kulisse for forestillingen: fra den så tre karakterer seriøst og lidt trist på publikum og så ud, som om de allerede vidste, hvordan det ville ende. I 1971 skød Efros en tv-version af denne produktion med de samme skuespillere: Olga Yakov-leva - Lika, Alexander Zbruev - Marat og Lev Krugly - Leonidik. Temaet for en omhyggelig undersøgelse af karakterer og følelser blev yderligere intensiveret her: tv gjorde det muligt at se skuespillernes øjne, gav effekten af ​​en tilskuers tilstedeværelse under tæt kommunikation af disse tre.

Det kan siges, at Marat, Lika og Leonidik på Efros var besat af ideen om at komme til bunds i sandheden. Ikke i global forstand – de ønskede at høre og forstå hinanden så præcist som muligt. Dette var især mærkbart i Lika - Yakovleva. Skuespillerinden havde som det var to planer for spillet: den første - hvor hendes heltinde så blød, let, barnlig ud, og den anden - den kommende, knap talende Leakeys samtalepartner vendte sig væk: i dette øjeblik et seriøst, opmærksomt, studerende blik af en moden kvinde stirrede ind i ham. "Every real life is an Encounter," skrev filosoffen Martin Buber i bogen "I and You". Ifølge ham kan hovedordet i livet - "Du" - kun siges til en person med hele hans væsen, enhver anden holdning gør ham til et objekt, fra "Du" - til "Det". Under hele opførelsen af ​​Efros sagde disse tre til den anden "Du" med hele deres væsen, og mest af alt værdsatte de hinandens unikke personlighed. Dette var højspændingen i deres forhold, som det selv i dag er umuligt ikke at lade sig rive med, og som man ikke kan andet end at have empati med.

Andejagt

Spil

Alexander Vampilov, 1967

Om hvad: Vågner op i en typisk sovjetisk lejlighed på en tung tømmermændsmorgen, modtager helten en begravelseskrans fra venner og kolleger. I et forsøg på at finde ud af betydningen af ​​rallyet genopretter Viktor Zilov malerierne i sin hukommelse sidste måned: housewarming-fest, kone på vej, skandale på arbejdet og endelig gårsdagens fuldskab i Forglemmigej-cafeen, hvor han fornærmede sin unge elsker, sin chef, kolleger og havde et slagsmål med bedste ven- tjeneren Dima. Efter at have besluttet sig for virkelig at gøre op med et hadefuldt liv, ringer helten sine bekendte op og inviterer dem til sin egen mindehøjtidelighed, men ombestemmer sig snart og tager med Dima til landsbyen - på andejagt, som han lidenskabeligt har drømt om hele denne tid.

Hvorfor læse: Viktor Zilov, der kombinerer træk fra en berygtet skurk og en uendeligt attraktiv mand, kan for nogen synes den sovjetiske reinkarnation af Lermontovs Pechorin: "et portræt bestående af lasterne fra hele vores generation, i deres fulde udvikling." Smart, fuldblods og altid fuld Iterian, der dukkede op i begyndelsen af ​​stagnationens æra Ingeniør og teknisk personale- en ingeniør og teknisk arbejder. med energi, der var værdig til bedre at bruge, frigjorde han sig konsekvent for familie-, forretnings-, kærligheds- og venskabsbånd. Zilovs endelige afslag på selvdestruktion havde for det sovjetiske drama symbolsk betydning: denne helt affødte en hel galakse af imitatorer - ekstra mennesker: drukkenbolte, der både skammede sig og væmmedes over at slutte sig til det sovjetiske samfund - fuldskab i dramaet blev opfattet som en form for social protest.

Skaberen af ​​Zilov, Alexander Vampilov, druknede i Baikal-søen i august 1972 - i prime af sine kreative kræfter, og efterlod verden med en ikke alt for vægtig mængde drama og prosa; som er blevet en verdensklassiker i dag" Andejagt”, Knap overvinde censurforbuddet, brød ind i den sovjetiske scene kort efter forfatterens død. Men et halvt århundrede senere, da intet sovjetisk var tilbage, blev stykket uventet til det eksistentielle drama af en mand, for hvem tomheden i et arrangeret, modent liv åbnede sig, og i drømmen om en jagtrejse, hvorhen - "Ved du, hvad det er for en stilhed? Du er der ikke, forstår du det? Ikke! Du er ikke født endnu ”- der lød et råb om det evigt tabte paradis.

