Teatrets historie er forankret i det antikke Grækenland for mere end to årtusinder siden. Den ældste kunst blev født som en spektakulær underholdning af de offentlige, festlige scener af maskerede skuespillere. Forestillingerne var oprindeligt tidsbestemt til at falde sammen med Great Dionysia - en stor religiøs højtid.

Nu er teatret utvivlsomt mere end et optog af syngende mænd i gedeskind gennem byen. Han blev høj kunst, en måde til rekreation for det høje samfund, et sted for kulturel uddannelse. Teatrets historie er en fascinerende udviklingsproces, der fortsætter den dag i dag. Vi vil fortælle læseren om det i vores artikel. Du vil også finde mange interessante fakta i det præsenterede materiale. Så lad os begynde.

Start

I Athen, 5. århundrede f.Kr. e. teaterforestillinger var en integreret del af religiøse festivaler. Processionerne med statuen af ​​Dionysos blev ledsaget af muntre tilsang og dramatiske lege. Vi kan sige, at historien om det athenske teater begyndte som en amatørforestilling for lille beløb tilskuere. I starten blev der kun iscenesat tragedier, komedier blev vist senere. Det er bemærkelsesværdigt, at skuespillene som regel kun blev vist én gang. Dette stimulerede forfattere til at skabe relevante, interessante værker. Dramatikeren skrev ikke kun stykket, han var en fuldgyldig deltager i forestillingen, spillede rollerne: instruktør, komponist, koreograf og endda en skuespiller. Det var naturligvis ekstremt dygtige mennesker.

Men for at blive en choreg (leder af et kor), var der ikke behov for stort talent. Alt, hvad de havde brug for, var penge og forbindelser med embedsmænd. Købmandens hovedopgave var at betale regninger, materiel støtte og teaterstøtte. Det var i de dage et konkurrencested, den sejrende horeg, digter og hovedperson vandt i den. Vinderne blev kronet med efeu og belønnet med præmier. Sejren blev givet til dem ved juryens afgørelse.

Et interessant faktum er, at de gamle romere var rigtige fans af realisme. Produktionen blev betragtet som ideel, hvor skuespilleren vænnede sig 100% til rollen - om nødvendigt skulle han være klar til selv at dø.

Det græske teater havde ikke tag, tilskuere og skuespillere var faktisk på gaden. Størrelsen af ​​de gamle teatre var enorme, de kunne rumme fra 17 til 44 tusinde mennesker. Først blev der brugt træplatforme til at sætte publikum ned, derefter blev naturstenskråninger tilpasset til teatret. Og først da, i det IV århundrede f.Kr. der blev bygget et stenteater.

Du vil sikkert være interesseret i at vide, at regeringen, begyndende med Pericles, gjorde det muligt at besøge teatret og slutte sig til de smukke, selv økonomisk dårligt stillede borgere. For at gøre dette fik hver tildelt et tilskud til et besøg i teatret og derefter til tre besøg.

Historie gammelt teater har en karakteristisk træk: Skuespillerne spillede deres roller uden hjælp fra deres egne ansigtsudtryk. Den blev erstattet af alle slags masker, ofte ret groteske. Skuespilleren var meget opmærksom på kropsbevægelser og tøj. Skuespillerne var mænd, selv på kvindelige roller... De indtog en privilegeret position i samfundet, var fritaget for skatter.

Et interessant faktum er, at Livy Andronicus, en gammel romersk dramatiker, blev far til verdens første "fonogram". Han blev efterladt uden en stemme, men kom ud af situationen og fandt en dreng, der talte for ham.

Nogle udtryk for det antikke teater

Mange definitioner brugt i gamle teatre har overlevet til denne dag. En lille ordliste over termer fra oldtiden er præsenteret for din opmærksomhed nedenfor:

• Orkester er en del af teatret med en rund form med to indgange, designet til opførelser af dramatiske og lyriske kor. I det athenske teater var dens diameter 24 meter.
• Skena er et sted at klæde sig ud. Var oprindeligt et simpelt telt, derefter forbundet med fragmenter dekoration scener, for eksempel i baggrunden.
• Proscenium - søjlegang foran skena.
• Paraseniy - sidesten udhuse.
• Scenen er en bakke over orkestret, hvor skuespillere begyndte at spille i senantikken.
• Eckiclema er en bevægelig træplatform, der giver dig mulighed for at transformere scenen og flytte skuespillerne rundt på scenen.
• Koturny er sko med høje såler, der ligner stylter. Ved hjælp af sådanne sko blev skuespillerne højere, mere imponerende og ligner mytiske skabninger.

Et bemærkelsesværdigt faktum er, at det var i Rom, at sætningen "Finita la Comedia" først blev udtalt.

