Italian renessanssi. Italian renessanssi - Kulttuurihistoria: Luentomuistiinpanot

Italia on paras paikka ymmärtää taidehistoriaa helposti. Mestariteoksia on kirjaimellisesti joka käänteessä.

Tästä artikkelista opit:

"Rinascimento": ri - "uudelleen" + nasci - "syntynyt"

Toivon, että kaikki ovat kuulleet termin "renessanssi". Syntynyt uudelleen, syntynyt uudesti Tai renessanssi. Lähes aina tätä käsitettä sovelletaan taiteen alaan: maalaukseen, kirjallisuuteen, arkkitehtuuriin jne. Muuten, tämä voidaan johtua tieteestä.

Botticelli, Venuksen syntymä

Otetaan nyt selvää, mutta mikä itse asiassa syntyi uudelleen? Tämä on erityinen kulttuuri, joka on jo ylittänyt keskiajan, mutta vain edeltää valistusta.

Termin esitteli ensimmäisenä italialainen humanisti Giorgio Vasari. Tämä merkitsee tiettyä merkittävää edistysaskelta kaikilla yhteiskuntaelämän osa-alueilla ja erityisesti kulttuurin saralla. Kukkiminen, varjoista nouseminen, muutos.

Keskiajan ja antiikin välinen taistelu

Jos se ei vieläkään ole kovin selkeä, selitän sen yksinkertaisemmin. Tosiasia on, että keskiaikainen kulttuuri, maalaus, runous ja ihmisten elämä olivat hyvin riippuvaisia ​​kirkosta, yhteiskunnan hierarkiasta ja uskonnosta. Keskiaikainen taide on uskonnollista taidetta, persoonallisuus on tässä hukassa, sillä ei ole väliä.

Muuten, blogini sivuilla on useita vieraita kieliä!

Muista keskiaikaiset katoliset freskot, kankaat. Nämä ovat hyvin pelottavia kuvia, jotka miellyttävät kirkkoa. Tässä ovat pyhät, vanhurskaat, ja toisin kuin viimeinen tuomio, kauheita demoneita, hirviöitä. Syntyi tilanne, jossa oma itsenä oleminen, tavallisten inhimillisten intohioiden, halujen omaaminen on oikea tie helvettiin. Vain puhdassydäminen, vanhurskas kristitty voi toivoa pelastusta, anteeksiantoa.

Domanico Veneziano, Madonna ja lapsi

Renessanssille on ominaista antroposentrismi ja. Sen keskellä on ihminen, hänen toimintansa, ajatuksensa, pyrkimyksensä. Tämä lähestymistapa on tyypillistä antiikin kulttuurin aikakaudelle. Tämä on antiikin Rooma, Kreikka. Pakanuuden tilalle Eurooppaan tulee kristinusko, jonka myötä taiteen kaanonit muuttuvat täysin.

Raphael Santi, Madonna vihreässä

Nyt ihmistä pidettiin persoonana, tärkeänä osana yhteiskuntaa. Ihminen sai taiteessa vapauden, jota keskiajan uskonnollisen kulttuurin tiukat lait eivät koskaan antaneet hänelle.

Herätys, anteeksi tautologia, herättää henkiin antiikin ajanjakson, mutta tämä on jo sen korkeampi, moderni taso. Eurooppa on sen vaikutusvallan alla 1400-1500-luvuilla. Italia tulee olemaan hieman erilainen kronologinen viitekehys Renessanssi, kerron sinulle vähän myöhemmin.

Kuinka kaikki alkoi?

Kaikki alkoi Bysantin valtakunnan kaatumisesta. Jos Eurooppa oli pitkään kirkon hallinnassa, niin Bysantissa kukaan ei unohtanut antiikin ajan taidetta. Ihmiset pakenivat murenevasta valtakunnasta. He veivät mukanaan kirjoja, maalauksia, toivat veistoksia ja uusia ideoita Eurooppaan.

Bysantin valtakunnan kaatuminen

Cosimo de' Medici perustaa Platonin akatemian Firenzeen. Pikemminkin se elvyttää hänet. Kaikki tämä teki vaikutuksen erään bysanttilaisen luennoitsijan puheesta.

Kaupungit kasvavat, kiinteistöjen vaikutus kasvaa, kuten käsityöläiset, kauppiaat, pankkiirit, käsityöläiset. He eivät todellakaan välitä hierarkkisesta arvojärjestelmästä. Uskonnollisen taiteen nöyrä henki on heille käsittämätön, vieras.

On olemassa moderni suuntaus - humanismi. Juuri tällä on voimakas vaikutus renessanssin uuteen taiteeseen. Euroopan kaupungit pyrkivät varustautumaan edistyksellisillä tieteen ja taiteen keskuksilla.

Tämä alue on joutunut kirkon vaikutuksen alle. Tietenkin keskiaika kokkoineen ja kirjojen polttamiseen esti sivilisaation kehitystä vuosikymmeniä. Nyt renessanssi pyrki valtavilla harppauksilla kuromaan kiinni.

Italian renessanssi

Kuvataiteesta tulee paitsi aikakauden tärkeä osatekijä, myös välttämätön toiminta. Ihmiset tarvitsevat taidetta nyt. Miksi?

Raphael Santi, muotokuva

Talouden elpymisen aika on tulossa ja sen mukana jättimäinen muutos ihmisten mielissä. Kaikki ihmistietoisuus ei ollut enää suunnattu vain selviytymiseen, vaan uusia tarpeita ilmaantuu.

Kuvaa maailmaa sellaisena kuin se on, näyttää todellista kauneutta ja todellisia ongelmia - tämä on niiden tehtävä, joista tuli Italian renessanssin ikonisia hahmoja.

Tämän suuntauksen uskotaan ilmestyneen Italiassa. Ja se on ollut olemassa 1200-luvulta lähtien. Sitten Paramonin, Pisanon, sitten Giotton ja Orcagnan teoksiin ilmestyvät uuden suuntauksen ensimmäiset alut. Se juurtui lopulta vasta 1420-luvulta lähtien.

Kaiken kaikkiaan aikakauden muodostumisessa voidaan erottaa 4 suurta vaihetta:

1. Proto-renessanssi (mitä tapahtui Italiassa);
2. Varhainen renessanssi;
3. korkea renessanssi;
4. Myöhäisrenessanssi.

Tarkastellaan jokaista ajanjaksoa yksityiskohtaisemmin.

Proto-renessanssi

Edelleen liittyy läheisesti keskiaikaan. Tämä on vaiheittainen siirtymä vanhan ajan perinteistä uuteen. Se tapahtui XIII vuosisadan toiselta puoliskolta XIV vuosisadalle. Hidasti hieman sen kehitystä Italian maailmanlaajuisen ruttoepidemian vuoksi.

Proto-renessanssiaika, Andrea Mantegna, San Zenon alttaritaulu Veronassa

Tämän ajanjakson maalausta luonnehtivat parhaiten Firenze Cimabuen, Giotton, sekä Sienan koulukunnan - Duccion, Simone Martinin - teokset. Tietenkin mestari Giottoa pidetään protorenessanssin tärkeimpänä hahmona. Todella maalauksen kaanonien uudistaja.

Varhainen renessanssi

Tämä on ajanjakso 1420-1500. Voidaan sanoa, että tämä on sujuvan siirtymisen aika uuteen virtaan. Edelleen paljon lainattu menneen vuoden taiteesta. Siihen on lisätty uusia trendejä, kuvia, monia jokapäiväisiä aiheita. Maalausta ja arkkitehtuuria, kirjallisuutta on tulossa vähemmän kuvaannollinen, enemmän ja enemmän "inhimillisyyttä".

Varhainen renessanssi, Basilica di Santa Maria del Carmine, Firenze

Korkea renessanssi

Renessanssin rehevä kukoistusaika osuu Italiassa vuosille 1500 - 1527. Sen keskus siirretään Firenzestä Roomaan. Paavi Julius II suosii uutta tunnelmaa, mikä auttaa suuresti käsityöläisiä.

Sikstuksen Madonna, Raphael Santi, korkea renessanssi

Hän, yritteliäs, moderni henkilö, jakaa varoja taide-esineiden luomiseen. Italian parhaita freskoja maalataan, kirkkoja, rakennuksia ja palatseja rakennetaan. Antiikkisen piirteiden lainaamista jopa uskonnollisten rakennusten luomisessa pidetään aivan sopivana.

Italian ikonisimmat High Objectionin aikakauden taiteilijat ovat Leonardo da Vinci ja Raphael Santi.

Olin Louvressa maaliskuussa 2012, turisteja ei ollut paljon, ja sain rauhallisesti ja iloisesti katsoa maalausta "Mona Lisa", jota kutsutaan myös nimellä "La Gioconda". Todellakin, riippumatta siitä, kummalle puolelle käytät, hänen silmänsä katsovat aina sinuun. Ihme! Eikö olekin?

Mona Lisa, Leonardo da Vinci

Myöhäisrenessanssi

Se tapahtui 1530-1590-1620-luvuilla. Historioitsijat ovat sopineet vähentävänsä tämän ajanjakson teoksia yhdeksi vain ehdollisesti. Uusia suuntia tuli niin paljon, että silmät leviävät. Tämä koskee kaikenlaista luovuutta.

Sitten vastareformaatio voitti Etelä-Euroopassa. He alkoivat katsoa hyvin varovaisiksi ihmiskehon liiallisesta laulamisesta. Monet kirkkaan paluun antiikin vastustajat ilmestyivät.

Veronese, Avioliitto Canassa, myöhäisrenessanssi

Tällaisen taistelun seurauksena ilmestyi "hermostuneen taiteen" tyyli - manierismi. Siellä on katkenneita viivoja, kaukaa haettuja värejä ja kuvia, joskus liian moniselitteisiä ja joskus liioiteltuja.

Rinnakkain tämän kanssa ilmestyvät Titianin ja Palladion teokset. Heidän töitään pidetään myöhäisen renessanssin maamerkkinä, ja sen vuosisadan kriisivirrat eivät vaikuta siihen täysin.

Noiden ajanjaksojen filosofia löytää uuden tutkimuskohteen: "universaalin" ihmisen. Tässä filosofiset virrat kietoutuvat maalaukseen. Esimerkiksi Leonardo da Vinci. Hänen työnsä on esitys rajojen, rajojen puuttumisesta ihmismielelle.

Jos sinun tai lapsesi on valmistauduttava Unified State -kokeeseen ja GIA:han, voit tehdä tämän Foxfordin koululaisten verkkosivustolla. Koulutus 5-11 luokkien opiskelijoille kaikilla venäläisissä kouluissa olevilla aloilla. Portaalissa on perusaineiden peruskurssien lisäksi erikoiskurssit yhtenäiseen valtiokokeeseen, valtiontutkintoon ja olympialaisiin valmistautumiseen. Koulutukseen saatavilla olevat aineet: matematiikka, yhteiskuntaoppi, venäjä, fysiikka, tietojenkäsittely, kemia, historia, englanti, biologia.

Aikakausi valloittaa pohjoisen

Kyllä, kaikki alkoi Italiasta. Sitten virta eteni. Haluan sanoa muutaman sanan pohjoisesta renessanssista. Viimeksi se tuli Alankomaihin, Saksaan ja Ranskaan. Renessanssia siinä klassisessa mielessä ei ollut, mutta uusi tyyli valloitti Euroopan.

Goottilainen taide vallitsee ja ihmistieto jää taustalle. Albrecht Dürer, Hans Holbein nuorempi, Lucas Cranach vanhempi ja Pieter Brueghel vanhempi erottuvat.

Koko aikakauden parhaat edustajat

Puhuimme tämän mielenkiintoisimman ajanjakson historiasta. Tarkastellaan nyt lähemmin kaikkia sen osia.

Renessanssin mies

Tärkeintä on ymmärtää - ja kuka on renessanssin mies?
Filosofit auttavat meitä tässä. Heille tutkimuksen kohteena oli luovan ihmisen mieli ja kyvyt. Mieli erottaa ihmisen kaikesta muusta. Mieli tekee siitä Jumalan kaltaisen, koska Ihminen voi luoda, luoda. Tämä on Luoja, joka luo uuden, jatkuvasti kehittyvän ihmisen.

Se sijaitsee luonnon ja nykyajan risteyksessä. Luonto antoi hänelle uskomattoman lahjan - täydellisen ruumiin ja voimakkaan älyn. Moderni maailma avaa loputtomasti mahdollisuuksia. Koulutus, fantasia ja sen toteutus. Ei ole rajoja sille, mihin ihminen pystyy.

Vitruvian mies, Leonardo Da Vinci

Ihmispersoonallisuuden ihanne nyt: ystävällisyys, voima, sankarillisuus, kyky luoda ja luoda uusi maailma ympärilleen. Tärkeintä tässä on yksilön vapaus.

Ajatus ihmisestä on muuttumassa - nyt hän on vapaa, täynnä voimaa ja innostusta. Tietenkin tällainen ihmisten ajatus muutti heidät johonkin suureen, merkittävään, tärkeään.

"Jalo, kuin eräänlainen säteily, joka kumpuaa hyveestä ja valaisee omistajiaan, olivatpa he mistä tahansa." (Poggio Bracciolini, 1400-luku).

Tieteen kehitys

XIV-XVI vuosisatojen ajanjaksosta tuli maamerkki tieteen kehityksessä. Mitä Euroopassa tapahtuu?

• Tämä on Suuren aikaa maantieteellisiä löytöjä;
• Nicolaus Copernicus muuttaa ihmisten käsitystä Maasta, todistaa, että maa pyörii Auringon ympäri;
• Paracelsus ja Vesalius tekevät valtavan harppauksen lääketieteessä ja anatomiassa. Ruumiinavaus, ihmisen anatomian tutkiminen oli pitkään rikos, ruumiin häväistys. Lääketieteen tuntemus oli ehdottoman puutteellista, ja kaikki tutkimus oli kiellettyä;
• Niccolo Machiavelli tutkii sosiologiaa, ihmisten käyttäytymistä ryhmissä;
• Ajatus "ihanteellisesta yhteiskunnasta" ilmestyy, Campanellan "Auringon kaupunki";
• 1400-luvulta lähtien painatus on kehittynyt aktiivisesti, monia teoksia on julkaistu kansalle, tieteellisiä, historiallisia teoksia on tullut kenen tahansa saataville;
• Muinaisten kielten aktiivinen tutkimus, muinaisten kirjojen käännökset alkoivat.

Kuvitus kirjaan City of the Sun, Campanella

Kirjallisuus ja filosofia

Aikakauden kirkkain edustaja on Dante Alighieri. Hänen "Komediaa" tai "jumalallista komediaa" ihailivat aikalaiset, siitä tehtiin renessanssin puhtaan kirjallisuuden malli.

Yleisesti ottaen ajanjaksoa voidaan luonnehtia harmonisen, vapaan, luovan, kokonaisvaltaisesti kehittyneen persoonallisuuden kunniaksi.

Francesco Petrarchin ilmaiset sonetit rakkaudesta paljastavat ihmissielun syvyydet. Niissä näemme salaisen, piilotetun tunteiden, kärsimyksen ja rakkauden ilon maailman. Ihmisen tunteet tulevat esiin.

Petrarka ja Laura

Giovanni Boccaccio, Niccolo Machiavelli, Ludovico Ariosto ja Torquato Tasso ylistivät aikakautta täysin eri tyylisillä teoksilla. Mutta niistä tuli renessanssin klassikoita.

Tietenkin romanttisia romaaneja, tarinoita rakkaudesta ja ystävyydestä, hauskoja tarinoita ja traagisia romaaneja. Tässä on esimerkiksi Boccaccion "Decamerone".

Decameron, Boccaccio

Pico della Mirandola kirjoitti: "Miehen ylimmästä ja ihastuttavasta onnesta, jolle on annettu omistaa mitä hän haluaa ja olla mitä hän haluaa."
Tämän aikakauden kuuluisat filosofit:

• Leonardo Bruni;
• Galileo Galilei;
• Niccolo Machiavelli;
• Giordano Bruno;
• Gianozzo Manetti;
• Pietro Pomponazzi;
• Tommaso Campanella;
• Marsilio Ficino;
• Giovanni Pico della Mirandola.

Kiinnostus filosofiaa kohtaan kasvaa voimakkaasti. Vapaa-ajattelu lakkaa olemasta jotain kiellettyä. Analyysin aiheet ovat hyvin erilaisia, moderneja, ajankohtaisia. Sopimattomiksi pidettyjä aiheita ei enää ole, eivätkä filosofien pohdinnat enää mene vain miellyttämään kirkkoa.

taide

Yksi nopeimmin kasvavista aloista on maalaus. Silti uusia aiheita on paljon. Nyt taiteilijasta tulee myös filosofi. Hän näyttää näkemyksensä luonnon laeista, anatomiasta, elämän näkökulmista, ideoista, valosta. Ei ole enää kieltoja sille, jolla on lahjakkuutta ja halua luoda.

Luuletko, että uskonnollisen maalauksen aihe ei ole enää ajankohtainen? Päinvastoin. Renessanssin mestarit loivat upeita uusia maalauksia. Vanhat kaanonit lähtevät, niiden paikan ottavat suuret sävellykset, maisemat, "maailmalliset" attribuutit ilmestyvät. Pyhät pukeutuvat realistisesti, heistä tulee läheisempiä, inhimillisempiä.

Michelangelo, Aadamin luominen

Kuvanveistäjät käyttävät mielellään myös uskonnollisia teemoja. Heidän työstään tulee vapaampaa, suoraan sanottuna. Ihmiskeho, anatomiset yksityiskohdat eivät ole enää tabu. Muinaisten jumalien teema palaa.

Kauneus, harmonia, tasapaino, naisen ja miehen kehot ovat etusijalla. Ihmiskehon kauneudessa ei ole kieltoa, vaatimattomuutta, turmeltuneisuutta.

Arkkitehtuuri

Muinaisen roomalaisen taiteen periaatteet ja muodot palaavat. Nyt geometria, symmetria vallitsee, paljon huomiota kiinnitetään ihanteellisten mittasuhteiden etsimiseen.
Takaisin muodissa:

1. syvennykset, kupolien puolipallot, kaaret;
2. aediculae;
3. pehmeät linjat.

Ne korvasivat kylmät goottilaiset ääriviivat. Esimerkiksi kuuluisa Santa Maria del Fioren katedraali, Villa Rotonda. Silloin ilmestyivät ensimmäiset huvilat - esikaupunkirakentaminen. Yleensä suuret kompleksit puutarhoineen, terasseineen.

Santa Maria del Fioren katedraali

Valtavan panoksen arkkitehtuuriin antoivat:

1. Filippo Brunelleschia pidetään renessanssin arkkitehtuurin "isänä". Hän kehitti perspektiiviteorian ja järjestysjärjestelmän. Hän loi Firenzen katedraalin kupolin.
2. Leon Battista Alberti - tuli kuuluisaksi varhaiskristillisten basilikojen * motiivien uudelleenajattelusta Konstantinuksen ajoilta.
3. Donato Bramante - työskenteli korkean renessanssin aikana. Tunnettu tasapainoisista mittasuhteistaan.
4. Michelangelo Buonarroti on myöhäisrenessanssin pääarkkitehti. Luotu Pietarinkirkko, Laurentian portaat.
5. Andrea Palladio - klassismin perustaja. Hän loi oman suuntauksensa, nimeltään palladianismi. Hän työskenteli Venetsiassa ja suunnitteli suurimmat katedraalit ja palatsit.

Varhaisen ja korkean renessanssin aikana rakennettiin Italian parhaat palatsit. Esimerkiksi Medici Villa Poggio a Caianossa. Myös Palazzo Pitti.

Värit vallitsivat: sininen, keltainen, violetti, ruskea.

Yleisesti ottaen tuon ajan arkkitehtuuri erottui toisaalta vakaudesta ja toisaalta sileistä linjoista, puolipyöreistä siirtymistä ja monimutkaisista kaareista.

Huoneet olivat tilavia, korkeat katot. Koristeltu puu- tai lehtikoristeilla.

* Basilika - kirkko, katedraali. Siinä on suorakaiteen muotoinen ja yksi tai useampi (pariton määrä) laivoja. Se on tyypillistä varhaiskristilliselle ajalle, ja itse muoto on peräisin muinaisista kreikkalaisista ja roomalaisista temppelirakennuksista.

Uusia rakennusmateriaaleja alettiin käyttää. Pohja on kivipalikoita. Alettiin käsitellä eri tavoin. Uusia rakennuspalikoita syntyy. Ja silti - tämä on kipsin aktiivisen käytön aika.

Tiilestä tulee koriste- ja rakennemateriaali. Myös lasitettua tiiliä, terrakottaa ja majolikaa käytetään. Paljon huomiota kiinnitetään koristeellisiin yksityiskohtiin, niiden tutkimuksen laatuun.

Nyt metalleja käytetään myös koristeelliseen käsittelyyn. Näitä ovat kupari, tina ja pronssi. Puusepäntyön kehitys mahdollistaa hämmästyttävän kauniiden, harjakkaisten elementtien valmistamisen kovapuusta.

Musiikki

Kansanmusiikin vaikutus vahvistuu. Laulu ja laulu-instrumentaalinen polyfonia kehittyy nopeasti. Venetsialainen koulu menestyi täällä erityisen hyvin. Italiassa ilmestyy uusia musiikkityylejä - frottola ja villanella.

Caravaggio, luuttumuusikko

Italia on kuuluisa jousisoittimistaan. Altoviulun ja viulun välillä käydään jopa kamppailua samojen melodioiden parhaan esityksen puolesta. Uudet laulutyylit valtaavat Euroopan – soololaulu, kantaatti, oratorio ja ooppera.

Miksi Italia?

Muuten, miksi renessanssi alkoi Italiasta? Tosiasia on, että suurin osa väestöstä asui kaupungeissa. Kyllä, tämä on epätavallinen tilanne XIII-XV vuosisatojen ajalle. Mutta jos ei olisi erityisiä olosuhteita, ilmestyisivätkö kaikki aikakauden mestariteokset?

Kauppa ja käsityö kehittyivät nopeasti. Oli yksinkertaisesti välttämätöntä oppia, keksiä ja parantaa heidän työnsä tuotteita. Siellä oli siis ajattelijoita, kuvanveistäjiä, taiteilijoita. Tuotteista piti tehdä houkuttelevampia, kuvitettuja kirjoja myytiin paremmin.

Kauppa on aina matkailua. Ihmiset tarvitsivat kieliä. He näkivät matkoillaan paljon uutta, yrittivät tuoda sitä kaupunkinsa elämään.

Vasari, Firenze

Toisaalta Italia on Suuren Rooman valtakunnan seuraaja. Rakkaus kauniiseen, muinaisen kulttuurin jäännöksiin - kaikki tämä on keskittynyt Italian kaupunkeihin. Tällainen ilmapiiri ei yksinkertaisesti voinut olla kannustamatta lahjakkaita ihmisiä uusiin löytöihin.

Tiedemiehet uskovat, että toinen syy on juuri länsimainen, ei itämainen kristinuskon tyyppi. Uskotaan, että tämä on kristinuskon erityinen muoto. Maan katolisen elämän ulkoinen puoli mahdollisti tietyn vapaan ajattelun.

Esimerkiksi "vastapaavien" syntyminen! Sitten paavi itse puolusti valtaa käyttämällä epäinhimillisiä, täysin laittomia menetelmiä tavoitteen saavuttamiseksi. Ihmiset seurasivat tätä ymmärtäen, että todellisessa elämässä katoliset periaatteet ja moraali eivät aina toimi.