Iscenesættelse

Moscow Art Theatre opkaldt efter Gorky
Instruktør Oleg Efremov, 1978

Bedste spil Alexandra Vampilova anses stadig for uopklaret. Sandsynligvis kom Vitaly Melnikovs film "Ferie i september" med Oleg Dal i rollen som Zilov tættest på dens fortolkning. Stykket, der blev opført på Moskvas kunstteater af Oleg Efremov, har ikke overlevet - selv i fragmenter. Samtidig udtrykte han præcist tiden - den mest håbløse fase af stagnation.

Kunstneren David Borovsky kom med følgende billede til forestillingen: En enorm cellofanpose svævede over scenen, som en sky, hvori der var fældet fyrretræer. "Motivet for den bevarede taiga," fortalte Borovsky kritikeren Rimma Krechetova. Og videre: »Gulvet var dækket af en presenning: de steder bærer de presenning og gummi. Jeg spredte fyrrenåle ud over presenningen. Du ved, som et juletræ på gulvet. Eller efter begravelseskranse ..."

Zilov blev spillet af Efremov. Han var allerede halvtreds – og hans helts kvaler var ikke en midtvejskrise, men en opsummering. Anatoly Efros beundrede hans spil. "Efremov spiller Zilov frygtløst til det yderste," skrev han i bogen Continuation of theatrical Story. - Han slår det ud foran os med alle indmaden. Nådesløst. Spiller i de stores tradition teaterskole, han fordømmer ikke bare sin helt. Han spiller en generelt god mand, der stadig er i stand til at forstå, at han er fortabt, men allerede ude af stand til at komme ud."

Den, der blev frataget refleksion, var tjeneren Dima udført af Aleksei Petrenko, en anden af ​​stykkets vigtigste helt. En kæmpe mand, absolut rolig - med en morders ro hang han over resten af ​​karaktererne som en sky. Han har naturligvis endnu ikke slået nogen ihjel – bortset fra dyr på jagt, som han skød på uden at misse, men han kunne godt have slået en person ud (efter at have set sig omkring for at se, om nogen ser). Dima, mere end Zilov, var opdagelsen af ​​denne forestilling: der vil gå lidt tid, og sådanne mennesker vil blive nye mestre i livet.

"Tre piger i blåt"

Spil

Lyudmila Petrushevskaya, 1981

Om hvad: Under ét utæt tag er tre mødre - Ira, Svetlana og Tatiana - væk i den regnfulde sommer med deres altid kæmpende drenge. Uafklaret dacha-liv tvinger kvinder dag og nat til at bande på baggrund af hverdagen. Den nye velhavende kæreste trækker Ira ind i en anden verden, til havet og solen, hun efterlader sin syge søn i armene på sin svage mor. Himlen bliver dog til et helvede, og nu er kvinden klar til at kravle på knæ foran lufthavnsbetjenten for at vende tilbage til barnet alene.

Hvorfor læse: Stykket forbløffer samtidige af "Three Girls" den dag i dag med, hvor nøjagtigt æraen med "sen stagnation" er registreret i det: kredsen af ​​hverdagslige bekymringer for en sovjetisk person, hans karakter og typen af ​​forhold mellem mennesker. Men udover den ydre fotografiske nøjagtighed bliver den indre essens af det såkaldte scoop også her underfundigt berørt.

I spidsen for dialogen med Tjekhovs tre søstre præsenterer Petrushevskayas skuespil i første omgang hendes "piger" som tre variationer over temaet i Tjekhovs Natasha. Ligesom den småborgerlige Natasha hos Tjekhov, bekymrer Ira, Svetlana og Tatiana hos Petrushevskaya sig konstant om deres børn og fører en krig for de tørre rum i en faldefærdig hytte nær Moskva. Men børn, for hvis skyld mødre skandale, er der ikke rigtig brug for nogen. Stykket gennemtrænges af den svage stemme fra Ira Pavliks syge søn; drengens verden er fuld fantastiske billeder, i en bizar form, der afspejler realiteterne i hans skræmmende liv: "Og da jeg sov, fløj månen til mig på sine vinger" - ingen hører eller forstår barnet i denne leg. "Sandhedens øjeblik" er også forbundet med sønnen - da han indså, at han kunne miste ham, fra den "typiske sovjetisk mand"Ira bliver til en person, der er i stand til" at tænke og lide, "fra Chekhovs Natasha til Chekhovs Irina, klar til at ofre noget for andre.