Dukker i teaterverdenen

Dukketeatrets historie går tilbage til Egypten, hvor præsterne brugte guden Osiris' dukke til at udføre rituelle handlinger. I begyndelsen var dukketeatret kun ceremonielt og rituelt, men nu er den religiøse konnotation forsvundet. Berømte rituelle og rituelle dukketeatre findes i mange lande: Japan (Bunraku), Indonesien (Wayang), Catalonien (El Pastores), Hviderusland (Batleika) og andre.

I dukketeatrets historie i Amerika skiller teatret, der blev skabt i 1962 under navnet "Brød og en dukke" sig ud. Den byder på gigantiske papmachédukker, en tydelig politisk smag og lækkert brød ved indgangen. Denne interaktion mellem skuespillere og tilskuere er symbolsk: Teaterkunsten skal være så tæt på folket som muligt.

Dukker kommer i forskellige størrelser og typer. Der er finger og handske, siv og tablet, dukker og kæmpedukker. Det er ikke så let at være skuespiller i et dukketeater, fordi du skal kunne genoplive en livløs genstand, udstyre den med karakter og stemme.

Et karakteristisk træk ved ethvert dukketeater er latterliggørelse af noget, tilstedeværelsen af ​​moral, et pædagogisk element i scenerne. Uanset hvor gammel dukketeatrets tilskuer er, vil han ikke blot finde noget at grine af, men også noget at tænke over. Ofte er helte i dukketeater uattraktive, selv grimme karakterer, for eksempel den franske Punchinelle med en hæklet næse.

Du vil sikkert være interesseret i at vide, at skuespillere ikke altid er rige mennesker. I historien om amerikansk dukketeater er der fakta om, at teatergængere kunne se et teaterstykke i bytte for mad.

Drama

Historien om dramateatret går tilbage til oldtiden. Det er en af ​​kunstarterne, sammen med dukketeater, pantomime, opera og ballet. Det vigtigste kendetegn ved dramateatret er, at skuespillerens handlinger er kombineret med de ord, han siger. Scenetale får særlig opmærksomhed i denne slags genre. Stykket er grundlaget for en dramatisk forestilling. I skuespilprocessen er improvisation mulig, handlingen kan omfatte dans, sang. Forestillingen er baseret på litterært arbejde... Instruktøren er hovedfortolkeren af ​​et skuespil eller manuskript.

Det er ret bemærkelsesværdigt, at teaterarbejdere mener, at det ikke er godt at droppe manuskriptet. Hvis dette problem skete, skal du helt sikkert sidde på det.

Fremkomsten af ​​indenlandske teatertraditioner

Teatrets historie i Rusland er opdelt i faser:

• Indledende ("legende").
• Gennemsnit.
• Moden.

Legefuld scene

Som i det gamle Rom begyndte teatrets historie i Rusland som en ikke helt seriøs besættelse. Teaterforestillinger blev kaldt "sjov" og forestillinger kaldte man "merrymaking". Den første omtale af bøvler i krøniker går tilbage til 1068. Faktisk kunne enhver person blive sådan en skuespiller, der underholder publikum. Fra et religionssynspunkt var buffons aktiviteter skammelige. I annalerne kaldes de djævelens tjenere, og hån, satire og påklædning kaldes synder. Skarp satire blev ikke hilst velkommen af ​​kirken, men det stoppede ikke rigtig nogen.

Buffoonery blev heller ikke betragtet som en kunst, der glædede myndighederne, tværtimod gjorde akutte sociale temaer i scener, latterliggørelse af moderne mangler, skuespillere farlige og skadelige. Men folket elskede at se og grine af bøffernes optræden. Det skal dog forstås, at det klassiske teater, som vi kender det nu, ikke voksede ud af disse bøllescener, men uafhængigt af dem, ja, snarere på trods af dem.

Mellemstadie

Den næste fase i det russiske teaters historie er mellemtiden mellem det lystige og det modne. I denne fase dukker en hofmand op og skoleteatre... På det tidspunkt regerede tsar Alexei Mikhailovich, aktørerne i hofteatret var udlændinge, skoleteatret - studerende. Efter Alexei Mikhailovichs død blev hofteatrets aktivitet suspenderet, indtil Peter I kom til magten. Han havde en positiv holdning til "skuespil", men udover underholdning blev han også udstyret med en propagandafunktion. I 1702 dukkede et teater for de brede masser op - et offentligt. Dens bygning blev kaldt "Komikertemplet", hvor forestillinger blev givet af en tysk trup. Dette teater accepterede ikke folket. Selvom Peter I ikke nåede sit mål, gjorde han ikke teatret til et yndet sted for mennesker, tilgængeligt og populært, men han fastsatte alle de nødvendige forudsætninger for dette.