Nyt Jumalasta tuli teoreettisen tiedon kohde, ei ihmiselämän keskipiste. Ihminen oli selvästi erotettu Jumalasta. Tietysti tämä herätti kaikenlaisia ​​epäilyksiä. Tiede ja kulttuuri kehittyvät tällaisissa olosuhteissa. Luonnollisesti taide erottuu uskonnosta.

Ystävät, kiitos, että luit artikkeleitani! Toivon, että onnistuin selventämään tärkeitä kohtia Italian renessanssista.

Lue myös Italiasta ja Italiasta, joissa pääset helposti vierailemaan maan mielenkiintoisimmista ja kauneimmista paikoista.

Tilaa päivitykset, julkaise artikkelini uudelleen. Lisäksi tilaaessasi saat lahjaksi täysin veloituksetta erinomaisen peruslausekirjan kolmella kielellä, englanniksi, saksaksi ja ranskaksi. Sen tärkein etu on, että siellä on venäjänkielinen transkriptio, joten voit hallita puhekielen lauseita jopa ilman kieltä. Nähdään pian!

Olin kanssasi, Natalya Glukhova, toivotan sinulle hyvää päivää!

Luku "Johdanto", osio "Italian taide". Yleinen taiteen historia. Osa III. Renessanssin taidetta. Kirjailija: E.I. Rotenberg; päätoimittajana Yu.D. Kolpinsky ja E.I. Rotenberg (Moskova, Art State Publishing House, 1962)

Renessanssin taiteellisen kulttuurin historiassa Italialla oli poikkeuksellisen tärkeä panos. Italian renessanssin suurimman kukoistuksen mittakaava näyttää erityisen silmiinpistävältä verrattuna niiden kaupunkitasavaltojen pieniin alueellisiin ulottuvuuksiin, joissa tämän aikakauden kulttuuri syntyi ja koki korkean nousunsa. Taiteella oli näinä vuosisatoina ennennäkemätön asema julkisessa elämässä. Taiteellisesta luomisesta näytti muodostuneen renessanssin ihmisten kyltymätön tarve, ilmaus heidän ehtymätöntä energiaa. Italian kehittyneissä keskuksissa intohimo taiteeseen valloitti yhteiskunnan laajimmat osat - hallitsevista piireistä tavallisiin ihmisiin. Julkisten rakennusten rakentaminen, monumenttien asentaminen, kaupungin päärakennusten koristelu olivat valtakunnallisesti tärkeitä ja korkeiden virkamiesten huomion kohteena. Erinomaisten taideteosten ilmestymisestä tuli merkittävä sosiaalinen tapahtuma. Se tosiasia, että aikakauden suurimmat nerot - Leonardo, Raphael, Michelangelo - saivat aikalaisilta nimen divino - jumalallinen - voi todistaa yleisestä ihailusta erinomaisia ​​mestareita kohtaan.

Renessanssi, joka kattaa Italiassa noin kolme vuosisataa, on tuottavuudeltaan verrattavissa koko vuosituhanteen, jonka aikana keskiajan taide kehittyi. Italian renessanssin mestareiden luoman fyysiset mittakaavat, majesteettiset kunnalliset rakennukset ja valtavat katedraalit, upeat patriisipalatsit ja -huvilat, veistosteokset kaikissa muodoissaan, lukemattomat maalausmonumentit - freskosyklit, monumentaaliset alttarisommitukset ja maalausteline maalaukset ovat jo upeita.. Piirustus ja kaiverrus, käsinmaalattu miniatyyri ja vasta ilmestyvä painettu grafiikka, koriste- ja taidetaide sen kaikissa muodoissa - pohjimmiltaan ei ollut yhtäkään taiteellisen elämän aluetta, joka ei kokisi nopeaa nousua. Mutta ehkä vieläkin silmiinpistävämpää on Italian renessanssin taiteen poikkeuksellisen korkea taiteellinen taso, sen aidosti globaali merkitys yhtenä ihmiskulttuurin huipuista.

Renessanssin kulttuuri ei ollut yksin Italian omaisuutta: sen laajuus kattoi monet Euroopan maat. Samanaikaisesti yhdessä tai toisessa maassa renessanssin taiteen kehityksen yksittäiset vaiheet löysivät hallitsevan ilmaisun. Mutta Italiassa uusi kulttuuri ei vain syntynyt aikaisemmin kuin muissa maissa - sen kehityspolulle erottui poikkeuksellinen kaikkien vaiheiden sarja - protorenessanssista myöhäiseen renessanssiin, ja jokaisessa näistä vaiheista italialainen taide. antoi korkeita tuloksia, ylittäen useimmissa tapauksissa muiden maiden taidekoulujen saavutukset (Taidehistoriassa perinteen mukaan niiden vuosisatojen italialaisia ​​nimiä, joille Italian renessanssin taiteen synty ja kehitys putoaa, käytetään laajalti (jokainen näistä vuosisatoja edustaa tiettyä virstanpylvästä tässä kehityksessä). Näin ollen 1200-lukua kutsutaan nimellä ducento, 14. vuosisadaa - trecento, 15. - quattrocento, 16. - cinquecento.). Tämän ansiosta renessanssin taiteellinen kulttuuri Italiassa saavutti erityisen ilmaisun täyteyden, ilmaantuen niin sanotusti yhtenäisimmässä ja klassisesti viimeistellyssä muodossaan.

Tämän tosiasian selitys liittyy erityisiin olosuhteisiin, joissa renessanssi-Italian historiallinen kehitys eteni. Sosiaalinen perusta, joka vaikutti synnytykseen uutta kulttuuria, päätti täällä erittäin aikaisin. Jo 1100-1300-luvuilla, jolloin Bysantti ja arabit syrjäytettiin ristiretkien seurauksena alueen perinteisiltä kauppareiteiltä. Välimeri, Pohjois-Italian kaupungit ja ennen kaikkea Venetsia, Pisa ja Genova ottivat haltuunsa koko Länsi-Euroopan ja idän välisen välityskaupan. Samoilla vuosisatoilla käsityötuotanto koki nousunsa sellaisissa keskuksissa kuin Mila, Firenze, Siena ja Bologna. Kertynyt omaisuus sijoitettiin laajasti teollisuuteen, kauppaan ja pankkitoimintaan. Poliittisen vallan valtasi kaupungeissa Polanien kartano eli käsityöläiset ja kauppiaat, jotka yhdistyivät työpajoiksi. Kasvavaan taloudelliseen ja poliittiseen voimaansa luottaen he aloittivat taistelun paikallisten feodaaliherrojen kanssa pyrkien poliittisen oikeutensa täydelliseen riistoon. Italian kaupunkien vahvistuminen antoi heille mahdollisuuden torjua onnistuneesti muiden valtioiden, pääasiassa Saksan keisarien, hyökkäykset.

Tähän mennessä myös muiden Euroopan maiden kaupungit lähtivät tielle puolustaa yhteisöoikeuksiaan voimakkaiden feodaaliherrojen vaatimuksilta. II, rikkaat italialaiset kaupungit erosivat kuitenkin tässä suhteessa Alppien toisella puolella sijaitsevista kaupunkikeskuksista yhdellä ratkaisevalla piirteellä. Poliittisen itsenäisyyden ja feodaalisista instituutioista vapauden poikkeuksellisen suotuisissa olosuhteissa syntyi uuden, kapitalistisen elämäntavan muotoja Italian kaupungeissa. Kapitalistisen tuotannon varhaisimmat muodot ilmenivät selkeimmin Italian kaupunkien kangasteollisuudessa, ensisijaisesti Firenzessä, missä jo käytettiin hajallaan ja keskitetyssä manufaktuurissa olevia muotoja, ja niin sanotuissa senioripajoissa, jotka olivat yrittäjien liittoja, perusti palkattujen työntekijöiden julman hyväksikäytön järjestelmän. Todiste siitä, kuinka pitkälle Italia oli muita maita edellä talous- ja kehityspolulla sosiaalinen kehitys, saattaa johtua siitä, että jo 1300-luvulla. Italia ei tuntenut vain talonpoikien feodaalien vastaisia ​​liikkeitä, jotka kehittyivät maan tietyillä alueilla (esimerkiksi Fra Dolcinon kansannousu vuonna 1307), tai kaupunkiplebin puheita (Cola di Rienzin johtama liike Roomassa vuosina 1347-1354), mutta myös sorrettujen työläisten kansannousut yrittäjiä vastaan ​​kehittyneimmissä teollisuuskeskuksissa (Ciompi-kapina Firenzessä vuonna 1374). Samassa Italiassa, aikaisemmin kuin missään muualla, alkoi varhaisen porvariston muodostuminen - se uusi yhteiskuntaluokka, jota edusti popolansky-piirit. On tärkeää korostaa, että tämä varhainen porvaristo kantoi merkkejä perustavanlaatuisesta erosta keskiaikaisiin porvareihin. Tämän eron olemus liittyy ensisijaisesti taloudellisiin tekijöihin, koska varhaiset kapitalistiset tuotantomuodot syntyvät Italiassa. Mutta yhtä tärkeää on se, että edistyneissä keskuksissa italialainen porvaristo 1300-luvulla. hallussa koko poliittista valtaa laajentaen sen kaupunkien viereisiin maatiloihin. Tällaista vallan täydellisyyttä ei tienneet muiden Euroopan maiden porvarit, joiden poliittiset oikeudet eivät yleensä ylittäneet kunnallisten etuoikeuksien rajoja. Taloudellisen ja poliittisen vallan yhtenäisyys antoi Italian Polanialaiselle luokalle ne erityispiirteet, jotka erottivat sen sekä keskiaikaisista porvarista että renessanssin jälkeisen ajan porvaristosta 1600-luvun absolutistisissa valtioissa.

Feodaalisen tilajärjestelmän romahtaminen ja uusien sosiaalisten suhteiden syntyminen johtivat perustavanlaatuisiin muutoksiin maailmankuvassa ja kulttuurissa. Sosiaalisen mullistuksen vallankumouksellinen luonne, joka oli renessanssin ydin, ilmeni poikkeuksellisen selkeästi Italian kehittyneissä kaupunkitasavallassa.

Mitä tulee sosiaaliseen ja ideologinen aikakausi Renessanssi Italiassa oli monimutkainen ja ristiriitainen prosessi vanhan tuhoamiseksi ja uuden muodostumiseksi, kun taantumukselliset ja edistykselliset elementit olivat kaikkein akuuteimman taistelun tilassa, ja myös oikeuslaitokset, yhteiskuntajärjestys, tavat jne. itse maailmankatsomusperusteina eivät olleet vielä saavuttaneet loukkaamattomuuden ikiaikaista ja valtion kirkollista auktoriteettia. Siksi sellaiset tuon ajan ihmisten ominaisuudet kuin henkilökohtainen energia ja aloitteellisuus, rohkeus ja sinnikkyys asetetun tavoitteen saavuttamisessa löysivät itselleen erittäin suotuisan maaperän Italiassa ja saattoivat paljastaa itsensä täällä mitä suurimmalla täyteydellä. Ei ihme, että juuri Italiassa renessanssin ihmisen tyyppi kehittyi suurimmassa kirkkaudessaan ja täydellisyydessä.

Se, että Italia tarjosi ainutlaatuisen esimerkin renessanssin taiteen pitkästä ja äärimmäisen hedelmällisestä kehityksestä sen kaikissa vaiheissa, johtuu ensisijaisesti siitä, että edistyksellisten sosiaalisten piirien todellinen vaikutus taloudellisella ja poliittisella alalla säilyi täällä aina 2000-luvun ensimmäisiin vuosikymmeniin saakka. 16. vuosisata. Tämä vaikutus oli tehokas myös aikana, jolloin monissa maan keskuksissa alkoi siirtyminen (1300-luvulta alkaen) kunnallisjärjestelmästä niin kutsuttuihin tyrannioihin. Keskitetyn vallan vahvistaminen siirtämällä se yhden hallitsijan käsiin (joka tuli feodaalisista tai rikkaimmista kauppiasperheitä) oli seurausta hallitsevien porvarillisten piirien ja kaupunkien alempien luokkien välisen luokkataistelun kiihtymisestä. Mutta Italian kaupunkien taloudellinen ja sosiaalinen rakenne perustui edelleen suurelta osin aikaisempiin valloituksiin, eikä turhaan seurannut avoimen henkilökohtaisen diktatuurin perustamiseen pyrkineiden hallitsijoiden vallan ylilyöntejä. suuri osa kaupunkiväestöä, mikä usein johtaa tyrannien karkottamiseen. Nämä tai muut tarkastelujakson aikana tapahtuneet poliittisen vallan muodoissa tapahtuneet muutokset eivät voineet tuhota itse vapaiden kaupunkien henkeä, joka jatkui Italian kehittyneissä keskuksissa renessanssin traagiseen loppuun asti.

Tämä tilanne erotti renessanssin Italian muista Euroopan maista, joissa uudet yhteiskunnalliset voimat tulivat myöhemmin korvaamaan vanhan oikeusjärjestyksen, ja itse renessanssin kronologinen pituus oli siksi vastaavasti pienempi. Ja koska uusi yhteiskuntaluokka ei voinut ottaa näissä maissa niin vahvoja asemia kuin Italiassa, niin renessanssin mullistus ilmaantui vähemmän ratkaisevissa muodoissa eikä taiteellisen kulttuurin muutoksilla itsessään ollut niin selvää vallankumouksellista luonnetta.

Italia meni kuitenkin muiden maiden edellä yhteiskunnallisen ja kulttuurisen edistyksen tiellä toisessa tärkeässä historiallisessa kysymyksessä niiden takana: maan poliittinen yhtenäisyys, muuttuminen vahvaksi ja keskitetyksi valtioksi oli sille epärealistista. Tämä oli Italian historiallisen tragedian juuri. Siitä lähtien, kun sitä ympäröivistä suurista monarkioista ja ennen kaikkea Ranskasta sekä Pyhästä Rooman valtakunnasta, johon kuuluivat Saksan valtiot ja Espanja, tuli mahtavia valtoja, moniin sotiviin alueisiin jakautunut Italia joutui puolustuskyvyttömäksi hyökkäysten hyökkäystä vastaan. vieraat armeijat.. Ranskan vuonna 1494 aloittama kampanja Italiaa vastaan ​​aloitti valloitussotien ajan, joka päättyi 1500-luvun puolivälissä. espanjalaisten vangitseminen lähes koko maan alueella ja sen itsenäisyyden menetys useiden vuosisatojen ajan. Maan parhaiden mielien vaatimukset Italian yhdistämisestä ja yksittäiset käytännön yritykset tähän suuntaan eivät voineet voittaa Italian valtioiden perinteistä separatismia.

Tämän separatismin juuria ei tarvitse etsiä vain yksittäisten hallitsijoiden, erityisesti Rooman paavien, Italian yhtenäisyyden katkerimpien vihollisten, egoistisesta politiikasta, vaan ennen kaikkea sen taloudellisen ja sosiaalisen järjestelmän perustasta, joka perustettiin vuonna renessanssi maan edistyneillä alueilla ja keskuksissa. Uuden taloudellisen ja yhteiskunnallisen rakenteen leviäminen yhden koko Italian valtion puitteissa osoittautui tuolloin mahdottomaksi, ei vain siksi, että kaupunkitasavaltojen yhteisöllisen järjestelmän muotoja ei voitu siirtää kaupungin hallintaan. koko maan, mutta myös taloudellisten tekijöiden vuoksi: koko Italian mittakaavassa yhtenäisen talousjärjestelmän luominen tuolloin tuotantovoimien tasolla oli mahdotonta. Varhaisen porvariston laajalle levinnyt kehitys, joka oli ominaista Italialle, jolla oli täydet poliittiset oikeudet, saattoi tapahtua vain pienten kaupunkitasavaltojen rajoissa. Toisin sanoen maan pirstoutuminen oli yksi väistämättömistä edellytyksistä sellaisen voimakkaan renessanssikulttuurin kuin Italian kulttuurin kukoistamiselle, sillä tällainen kukoistus oli mahdollista vain yksittäisten itsenäisten kaupunkivaltioiden olosuhteissa. Kuten historiallisten tapahtumien kulku osoitti, keskitetyissä monarkioissa renessanssin taide ei saanut niin selvää vallankumouksellista luonnetta kuin Italiassa. Tätä johtopäätöstä vahvistaa se tosiasia, että jos Italia osoittautui poliittisesti ajan mittaan riippuvaiseksi sellaisista vahvoista absolutistisista voimista kuin Ranska ja Espanja, niin kulttuurillisesti ja taiteellisesti - jopa silloin, kun Italia menetti itsenäisyytensä - riippuvuus kääntyi..

Siten italialaisen renessanssin kulttuurin suurimman nousun edellytyksiin asetettiin syyt sitä odottavalle romahdukselle. Tämä ei tietenkään tarkoita lainkaan sitä, että erityisesti Italian vakavan poliittisen kriisin aikana 1500-luvun alkuvuosikymmeninä voimistuneet vaatimukset maan yhdistämisestä eivät olisi olleet edistyksellisiä. Nämä vetoomukset eivät vastanneet ainoastaan ​​suuren väestönosan toiveita, joiden yhteiskunnalliset valloitukset ja itsenäisyys olivat uhattuna, vaan ne olivat myös heijastus Italian eri alueiden kasvavasta kulttuurisesta konsolidaatiosta. Renessanssin kynnyksellä kulttuurikehityksensä epätasaisuudesta johtuen eristyneitä maan monia alueita yhdisti jo 1500-luvulla syvä henkinen yhtenäisyys. Se, mikä jäi mahdottomaksi valtiopoliittisella alalla, toteutettiin ideologisella ja taiteellisella alueella. Republikaanien Firenze ja paavillinen Rooma olivat sotivia valtioita, mutta suurimmat firenzeläiset mestarit työskentelivät sekä Firenzessä että Roomassa, ja heidän roomalaisten teostensa taiteellinen sisältö oli vapautta rakastavan Firenzen tasavallan edistyksellisimpien ihanteiden tasolla.

Renessanssitaiteen poikkeuksellisen hedelmällistä kehitystä Italiassa edistivät paitsi sosiaaliset, myös historialliset ja taiteelliset tekijät. Italian renessanssin taiteen alkuperä ei ole yhden, vaan useiden lähteiden velkaa. Renessanssia edeltävänä aikana Italia oli useiden keskiaikaisten kulttuurien risteyspaikka. Toisin kuin muissa maissa, keskiaikaisen eurooppalaisen taiteen molemmat päälinjat, bysanttilainen ja roomalaisgoottilainen, saivat täällä yhtä merkittävän ilmaisun, ja tietyillä Italian alueilla itämaisen taiteen vaikutuksesta vaikeutti niitä. Molemmat linjat vaikuttivat renessanssin taiteen kehitykseen. Bysanttilaisesta maalauksesta italialainen protorenessanssi omaksui ihanteellisen kauniin kuvien rakenteen ja monumentaalisten kuvajaksojen muodot; goottilainen figuratiivinen järjestelmä vaikutti emotionaalisen jännityksen ja tarkemman todellisuudenkäsityksen tunkeutumiseen 1300-luvun taiteeseen. Mutta vielä tärkeämpää oli se, että Italia oli muinaisen maailman taiteellisen perinnön suojelija. Muinainen perinne on tavalla tai toisella löytänyt taittumuksensa jo keskiaikaisessa italialaisessa taiteessa, esimerkiksi Hohenstaufen-kauden veistoksessa, mutta vasta renessanssissa, 1400-luvulta alkaen, antiikin taide avautui taiteilijoiden silmille. todellisessa valossaan itse todellisuuden lakien esteettisesti täydellisenä ilmaisuna. Näiden tekijöiden yhdistelmä loi Italiassa suotuisimman maaperän renessanssin taiteen syntymiselle ja nousulle.

Yksi italialaisen renessanssitaiteen korkeimman kehitystason indikaattoreista oli sille tyypillinen tieteellisen ja teoreettisen ajattelun laaja kehitys. Teoreettisten kirjoitusten varhainen ilmestyminen Italiaan oli sinänsä todiste siitä tärkeästä tosiasiasta, että edistyneen italialaisen taiteen edustajat ymmärsivät kulttuurissa tapahtuneen vallankumouksen olemuksen. Tämä tietoisuus luovasta toiminnasta vauhditti suuressa määrin taiteellista edistystä, sillä se mahdollisti italialaisten mestareiden etenemisen ei hapuilemalla, vaan määrätietoisesti asettamalla ja ratkaisemalla tiettyjä tehtäviä.

Taiteilijoiden kiinnostus tieteellisiin ongelmiin tuolloin oli sitäkin luontevampaa, koska objektiivisessa maailmantietämisessään he luottivat paitsi sen emotionaaliseen havaintoon, myös sen taustalla olevien lakien rationaaliseen ymmärtämiseen. Renessanssille tyypillinen tieteellisen ja taiteellisen tiedon fuusio johti siihen, että monet taiteilijat olivat samanaikaisesti erinomaisia ​​tiedemiehiä. Silmiinpistävimmässä muodossa tämä piirre ilmaistaan ​​Leonardo da Vincin persoonallisuudessa, mutta tavalla tai toisella se oli ominaista erittäin monille italialaisen taiteellisen kulttuurin hahmoille.

Teoreettinen ajattelu renessanssin Italiassa kehittyi kahdella päälinjalla. Yhtäältä tämä on esteettisen ihanteen ongelma, jonka ratkaisemisessa taiteilijat luottivat italialaisten humanistien ajatuksiin ihmisen korkeasta kohtalosta, eettisistä normeista, hänen paikastaan ​​luonnossa ja yhteiskunnassa. Toisaalta nämä ovat käytännön kysymyksiä tämän taiteellisen ihanteen ruumiillistuksesta uuden, renessanssin taiteen avulla. Renessanssin mestareiden anatomian, perspektiiviteorian ja mittasuhteiden opin tuntemus, joka oli seurausta tieteellisestä maailman ymmärtämisestä, auttoi kehittämään niitä kuvakielen keinoja, joiden avulla nämä mestarit pystyivät heijastamaan objektiivisesti todellisuutta taiteessa. Eri taiteen teoreettisissa teoksissa pohdittiin monenlaisia ​​taiteellisen käytännön kysymyksiä. Riittää, kun mainitaan esimerkkeinä Brunelleschin, Albertin ja Piero della Francescan toteuttama matemaattisen näkökulman kysymysten kehitys ja soveltaminen maalauksessa, luonteeltaan kattava koodi. taiteellista tietoa ja teoreettiset johtopäätökset, jotka ovat Leonardo da Vincin lukemattomia muistiinpanoja, Ghibertin, Michelangelon ja Cellinin kirjoituksia ja lausuntoja veistoksesta, Albertin, Averlinon, Francesco di Giorgio Martinin, Palladion ja Vignolan arkkitehtonisia tutkielmia. Lopuksi Italian renessanssin kulttuuri esitti George Vasarin henkilössä ensimmäisen taidehistorioitsijan, joka italialaisten taiteilijoiden elämäkerroissaan yritti ymmärtää aikakautensa taidetta historiallisesti. Näiden teosten sisällön ja kattavuuden vahvistaa se, että italialaisten teoreetikkojen ajatukset ja johtopäätökset säilyttivät käytännöllisen merkityksensä vuosisatoja niiden ilmestymisen jälkeen.

Vielä suuremmassa määrin tämä koskee Italian renessanssin mestareiden erittäin luovia saavutuksia, jotka antoivat merkittävän panoksen kaikenlaisiin plastiikkataiteisiin ja määrittelivät usein heidän kehityspolun seuraavina aikakausina.

