थिएटर का इतिहास दो सहस्राब्दियों से भी पहले प्राचीन ग्रीस में निहित है। सबसे प्राचीन कला का जन्म जनता के शानदार मनोरंजन, नकाबपोश अभिनेताओं के उत्सव के दृश्यों के रूप में हुआ था। प्रदर्शन मूल रूप से ग्रेट डायोनिसिया के साथ मेल खाने के लिए समय पर थे - एक महान धार्मिक अवकाश।

अब रंगमंच निस्संदेह शहर के माध्यम से बकरियों की खाल में पुरुषों के गायन के जुलूस से अधिक है। वह बन गया उच्च कला, उच्च समाज के लिए मनोरंजन का एक तरीका, सांस्कृतिक शिक्षा का स्थान। रंगमंच का इतिहास एक आकर्षक विकास प्रक्रिया है जो आज भी जारी है। हम अपने लेख में पाठक को इसके बारे में बताएंगे। प्रस्तुत सामग्री में आपको कई रोचक तथ्य भी मिलेंगे। तो, चलिए शुरू करते हैं।

शुरू

एथेंस में, 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व। इ। नाट्य प्रदर्शन धार्मिक त्योहारों का एक अभिन्न अंग थे। डायोनिसस की मूर्ति के साथ जुलूस के साथ हंसमुख मंत्रोच्चार और नाटकीय खेल थे। हम कह सकते हैं कि एथेनियन थिएटर का इतिहास शौकिया प्रदर्शन के रूप में शुरू हुआ छोटी राशिदेखने वाले प्रारंभ में, केवल त्रासदियों का मंचन किया जाता था, बाद में हास्य दिखाया जाता था। यह उल्लेखनीय है कि नाटक, एक नियम के रूप में, केवल एक बार दिखाए गए थे। इसने लेखकों को प्रासंगिक, दिलचस्प रचनाएँ बनाने के लिए प्रेरित किया। नाटककार ने न केवल नाटक लिखा, वह प्रदर्शन में एक पूर्ण भागीदार था, उसने भूमिकाएँ निभाईं: निर्देशक, संगीतकार, कोरियोग्राफर और यहां तक ​​​​कि एक अभिनेता भी। स्वाभाविक रूप से, ये बेहद प्रतिभाशाली लोग थे।

लेकिन एक कोरग (गाना बजानेवालों का नेता) बनने के लिए, महान प्रतिभा की आवश्यकता नहीं थी। उन्हें केवल धन और सरकारी अधिकारियों के साथ संपर्क की आवश्यकता थी। व्यापारी का मुख्य कर्तव्य बिलों का भुगतान करना था, सामग्री समर्थनऔर थिएटर का समर्थन। यह उन दिनों प्रतियोगिता का स्थान था, इसमें विजयी होरेग, कवि और नायक की जीत होती थी। विजेताओं को आइवी का ताज पहनाया गया और पुरस्कारों से सम्मानित किया गया। जूरी के फैसले से उन्हें जीत मिली थी।

एक दिलचस्प तथ्य यह है कि प्राचीन रोमन यथार्थवाद के वास्तविक प्रशंसक थे। उत्पादन को आदर्श माना जाता था, जिसमें अभिनेता को 100% भूमिका निभाने की आदत हो जाती थी - यदि आवश्यक हो, तो उसे मरने के लिए भी तैयार रहना पड़ता था।

ग्रीक थिएटर में छत नहीं थी; दर्शक और अभिनेता, वास्तव में, सड़क पर थे। प्राचीन थिएटरों का आकार बहुत बड़ा था, वे 17 से 44 हजार लोगों को समायोजित कर सकते थे। पहले, दर्शकों को नीचे गिराने के लिए लकड़ी के चबूतरे का इस्तेमाल किया जाता था, फिर प्राकृतिक पत्थर के ढलानों को थिएटर के लिए अनुकूलित किया जाता था। और उसके बाद ही, चौथी शताब्दी ईसा पूर्व में। ई।, एक पत्थर थियेटर बनाया गया था।

आपको शायद यह जानने में दिलचस्पी होगी कि सरकार ने पेरिकल्स से शुरू करके, थिएटर का दौरा करना और सुंदर, यहां तक ​​​​कि आर्थिक रूप से वंचित नागरिकों से जुड़ना संभव बना दिया। ऐसा करने के लिए, प्रत्येक को थिएटर की एक यात्रा के लिए और फिर तीन यात्राओं के लिए सब्सिडी आवंटित की गई थी।

कहानी प्राचीन रंगमंचएक है अभिलक्षणिक विशेषता: अभिनेताओं ने अपने स्वयं के चेहरे के भावों की सहायता के बिना अपनी भूमिकाएँ निभाईं। इसे सभी प्रकार के मुखौटों से बदल दिया गया था, अक्सर काफी विचित्र। अभिनेता ने शरीर की गतिविधियों और कपड़ों पर बहुत ध्यान दिया। अभिनेता पुरुष थे, यहां तक ​​कि महिला भूमिकाएं... उन्होंने समाज में एक विशेषाधिकार प्राप्त स्थान पर कब्जा कर लिया, उन्हें करों से छूट दी गई।

एक दिलचस्प तथ्य यह है कि लिवी एंड्रोनिकस, एक प्राचीन रोमन नाटककार, दुनिया के पहले "फोनोग्राम" के पिता बने। वह बिना आवाज़ के रह गया, लेकिन स्थिति से बाहर निकल गया, उसके लिए बोलने वाले लड़के को ढूंढ लिया।

प्राचीन रंगमंच की कुछ शर्तें

प्राचीन थिएटरों में इस्तेमाल की जाने वाली कई परिभाषाएँ आज तक जीवित हैं। प्राचीन काल से शब्दों की एक छोटी शब्दावली आपके ध्यान में नीचे प्रस्तुत की गई है:

• ऑर्केस्ट्रा दो प्रवेश द्वारों के साथ एक गोल आकार के साथ थिएटर का एक हिस्सा है, जिसे नाटकीय और गीत गायन के प्रदर्शन के लिए डिज़ाइन किया गया है। एथेनियन थिएटर में इसका व्यास 24 मीटर था।
• स्केना ड्रेस अप करने की जगह है। मूल रूप से एक साधारण तम्बू था, फिर टुकड़ों से जुड़ा हुआ था सजावटदृश्य, उदाहरण के लिए, पृष्ठभूमि में।
• प्रोसेनियम - स्केना के सामने उपनिवेश।
• पारसेनी - साइड स्टोन आउटबिल्डिंग।
• मंच ऑर्केस्ट्रा के ऊपर एक पहाड़ी है, जहां अभिनेता देर से पुरातनता में खेलना शुरू करते थे।
• एकिकल्मा एक जंगम लकड़ी का मंच है जो आपको दृश्य को बदलने और अभिनेताओं को मंच के चारों ओर ले जाने की अनुमति देता है।
• कोटर्नी उच्च तलवों वाले जूते होते हैं जो स्टिल्ट्स के समान होते हैं। इस तरह के जूतों की मदद से, अभिनेता लंबे, अधिक प्रभावशाली और पौराणिक प्राणियों के समान हो गए।

एक उल्लेखनीय तथ्य यह है कि रोम में पहली बार "फिनिता ला कॉमेडिया" वाक्यांश का उच्चारण किया गया था।

रंगमंच की दुनिया में गुड़िया

कठपुतली थियेटर का इतिहास मिस्र का है, जहां पुजारियों ने अनुष्ठान कार्यों को करने के लिए भगवान ओसिरिस की कठपुतली का इस्तेमाल किया था। शुरुआत में कठपुतली थिएटर सिर्फ औपचारिक और अनुष्ठान था, लेकिन अब धार्मिक अर्थ फीका पड़ गया है। प्रसिद्ध अनुष्ठान और अनुष्ठान कठपुतली थिएटर कई देशों में मौजूद हैं: जापान (बुनराकू), इंडोनेशिया (वायंग), कैटेलोनिया (एल पास्टर्स), बेलारूस (बटलिका) और अन्य।

अमेरिका में कठपुतली थिएटर के इतिहास में, 1962 में "ब्रेड एंड ए डॉल" नाम से बनाया गया थिएटर सबसे अलग है। इसमें विशाल पपीयर-माचे गुड़िया, एक स्पष्ट राजनीतिक स्वाद और प्रवेश द्वार पर स्वादिष्ट रोटी है। अभिनेताओं और दर्शकों के बीच यह बातचीत प्रतीकात्मक है: नाट्य कला यथासंभव लोगों के करीब होनी चाहिए।

गुड़िया विभिन्न आकारों और प्रकारों में आती हैं। उंगली और दस्ताना, ईख और गोली, कठपुतली और विशाल गुड़िया हैं। कठपुतली थियेटर में एक अभिनेता बनना इतना आसान नहीं है, क्योंकि आपको एक निर्जीव वस्तु को पुनर्जीवित करने, उसे चरित्र और आवाज से संपन्न करने में सक्षम होने की आवश्यकता है।

किसी भी कठपुतली थियेटर की एक विशिष्ट विशेषता किसी चीज का उपहास, नैतिकता की उपस्थिति, दृश्यों में एक शैक्षिक तत्व है। कठपुतली थियेटर का दर्शक कितना भी पुराना क्यों न हो, उसे न केवल हंसने के लिए, बल्कि सोचने के लिए भी कुछ मिलेगा। कठपुतली थिएटर में अक्सर नायक बदसूरत होते हैं, यहां तक ​​​​कि बदसूरत चरित्र भी, उदाहरण के लिए, एक क्रोकेटेड नाक के साथ फ्रेंच पंचिनेले।

आपको शायद यह जानने में दिलचस्पी होगी कि अभिनेता हमेशा अमीर लोग नहीं होते हैं। अमेरिकी कठपुतली के इतिहास में, ऐसे तथ्य हैं कि थिएटर जाने वाले भोजन के बदले एक नाटक देख सकते थे।

नाटक

नाट्यशाला का इतिहास प्राचीन काल का है। यह कठपुतली थियेटर, पैंटोमाइम, ओपेरा और बैले के साथ कला रूपों में से एक है। नाट्य रंगमंच की मुख्य विशेषता यह है कि अभिनेता के कार्यों को उसके द्वारा बोले गए शब्दों के साथ जोड़ा जाता है। इस प्रकार की शैली में मंचीय भाषण पर विशेष ध्यान दिया जाता है। नाटक नाटकीय प्रदर्शन का आधार है। अभिनय की प्रक्रिया में, कामचलाऊ व्यवस्था संभव है, क्रिया में नृत्य, गायन शामिल हो सकते हैं। प्रदर्शन पर आधारित है साहित्यक रचना... निर्देशक किसी नाटक या पटकथा का मुख्य दुभाषिया होता है।

उल्लेखनीय बात यह है कि थिएटर वर्कर्स का मानना ​​है कि स्क्रिप्ट को छोड़ना अच्छा नहीं है। अगर यह परेशानी हुई तो आपको इस पर जरूर बैठना चाहिए।

घरेलू नाट्य परंपराओं का उदय

रूस में रंगमंच का इतिहास चरणों में बांटा गया है:

• प्रारंभिक ("चंचल")।
• औसत।
• परिपक्व।

चंचल मंच

जैसा कि प्राचीन रोम में, रूस में रंगमंच का इतिहास पूरी तरह से गंभीर व्यवसाय के रूप में शुरू नहीं हुआ था। नाट्य प्रदर्शनों को "मज़ेदार" कहा जाता था और प्रदर्शनों को "मेरीमेकिंग" कहा जाता था। इतिहास में भैंसों का पहला उल्लेख 1068 में मिलता है। दरअसल दर्शकों का मनोरंजन करने वाला ऐसा अभिनेता कोई भी शख्स बन सकता है। धर्म की दृष्टि से भैंसों की हरकतें शर्मनाक थीं। इतिहास में उन्हें शैतान का सेवक कहा जाता है, और उपहास, व्यंग्य और पोशाक को पाप कहा जाता है। चर्च द्वारा तीखे व्यंग्य का स्वागत नहीं किया गया था, हालांकि, इसने वास्तव में किसी को नहीं रोका।

बफूनरी को भी अधिकारियों को प्रसन्न करने वाली कला नहीं माना जाता था, इसके विपरीत, दृश्यों के तीव्र सामाजिक विषयों, आधुनिक कमियों का उपहास करने से अभिनेताओं को खतरनाक और हानिकारक बना दिया जाता था। लेकिन लोगों ने भैंसे के प्रदर्शन को देखना और हंसना पसंद किया। हालाँकि, यह समझा जाना चाहिए कि शास्त्रीय रंगमंच, जैसा कि हम अब जानते हैं, इन गूढ़ दृश्यों से नहीं, बल्कि स्वतंत्र रूप से, यहां तक ​​​​कि, बल्कि, उनके बावजूद विकसित हुआ।

मध्य चरण

रूसी रंगमंच के इतिहास में अगला चरण मीरा और परिपक्व के बीच का है। इस चरण में, एक दरबारी प्रकट होता है और स्कूल थिएटर... उस समय, ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच ने शासन किया, कोर्ट थिएटर के अभिनेता विदेशी थे, स्कूल थिएटर - छात्र। अलेक्सी मिखाइलोविच की मृत्यु के बाद, पीटर I के सत्ता में आने तक कोर्ट थिएटर की गतिविधि रुक ​​गई। उनका "चश्मा" के प्रति सकारात्मक दृष्टिकोण था, लेकिन, मनोरंजन के अलावा, उन्हें एक प्रचार समारोह से भी संपन्न किया गया था। 1702 में, व्यापक जनता के लिए एक सार्वजनिक रंगमंच दिखाई दिया। इसकी इमारत को "कॉमेडियन टेम्पल" कहा जाता था, जहाँ एक जर्मन मंडली द्वारा प्रदर्शन दिए जाते थे। इस थिएटर ने लोगों को स्वीकार नहीं किया। हालाँकि पीटर I ने अपने लक्ष्य को प्राप्त नहीं किया, लेकिन उन्होंने थिएटर को लोगों की पसंदीदा जगह, सुलभ और लोकप्रिय नहीं बनाया, लेकिन उन्होंने इसके लिए सभी आवश्यक शर्तें निर्धारित कीं।

नाट्य कला के इतिहास में एक परिपक्व अवस्था

रूस में थिएटर के निर्माण के इतिहास में यह अवधि सबसे महत्वपूर्ण है। इस स्तर पर, थिएटर ने उन विशेषताओं को हासिल करना शुरू कर दिया जो एक आधुनिक व्यक्ति से परिचित हैं, एक गंभीर पेशेवर समुदाय में आकार लिया। 30 अगस्त, 1756 को शुरुआत दी गई, अर्थात् इम्पीरियल थियेटर खोला गया। वही तारीख सेंट पीटर्सबर्ग में अलेक्जेंड्रिंस्की थिएटर की स्थापना का दिन है। यह एलिसैवेटा पेत्रोव्ना के अधीन हुआ।

उस समय के रंगमंच की एक विशेषता रूसियों और दोनों की प्रस्तुतियों में एक साथ भागीदारी थी विदेशी कलाकार... यह इस स्तर पर था कि भूमिकाओं का प्रदर्शन पहले न केवल पुरुषों को सौंपा गया था, बल्कि महिलाओं को भी सौंपा गया था। कैथरीन II ने थिएटर को बहुत महत्व दिया, उसके तहत सेंट पीटर्सबर्ग में तीन मंडलियां थीं, इस उद्योग के विकास पर एक शानदार राशि खर्च की गई थी।

राज्य के विकास के अलावा, कैथरीन ने रईसों के निजी थिएटरों पर ध्यान दिया, उदाहरण के लिए, शेरमेतयेव, वोल्कॉन्स्की, रुम्यंतसेव का थिएटर था। यहाँ तक कि प्रान्तों में भी उनकी अपनी जमींदार मंडलियाँ बनाई गईं। एक रूसी थिएटर का निर्माण किया जा रहा था, अर्थात् प्रदर्शन स्वयं, उनके फ्रांसीसी सहयोगियों के मॉडल पर आधारित था। फ्रांसीसी स्कूल ऑफ एक्टिंग के प्रमुख I. A. Dmitrevsky थे, जिन्होंने एक से अधिक पीढ़ी के उत्कृष्ट अभिनेताओं को लाया।

क्या तुम्हें पता था?