Et modent stadium i teaterkunstens historie

Denne periode i historien om oprettelsen af ​​et teater i Rusland er den vigtigste. På dette stadium begyndte teatret at erhverve de funktioner, der er velkendte for en moderne person, tog form i et seriøst professionelt fællesskab. Den 30. august 1756 blev starten givet, nemlig det kejserlige teater blev åbnet. Samme dato er dagen for grundlæggelsen af ​​Alexandrinsky-teatret i St. Petersborg. Det skete under Elizaveta Petrovna.

Et træk ved datidens teater var den samtidige deltagelse i produktioner af både russere og udenlandske kunstnere... Det var på dette stadium, at udførelsen af ​​roller først blev betroet ikke kun til mænd, men også til kvinder. Catherine II lagde stor vægt på teatret, under hende i St. Petersborg var der tre tropper, en fantastisk mængde midler blev brugt på udviklingen af ​​denne industri.

Ud over udviklingen af ​​statslige var Catherine også opmærksom på adelens private teatre, der var for eksempel teatret Sheremetyev, Volkonsky, Rumyantsev. Selv i provinserne blev deres egne godsejertrupper oprettet. Et russisk teater var ved at blive bygget, nemlig selve forestillingerne, efter modeller fra deres franske kolleger. I spidsen for den franske skuespilskole var I. A. Dmitrevsky, som opdragede mere end en generation af fremragende skuespillere.

Vidste du?

Vi præsenterer læseren noget mere interessante fakta fra teaterkunstens historie.

På det tidspunkt, hvor Pushkin levede, var teatre i Rusland ikke fuldstændig stillesiddende. De fjerneste rækker var optaget af folk, der stod på deres fødder under hele showet.

Et ikonisk skuespil i den russiske teaterkunsts historie er DI Fonvizins "The Minor", som blev det første forsøg på at latterliggøre embedsmænd, adelige, typiske karakterer fra det 18. århundrede. Starodum ( positiv karakter) den første til at spille var den førnævnte Dmitrevsky.

I 1803 blev de kejserlige teatre delt. En dramatisk og musiktrup, opera og ballet, som en del af musicalen. Dominansen af ​​den franske skole for at spille på den russiske scene varede indtil det 19. århundrede. Det var da, at det russiske teater endelig kom på benene og fulgte sin egen vej. Den opnåede erfaring er blevet en god base, og opdagelsen af ​​nye talentfulde russiske komponister, skuespillere, dansere løftede teatret til et højt niveau.

PN Arapov var den første, der beskrev hele det russiske teaters historie i en encyklopædi - "Chronicle of the Russian Theatre". Teaterblade og professionelle kritikere dukker op. Således gav udviklingen af ​​teatret fremdrift, herunder til russisk litteratur.

Det mest berømte teater i Moskva

Bolshoi-teatrets historie begynder den 28. marts 1776. Det var på denne dag i Moskva, at kejserinde Catherine II underskrev et "privilegium" for prins Pjotr ​​Urusov, hvilket gav ham mulighed for at opretholde teatret i ti år. Først blev det kaldt Petrovsky Theatre (til ære for gaden, hvor indgangen gik). I 1805 brænder bygningen fuldstændig ned, skabte arkitekten Osip Bove nyt projekt... I 1820 begyndte byggeriet, som varede 5 år.

Det opførte teater blev større, hvorfor det har fået sit navn. Beboerne i Moskva var tilfredse med denne smukke, harmoniske, rige bygning indtil 1853, da den anden brand brød ud. Denne gang blev genopbygningen overdraget til arkitekten Albert Cavos. Teatret blev restaureret allerede i 1856. Imperial Bolshoi Theatre blev berømt ikke kun i Rusland, men også i verden: det havde fremragende akustik. I 1917 efter revolutionen blev navnet ændret til Statens Bolsjojteater. Udsmykningen blev suppleret med sovjetiske symboler.

Han blev alvorligt såret under den store patriotiske krig, efter at have overtaget bomben. Bygningen blev rekonstrueret igen. Indtil 1987 gennemgik bygningen kun mindre kosmetiske reparationer. Nu er Bolshoi Teatret en bygning med ny scene hvor du kan bruge moderne effekter. Samtidig har det bevaret ånden fra klassisk arkitektur, dens "signatur" akustik, som giver den ret til at blive betragtet som et af de bedste teatre i verden. Dette er historien om Bolshoi-teatret.

Og endelig en mere, ikke mindre interessant kendsgerning. Film, der foregår helt eller delvist i teatret: Birdman, The Woe Creator, La La Land, The Phantom of the Opera, Burlesque Tales, Knockout, Bumping into Broadway, Black Swan "," The Puppeteer "," Awfully Big Eventyr "," Shakespeare in Love "," Murder in a Small Town "," Orfevre Quay ".