Italian renessanssin arkkitehtuurissa luotiin eurooppalaisessa arkkitehtuurissa siitä lähtien käytetyt julkisten ja asuinrakennusten päätyypit ja kehitettiin niitä arkkitehtuurin kielen välineitä, joista tuli pitkän historiallisen ajanjakson aikana arkkitehtonisen ajattelun perusta. Maallisen alun italialaisen arkkitehtuurin dominointi ei ilmentynyt pelkästään maallisiin tarkoituksiin tarkoitettujen julkisten ja yksityisten rakennusten vallitsevana siinä, vaan myös siinä tosiasiassa, että spiritistiset elementit eliminoitiin uskonnollisten rakennusten hyvin kuvaannollisesta sisällöstä - ne väistyivät uusille. , humanistiset ihanteet. Maallisessa arkkitehtuurissa johtavan paikan vallitsi asuinkaupungin talo-palatsi (palazzo) - alun perin varakkaiden kauppias- tai liikeperheiden edustajan asunto ja 1500-luvulla. - aatelisen tai valtion hallitsijan asuinpaikka. Renessanssipalatsi, joka sai ajan myötä yksityisen, mutta myös julkisen rakennuksen piirteitä, toimi myös seuraavien vuosisatojen julkisten rakennusten prototyyppinä. Italian kirkkoarkkitehtuurissa kiinnitettiin erityistä huomiota imagoon keskeisestä kupolirakenteesta. Tämä kuva vastasi renessanssissa vallitsevaa ideaa täydellisestä arkkitehtonisesta muodosta, joka ilmaisi ajatuksen renessanssin persoonallisuudesta, joka on harmonisessa tasapainossa ympäröivän maailman kanssa. Kypsimmät ratkaisut tähän ongelmaan antoivat Bramante ja Michelangelo Pyhän katedraalin suunnittelussa. Pietari Roomassa.

Mitä tulee itse arkkitehtuurin kieleen, muinaisen järjestysjärjestelmän elpyminen ja kehittäminen uudelle pohjalle oli tässä ratkaisevaa. Italian renessanssin arkkitehdeille tilaus oli arkkitehtoninen järjestelmä, joka oli suunniteltu visuaalisesti ilmaisemaan rakennuksen tektonista rakennetta. Järjestyksen luontaista suhteellisuutta henkilöön pidettiin yhtenä arkkitehtonisen kuvan humanistisen ideologisen sisällön perustana. Italialaiset arkkitehdit laajensivat tilauksen sommittelumahdollisuuksia antiikin mestareihin verrattuna onnistuneesti löytämään orgaanisen yhdistelmän seinän, kaaren ja holvin kanssa. Rakennuksen koko tilavuus on heidän mielestään ikään kuin järjestysrakenteen läpäisemä, joka saavuttaa rakenteen syvän kuviollisen yhtenäisyyden sen luonnollisen ympäristön kanssa, koska klassiset tilaukset itsessään heijastavat tiettyjä luonnollisia kuvioita.

Renessanssi-Italian arkkitehdit kohtasivat kaupunkisuunnittelussa suuria vaikeuksia varsinkin alkukaudella, sillä useimmissa kaupungeissa oli tiheitä pääkaupunkirakennuksia jo keskiajalla. Varhaisen renessanssin arkkitehtuurin edistyneet teoreetikot ja harjoittajat asettivat kuitenkin itselleen suuria kaupunkisuunnitteluongelmia ja pitivät niitä huomisen kiireellisinä tehtävinä. Jos heidän rohkeat yleiset kaupunkisuunnitteluideansa eivät tuolloin olleet täysin toteuttamiskelpoisia ja jäivät siksi arkkitehtonisten tutkielmien omaisuudeksi, niin tietyt tärkeät tehtävät, erityisesti kaupunkikeskuksen luomisongelma - kaupungin pääaukion rakentamisen periaatteiden kehittäminen - löydettiin 1500-luvulla. sen loistava ratkaisu, esimerkiksi Piazza San Marco Venetsiassa ja Capitoline Square Roomassa.

Renessanssi-Italia tarjosi kuvataiteessa silmiinpistävimmän esimerkin tiettyjen taiteen lajien itsemääräämisoikeudesta, jotka keskiajalla olivat arkkitehtuurin alisteisia, mutta nyt ovat saavuttaneet täydellisen kuvaannollisen itsenäisyyden. Ideallisesti tämä prosessi merkitsi kuvanveiston ja maalauksen vapautumista niitä kahlitsevista keskiajan uskonnollisista ja spiritualistisista dogmeista ja vetoamista uudella, humanistisella sisällöllä kyllästettyihin kuviin. Rinnakkain tämän kanssa tapahtui uusien kuvataiteen tyyppien ja genrejen syntyä ja muodostumista, joissa uusi ideologinen sisältö sai ilmaisunsa. Esimerkiksi kuvanveisto sai vuosituhannen tauon jälkeen vihdoin takaisin figuratiivisen ilmeisyytensä perustan kääntyen vapaasti seisovaksi patsaaksi ja ryhmäksi. Myös kuvanveiston figuratiivisen kattavuuden laajuus on laajentunut. Perinteisten, kristilliseen kulttiin ja antiikin mytologiaan liittyvien, henkilöstä yleisiä käsityksiä heijastavien kuvien ohella sen kohteena oli myös erityinen inhimillinen yksilöllisyys, joka ilmeni monumentaalisten monumenttien luomisessa hallitsijoille ja condottiereille sekä laajalle levinneessä veistoksellisessa muotokuvassa muotokuva rintakuva. Radikaalissa muutoksessa on meneillään myös keskiajalla näin kehittynyt veistos reljefiksi, jonka figuratiiviset mahdollisuudet kuvallisen ja perspektiivisen tilankuvausmenetelmien käytön ansiosta laajenevat entistä täydellisemmän ja kattava esittely ihmistä ympäröivästä elinympäristöstä.

Mitä tulee maalaukseen, tässä monumentaalisen freskokoostumuksen ennennäkemättömän kukoistuksen ohella on tarpeen korostaa erityisesti maalaustelinemaalauksen ilmaantumista, joka merkitsi uuden vaiheen alkua kuvataiteen kehityksessä. Kuvalajeista sekä raamatullisia ja mytologisia aiheita käsittelevien sävellysten lisäksi, joilla oli hallitseva asema Italian renessanssin maalauksessa, on syytä erottaa muotokuva, joka selvisi ensimmäisen kukoistuksensa tällä aikakaudella. Ensimmäiset tärkeät askeleet otettiin myös sellaisissa uusissa genreissä kuin historiallinen maalaus sanan varsinaisessa merkityksessä ja maisema.

Koska Italian renessanssilla on ollut ratkaiseva rooli tietyntyyppisten kuvataiteiden vapautumisprosessissa, se säilytti ja kehitti samalla yhden keskiaikaisen taiteellisen kulttuurin arvokkaimmista ominaisuuksista - periaatteen syntetisoida erityyppisiä taidemuotoja ja yhdistää ne yhteinen kuviollinen kokonaisuus. Tätä helpotti italialaisille mestareille luontainen kohonnut taiteellisen organisoinnin tunne, joka ilmenee heissä sekä minkä tahansa monimutkaisen arkkitehtonisen ja taiteellisen kompleksin yleisessä suunnittelussa että tähän kompleksiin sisältyvän yksittäisen teoksen jokaisessa yksityiskohdassa. Samaan aikaan, toisin kuin keskiaikainen synteesikäsitys, jossa kuvanveisto ja maalaus ovat alisteisia arkkitehtuurille, renessanssin synteesin periaatteet perustuvat kunkin taidemuodon omalaatuiseen tasa-arvoisuuteen, jonka ansiosta kuvanveiston ja maalauksen erityisominaisuudet yhteisen taiteellisen kokoonpanon puitteet saavat esteettisen vaikutuksen tehokkuutta lisää. On tärkeää korostaa tässä, että merkkejä omistamisesta suuri kuvaannollinen järjestelmä kuljettaa paitsi teoksia, jotka sisältyvät suoraan mihin tahansa taiteelliseen kompleksiin, myös erikseen otettuja itsenäisiä veistos- ja maalausmonumentteja. Olipa kyseessä Michelangelon kolossaali David tai Rafaelin miniatyyri Connestabile Madonna, jokainen näistä teoksista sisältää mahdollisesti ominaisuuksia, joiden avulla sitä voidaan pitää mahdollisena osana jotakin yleistä taiteellista kokonaisuutta.

Tätä erityisesti italialaista monumentaalis-synteettistä renessanssitaiteen varastoa helpotti veistoksen ja maalauksen taiteellisten kuvien luonne. Italiassa, toisin kuin muissa Euroopan maissa, renessanssin ihmisen esteettinen ihanne muodostui hyvin varhain, ja se juontaa juurensa humanistien opetukseen uomo universalesta, täydellisestä ihmisestä, jossa kehon kauneus ja lujuus yhdistyvät harmonisesti. Tämän kuvan johtavana piirteenä esitetään virtu (valor) käsite, jolla on hyvin laaja merkitys ja joka ilmaisee ihmisessä olevan aktiivisen periaatteen, hänen tahtonsa tarkoituksenmukaisuuden, kyvyn toteuttaa yleviä suunnitelmiaan siitä huolimatta. kaikki esteet. Kaikki italialaiset taiteilijat eivät ilmaise tätä renessanssin figuratiivisen ihanteen erityislaatua niin avoimessa muodossa kuin esimerkiksi Masaccio, Andrea del Castagno, Mantegna ja Michalangelo - mestarit, joiden töitä hallitsevat sankarillisen luonteen kuvat. Mutta se on aina läsnä harmonisen varaston kuvissa, esimerkiksi Rafaelissa ja Giorgionessa, koska renessanssikuvien harmonia on kaukana rento levosta - sen takana on aina aistittavissa sankarin sisäinen toiminta ja tietoisuus moraalisesta vahvuudestaan. .

Koko 1400- ja 1500-luvuilla tämä esteettinen ihanne ei pysynyt muuttumattomana: renessanssitaiteen kehityksen yksittäisistä vaiheista riippuen siinä hahmoteltiin sen eri puolia. Esimerkiksi varhaisen renessanssin kuvissa horjumattoman sisäisen eheyden piirteet näkyvät selvemmin. Korkean renessanssin sankarien henkinen maailma on monimutkaisempi ja rikkaampi, mikä antaa silmiinpistävimmän esimerkin tämän ajanjakson taiteen harmonisesta maailmankuvasta. Seuraavina vuosikymmeninä ratkaisemattomien sosiaalisten ristiriitojen lisääntyessä italialaisten mestareiden kuvissa sisäinen stressi, on dissonanssin tunne, traaginen konflikti. Mutta koko renessanssin ajan italialaiset kuvanveistäjät ja maalarit pysyivät sitoutuneina kollektiiviseen kuvaan, yleistettyyn taiteelliseen kieleen. Taiteellisten ihanteiden yleisimmän ilmaisun halun ansiosta italialaiset mestarit onnistuivat enemmän kuin muiden maiden mestarit luomaan kuvia niin laajasta soundista. Tämä on heidän erikoisen universaalisuuden juuri kuvaannollinen kieli, joka osoittautui eräänlaiseksi normiksi ja malliksi renessanssitaiteessa yleensä.

Syvästi kehittyneiden humanististen ideoiden valtava rooli italialaiselle taiteelle ilmeni jo ehdoitta hallitsevassa asemassa, jonka siinä ihmiskuva löysi - yksi tämän osoittimista oli italialaisille ominaisen kauniin ihmiskehon ihailu, jota piti mm. humanistit ja taiteilijat kauniin sielun säiliönä. Ihmistä ympäröivästä kodista ja luonnosta ei useimmissa tapauksissa tullut italialaisten mestareiden niin tarkkaa huomiota. Tämä selvä antroposentrismi, kyky paljastaa ajatuksensa maailmasta ensisijaisesti ihmisen kuvan kautta, antaa Italian renessanssin mestareiden sankareille niin kattavan sisällön syvyyden. Polku yleisestä yksilöön, kokonaisuudesta erityiseen on tyypillistä italialaisille ei vain monumentaalisissa kuvissa, joissa heidän ihanteelliset ominaisuudet ovat välttämätön taiteellisen yleistyksen muoto, vaan myös sellaisessa genressä kuin muotokuva. Ja muotokuvatöissään italialainen taidemaalari lähtee tietyntyyppisestä ihmispersoonallisuudesta, jonka suhteen hän näkee jokaisen tietyn mallin. Tämän mukaisesti italialaisessa renessanssin muotokuvassa, toisin kuin muiden maiden taiteen muotokuvissa, tyypillinen periaate hallitsee yksilöllistymispyrkimyksiä.

Mutta tietyn ihanteen dominointi italialaisessa taiteessa ei suinkaan merkinnyt taiteellisten ratkaisujen tasoittumista ja liiallista yhtenäisyyttä. Ideologisten ja figuratiivisten lähtökohtien yhtenäisyys ei vain sulkenut pois jokaisen tällä aikakaudella työskennelleestä valtavasta määrästä mestareiden luovien kykyjen monimuotoisuutta, vaan päinvastoin ilmaisi heidän yksilölliset ominaisuutensa entistä selvemmin. Jopa yhden ja lisäksi renessanssitaiteen lyhimmän vaiheen rajoissa - niiden kolmen vuosikymmenen aikana, joihin korkearenessanssi laskeutuu, voimme helposti havaita havainnointierot. ihmiskuva tämän ajanjakson suurimmilta mestarilta. Siten Leonardon hahmot erottuvat syvästä henkisyydestään ja henkisestä rikkaudestaan; Rafaelin taiteessa harmonisen selkeyden tunne hallitsee; Michelangelon titaaniset kuvat antavat selvimmin ilmauksen tämän aikakauden miehen sankarillisesta tehokkuudesta. Jos käännymme venetsialaisten maalareiden puoleen, niin Giorgionen kuvat vetävät puoleensa hienoimmalla lyyrisyydellä, kun taas Tizianin aistillinen täyteläisyys ja tunneliikkeiden monimuotoisuus korostuvat. Sama koskee kuvakieli Italialaiset maalarit: jos firenzeläis-roomalaisia ​​mestareita hallitsevat lineaariplastiset ilmaisuvälineet, niin venetsialaiset ovat värin kannalta ratkaisevia.

Renessanssin figuratiivisen havainnon eri osa-alueet saivat erilaisen taittuman Italian renessanssin taiteessa riippuen sen eri kehitysvaiheista ja yksittäisissä alueellisissa taidekouluissa kehittyneistä perinteistä. Koska Italian valtioiden taloudellinen ja kulttuurinen kehitys ei ollut tasaista, myös niiden panos renessanssin taiteeseen oli erilainen sen yksittäisinä ajanjaksoina. Maan monista taiteellisista keskuksista on syytä mainita kolme - Firenze, Rooma ja Venetsia, joiden taide tietyssä historiallisessa järjestyksessä edusti Italian renessanssin päälinjaa kolmen vuosisadan ajan.

Firenzen historiallinen rooli renessanssin kulttuurin muovaamisessa on erityisen merkittävä. Firenze oli uuden taiteen eturintamassa protorenessanssista korkearenessanssiin asti. Toscanan pääkaupunki osoittautui ikään kuin Italian taloudellisen, poliittisen ja kulttuurisen elämän keskipisteeksi 1200-luvulta 1500-luvun alkuun ja sen historian tapahtumiin, koska se oli menettänyt puhtaasti paikallisen luonteensa, sai koko italialaisen merkityksen. Sama pätee täysin näiden vuosisatojen firenzeläiseen taiteeseen. Firenze oli monien suurimpiin kuuluvien mestareiden syntymäpaikka tai luovan toiminnan paikka Giottosta Michelangeloon.

1400-luvun lopulta - 1500-luvun alusta. Roomaa on Firenzen ohella esitetty maan taiteellisen elämän johtavana keskuksena. Käyttämällä erityisasemaansa katolisen maailman pääkaupunkina Roomasta tulee yksi Italian vahvimmista valtioista, joka vaatii johtavaa roolia niiden joukossa. Vastaavasti kehittyy roomalaisten paavien taiteellinen politiikka, joka Rooman paavin auktoriteetin vahvistamiseksi houkuttelee hoviinsa suurimmat arkkitehdit, kuvanveistäjät ja maalarit. Rooman nousu maan tärkeimmäksi taiteelliseksi keskukseksi osui samaan aikaan korkean renessanssin alkamisen kanssa; Rooma säilytti johtavan asemansa 1500-luvun kolmen ensimmäisen vuosikymmenen aikana. Bramanten, Rafaelin, Michelangelon ja monien muiden Roomassa työskentelevien mestareiden parhaat teokset, jotka on luotu näiden vuosien aikana, merkitsivät renessanssin huippua. Mutta kun Italian valtiot menettivät poliittisen itsenäisyytensä, renessanssikulttuurin kriisin aikana paavillinen Rooma muuttui ideologisen reaktion linnoitukseksi, joka muodosti vastauudistuksen. 1940-luvulta lähtien, jolloin vastareformaatio aloitti laajan hyökkäyksen renessanssikulttuurin valloitusta vastaan, kolmanneksi suurin taiteellinen keskus, Venetsia, on ollut progressiivisen renessanssin ihanteiden vartija ja seuraaja.

Venetsia oli viimeinen vahvoista Italian tasavalloista, joka puolusti itsenäisyyttään ja säilytti suuren osan valtavasta rikkaudestaan. Jäljellä 1500-luvun loppuun asti. Renessanssikulttuurin tärkeä keskus, se oli orjuutetun Italian toiveiden linnoitus. Juuri Venetsian oli määrä paljastaa hedelmällisin Italian myöhäisrenessanssin kuvaannolliset ominaisuudet. Tizianin työ hänen toimintansa viimeisellä kaudella sekä 1500-luvun venetsialaisten maalareiden toisen sukupolven suurimmat edustajat. - Veronese ja Tintoretto eivät olleet vain renessanssin taiteen realististen periaatteiden ilmaisu uudessa historiallisessa vaiheessa - se tasoitti tietä niille historiallisesti lupaavimmille renessanssirealismin elementeille, joita jatkettiin ja kehitettiin uudella suurella taiteellisella aikakaudella - maalauksessa 1700-luvulta.

Italian renessanssin taiteella oli jo aikaansa nähden poikkeuksellisen laaja yleiseurooppalainen merkitys. Ylittää muun Euroopan renessanssin taiteen kehityksen polulla kronologisesti. Italia oli heitä edellä myös monien aikakauden tärkeimpien taiteellisten tehtävien ratkaisemisessa. Siksi kaikille muille kansallisille renessanssikulttuureille vetoomus italialaisten mestareiden työhön merkitsi jyrkkää harppausta uuden, realistisen taiteen muodostumisessa. Jo 1500-luvulla tietyn taiteellisen kypsyyden saavuttaminen Euroopan maissa oli mahdotonta ilman italialaisen taiteen valloitusten syvällistä luovaa omaksumista. Sellaiset suuret taidemaalarit, kuten Dürer ja Holbein Saksassa, El Greco Espanjassa, sellaiset suuret arkkitehdit kuten hollantilainen Cornelis Floris, espanjalainen Juan de Herrera, englantilainen Pnigo Jones, ovat paljon velkaa renessanssi-Italian taiteen tutkimukselle. Italialaisten arkkitehtien ja maalareiden itsensä toiminta-alue, joka levisi kaikkialle Eurooppaan Espanjasta Muinaiseen Venäjään, oli laajuudessaan poikkeuksellinen. Mutta ehkä vieläkin merkittävämpi on Italian renessanssin rooli nykyajan kulttuurin perustana, yhtenä realistisen taiteen korkeimmista inkarnaatioista ja suurimpana taiteellisen taidon kouluna.

Mikä on Revival. Yhdistämme herätyksen kulttuurin, ensisijaisesti kuvataiteen, saavutuksiin. Taiteen historiaan edes vähän perehtyneen silmän edessä on taiteilijoiden luomia harmonisen kauniita ja majesteettisia kuvia: lempeitä madonnoja ja viisaita pyhimyksiä, rohkeita sotureita ja tärkeitä kansalaisia. Heidän hahmonsa kohoavat juhlallisesti marmorikaarien ja -pylväiden taustaa vasten, joiden takana leviävät läpinäkyvät valomaisemat.

Taide kertoo aina ajastaan, ihmisistä, jotka elivät silloin. Millaiset ihmiset loivat nämä kuvat, jotka ovat täynnä arvokkuutta, sisäistä rauhaa, luottamusta omaan merkitykseensä?

Sanaa "renessanssi" käytti ensimmäisen kerran Giorgio Vasari 1500-luvun puolivälissä. kirjassaan kuuluisista italialaisista maalareista, kuvanveistäjistä ja arkkitehdeista XIII-XVI vuosisadalla. Nimi ilmestyi aikana, jolloin aikakausi oli päättymässä. Vasari asetti tähän käsitteeseen hyvin selvän merkityksen: taiteen kukoistus, nousu, elpyminen. Myöhemmin tälle ajanjaksolle ominaista halua herättää kulttuurissa muinaiset perinteet alettiin pitää yhtä tärkeänä.

Renessanssi-ilmiön synnyttivät yhteiskunnan olosuhteet ja tarpeet uuden ajan kynnyksellä (eli teollisen yhteiskunnan muodostumisen laitamilla), ja vetoomus antiikkiin mahdollisti sopivien ilmaisumuotojen löytämisen. uusia ajatuksia ja tunnelmia. Historiallinen merkitys tämä ajanjakso on uudentyyppisen persoonallisuuden muodostumista ja uuden kulttuurin perustan luomista.

Uusia suuntauksia Italian yhteiskunnan elämässä. Yhteiskunnallisella ja henkisellä alueella alkaneiden muutosten olemuksen ymmärtämiseksi helpommin on tarpeen kuvitella, kuinka yksilön ja yhteiskunnan suhdetta rakennettiin keskiajalla. Sitten ihmispersoonallisuus hajosi siihen pieneen kollektiiviin (talonpoikayhteisö, ritarikunta, luostariveljeskunta, käsityöpaja, kauppiaskilta), johon ihmisen kiintyivät alkuperänsä ja syntymänsä olosuhteet. Hän itse ja kaikki hänen ympärillään olevat näkivät hänet ensisijaisesti esimerkiksi fra (veli) - luostariveljeskunnan jäsenenä, eikä tietyn nimen omaavana henkilönä.

Ihmisten välisiä suhteita, käyttäytymisnormeja ja heidän havaintojaan on kehitetty ja määritelty selkeästi. Jos keskitymme vain asian teoreettiseen puoleen, voidaan sanoa näin: papiston velvollisuus oli rukoilla kaikkien maallikoiden puolesta, aateliston suojelemaan kaikkia mahdolliselta ulkoiselta uhalta ja talonpojat tukemaan ja ruokkimaan ensimmäisiä ja toiset kiinteistöt. Käytännössä kaikki tämä oli tietysti kaukana teoreettisesta idyllista, mutta roolitoimintojen jakautuminen oli juuri sitä. Yhteiskunnallinen epätasa-arvo oli lujasti kiinni yleisessä tietoisuudessa, jokaisella kartanolla oli omat tiukasti määritellyt oikeutensa ja velvollisuutensa, ja niillä oli yhteiskunnallinen rooli, joka vastasi tarkasti sen yhteiskunnallista asemaa. Syntymä varmisti yksilön tietylle paikalle yhteiskunnan rakenteessa, hän saattoi muuttaa asemaansa lähes yksinomaan niiden sosiaalisten tikkaiden portaiden puitteissa, joihin hän alkuperältään kuului.