हम पाठक के ध्यान में कुछ और प्रस्तुत करते हैं रोचक तथ्यनाट्य कला के इतिहास से।

उस समय जब पुश्किन जीवित थे, रूस में थिएटर पूरी तरह से गतिहीन नहीं थे। पूरे शो के दौरान सबसे दूर की कतारें लोगों ने अपने पैरों पर खड़ी कर लीं।

रूसी नाट्य कला के इतिहास में एक प्रतिष्ठित नाटक डीआई फोंविज़िन का "द माइनर" है, जो 18 वीं शताब्दी के अधिकारियों, रईसों, विशिष्ट पात्रों का उपहास करने का पहला प्रयास बन गया। स्टारोडम ( सकारात्मक चरित्र) खेलने वाले पहले दिमित्रेव्स्की थे।

1803 में, शाही थिएटरों को विभाजित किया गया था। एक नाटकीय और संगीत मंडली, ओपेरा और बैले, संगीत के भाग के रूप में। रूसी मंच पर खेलने के फ्रांसीसी स्कूल का प्रभुत्व 19वीं शताब्दी तक बना रहा। यह तब था जब रूसी रंगमंच आखिरकार अपने पैरों पर खड़ा हो गया और अपने रास्ते पर चल पड़ा। प्राप्त अनुभव एक अच्छा आधार बन गया है, और नए प्रतिभाशाली रूसी संगीतकारों, अभिनेताओं, नर्तकियों की खोज ने थिएटर को एक उच्च स्तर पर पहुंचा दिया।

पीएन अरापोव एक विश्वकोश में रूसी रंगमंच के पूरे इतिहास का वर्णन करने वाले पहले व्यक्ति थे - "रूसी रंगमंच का क्रॉनिकल"। रंगमंच पत्रिकाएँ और पेशेवर आलोचक दिखाई देते हैं। इस प्रकार, थिएटर के विकास ने रूसी साहित्य सहित, को गति दी।

मास्को में सबसे प्रसिद्ध थिएटर

बोल्शोई थिएटर का इतिहास 28 मार्च, 1776 को शुरू होता है। मॉस्को में इस दिन महारानी कैथरीन द्वितीय ने प्रिंस पीटर उरुसोव के लिए एक "विशेषाधिकार" पर हस्ताक्षर किए, जिससे उन्हें दस साल तक थिएटर को बनाए रखने की अनुमति मिली। सबसे पहले इसे पेट्रोवस्की थिएटर कहा जाता था (उस सड़क के सम्मान में जिस पर प्रवेश द्वार जाता था)। 1805 में, इमारत पूरी तरह से जल गई, वास्तुकार ओसिप बोव ने बनाया नया काम... 1820 में, निर्माण शुरू हुआ, जो 5 साल तक चला।

निर्मित थिएटर बड़ा हो गया, यही वजह है कि इसे इसका नाम मिला। मॉस्को के निवासी 1853 तक इस सुंदर, सामंजस्यपूर्ण, समृद्ध इमारत से प्रसन्न थे, जब दूसरी आग लग गई। इस बार, पुनर्निर्माण का काम वास्तुकार अल्बर्ट कैवोस को सौंपा गया था। थिएटर को 1856 में पहले ही बहाल कर दिया गया था। इंपीरियल बोल्शोई थिएटर न केवल रूस में, बल्कि दुनिया में भी प्रसिद्ध हुआ: इसमें उत्कृष्ट ध्वनिकी थी। 1917 में क्रांति के बाद, नाम बदलकर स्टेट बोल्शोई थिएटर कर दिया गया। सजावट को सोवियत प्रतीकों के साथ पूरक किया गया था।

वह महान देशभक्तिपूर्ण युद्ध के दौरान बम को संभालने के दौरान गंभीर रूप से घायल हो गए थे। इमारत को फिर से बनाया गया था। 1987 तक, इमारत में केवल मामूली कॉस्मेटिक मरम्मत की गई थी। अब बोल्शोई थियेटर के साथ एक इमारत है नया दृश्यजहां आप आधुनिक प्रभावों का उपयोग कर सकते हैं। साथ ही, इसने शास्त्रीय वास्तुकला की भावना, इसके "हस्ताक्षर" ध्वनिकी को बरकरार रखा है, जो इसे दुनिया के सर्वश्रेष्ठ थिएटरों में से एक माना जाने का अधिकार देता है। यह बोल्शोई थिएटर की कहानी है।

और अंत में, एक और, कोई कम दिलचस्प तथ्य नहीं। थिएटर में पूरी या आंशिक रूप से होने वाली फ़िल्में: बर्डमैन, वू क्रिएटर, ला ला लैंड, द फैंटम ऑफ़ द ओपेरा, बर्लेस्क टेल्स, नॉकआउट, बम्पिंग इन ब्रॉडवे, ब्लैक स्वान "," कठपुतली "," अवेली बिग एडवेंचर " , "शेक्सपियर इन लव", "मर्डर इन ए स्मॉल टाउन", "ऑर्फेवर क्वे"।

थिएटर का इतिहास (नाटकीय और इस कला की अन्य विधाओं) का विकास जारी रहेगा, क्योंकि इसमें रुचि दो हजार से अधिक वर्षों से अपरिवर्तित है।

किसी के लिए भी आधुनिक आदमीथिएटर नियोजित सांस्कृतिक गतिविधियों का एक अभिन्न अंग बन गए हैं। और कई लोग थिएटर के इतिहास में रुचि रखते हैं, आखिरकार, एक दौर था जब थिएटर नहीं थे? यह याद रखना मुश्किल है कि यह कब था, क्योंकि सबसे पहले थिएटर आदिम समुदायों में दिखाई दिए।

उन दूर के समय में, लोग अभी भी नहीं समझ पाए थे कि बारिश क्यों हो रही थी, अचानक ठंड क्यों हो गई और उन्होंने सर्वशक्तिमान के सामने कैसे गलत किया, कि उसने बर्फ या भारी बारिश भेजी। ताकि उन्हें कुछ भी खतरा न हो, उन्होंने प्रत्येक महत्वपूर्ण घटना से पहले एक नाट्य समारोह आयोजित करने की कोशिश की। इस तरह के आयोजनों की जानकारी से हमें यह समझने का मौका मिला कि थिएटर की शुरुआत कैसे हुई और इस पर इतना ध्यान क्यों दिया गया।

आदिमता से आधुनिकता तक

आदिम रंगमंच, स्वाभाविक रूप से ऐसा नहीं दिखता था आधुनिक प्रोडक्शंस... यह व्यावसायिकता या प्रतिभा के बारे में नहीं था - लोगों ने हर घटना, आत्मा और अपने सभी अनुभवों में निवेश करते हुए घटनाओं को जिस तरह से महसूस किया, उन्हें मंचित करने की कोशिश की। वे वास्तव में मानते थे कि जितना अधिक भावनात्मक रूप से वे अपनी भक्ति का प्रतिनिधित्व कर सकते हैं, उतना ही बेहतर, उदाहरण के लिए, फसल। यह सब तात्कालिक संगीत और गीतों के साथ था।

बाद में, कहीं तीसरी सहस्राब्दी ईसा पूर्व में। मिस्र में, कारीगरों और किसानों के संरक्षकों के बारे में अधिक संगठित नाट्य प्रदर्शन पहले ही किए जा चुके हैं। ग्रीस कार्निवल प्रदर्शनों का जन्मस्थान बन गया, जो मुख्य रूप से खुली हवा में आयोजित किए जाते थे। यहां के लोक थिएटर लोकप्रिय थे। अभिनेताओं को लगभग हमेशा मास्क पहनना पड़ता था।

पुनर्जागरण - इस अवधि के दौरान मुख्य रूप से हास्य प्रदर्शनों का मंचन किया जाता था। उन्हें शहर के चौकों में आयोजित किया गया था, और बहुत से लोग तमाशा देखने के लिए एकत्र हुए थे।

16 कला के अंत में कहीं। - 17 वीं शताब्दी की शुरुआत में, दुनिया ने ओपेरा को मान्यता दी, और केवल बाद में, 18 वीं शताब्दी के मध्य तक, बैले दिखाई दिया, पहला ओपेरा केवल 19 वीं शताब्दी के मध्य में दिखाई दिया।

पिछले वर्षों का आज का प्रदर्शन

18-19वीं शताब्दी के रंगमंच के बारे में बोलते हुए, हम पहले से ही प्रदर्शन और प्रस्तुतियों के बारे में बात कर रहे हैं जिसमें प्रतिभाशाली अभिनेताओं ने भाग लिया। उनका मंचन पर मंचन किया गया और थिएटरों की संरचनाएँ मूल रूप से आदिम और पुनर्जागरण से मौलिक रूप से भिन्न थीं। इसलिए, 19 वीं शताब्दी के अंत से, बैले "द नटक्रैकर" का एक शानदार उत्पादन हमारे पास आया। उन दिनों और अब दोनों में वे सभी के लिए उपलब्ध नहीं थे। यह, निश्चित रूप से, उत्पादन की महान और लगातार बढ़ती लोकप्रियता के कारण है। यदि पहले केवल कुछ चुनिंदा, कुलीन महिलाएं और सज्जन लोग थिएटर जैसी विलासिता को वहन कर सकते थे, तो आज वे सभी के लिए उपलब्ध हैं। टिकट के प्रचार के बावजूद, लोग टिकट खरीदने के वैकल्पिक तरीके खोजते रहते हैं। इसलिए, उदाहरण के लिए, आप उन्हें हमारी वेबसाइट पर ऑर्डर कर सकते हैं। यह आपको कतारों और अप्रत्याशित अप्रिय स्थितियों से बचाएगा।

आज रंगमंच ने एक अलग रूप धारण कर लिया है। वह हर देश में एक प्रतीक और गौरव बन गए हैं। स्थापत्य पहनावा, सजावट और विशाल हॉल, प्रसिद्ध कवियों, निर्देशकों और थिएटर रचनाकारों के चित्र, एक नियम के रूप में, हमेशा हॉल को सजाते हैं। पर आधुनिक दृश्यहम अक्सर उन प्रदर्शनों को देखते हैं जिनका पहली बार ज़ार के शासनकाल के दौरान मंचन किया गया था। हां, उनमें कुछ समायोजन हुए हैं, शायद अधिक सच्ची घटनाएँ, और कहीं न कहीं कला निर्देशकों ने बैले के साथ ओपेरा को मिलाकर संगीत स्कोर जोड़ने का फैसला किया। लेकिन, फिर भी, यह अभी भी एक बार फिर पुष्टि करता है कि रंगमंच हमेशा अतीत में था, और भविष्य में यह दर्शकों का ध्यान आकर्षित करेगा, भले ही पिछली शताब्दी का प्रदर्शन मंच पर प्रस्तुत किया गया हो - यह हमारा इतिहास है और कई लोगों के लिए यह संस्कृति और परंपराओं के निर्माण का एक महत्वपूर्ण घटक है।

आधुनिक आदमी कभी-कभी सिनेमा के पक्ष में अपनी पसंद बनाकर थिएटर को कम आंकता है। हालाँकि, ऐसा बहुत कम है जो नाट्य कला को मात देता है। रूसी रंगमंच ने अपने गठन से लेकर दुनिया में सर्वश्रेष्ठ में से एक का खिताब हासिल करने तक एक लंबा सफर तय किया है। हम आपको इसके निर्माण के इतिहास को हमारे साथ याद करने के लिए आमंत्रित करते हैं।

रूस में, अधिकांश यूरोपीय और एशियाई देशों की तुलना में नाटकीय कला का विकास बहुत बाद में शुरू हुआ। लेकिन एक ही समय में, बफून, प्रदर्शन देते हुए, साथ ही साथ सड़क संगीतकारों, महाकाव्यों और किंवदंतियों को बताते हुए, आधुनिक रूसी संघ के क्षेत्र का दौरा किया।

रचयिता प्रथम,आप एक पेशेवर थिएटर कह सकते हैं जिसका नाम है "कॉमेडी होरोमिना"राजवंश के पहले राजाओं में से एक माना जाता है रोमानोविच एलेक्सी मिखाइलोविच... हालांकि, उनकी मृत्यु के बाद, हवेली से असंतुष्ट चर्चियों ने थिएटर को नष्ट कर दिया।

उसी अवधि में, धनी जमींदारों ने अपने स्वयं के थिएटर बनाना शुरू किया, जिसमें सर्फ़ खेले जाते थे। रंगमंच का एक गंभीर संरक्षक था पीटर आई... जिसमें रूसी सम्राटमांग की कि प्रदर्शन रूसी में थे और वे "बहुत गंभीर नहीं थे, बहुत हंसमुख नहीं थे, उनमें कोई प्रेम साज़िश नहीं थी और वे बहुत दुखी नहीं होंगे।"

पीटर की मृत्यु के बाद, नाट्य कला को शासकों द्वारा समर्थित होना बंद हो गया और सत्ता में आने के बाद ही अन्ना इयोनोव्नाइसे फिर से सरकारी सब्सिडी मिली।