Iscenesættelse

Lenin Komsomol Teater
Instruktør Mark Zakharov, 1985

Dette skuespil blev skrevet af Lyudmila Petrushevskaya efter ordre fra chefdirektøren for Lenin Komsomol Theatre Mark Zakharov: han havde brug for roller for Tatiana Peltzer og Inna Churikova. Censuren savnede ikke stykket i fire år - premieren fandt først sted i 1985; Den 5. og 6. juni 1988 blev stykket optaget til tv. Denne optagelse producerer stadig meget stærkt indtryk... Scenograf Oleg Sheintsis blokerede scenen med en gennemskinnelig væg, bag hvilken silhuetter af grene er synlige; på den forgrunden et bord med en bundt tørrede blomster på, og endeløs vask foregår i et blikvask, sat på en skammel; skænderier blev arrangeret rundt omkring, flirtende, bekendende. Hver var klar til at komme ind i den andens liv, og ikke bare komme ind - at trampe grundigt på det. Men dette er kun overfladisk deltagelse: faktisk var alle ligeglade med hinanden. Den gamle kvinde Fedo-even (Peltzer) mumlede sine ord, ligeglad med det faktum, at et sygt barn lå bag væggen. Øjeblikkeligt optændt i et anfald af had mod den intellektuelle Irina og hendes søn Svetlana (skuespillerinden Lyudmila Porgina): "Han læser! Læs videre! " Og Irina selv - Inna Churikova kiggede på alt med store øjne og var stille, mens hun var stærk.

En anerkendt mester i sceneeffekter byggede Zakharov flere referencepunkter i forestillingen, kalibreret som ballet. En af dem - da sommerkæresten Nikolai kysser Irina, og hun af overraskelse laver en nærmest klovne-saltomortale. Churikova falder i det øjeblik næsten ned af stolen, falder på Nikolais skulder, hopper straks skarpt tilbage fra ham og kaster knæene højt og går hen til døren for at se, om hans søn så kysset.

En anden scene er stykkets tragiske kulmination: Irina kravler på knæ bag lufthavnens ansatte, tigger om at blive sat på flyet (barnet blev efterladt alene hjemme i en aflåst lejlighed), og hæst, chikaneret råber hun ikke engang, men knurrer: "Jeg kommer måske ikke i tide!" I bogen Stories from My Own Life minder Lyudmila Petrushevskaya om, hvordan en ung tilskuer en dag ved et skuespil i det øjeblik sprang op fra hendes stol og begyndte at rive hendes hår af. Det er virkelig skræmmende at se på.

Skuespilleren er en hædret kunstner i Rusland, vinder af de mest prestigefyldte priser, herunder "Mågerne" for den bedste komiske rolle (spil "Mademoiselle Nitush"), indehaver af flere ordrer, parodist, tv-vært og en utrolig talentfuld person.

Samtidig prøver Ilyasov sig selv i film. Han får sin debut i seriefilmen Juna. Dette blev efterfulgt af hans andre værker, blandt dem: "Alt ifølge loven", Fjerde skift "," Træner "," Fighters, Den sidste kamp"Og andre værker. Samme år medvirkede skuespilleren i berømt maleri militært tema "Den sidste grænse".

I 2018 blev hans arbejde i filmen "Yards" udgivet. På dette billede spillede Askar fejlfrit billedet af Tekel.

Elena Tashaeva ikke kun teaterskuespillerinde... Hun medvirkede i film og tv-serier, såsom: "Kærlighed i distriktet", "Konspiration", "Hemmelig by", "Hus på dæmningen", "Fra kaptajn Chernyaevs liv", "Doktor Tyrsa" og andre.

Alexander Viktorovich dimitterede fra Gorky Theatre School (under ledelse af R.V. Bunatyan), efter at have mestret erhvervet som dukketeaterskuespiller. Efter endt uddannelse, siden 1991, arbejdede han i Nizhny Novgorod i sit speciale og i drama teater spiller mere seriøse roller.

Spil det formen af ​​et litterært værk skrevet af en dramatiker, der som regel består af dialoger mellem personer og er beregnet til læsning eller teaterforestilling; lille i størrelsen musikalsk komposition.