Kiinnittyminen tiettyyn sosiaaliseen markkinarakoon häiritsi ihmisyksilön vapaata kehitystä, mutta tarjosi hänelle tietyt sosiaaliset takeet. Siten keskiaikainen yhteiskunta keskittyi muuttumattomuuteen, vakauteen ihanteellisena valtiona. Se kuului perinteisten yhteiskuntien tyyppiin, jonka olemassaolon pääedellytys on konservatiivisuus, perinteiden ja tapojen kuuliaisuus.

Vanha maailmankuva oli suuntautunut siihen, että maallinen elämä on vain lyhyt aika, jolloin ihminen valmistautuu pääasialliseen, ikuiseen, toiseen elämään. Ikuisuus valtasi ohikiitävän todellisuuden. Toiveet hyvistä muutoksista liittyivät yksinomaan tähän todelliseen elämään, ikuisuuteen. Maallinen maailma, tämä "surun laakso", oli kiinnostava vain siltä osin kuin se oli heikko heijastus toisesta, päämaailmasta. Asenne ihmiseen oli ambivalenttinen - hän jakoi tiukasti maallisen, kuolevaisen ja syntisen alkunsa, jota olisi pitänyt halveksia ja vihata, sekä ylevän, hengellisen, joka oli ainoa olemassaolon arvoinen. Askeettista munkkia, joka luopui maallisen elämän iloista ja huolista, pidettiin ihanteena.

Ihminen oli osa pientä sosiaalista yhteisöä, ja siksi kaikki hänen toimintansa, mukaan lukien luova, koettiin yhteisten ponnistelujen tuloksena. Itse asiassa luovuus oli nimetöntä, ja tietomme tietyn keskiajan kuvanveistäjän tai maalarin työstä on satunnaista ja hajanaista. Kaupunki, yhteisö rakensi katedraalin, ja kaikki sen yksityiskohdat olivat osa yhtä kokonaisuutta, joka oli suunniteltu kiinteään havaintoon. Arkkitehdit, vapaamuurarit, veistäjämestarit, maalarimestarit pystyttivät seiniä, loivat veistoksia ja lasimaalauksia, maalasivat seiniä ja ikoneja, mutta melkein yksikään heistä ei pyrkinyt säilyttämään nimeään jälkipolville. Ihannetapauksessa heidän olisi pitänyt toistaa parhaalla mahdollisella tavalla, toistaa antiikin auktoriteetin pyhittämä ja "alkuperäinen", jota tulisi jäljitellä.

Ensimmäinen askel kohti uusia suuntauksia yhteiskunnan elämään oli kaupunkien kasvu ja kehitys. Apenniinien niemimaa, joka oli kiilautunut kuin ojennetulla saappaalla Välimeren avaruuteen, oli erittäin edullisella paikalla keskiaikaisessa maailmassa. Tämän sijainnin edut tulivat erityisen ilmeisiksi, kun talouselämä alkoi elpyä lännessä ja kauppakontaktien tarve Lähi-idän rikkaiden maiden kanssa kasvoi. 1100-luvulta Italian kaupungit alkoivat kukoistaa. Ristiretkistä tuli sysäys kaupunkitalouden nopealle kehitykselle: ritarit, jotka lähtivät valloittamaan Pyhää hautaa, tarvitsivat laivoja ylittääkseen meren; aseet taisteluun; tuotteita ja erilaisia ​​taloustavaroita. Kaiken tämän tarjosivat italialaiset käsityöläiset, kauppiaat, merimiehet.

Italiassa ei ollut vahvaa keskushallintoa, joten jokaisesta kaupungista ja ympäröivästä maaseudusta tuli kaupunkivaltio, jonka menestys riippui sen käsityöläisten taidosta, sen kauppiaiden ripeydestä, ts. kaikkien asukkaiden yrittäjyydestä ja energiasta.

Italiassa 1300-1400-luvuilla vallinneen yhteiskunnan talouselämän perusta oli kaupunkeihin keskittynyt teollisuus ja kauppa. Kiltajärjestelmä säilyi, ja vain killan jäsenillä oli kansalaisoikeudet; eivät kaikki kaupungin asukkaat. Kyllä, ja eri työpajat erosivat merkittävästi vaikutuksen asteessa: esimerkiksi Firenzessä 21 työpajasta eniten vaikuttajia olivat "vanhempityöpajat", jotka yhdistivät arvostetuimpien ammattien ihmisiä. Seniorityöpajojen jäsenet, ”lihavat miehet”, olivat itse asiassa yrittäjiä, ja uudet piirteet talouselämässä ilmenivät elementtien (toistaiseksi vain elementtien!) ilmaantumisena uudesta talousrakenteesta.

Renessanssin kaupunki. Renessanssin kulttuuri on kaupunkikulttuuria, mutta sen synnyttänyt kaupunki erosi huomattavasti keskiaikaisesta kaupungista. Ulkoisesti tämä ei ollut kovin silmiinpistävää: samat korkeat seinät, sama satunnainen asettelu, sama katedraali pääaukiolla, samat kapeat kadut. "Kaupunki kasvoi kuin puu: säilytti muotonsa, mutta kasvoi kokonsa, ja kaupungin muurit, kuin renkaat leikkauksessa, merkitsivät sen kasvun virstanpylväitä." Joten Firenzessä XIII vuosisadalla. seinien renkaan laajentaminen kesti kahdesti vuosisadassa. XIV vuosisadan puoliväliin mennessä. kaupunkikehitykseen varattua tilaa lisättiin 8-kertaiseksi. Hallitus huolehti muurien rakentamisesta ja säilyttämisestä.

Kaupungin portit toimivat yhteyspisteenä ulkopuolinen maailma. Portilla seisoneet vartijat keräsivät maksua kaupunkiin saapuvilta kauppiailta ja talonpoikaisilta, he myös suojelivat kaupunkia mahdolliselta vihollisen hyökkäykseltä. Ennen tykistön aikakauden alkua vahvoilla porteilla varustetut seinät olivat melko luotettava suoja ulkoisilta tunkeutumisilta, vain ruoka ja vesi riittäisivät. Tämä rajoitus teki siitä tungosta rakennusten kerrosten lisäämiseksi. Italialle on ominaista se, että kilpailevat varakkaat perheet pystyttivät korkeita torneja, joiden pystysuorat ja kirkkojen kellotornit antoivat kaupungin siluetille kivimetsän ilmeen. Esimerkiksi Sienan ulkonäkö on kuvattu A. Blokin riveissä seuraavasti: "Sinä kiinnitit kirkkojen ja tornien kärjet taivaalle."

Kaupunki on keinotekoisesti järjestetty tila. Italian kaupunkien kadut ja aukiot 1200-luvulta. päällystetty kivillä tai kivillä. Ihmisten arki tapahtui enimmäkseen kadulla. Kauppiaat, rahanvaihtajat ja käsityöläiset suorittivat rahansiirtoja kadulla; käsityöläiset työskentelivät usein kadulla katoksen alla; he kokoontuivat kadulla tai aukiolla keskustelemaan erilaisista asioista; syntymät, konkurssit, kuolemat, avioliitot, teloitukset. Jokaisen kaupunkilaisen elämä sujui naapureiden edessä.

Keskusaukio oli koristeltu paitsi majesteettisella katedraalilla, myös veistoksilla. Esimerkki tällaisesta koristeesta on Firenzessä Palazzo Vecchion (kaupungintalon) edessä oleva aukio. Kaupungin etuosassa korostui erityisesti romaanisen (vähemmän goottilaisen) tyylin vanhojen rakennusten ja uusien renessanssirakennusten naapurusto. Naapurikaupunkien asukkaat kilpailivat toistensa kanssa aukioiden, kirkkojen ja julkisten rakennusten sisustamisessa.

XIV-XV vuosisadalla. Italian kaupungeissa rakentaminen oli nopeaa, vanhoja rakennuksia purettiin ja korvattiin uusilla. Rakennusten rappeutuminen ei ollut läheskään aina syy tähän - maut muuttuivat, vauraus kasvoi ja samalla halu näyttää uusia mahdollisuuksia. Esimerkki tällaisesta on XIV-luvulla alkanut. uuden Firenzen rakentaminen katedraali(Duomo, joka tunnetaan paremmin nimellä Santa Maria del Fiori), jonka kupoli oli aikansa suurin lännessä.

Joskus varakkaat perheet yhdistivät useita vanhoja asuntoja remontoidun julkisivun taakse. Joten arkkitehti L. B. Alberti rakensi Ruchelain perheen toimeksiannosta uuteen tyyliin palatsin, joka kätki kahdeksan taloa maalaismaisen julkisivun taakse. Talojen välinen kaista muutettiin sisäpihaksi. Tällainen tekniikka mahdollisti asuintilojen, varastojen ja liikkeiden, loggioiden ja puutarhan yhdistämisen yhdeksi kokonaisuudeksi. Maallisen kaupunkirakennuksen arkkitehtoninen päämuoto -palazzo - palatsit varakkaat kansalaiset, joilla oli suorakaiteen muotoinen sisäpiha. Palazzon kadulle päin olevat julkisivut vastasivat Italian kaupunkitasavallalle ominaisia ​​elinoloja. Alemman kerroksen seinällä vuoratun kiven (rustovka) painokkaasti karkea käsittely, paksut seinät, pienet ikkunat - kaikki tämä muistutti, että tällainen palatsi voisi toimia luotettavana suojana lukuisten kaupungin sisäisten poliittisten konfliktien aikana.

Sisätilat koostuivat huoneista, jotka oli koristeltu seinämaalauksilla ja peitetty puisilla, veistetyillä ja harvemmin stukkokatoilla. Juhlallisissa tilaisuuksissa seinät koristeltiin seinämatoilla (säleikköillä), jotka myös vaikuttivat lämmön säilymiseen tiloissa. Tilava Yu

huoneet (stanzas), marmoriportaat loivat vaikutelman juhlallisesta loistosta. Ikkunat suljettiin puisilla ikkunaluukkuilla, joskus ne peitettiin öljytyllä pellavalla, myöhemmin (mutta tämä oli jo melkein syntistä luksusta!) Ne täytettiin pienillä lasinpalasilla, jotka oli työnnetty lyijykuoreen. Päälämmityslaitteena säilyi keittiön tulisija sekä isojen eteishuoneiden tulisijat, jotka mieluummin sisustivat kuin lämmittivät. Siksi he yrittivät varustaa sängyillä katos ja aidata raskaat verhot ympäröivästä tilasta. Koko huonetta oli mahdotonta lämmittää kuumalla kivellä tai pullolla kuumaa vettä. Pääsääntöisesti vain perheenpäällä oli "oma" huone, työhuone, "työskentelypaikka käsikirjoitusten, pohdiskelujen, yksinäisen maailman ja itsensä tuntemisen parissa" ja muulla taloudella. asunut yhdessä. Varakkaan perheen arki sujui useimmiten pihalla ja sitä ympäröivissä gallerioissa.

Suhteellisen vähän, mutta massiivisia ja runsaasti kaiverruksia ja maalauksia koristeltuja huonekaluja osoittivat mukavuudenhalusta. Yleisimpiä esimerkkejä huonekaluista olivat hääarkku (cassonne), rintapenkki selkänojalla, massiiviset arkkitehtonisilla yksityiskohdilla koristellut vaatekaapit, pöydät, nojatuolit ja jakkarat. Sisustus oli koristeltu paitsi seinämaalauksilla, myös pronssisilla valaisimilla, maalatulla keramiikalla (majolika), peileillä kaiverretuilla kehyksillä, hopealla ja lasilla sekä pitsiset pöytäliinat.

Monet arkkitehdit haaveilivat kaupunkien ulkonäön muuttamisesta uusien makujen mukaan, mutta se oli mahdotonta: laajamittainen rakentaminen vaati valtavia varoja ja yhtä paljon valtaa talojen massapurkujen toteuttamiseen. Loppujen lopuksi tätä varten oli tarpeen rikkoa niin monia taloja, niin monia ihmisiä muuttaa, mutta tähän ei ollut varoja. Siksi heidän piti tyytyä yksittäisten rakennusten rakentamiseen, useimmiten varakkaiden perheiden katedraaleihin tai palatsiin. Kaupunkeja rakennettiin vähitellen, tarpeen ja mahdollisuuksien mukaan, ilman suunnitelmaa, ja niiden ulkomuoto säilyi suurelta osin keskiaikaisena.

Ihanteelliset renessanssikaupungit esiintyivät lähes yksinomaan piirustuksissa ja kuvien taustana. ”Renessanssikaupungin malli on avoin malli. Ydin on... aukion vapaa tila, joka avautuu ulospäin katujen havaintoaukoilla, josta on näkymät kauas, kaupungin muurien taakse... näin taiteilijat kuvasivat kaupunkia, näin kirjoittajat arkkitehtuurin tutkielmien nähdä sen. Renessanssikaupunki ei ihannetapauksessa suojele itseään ei-kaupungin avoimelta tilalta, päinvastoin, hallitsee sitä, alistaa sen itselleen ... Renessanssin arkkitehtoninen ajatus ... vastustaa päättäväisesti kaupunkia keinotekoisena ja taitavasti luotua työtä, luonnonympäristöön. Kaupungin ei tule totella paikkakuntaa, vaan alistaa se... Keskiajan kaupunki oli pystysuora. 1400-luvun kaupunki on ihanteellisesti ajateltu vaakasuuntaisena... ”Uusia kaupunkeja suunnitelleet arkkitehdit ottivat huomioon muuttuvat olosuhteet ja ehdottivat tavanomaisten linnoituksen muurien sijaan puolustuslinnoitusten rakentamista ympäri kaupunkia.

Ihmisten ulkonäkö. Ihmisten ulkonäkö muuttui, esineiden maailma, jolla he ympäröivät itsensä, muuttui. Tietysti köyhien asunnot (pieni puurakennus tai huone ikkunattoman kaupan takana) säilyivät samoina kuin satoja vuosia sitten. Muutokset vaikuttivat vauraaseen, varakkaaseen väestön osaan.

Vaatteet vaihtuivat aikakauden tunnelmien ja makujen mukaan. Maku määräytyi nyt siviilien, varakkaiden kansalaisten tarpeiden ja kykyjen mukaan, ei sotilaallisen ritariluokan mukaan. Päällysvaatteet ommeltiin monivärisistä, usein kuviollisista kankaista, kuten brokadista, sametista, kankaasta ja raskaasta silkistä. Pellavaa alettiin käyttää yksinomaan alaosa mekko, joka katsoi ylämekon nauhoitusten ja halkioiden läpi. "Vaikka hänellä ei ollut valittavissa olevaa virkaa, iäkkään kansalaisen päällysvaatteet olivat väistämättä pitkiä, leveitä ja antoivat hänen ulkonäölleen painovoiman ja tärkeyden jäljen." Nuorten vaatteet olivat lyhyet. Se koostui paidasta, seisovakaulus liivistä ja liiviin sidotuista tiukoista, usein monivärisistä sukkahousuista. Jos 1500-luvulla etusija annettiin kirkkaille ja kontrastisille väreille, sitten XYI-luvun alusta. yksiväriset vaatteet, jotka on koristeltu turkilla ja jalometalliketjulla, tulevat muodikkaammiksi.

Naisten vaatteet 1400-luvulla Se erottui muodon pehmeydestä ja monivärisyydestä. Pitkät kapeat hihat, korkea vyötärö ja suuri neliömäinen pääntie pitkien paitojen ja mekkojen päällä he käyttivät viitta (sikora), joka koostui kolmesta paneelista. Takapaneeli putosi alas vapaasti taitoksissa ja kaksi hyllyä oli päällystetty omistajan maun mukaan. Kokonaissiluetti muistutti antiikin aikaa. XVI vuosisadan alun kanssa. naisten asuissa vaakasuora jakautuminen korostuu. Suuri rooli mekon koristelussa alkaa olla pitsillä, kehystää pääntietä ja hihojen reunoja. Vyötärö putoaa luonnolliseen paikkaan, pääntie on tehty isommaksi, hihat tilavammat, hame on upeampi. Vaatteiden piti korostaa vahvan, terveen naisen kauneutta.

Ihmisen "minän" löytäminen. Italian renessanssiyhteiskunnan elämässä vanha ja uusi elävät rinnakkain ja kietoutuvat toisiinsa. Tyypillinen tuon aikakauden perhe on suurperhe, joka yhdistää useita sukupolvia ja useita sukuhaaroja, alisteinen patriarkan päähän, mutta tämän tutun hierarkian rinnalle nousee esiin toinenkin suuntaus, joka liittyy henkilökohtaisen itsetietoisuuden heräämiseen.

Loppujen lopuksi, kun Italiassa on syntynyt olosuhteet uuden talousrakenteen ja uuden yhteiskunnan syntymiselle, myös ihmisiä, heidän käyttäytymistään, suhtautumista maallisiin asioihin ja huolenaiheisiin koskevat vaatimukset ovat muuttuneet. Uuden yhteiskunnan talouselämän perusta oli kaupunkeihin keskittynyt kauppa ja käsityötuotanto. Mutta ennen kuin suurin osa väestöstä keskittyi kaupunkeihin, ennen kuin manufaktuureja, tehtaita, laboratorioita syntyi, oli ihmisiä, jotka pystyivät luomaan niitä, ihmisiä, jotka olivat energisiä, pyrkivät jatkuvaan muutokseen, taistelevat puolustaakseen paikkaansa elämässä. Tapahtui ihmistietoisuuden vapautuminen ikuisuuden hypnoosista, jonka jälkeen hetken arvo, ohikiitävän elämän merkitys, halu tuntea olemisen täyteys alkoi tuntua entistä terävämmin.

Syntyi uudenlainen persoonallisuus, jolle on ominaista rohkeus, energia, toiminnan jano, vapaa perinteiden ja sääntöjen tottelemisesta, joka kykenee toimimaan epätavallisella tavalla. Nämä ihmiset olivat eniten kiinnostuneita erilaisia ​​ongelmia oleminen. Joten Firenzen kauppiaiden tilikirjoista, eri tavaroiden numeroiden ja luetteloiden joukosta, löytyy keskusteluja ihmisten kohtalosta, Jumalasta, poliittisen ja taiteellisen elämän tärkeimmistä tapahtumista. Kaiken tämän takana tunnemme lisääntynyttä kiinnostusta ihmistä, itseään kohtaan.

Ihminen alkoi pitää omaa yksilöllisyyttään ainutlaatuisena ja arvokkaana, sitäkin tärkeämpänä, että sillä on kyky jatkuvasti kehittyä. Oman persoonallisuuden hypertrofoitunut tunne kaikessa omaperäisyydessään imee koko renessanssin ihmisen. Hän löytää oman yksilöllisyytensä, sukeltaa ilolla omaan henkiseen maailmaansa, järkyttyneenä tämän maailman uutuudesta ja monimutkaisuudesta.

Runoilijat ovat erityisen herkkiä vangitsemaan ja välittämään aikakauden tunnelmaa. Francesco Petrarchin kauniille Lauralle omistetuissa lyyrisissa soneteissa on ilmeistä, että niiden päähenkilö on kirjoittaja itse, ei hänen palvonnan kohde. Lukija ei opi Laurasta itse asiassa juuri mitään, paitsi että hän on itse täydellisyys, jolla on kultaiset kiharat ja kultainen luonne. Heidän tempaus, heidän kokemukset, heidän Petrarch kuvaili kärsimystä soneteissa. Saatuaan tietää Lauran kuolemasta, minun orpoutta hän suri:

Lauloin hänen kultaisista kiharoistaan,

Lauloin hänen silmistään ja käsistään,

Kunnioita kidutusta taivaallisella autuudella,

Ja nyt hän on kylmää pölyä.

Ja minä, ilman majakkaa, orpokuoressa myrskyn läpi, joka ei ole minulle uusi,

Leijun läpi elämän, hallitsen satunnaisesti.

On pidettävä mielessä, että henkilökohtaisen "minän" löytäminen koski vain puolta ihmisrodusta - miehistä. Naiset nähtiin tässä maailmassa olentoina, joilla ei ollut omaa arvoa. Heidän täytyi huolehtia kotitaloudesta, synnyttää ja kasvattaa pieniä lapsia, miellyttää miehiä miellyttävällä ulkonäöllään ja tavoilla.

Ihmisen "minän" toteuttamisessa pidettiin tärkeänä tulosten läsnäoloa, ei sitä toiminta-alaa, jolla ne saavutettiin - olipa kyseessä sitten vakiintunut kauppa, upea veistos, voitettu taistelu tai ihailtava runo tai maalaus . Tietää paljon, lukea paljon, opiskella vieraita kieliä, tutustua muinaisten kirjailijoiden kirjoituksiin, olla kiinnostunut taiteesta, ymmärtää paljon maalauksesta ja runoudesta - tämä oli renessanssin ihmisen ihanne. Yksilölle asetettujen vaatimusten korkea taso näkyy Baldasar Castiglionen esseessä "Hourista" (1528): "Haluan, että hovimiehemme tuntee kirjallisuuden enemmän kuin keskinkertaisesti ... jotta hän osaa latinan lisäksi myös kreikan kielen. ... jotta hän tuntee hyvin runoilijat, samoin kuin puhujat ja historioitsijat, ja ... osaa kirjoittaa säkeistöä ja proosaa ... En ole tyytyväinen hoviherraamme, jos hän ei ole vielä muusikko ... On vielä yksi asia, jota pidän erittäin tärkeänä: se on juuri piirustustaito ja maalaustaidot.

Riittää, kun luetellaan muutamia tuon ajan kuuluisien ihmisten nimiä ymmärtääkseen, kuinka moninaiset olivat niiden edut, joita pidettiin aikakautensa tyypillisinä edustajina. Leon Batista Alberti - arkkitehti, kuvanveistäjä, antiikin asiantuntija, insinööri. Lorenzo Medici on valtiomies, loistava diplomaatti, runoilija, tuntija ja taiteen suojelija. Verrocchio on kuvanveistäjä, taidemaalari, kultaseppä ja matemaatikko. Michelangelo Buonarroti - kuvanveistäjä, taidemaalari, arkkitehti, runoilija. Raphael Santi - taidemaalari, arkkitehti. Heitä kaikkia voidaan kutsua sankarillisiksi persoonallisuuksiksi, titaaneiksi. Samalla ei pidä unohtaa, että suuruus luonnehtii mittakaavaa, mutta ei anna arviota heidän toiminnastaan. Renessanssin titaanit eivät olleet vain luojia, vaan myös maansa hyviä neroja.

Tavalliset käsitykset siitä, mikä on "sallittua" ja mikä "laitonta", menettivät merkityksensä. Samaan aikaan ihmisten välisten suhteiden vanhat säännöt menettivät merkityksensä, mikä ei ehkä antanut absoluuttista luovaa vapautta, mutta ovat niin tärkeitä yhteiskunnan elämälle. Halu puolustaa itseään otti erilaisia ​​muotoja - tällainen asenne saattoi synnyttää ja synnytti paitsi loistavia taiteilijoita, runoilijoita, ajattelijoita, joiden toiminta kohdistui luomiseen, myös tuhon neroja, roiston neroja. Esimerkkinä tästä on vertaileva kuvaus kahdesta maineikkaasta aikalaisesta, joiden aktiivisuuden huippu oli 1400-1500-luvun vaihteessa.