निर्माण का इतिहास राज्य रंगमंच रूस में, अधिकांश विशेषज्ञों के अनुसार, शिलाखेत्स्की की स्थापना के साथ शुरू हुआ कैडेट कोर, जहां पहले थिएटर स्टूडियो का आयोजन किया जाता था और रईसों के बच्चों को अभिनय की कला सिखाई जाती थी। उसी समय, रूस में पहला पेशेवर थिएटर दिखाई दिया यरोस्लावव्यापारी फ्योडोर वोल्कोव की मंडली के आधार पर।

समय के साथ रूसी रंगमंचआबादी के विभिन्न क्षेत्रों से प्रशंसकों में सुधार और प्राप्त किया।

बोल्शोई थिएटर: निर्माण का इतिहास

मॉस्को के बहुत केंद्र में स्थित बोल्शोई थिएटर, कला के मंदिर और विश्व प्रसिद्ध ओपेरा और बैले थियेटर का शीर्षक रखता है। उल्लेखनीय है कि बोल्शोई थिएटर के दो "जन्मदिन" हैं - मार्च 1776 और जनवरी 1852। फिर भी, पहले को आम तौर पर स्वीकृत तिथि माना जाता है।

प्रारंभ में, बोल्शोई थिएटर पेट्रोव्स्काया स्क्वायर पर बनाया गया था और तदनुसार, इसका नाम पेट्रोवस्की रखा गया था। थिएटर के संस्थापक को प्रिंस प्योत्र वासिलिविच माना जाता है उरुसोव, जिन्होंने कैथरीन II से संगीत, नाट्य प्रदर्शन और मुखौटे की सामग्री के लिए सर्वोच्च अनुमति प्राप्त की।

दुर्भाग्य से, पेट्रोव्स्की थिएटर अपने उद्घाटन से पहले ही जमीन पर जल गया, जिसने उरुसोव की स्थिति को बहुत बढ़ा दिया। राजकुमार ने मामले को अंग्रेज माइकल को सौंप दिया मेडॉक्सजो लंबे समय तक उनके साथी रहे। मेडॉक्स का पेट्रोव्स्की थियेटर पच्चीस वर्षों तक खड़ा रहा, जिसके दौरान यह बार-बार जलता रहा और बाढ़ का अनुभव करता रहा।

फिर, 1821 में, बोल्शोई थिएटर के लिए मूलभूत भवन पर निर्माण शुरू हुआ, जिसे आंद्रेयू द्वारा डिज़ाइन किया गया था मिखाइलोवाऔर ओसिपा ब्यूवैसजो चार साल तक चला।

तब से, राजधानी के दिल में सभी युद्धों, आग और अन्य आपदाओं के बावजूद, अपोलो के रथ के साथ एक आठ-स्तंभ थिएटर पोर्टिको से ऊपर उठता है, जो जीवन और कला के शाश्वत आंदोलन का प्रतीक है।

बोल्शोई थिएटर की इमारत अंदर से बाहर से कम शानदार नहीं है। पांच स्तरीय सभागार बड़ा मंच, अविश्वसनीय ध्वनिकी, छत पर पेंटिंग, सोने का पानी चढ़ा प्लास्टर मोल्डिंग, क्रिस्टल बहु-स्तरीय झूमर विशाल आकारऔर बोल्शोई थिएटर की सजावट के अन्य वैभव ने एक से अधिक बार कल्पना को चकित किया और नाटककारों, अभिनेताओं, नर्तकियों, गायकों, संगीतकारों और संगीतकारों को प्रेरित किया।

बोल्शोई थिएटर के मंच पर, महान रूसी बैलेरिना, गायक, कोरियोग्राफर, संगीतकार, संगीतकार, अभिनेता और रचनात्मक व्यवसायों के अन्य प्रतिनिधियों के सितारे जगमगा उठे। इसके अलावा, महान विदेशी कलाकारों ने बोल्शोई थिएटर में प्रदर्शन करने के प्रस्तावों को विशेष उत्साह के साथ व्यवहार किया।

पहला अभिनेता ग्रीक थिसिपस माना जाता है, जिसने डायोनिसस के सम्मान में एक कविता प्रतियोगिता जीती थी।

तीसरी शताब्दी ईसा पूर्व में। रोमन, ग्रीक रंगमंच से प्रेरित होकर, प्राचीन यूनानी नाटकों के अपने स्वयं के संस्करण बनाए और उन्हें तत्काल चरणों में मंचित करना शुरू किया। दासों ने ऐसे प्रदर्शनों में अभिनेता के रूप में काम किया। महिलाओं को केवल खेलने की अनुमति थी छोटी भूमिकाएं... चूंकि रोमन थिएटरों को ग्लैडीएटोरियल मुकाबले, सार्वजनिक निष्पादन और रथ दौड़ के आदी दर्शकों का ध्यान आकर्षित करने के लिए प्रतिस्पर्धा करनी पड़ी थी, नाटकों में हिंसक और कच्चे हास्य को तेजी से दिखाया गया था। ईसाई धर्म के प्रसार के साथ, ऐसी धारणाएँ समाप्त हो गईं।

मध्य युग के रंगमंच का उद्भव

बाद में, अन्य धार्मिक छुट्टियों के दौरान, बाइबिल की विभिन्न कहानियों को प्रस्तुत करते हुए, रहस्यों को खेला जाने लगा।

पुनर्जागरण रंगमंच

1576 में, पहली थिएटर बिल्डिंग लंदन में बनाई गई थी, इससे पहले सभी नाटक होटलों में, मेले के मैदानों में या महलों और महान घरों में हॉल के बीच में खेले जाते थे। इंग्लैंड की महारानी एलिजाबेथ प्रथम ने थिएटर कला को संरक्षण दिया; उस युग में जो उनके नाम पर है, पहले पेशेवर नाटककार सामने आए, जिनमें से सबसे प्रसिद्ध है महान शेक्सपियर, अभिनेता, प्रदर्शन के दौरान रंगमंच की सामग्री का उपयोग करने और वेशभूषा बदलने की परंपरा। अंतिम शास्त्रीय रंगमंच 18 वीं शताब्दी के मध्य तक बना था।

Matryoshka गुड़िया को मुख्य रूप से रूसी स्मारिका माना जाता है और इसलिए रूस से आने वाले पर्यटकों के बीच बहुत लोकप्रिय हैं विभिन्न देश... अधिक दिलचस्प तथ्य यह है कि एक दूसरे में एम्बेडेड सुरुचिपूर्ण सुंदरियों की लकड़ी की चित्रित मूर्तियां रूसी जड़ों से बहुत दूर हैं।

पहली रूसी घोंसला बनाने वाली गुड़िया

क्लासिक घोंसले के शिकार गुड़िया में सन्निहित एक हंसमुख, गोल-मटोल रूसी लड़की का प्रोटोटाइप, 19 वीं शताब्दी की शुरुआत में जापान से रूस लाया गया था। सूर्य की भूमि से स्मृति चिन्ह लकड़ी का था, जापानी ऋषि फुकुरुमा के घोंसले के शिकार के आंकड़े। आधुनिक मैत्रियोश्का गुड़िया के पूर्वजों देश की परंपराओं की भावना में उन्हें खूबसूरती से चित्रित और शैलीबद्ध किया गया था।

एक बार मॉस्को टॉय वर्कशॉप में, जापानी स्मारिका ने स्थानीय टर्नर वासिली ज़्वेज़्डोच्किन और कलाकार सर्गेई माल्युटिन को ऐसे खिलौने बनाने के लिए प्रेरित किया। शिल्पकारों ने समान आकृतियों को उकेरा और चित्रित किया जो एक दूसरे में फिट होते हैं। एक जापानी स्मारिका का पहला एनालॉग एक हेडस्कार्फ़ और एक सुंड्रेस में एक लड़की थी, बाद में घोंसले के शिकार गुड़िया ने प्यारे मज़ेदार बच्चों - लड़कों और लड़कियों को चित्रित किया, आखिरी, आठवें मैत्रियोशका पर, एक स्वैडल्ड बेबी को खींचा गया था। सबसे अधिक संभावना है, इसका नाम महिला नाम मैत्रियोना के सम्मान में मिला, जो उस समय व्यापक था।

सर्गिएव पोसाद नेस्टिंग डॉल्स

मॉस्को में कार्यशाला के बंद होने के बाद, 1900 में, शिल्पकारों ने एक शैक्षिक प्रदर्शन कार्यशाला में, सर्गिएव पोसाद में घोंसले के शिकार गुड़िया बनाना शुरू किया। इस प्रकार का लोक शिल्प व्यापक हो गया, राजधानी से दूर एपिफेनी, इवानोव, वासिली ज़्वेज़्डोच्किन की कार्यशालाएँ नहीं थीं, जो मॉस्को से पोसाद चले गए।

समय के साथ, इस स्मारिका खिलौने ने इतनी लोकप्रियता हासिल की कि विदेशियों ने इसे रूसी कारीगरों से मंगवाना शुरू कर दिया: फ्रांसीसी, जर्मन, आदि। ऐसी घोंसले के शिकार गुड़िया सस्ते नहीं थे, लेकिन प्रशंसा करने के लिए कुछ था! लकड़ी के इन खिलौनों की पेंटिंग रंगीन, अलंकृत और विविध हो गई। कलाकारों ने रूसी सुंदरियों को लंबे सुंड्रेस और चित्रित स्कार्फ में फूलों के गुलदस्ते, टोकरी और समुद्री मील के साथ चित्रित किया। बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, विदेशों में घोंसले के शिकार गुड़िया का बड़े पैमाने पर उत्पादन स्थापित किया गया था।

बाद में, नर घोंसले के शिकार गुड़िया दिखाई दीं, उदाहरण के लिए, एक पाइप के साथ चरवाहों का चित्रण, मूंछों वाले सूटर, दाढ़ी वाले बूढ़े आदमियों के साथ हुक आदि। लकड़ी के खिलौने विभिन्न सिद्धांतों के अनुसार व्यवस्थित किए गए थे, लेकिन पैटर्न, एक नियम के रूप में, आवश्यक रूप से पता लगाया गया था - उदाहरण के लिए, matryoshka-दूल्हे को matryoshka-दुल्हन और रिश्तेदारों के साथ जोड़ा गया था।

निज़नी नोवगोरोड प्रांत की घोंसले की गुड़िया

20 वीं शताब्दी के मध्य के करीब, मैत्रियोश्का सर्गिएव पोसाद से बहुत आगे तक फैल गया। तो, निज़नी नोवगोरोड प्रांत में, शिल्पकार दिखाई दिए जिन्होंने उज्ज्वल अर्ध-शर्ट में पतली लंबी लड़कियों के रूप में घोंसले के शिकार गुड़िया बनाई। और सर्गिएव पोसाद कारीगरों ने इन खिलौनों को अधिक स्क्वाट और शानदार युवा महिलाओं के रूप में बनाया।

आधुनिक घोंसले के शिकार गुड़िया

Matryoshka को अभी भी रूसी संस्कृति के प्रतीकों में से एक माना जाता है। आधुनिक घोंसले के शिकार गुड़िया विभिन्न शैलियों में बनाई जाती हैं: क्लासिक चित्रों के अलावा, उनमें प्रसिद्ध राजनीतिक हस्तियों, टीवी प्रस्तुतकर्ता, फिल्म और पॉप सितारों के चित्र होते हैं।

सर्गिएव पोसाद में, टॉय म्यूज़ियम में, शुरुआती और मध्य 20वीं सदी के विभिन्न स्वामी द्वारा घोंसले के शिकार गुड़िया का संग्रह है, साथ ही साथ चित्रित पहली घोंसले वाली गुड़िया भी हैं प्रसिद्ध कलाकारसर्गेई माल्युटिन।

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संघर्ष विरोधी मतों, हितों और विचारों का टकराव है। यह जरूरतों को पूरा करने में मदद करने के लिए बनाया गया है। वी संघर्ष की स्थितिप्रत्येक पक्ष अपने लक्ष्य को प्राप्त करने और अपनी समस्याओं के समाधान का प्रयास करता है।

पारिवारिक संघर्षों के मुख्य कारण: - आत्म-पुष्टि की एक अधूरी आवश्यकता; - विवाह में अपनी व्यक्तिगत जरूरतों को पूरा करने के लिए पति-पत्नी की इच्छा; - एक दूसरे के साथ संवाद करने में असमर्थता; - अत्यधिक भौतिक महत्वाकांक्षाएं; - उच्च आत्म-सम्मान की उपस्थिति ; - पालन-पोषण पर विचारों में बेमेल; - पति, पत्नी, पिता, माता आदि की भूमिका के बारे में विचारों में एक बेमेल; - विभिन्न प्रकारस्वभाव; - संवाद करने की अनिच्छा; - पति-पत्नी में से एक की यौन शीतलता; - पति-पत्नी में से एक की ईर्ष्या; - व्यभिचार; - बुरी आदतें। प्रबंधन विशेषज्ञ टीमों में संघर्ष के निम्नलिखित कारणों की पहचान करते हैं: 1. सीमित साधन। सामग्री, वित्तीय और श्रम संसाधन हमेशा सीमित होते हैं। प्रमुख का कार्य संगठन के विभिन्न संरचनात्मक प्रभागों के बीच उनमें से इष्टतम वितरण है। लेकिन, चूंकि वितरण मानदंड की पारंपरिकता के कारण ऐसा करना मुश्किल है, इसलिए इस तरह के सीमित संसाधन अनिवार्य रूप से विभिन्न प्रकार के संघर्षों की ओर ले जाते हैं। कार्यों की अन्योन्याश्रयता। सभी उद्यमों में अन्योन्याश्रित तत्व होते हैं, अर्थात एक कर्मचारी का कार्य दूसरे के कार्य पर निर्भर करता है। यदि कोई व्यक्तिगत कर्मचारी या इकाई अनुपयुक्त प्रदर्शन कर रही है, तो यह अन्योन्याश्रयता संघर्ष पैदा कर सकती है। विश्वासों, लक्ष्यों और मूल्यों में अंतर। आमतौर पर संगठनात्मक संरचनाओं में, समय के साथ, विशेषज्ञता की एक प्रक्रिया होती है, अर्थात एक संकीर्ण क्षेत्र में गतिविधियाँ। नतीजतन, पूर्व संरचनात्मक डिवीजनों को छोटी विशेष इकाइयों में विभाजित किया जाने लगा है। ऐसी संरचनाएं नए लक्ष्य बनाती हैं और उन्हें प्राप्त करने पर ध्यान केंद्रित करना शुरू कर देती हैं, जिससे संघर्ष की संभावना बढ़ जाती है। में मतभेद जीवन के अनुभवऔर आचरण। लोग एक दूसरे से अलग हैं। अत्यधिक आक्रामक, सत्तावादी व्यक्ति हैं जो दूसरों के प्रति उदासीन हैं। ये वही हैं जो अक्सर भड़काते हैं संघर्ष... अनुभव, शिक्षा, कार्य अनुभव, उम्र में अंतर से टकराव की संभावना बढ़ जाती है। खराब संचार। सूचना अधिभार, असंतोषजनक प्रतिपुष्टिविकृत संदेश। टीम में गपशप संघर्ष को एक विशेष तीक्ष्णता प्रदान करती है। वे उत्प्रेरक के रूप में कार्य कर सकते हैं, इसमें हस्तक्षेप कर सकते हैं व्यक्तिगत कार्यकर्तावास्तविक स्थिति को समझें। सूचना के हस्तांतरण में अन्य सामान्य समस्याएं कर्मचारियों की अपर्याप्त रूप से स्पष्ट रूप से विकसित नौकरी की जिम्मेदारियां हैं, पारस्परिक रूप से अनन्य नौकरी की आवश्यकताओं की प्रस्तुति।