Brug af udtrykket

Udtrykket "skuespil" refererer til både dramatikeres skrevne tekster og deres teaterforestillinger. Få dramatikere, såsom George Bernard Shaw, gav ikke fortrinsret til, om deres skuespil ville blive læst eller opført på scenen. Stykket er en form for drama, der tager udgangspunkt i en konflikt af alvorlig og kompleks karakter.... Udtrykket "leg" bruges i bred betydning- vedrørende den dramatiske genre (drama, tragedie, komedie osv.).

Stykke i musik

Et stykke i musik (i dette tilfælde ligner ordet italiensk pezzo, bogstaveligt talt "stykke") - instrumentalt stykke, ofte lille i volumen, som er skrevet i form af en periode, en simpel eller kompleks 2-3 delform eller i form af en rondo. Titlen på et musikstykke definerer ofte dets genregrundlag - dans (valse, polonaiser, F. Chopins mazurkaer), march ("Tinsoldaternes march" fra Tchaikovskys "Børnealbum"), sang ("Sang uden ord" af F. Mendelssohn ").

Oprindelse

Udtrykket "leg" er af fransk oprindelse. I dette sprog omfatter ordet stykke flere leksikalske betydninger: del, stykke, arbejde, uddrag. Litterær form skuespil bestået langt træk udvikling fra oldtiden til moderne tid. Allerede i teatret Det gamle Grækenland dannede to klassisk genre dramatiske forestillinger - tragedie og komedie. Senere udvikling teaterkunst berigede genrer og varianter af drama, og følgelig skuespillets typologi.

Stykkets genrer. Eksempler på

Et skuespil er en form for litterært værk af dramatiske genrer, herunder:

Udvikling af stykket i litteraturen

I litteraturen blev stykket oprindeligt set som et formelt, generaliseret begreb, der indikerede tilhørsforholdet kunstværk til den dramatiske genre. Aristoteles ("Poetik", V og XVIII afsnit), N. Boileau ("Epistel VII til Racine"), G. E. Lessing ("Laocoon" og "Hamburg Drama"), J. V. Goethe ("Weimar Hofteater") brugte udtrykket " leg" som et universelt koncept, der gælder for enhver genre af drama.

I det XVIII århundrede. dramatiske værker dukkede op i titlerne, som ordet "leg" optrådte ("The Play on the Accession of Cyrus"). I det XIX århundrede. navnet "leg" blev brugt til at henvise til lyrisk digt... Dramatikerne i det tyvende århundrede søgte at udvide dramatikkens genregrænser ved at bruge ikke kun forskellige dramatiske genrer, men også andre typer kunst (musik, vokal, koreografi, herunder ballet, biograf).

Stykkets kompositionsstruktur

Den kompositoriske konstruktion af stykkets tekst omfatter en række traditionelle formelle elementer:

• titel;
• liste over skuespillere;
• karaktertekst - dramatiske dialoger, monologer;
• bemærkninger (forfatterens noter i form af en angivelse af handlingsstedet, karakteristika for karakterer eller en specifik situation);

Stykkets tekstmæssige indhold er opdelt i separate komplette semantiske dele - handlinger eller handlinger, som kan bestå af episoder, fænomener eller billeder. Nogle dramatikere gav deres værker en forfatters undertitel, som indikerede stykkets genrespecificitet og stilistiske orientering. For eksempel: "Discussion Play" af B. Shaw "Marriage", "Parabolic Play" af B. Brecht " rart menneske fra Sichuan".

Legens funktioner i kunsten

Stykket havde en stærk indflydelse på kunstens udvikling. Skuespillenes plot er baseret på verdensberømte kunstværker (teatralske, musikalske, kinematografiske, tv):

• operaer, operetter, musicals, for eksempel: W. A. ​​Mozarts opera "Don Juan, eller den straffede libertine" er baseret på stykket af A. de Zamora; kilden til plottet til operetten "Truffaldino fra Bergamo" - stykket "Tjener for to herrer" af K. Goldoni; musicalen "West Side Story" - en tilpasning af William Shakespeares skuespil "Romeo og Julie";
• balletforestillinger, f.eks.: balletten "Peer Gynt", opført efter stykket af samme navn af G. Ibsen;
• kinematografiske værker, for eksempel: den engelske film "Pygmalion" (1938) - en tilpasning af skuespillet af samme navn af B. Shaw; spillefilmen "Dog in the Manger" (1977) er baseret på handlingen i stykket af samme navn af Lope de Vega.