Leonardo da Vinci (1452-1519)) - henkilö, josta on helpompi sanoa, mitä hän ei tiennyt, kuin luetella, mitä hän voisi tehdä. Kuuluisa taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti, insinööri, runoilija, muusikko, luonnontieteilijä, matemaatikko, kemisti, filosofi - kaikki tämä viittaa oikeutetusti Leonardoon. Hän kehitti projektin lentokoneelle, säiliölle, monimutkaisimmille kastelulaitoksille ja paljon muuta. Hän työskenteli siellä, missä oli kätevämpää löytää suojelijoita hallitsevan eliitin joukosta, vaihtamalla heidät helposti, ja kuoli Ranskassa, missä hänen hautakiveensä on kirjoitettu, että hän oli "suuri ranskalainen taiteilija". Hänen persoonallisuudestaan ​​tuli renessanssin luovan hengen henkilöitymä.

Leonardon aikalainen oli kuuluisa condottiere Cesare Borgia (1474-1507). Laaja koulutus yhdistyi hänessä luonnollisiin kykyihin ja hillittömään egoismiin. Hänen kunnianhimonsa ilmeni yrityksenä luoda vahva valtio Italian keskustaan. Hän haaveili koko maan yhdistämisestä onnistumisen varalta, hän oli taitava ja menestyvä komentaja ja tehokas hallitsija. Saavuttaakseen tavoitteensa tämä hienostunut kauneuden tuntija turvautui lahjontaan, petokseen ja murhaan. Tällaiset menetelmät näyttivät hänestä varsin hyväksyttäviltä suuren tavoitteen saavuttamiseksi - vahvan valtion luomiseksi Italian keskustaan. Olosuhteet estivät C. Borgiaa toteuttamasta suunnitelmiaan.

Leonardo da Vinci ja Cesare Borgia ovat aikalaisia, yhtä tyypillisiä kriittiselle aikakaudelleen, jolloin vanhat ihmiselämän säännöt ja normit olivat menettämässä merkityksensä, eivätkä uudet olleet vielä yhteiskunnan hyväksymiä. Ihmispersoonallisuus pyrki vahvistamaan itseään käyttämällä mitä tahansa keinoja ja mahdollisuuksia. Hänelle menettivät merkityksensä myös vanhat käsitykset "hyvästä" ja "pahasta", "sallitusta" ja "laittomasta". "Ihmiset tekivät villeimmät rikokset eivätkä katuneet niitä millään tavalla, ja he tekivät niin, koska ihmisen käyttäytymisen viimeisenä kriteerinä pidettiin silloin yksilöä, joka tunsi olevansa eristetty." Usein yhdessä henkilössä epäitsekäs omistautuminen taiteelleen ja hillitön julmuus yhdistyivät. Sellainen oli esimerkiksi kuvanveistäjä ja jalokivikauppias B. Cellini, josta he sanoivat: "rosvo, jolla on keijukädet".

Yksilön halua ilmaista itseään millä tahansa tavalla kutsutaan titanismiksi. Renessanssin titaaneista tuli sen aikakauden personifikaatio, joka löysi ihmisen arvon "OLEN", mutta pysähtyi ennen ongelmaa, joka liittyy tiettyjen sääntöjen luomiseen monien eri "minän" kuljettajien välisiin suhteisiin.

Asenne luovaan ihmiseen ja taiteilijan asemaan yhteiskunnassa. On tapahtunut käänne sen tyyppiseen sivilisaatioon, joka sisältää ihmisen aktiivisen puuttumisen ympäristöön - ei vain itsensä kehittämiseen, vaan myös ympäristön - luonnon, yhteiskunnan - muuttamiseen tiedon kehittämisen ja käytännön soveltamisen kautta. Näin ollen tärkein asia ihmisessä oli hänen kykynsä toteuttaa itseään ja luovuutta (sanan laajimmassa merkityksessä). Tämä puolestaan ​​merkitsi kattavan sääntelyn hylkäämistä yksityisen aloitteen tunnustamisen puolesta. Keskiaikainen mietiskelevän elämän ihanne syrjäytettiin uudella aktiivisen, aktiivisen elämän ihanteella, joka mahdollisti näkyvän todisteen ihmisen oleskelusta maan päällä. Toiminnasta tulee olemassaolon päätarkoitus: rakentaa kaunis rakennus, valloittaa paljon maita, veistää veistos tai maalata kuva, joka ylistää sen luojaa, rikastua ja jättää jälkeensä menestyvä kauppayhtiö, perustaa uusi tila, säveltää runo tai jättää lukuisia jälkeläisiä - kaikki tämä oli tietyssä merkityksessä vastinetta, antoi ihmisen jättää jälkensä. Taide teki sen mahdolliseksi luovuus ihmisessä luovuuden tulokset säilyttivät hänen muistonsa pitkään, toivat hänet lähemmäksi kuolemattomuutta. Tuon aikakauden ihmiset olivat vakuuttuneita:

Luominen voi ylittää luojan:

Luoja lähtee luonnon voitettuna,

Kuitenkin hänen ottamansa kuva

Lämmittää sydämiä vuosisatojen ajan.

Nämä Michelangelo Buonarrotin linjat eivät liity pelkästään taiteelliseen luovuuteen. Itseilmaisun halusta, itsensä vahvistamisen patosista tuli Italian yhteiskunnan henkisen elämän tarkoitus tänä aikana. Luovaa henkilöä arvostettiin erittäin korkeasti ja se yhdistettiin ennen kaikkea luovaan taiteilijaan.

Näin taiteilijat kokivat itsensä, eikä tämä ollut ristiriidassa yleisen mielipiteen kanssa. Sanat, jotka firenzeläinen jalokivikauppias ja kuvanveistäjä Benvenuto Cellini väitetysti sanoi yhdelle hovimiehelle, tunnetaan: "Ehkä koko maailmassa on vain yksi minun kaltainenni, mutta sinunlaisiasi on kymmenen joka ovella." Legenda väittää, että hallitsija, jolle hoviherra valitti taiteilijan rohkeudesta, tuki Celliniä, ei hoviherraa.

Taiteilija voisi rikastua kuten Perugino, saa aateliston arvonimi, kuten Mantegna tai Titian, tulla osaksi hallitsijoiden sisäpiiriä, kuten Leonardo tai Raphael, mutta useimmat taiteilijat olivat käsityöläisiä ja pitivät itseään sellaisina. Kuvanveistäjät olivat samassa työpajassa muurarien kanssa, maalarit apteekkien kanssa. Taiteilijat kuuluivat aikansa käsityksen mukaan kaupunkilaisten keskikerrokseen, tarkemmin sanottuna tämän kerroksen alaosaan. Suurin osa heistä pidettiin keskiluokkaisina, joiden piti jatkuvasti työskennellä, etsiä tilauksia. D. Vasari, puhuessaan luomispolustaan, huomauttaa jatkuvasti, että yhden tilauksen täyttämiseksi hänen piti mennä Napoliin, toinen Venetsiaan ja kolmas Roomaan. Näiden matkojen välillä hän palasi kotimaahansa Arezzoon, jossa hänellä oli talo, jota hän varusteli, sisusti ja laajensi jatkuvasti. Joillakin taiteilijoilla oli oma talo (1400-luvulla Firenzessä talo maksoi 100-200 florinia), toiset vuokrasivat sen. Taidemaalari käytti keskikokoisen freskon maalaamiseen noin kaksi vuotta ja sai tästä 15-30 florinia, ja tämä summa sisälsi käytetyn materiaalin kustannukset. Kuvanveistäjä käytti veistoksen tekemiseen noin vuoden ja sai työstään noin 120 florinia. Jälkimmäisessä tapauksessa on otettava huomioon kalliimmat kulutustarvikkeet.

Rahallisten maksujen lisäksi isännille annettiin joskus oikeus syödä luostarissa. Kaikkitietävä Vasari kuvaili tapausta taidemaalari Paolo Uccellosta, jolle apotti ruokki juustoa pitkään ja ahkerasti, kunnes mestari lakkasi tulemasta töihin. Kun taiteilija valitti munkeille, että hän oli kyllästynyt juustoon, ja he ilmoittivat tästä apottille, tämä muutti valikkoa.

On mielenkiintoista verrata tietoja kahden kuvanveistäjän Donatellon ja Ghibertin taloudellisesta tilanteesta, joita heidän aikalaisensa arvostavat yhtä (ja korkeasti). Ensimmäinen heistä oli luonteeltaan ja elämäntapaltaan huolimaton henkilö raha-asioissa. Legenda todistaa, että hän laittoi kaikki (huomattavat) tulonsa oven vieressä olevaan kukkaroon, ja kaikki hänen työpajansa jäsenet saattoivat ottaa tästä rahasta. Niinpä vuonna 1427 kunniakas mestari Donatello vuokrasi talon 15 florinilla vuodessa ja hänellä oli nettotulo (erotus sen välillä, mitä hän oli velkaa ja mitä hän oli velkaa) - 7 florinia. Taloudellisella Lorenzo Ghibertillä oli samana vuonna 1427 talo, tontti, pankkitili (714 florinia) ja nettotulo -185 florinia.

Mestarit sitoutuivat mielellään täyttämään erilaisia ​​tilauksia koristella kirkkoja, runsaita palazzoja ja kaupunginlaajuisia lomapäiviä. ”Ei ollut nykyistä genrehierarkiaa: taideesineet olivat luonteeltaan välttämättä toimivia... Yhdestä työpajasta tuli alttarikuvia, maalattuja arkkuja, muotokuvia ja maalattuja bannereita... Sellaista oli taiteellinen itsetunto, ja voi vain arvaa taikuuden asteesta mestarin yhtenäisyys työnsä kanssa, jota varten hän itse hieroi maalit, hän itse liimasi siveltimen, hän itse koputti kehyksen - siksi hän ei nähnyt perustavaa laatua olevaa eroa maalauksen välillä. alttari ja arkku.

Taiteilijoiden väliset kilpailut oikeudesta saada kannattava valtion tilaus oli yleinen käytäntö. Tunnetuin näistä kilpailuista on 1400-luvun alkuvuosina järjestetty kilpailu oikeudesta tehdä ovia Firenzen kastekappelille (baptistery). San Giovanni oli rakas kaikille kaupungin asukkaille, koska heidät kastettiin siellä, heille annettiin jokaisen nimi, sieltä jokainen aloitti elämänsä. Kaikki osallistuivat kilpailuun kuuluisat mestarit, ja sen voitti Lorenzo Ghiberti, joka myöhemmin kirjoitti siitä ylpeänä muistiinpanoihinsa.

Toinen kuuluisa kilpailu järjestettiin vuosisataa myöhemmin. Tämä on valtuustohuoneen koristelu, jonka firenzeläinen Senoria on antanut kahdelle tunnetuimmalle kilpailijalle, Leonardo da Vincille ja Michelangelo Buonarrotille. Kartonkien näyttely (piirustukset sisään elämän koko), mestareiden tekemä, tuli tapahtuma tasavallan julkisessa elämässä.

Humanismi. Keskiajan ajattelijat ylistivät ihmisessä olevaa ylevää, henkistä prinsiippiä ja kirosivat perustaa, ruumiillista. Uuden aikakauden ihmiset lauloivat ihmisessä sekä sielun että ruumiin pitäen niitä yhtä kauniina ja yhtä merkittävinä. Siitä tämän ideologian nimi - humanismi (homo-Ihminen).

Renessanssin humanismi sisälsi kaksi komponenttia: humanismi, kulttuurin korkea henkisyys; sekä joukko humanitaarisia tieteenaloja, joiden tarkoituksena on tutkia ihmisen maallista elämää, kuten kielioppi, retoriikka, filologia, historia, etiikka ja pedagogiikka. Humanistit pyrkivät kääntämään koko tietojärjestelmän ratkaisemaan ihmisen maallisen elämän ongelmat. Humanismin semanttinen ydin oli yksilön uuden ymmärryksen vahvistaminen, joka kykenee vapaaseen itsensä kehittämiseen. Siten se ilmensi modernisaatiokehityksen historiallisen näkökulman pääsuuntausta - muutosta, uudistumista, parantamista.

Humanistit eivät muodostivat lukuisia, vaan vaikutusvaltaisia ​​yhteiskunnallisia kerroksia, tulevan älymystön edelläkävijöitä. Humanistiseen älymystöyn kuului kaupunkilaisten, aateliston ja papiston edustajia. He käyttivät tietojaan ja kiinnostuksen kohteitaan erilaisissa toimissa. Humanistien joukosta voidaan mainita erinomaisia ​​poliitikkoja, lakimiehiä, maistraatin työntekijöitä, taiteilijoita.

Tuon ajan kansan edustamaa miestä verrattiin kuolevaisen jumalaan. Renessanssin ydin on siinä, että ihminen tunnustettiin "luomisen kruunuksi" ja näkyvä maallinen maailma sai itsenäisen arvon ja merkityksen. Koko aikakauden maailmankuva keskittyi ihmisen ansioiden ja kykyjen ylistämiseen, ei sattumalta sitä kutsuttu humanismiksi.

Keskiaikainen teosentrismi korvattiin antroposentrismillä. Ihminen Jumalan täydellisimpana luomuksena oli filosofien ja taiteilijoiden huomion keskipisteessä. Renessanssin antroposentrismi ilmeni eri tavoin. Siten antiikin aikana tehty arkkitehtonisten rakenteiden vertailu ihmiskehoon täydennettiin kristillisessä hengessä. "Leon Batista Alberti, joka erotti raamatullisen antropomorfismin pakanallisen Vitruviuksen joukosta vertaamalla pylväiden mittasuhteita ihmisen korkeuden ja paksuuden suhteisiin ... hän, Augustinus Siunattua seuraten, korreloi ihmisen mittasuhteet Nooan parametrien kanssa. arkki ja Salomon temppeli. Maksimiimalla "ihminen on kaiken mitta" oli renessanssin aritmeettinen merkitys.

Italialainen humanisti, joka eli 1400-luvun jälkipuoliskolla, pystyi vakuuttavimmin ilmaisemaan antroposentrismin olemuksen. Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494 ). Hän omistaa esseen nimeltä "Puhe ihmisen arvokkuudesta". Itse nimi on kaunopuheinen, jossa korostuu arvioiva hetki - "ihmisarvo". Tässä tutkielmassa Jumala ihmiselle puhuessaan sanoo: ”Olen asettanut sinut keskelle maailmaa, jotta sinun olisi helpompi tunkeutua silmilläsi ympäristöösi. Olen luonut sinut oletukseksi, joka ei ole taivaallinen, mutta en vain maallinen, en kuolevainen, mutta en myöskään kuolematon, jotta sinä, rajoituksista vapaana, tulet luojaksi ja takoisit oman kuvasi kokonaan.

Ihminen osoittautuu täydellisimmäksi luomukseksi, täydellisemmäksi kuin taivaalliset olennot, koska heillä on alusta alkaen omat hyveensä, ja ihminen voi kehittää niitä itse, ja hänen urheutensa, hänen jalonsa riippuu yksinomaan hänen henkilökohtaisesta. ominaisuuksia. (virtuus). Näin arkkitehti ja kirjailija Leon Batista Alberti kirjoitti ihmisen kyvyistä: "Joten ymmärsin, että meidän vallassamme on saavuttaa kaikenlaista kiitosta, millä hyvänsä, oman innostuksemme ja taitomme avulla, ei vain luonnon ja aikojen armo...” Humanistitutkijat etsivät vahvistusta asenteelleen ihmiseen muiden aikakausien filosofeilta ja löysivät samanlaisia ​​näkemyksiä antiikin ajattelijoilta.

Muinainen perintö. Tapa luottaa jonkinlaiseen auktoriteettiin pakotti humanistit etsimään vahvistusta näkemyksilleen sieltä, missä he löysivät hengeltään läheisiä ideoita - muinaisten kirjailijoiden teoksista. "Rakkaudesta muinaisia ​​kohtaan" on tullut tyypillinen piirre, joka erottaa tämän ideologisen suunnan edustajat. Antiikin henkisen kokemuksen hallitsemisen piti myötävaikuttaa moraalisesti täydellisen ihmisen muodostumiseen ja siten yhteiskunnan henkiseen puhdistumiseen.

Keskiaika ei koskaan täysin rikkonut muinaista menneisyyttä. Italialaiset humanistit pitivät antiikin ihanteena. Edellisen vuosituhannen ajattelijat valitsivat Aristoteleen muinaisista kirjailijoista, humanisteja houkuttelivat enemmän kuuluisat puhujat (Cicero) tai historioitsijat (Titus Livius), runoilijat. Muinaisten kirjoituksissa he tuntuivat tärkeimmiltä ajatuksilta henkisestä suuruudesta, luovia mahdollisuuksia, ihmisten sankarilliset teot. F. Petrarch oli yksi ensimmäisistä, joka alkoi erityisesti etsiä muinaisia ​​käsikirjoituksia, tutkia muinaisia ​​tekstejä ja viitata muinaisiin kirjailijoihin korkeimpana auktoriteettina. Humanistit hylkäsivät keskiaikaisen latinan ja yrittivät kirjoittaa sävellyksiään klassisella "Ciceronian" latinalla, mikä pakotti heidät alistamaan nykypäivän elämän realiteetit kieliopin vaatimuksiin. Klassinen latina yhdisti tutkijansa kaikkialla Euroopassa, mutta erotti heidän "oppineiden tasavallan" niistä, jotka eivät olleet perehtyneet latinan hienouksiin.

Renessanssi ja kristilliset perinteet. Uudet elämänolosuhteet vaativat vanhojen kristillisten ihanteiden hylkäämistä nöyryydestä ja välinpitämättömyydestä maallista elämää kohtaan. Tämä kieltämisen patos oli hyvin havaittavissa renessanssin kulttuurissa. Kuitenkin kieltäytyä kristillinen oppi Ei tapahtunut. Renessanssin ihmiset pitivät itseään edelleen hyvinä katolilaisina. Kirkon ja sen johtajien (erityisesti luostaruuden) kritiikki oli hyvin yleistä, mutta se oli kirkon ihmisiä, ei kristillistä oppia, kohtaan. Lisäksi humanistit eivät arvostelleet vain joidenkin kirkkomiehien käytöksen moraalittomuutta, heille ei ollut hyväksyttävää keskiaikainen vetäytymisen ja maailman hylkäämisen ihanne. Tässä on mitä humanisti Caluccio Salutati kirjoitti ystävälleen, joka päätti tulla munkina: "Älä usko, oi Pellegrino, että karkaat maailmasta, vältät kauniiden asioiden näkemistä, suljet itsesi luostariin tai vetäydyt luostariin. skete on tie täydellisyyteen."

Kristilliset ajatukset elivät melko rauhallisesti rinnakkain ihmisten mielissä uusien käyttäytymisnormien kanssa. Uusien ideoiden puolustajien joukossa oli monia katolisen kirkon hahmoja, mukaan lukien korkeimmat arvot, kardinaalit ja paavit mukaan lukien. Taiteessa, erityisesti maalauksessa, uskonnolliset teemat säilyivät vallitsevina. Mikä tärkeintä, renessanssin ihanteisiin sisältyi kristillinen henkisyys, joka oli täysin vieras antiikille.

Aikalaiset arvostivat humanistien toimintaa aikansa kulttuurin korkeimpana saavutuksena, ja heidän jälkeläisensä tietävät korkeasti opitut opinnot enemmän kuulopuheesta. Seuraaville sukupolville heidän työnsä, toisin kuin taiteilijoiden, arkkitehtien ja kuvanveistäjien teokset, kiinnostaa historiallisena ilmiönä. Sillä välin juuri nämä latinan pedanttiset tuntijat, nämä päättelyn ystävät

0 antiikin hyveet loivat perustan uudelle näkemykselle maailmasta, ihmisestä, luonnosta, juurruttivat yhteiskuntaan uusia eettisiä ja esteettisiä ihanteita. Kaikki tämä mahdollisti irtautumisen keskiajan perinteistä ja antoi nousevalle kulttuurille uuden ilmeen. Joten jälkipolville italian historiaa Renessanssikausi on ennen kaikkea italialaisen taiteen kukoistusajan historiaa.

Ongelma tilan siirtämisessä. Renessanssille on ominaista kunnioittava, lähes kunnioittava asenne tietoa, oppimista kohtaan. Sanaa "tiede" käytettiin tuolloin tiedon merkityksessä sanan laajimmassa merkityksessä. Oli vain yksi tapa saada tietoa - havainnointi, mietiskely. Edistyksellisimmäksi tiedonhaaraksi tuolloin osoittautui ulkomaailman visuaaliseen tutkimiseen liittyvä tieto.

”Luonto- ja elämätieteiden pitkä kypsymisprosessi alkaa jo 1200-luvulla. Ja sen alku oli vallankumous näön kehityksessä, joka liittyy optiikan edistymiseen ja lasien keksimiseen... Lineaarisen perspektiivin rakentaminen laajensi näkökenttää vaakasuunnassa ja rajoitti siten taivaalle suunnatun pystysuoran dominointia. sen sisällä. Tietolähde oli ihmissilmä. Vain taiteilija, henkilö, jolla ei ole vain tarkka silmä, vaan myös kyky vangita ja välittää katsojalle esineen tai ilmiön ulkonäkö, jota katsoja ei näe, mutta haluaisi tietää, pystyi välittämään tietoa. , luoda näkyvä kuva mistä tahansa kohteesta. Tästä johtuu innostus ja ylpeys D. Vasarin sanoista, joka kirjoitti: "Silmä, jota kutsutaan sielun ikkunaksi, on tärkein tapa, jolla yleinen tunne voi suurin rikkaus ja loistoa tarkastella luonnon loputtomia luomuksia ... "

Siksi ei ole yllättävää, että renessanssin ihmiset kunnioittivat maalausta tieteenä ja tärkeimpänä tieteenä: "Oi, hämmästyttävä tiede, sinä pidät elossa kuolevaisten kuolevaiset kauneudet, teet niistä kestävämpiä kuin kuolevaisten luomukset. luonto, jota aika jatkuvasti muuttaa, mikä vie heidät väistämättömään vanhuuteen...” Leonardo da Vinci toisti muistiinpanoissaan eri tavoin.

Tällöin siirretään illuusion kohteen kolmiulotteisuudesta, sen sijainnista avaruudessa, ts. kyky luoda luotettava piirustus. Värillä oli alisteinen rooli, toimi lisäkoristeena. "Perspektiivi oli sen ajan tärkein älyllinen peli..."

Vasari korosti "Elämissään" erityisesti useiden 1400-luvun taiteilijoiden innostusta. lineaarisen perspektiivin tutkimus. Siten taidemaalari Paolo Uccello kirjaimellisesti "kiinnittyi" perspektiiviongelmiin, omisti kaikki ponnistelunsa tilan rakentamiseen oikein, oppien välittämään illuusion arkkitehtonisten yksityiskohtien pienentämisestä ja vääristymisestä. Taiteilijan vaimo "sanoi usein, että Paolo vietti kokonaisia ​​öitä ateljessaan etsimässä perspektiivin lakeja ja että kun hän kutsui hänet nukkumaan, hän vastasi hänelle: "Voi, mikä miellyttävä asia tämä näkökulma on!"

Italian renessanssin vaiheet. Italian renessanssin kulttuuri kävi läpi useita vaiheita. Aikakausien nimet määräytyvät perinteisesti vuosisatojen mukaan:

• - XIII-XIV vuosisadan vaihteessa. - Ducento, proto-renessanssi (pre-renessanssi). Keskusta - Firenze;
• - XIV vuosisadalla. -trecento (varhainen renessanssi);
• -XV vuosisadalla. - quattrocento (renessanssin kulttuurin juhla). Firenzen ohella uusia kulttuurikeskuksia ilmaantuu Milanoon, Ferraraan, Mantovaan, Urbinoon ja Riminiin;
• - XVI vuosisadalla. -cinquecento, sisältää: Korkearenessanssin (1500-luvun ensimmäinen puolisko), kulttuurielämän johtajuus siirtyy Roomaan ja myöhäisrenessanssi (1500-luvun 50-80), jolloin Venetsiasta tulee viimeinen renessanssikulttuurin keskus.