Teaterhistorien (dramatiske og andre genrer af denne kunst) vil fortsætte med at udvikle sig, da interessen for den har været uændret i mere end to tusinde år.

For enhver moderne mand teatre er blevet en integreret del af de planlagte kulturelle aktiviteter. Og mange interesserer sig for teatrets historie, der var jo en periode, hvor der ikke var teatre? Det er svært at huske, hvornår det var, for de allerførste teatre dukkede op i primitive fællesskaber.

I de fjerne tider forstod folk stadig ikke, hvorfor det regnede, hvorfor det pludselig blev koldere, og hvordan de havde gjort forkert før den Almægtige, at han sendte sne eller kraftig regn. For at intet skulle true dem, forsøgte de at gennemføre en teatralsk ceremoni før hver vigtig begivenhed. Oplysninger om sådanne begivenheder gav os mulighed for at forstå, hvordan teatret opstod, og hvorfor der blev lagt så meget opmærksomhed på det.

Fra primitivitet til modernitet

Det primitive teater så naturligvis ikke ud moderne produktioner... Det handlede ikke om professionalisme eller talent - folk forsøgte at iscenesætte begivenheder, som de havde det, og investerede i enhver begivenhed, sjæl og alle deres oplevelser. De troede virkelig, at jo mere følelsesmæssigt de kunne repræsentere deres hengivenhed, jo bedre er for eksempel høsten. Alt dette blev akkompagneret af improviseret musik og sange.

Senere, et sted i det tredje årtusinde f.Kr. i Egypten er der allerede opført mere organiserede teaterforestillinger om mæcener for håndværkere og bønder. Grækenland blev fødestedet for karnevalsforestillinger, som hovedsageligt blev organiseret i det fri. Folketeatre var populære her. Skuespillere skulle næsten altid bære masker.

Renæssance - i denne periode blev hovedsageligt komiske forestillinger iscenesat. De blev holdt på byens pladser, og mange mennesker samledes for at se forestillingen.

Et sted i slutningen af ​​16 Art. - i begyndelsen af ​​1600-tallet anerkendte verden opera, og først senere, i midten af ​​1700-tallet, dukkede ballet op, de første operetter dukkede først op i midten af ​​1800-tallet.

Forestillinger fra tidligere år i dag

Når vi taler om teatret i det 18-19. århundrede, taler vi allerede om forestillinger og produktioner, hvor talentfulde skuespillere deltog. De blev iscenesat på scenen, og selve teatrenes strukturer var fundamentalt forskellige fra primitiverne og renæssancen. Så siden slutningen af ​​det 19. århundrede kom en storslået produktion af balletten "Nøddeknækkeren" til os. Både dengang og nu var de ikke tilgængelige for alle. Det skyldes naturligvis produktionens store og konstant voksende popularitet. Hvis kun nogle få udvalgte, ædle damer og herrer tidligere havde råd til en sådan luksus som et teater, er de i dag tilgængelige for alle. På trods af billethypen fortsætter folk med at finde alternative måder at købe billetter på. Så du kan for eksempel bestille dem på vores hjemmeside. Dette vil spare dig for køer og uforudsete ubehagelige situationer.

I dag har teatret fået et andet udseende. Han er blevet et symbol og stolthed i ethvert land. Arkitektoniske ensembler, udsmykning og rummelige sale, portrætter af berømte digtere, instruktører og teaterskabere dekorerer som regel altid hallen. På den moderne scene vi ser ofte forestillinger, der først blev iscenesat under zarens regeringstid. Ja, de har gennemgået nogle justeringer, måske flere virkelige begivenheder, og et eller andet sted besluttede art directorerne at tilføje musikmusik, der kombinerede opera med ballet. Men ikke desto mindre bekræfter dette endnu en gang, at teatret altid har været i fortiden, og i fremtiden vil det tiltrække publikums opmærksomhed, selvom en forestilling fra forrige århundrede præsenteres på scenen - det er vores historie og for mange er det en vigtig komponent i dannelsen af ​​kultur og traditioner.

Det moderne menneske undervurderer nogle gange teatret og træffer sit valg til fordel for biografen. Der er dog lidt, der slår teaterkunst. Det russiske teater er kommet langt fra dets dannelse til at modtage titlen som et af de bedste i verden. Vi inviterer dig til at huske historien om dens skabelse sammen med os.

I Rusland begyndte teaterkunsten at udvikle sig meget senere end i de fleste europæiske og asiatiske lande. Men på samme tid turnerede buffoons, der gav forestillinger, såvel som gademusikere, der fortalte epos og legender, den moderne Russiske Føderations territorium.