स्रोत:

• टीम संघर्ष: बुराई या अच्छा

टिप 4: आपके उपनाम की उत्पत्ति: इतिहास का पता कैसे लगाएं

प्रत्येक व्यक्ति अपने उपनाम को महत्व देता है। प्रत्येक व्यक्ति जल्द या बाद में इसकी उत्पत्ति के रहस्य को प्रकट करना चाहता है। हम यह पता लगाएंगे कि उपनाम की उत्पत्ति के रहस्य को उजागर करने के लिए विशेषज्ञ क्या कर रहे हैं।

रंगमंच का इतिहास मानव जाति की दुनिया है

प्राचीन ग्रीस का रंगमंच

प्राचीन ग्रीक नाटक और रंगमंच की उत्पत्ति।

ग्रीस में नाटक का उद्भव एक लंबी अवधि से पहले हुआ था, जिसके दौरान पहले महाकाव्य और फिर गीतों द्वारा प्रमुख स्थान पर कब्जा कर लिया गया था। हम सभी समृद्ध वीर महाकाव्य कविताओं इलियड और ओडिसी, हेसियोड (सातवीं शताब्दी ईसा पूर्व) की उपदेशात्मक (निर्देशात्मक) महाकाव्य कविता को जानते हैं; ये छठी शताब्दी के गीत कवियों की रचनाएँ हैं। ई.पू.

ग्रीक नाटक और रंगमंच का जन्म अनुष्ठान के खेल से जुड़ा है जो कृषि के संरक्षक देवताओं को समर्पित थे: डेमेटर, उनकी बेटी कोरे और डायोनिसस। डायोनिसस के सम्मान में अनुष्ठान के खेल और गीतों से प्राचीन ग्रीक नाटक की तीन शैलियों का विकास हुआ: त्रासदी, कॉमेडी और व्यंग्य कॉमेडी (इसलिए कोरस के नाम पर, जिसमें व्यंग्य शामिल थे)।

• त्रासदी ने डायोनिसियन पंथ के गंभीर पक्ष को दर्शाया।
• कॉमेडी - कार्निवल और व्यंग्य।
• सतिरोव के नाटक को एक औसत शैली के रूप में प्रस्तुत किया गया था। हंसमुख चंचल चरित्र और सुखद अंतडायोनिसस के सम्मान में छुट्टियों पर अपना स्थान निर्धारित किया: व्यंग्य नाटक का मंचन त्रासदियों की प्रस्तुति के निष्कर्ष के रूप में किया गया था।

सामाजिक-राजनीतिक और नैतिक शिक्षा में दुखद विचारों की भूमिका बहुत बड़ी थी। पहले से ही छठी शताब्दी ईसा पूर्व के उत्तरार्ध में। त्रासदी महत्वपूर्ण विकास तक पहुंच गई है। प्राचीन इतिहास बताता है कि पहला एथेनियन दुखद कवि थेस्पाइड्स (छठी शताब्दी ईसा पूर्व) था। उनकी त्रासदी का पहला मंचन (इसका नाम अज्ञात है) 534 ईसा पूर्व के वसंत में हुआ था। महान डायोनिसियोस की दावत में। यह वर्ष विश्व रंगमंच के जन्म का वर्ष माना जाता है।

कॉमेडी में, त्रासदी की तुलना में बहुत व्यापक, रोजमर्रा के उद्देश्यों को पौराणिक लोगों के साथ मिलाया गया था, जो धीरे-धीरे प्रमुख या यहां तक ​​​​कि केवल एक ही बन गए, हालांकि सामान्य तौर पर कॉमेडी को अभी भी डायोनिसस को समर्पित माना जाता था। तात्कालिक दृश्य लोक बालगन थिएटर का एक प्रारंभिक रूप थे और उन्हें माइम्स कहा जाता था ("नकल", "प्रजनन" के रूप में अनुवादित; इन दृश्यों के कलाकारों को माइम्स भी कहा जाता था)। मीम्स के नायक लोक रंगमंच के पारंपरिक मुखौटे थे: एक होने वाला योद्धा, एक बाजार चोर, एक चार्लटन वैज्ञानिक, सभी को बेवकूफ बनाने वाला एक साधारण व्यक्ति, आदि।

एथेंस का रंगमंच।

प्राचीन यूनानी नाट्य कला 5 वीं शताब्दी ईसा पूर्व के तीन महान त्रासदियों के काम में अपने उच्चतम फूल पर पहुंच गई - एस्किलस, सोफोकल्स, यूरिपिड्स और कॉमेडियन अरिस्टोफेन्स, जिनकी गतिविधियों ने चौथी शताब्दी की शुरुआत में विस्तार किया। ई.पू. अन्य नाटककारों ने उसी समय लिखा, लेकिन उनके कार्यों के केवल छोटे टुकड़े हमारे पास आए हैं, और कभी-कभी केवल नाम और अल्प जानकारी।

हेलेनिस्टिक युग का रंगमंच।

हेलेनिस्टिक युग (VI-I सदियों ईसा पूर्व) के दौरान, शास्त्रीय काल के ग्रीक रंगमंच में नाटक, और अभिनय, और थिएटर भवन की वास्तुकला के संदर्भ में महत्वपूर्ण परिवर्तन हुए। ये परिवर्तन नई ऐतिहासिक परिस्थितियों से जुड़े हैं। हेलेनिस्टिक युग के रंगमंच में अभी भी हास्य और त्रासदियों का मंचन किया जाता है। लेकिन चौथी शताब्दी की त्रासदियों से। ई.पू. केवल छोटे टुकड़े बच गए, और जाहिरा तौर पर, कलात्मक योग्यताहेलेनिस्टिक त्रासदी छोटी थीं। कॉमेडी को आंकने के लिए बहुत अधिक डेटा उपलब्ध है, क्योंकि उस समय के सबसे बड़े कॉमेडोग्राफर मेनेंडर द्वारा एक नाटक और अन्य नाटकों के कई अंश संपूर्णता तक पहुंच गए हैं।

हेलेनिस्टिक युग की कॉमेडी को न्यू एटिक (या न्यू एटिक) कॉमेडी कहा जाता है। नई कॉमेडी में प्रेम का मकसद महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। नई अटारी कॉमेडी के लेखकों ने अरस्तू के छात्र थियोफ्रेस्टस के मनोवैज्ञानिक सिद्धांत का व्यापक रूप से उपयोग किया, जिसके अनुसार सभी चरित्र लक्षण किसी व्यक्ति की उपस्थिति और उसके कार्यों में प्रकट होते हैं। थियोफ्रेस्टस के शारीरिक विवरण ने निस्संदेह मुखौटे के डिजाइन को प्रभावित किया, जिससे दर्शकों को इस या उस चरित्र को पहचानने में मदद मिली। नई कॉमेडी में यूरिपिड्स का प्रभाव ध्यान देने योग्य है। उनके कई नायकों की जीवन से निकटता, उनके भावनात्मक अनुभवों का प्रकटीकरण - यही वह है जो नई कॉमेडी ने यूरिपिड्स से लिया।

प्राचीन ग्रीक थिएटर वास्तुकला।

प्रारंभ में, प्रदर्शनों के लिए स्थल को बहुत ही सरलता से व्यवस्थित किया गया था: गाना बजानेवालों ने अपने मंत्रों और नृत्यों के साथ, एक गोल, घुमावदार ऑर्केस्ट्रा मंच पर प्रदर्शन किया (क्रिया ऑर्केओमाई - "मैं नृत्य"), जिसके चारों ओर दर्शक एकत्र हुए। लेकिन जनता में नाट्य कला के महत्व के रूप में और सांस्कृतिक जीवनग्रीस और जैसे-जैसे नाटक अधिक जटिल होता गया, इसमें सुधार की आवश्यकता थी। ग्रीस के पहाड़ी परिदृश्य ने मंच की सबसे तर्कसंगत व्यवस्था का सुझाव दिया और दर्शक सीटें: ऑर्केस्ट्रा पहाड़ी की तलहटी में स्थित होने लगा, और दर्शक ढलान के साथ स्थित थे।

सभी प्राचीन यूनानी थिएटर खुले थे और दर्शकों की एक बड़ी संख्या को समायोजित करते थे। उदाहरण के लिए, डायोनिसस के एथेनियन थिएटर में 17 हजार लोग बैठ सकते हैं, एपिडॉरस में थिएटर - 10 हजार तक। वी सदी में। ई.पू. ग्रीस में, एक स्थिर प्रकार के नाट्य निर्माण का गठन किया गया था, जो पुरातनता के पूरे युग की विशेषता थी। थिएटर के तीन मुख्य भाग थे: ऑर्केस्ट्रा, थियेट्रॉन (दर्शकों के लिए सीटें, क्रिया टीओमाई से - "देखो") और स्केन (स्किन - "तम्बू", बाद में एक लकड़ी या पत्थर की इमारत)।

थिएटर का आकार ऑर्केस्ट्रा के व्यास (11 से 30 मीटर तक) द्वारा निर्धारित किया गया था। स्केन ऑर्केस्ट्रा की परिधि के लिए स्पर्शरेखा रूप से स्थित था। स्केन-प्रोसेनिटीज की सामने की दीवार, जो आमतौर पर एक उपनिवेश की तरह दिखती थी, एक मंदिर या महल के मुखौटे को दर्शाती है। स्केन दो पार्श्व संरचनाओं से सटा हुआ था, जिन्हें परस्कनिया कहा जाता था। Parascenias सेट और अन्य नाटकीय संपत्ति के भंडारण के लिए एक जगह के रूप में कार्य करता है। दर्शकों के लिए स्केना और सीटों के बीच, जो आधे से अधिक सर्कल पर कब्जा कर लिया था, वहाँ मार्ग थे, जिसके माध्यम से दर्शकों ने प्रदर्शन शुरू होने से पहले थिएटर में प्रवेश किया, और फिर गाना बजानेवालों और अभिनेताओं ने ऑर्केस्ट्रा में प्रवेश किया। शास्त्रीय काल के रंगमंच में, दर्शकों का ध्यान कार्रवाई के विकास पर केंद्रित था, नायकों के भाग्य पर, न कि बाहरी प्रभावों पर। ग्रीक थिएटर के लेआउट ने अच्छी श्रव्यता प्रदान की। इसके अलावा, कुछ थिएटरों में, दर्शकों की सीटों के बीच ध्वनि को बढ़ाने के लिए गूंजने वाले जहाजों को रखा गया था। प्राचीन यूनानी रंगमंच में कोई पर्दा नहीं था, हालांकि यह संभव है कि कुछ नाटकों में अनुरोध के कुछ हिस्सों को दर्शकों से अस्थायी रूप से बंद कर दिया गया हो।

रोमन थिएटर

रोमन रंगमंच की उत्पत्ति।

रोमन रंगमंच और नाटक की उत्पत्ति, ग्रीस की तरह, कार्निवल तत्वों से भरपूर अनुष्ठान खेलों से होती है। उदाहरण के लिए, सैटर्नलिया का त्योहार - इतालवी देवता शनि के सम्मान में। इस छुट्टी की ख़ासियत सामान्य सामाजिक संबंधों का "उलटना" था: स्वामी थोड़ी देर के लिए "दास" बन गए, और दास "स्वामी" बन गए।

रोमन रंगमंच और नाटक की उत्पत्ति में से एक ग्रामीण फसल उत्सव था। सुदूर समय में भी, जब रोम लैटियम का एक छोटा समुदाय था, फसल की समाप्ति के संबंध में गांवों में छुट्टियां मनाई जाती थीं। इन छुट्टियों में हर्षोल्लास, असभ्य गीत-गाने गाए जाते थे। जैसा कि ग्रीस में होता है, दो अर्ध-चोरिया आमतौर पर इस प्रक्रिया के दौरान, चुटकुलों का आदान-प्रदान करते हैं, कभी-कभी व्यंग्यात्मक सामग्री के।

जनजातीय व्यवस्था में उत्पन्न होने के बाद, बाद की शताब्दियों में फ़ेसेनाइन मौजूद थे, और उनमें, होरेस के अनुसार, प्लेबीयन और देशभक्तों के बीच सामाजिक संघर्ष परिलक्षित होता था। इस तरह से सैटुरा (अनुवाद में "मिश्रण" का अर्थ है) उत्पन्न हुआ। सतुरास रोजमर्रा की जिंदगी और हास्य चरित्र के नाटकीय दृश्य थे, जिसमें संवाद, गायन, संगीत और नृत्य शामिल थे।

कॉमिक प्रकृति के एक अन्य प्रकार के नाटकीय प्रदर्शन एटेलन थे, जिन्हें एपेनिन प्रायद्वीप में रहने वाले अन्य जनजातियों से उधार लिया गया था, जिसके साथ रोम ने निरंतर युद्ध छेड़े थे। युवा इन खेलों से मोहित हो गए और छुट्टियों के दौरान उन्हें व्यवस्थित करना शुरू कर दिया। एटेलन के चार स्थायी हास्य पात्र थे: मैक, बुकोन, पप्प और डोसेन। एटेलन के पास एक ठोस पाठ नहीं था, इसलिए जब उनका प्रदर्शन किया गया, तो कामचलाऊ व्यवस्था की एक विस्तृत गुंजाइश खुल गई। माइम भी लोक नाटक में वापस चला जाता है। ग्रीस की तरह, माइम ने लोक जीवन के दृश्यों को पुन: प्रस्तुत किया, और कभी-कभी मिथकों की पैरोडी की, देवताओं और नायकों को एक विदूषक रूप में चित्रित किया। इस प्रकार, रोम में लगभग उसी तरह के अनुष्ठान खेल थे जैसे in प्राचीन ग्रीस... लेकिन लोक रंगमंच का विकास नाटक की कमजोर शुरुआत से आगे नहीं बढ़ पाया। यह रोमन जीवन में रूढ़िवादी जीवन शैली और पुजारियों के मजबूत प्रतिरोध के कारण है। इसलिए, रोम में, एक स्वतंत्र पौराणिक कथाओं ने आकार नहीं लिया, जो ग्रीस में नाटक सहित कला की "मिट्टी और शस्त्रागार" के रूप में कार्य करता था।