Proto-renessanssi. Renessanssin alkuvaiheessa Firenze oli uuden kulttuurin pääkeskus. Ikoninen runoilijahahmo Dante Alighieri (1265-1321 ) ja taidemaalari Giotto di Bondone (1276-1337 ), molemmat tulevat Firenzestä, molemmat persoonallisuudet ovat tyypillisiä uudelle historialliselle aikakaudelle - aktiivisia, aktiivisia, energisiä. Vain yksi heistä, Dante, joka osallistui aktiivisesti poliittiseen taisteluun, päätti elämänsä poliittisena maanpaossa, ja toinen, Giotto, ei vain kuuluisa taiteilija, mutta myös arkkitehti, eli kunnioitettavana ja vauraana kansalaisena (puoliksi). Jokainen omalla luovuusalueellaan oli uudistaja ja perinteiden täydentäjä samaan aikaan.

Jälkimmäinen laatu on tyypillisempi Dantelle. Hänen nimensä teki kuolemattomaksi runo "The Divine Comedy", joka kertoo kirjailijan vaelluksista toisessa maailmassa. Kaikki keskiaikaisen maailmankuvan keskeiset ajatukset keskittyvät tähän teokseen. Siinä vanha ja uusi vierekkäin. Juoni on melko keskiaikainen, mutta kerrottu uudelleen uudella tavalla. Ensinnäkin on tärkeää huomata, että Dante hylkäsi latinan. Runo on kirjoitettu Toscanan murteella. Keskiaikaisen universumin pystykuvan kuva on annettu: Helvetin ympyrät, Kiirastulivuori, Paratiisin tilat, mutta päähenkilönä on itse Dante, jota seuraa roomalainen runoilija Vergilius hänen vaelluksissaan helvetin halki ja Kiirastuli, ja paratiisissa hän tapaa "jumalan Beatricen", naisen, jota runoilija rakasti koko elämänsä. Runossa kuolevaiselle naiselle osoitettu rooli osoittaa, että kirjoittaja on käännetty enemmän tulevaisuuteen kuin menneisyyteen.

Runossa asuu monia hahmoja, aktiivisia, lannistumattomia, energisiä, heidän kiinnostuksensa on suunnattu maalliseen elämään, he ovat huolissaan maallisista intohimoista ja teoista. Lukijan edessä kulkevat erilaiset kohtalot, hahmot, tilanteet, mutta nämä ovat tulevan aikakauden ihmisiä, joiden henki ei ole käännetty ikuisuuteen, vaan hetkelliseen kiinnostukseen "tässä ja nyt". Roistot ja marttyyrit, sankarit ja uhrit, jotka aiheuttavat myötätuntoa ja vihaa – he kaikki hämmästyttävät elinvoimallaan ja elämänrakkaudellaan. Universumin jättiläiskuvan loi Dante.

Taiteilija Giotto asetti tavoitteekseen luonnon jäljittelemisen, josta tulee seuraavan aikakauden taiteilijoiden kulmakivi. Tämä ilmeni haluna välittää esineiden volyymia, turvautumalla hahmojen valo- ja varjomallinnukseen, tuomalla kuvaan maisemaa ja sisustusta, yrittämällä järjestää kuvaa näyttämöllasi. Lisäksi Giotto luopui keskiaikaisesta perinteestä täyttää seinien ja kattojen koko tila eri aiheita yhdistävillä maalauksilla. Kappelien seinät on peitetty freskoilla, jotka sijaitsevat vyöllä, ja jokainen vyö on jaettu useisiin yksittäisiin maalauksiin, jotka on omistettu tietylle jaksolle ja kehystetty koristeellisella kuviokehyksellä. Kappelin seiniä pitkin kulkiva katsoja tutkii erilaisia ​​jaksoja ikään kuin kääntäisi kirjan sivuja.

Giotton tunnetuimpia teoksia ovat Assisin ja Padovan kirkkojen seinämaalaukset (freskot). Assisissa maalaus on omistettu elämälle

Franciscus Assisilainen, vähän ennen pyhimykseksi pyhitystä. Padovan sykli liittyy Uuden testamentin tarinoihin, jotka kertovat Neitsyt Marian ja Jeesuksen Kristuksen elämästä.

Giotton innovaatio ei sisältynyt pelkästään uusien tekniikoiden käyttöön, ei vain luonnon "kopioimiseen" (jonka hänen välittömät seuraajansa ymmärsivät liian kirjaimellisesti - jottesco), vaan uuden maailmankuvan luomisessa kuvatekniikoilla. Hänen luomat kuvat ovat täynnä rohkeutta ja rauhallista loistoa. Sellaisia ​​ovat myös Maria, joka ottaa juhlallisesti vastaan ​​uutisen valitustaan ​​("Julistus"), ja hyväntahtoinen Pyhä. Franciscus, joka ylisti maailmankaikkeuden yhtenäisyyttä ja harmoniaa ("Pyhä Franciscus saarnaa linnuille") ja Kristus kohtaa rauhallisesti Juudaksen petollisen suudelman ("Juudaksen suudelma"). Dantea ja Giottoa pidetään mestareina, jotka alkoivat kehittää sankarillisen miehen teemaa Italian renessanssin aikana.

Trecento. Kunnia tälle ajanjaksolle toivat mestarit, jotka kehittivät taiteen lyyrisen teeman. Petrarkan kauniista Laurasta kertovien sonettien sointuvat säkeet toistavat sienalaisten taiteilijoiden teosten hienostuneen lineaarisuuden. Nämä maalarit ovat saaneet vaikutteita goottilaisista perinteistä: kirkon terävät tornit, lansettikaarit, hahmojen 5-muotoinen kaari, kuvan tasaisuus ja viivan koristeellisuus erottavat heidän taiteensa. Sieneselaisen koulun tunnetuin edustaja pidetään Simone Martini (1284-1344). Hänelle on tyypillinen Marian ilmestyskohtaa kuvaava alttarikomposiitti, jota kehystävät hienot kullatut kaiverrukset, jotka muodostavat pitkänomaisia ​​goottilaisia ​​kaaria. Kultainen tausta muuttaa koko kohtauksen upeaksi näkemykseksi, ja hahmot ovat täynnä koristeellista hienovaraisuutta ja hassua graceutta. Marian eteerinen hahmo oikesti kumartuneena kultaiselle valtaistuimelle, hänen herkät kasvonsa saavat meidät muistamaan Blokin lauseet: "salakavalat madonnat siristelevät pitkiä silmiään." Tämän piirin taiteilijat kehittivät lyyrisen linjan renessanssin taiteessa.

XIV vuosisadalla. italialaisen kirjakielen muodostuminen. Tuon ajan kirjoittajat sävelsivät mielellään hauskoja tarinoita maallisista asioista, kotimaisista ongelmista ja ihmisten seikkailuista. Heitä ahdistivat kysymykset: kuinka ihminen käyttäytyy tietyissä olosuhteissa; Miten ihmisten sanat ja teot vastaavat toisiaan? Sellaiset novellit (novellit) yhdistettiin kokoelmiksi, jotka muodostivat eräänlaisen tuon aikakauden "inhimillisen komedian". Tunnetuin niistä, Dekameron » Giovanni Boccaccio (1313-1375 ), on tietosanakirja aikansa arjesta ja elämäntavoista.

Jälkipolville Francesco Petrarca (1304-1374) - nykyajan ensimmäinen lyyrinen runoilija. Aikalaisilleen hän oli suurin poliittinen ajattelija, filosofi, useiden sukupolvien ajatusten mestari. Häntä kutsutaan ensimmäinen humanisti. Hänen tutkielmissaan kehitettiin humanismille luontaisia ​​päätekniikoita ja teemoja. Juuri Petrarka kääntyi muinaisten kirjailijoiden tutkimukseen, hän viittasi jatkuvasti heidän auktoriteettiinsa, alkoi kirjoittaa oikealla ("Ciceronian") latinalla, havaitsi aikansa ongelmat muinaisen viisauden prisman kautta.

Musiikissa uusia suuntauksia ilmestyi F. Landinin kaltaisten mestareiden teoksiin. Tätä suuntaa kutsuttiin "uudeksi taiteeksi". Tuolloin syntyi uusia musiikillisia muotoja maallista musiikkia kuten balladi ja madrigali. "Uuden taiteen" säveltäjien ponnisteluilla melodia, harmonia ja rytmi yhdistettiin yhdeksi järjestelmäksi.

Quattrocento. Tämä ajanjakso avaa kolmen mestarin: arkkitehdin toiminnan Filippo Brunelleschi (1377-1446 ), kuvanveistäjä Donatello(1386-1466 ), maalari Masaccio (1401-1428 ). Heidän kotikaupunki Firenzestä tulee uuden kulttuurin tunnustettu keskus, jonka ideologinen ydin oli ihmisen ylistäminen.

Brunelleschin arkkitehtonisissa suunnitelmissa kaikki on alistettu ihmisen korotukselle. Tämä ilmeni siinä, että rakennukset (jopa valtavat kirkot) rakennettiin siten, että ihminen ei näyttänyt siellä eksyneeltä ja merkityksettömältä, kuten goottilaisessa katedraalissa. Kevyet pelihallit (elementtejä, joilla ei ollut analogia antiikin aikana) koristavat orpokodin ulkogallerioita, kevyitä ja ankarasti sisätilat vakavalla tuulella, majesteettinen ja kevyt kahdeksankulmainen kupoli kruunaa Santa Maria della Fioren katedraalin tilan. Kaupungin palatsien-palatsojen julkisivut, joissa ensimmäisen kerroksen karkea muuraus (rustication) erotetaan eleganteilla portaaliikkunoilla, ovat täynnä ankaraa pidättymistä. Tämän vaikutelman teki arkkitehti Filippo Brunelleschi.

Kuvanveistäjä Donato, joka tuli taiteen historiaan lempinimellään Donatello, herätti henkiin keskiajalla unohdetun vapaasti seisovan veistostyypin. Hän onnistui yhdistämään ikivanhan ihanteen harmonisesti kehittyneestä ihmisruumiista kristilliseen henkisyyteen ja intensiiviseen älykkyyteen. Hänen luomat kuvat, olipa kyseessä innostuneena jännittynyt profeetta Avvakum ("Zukkone"), mietteliäs valloittaja Daavid, rauhallisesti keskittynyt Maria Anunziata, pelottava Gattamelata kiihkeässään sinnikkyydessä, ylistävät ihmisen sankarillista periaatetta.

Tomaso Masaccio jatkoi Giotton uudistuksia maalauksessa. Hänen hahmonsa ovat tilavia ja painokkaasti aineellisia ("Madonna ja lapsi ja Pyhä Anna"), ne seisovat maassa eivätkä "leiju" ilmassa ("Aadam ja Eeva, karkotetut paratiisista"), ne on sijoitettu tila, jonka taiteilija onnistui välittämään keskusperspektiivin tekniikoilla ("Trinity").

Masaccion freskot Brancaccin kappelissa kuvaavat apostolit, jotka seurasivat Kristusta hänen maanpäällisillä vaelluksilla. Nämä ovat tavallisia ihmisiä, kalastajia ja käsityöläisiä. Taiteilija ei kuitenkaan pyri pukemaan heitä rievuihin korostaakseen niiden yksinkertaisuutta, vaan välttelee myös reheviä kaapuja, jotka osoittaisivat heidän valittunsa, eksklusiivisuutensa. Hänelle on tärkeää näyttää tapahtuvan ajaton merkitys.

Keski-Italian renessanssimestarit yrittivät välttää tällaisia ​​yksityiskohtia. Tärkeämmäksi pidettiin tyypillisen, yleistyneen, ei yksittäisen satunnaisen välittämistä, välittää ihmisen suuruutta. Tätä varten Piero della Francesca turvautui esimerkiksi sellaisiin tekniikoihin kuin "matalan horisontin" käyttö ja leveisiin viitoihin pukeutuneiden ihmishahmojen vertaaminen arkkitehtonisiin muotoihin ("Saban kuningatar ennen Salomoa").

Tämän sankarillisen perinteen mukana kehittyi toinen lyyrinen perinne. Sitä hallitsivat koristeellisuus, monivärisyys (monien tuon aikakauden maalausten pinta muistuttaa tyylikkäitä mattoja) ja kuviointi. Tämän suunnan mestareiden kuvaamat hahmot ovat melankolisesti ajattelevia, täynnä hellää surua. Pienet asiat arjessa, omituiset yksityiskohdat muodostavat merkittävän osan niiden viehättävyydestä. Tämän piirin taiteilijoihin kuului sekä firenzeläisiä mestareita että muiden koulujen taiteilijoita. Tunnetuimmat heistä ovat Fra Beato Angelico, Fra Filippo Lippi, Domenico Ghirlandaio, Benozzo Gozzoli, Pietro Perugino, Carlo Crivelli.

Tämän suunnan loistavin mestari oli firenzeläinen Sandro Botticelli (1445-1510 ). Hänen Madonnojen ja Venusten koskettava, koskettava kauneus liittyy monille Quattrocenton taiteeseen yleensä. Upean haalistuneet värit, oikeita, nyt virtaavia, nyt kiemurtelevia linjoja, kevyitä hahmoja, jotka liukuvat maan päällä ja huomaamatta toisiaan. Botticelli on yksi renessanssin viehättävimmistä taiteilijoista, jonka teoksissa yhdistyvät keskiaikaisen estetiikan vaikutus, uusien taiteellisten tekniikoiden sujuvuus ja aavistus humanistisen kulttuurin kriisistä. Hänen maalauksessaan on mytologisia, allegorisia ja raamatullisia aiheita. Nämä juonet välitetään yksinkertaisen ja vilpittömän ihmisen harjalla, joka on liittynyt filosofisia ajatuksia uusplatonismia.

Botticellin taide kukoisti Firenzen epävirallisen hallitsijan, pankkiiri Lorenzo Medicin hovissa, joka oli aikansa tyypillinen sosiopoliittinen hahmo: ovela ja ovela poliitikko, kova hallitsija, innostunut taiteen ystävä, hyvä runoilija. Hän ei tehnyt sellaisia ​​julmuuksia kuin S. Malatesta tai C. Borgia, vaan kokonaisuutena noudatti toiminnassaan samoja periaatteita. Hänelle oli ominaista (taas ajan hengessä) halu osoittaa ulkoista ylellisyyttä, loistoa, juhlallisuutta. Hänen alaisuudessaan Firenze oli kuuluisa loistavista karnevaaleistaan, joiden pakollinen osa oli pukeutuneet kulkueet, joiden aikana esitettiin pieniä teatteriesityksiä mytologisista ja allegorisista teemoista tanssien, laulun ja lausunnon ohella. Nämä juhlat ennakoivat teatteritaiteen muodostumista, jonka nousu alkoi seuraavalla, 1500-luvulla.

Humanismin ideoiden kriisi. Humanismi keskittyi ihmisen ylistämiseen ja kiinnitti toiveita siitä, että vapaa ihmispersoonallisuus voisi loputtomasti parantua ja samalla ihmisten elämä parantua, heidän väliset suhteet olisivat ystävällisiä ja harmonisia. Humanistisen liikkeen alusta on kulunut kaksi vuosisataa. Ihmisten spontaani energia ja aktiivisuus ovat luoneet paljon - upeita taideteoksia, rikkaita kauppayhtiöitä, tieteellisiä tutkielmia ja nokkeleita novelleja, mutta elämä ei ole muuttunut paremmaksi. Lisäksi ajatus rohkeiden tekijöiden kuolemanjälkeisestä kohtalosta oli yhä huolestuttavampi. Mikä voi oikeuttaa ihmisen maallisen toiminnan tuonpuoleisen elämän näkökulmasta? Humanismi ja koko renessanssin kulttuuri eivät antaneet vastausta tähän kysymykseen. Humanismin lippuun kaiverrettu yksilön vapaus synnytti ongelman henkilökohtaisesta valinnasta hyvän ja pahan välillä. Aina valintaa ei tehty hyvän puolesta. Taistelu vallasta, vaikutusvallasta ja vauraudesta johti jatkuviin verisiin yhteenotoihin. Veri tulvi kadut, talot ja jopa kirkot Firenzessä, Milanossa, Roomassa, Padovassa ja kaikissa Italian suurissa ja pienissä kaupunkivaltioissa. Elämän tarkoitus pelkistettiin konkreettisten ja konkreettisten onnistumisten ja saavutusten saavuttamiseen, mutta samalla sillä ei ollut korkeampaa perustetta. Lisäksi "peli ilman sääntöjä", josta tuli elämän sääntö, ei voinut jatkua liian kauan. Tämä tilanne synnytti kasvavan halun tuoda yhteiskunnan elämään organisoitumisen ja varmuuden elementti. Oli tarpeen löytää korkeampi perustelu, korkeampi ärsyke ihmisenergian kiihkeälle kiehumiselle.

Sen paremmin maallisen elämän ongelmien ratkaisemiseen suuntautunut humanistinen ideologia kuin vanha katolilaisuus, jonka eettinen ihanne käännettiin puhtaasti mietiskelevään elämään, eivät kyenneet vastaamaan elämän muuttuvien tarpeiden ja niiden ideologisen selityksen välille. Uskonnollisen opin oli mukauduttava aktiivisten, yritteliäiden, itsenäisten individualistien yhteiskunnan tarpeisiin. Kirkon uudistusyritykset Italian, katolisen maailman entisen ideologisen ja organisatorisen keskuksen, olosuhteissa olivat kuitenkin tuomittuja epäonnistumaan.

Silmiinpistävin esimerkki tästä on dominikaanisen munkin Girolamo Savonarolan yritys toteuttaa tällainen uudistus Firenzen olosuhteissa. Lorenzo de' Medicin kuoleman jälkeen Firenze koki poliittisen ja taloudellisen kriisin. Loppujen lopuksi Medici-hovin loistoon liittyi Firenzen talouden heikkeneminen, sen aseman heikkeneminen naapurivaltioiden keskuudessa. Ankara dominikaaninen munkki Savonarola sai kaupungissa valtavan vaikutuksen vaatimalla ylellisyyden hylkäämistä, turhan taiteen harjoittamista ja oikeuden toteutumista. Suurin osa kaupunkilaisista (mukaan lukien taiteilijat, kuten Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi) alkoivat innokkaasti taistella pahaa vastaan, tuhoten luksusesineitä ja polttaen taideteoksia. Rooman curian ponnisteluilla Savonarola kukistettiin ja teloitettiin, oligarkian valta palautettiin. Mutta entinen, rauhallinen ja iloinen luottamus ihanteisiin, joka oli osoitettu täydellisen miehen ylistykseen, oli poissa.

Korkea renessanssi. Humanistisen ideologian ydin oli vapautumisen, vapautumisen kumouksellinen patos. Kun sen mahdollisuudet loppuivat, kriisi oli väistämättä tulossa. Lyhyt ajanjakso, noin kolme vuosikymmentä, on hetki viimeinen nousu ennen kuin koko idea- ja mielialajärjestelmä tuhoutuu. Kulttuurikehityksen keskus siirtyi tuolloin Firenzestä, joka oli menettämässä tasavaltalaista valtaansa ja järjestyksiään, Roomaan, teokraattisen monarkian keskukseen.

Kolme mestaria ilmaisi täydellisimmin korkean renessanssin taiteessa. Voidaan sanoa, vaikkakin tietysti hieman ehdollisesti, että vanhin heistä, Leonardo da Vinci (1452-1519 ), lauloi ihmisen äly, mieli, joka nostaa ihmisen ympäröivän luonnon yläpuolelle; nuorin, Rafael Santi (1483-1520 ), loi täydellisen kauniita kuvia, jotka ilmentävät henkisen ja fyysisen kauneuden harmoniaa; a Michelangelo Buonarroti (1475-1564) ylisti ihmisen voimaa ja energiaa. Taiteilijoiden luoma maailma on todellisuutta, mutta puhdistettu kaikesta pienistä ja satunnaisista.

Pääasia, jonka Leonardo jätti ihmisille, on hänen maalauksensa, joka ylistää ihmisen kauneutta ja mieltä. Jo ensimmäinen Leonardon itsenäisistä teoksista - enkelin pää, jonka hänen opettajansa Verrocchio kirjoitti kasteelle, iski katsojaa mietteliäällä ja mietteliäällä katseella. Taiteilijan hahmot, olipa kyseessä sitten nuori Maria leikkimässä lapsen kanssa ("Madonna Benois"), kaunis Cicilia ("Lady with an Ermine") tai apostolit ja Kristus "Viimeisen ehtoollisen" kohtauksessa, ovat ennen kaikkea ajattelevia olentoja. Riittää, kun muistaa maalauksen, joka tunnetaan Mona Lisan ("Gioconda") muotokuvana. Rauhallisesti istuvan naisen ilme on täynnä sellaista ymmärrystä ja syvyyttä, että näyttää siltä, ​​että hän näkee ja ymmärtää kaiken: häntä katsovien ihmisten tunteet, heidän elämänsä monimutkaisuudet, kosmoksen äärettömyyden. Hänen takanaan on kaunis ja salaperäinen maisema, mutta hän kohoaa kaiken yläpuolelle, hän on tärkein asia tässä maailmassa, hän personoi ihmisen älyn.

Raphael Santin persoonallisuudessa ja työssä italialaiselle renessanssille ominaisen harmonian, sisäisen tasapainon, rauhallisen arvokkuuden halu ilmeni erityisen täyteläisesti. Hän jätti jälkeensä paitsi maalauksia ja arkkitehtonisia teoksia. Hänen maalauksensa ovat aiheiltaan hyvin erilaisia, mutta kun ne puhuvat Rafaelista, mieleen tulevat hänen madonnansa kuvat. Heillä on melkoinen osa yhtäläisyyksiä, jotka ilmenevät henkisessä selkeydessä, lapsellisessa puhtaudessa ja selkeydessä. sisäinen maailma. Heidän joukossaan on harkittuja, unelmoivia, flirttailevia, keskittyneitä, jokainen ilmentää yhden kuvan yhden tai toisen puolen - naisen, jolla on lapsen sielu.

Tunnetuin Raphael Madonna, Sikstuksen Madonna, putoaa tästä sarjasta. Näin kuvataan vaikutelmaa neuvostosotilaista, jotka näkivät sen vuonna 1945 otetun kaivoksesta, jonne natsit piilottivat sen: ”Mikään kuvassa ei ensin kiinnitä huomiotasi; katseesi liukuu, pysähtymättä mihinkään, siihen hetkeen asti, kunnes se kohtaa toisen, liikkuen katsetta kohti. Tummat, leveät silmät katsovat sinua rauhallisesti ja tarkkaavaisesti läpinäkyvän ripsien varjon peittämänä; ja sielussasi sekoittui jo jotain epämääräistä, mikä teki sinut valppaaksi... Yrität edelleen ymmärtää, mistä on kysymys, mikä kuvassa tarkalleen hälytti, hälytti sinua. Ja silmäsi kiinnittyvät tahtomattaan uudelleen ja uudelleen hänen katseeseensa ... Sikstuksen Madonnan hieman surun sumentunut ilme on täynnä luottamusta tulevaisuuteen, jota kohti hän kantaa niin suurella loistolla ja yksinkertaisuudellaan arvokkainta poikaansa. .

Samanlainen käsitys kuvasta välittyy sellaisilla runollisilla linjoilla: "Valtakunnat hukkuivat, meret kuivuivat, / Linnoitukset paloivat maan tasalle, / Aona äidin surussa / Menneisyydestä tulevaisuuteen meni."