Skaberen først, man kan sige et professionelt teater, der bar navnet "Komedie Horomina" betragtes som en af ​​dynastiets første konger Romanovykh Alexey Mikhailovich... Men efter hans død ødelagde kirkemændene, der var utilfredse med palæet, teatret.

I samme periode begyndte velhavende godsejere at skabe deres egne teatre, hvor livegne spillede. En seriøs protektor for teatret var Peter I... Hvori russisk kejser krævede, at forestillingerne var på russisk, og at de "ikke var for seriøse, ikke for muntre, ikke havde nogen kærlighedsintriger og ikke ville være for triste."

Efter Peters død ophørte teaterkunsten med at blive støttet af herskerne og først efter at være kommet til magten Anna Ioannovna den modtog igen statsstøtte.

Skabelsehistorie statsteater i Rusland, ifølge de fleste eksperter, begyndte med etableringen af ​​Shlyakhetsky kadetkorps, hvor de første teaterstudier blev organiseret og adelsbørn blev undervist i skuespilkunsten. Samtidig optrådte det første professionelle teater i Rusland Yaroslavl på grundlag af købmanden Fjodor Volkovs trup.

Med tiden russisk teater forbedret og fået fans fra forskellige dele af befolkningen.

Bolshoi teater: skabelseshistorie

Bolshoi-teatret, der ligger i centrum af Moskva, bærer med rette titlen som kunsttemplet og det verdensberømte opera- og balletteater. Det er bemærkelsesværdigt, at Bolshoi-teatret har to "fødselsdage" - marts 1776 og januar 1852. Ikke desto mindre betragtes den første som den almindeligt accepterede dato.

Oprindeligt blev Bolshoi-teatret bygget på Petrovskaya-pladsen og fik derfor navnet Petrovsky. Grundlæggeren af ​​teatret anses for at være prins Pyotr Vasilievich Urusov, der af Catherine II fik den højeste tilladelse til indholdet af koncerter, teaterforestillinger og maskerader.

Desværre brændte Petrovsky-teatret ned til jorden allerede før dets åbning, hvilket i høj grad forværrede Urusovs position. Prinsen overdrog sagerne til englænderen Michael Medox, som var hans følgesvend i lang tid. Petrovsky Theatre of Medox stod i femogtyve år, hvor det også gentagne gange brændte og oplevede oversvømmelser.

Så, i 1821, begyndte byggeriet af den grundlæggende bygning til Bolshoi-teatret, designet af Andrey Mikhailova og Osipa Beauvais som varede fire år.

Siden da, på trods af alle krige, brande og andre katastrofer i hjertet af hovedstaden, hæver et teater med otte søjler med Apollons vogn sig over portikken, der symboliserer livets og kunstens evige bevægelse.

Bolshoi-teatrets bygning er ikke mindre storslået indeni end udenfor. Auditorium i fem etager store scene, utrolig akustik, malerier i loftet, forgyldt stuk støbning, krystal flerlags lysekrone kæmpe størrelse og anden pragt af udsmykningen af ​​Bolshoi-teatret overraskede mere end én gang fantasien og inspirerede dramatikere, skuespillere, dansere, sangere, komponister og musikere.

På scenen i Bolshoi-teatret lyste stjernerne fra de store russiske ballerinaer, sangere, koreografer, musikere, komponister, skuespillere og andre repræsentanter for de kreative erhverv op. Derudover behandlede de store udenlandske kunstnere med særlig ængstelse tilbuddene om at optræde på Bolshoi-teatret.

Den første skuespiller betragtes som den græske Thesipus, der vandt en poesikonkurrence til ære for Dionysos.

I det 3. århundrede f.Kr. romerne, inspireret af græsk teater, skabte deres egne versioner af oldgræske skuespil og begyndte at iscenesætte dem på improviseret scener. Slaver optrådte som skuespillere i sådanne forestillinger. Kvinder måtte kun spille mindre roller... Efterhånden som romerske teatre skulle konkurrere om opmærksomheden fra publikum, der var vant til gladiatorkampe, offentlige henrettelser og stridsvogne, indeholdt stykkerne i stigende grad voldelige scener og grov humor. Med kristendommens udbredelse fik sådanne forestillinger en ende.

Fremkomsten af ​​middelalderens teater

Senere begyndte mysterierne at blive spillet under andre religiøse helligdage og præsenterede forskellige bibelske historier.

Renæssance teater

I 1576 blev den første teaterbygning bygget i London, før det blev alle stykker spillet på hoteller, på messeområdet eller midt i sale i slotte og adelige huse. Dronning Elizabeth I af England var nedladende for teaterkunsten; i den æra, der bærer hendes navn, dukkede de første professionelle dramatikere op, hvoraf den mest berømte er store Shakespeare, skuespillere, traditionen med at bruge rekvisitter og skifte kostumer under forestillingen. Det endelige klassiske teater blev dannet i midten af ​​det 18. århundrede.