Moderne betydning

Fortolkningen af ​​begrebet et teaterstykke som en universel definition af tilhørsforhold til dramatiske genrer, som er meget brugt i moderne litteraturkritik og litterær praksis. Begrebet "leg" anvendes også på blandede dramatiske værker, der kombinerer træk fra forskellige genrer (for eksempel: komedie-ballet, introduceret af Moliere).

Ordet leg kommer fra Fransk stykke, som betyder stykke, del.

Det samme som at skrive, se dette ord. Ordbog fremmede ord inkluderet i det russiske sprog. Chudinov AN, 1910. SKYL i almindelighed, litterært eller musik. arbejde; i snæver forstand et dramatisk værk. Ordbog over fremmedord inkluderet i ... ... Ordbog over fremmede ord i det russiske sprog

- (fransk stykke "ting", "stykke") som et dramatisk udtryk bruges om de værker, der er svære at henføre til nogen af ​​de genrer, som allerede er kanoniseret af teorien. Altså i historien fransk teater vi møder ordet "leg" i ... ... Litterær encyklopædi

Og (forældede) skuespil, skuespil, koner. (fransk stykke). 1. Dramatisk arbejde. Sætte nyt skuespil... Oversat stykke. "I dramatiske skuespil ... i os kan ædle lidenskaber ophidse." Nekrasov. 2. Et lille stykke musik (musik). ... ... Ordbog Ushakova

PLAY, s, koner. 1. Dramatisk arbejde for teaterforestilling... 2. En lille musikinstrumental lyrik eller virtuos komposition. P. for knapharmonika. Ozhegovs forklarende ordbog. S.I. Ozhegov, N.Yu. Shvedova. 1949 1992 ... Ozhegovs forklarende ordbog

A PIECE, en sang for kvinder, fransk. dramatisk, teatralsk eller musikalsk komposition. Dahls forklarende ordbog. I OG. Dahl. 1863 1866 ... Dahls forklarende ordbog

Navn., F., Optr. ofte Morfologi: (nej) hvad? spiller, hvad? spille, (se) hvad? spil Hvad? et teaterstykke om hvad? om stykket; pl. hvad? skuespil, (nej) hvad? spiller for hvad? spiller, (se) hvad? spiller end? spiller om hvad? om skuespil 1. Stykket er dramatisk ... ... Dmitrievs forklarende ordbog

Spil- STK, STK, PIER s, g. stykke f. 1. Sammensætning (videnskabsmand); dokument. PPE. Jeg ved stadig, hvor meget du kan lide at læse og er nysgerrig; bedre end det det er forbudt. 1744. M.P. Bestuzhev Ryumin. // AB 2 230 ... Historisk ordbog over russisk gallicisme

Spil- s, w. 1) Dramatisk stykke til teaterforestilling. [Treplev:] Hun ... er imod mit spil, fordi hun ikke spiller, men Zarechnaya. Hun kender ikke mit skuespil, men hun hader det allerede (Tjekhov). Synonymer: dra / ma 2) En lille musical ... ... Populær ordbog for det russiske sprog

Spil - litterært arbejde designet til sceneoptræden. Kategori: struktur dramatisk arbejde Del: act Andre associative links: dramatiske genrer Et teaterstykke er et drama, en komedie er den sværeste form for litteratur, svært fordi ... Terminologisk ordbog-tesaurus om litteraturkritik

Bøger

• Leg, noder, scene. Et musikstykke for børn i to akter. En fascinerende rejse ind i eventyrets plot af bogen "Rødhåret drømmer med grønne øjne", Sergei Alexandrovich Kazakevich. Nær de fabelagtigt smukke Valdai-søer bor deres egne fabelagtigt liv magiske katte og katte, der opdrætter killinger i vækst. Farer og usædvanlige eventyr venter på dem. Her kan fuglen bære væk ... elektronisk bog
• Spil, G. Fauré. Denne bog vil blive produceret i overensstemmelse med din ordre ved hjælp af Print-on-Demand-teknologi. Genoptrykt nodeudgave "Pi? Ce". Genrer: Stykker; Til diskantinstrument, klaver; Scorer med...