गणतंत्र के युग का रोमन रंगमंच।

रोमनों ने यूनानियों से समाप्त साहित्यिक नाटक लिया और इसे लैटिन में अनुवादित किया, इसे अपनी अवधारणाओं और स्वादों के अनुकूल बनाया। प्रथम पूनिक युद्ध के विजयी अंत के बाद, 240 ईसा पूर्व के उत्सव के खेलों में, नाटकीय प्रदर्शन करने का निर्णय लिया गया। उत्पादन ग्रीक लिवी एंड्रोनिकस को सौंपा गया था, जो रोमन सीनेटर की गुलामी में था, जिसने उसे लैटिन नाम लिवी दिया। रिहा होने के बाद, वह रोम में रहा और ग्रीक और पढ़ाना शुरू किया लैटिनरोमन कुलीनता के पुत्र। इस शिक्षक ने खेलों में एक त्रासदी और शायद एक कॉमेडी का भी मंचन किया, जिसे उन्होंने ग्रीक नमूने से फिर से तैयार किया या, शायद, ग्रीक से लैटिन में अनुवाद किया। इस उत्पादन ने रोमन रंगमंच के विकास को पहली गति दी।

235 ईसा पूर्व से नाटककार गनी नेवी ने अपने नाटकों का मंचन शुरू किया। नेवी टाइटस मकत्सी प्लाव्ट के युवा समकालीन। उनका काम उस अवधि का है जब एक कृषि समुदाय से रोम सबसे मजबूत राज्य में बदल जाता है - पहले एपिनेन प्रायद्वीप, और फिर संपूर्ण भूमध्यसागरीय बेसिन। पब्लिअस टेरेंस अफ़्रीजो, प्लाटस की तरह, उपशामक की शैली में काम करते थे, नाटककारों की अगली पीढ़ी के थे। टेरेंस को नए यूरोपीय नाटक का अग्रदूत कहा जा सकता है। यूरोपीय रंगमंच ने बार-बार उनके काम की ओर रुख किया है। मोलिरे के काम में उनके कॉमेडी "फॉर्मियन" और "द ब्रदर्स" का प्रभाव महसूस किया जाता है।

शाही युग का रोमन रंगमंच।

पहली शताब्दी ईसा पूर्व में, रोम में गणतंत्र गिर गया। सीज़र की हत्या और 31 ई.पू. में एंटनी पर विजय के बाद। ऑक्टेवियन रोम में सम्राट बन गया, जिसे बाद में ऑगस्टस ("पवित्र") का मानद उपनाम मिला। अगस्त थिएटर के सामाजिक महत्व से अच्छी तरह वाकिफ था और इसके विकास में हर संभव तरीके से योगदान दिया। सबसे पहले, ऑगस्टस रोमन मंच पर ग्रीक प्रकार की त्रासदी को पुनर्जीवित करना चाहता था, इसे अपने नागरिकों की नैतिकता में सुधार और शिक्षित करने के साधन के रूप में देखता था। ऑगस्टस की इन आकांक्षाओं को प्रमुख रोमन कवियों में से एक, होरेस द्वारा समर्थित किया गया था, और उनकी कविता के विज्ञान में परिलक्षित होते हैं। हालाँकि, रोमन मंच पर गंभीर शैली को पुनर्जीवित करने के ऑगस्टस के सभी प्रयास असफल रहे।

शाही युग की त्रासदी से, दार्शनिक सेनेका की त्रासदियों के अलावा हमारे पास कुछ भी नहीं आया है। लूसियस एनियस सेनेका सम्राट नीरो के शिक्षक थे, एक समय में वे उनके अधीन राज्य में वरिष्ठ पदों पर थे, लेकिन फिर उन पर सम्राट के खिलाफ साजिश का आरोप लगाया गया और नीरो के आदेश पर, अपनी नसें खोलकर आत्महत्या कर ली। सेनेका ने अपने जीवन के अंतिम वर्षों में त्रासदियों को लिखना शुरू किया, जब नीरो का उनके प्रति दृष्टिकोण बदल गया और उन्हें मौजूदा व्यवस्था पर अपने विचार अधिक सावधानी से व्यक्त करने के लिए मजबूर होना पड़ा।

नाट्य प्रदर्शन का संगठन।

रोम में विभिन्न कार्यक्रमों के दौरान प्रदर्शनों का मंचन किया गया सार्वजनिक छुट्टियाँ... सितंबर में जुपिटर, जूनो और मिनर्वा के सम्मान में आयोजित पेट्रीशियन-रोमन खेलों में नाटकों का प्रदर्शन किया गया; जुलाई में अपोलो गेम्स में। पहली शताब्दी के मध्य तक रोम में कोई स्थायी थिएटर भवन नहीं था। ई.पू.; इसके निर्माण का रूढ़िवादी सीनेट ने विरोध किया था। प्रस्तुति के लिए, एक लकड़ी का मंच, आधा आदमी की ऊंचाई, आमतौर पर मंच पर खड़ा किया गया था। 4-5 सीढि़यों की संकरी सीढ़ियां मंच तक जाती थीं, जिसके साथ-साथ कलाकार मंच पर चढ़ते थे।

हादसे में कार्रवाई महल के सामने हुई। कॉमेडी में, दृश्यों में लगभग हमेशा एक शहर की सड़क को दो या तीन घरों के सामने की ओर दर्शाया जाता है, और कार्रवाई घर के सामने होती है। दर्शक मंच के सामने बेंच पर बैठ गए। लेकिन कभी-कभी सीनेट ने इन अस्थायी थिएटरों में सीटों की व्यवस्था करने से मना किया: प्रदर्शनों में बैठना, सीनेट की राय में, पवित्रता का संकेत था। नाट्य खेलों के लिए बनाया गया पूरा ढांचा उनके पूरा होने के तुरंत बाद टूट गया।

रोम की घटना पत्थर से बने पहले स्थायी रंगमंच की उपस्थिति थी। इस थिएटर को 55 ईसा पूर्व में बनाया गया था। पोम्पी द ग्रेट के क्रोध के साथ और 40 हजार लोगों को समायोजित किया। पहली शताब्दी के अंत में। ई.पू. रोम में, दो और पत्थर के थिएटर बनाए गए: बलबा का थिएटर और मार्सेलस का थिएटर। उत्तरार्द्ध से, बाहरी दीवार के अवशेष, तीन मंजिलों में विभाजित, जो तीन आंतरिक स्तरों के अनुरूप हैं, आज तक जीवित हैं।

मध्य युग का रंगमंच

लिटर्जिकल और सेमी-लिटर्जिकल ड्रामा।

चर्च नाटक प्रारंभिक मध्य युग की नाट्य कला के रूपों में से एक बन गया। प्राचीन रंगमंच के अवशेषों के खिलाफ, ग्रामीण खेलों के खिलाफ, चर्च ने अपने उद्देश्यों के लिए नाटकीय प्रचार की प्रभावशीलता का उपयोग करने की मांग की।

पहले से ही 9 वीं शताब्दी में, मास को नाटकीय रूप दिया गया था, मसीह के जीवन के बारे में किंवदंतियों के एपिसोड को पढ़ने, उनके दफनाने और पुनरुत्थान के बारे में एक अनुष्ठान विकसित किया गया था। इन संवादों से एक प्रारंभिक साहित्यिक नाटक का जन्म होता है। इस तरह के नाटक के दो चक्र थे - क्रिसमस, जो मसीह के जन्म के बारे में बताता है, और ईस्टर, जो उसके पुनरुत्थान की कहानी बताता है। क्रिसमस लिटर्जिकल ड्रामा में, चर्च के बीच में एक क्रॉस रखा गया था, फिर इसे काले कपड़े में लपेटा गया था, जिसका अर्थ था भगवान के शरीर को दफनाना।

समय के साथ, लिटर्जिकल ड्रामा अधिक जटिल हो जाता है, "अभिनेताओं" की वेशभूषा में विविधता आती है, और "निर्देशक के निर्देश" परीक्षण और आंदोलनों के सटीक संकेत के साथ बनाए जाते हैं। यह सब पुजारियों ने स्वयं किया था। लिटर्जिकल प्रदर्शन के आयोजकों ने मंचन के अनुभव को संचित किया और लोगों को मसीह के स्वर्गारोहण और अन्य इंजील चमत्कारों को कुशलता से दिखाना शुरू किया। जीवन के करीब और मंचित प्रभावों का उपयोग करते हुए, लिटर्जिकल ड्रामा ने अब आकर्षित नहीं किया, लेकिन सेवा से पैरिशियन को विचलित कर दिया। शैली का विकास अपने आत्म-विनाश से भरा था। थिएटर की सेवाओं को छोड़ने की इच्छा न रखने और इसका सामना करने में सक्षम नहीं होने के कारण, चर्च के अधिकारी पोर्च पर चर्चों की तिजोरियों के नीचे से लिटर्जिकल ड्रामा को वापस ले रहे हैं। एक अर्ध-साहित्यिक नाटक उभर रहा है। और यहाँ चर्च थिएटर, औपचारिक रूप से पादरियों की दया पर, शहर की भीड़ के प्रभाव में आ गया। अब वह पहले से ही उसके स्वाद को निर्धारित करती है, उसे मेलों के दिनों में प्रदर्शन देती है, न कि चर्च की छुट्टियों पर, पूरी तरह से अपनी मूल भाषा में स्विच करने के लिए, भीड़ के लिए समझ में आता है। सफलता का ध्यान रखते हुए, चर्च के लोगों ने रोज़मर्रा के भूखंडों का चयन करना शुरू कर दिया, और वे एक अर्ध-पाषाणकालीन नाटक के लिए सामग्री बन गए बाइबिल की कहानियांरोजमर्रा की व्याख्या के अधीन। बाइबिल की किंवदंतियों को समय के साथ काव्य प्रसंस्करण के अधीन किया गया है। तकनीकी नवाचार भी पेश किए जाते हैं: एक साथ सजावट का सिद्धांत अंततः स्थापित होता है, जब एक ही समय में कार्रवाई के कई दृश्य दिखाए जाते हैं; चालों की संख्या बढ़ जाती है। हालांकि, इन सबके बावजूद, चर्च के नाटक ने चर्च के साथ घनिष्ठ संबंध बनाए रखना जारी रखा। चर्च के फंड में पोर्च पर नाटक का मंचन किया गया था, इसके प्रदर्शनों की सूची पादरियों द्वारा बनाई गई थी (हालांकि प्रदर्शन में भाग लेने वाले, पुजारियों और सामान्य लोगों के साथ)। इस प्रकार, काल्पनिक रूप से परस्पर अनन्य तत्वों को मिलाकर, चर्च नाटक लंबे समय से अस्तित्व में है।

धर्मनिरपेक्ष नाटक।

यथार्थवादी दिशा की शुरुआत

एक नई यथार्थवादी दिशा के पहले अंकुर फ़्रांसिसी शहर अरास से ट्रौबाडोर (ट्रबलडॉर) एडम डे ला हाले (लगभग 1238-1287) के नाम से जुड़े हैं। डी ला हाले को कविता, संगीत और रंगमंच का शौक था। वह पेरिस और इटली में (अंजु के चार्ल्स के दरबार में) रहते थे और एक कवि, संगीतकार और नाटककार के रूप में व्यापक रूप से जाने जाते थे।

13 वीं शताब्दी में, हालांकि, चमत्कारों के रंगमंच से हास्य धारा पहले ही डूब गई थी, जिसमें जीवन की घटनाएं भी इसके विषय के रूप में थीं, लेकिन धर्म में बदल गईं।

चमत्कार।

चमत्कार नाम लैटिन शब्द "चमत्कार" से आया है। वास्तव में, सभी संघर्ष, कभी-कभी जीवन में बहुत तेजी से विरोधाभासों को दर्शाते हैं, इस शैली में दिव्य शक्तियों के हस्तक्षेप के लिए धन्यवाद - सेंट निकोलस, वर्जिन मैरी, आदि को हल किया गया था। समय ही XIV सदी है, युद्धों से भरा हुआ, लोकप्रिय अशांति और अमानवीय प्रतिशोध, - चमत्कार के रूप में इस तरह की विवादास्पद शैली के विकास की व्याख्या करता है। यह कोई संयोग नहीं है कि चमत्कार, जो आमतौर पर वास्तविकता के एक निंदात्मक चित्रण के साथ शुरू होता है, हमेशा एक समझौता, पश्चाताप और क्षमा के कार्य के साथ समाप्त होता है, जिसका व्यावहारिक रूप से केवल दिखाए गए अत्याचारों के साथ सामंजस्य होता है, क्योंकि यह हर खलनायक में एक संभावित धर्मी मानता है पुरुष। यह बर्गर चेतना और चर्च दोनों के अनुकूल था।

रहस्य।

मिस्ट्री थिएटर का उदय 15वीं-16वीं शताब्दी था, जो शहरों के तेजी से फलने-फूलने और सामाजिक अंतर्विरोधों के तेज होने का समय था। शहर पहले ही काफी हद तक सामंती निर्भरता को दूर कर चुका है, लेकिन अभी तक एक पूर्ण सम्राट के शासन में नहीं आया है। रहस्य मध्ययुगीन शहर और इसकी संस्कृति के उत्कर्ष की अभिव्यक्ति था। यह तथाकथित "मिमिक मिस्ट्रीज़" से निकला - राजाओं की गंभीर यात्राओं के सम्मान में धार्मिक छुट्टियों के सम्मान में शहर के जुलूस। इन त्योहारों से, मध्ययुगीन रंगमंच के प्रारंभिक अनुभव का उपयोग करते हुए, एक खुले रहस्य ने धीरे-धीरे आकार लिया। रहस्यों का प्रदर्शन चर्च द्वारा नहीं, बल्कि शहर की कार्यशालाओं और नगर पालिकाओं द्वारा आयोजित किया गया था। लेखक एक नए प्रकार के व्यक्ति थे - धर्मशास्त्री, वकील, डॉक्टर। इस तथ्य के बावजूद कि प्रदर्शन शहर के उच्चतम पूंजीपति वर्ग द्वारा निर्देशित किए गए थे, रहस्य एक विशाल खुली हवा वाली शौकिया कला थी। प्रदर्शन में सैकड़ों लोगों ने हिस्सा लिया।