Matryoshka-dukker betragtes som en oprindelig russisk souvenir og er derfor så populære blandt turister, der kommer til Rusland fra forskellige lande... Så meget desto mere interessant er det faktum, at disse træmalede figurer af elegante skønheder, indlejret i hinanden, har langt fra russiske rødder.

Den første russiske rededukke

Prototypen af ​​en munter, buttet russisk pige, legemliggjort i klassiske rededukker, blev bragt til Rusland fra Japan i begyndelsen af ​​det 19. århundrede. Souveniren fra solens land var indlejrede figurer af træ af den japanske vismand Fukuruma. De var smukt malet og stiliseret i ånden af ​​traditionerne i forfædrelandet for de moderne matryoshka-dukker.

En gang i Moskvas legetøjsværksted inspirerede den japanske souvenir den lokale drejer Vasily Zvezdochkin og kunstneren Sergei Malyutin til at skabe sådant legetøj. Håndværkere udskåret og malede lignende figurer, der passer ind i hinanden. Den første analog af en japansk souvenir var en pige i et tørklæde og en sundress, efterfølgende rededukker afbildede søde sjove børn - drenge og piger, på den sidste, ottende matryoshka, blev en svøbt baby tegnet. Mest sandsynligt fik det sit navn til ære for kvindenavnet Matryona, som var udbredt på det tidspunkt.

Sergiev Posad rededukker

Efter lukningen af ​​værkstedet i Moskva, i 1900, begyndte håndværkere at lave rededukker i Sergiev Posad i et pædagogisk demonstrationsværksted. Denne type folkehåndværk blev udbredt, ikke langt fra hovedstaden var der værksteder fra Epiphany, Ivanov, Vasily Zvezdochkin, der flyttede til Posad fra Moskva.

Over tid fik dette souvenirlegetøj en sådan popularitet, at udlændinge begyndte at bestille det fra russiske håndværkere: franskmændene, tyskerne osv. Sådanne rededukker var ikke billige, men der var noget at beundre! Maleriet af disse trælegetøj blev farverigt, udsmykket og varieret. Kunstnerne portrætterede russiske skønheder i lange solkjoler og malede tørklæder, med buketter af blomster, kurve og knuder. I begyndelsen af ​​det tyvende århundrede blev masseproduktionen af ​​rededukker til fremmede lande etableret.

Senere dukkede han-rededukker op, for eksempel, der forestillede hyrinder med pibe, overskægsbejlede bejlere, skæggede gamle mænd med kroge osv. Trælegetøj blev arrangeret efter en række principper, men mønsteret blev som regel nødvendigvis sporet - for eksempel blev matryoshka-brudgomme parret med matryoshka-brude og slægtninge.

Indlejrende dukker fra Nizhny Novgorod-provinsen

Tættere på midten af ​​det 20. århundrede spredte matryoshka sig langt ud over Sergiev Posad. Så i Nizhny Novgorod-provinsen dukkede håndværkere op, der lavede nestdukker i form af slanke høje piger i lyse semi-shirts. Og Sergiev Posad-håndværkere lavede dette legetøj i form af mere squat og storslåede unge damer.

Moderne rededukker

Matryoshka betragtes stadig som et af symbolerne på russisk kultur. Moderne rededukker er lavet i en række forskellige genrer: Ud over klassiske tegninger indeholder de portrætter af berømte politiske figurer, tv-værter, film- og popstjerner.

I Sergiev Posad, i Legetøjsmuseet, er der samlinger af rededukker af forskellige mestre fra begyndelsen og midten af ​​det 20. århundrede, såvel som de første rededukker malet kendt kunstner Sergei Malyutin.

Lignende videoer

Konflikt er et sammenstød af modsatrettede meninger, interesser og synspunkter. Det er designet til at hjælpe med at opfylde behov. V konfliktsituation hver side stræber efter at nå sit mål og løsningen af ​​sine problemer.