Rafaelin työssä halu löytää yksilössä yhteistä, tyypillistä on erityisen elävä. Hän puhui siitä, kuinka hänen piti nähdä paljon kauniita naisia ​​kirjoittaakseen kauneuden.

Muotokuvaa luodessaan italialaisen renessanssin taiteilijat eivät keskittyneet yksityiskohtiin, jotka auttavat näyttämään yksilön ihmisessä (silmien muoto, nenän pituus, huulten muoto), vaan yleistämiseen. tyypillinen, muodostaen miehen "lajin" piirteet.

Michelangelo Buonarroti oli sekä upea runoilija että loistava kuvanveistäjä, arkkitehti ja taidemaalari. Michelangelon pitkä luova elämä sisälsi renessanssikulttuurin korkeimman kukinnan ajan; hän, joka selvisi suurimmasta osasta renessanssin titaaneja, joutui tarkkailemaan humanististen ihanteiden romahtamista.

Hänen teoksensa täynnä oleva voima ja energia vaikuttavat toisinaan liialliselta, ylivoimaiselta. Tämän mestarin työssä aikakaudelle tyypillinen luomisen patos yhdistyy traagiseen tunteeseen tämän patoksen tuhosta. Fyysisen voiman ja impotenssin kontrasti esiintyy useissa veistoksellisissa kuvissa, kuten "Orjien", "vankien" hahmoissa, kuuluisassa veistoksessa "Yö", sekä sibylien ja profeettojen kuvissa Sikstuksen kappeli.

Erityisen traagisen vaikutelman tekee viimeistä tuomiota kuvaava maalaus Sikstuksen kappelin läntisellä seinällä. Taidekriitikon mukaan "Kristuksen kohotettu käsi on pyörteisen pallomaisen liikkeen lähde, joka tapahtuu keskellä olevan soikean ympärillä... Maailma lähtee liikkeelle, se roikkuu kuilun päällä, koko kehon joukko roikkuu sen päällä viimeisellä tuomiolla oleva kuilu... Vihaisessa purkauksessa Kristuksen käsi nousi ylös. Ei, hän ei esiintynyt ihmisten pelastajana ... eikä Michelangelo halunnut lohduttaa ihmisiä ... Tämä Jumala on melko epätavallinen ... hän on parraton ja nuorekkaan nopea, hän on voimakas fyysisesti ja kaikki hänen voimansa annetaan vihalle. Tämä Kristus ei tunne armoa. Nyt se olisi vain pahan hyväksymistä.

Renessanssi Venetsiassa: värien juhla. Rikkaasta kauppatasavallasta tuli myöhäisrenessanssin keskus. Italian kulttuurikeskusten joukossa Venetsialla oli erityinen asema. Uudet suuntaukset tunkeutuivat sinne paljon myöhemmin, mikä selittyy vahvoilla konservatiivisilla tunteilla, jotka vallitsivat tässä oligarkkisessa kauppatasavallassa, jotka liittyvät läheisiin suhteisiin Bysantin kanssa ja joihin "bysanttilainen tapa" vaikutti voimakkaasti.

Siksi renessanssin henki ilmenee venetsialaisten taiteessa vasta 1400-luvun toiselta puoliskolta. Bellinin perheen useiden sukupolvien taiteilijoiden teoksissa.

Lisäksi venetsialaisella maalauksella on toinen huomattava ero. Muiden italialaisten koulujen kuvataiteessa pääasia oli piirtäminen, kyky välittää ruumiiden ja esineiden tilavuutta valo- ja varjomallinnuksen avulla (kuuluisa sfumato Leonardo da Vinci), venetsialaiset sitä vastoin pitivät värien leikkiä erittäin tärkeänä. Venetsian kostea ilmapiiri vaikutti osaltaan siihen, että taiteilijat kohtelivat työnsä maalauksellisuutta suurella huomiolla. Ei ole yllättävää, että venetsialaiset olivat ensimmäiset italialaiset taiteilijat, jotka kääntyivät öljymaalaustekniikan puoleen, joka kehitettiin Pohjois-Euroopassa, Alankomaissa.

Venetsian koulukunnan todellinen kukinta liittyy luovuuteen Giorgione de Castelfranco (1477-1510 ). Tämä varhain kuollut mestari jätti jälkeensä muutaman maalauksen. Ihminen ja luonto ovat pääteemoja sellaisissa teoksissa kuin "Country Concert", "Sleeping Venus", "Ukonilma". "Luonnon ja ihmisen välillä vallitsee onnellinen harmonia, joka on tarkalleen ottaen kuvan pääteema." Giorgionen maalauksessa tärkeä rooli kuuluu väriin.

Venetsian koulukunnan kuuluisin edustaja oli Titian Vecelio, jonka syntymävuotta ei tiedetä, mutta hän kuoli hyvin vanhana miehenä vuonna 1576 ruttoepidemian aikana. Hän maalasi kuvia raamatullisista, mytologisista ja allegorisista aiheista. Hänen maalauksessaan on vahva elämää vahvistava alku, sankarit ja sankarittaret ovat täynnä voimaa ja fyysistä terveyttä, majesteettisia ja kauniita. Marian taivaaseenastumisen (Assunta) alttarikuva ja Bacchanalian antiikkiaihe ovat yhtä lailla kyllästyneet impulssin ja liikkeen energiasta. Caesarin Denarius (Kristus ja Juudas) ja Rakkaus maan päällä ja taivaassa ovat myös filosofisia sävyjä läpäiseviä. Taiteilija lauloi naisellista kauneutta("Urbinon Venus", "Danae", "Girl with Fruit") ja ihmisen elämästä poistumisen traaginen hetki ("Kristuksen valitus", "Hautaus"). Majesteettisen kauniit kuvat, harmoniset arkkitehtonisten muotojen yksityiskohdat, kauniit asiat, jotka täyttävät sisätilat, maalausten pehmeä ja lämmin väri - kaikki todistavat Titianille ominaisesta elämänrakkaudesta.

Samaa teemaa kehitti jatkuvasti toinen venetsialainen, Paolo Veronese (1528-1588 ). Juuri hänen laajamittaiset "juhlat" ja "juhlat", hänen allegoriansa Venetsian tasavallan vaurauden loistosta, tulevat ennen kaikkea mieleen sanoilla "venetsialainen maalaus". Veroneselta puuttuu Titianin monipuolisuus ja viisaus. Hänen maalauksensa on koristeellisempi. Se luotiin ennen kaikkea Venetsian oligarkian palatsin sisustamiseen ja virallisten rakennusten suunnitteluun. Iloinen temperamentti ja vilpittömyys muuttivat tämän panegyrisen maalauksen riemukkaaksi elämän juhlaksi.

On huomattava, että venetsialaiset useammin kuin muiden italialaisten koulujen edustajat ovat antiikkitarinoita.

poliittisia ideoita. Kävi selväksi, että humanistinen usko, että vapaa ja kaikkivoipa ihminen tulee onnelliseksi ja tekee kaikki ympärillään onnelliseksi, ei ollut perusteltua, ja alkoi etsiä muita vaihtoehtoja onnen saavuttamiseksi. Kun toivo yksilön kyvystä luoda edellytykset ihmisten onnelliselle tai ainakin rauhalliselle elämälle hiipui, huomio siirtyi järjestäytyneen ihmisyhteisön - valtion - mahdollisuuksiin. Nykyajan poliittisen ajattelun lähtökohtana on firenzeläinen Niccolo Machiavelli (1469-1527 ), joka oli valtiomies, historioitsija, näytelmäkirjailija, sotilaateoreetikko ja filosofi. Hän yritti ymmärtää, miten yhteiskunta pitäisi järjestää, jotta ihmiset voisivat elää rauhallisemmin. Hallitsijan vahva voima on hänen mielestään se, mikä voisi taata järjestyksen. Olkoon hallitsija julma kuin leijona ja ovela kuin ketut, olkoon hän, suojellessaan valtaansa, eliminoimaan kaikki kilpailijat. Machiavellin mukaan rajoittamattoman ja hallitsemattoman vallan tulisi edistää suuren ja voimakkaan valtion luomista. Tällaisessa tilassa useimmat ihmiset elävät rauhassa ilman pelkoa henkensä ja omaisuutensa puolesta.

Machiavellin toiminta osoitti, että "ilman sääntöjä pelaamisen" aika väsytti yhteiskuntaa melkoisesti, että oli tarpeen luoda voima, joka voisi yhdistää ihmisiä, säännellä heidän välisiä suhteita, luoda rauhaa ja oikeudenmukaisuutta, ja valtiota alettiin pitää sellainen voima.

Taiteen paikka yhteiskunnassa. Kuten jo todettiin, arvostetuin toiminta-ala oli silloin taiteellista luovuutta, koska aikakausi kokonaisuudessaan ilmaisi itsensä taiteen kielellä. Uskonnollinen tietoisuus oli menettämässä leviävää vaikutustaan ​​yhteiskunnan elämään, ja tieteellinen tieto oli vielä lapsenkengissään, joten maailmaa haettiin taiteen kautta. Taiteella oli se rooli, joka keskiajalla kuului uskonnolle ja nyky- ja nykyajan yhteiskunnassa tieteelle. Universumia ei pidetty mekanistisena järjestelmänä, vaan yhtenäisenä organismina. Pääasiallinen ympäristön ymmärtämiskeino oli havainnointi, pohdiskelu, nähdyn kiinnittäminen, ja tämän tarjosi parhaiten maalaus. Ei ole sattumaa, että Leonardo da Vinci kutsuu maalausta tieteeksi, lisäksi tieteistä tärkeimmäksi.

Monet tosiasiat todistavat erinomaisen taideteoksen ulkonäön tärkeydestä aikalaisten silmissä.

Taiteilijoiden välisistä kilpailuista oikeudesta saada kannattava valtion tilaus mainittiin edellä. Yhtä kiistanalainen oli kysymys siitä, missä Michelangelon "Daavidin" pitäisi olla, ja muutama vuosikymmen myöhemmin sama ongelma syntyi B. Cellinin "Perseuksen" installaation yhteydessä. Ja nämä ovat vain muutamia tämän tyyppisistä tunnetuimmista esimerkeistä. Tällainen asenne uusien taiteellisten luomusten syntymiseen, jotka on suunniteltu koristamaan ja ylistämään kaupunkia, oli täysin luonnollista renessanssin kaupunkielämälle. Aikakausi puhui itsestään taideteosten kielellä. Siksi jokaisesta taiteellisen elämän tapahtumasta tuli tärkeä koko yhteiskunnalle.

Teemat ja juonen tulkinta Italian renessanssin taiteessa. Ensimmäistä kertaa kristillisen kulttuurin tuhannen vuoden aikana taiteilijat alkoivat kuvata maallista maailmaa korostaen, ylistäen, jumalallistaen sitä. Taiteen teemat pysyivät lähes yksinomaan uskonnollisina, mutta tämän perinteisen teeman puitteissa kiinnostus siirtyi suhteellisesti elämää vahvistaviin aiheisiin.

Ensimmäinen asia, joka tulee mieleen Italian renessanssin mainitsemisesta, on kuva Mariasta vauvan kanssa, jota edustaa nuori rakastajatar (Madonna) koskettavan kauniin lapsen kanssa. "Madonna ja lapsi", "Madonna pyhien kanssa" (ns. "Pyhä haastattelu"), "Pyhä perhe", "Magien palvonta", "Synim", "Maatien kulku" ovat suosikkiteemoja. aikakauden taidetta. Ei, sekä "Ristiinnaulitsemiset" että "Valitukset" luotiin, mutta tämä nuotti ei ollut tärkein. Asiakkaat ja taiteilijat, jotka ilmentävät halujaan näkyviin kuviin, löysivät perinteisistä uskonnollisista juoneista jotain, joka kantoi toivoa ja uskoa valoisaan alkuun.

Pyhien legendojen hahmojen joukossa ilmestyi kuvia oikeista ihmisistä, kuten lahjoittajia(lahjoittajat), jotka sijaitsevat alttarikokoonpanon kehyksen ulkopuolella tai ruuhkaisten kulkueiden päähenkilöinä. Riittää, kun muistetaan S. Botticellin "Magien palvonta", jossa Medici-suvun jäsenet ovat tunnistettavissa elegantissa palvojien joukossa ja johon taiteilija oletettavasti asetti omakuvan. Tämän ohella luonnosta, muistista maalatut nykyaikaisten itsenäiset muotokuvat kuvausten mukaan yleistyivät. 1500-luvun viimeisinä vuosikymmeninä taiteilijat alkoivat kuvata yhä enemmän mytologisia kohtauksia. Tällaisten kuvien piti koristaa palatsion tiloja. Kohtauksia kohteesta moderni elämä sisältyy uskonnollisiin tai mytologisiin sävelluksiin. Moderni ei sinänsä arkisissa ilmenemismuodoissaan kiinnostanut taiteilijoita liikaa, vaan he pukivat yleviä, ihanteellisia teemoja tuttuihin visuaalisiin kuviin. Renessanssin mestarit eivät olleet realisteja sanan nykyisessä merkityksessä, he loivat uudelleen käytettävissään olevin keinoin arkipäiväisyydestä puhdistetun Ihmisen maailman.

Lineaarisen perspektiivin tekniikoita noudattaen taiteilijat loivat tasolle illuusion kolmiulotteisesta tilasta, joka oli täynnä kolmiulotteisilta vaikuttavia hahmoja ja esineitä. Ihmiset renessanssin maalauksissa esitetään majesteettisina ja tärkeinä. Heidän asennot ja eleet ovat täynnä vakavuutta ja juhlallisuutta. Kapea katu tai tilava aukio, tyylikkäästi sisustettu huone tai vapaasti leviävät kukkulat - kaikki toimii taustana ihmishahmoille.

Italian renessanssimaalauksessa maisema tai sisustus on ensisijaisesti kehys ihmishahmoille; hienovarainen valon ja varjostimen mallinnus luo vaikutelman aineellisuudesta, mutta ei karkeaa, vaan upean ilmavaa (ei ole sattumaa, että Leonardo piti ihanteellisena ajankohtana työskennellä keskellä päivää pilvisellä säällä, kun valaistus on pehmeää ja hajaa); matala horisontti tekee hahmoista monumentaalisia, ikään kuin koskettaisivat päällään taivasta, ja heidän asemiensa ja eleidensa pidättyvyys antaa heille juhlallisuutta ja majesteettisuutta. Hahmot eivät ole aina kauniita kasvojen piirteissään, mutta ne ovat aina täynnä sisäistä merkitystä ja tärkeyttä, itsetuntoa ja rauhallisuutta.

Taiteilijat kaikessa ja välttävät aina äärimmäisyyksiä ja onnettomuuksia. Näin taidekriitikko kuvaili italialaisen renessanssin maalaustaiteen museovaikutelmia: "XIV-XVI vuosisatojen italialaisen taiteen salit erottuvat yhdestä mielenkiintoisesta piirteestä - ne ovat yllättävän hiljaisia ​​vierailijoiden ja erilaisten retkien ansiosta ... Hiljaisuus leijuu seiniltä, ​​maalauksista - korkean taivaan majesteettinen hiljaisuus, pehmeät kukkulat, suuret puut. Ja -isot ihmiset... Ihmiset ovat suurempia kuin taivas. Heidän takanaan leviävän maailman - teiden, raunioiden, joen rantojen, kaupunkien ja ritarin linnoineen - näemme kuin lennon korkeudesta. Se on laaja, yksityiskohtainen ja kunnioittavasti poistettu."

Tarinassa Leonardon ja Michelangelon valtuustotaloon tekemien kartonkien näyttelystä (kumpikaan ei saanut maalauksia koskaan valmiiksi) on syytä kiinnittää huomiota siihen, että firenzeläisille tuntui erityisen tärkeältä nähdä pahvit. He arvostivat erityisesti piirustusta, joka välittää kuvattujen esineiden ja ruumiiden muotoa, tilavuutta sekä ideologista konseptia, jota mestari yritti ilmentää. Väri maalauksessa oli heille pikemminkin lisäys, joka korosti piirustuksen luomaa muotoa. Ja vielä yksi asia: säilyneistä kopioista päätellen molemmista teoksista (ne oli omistettu kahdelle Firenzen kaupunkivaltion historian kannalta tärkeälle taistelulle) olisi pitänyt tulla tyypillinen ilmentymä renessanssin lähestymistavasta taiteeseen, jossa pääasia oli mies. Kaikesta kartongin erosta huolimatta Leonardo ja Michelangelo - ratsuväen soturit, jotka takertuivat yhteen palloon taistelussa Leonardon bannerista ("Anghiarin taistelu") ja sotilaat, jotka ryntäsivät aseisiin, jotka vihollinen joutui kiinni uimassa joessa. Michelangelossa ("Cachinen taistelu"), on ilmeinen yleinen lähestymistapa kuvatun esittämiseen, vaatii ihmishahmon korostamista, ympäröivän tilan alistamista sille. Loppujen lopuksi näyttelijät ovat tärkeämpiä kuin toimintapaikka.

On mielenkiintoista seurata, kuinka aikakauden ajattelutapa heijastui taiteeseen vertaamalla useita samaa aihetta kuvaavia teoksia. Yksi aikansa suosituimmista tarinoista oli tarina Pyhästä Sebastianista, jonka roomalaiset sotilaat teloittivat hänen sitoutumisestaan ​​kristinuskoon. Tämä teema mahdollisti ihmispersoonan sankaruuden näyttämisen, joka kykeni uhraamaan henkensä uskomustensa puolesta. Lisäksi juoni mahdollisti kääntymisen alaston ruumiin kuvaan, humanistisen ihanteen toteuttamiseen - kauniin ulkonäön ja kauniin ihmissielun harmonisen yhdistelmän.

XV vuosisadan puolivälissä. Tästä aiheesta on kirjoitettu useita artikkeleita. Kirjoittajat olivat melko erilaisia ​​mestareita: Perugino, Antonello de Mesina ja muut. Heidän maalauksiaan katsellessa hämmästyttää rauhallisuus, sisäisen arvokkuuden tunne, joka imee kuvan kauniista alastomasta nuoresta miehestä, joka seisoo lähellä pylvästä tai puuta ja katsoo unenomaisesti taivaalle. Hänen takanaan on rauhallinen maalaismaisema tai kodikas kaupungin aukio. Vain nuolien läsnäolo nuoren miehen ruumiissa kertoo katsojalle, että edessämme on teloituskohtaus. Kipua, tragediaa, kuolemaa ei tunneta. Nämä kauniit nuoret miehet, joita yhdistää marttyyri Sebastianin kohtalo, ovat tietoisia kuolemattomuudestaan, aivan kuten Italiassa 1400-luvulla eläneet ihmiset tunsivat haavoittumattomuutensa, kaikkivaltiutensa.

Taiteilija Andrea Mantegnan maalaamassa kuvassa tunnemme tapahtuvan tragedian, hänen St. Sebastian tuntuu olevan kuolemaisillaan. Ja lopuksi XVI vuosisadan puolivälissä. Titian Vecelio kirjoitti St. Sebastian. Tällä kankaalla ei ole yksityiskohtaista maisemaa. Toimintapaikka on vain osoitettu. Taustalla ei ole satunnaisia ​​hahmoja, ei saaliinsa tähtääviä soturi-teloittajia, ei mitään, mikä voisi kertoa katsojalle tilanteen merkityksen, ja samalla tuntuu traagisesta lopusta. Tämä ei ole vain ihmisen kuolema, se on koko maailman kuolema, joka palaa yleismaailmallisen katastrofin karmiininpunaisissa välähdyksessä.

Italian renessanssin kulttuurin arvo. Italian renessanssin kulttuurin synnyttänyt maaperä tuhoutui 1500-luvulla. Suurin osa maasta joutui ulkomaisten hyökkäysten kohteeksi, uutta taloudellista rakennetta heikensi Euroopan tärkeimpien kauppareittien siirtyminen Välimereltä Atlantille, Puolan tasavallat joutuivat kunnianhimoisten condottieri-palkkasoturien vallan alle ja individualistisen vallan nousu. energia menetti sisäisen oikeutensa ja kuoli vähitellen heräämisen olosuhteissa. feodaaliset järjestykset (yhteiskunnan uudelleenfeodaalisointi). Yritys luoda yrittäjyyden aloitteesta uusi yhteiskunta, joka perustuu ihmispersoonallisuuden vapautumiseen, keskeytettiin Italiassa pitkäksi aikaa. Maa oli taantumassa.

Toisaalta tämän yhteiskunnan luoma kulttuuriperinne levisi italialaisten mestareiden ponnistelujen kautta kaikkialle Eurooppaan, siitä tuli standardi koko eurooppalaiselle kulttuurille, sai lisäelämän versiossaan, jolle annettiin nimi "korkea", " tieteellinen" kulttuuri. Renessanssikulttuurin muistomerkit säilyivät - kauniita rakennuksia, patsaita, seinämaalauksia, maalauksia, runoja, humanistien viisaita kirjoituksia, perinteitä, joista tuli ratkaisevia niiden kansojen kulttuurille, jotka olivat sen vaikutuksen alaisina seuraavat kolme ja puoli vuosisataa (kunnes 1800-luvun lopulla). , ja tämä vaikutus levisi vähitellen hyvin laajalle.

Erityisesti on huomattava ja korostettava Italian renessanssin kuvataiteen merkitystä sen halulla välittää seinän tai laudan tasossa kankaaseen suljetussa paperiarkissa illuusio kolmiulotteisesta tilasta, joka on täynnä illuusiota. kolmiulotteiset kuvat ihmisistä ja esineistä - mitä voidaan kutsua "Leonardo Danilovin ikkuna I.E. Italialainen kaupunki 1400-luvulla. Todellisuus, myytti, kuva. M., 2000.S. 22, 23. Katso: Golovin V.P. Varhaisen renessanssin taiteilijan maailma. M.: Moskovan valtionyliopiston kustantamo, 2002. S. 125. Boyadzhiev G. Italialaiset muistikirjat. M., 1968. S. 104.

Italian renessanssi

Renessanssikulttuuri sai alkunsa Italiasta. Kronologisesti italialainen renessanssi jaetaan yleensä 4 vaiheeseen: Proto-renessanssi (esirenessanssi) - XIII-XIV vuosisatojen toinen puoli; varhainen renessanssi - XV vuosisata; Korkea renessanssi - XV vuosisadan loppu. - 1500-luvun ensimmäinen kolmannes; myöhäinen renessanssi - XVI vuosisadan loppu.

Proto-renessanssi oli valmistelua renessanssille, se liittyi läheisesti keskiaikaan, romaaniseen, goottilaiseen, bysanttilaiseen perinteeseen. Eikä edes innovatiivisten taiteilijoiden töissä ole helppoa vetää selkeää rajaa, joka erottaa vanhan uudesta. Uuden aikakauden alku liittyy Giotto di Bondonen (1266 - 1337) nimeen. Renessanssin taiteilijat pitivät häntä maalauksen uudistajana. Giotto hahmotteli polun, jota sen kehitys kulki: realististen hetkien kasvu, uskonnollisten muotojen täyttäminen maallisella sisällöllä, asteittainen siirtyminen litteistä kuvista kolmiulotteisiin ja kohokuviin.