रहस्य ने दुनिया के निर्माण, भगवान के खिलाफ लूसिफर के विद्रोह, बाइबिल के चमत्कारों को दिखाया। रहस्य ने मध्ययुगीन रंगमंच की विषयगत सीमा का विस्तार किया, एक विशाल मंच अनुभव जमा किया, जिसका उपयोग मध्य युग की बाद की शैलियों द्वारा किया गया था। रहस्य का कलाकार शहर के लोग थे। एक विशाल . के चयनित एपिसोड नाट्य प्रदर्शनविभिन्न सिटी गिल्ड के प्रतिनिधियों द्वारा प्रदर्शन किया गया। साथ ही, रहस्य ने प्रत्येक पेशे को यथासंभव पूरी तरह से व्यक्त करने का अवसर दिया। रहस्यों ने नाट्य तकनीक विकसित की, लोगों के बीच रंगमंच के लिए एक स्वाद स्थापित किया, और पुनर्जागरण नाटक की कुछ विशेषताओं को तैयार किया। लेकिन 1548 तक, रहस्य समाज, विशेष रूप से फ्रांस में व्यापक रूप से, रहस्यों को दिखाने से मना कर दिया गया था: रहस्य थिएटर की महत्वपूर्ण कॉमेडी लाइन बहुत मूर्त हो गई थी। मौत का कारण यह भी है कि उसे समाज की नई, प्रगतिशील ताकतों का समर्थन नहीं मिला।

सुधार आंदोलन

सामंती चरित्र

16वीं शताब्दी में यूरोप में सुधार की शुरुआत हुई। यह प्रकृति में सामंतवाद विरोधी था और सामंतवाद के वैचारिक समर्थन के खिलाफ संघर्ष का रूप ले लिया - कैथोलिक चर्च।

सुधार आंदोलन "ईश्वर के साथ व्यक्तिगत सहभागिता" के सिद्धांत की पुष्टि करता है, व्यक्तिगत गुण का सिद्धांत। अमीर चोरों के हाथों में नैतिकता सामंती शासकों और गरीब शहरी जनता दोनों के खिलाफ संघर्ष का एक हथियार बन जाती है। बुर्जुआ विश्वदृष्टि को पवित्रता देने की इच्छा नैतिकता के रंगमंच को जन्म देती है।

नैतिकता।

नैतिकता ने धार्मिक विषयों और रोजमर्रा के विकर्षणों दोनों से नैतिकता को मुक्त कर दिया और अलग-थलग होकर, एक शैलीगत एकता और एक महान उपदेशात्मक अभिविन्यास प्राप्त कर लिया।

प्रहसन।

बाज़ार का तमाशा एक स्वतंत्र के रूप में सामने आता है नाट्य शैली 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से। हालांकि, इससे पहले उन्होंने अव्यक्त विकास का एक लंबा सफर तय किया था। यह नाम लैटिन फ़ार्टा ("भरने") से आया है। दरअसल, रहस्यों के आयोजक अक्सर लिखते थे: "यहां एक तमाशा डालें।" हंसमुख मास्लेनित्सा प्रदर्शन और लोक प्रदर्शन "बेवकूफ निगमों" को जन्म देते हैं - छोटे न्यायिक अधिकारियों, विभिन्न शहरी बोहेमियन, स्कूली बच्चों और सेमिनारियों का एक संघ। 15वीं शताब्दी में, मसखरा समाज पूरे यूरोप में फैल गया। पेरिस में चार बड़े संगठन थे और उनके हास्यास्पद प्रदर्शन की परेड नियमित रूप से आयोजित की जाती थी। इन परेडों में धर्माध्यक्षों के भाषणों, न्यायाधीशों के शब्दों, राजाओं के नगर में प्रवेश द्वारों का उपहास उड़ाया जाता था। इसके जवाब में, धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक अधिकारियों ने फ़ार्स को सताया, उन्हें शहर से निकाल दिया और जेलों में डाल दिया। प्रहसन अपनी सभी सामग्री और कलात्मक संरचना के साथ वास्तविकता में बदल जाता है। वह लुटेरे सैनिकों, भोग व्यापारी साधुओं, अभिमानी कुलीनों, कंजूस व्यापारियों का मजाक उड़ाता है। पात्रों के तीव्र रूप से विख्यात और उल्लिखित लक्षण जीवन की व्यंग्यात्मक रूप से तीक्ष्ण सामग्री को धारण करते हैं। फ़ार्सर्स के लिए अभिनय कला के मुख्य सिद्धांत चरित्र थे, जो एक पैरोडिक कैरिकेचर और गतिशीलता में लाए गए थे, जो स्वयं कलाकारों की गतिविधि और उत्साह को व्यक्त करते थे। राजशाहीवादी और उपशास्त्रीय सत्ता ने तेजी से शहरी स्वतंत्र सोच और इसके रूपों में से एक - हास्यास्पद रंगमंच पर हमला किया।

फार्स का बहुत प्रभाव था आगामी विकाशथिएटर पश्चिमी यूरोप... इटली में, कॉमेडिया dell'arte का जन्म तमाशा से हुआ था; स्पेन में - "स्पेनिश थिएटर के पिता" लोप डी रुएडा का काम; इंग्लैंड में, जॉन गेवुड ने अपने अंतराल को एक तमाशा के रूप में लिखा, जर्मनी में, हैंस सैक्स; फ्रांस में हास्यास्पद परंपराओं ने प्रतिभाशाली मोलिरे और महान शेक्सपियर की कला का पोषण किया।

यह वह प्रहसन था जो पुराने और नए रंगमंच के बीच की कड़ी बन गया।

नया रंगमंच

रंगमंच (ग्रीक से। थियेट्रॉन - एक शो के लिए एक जगह, एक शो)। थिएटर की सामान्य अवधारणा को नाट्य कला के प्रकारों में विभाजित किया गया है: ड्रामा थिएटर, ओपेरा, बैले, पैंटोमाइम थिएटर, आदि। शब्द की उत्पत्ति पुरातनता के प्राचीन यूनानी रंगमंच से जुड़ी हुई है, जहाँ वास्तव में सभागार के स्थानों को कहा जाता था। हालाँकि, आज इस शब्द का अर्थ अत्यंत विविध है।

ज्ञानोदय के युग के दौरान, संक्रमण के लिए आधुनिक संस्कृति... जीवन और सोच के एक नए तरीके ने आकार लिया, जिसका अर्थ है कि नए प्रकार की संस्कृति की कलात्मक पहचान भी बदल गई। नाम "ज्ञानोदय" सांस्कृतिक और आध्यात्मिक जीवन के क्षेत्र में इस आंदोलन की सामान्य भावना को अच्छी तरह से दर्शाता है, जिसका उद्देश्य धार्मिक या राजनीतिक अधिकारियों पर आधारित विचारों को उन लोगों के साथ बदलना है जो मानव मन की आवश्यकताओं का पालन करते हैं।

XVIII सदी ऐसी दी विश्व संस्कृति अद्भुत कलाकारऔर थिएटर सिद्धांतकार जैसे इंग्लैंड में शेरिडन, वोल्टेयर, डाइडरोट, फ्रांस में ब्यूमर्चैस, जर्मनी में लेसिंग, गोएथे, शिलर, इटली में गोल्डोनी। तर्क के प्रभुत्व ने इस तथ्य को जन्म दिया कि ज्ञानियों की कला तर्कसंगतता से पीड़ित थी, जीवन के तर्कसंगत विश्लेषण के लिए क्रमबद्ध रूपों की आवश्यकता थी।

हालांकि, एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्तित्व में मनुष्य के आदर्श को देखने वाले प्रबुद्धजन, कला में आने पर भावनाओं की आवश्यकताओं की उपेक्षा नहीं कर सके। प्रबुद्धता के रंगमंच ने सामग्री और पद्धति दोनों में उल्लेखनीय रूप से व्यक्त किया एक नया रूपएक ऐसी दुनिया के लिए जो उस युग के लिए पर्याप्त थी।

इंग्लैंड में प्रबुद्धता के युग में रंगमंच।

अठारहवीं शताब्दी में थिएटर के दर्शक बहुत अधिक लोकतांत्रिक हो गए। पार्टर में नगरवासियों के लिए साधारण बेंचें लगाई गई थीं। रेक नौकरों, छात्रों और छोटे कारीगरों से भरा हुआ था। प्रदर्शन के दौरान, मंच पर जो दिखाया गया था, उस पर एनिमेटेड प्रतिक्रिया देते हुए, दर्शक बहुत सक्रिय थे।

इस प्रकार, इंग्लैंड में, प्रबुद्धता के रंगमंच ने उभरती बुर्जुआ व्यवस्था के दोषों की आलोचना की। रंगमंच का एक नया वैचारिक सिद्धांत उभरता है: दर्शक की सामाजिक और नैतिक शिक्षा। यह सिद्धांत पूरी तरह से इंग्लैंड की प्यूरिटन परंपराओं में फिट बैठता है - बाद में प्यूरिटन्स ने नाट्य कला के संबंध में अपनी स्थिति को नरम कर दिया, और थिएटर के खिलाफ इस तरह से नहीं, बल्कि इसके सुधार के लिए संघर्ष किया: अनैतिकता का उन्मूलन और थिएटर का एक में परिवर्तन। सामाजिक रूप से उपयोगी संस्था।

थिएटर सुधार का कार्यक्रम दस्तावेज अभिजात वर्ग के थिएटर के खिलाफ प्यूरिटन धर्मशास्त्री जेरेमी कोलियर का ग्रंथ था, अंग्रेजी मंच की अनैतिकता और दुष्टता की संक्षिप्त समीक्षा (1698)। इस ग्रंथ ने 18 वीं शताब्दी के अधिकांश समय में अंग्रेजी रंगमंच के नैतिक और उपदेशात्मकता पर जोर दिया। इस नस में, जोसेफ एडिसन (कैटो, ड्रमर), रिचर्ड स्टील (झूठे प्रेमी, या महिला मित्रता; लापरवाह पति), सैमुअल जॉनसन (आइरीन), कोली सिब्बर (लापरवाह जीवनसाथी; अपनी पत्नी की आखिरी शर्त) जैसे नाटककारों का काम। ; नाराज पति)।

1731 में, अपने नाटक द लंदन मर्चेंट, या द हिस्ट्री ऑफ जॉर्ज बार्नवेल की प्रस्तावना में, नाटककार जॉर्ज लिलो ने एक नए सौंदर्य कार्यक्रम के लिए एक घोषणापत्र प्रकाशित किया - परोपकारी नाटक का एक यथार्थवादी सिद्धांत। वह त्रासदी के वर्ग प्रतिबंधों का विरोध करता है, जिसने केवल उच्च श्रेणी के व्यक्तित्वों को अपने नायकों में बनाया है। अभिजात वर्ग के प्रति अपनी नापसंदगी को छुपाए बिना, वह मांग करता है कि त्रासदी पूंजीपति वर्ग के नैतिक विचारों का एक माध्यम बने। दस साल पहले, 1721 में, इंग्लैंड में एक गुमनाम नाटक "घातक पागलपन" दिखाई दिया, जो कि परोपकारी नाटक के पसंदीदा विषयों में से एक पर लिखा गया था - जुआ जुनून के विनाशकारी परिणामों के बारे में। तब नाटक लगभग किसी का ध्यान नहीं गया - एक नई शैली का समय अभी नहीं आया था। लेकिन अब बुर्जुआ समस्या को दर्शकों की बड़ी मांग का आनंद लेना शुरू हो गया।

नाटक में व्यंग्य की प्रवृत्ति हेनरी फील्डिंग ("इंग्लैंड में डॉन क्विक्सोट"; "ग्रैबस्ट्रीट्स ओपेरा, या विद ए वाइफ अंडर द शू"; "1736 के लिए ऐतिहासिक कैलेंडर") द्वारा सफलतापूर्वक विकसित की गई थी। व्यंग्यात्मक निंदा की गंभीरता ने 1737 में नाटकीय सेंसरशिप पर एक सरकारी कानून के प्रकाशन के लिए नेतृत्व किया, जिसने राजनीतिक व्यंग्य को समाप्त कर दिया। नाटककारों और शिक्षकों का ध्यान मोर की कॉमेडी पर केंद्रित था, जिसने कम से कम सामाजिक व्यंग्य के लिए इसे संभव बनाया। इस अवधि की कॉमेडी की सबसे दिलचस्प कृतियाँ ओलिवर गोल्डस्मिथ (गुड-नेचर; नाइट ऑफ़ एरर्स) और रिचर्ड शेरिडन (प्रतिद्वंद्वी; स्कूल ऑफ़ बैकबिटिंग) की कलम से संबंधित हैं।

अंग्रेजी कलात्मक कला का सबसे अच्छा प्रतिनिधि प्रसिद्ध डेविड गैरिक (1717-1779) था, जो एक मानवतावादी और मंच पर शिक्षक था। उन्होंने हेमलेट, लियर और अन्य की भूमिका निभाते हुए शेक्सपियर के नाटक का सफलतापूर्वक प्रचार किया।

18वीं सदी का अंत एक नई शैली के उद्भव द्वारा इंग्लैंड में चिह्नित - "दुःस्वप्न और भयावहता" की त्रासदी, जो नए के पूर्ववर्ती थी सौंदर्य दिशा- रोमांटिकवाद। इस शैली के निर्माता होरेस वालपोल थे। हालाँकि उनके पास केवल एक नाटक है - "द मिस्टीरियस मदर" (1768), जो अनाचार जुनून की कहानी को दर्शाता है, लेखक का पूर्व-रोमांटिक और रोमांटिक नाटक पर बहुत प्रभाव था।

फ्रेंच थिएटर XVIII सदी।

ज्ञानोदय के युग में समाज के लोकतंत्रीकरण की प्रक्रिया ने एक नई नाटकीय शैली को जन्म दिया - बुर्जुआ नाटक, जिसके निर्माता फ्रांस में डी। डिडरोट, एम। झ सेडेन, एल.एस. मर्सिएर थे।