Hovedårsagerne til familiekonflikter: - et udækket behov for selvbekræftelse; - ægtefællers ønske om at opfylde deres personlige behov i ægteskabet; - manglende evne til at kommunikere med hinanden; - overdrevne materielle ambitioner; - tilstedeværelsen af ​​højt selvværd - et misforhold i synspunkter om opdragelse; - et misforhold i ideer om rollen som en mand, kone, far, mor og så videre; - forskellige typer temperament; - manglende vilje til at føre en dialog; - seksuel kulde hos en af ​​ægtefællerne; - jalousi hos en af ​​ægtefællerne; - utroskab; - dårlige vaner. Ledelsesspecialister identificerer følgende årsager til konflikter i teams: 1. Begrænsede ressourcer. Materielle, økonomiske og arbejdsmæssige ressourcer er altid begrænsede. Lederens opgave er den optimale fordeling af dem mellem de forskellige strukturelle afdelinger i organisationen. Men da det er ret vanskeligt at gøre dette på grund af konventionel fordelingskriterier, fører en sådan begrænset ressource uundgåeligt til forskellige slags konflikter. Indbyrdes afhængighed af opgaver. Alle virksomheder består af indbyrdes afhængige elementer, det vil sige, at én medarbejders arbejde afhænger af en andens arbejde. Hvis en individuel medarbejder eller enhed præsterer uhensigtsmæssigt, kan denne indbyrdes afhængighed skabe konflikt. Forskelle i overbevisninger, mål og værdier. Normalt i organisatoriske strukturer er der over tid en specialiseringsproces, det vil sige aktiviteter inden for et snævert felt. Som følge heraf begynder de tidligere strukturelle afdelinger at blive opdelt i mindre specialiserede enheder. Sådanne strukturer formulerer nye mål og begynder at fokusere på at nå dem, hvilket øger sandsynligheden for konflikt. Forskelle i livserfaring og opførsel. Mennesker er forskellige fra hinanden. Der er alt for aggressive, autoritære individer, som er ligeglade med andre. Det er disse, der oftest provokerer konflikter... Forskelle i erfaring, uddannelse, erhvervserfaring, alder øger risikoen for kollisioner 5. Dårlig kommunikation. Informationsoverbelastning, utilfredsstillende Feedback forvrængende beskeder. Sladder i teamet giver en særlig skarphed til konflikten. De kan fungere som en katalysator og forstyrre individuelle arbejdere forstå den virkelige situation. Andre almindelige problemer i overførsel af information er utilstrækkeligt klart udviklede jobansvar for medarbejderne, præsentation af gensidigt udelukkende jobkrav.

Kilder:

• Teamkonflikter: ondt eller godt

Tip 4: Oprindelsen af ​​dit efternavn: Sådan finder du ud af historien

Hver person værdsætter sit efternavn. Hver person ønsker før eller siden at afsløre hemmeligheden bag dens oprindelse. Vi vil finde ud af, hvad eksperter gør for at afsløre hemmeligheden bag efternavnets oprindelse.

Teatrets historie er menneskehedens verden

Teater i det antikke Grækenland

Oprindelsen af ​​oldgræsk drama og teater.

Forud for dramaets fremkomst i Grækenland kom en lang periode, hvor den dominerende plads først blev indtaget af eposet og derefter af teksterne. Vi kender alle de rige helteepiske digte "Iliaden" og "Odysseen", Hesiods didaktiske (instruktive) episke digte (VII århundrede f.Kr.); disse er værker af lyriske digtere fra det 6. århundrede. f.Kr.

Fødslen af ​​græsk drama og teater er forbundet med rituelle spil, der var dedikeret til landbrugets skytsguder: Demeter, hendes datter Kore og Dionysus. Tre genrer af oldgræsk drama voksede ud af rituelle spil og sange til ære for Dionysos: tragedie, komedie og satyrkomedie (så opkaldt efter omkvædet, som bestod af satyrer).

• Tragedien afspejlede den alvorlige side af den dionysiske kult.
• Komedie - karneval og satirisk.
• Satirovs drama blev præsenteret som en gennemsnitlig genre. Munter legende karakter og en lykkelig slutning bestemte sin plads ved helligdage til ære for Dionysos: satiredramaet blev iscenesat som en afslutning på præsentationen af ​​tragedier.

De tragiske ideers rolle i sociopolitisk og etisk uddannelse var enorm. Allerede i anden halvdel af det 6. århundrede f.Kr. tragedien har nået en betydelig udvikling. Oldtidens historie fortæller, at den første athenske tragiske digter var Thespides (VI århundrede f.Kr.). Den første iscenesættelse af hans tragedie (navnet er ukendt) fandt sted i foråret 534 f.Kr. ved den store Dionysios' fest. Dette år anses for at være året for verdensteatrets fødsel.

I komedien langt bredere end i tragedien blev hverdagens motiver blandet med mytologiske, som efterhånden blev fremherskende eller endda de eneste, selvom komedien generelt stadig blev betragtet som dedikeret til Dionysos. De improviserede scener var en elementær form for folkefarceteatret og blev kaldt mimer (oversat som "efterligning", "gengivelse"; udøverne af disse scener blev også kaldt mimer). Mimernes helte var folketeatrets traditionelle masker: en kommende kriger, en basartyv, en charlatan-videnskabsmand, en simpel mand, der narre alle osv.

Teater i Athen.