Varhaisen renessanssin suurimmat mestarit - F. Brunelleschi (1377-1446), Donatello (1386-1466), Verrocchio (1436-1488), Masaccio (1401-1428), Mantegna (1431-1506), S. Botticelli (144446) -1510) . Tämän ajanjakson maalaus tekee veistoksellisen vaikutuksen, taiteilijoiden maalausten hahmot muistuttavat patsaita. Eikä tämä ole sattumaa. Varhaisen renessanssin mestarit pyrkivät palauttamaan keskiaikaisessa maalauksessa lähes kadonneen maailman objektiivisuuden korostaen volyymia, plastisuutta ja muodon selkeyttä. Väriongelmat vetäytyivät taustalle. 1400-luvun taiteilijat löysivät perspektiivin lait ja rakensivat monimutkaisia ​​monimuotoisia sävellyksiä. Ne rajoittuvat kuitenkin pääasiassa lineaariseen perspektiiviin ja tuskin huomaavat ilmaympäristöä. Ja heidän maalaustensa arkkitehtoniset taustat ovat jokseenkin suunnitelman kaltaisia.

Korkearenessanssissa varhaisrenessanssin luontainen geometria ei lopu, vaan jopa syvenee. Mutta siihen lisätään jotain uutta: henkisyys, psykologismi, halu välittää ihmisen sisäinen maailma, hänen tunteensa, tunnelansa, tilat, luonne, temperamentti. Ilmaperspektiiviä kehitetään, muotojen aineellisuus saavutetaan tilavuuden ja plastisuuden lisäksi myös chiaroscuron avulla. Korkean renessanssin taidetta ilmaisee täydellisimmin kolme taiteilijaa: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo. Ne edustavat Italian renessanssin pääarvoja: älykkyyttä, harmoniaa ja voimaa.

Termiä myöhäisrenessanssi käytetään yleensä venetsialaiseen renessanssiin. Vain Venetsia pysyi tänä aikana (1500-luvun toisella puoliskolla) itsenäisenä, muut Italian ruhtinaskunnat menettivät poliittisen itsenäisyytensä. Venetsian renessanssilla oli omat ominaisuutensa. Hän ei ollut kiinnostunut tieteellisestä tutkimuksesta ja muinaisten antiikin kaivauksista. Hänen renessanssillaan oli muita alkuperää. Venetsia on pitkään ylläpitänyt läheisiä kauppasuhteita Bysantin, arabi-idän ja Intian kanssa. Sekä goottilaisia ​​että itämaisia ​​perinteitä muokattuna Venetsia kehitti oman erikoistyylinsä, jolle on ominaista värikäs, romanttinen maalaus. Venetsialaisille väriongelmat nousevat esille, kuvan olennaisuus saavutetaan värisävyillä. Suurimmat korkean ja myöhäisen renessanssin venetsialaiset mestarit ovat Giorgione (1477-1510), Tizian (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594).

Pohjoinen renessanssi

Sillä oli erikoinen luonne pohjoista renessanssia(Saksa, Alankomaat, Ranska). Pohjoinen renessanssi on koko vuosisadan jäljessä italialaisesta ja alkaa, kun Italia astuu kehityksensä korkeimpaan vaiheeseen. Pohjoisen renessanssin taiteessa on enemmän keskiaikaista maailmankuvaa, uskonnollista tunnetta, symboliikkaa, se on muodoltaan tavanomaisempaa, arkaaisempaa, vähemmän perehtynyttä antiikkiin.

Pohjoisen renessanssin filosofinen perusta oli panteismi. Panteismi, kiistämättä suoraan Jumalan olemassaoloa, liuottaa sen luonnossa, varustaa luonnon jumalallisilla ominaisuuksilla, kuten ikuisuus, äärettömyys, äärettömyys. Koska panteistit uskoivat, että jokaisessa maailman hiukkasessa on hiukkanen Jumalaa, he päättelivät: jokainen luonnonpala on kuvan arvoinen. Tällaiset esitykset johtavat maiseman syntymiseen itsenäisenä genrenä. saksalaisia ​​taiteilijoita- maisemamestarit A. Durer, A. Altdorfer, L. Cranach kuvasivat luonnon majesteettisuutta, voimaa, kauneutta, välittivät sen henkisyyttä.

Toinen pohjoisen renessanssin taiteessa kehitetty genre on muotokuva. Itsenäinen muotokuva, joka ei liittynyt uskonnolliseen kulttiin, syntyi Saksassa 1400-luvun viimeisellä kolmanneksella. Dürerin aikakausi (1490-1530) oli hänen merkittävän kukoistuskautensa aikaa. On huomattava, että saksalainen muotokuva erosi Italian renessanssin muotokuvasta. Italialaiset taiteilijat loivat ihmistä palvoessaan ihanteen kauneudesta. Saksalaiset taiteilijat olivat välinpitämättömiä kauneudelle, heille tärkeintä oli välittää luonnetta, saavuttaa kuvan emotionaalinen ilmaisu, joskus ihanteen kustannuksella, kauneuden kustannuksella. Ehkä tämä heijastaa keskiajalle tyypillisen "ruman estetiikan" kaikuja, joissa hengellinen kauneus saattoi piiloutua rumaan ulkonäköön. Italian renessanssissa esteettinen puoli nousi etualalle, pohjoisessa - eettinen puoli. Muotokuvamaalauksen suurimmat mestarit Saksassa ovat A. Durer, G. Holbein Jr., Hollannissa - Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Ranskassa - J. Fouquet, J. Clouet, F. Clouet.

Kolmas genre, joka syntyi ja kehittyi pääasiassa Alankomaissa, on arkimaalaus. Majuri Mestari genren maalaus- Pieter Brueghel vanhempi. Hän maalasi aitoja kohtauksia talonpoikien elämästä, ja hän jopa sijoitti raamatullisia kohtauksia tuolloin Alankomaiden maaseutuympäristöön. Hollantilaiset taiteilijat erottuivat poikkeuksellisesta kirjoitustaitoisuudestaan, jossa jokainen pieninkin yksityiskohta on kuvattu erittäin huolellisesti. Tällainen kuva on katsojalle erittäin kiehtova: mitä enemmän sitä katsoo, sitä mielenkiintoisempia asioita sieltä löytyy.

Antaminen vertaileva ominaisuus Italian ja pohjoisen renessanssin välillä on korostettava vielä yksi merkittävä ero. Italian renessanssille on ominaista halu palauttaa muinainen kulttuuri, halu emansipaatiosta, vapautuminen kirkon dogmeista ja maallinen koulutus. Pohjoisen renessanssin aikana pääpaikka oli uskonnollisen parantamisen, katolisen kirkon ja sen opetusten uudistamisen kysymykset. Pohjoinen humanismi johti uskonpuhdistukseen ja protestantismiin.

Tiede

Tiedon kehitys XIV-XVI-luvuilla vaikutti merkittävästi ihmisten käsityksiin maailmasta ja ihmisen paikasta siinä. Suuret maantieteelliset löydöt, Nicolaus Copernicuksen maailman heliosentrinen järjestelmä muuttivat käsitystä Maan koosta ja sen paikasta maailmankaikkeudessa sekä Paracelsuksen ja Vesaliuksen teokset, joissa ensimmäistä kertaa antiikin jälkeen yritettiin tutkia. ihmisen rakenne ja siinä tapahtuvat prosessit merkitsi tieteellisen lääketieteen ja anatomian alkua.

Myös yhteiskuntatieteissä on tapahtunut suuria muutoksia. Jean Bodinin ja Niccolo Machiavellin teoksissa historialliset ja poliittiset prosessit käsiteltiin ensin eri ihmisryhmien ja heidän etujensa vuorovaikutuksen tuloksena. Samaan aikaan yritettiin kehittää "ihanteellinen" sosiaalinen rakenne: Thomas Moren "Utopia" ja Tommaso Campanellan "Auringon kaupunki". Antiikin kiinnostavuuden ansiosta monet muinaiset tekstit on palautettu [ lähdettä ei ole määritetty 522 päivää], monet humanistit opiskelevat klassista latinaa ja antiikin kreikkaa.

Yleisesti ottaen tällä aikakaudella vallinnut renessanssin panteistinen mystiikka loi epäsuotuisan ideologisen taustan tieteellisen tiedon kehitykselle. Tieteellisen menetelmän lopullinen muodostuminen ja sitä seurannut 1600-luvun tieteellinen vallankumous. liittyy renessanssia vastustavaan uskonpuhdistusliikkeeseen.

Ei ole sattumaa, että monet suurten maantieteellisten löytöjen aikakaudella maailmanlaajuista mainetta saavuttaneet navigaattorit ja tiedemiehet - P. Toscanelli, X. Columbus, J. Cabot, A. Vespucci - olivat italialaisia. Poliittisesti pirstoutunut Italia oli tuolloin Euroopan kehittyneimmän talouden ja kulttuurin maa. Nykyaikana hän astui suurenmoisen kulttuurisen mullistuksen keskelle, jota kutsutaan renessanssiksi tai ranskaksi - renessanssiksi, koska se merkitsi alun perin muinaisen perinnön elpymistä. Renessanssi oli kuitenkin keskiajan jatkoa peräti paluuta antiikin aikaan, se syntyi keskiajan pitkälle kehittyneen, hienostuneen ja monimutkaisen kulttuurin pohjalta.

Uudelleensyntymisen käsite. Humanismi

Renessanssin käsitteen ohella käytetään laajalti käsitettä "humanismi", joka on johdettu latinan sanasta humanis - human. Se liittyy läheisesti "renessanssin" käsitteeseen, mutta ei vastaa sitä. Termi "renessanssi" tarkoittaa koko tietylle historialliselle aikakaudelle ominaista kulttuuristen ilmiöiden kokonaisuutta. "Humanismi" on renessanssin aikakaudella muodostettu näkemysjärjestelmä, jonka mukaan tunnustetaan ihmisen korkea ihmisarvo, hänen oikeus vapaaseen kehitykseen ja luovien kykyjensä ilmentymiseen.

Renessanssin käsite "humanismi" merkitsi myös tiedon kokonaisuutta ihmisestä, hänen paikastaan ​​luonnossa ja yhteiskunnassa. Erityinen kysymys on humanistien suhtautuminen uskontoon. Humanismi esiintyi melko rinnakkain kristinuskon kanssa, jonka silmiinpistävin todiste oli papiston aktiivinen osallistuminen humanistiseen liikkeeseen ja erityisesti paavien suojelus. Renessanssin aikana uskonto muuttui sokean uskon kohteesta epäilyn, pohdiskelun, tieteellisen tutkimuksen ja jopa kritiikin kohteeksi. Mutta tästä huolimatta Italia pysyi kokonaisuudessaan uskonnollisena, pääosin katolisena maana. Kaikenlaiset taikauskot säilyivät edelleen italialaisessa yhteiskunnassa, ja astrologia ja muut pseudotieteet kukoistivat.

Herätys kävi läpi useita vaiheita. Varhainen renessanssi (1300-luku ja suurin osa 1400-luvusta) jolle on ominaista renessanssin kirjallisuuden ja siihen liittyvien humanististen tieteiden ilmaantuminen, humanismin kukoistaminen yleensä. Kaudella B Korkea renessanssi (1400-luvun loppu - 1500-luvun ensimmäinen kolmannes) kuvataiteessa oli ennennäkemätön kukoistus, mutta humanistisessa maailmankuvassa oli jo selvä kriisi. Näiden vuosikymmenten aikana renessanssi meni Italian ulkopuolelle. Myöhäisrenessanssi (suurin osa 1500-luvulta)- ajanjakso, jolloin sen kehitys jatkui rinnakkain uskonnollisen uskonpuhdistuksen kanssa Euroopassa.

Italian renessanssin pääkaupunki oli Toscanan pääkaupunki - Firenze, jossa oli ainutlaatuinen olosuhteiden yhdistelmä, joka vaikutti kulttuurin nopeaan nousuun. Korkearenessanssin huipulla renessanssitaiteen keskus muutti Roomaan. Paavit Julius II (1503-1513) ja Leo X (1513-1521) tekivät sitten suuria ponnisteluja elvyttääkseen entinen kunnia Ikuinen kaupunki, jonka ansiosta se todella muuttui maailmantaiteen keskukseksi. Italian renessanssin kolmanneksi suurin keskus oli Venetsia, jossa renessanssin taide sai paikallisten ominaisuuksien vuoksi omalaatuisen värityksen.

Italian renessanssin taidetta

Italiassa renessanssin aikana tapahtunut kulttuurinen nousu. selkeimmin kuvataiteessa ja arkkitehtuurissa. Ne heijastivat erityisellä voimalla ja selkeästi aikakauden suurta käännekohtaa, joka määritti polut maailmantaiteen jatkokehitykseen.

Yksi Italian renessanssin näkyvimmistä hahmoista oli Leonardo da Vinci (1452-1519)., joka yhdisti monia kykyjä - taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti, insinööri, alkuperäinen ajattelija. Hän eli myrskyistä ja luovaa elämää ja loi mestariteoksensa Firenzen tasavallan, Milanon herttuan, Rooman Panin ja Ranskan kuninkaan palveluksessa. Leonardon fresko Viimeinen ehtoollinen”on yksi koko eurooppalaisen taiteen kehityksen huipuista, ja ”La Gioconda” on yksi sen suurimmista mysteereistä.

Maalaus oli Leonardolle universaali keino paitsi heijastaa maailmaa, myös sen tietoa. Hänen oman määritelmänsä mukaan tämä on "hämmästyttävä taito, se kaikki koostuu hienoimmista spekulaatioista". Kokeellisilla havainnoillaan tämä loistava taiteilija rikastutti lähes kaikkia aikansa tieteenaloja. Ja hänen teknisten keksintöjensä joukossa oli esimerkiksi laskuvarjoprojekti.

Yhtä suuri taiteilija Michelangelo Buonarroti (1475-1564) kilpaili Leonardon neron kanssa., jonka tähti alkoi nousta vuosisadan vaihteessa. Sitä oli vaikea kuvitella erilaiset ihmiset: Leonardo - seurallinen, ei vieraita maallisille tavoille, aina etsivä, jolla on laaja valikoima usein vaihtuvia kiinnostuksen kohteita; Michelangelo on suljettu, ankara, päätäpäin töihin keskittynyt jokaiseen uuteen teokseensa. Michelangelo tuli tunnetuksi kuvanveistäjänä ja arkkitehtina, maalarina ja runoilijana. Hänen ensimmäisten mestariteosten joukossa on veistosryhmä Lamentation of Christ. Vuonna 1504 Firenzen asukkaat kantoivat voittokulkueessa Daavidin valtavaa hahmoa, joka on tämän mestarin mestariteos. Se asennettiin juhlallisesti kaupunginvaltuuston rakennuksen eteen. Vielä suurempaa mainetta toivat hänelle Vatikaanin Sikstuksen kappelin freskot, jossa Michelangelo maalasi neljässä vuodessa 600 neliömetriä. m kohtauksia Vanhasta testamentista. Myöhemmin hänen kuuluisa fresko "Viimeinen tuomio" ilmestyi samaan kappeliin.

Michelangelo saavutti yhtä vaikuttavan menestyksen arkkitehtuurissa. Vuodesta 1547 elämänsä loppuun asti hän johti Pyhän Pietarin katedraalin rakentamista, josta oli tarkoitus tulla maailman tärkein katolinen kirkko. Michelangelo muutti radikaalisti tämän suurenmoisen rakenteen alkuperäistä suunnittelua. Hänen nerokkaan projektinsa mukaan luotiin kupoli, joka on tähän päivään asti vertaansa vailla kooltaan tai loistoltaan. Tämä roomalainen katedraali on yksi maailman arkkitehtuurin suurimmista luomuksista.

Kaupunkisuunnittelijana Michelangelo ilmaisi kaiken kykynsä voiman luomalla arkkitehtonisen kokonaisuuden Capitol-aukiolle. Hän itse asiassa muodosti uuden kuvan Roomasta, joka on siitä lähtien ollut erottamattomasti sidoksissa hänen nimeensä. Italian renessanssin maalaus saavutti huippunsa Raphael Santin (1483-1520) teoksessa. Hän osallistui Pyhän Pietarin katedraalin rakentamiseen, ja vuonna 1516 hänet nimitettiin kaikkien roomalaisten antiikkiesineiden päähuoltajaksi. Rafael kuitenkin osoitti itsensä pääasiassa taiteilijana, jonka työssä korkean renessanssin maalaukselliset kaanonit valmistuivat. Rafaelin taiteellisten saavutusten joukossa on Vatikaanin palatsin juhlasalien maalaus. Hän maalasi muotokuvia Julius II:sta ja Leo X:stä, minkä ansiosta Roomasta tuli renessanssin taiteen pääkaupunki. Taiteilijan suosikkikuva on aina ollut Jumalanäiti, symboli äidinrakkaus. Ei ole sattumaa, että upea Sistine Madonna tunnustetaan hänen suurimmaksi mestariteokseksi.

Kunniallisen paikan renessanssin taiteen historiassa on venetsialaisella maalauskoululla, jonka perustaja oli Giorgione (1476/77-1510). Hänen mestariteoksensa, kuten "Judith" ja "Sleeping Venus", saivat maailmanlaajuista tunnustusta. . Venetsian merkittävin taiteilija oli Tizian (1470/80-luvut - 1576). Kaiken, mitä hän oppi Giorgionelta ja muilta mestarilta, Titian saattoi täydellisyyteen, ja hänen luomallaan vapaalla kirjoitustavalla oli suuri vaikutus maailmanmaalauksen myöhempään kehitykseen.

Tizianin varhaisten mestariteosten joukossa on maalaus "Maallinen rakkaus ja taivaallinen rakkaus", joka on muotoilultaan alkuperäinen. Venetsialainen taiteilija tunnettiin laajalti lyömättömänä muotokuvamaalarina. Sekä roomalaiset paavit että kruunatut pitivät hänelle poseeraamista kunniana.

Arkkitehtuuri ja kuvanveisto

Uuden arkkitehtonisen tyylin perustajat olivat Firenzen erinomaiset mestarit, ensisijaisesti Filippo Brunelleschi, joka loi Santa Maria del Fioren katedraalin monumentaalisen kupolin. Mutta arkkitehtonisen rakenteen päätyyppi tänä aikana ei ollut enää kirkko, vaan maallinen rakennus - palazzo (palatsi). Renessanssityylille on ominaista monumentaalisuus, loistovaikutelman luominen ja julkisivujen korostettu yksinkertaisuus, tilavien sisätilojen mukavuus. Goottilaisten rakennusten monimutkaista rakennetta, joka valloitti ihmisen loistollaan, vastusti uusi arkkitehtuuri, joka loi pohjimmiltaan uuden elinympäristön, joka vastasi paremmin ihmisten tarpeita.

Renessanssin aikana veistos erotettiin arkkitehtuurista, vapaasti seisovat monumentit ilmestyivät itsenäisenä osana kaupunkimaisemaa ja veistoksellisen muotokuvan taide kehittyi nopeasti. Muotokuvalaji, joka oli laajalle levinnyt maalauksessa, kuvanveistossa ja grafiikassa, vastasi renessanssikulttuurin humanistista tunnelmaa.

Kirjallisuus, teatteri, musiikki

Alunperin latinaksi luotu renessanssikirjallisuus väistyi vähitellen aidosti kansalliselle, italialaiselle kirjallisuudelle. XVI vuosisadan puoliväliin mennessä. Italian kieli, jonka perustana oli Toscanan murre, tulee vallitsevaksi. Se oli ensimmäinen kansallinen kirjallinen kieli Euroopassa, johon siirtyminen vaikutti renessanssin koulutuksen laajaan leviämiseen.

Koko 1500-luvun Italiassa syntyi kansallisteatteri sanan nykyisessä merkityksessä. Italialaiset kansankomediat olivat ensimmäisiä Euroopassa, jotka kirjoitettiin proosaksi ja joilla oli realistinen luonne, eli ne vastasivat todellisuutta.

Intohimo musiikkiin on Italiassa aina ollut laajempaa kuin missään muussa Euroopan maassa. Se oli luonteeltaan massaa ja olennainen osa väestön laajimman osan jokapäiväistä elämää. Renessanssi toi suuria muutoksia tällä alueella. Orkesterit ovat erityisen suosittuja. Uudentyyppisiä soittimia luodaan, viulu tulee etualalle jousista.

Uusi ymmärrys historiasta ja valtiotieteen synty

Renessanssin ajattelijat kehittivät alkuperäisen näkemyksen historiasta ja loivat pohjimmiltaan uuden periodisoinnin historiallinen prosessi, joka oli pohjimmiltaan erilainen kuin Raamatusta lainattu myyttinen suunnitelma. Käsitys, että uusi historiallinen aikakausi oli saapunut, oli Italian renessanssin omaperäisin piirre. Keskiajan vastakohtana humanistit kääntyivät muinaisen maailman mestareiden puoleen suorina edeltäjiään ja nimetivät "uuden" aikansa ja antiikin välisen vuosituhannen nimettömäksi "keskiajaksi". Näin syntyi täysin uusi lähestymistapa historian periodisointiin, joka hyväksytään edelleen.

Italian renessanssin suurin ajattelija, joka antoi korvaamattoman panoksen sekä historiallisen että poliittisen ajattelun kehitykseen, oli Niccolò Machiavelli (1469-1527). Hän oli kotoisin Firenzestä, ja hän toimi korkeissa viroissa hallituksessa ja suoritti tärkeitä diplomaattisia tehtäviä niinä vuosina, jolloin Italiasta tuli rajua kansainvälistä kilpailua. Juuri tänä maansa katastrofaalisena aikakautena firenzeläinen ajattelija yritti vastata aikamme akuutimpiin ongelmiin. Hänelle historia edusti menneisyyden poliittista kokemusta ja politiikka nykyhistoriaa.

Machiavellin tärkeimmät huolenaiheet olivat ihmisten "yhteinen etu" ja "valtion etu". Hänen mielestään hallitsijan käytöksen pitäisi määrätä heidän suojelunsa, ei yksityisten etujen. "Todiste rehellisyydestäni ja uskollisuudestani on köyhyyteni", Machiavelli kirjoitti päätelmiensä tueksi. Hänen poliittinen testamenttinsa olivat sanat: "Älä poikkea hyvästä, jos mahdollista, vaan pysty tarvittaessa astumaan pahan polulle." Tämä kehotus nähdään usein oikeutuksena moraalittomalle politiikalle, joka ei halveksi mitään keinoja saavuttaa tavoitteensa ja jota varten jopa keksittiin käsite "machiavellianismi".

N. Machiavellin kirjasta "The Suvereign"

"Tarkoitukseni on kirjoittaa jotain hyödyllistä jollekin, joka ymmärtää tämän, ja siksi minusta tuntui oikeammalta etsiä asioiden todellista, ei kuvitteellista totuutta." Loppujen lopuksi "etäisyys siitä, miten elämä todella virtaa, on niin suuri, siihen, miten sitä pitäisi elää."

"Sekä hyvin järjestäytyneet valtiot että viisaat ruhtinaat yrittivät erityisen kovasti olla katkeruuttamatta aatelisia ja samalla tyydyttää ihmisiä, tehdä heidät onnelliseksi, koska tämä on yksi prinssin tärkeimmistä asioista." Ja "se, jonka käsiin valta annetaan, ei saa koskaan ajatella itseään."

Suvereenin ”pitäisi näyttää armolliselta, uskolliselta, inhimilliseltä, vilpittömältä, hurskalta; sen pitäisi olla niin, mutta henki on vahvistettava niin, että hänestä tulee tarvittaessa erilainen ... muuttuu päinvastaiseksi. "Loppujen lopuksi se, joka aina tunnustaa uskovansa hyvyyteen, menehtyy väistämättä niin monien ihmisten joukkoon, joille hyvyys on vieras."

Viitteet:
V.V. Noskov, T.P. Andreevskaya / Historiaa 1400-luvun lopusta 1700-luvun loppuun