पी.ओ. ब्यूमर्चैस की कॉमेडी में परोपकारी नाटक और "अश्रुपूर्ण कॉमेडी" की कमियों को दूर किया गया था। सेविला के नाई"(1775) और" द मैरिज ऑफ फिगारो "(1784), जिसमें साथ नई ताकतमोलिरे की परंपराओं को पुनर्जीवित किया गया और प्रबुद्धता सौंदर्यशास्त्र की सर्वोत्तम विशेषताओं को शामिल किया गया।

18वीं शताब्दी के अंत में फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति की अवधि के दौरान प्रबुद्धता नाटक की वीरता और नागरिक आकांक्षाओं को सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट किया गया था। एम. जे. चेनियर की त्रासदी, सामंती विरोधी पाथोस (चार्ल्स IX, 1789, हेनरी VIII, 1791, जीन कैलास, 1791, काई ग्रैचस, 1792) से प्रभावित, क्रांतिकारी क्लासिकवाद के नाटक के उदाहरण थे।

फ्रांस में, दार्शनिक और शिक्षक वोल्टेयर ने अपने नाटक में ज्वलंत सामाजिक मुद्दों को संबोधित करते हुए और निरंकुशता को उजागर करते हुए, त्रासदी की शैली को विकसित करना जारी रखा।

वहीं फ्रांसीसी मंच पर हास्य-व्यंग्य की परंपरा को कायम रखा गया। तो, कॉमेडी "तुर्करे" में लेसेज (1668-1747) ने न केवल क्षयकारी कुलीनता की आलोचना की, बल्कि सूदखोर पूंजीपति वर्ग की भी आलोचना की। उन्होंने जन लोक रंगमंच के लिए कॉमेडी बनाने का प्रयास किया।

एक अन्य शिक्षक और नाटककार, डेनिस डाइडरोट (1713-1784) ने मंच पर सच्चाई और स्वाभाविकता का बचाव किया। कई नाटकों ("द बास्टर्ड सोन", "फादर ऑफ द फैमिली", आदि) के अलावा, डिडरोट ने "द पैराडॉक्स ऑफ द एक्टर" ग्रंथ लिखा, जहां उन्होंने अभिनय के सिद्धांत को विकसित किया।

वोल्टेयर की शैक्षिक त्रासदियों की प्रस्तुतियों में, एक नए प्रकार के अभिनेता उभरे हैं, जो वीर और निंदात्मक विषयों के नागरिक पथ को व्यक्त करने में सक्षम हैं।

फ़्रांस में प्रबुद्धता के रंगमंच के विकास में मेले और बुलेवार्ड थिएटर ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। फेयर थिएटर की शैली पैंटोमाइम, फ़ार्स, नैतिकता, फास्टख़्त्सपिली थी, जिसके प्रदर्शन कामचलाऊ कला पर आधारित थे। ये प्रदर्शन थे, अक्सर एक व्यंग्यात्मक योजना के, जिसमें अजीबोगरीब और भद्दे तत्वों के साथ, अशिष्ट हास्य से भरा होता था। मेलों में रस्सी नर्तक, बाजीगर, प्रशिक्षित जानवर - सर्कस अभिनेताओं के प्रोटोटाइप भी शामिल थे। उन्होंने पैरोडी और व्यंग्य का व्यापक उपयोग किया। इस कला के लोकतांत्रिक चरित्र ने विशेषाधिकार प्राप्त थिएटरों से इस पर हमले किए।

जर्मन थिएटर का गठन।

जर्मन राष्ट्रीय रंगमंच के सच्चे निर्माता सबसे प्रमुख जर्मन लेखक और शिक्षक गोथोल्ड-एप्रैम लेसिंग (1729 -1781) थे। उन्होंने पहली जर्मन राष्ट्रीय कॉमेडी "मिन्ना वॉन बार्नहोम", सामंती-विरोधी त्रासदी "एमिलिया गैलोटी" और कई अन्य नाटकीय रचनाएँ बनाईं। शैक्षिक त्रासदी नाथन द वाइज़ में, लेखक ने धार्मिक कट्टरता के खिलाफ बात की।

प्रसिद्ध पुस्तक "हैम्बर्ग ड्रामा" में लेसिंग ने सौंदर्यशास्त्र और नाटक के सिद्धांत पर अपने निर्णयों को रेखांकित किया। जीई लेसिंग - सामाजिक नाटक, राष्ट्रीय कॉमेडी और शैक्षिक त्रासदी के निर्माता, थिएटर के सिद्धांतकार, 18 वीं शताब्दी के जर्मन थिएटर में यथार्थवादी प्रवृत्ति के संस्थापक।

जर्मन अभिनय पर शैक्षिक विचारों का बहुत प्रभाव था, इसे यथार्थवाद के करीब लाया। इन वर्षों के दौरान जर्मनी में सबसे प्रमुख अभिनेता फ्रेडरिक लुडविग श्रोएडर (1744-1816) थे, जो "तूफान और हमले" के विचारों से जुड़े थे। 70 के दशक में। XVIII सदी जर्मन कला में, "तूफान और आक्रमण" नामक एक नई प्रवृत्ति उत्पन्न हुई।

यह सामंतवाद और निरंकुशता के खिलाफ लड़ने वाले पूंजीपति वर्ग के सबसे उन्नत, क्रांतिकारी-दिमाग वाले हलकों के आंदोलन को दर्शाता है। महान जर्मन कवियों और नाटककारों गोएथे और शिलर ने इस आंदोलन में भाग लिया। 1777 में, मैनहेम नेशनल थिएटर खोला गया, जो 80 और 90 के दशक में सबसे बड़े जर्मन थिएटरों में से एक बन गया। 18 वीं शताब्दी में, अभिनेता, निर्देशक और नाटककार ए.वी. इफलैंड की गतिविधियाँ वहाँ विकसित हुईं। उन्होंने मैनहेम मंच पर बुर्जुआ-दार्शनिक नाटक (उनके अपने नाटक, साथ ही ए। कोटज़ेब्यू के नाटक) को लगाया, जिसने थिएटर के रचनात्मक चेहरे को निर्धारित किया।

18वीं सदी के अंत में। जर्मन थिएटर का विकास वीमर थिएटर में महान जर्मन नाटककारों आई। वी। गोएथे और एफ। शिलर की गतिविधियों से जुड़ा है। यहाँ जर्मनी में पहली बार मंचन किया गया था प्रमुख कृतियाँविश्व शास्त्रीय नाटक (गोएथे, शिलर, लेसिंग, वोल्टेयर और अन्य), निर्देशन की कला की नींव रखी गई थी, एक एकल कलात्मक अवधारणा के अधीन अभिनय कलाकारों की टुकड़ी के सिद्धांत को लागू किया गया था।

गोएथे अपने में सैद्धांतिक कार्यक्रमऔर कलात्मक अभ्यास, उन्होंने एक स्मारकीय थिएटर बनाने के सिद्धांतों की पुष्टि की जो प्राचीन कला के सख्त मानदंडों को पूरा करता था। अभिनय का "वीमर स्कूल" मैनहेम के विपरीत था और क्लासिकिस्ट के करीब था।

इतालवी रंगमंच।

अपने आर्थिक और राजनीतिक पिछड़ेपन के बावजूद, इटली नाटकीय जीवन की समृद्धि और विविधता से प्रतिष्ठित था। XVIII सदी तक। इटली में दुनिया का सबसे अच्छा संगीत थिएटर था, जिसमें दो प्रकार प्रतिष्ठित थे - गंभीर ओपेरा और हास्य ओपेरा(ओपेरा शौकीन)। एक कठपुतली थियेटर था, और कॉमेडीया डेल'आर्ट के प्रदर्शन हर जगह किए जाते थे।

हालाँकि, ड्रामा थिएटर का सुधार लंबे समय से चल रहा है। प्रबुद्धता के युग में, कामचलाऊ कॉमेडी अब समय की आवश्यकताओं को पूरा नहीं करती थी। एक नए, गंभीर, साहित्यिक रंगमंच की जरूरत थी। मुखौटों की कॉमेडी अपने पूर्व रूप में मौजूद नहीं हो सकती थी, लेकिन इसकी उपलब्धियों को संरक्षित किया जाना था और ध्यान से नए थिएटर में स्थानांतरित किया जाना था।

इतालवी रंगमंच में प्रबुद्धजनों के विचारों के प्रवेश के साथ मंच पर औपचारिकता और विचारों की कमी के खिलाफ एक लंबा संघर्ष था। इटली में प्रर्वतक उल्लेखनीय नाटककार कार्लो गोल्डोनी (1707-1793) थे। उसने निर्माण किया नई कॉमेडीपात्र। कामचलाऊ व्यवस्था के बजाय, प्रदर्शन एक साहित्यिक पाठ पर आधारित था।

अठारहवीं शताब्दी का उत्तरार्ध इटली के इतिहास में नाटकीय युद्धों के समय के रूप में नीचे चला गया। एबॉट चियारी, एक औसत दर्जे का नाटककार और इसलिए खतरनाक नहीं, उसका विरोध किया, लेकिन कार्लो गोज़ी उनके मुख्य प्रतिद्वंद्वी बन गए, जो प्रतिभा में उनके बराबर थे। गोज़ी ने कामचलाऊ कॉमेडी की परंपरा को पुनर्जीवित करने का कार्य निर्धारित करते हुए, मुखौटों के रंगमंच का बचाव किया। और किसी समय ऐसा लगा कि वह सफल हो गया है। और हालांकि गोल्डोनी ने अपनी कॉमेडी में सुधार के लिए जगह छोड़ दी, और गोज़ी ने अंततः अपनी लगभग सभी नाटकीय रचनाओं को रिकॉर्ड किया, उनका विवाद भयंकर और समझौताहीन था। चूँकि दो महान विनीशियनों के बीच टकराव का मुख्य कारण उनकी असंगति है सार्वजनिक पद, दुनिया और मनुष्य के विभिन्न विचारों में।

कार्लो गोज़ी (1720-1806) एक प्रतिभाशाली नाटककार थे। गोल्डोनी की कॉमेडी के लिए अपने प्रदर्शनों की सूची का विरोध करने के प्रयास में, गोज़ी ने नाट्य परी कथा की शैली विकसित की। इस तरह के उनके नाटक "द लव फॉर थ्री ऑरेंज", "द डियर किंग", प्रसिद्ध "प्रिंसेस टरंडोट", "द स्नेक वुमन" और अन्य हैं। समृद्ध विडंबना और रसदार हास्य के लिए धन्यवाद, गोज़ी मंच के लिए प्रतिभाशाली परियों की कहानियां आज लोकप्रिय हैं।

त्रासदियों के सबसे बड़े लेखक विटोरियो अल्फिएरी थे। इतालवी प्रदर्शनों की सूची का जन्म उनके नाम के साथ जुड़ा हुआ है। उन्होंने लगभग अकेले ही नागरिक त्रासदी पैदा की। एक भावुक देशभक्त, जिसने अपनी मातृभूमि की मुक्ति का सपना देखा, अल्फिएरी ने अत्याचार का विरोध किया। उनकी सभी त्रासदियां स्वतंत्रता संग्राम के वीर पथों से ओत-प्रोत हैं।

अल्फिएरी ने तर्क दिया कि लोगों को अभिजात वर्ग के हाथों से स्वतंत्रता प्राप्त करनी चाहिए, मानव व्यक्ति की स्वतंत्रता पर जोर दिया, जिसकी इच्छा केवल तर्क और कर्तव्य की भावना के अधीन है। अपने ग्रंथ ऑन द सॉवरेन एंड लिटरेचर (1778-86) में, अल्फिएरी ने नाटकीय कविता के कार्य को सद्गुणों की जागृति और स्वतंत्रता के प्रेम के रूप में परिभाषित किया। अल्फिएरी की त्रासदियों शाऊल, फिलिप, वर्जीनिया, ब्रूटस I और ब्रूटस II ने इतालवी थिएटर के विकास में योगदान दिया।

ज्ञानोदय का डेनिश रंगमंच।

डेनमार्क में पेशेवर रंगमंच 18 वीं शताब्दी में उभरा, इसका निर्माण देश के आर्थिक और सांस्कृतिक विकास के कारण हुआ। 23 सितंबर, 1722 को कोपेनहेगन में "द मिज़र" नाटक के साथ थिएटर "डेनिश स्टेज" खोला गया था, और जल्द ही एल। होलबर्ग की पहली कॉमेडी "द टिन मैन द पॉलिटिशियन" का प्रीमियर हुआ।

1728 में, कोर्ट सर्कल के प्रतिनिधियों ने डेनिश स्टेज को बंद कर दिया। थिएटर ने अपना काम केवल 1748 (रॉयल स्क्वायर पर घर के अंदर) में फिर से शुरू किया। 1770 में इसे रॉयल की उपाधि मिली और यह न्यायालय के मंत्रालय के अधिकार क्षेत्र में आया। 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में। थिएटर ने जिंगस्पिली, आई. इवाल्ड की कॉमेडी, वोल्टेयर की त्रासदी और उनके डेनिश एपिगोन का मंचन किया, लेकिन होलबर्ग की नाटकीयता थिएटर के प्रदर्शनों की सूची का आधार बनी रही।

डेनमार्क में ज्ञानोदय के विचारों को बढ़ावा देने में एक प्रमुख भूमिका पैरोडी त्रासदी लव विदाउट स्टॉकिंग्स (1772) के लेखक जे. के. वेसल के काम ने निभाई, जिन्होंने होलबर्ग की परंपराओं को जारी रखा।

संपूर्ण विश्व संस्कृति के इतिहास में प्रबुद्धता का रंगमंच सबसे उज्ज्वल और सबसे महत्वपूर्ण घटनाओं में से एक है; यह यूरोपीय नाट्य कला का एक शक्तिशाली स्रोत है - हमेशा के लिए। युवा ऊर्जा को क्रिया में स्थानांतरित करने की आवश्यकता से नए रंगमंच का जन्म हुआ। और अगर आप अपने आप से यह सवाल पूछते हैं कि इस क्रिया को कला के किस क्षेत्र में, मस्ती के इस समुद्र में डालना चाहिए था, तो उत्तर स्पष्ट है: बेशक, रंगमंच के क्षेत्र में।

XVIII सदी के दौरान यूरोपीय रंगमंच एक लंबा और जटिल जीवन जीता था। सौंदर्य मानदंड, जिन्हें निरपेक्ष माना जाता था, इस समय के दौरान अपना पूर्व महत्व खो चुके हैं। राय और स्वाद एक सदी से लगातार टकराव में हैं, सभागार एक से अधिक बार सामाजिक संघर्षों के क्षेत्र में बदल गए हैं। लेखक राजनीतिक विरोधी थे, जिन्हें पहली बार पता चला कि उनकी कला में भीषण संघर्ष भी हो सकता है।

एक कला के रूप में रंगमंच पेंटिंग और मूर्तिकला जैसे भौतिक स्मारकों में साहित्य और संगीत के कार्यों के रूप में संरक्षित नहीं है। लेकिन रंगमंच का इतिहास अतीत के महान अभिनेताओं के बारे में बताता है कि उन्होंने कैसे खेला, अपने समकालीनों की क्या आकांक्षाओं को उन्होंने अपने अभिनय में शामिल किया, उन्होंने समय की क्या मांग की।

नाट्य जीवन रूस XIXसदी।

उन्नीसवीं शताब्दी की शुरुआत में, रूसी शाही थिएटरों का एक नेटवर्क बनाया गया था, जिसे नियंत्रित किया गया था
"महामहिम के दरबार के मंत्रालय द्वारा।" अदालत ने सेंट पीटर्सबर्ग में तीन थिएटर - अलेक्जेंड्रिया, मरिंस्की और मिखाइलोवस्की - और मॉस्को में दो - बोल्शोई और माली थिएटर को अधीनस्थ किया।

नाटकों की उपस्थिति के साथ ए.एन. ओस्ट्रोव्स्की, आई.एस. तुर्गनेव, गद्य एफ.एम. दोस्तोवस्की की कविता नेक्रासोव यथार्थवाद रूसी संस्कृति में आया।

मंच पर जो सच है उसके बारे में पुराने विचारों को तोड़ते हुए, नाटक के साथ-साथ अभिनय की कला भी बदल गई है। 16 नवंबर, 1859 को ओस्ट्रोव्स्की के "द थंडरस्टॉर्म" के माली थिएटर में प्रीमियर का दिन था। नाटक के चारों ओर एक तूफान छिड़ गया। कतेरीना की भूमिका की पहली कलाकार अद्भुत अभिनेत्री एल.पी. निकुलिना - कोसिट्सकाया। ओस्त्रोव्स्की के नाटकों के साथ, रूसी जीवन का तत्व मंच पर फूट पड़ा, एक नई, रसदार और आधुनिक भाषा। ओस्ट्रोव्स्की के नाटकों में, माली के कलाकार बाद के सभी दशकों में चमकते रहे। जी.एन. फेडोटोवा, एम.एन. एर्मोलोवा माली थिएटर की अद्भुत अभिनेत्रियाँ हैं।

19 वीं शताब्दी की पहली छमाही के रूसी कलाकार एम.एस. शेचपकिन, पी.एस. मोचलोव, वी.ए. एक किंवदंती के आंकड़े के रूप में करातिगिन वंशजों की स्मृति में बने रहे। शेकपकिन ने शेक्सपियर, मोलिरे, गोगोल, ओस्ट्रोव्स्की और तुर्गनेव के नाटकों में लगभग 600 भूमिकाएँ निभाईं। वह रूसी रंगमंच में यथार्थवाद का दावा करने वाले पहले लोगों में से एक थे, उन्होंने रूसी मंच पर सच्चाई का निर्माण किया।

मोचलोव शेचपकिन के बिल्कुल विपरीत है। उन्होंने रूसी और पश्चिमी नाटक के नाटकों में मुख्य भूमिकाएँ निभाईं - हेमलेट शेक्सपियर, शिलर के नाटक द रॉबर्स में कार्ल मूर, वू फ्रॉम विट में चैट्स्की।

नाटकों के प्रदर्शन में, रूसी अभिनेताओं ने ऐसी छवियां बनाईं जो नाट्य कला के इतिहास में नीचे चली गई हैं। दर्शकों ने एकातेरिना सेमोनोवा, एलेक्सी याकोवलेव की प्रशंसा की। ये अभिनेता पूरी तरह से प्रतिनिधित्व किए गए व्यक्ति में पुनर्जन्म लेते हैं। धीरे-धीरे, माली थिएटर नाटकीय प्रस्तुतियों में और ओपेरा और बैले में बोल्शोई के विशेषज्ञ होने लगे।

बोल्शोई पेत्रोव्स्की थियेटर 1825-1853

6 जनवरी, 1825 को बोल्शोई पेत्रोव्स्की थिएटर का उद्घाटन बहुत ही भव्य तरीके से किया गया था। उस शाम नए थिएटर का दौरा करने वाले दर्शक स्थापत्य अवधारणा और उसके अवतार, इमारत के अभूतपूर्व पैमाने और इसके सभागार की सजावट की सुंदरता के बड़प्पन से हैरान थे।

लेखक सर्गेई अक्साकोव ने याद किया: "बोल्शोई पेत्रोव्स्की थिएटर, जो पुराने, जले हुए खंडहरों से निकला था ... मुझे चकित और प्रसन्न किया ... शानदार विशाल इमारत, विशेष रूप से मेरी पसंदीदा कला को समर्पित, अपनी उपस्थिति से मुझे आनंदित कर दिया उत्साह ..."

प्रदर्शन शुरू होने से पहले, दर्शकों ने थिएटर के निर्माता ओसिप बोवे को मंच पर बुलाया और तालियों से सम्मानित किया।

11 मार्च, 1853 को एक बादल भरी ठंढी सुबह, अज्ञात कारण से, थिएटर में आग लग गई। आग की लपटों ने तुरंत पूरी इमारत को अपनी चपेट में ले लिया, लेकिन आग मंच पर और सभागार में सबसे बड़ी ताकत के साथ भड़की। एक प्रत्यक्षदर्शी ने आग का वर्णन करते हुए कहा, "आग में लिपटे इस विशालकाय को देखना डरावना था। जब यह जल गया, तो हमें ऐसा लगा कि एक प्रिय व्यक्ति हमारी आंखों के सामने मर रहा है, हमें सबसे सुंदर विचारों और भावनाओं के साथ संपन्न कर रहा है .. ।"

दो दिनों के लिए मस्कोवाइट्स आग की लपटों से लड़े, और तीसरे के लिए, थिएटर की इमारत रोमन कोलोसियम के खंडहरों से मिलती जुलती थी। करीब एक हफ्ते तक इमारत के अवशेष सुलगते रहे। आग ने 18 वीं शताब्दी के अंत से इकट्ठी की गई नाटकीय वेशभूषा को अपरिवर्तनीय रूप से नष्ट कर दिया, प्रदर्शन के लिए उत्कृष्ट मंच सेट, मंडली का संग्रह, संगीत पुस्तकालय का हिस्सा और दुर्लभ संगीत वाद्ययंत्र।

प्रोफेसर ए मिखाइलोव द्वारा तैयार किए गए नए थिएटर भवन की परियोजना को 1821 में सम्राट अलेक्जेंडर I द्वारा अनुमोदित किया गया था, और इसका निर्माण वास्तुकार ओसिप बोव को सौंपा गया था।

यूरोप के सबसे बड़े थिएटरों में से एक, यह एक जले हुए थिएटर भवन की साइट पर बनाया गया था, लेकिन इसका मुखौटा थिएटर स्क्वायर का सामना कर रहा था ...

बोल्शोई रंगमंच (1856-1917)

20 अगस्त, 1856 को, बहाल बोल्शोई थियेटर की उपस्थिति में खोला गया था शाही परिवारऔर वी. बेलिनी द्वारा ओपेरा "प्यूरिटेन" के साथ सभी राज्यों के प्रतिनिधियों ने इतालवी मंडली द्वारा प्रदर्शन किया। इस अवधि के मास्को बैले फ्रांसीसी मारियस पेटिपा की प्रतिभा के लिए अपनी सफलताओं का श्रेय देते हैं, जो सेंट पीटर्सबर्ग में बस गए थे। मंच प्रदर्शन के लिए कोरियोग्राफर कई बार मास्को आए। उनके मॉस्को कार्यों में सबसे महत्वपूर्ण एल मिंकस द्वारा "डॉन क्विक्सोट" था, जिसे पहली बार 1869 में दिखाया गया था। पेटिपा ने बाद में इस बैले के मॉस्को संस्करण को सेंट पीटर्सबर्ग चरण में स्थानांतरित कर दिया।

प्रदर्शन संस्कृति के विकास के लिए पी। त्चिकोवस्की के काम का बहुत महत्व था। ओपेरा संगीत में संगीतकार की शुरुआत - "वोवोडा" (1869) और बैले - " स्वान झील"(1877) बोल्शोई थिएटर के मंच पर हुआ। ओपेरा "यूजीन वनगिन" (1881) ने यहां अपना वास्तविक जन्म प्राप्त किया, पहला परीक्षण बड़ा मंच 1879 के कंज़र्वेटरी प्रदर्शन के बाद; पहली बार ओपेरा माज़ेपा (1884), संगीतकार की ऑपरेटिव रचनात्मकता की ऊंचाइयों में से एक, ने दिन की रोशनी देखी; ओपेरा "वकुला द ब्लैकस्मिथ" का अंतिम संस्करण, जिसे 1887 के उत्पादन में चेरेविची का नाम दिया गया था।

16 दिसंबर, 1888 को आई। मुसॉर्स्की द्वारा लोक नाटक बोरिस गोडुनोव का पहला प्रदर्शन थिएटर के इतिहास में एक यादगार प्रदर्शन बन गया। एन. रिम्स्की-कोर्साकोव के ओपेरा में से पहला द स्नो मेडेन (1893) था, और फिर द नाइट बिफोर क्रिसमस (1898) ने बोल्शोई थिएटर फुटलाइट्स की रोशनी देखी। उसी 1898 में थिएटर ने पहली बार दर्शकों को ए। बोरोडिन "प्रिंस इगोर" द्वारा ओपेरा दिखाया, और दो साल बाद कोरियोग्राफिक कला प्रेमी ए। ग्लेज़ुनोव के बैले "रेमोंडा" से परिचित हुए।

देर से XIX के थिएटर के ओपेरा मंडली - XX सदी की शुरुआत में कई उत्कृष्ट गायक हैं। पिछले वर्षों के गौरवशाली नामों में इवलिया कदीना, एंटोन बार्टसल, पावेल खोखलोव, नादेज़्दा सलीना, इवान ग्रिज़ुनोव, मार्गारीटा गुनोवा, वासिली पेट्रोव और अन्य शामिल हैं। और विदेशों में - लियोनिद सोबिनोव, फेडर चालपिन, एंटोनिना नेज़दानोवा।

सर्गेई राचमानिनॉफ के थिएटर में गतिविधि फलदायी थी, और उन्होंने खुद को कंडक्टर के स्टैंड पर घोषित किया। शानदार संगीतकार... राचमानिनोव ने थिएटर में रूसी ओपेरा क्लासिक्स की ध्वनि की गुणवत्ता में सुधार किया। वैसे, कंडक्टर के कंसोल को उस स्थान पर स्थानांतरित करना जहां वह अब राचमानिनॉफ के नाम से जुड़ा हुआ है, इससे पहले कि कंडक्टर ऑर्केस्ट्रा के पीछे खड़ा हो, मंच का सामना कर रहा हो।

1899 में बोल्शोई थिएटर में पहली बार स्लीपिंग ब्यूटी का प्रदर्शन किया गया था। इस बैले का निर्माण, जिसने रूसी में संगीत और नृत्य के राष्ट्रमंडल की स्थापना की बैले थियेटर, कोरियोग्राफर, लिबरेटिस्ट और शिक्षक अलेक्जेंडर गोर्स्की के लिए मास्को में एक लंबे और खुशहाल काम की शुरुआत थी। प्रतिभाशाली कलाकारों के एक बड़े समूह ने उनके साथ काम किया - एकातेरिना गेल्टसर, वेरा करल्ली, सोफिया फेडोरोवा, एलेक्जेंड्रा बालाशोवा, वासिली तिखोमीरोव, मिखाइल मोर्डकिन, कंडक्टर और संगीतकार आंद्रेई एरेन, आदि। नया उत्पादनबैले "डॉन क्विक्सोट" (1900) गोर्स्की ने सबसे पहले युवा कलाकारों कोन्स्टेंटिन कोरोविन और अलेक्जेंडर गोलोविन को आमंत्रित किया, जो नाट्य चित्रकला के भविष्य के महान स्वामी थे।

1911 वर्ष। थिएटर भवन की बहाली के लिए परियोजना की प्रतियोगिता में, विजेता अल्बर्ट कैवोस द्वारा प्रस्तुत योजना थी।

कावोस ने ब्यूवाइस भवन के लेआउट और वॉल्यूम को बनाए रखते हुए, ऊंचाई में वृद्धि की, अनुपात को बदल दिया और वास्तुशिल्प सजावट को फिर से डिजाइन किया। विशेष रूप से, इमारत के किनारों पर दीयों के साथ ढलवां लोहे की दीर्घाएँ खड़ी की गई थीं। जब आप इसे दूर से देखते हैं, तो समकालीनों ने इस उपनिवेश की उपस्थिति पर ध्यान दिया, विशेष रूप से शाम को सुंदर, और जलती हुई दीयों की एक पंक्ति थिएटर के साथ चलने वाले हीरे के धागे की तरह लगती है।

अपोलो का अलबास्टर समूह, जो बोव थिएटर को सुशोभित करता था, आग में नष्ट हो गया। एक नया निर्माण करने के लिए, कावोस ने प्रसिद्ध रूसी मूर्तिकार पीटर क्लोड्ट (1805-1867) को आमंत्रित किया, जो सेंट पीटर्सबर्ग में फोंटंका नदी पर एनिचकोव ब्रिज पर प्रसिद्ध चार घोड़े समूहों के लेखक थे।

क्लोड्ट ने अपोलो के साथ एक मूर्तिकला समूह बनाया, जो अब पूरी दुनिया में प्रसिद्ध है। यह लाल तांबे के साथ मढ़वाया धातु मिश्र धातु से ड्यूक ऑफ लिक्टेनबर्ग के कारखानों में डाला गया था।

सभागार के पुनर्निर्माण के दौरान, कावोस ने सभागार के आकार को बदल दिया, इसे मंच तक सीमित कर दिया, और ऑर्केस्ट्रा गड्ढे को गहरा कर दिया। पारटेरे कुर्सियों के पीछे, जहां गैलरी हुआ करती थी, उन्होंने एक एम्फीथिएटर स्थापित किया। सभागार के आयाम बन गए हैं: लगभग समान गहराई और चौड़ाई - लगभग 30 मीटर, ऊंचाई - लगभग 20 मीटर। सभागार 2000 से अधिक दर्शकों को समायोजित करना शुरू कर दिया।

इस रूप में, मामूली आंतरिक और बाहरी पुनर्निर्माणों के अपवाद के साथ, बोल्शोई रंगमंच आज तक जीवित है।

रंगमंच मानव जगत का चमत्कार है।