Oldtidens græske teaterkunst nåede sin højeste blomstring i værket af tre store tragedier fra det 5. århundrede f.Kr. - Aischylos, Sofokles, Euripides og komikeren Aristofanes, hvis aktiviteter strakte sig over begyndelsen af ​​det 4. århundrede. f.Kr. Andre dramatikere skrev på samme tid, men kun små brudstykker af deres værker er kommet ned til os, og nogle gange kun navne og sparsomme oplysninger.

Teater fra den hellenistiske æra.

Under den hellenistiske æra (VI-I århundreder f.Kr.) undergik det græske teater i den klassiske periode betydelige ændringer med hensyn til drama, skuespilpræstationer og teaterbygningens arkitektur. Disse ændringer er forbundet med nye historiske forhold. I den hellenistiske æras teater opføres stadig komedier og tragedier. Men fra tragedierne i det 4. århundrede. f.Kr. kun små fragmenter overlevede, og tilsyneladende kunstnerisk fortjeneste Hellenistiske tragedier var små. Der er meget mere data til rådighed for at bedømme komedie, eftersom et stykke og flere uddrag fra andre stykker af datidens største komedyograf, Menander, er nået til helheden.

Komedien fra den hellenistiske æra kaldes New Attic (eller New Attic) komedie. Kærlighedsmotivet spiller en vigtig rolle i den nye komedie. Forfatterne af den nye attiske komedie brugte i vid udstrækning den psykologiske teori om Aristoteles' studerende Theophrastus, ifølge hvilken alle karaktertræk er manifesteret i en persons udseende og i hans handlinger. Fysiognomiske beskrivelser af Theophrastus påvirkede utvivlsomt designet af masker, hvilket hjalp seerne til at genkende denne eller den karakter. Euripides' indflydelse er mærkbar i den nye komedie. Mange af hans heltes nærhed til livet, afsløringen af ​​deres følelsesmæssige oplevelser - det er, hvad den nye komedie tog fra Euripides.

Gammel græsk teaterarkitektur.

Oprindeligt var stedet for forestillingerne indrettet meget enkelt: Koret optrådte med sine chants og danse på en rund, ramponeret orkesterplatform (fra verbet orcheomai - "Jeg danser"), omkring hvilken publikum samledes. Men som betydningen af ​​teaterkunst i offentligheden og kulturliv Grækenland, og da dramaet blev mere komplekst, var der behov for forbedringer. Det bakkede landskab i Grækenland foreslog det mest rationelle arrangement af scenen og tilskuerpladser: orkestret begyndte at blive placeret ved foden af ​​bakken, og publikum var placeret langs skrænten.

Alle oldgræske teatre var åbne og rummede et stort antal tilskuere. Det athenske teater i Dionysos, for eksempel, kunne rumme op til 17 tusinde mennesker, teatret i Epidaurus - op til 10 tusinde. I det V århundrede. f.Kr. i Grækenland blev der dannet en stabil type teaterkonstruktion, karakteristisk for hele antikkens æra. Teatret havde tre hoveddele: orkester, theatron (sæder til tilskuere, fra verbet teaomai - "se") og skene (skene - "telt", senere en træ- eller stenbygning).

Teatrets størrelse blev bestemt af orkestrets diameter (fra 11 til 30 m) Skene var placeret tangentielt til orkestrets omkreds. Forvæggen på Skene-Proscenities, som normalt havde udseende af en søjlegang, afbildede facaden af ​​et tempel eller et palads. Skene var forbundet med to laterale strukturer, som blev kaldt paraskenia. Parascenias tjente som et sted til opbevaring af kulisser og andre teatralske ejendom. Mellem skena og tilskuerpladserne, som optog lidt mere end halvdelen af ​​kredsen, var der passager, hvorigennem tilskuere gik ind i teatret før forestillingens start, og derefter trådte kor og skuespillere ind i orkestret. I teatret i den klassiske periode var publikums opmærksomhed fokuseret på udviklingen af ​​handlingen, på heltenes skæbne og ikke på eksterne effekter. Indretningen af ​​det græske teater gav god hørbarhed. Derudover blev der i nogle teatre placeret resonanskar for at forstærke lyden blandt publikumspladserne. Der var intet gardin i det antikke græske teater, selvom det er muligt, at nogle dele af anmodningen i nogle stykker var midlertidigt lukket for publikum.

romersk teater

Oprindelsen af ​​det romerske teater.

Oprindelsen af ​​romersk teater og drama går tilbage, som i Grækenland, til rituelle spil rigt på karnevalselementer. Sådan er for eksempel Saturnalia-festivalen - til ære for den italienske guddom Saturn. Det særlige ved denne ferie var "væltning" af de sædvanlige sociale relationer: mestrene blev "slaver" i et stykke tid, og slaverne blev "herrer".

En af oprindelsen til romersk teater og drama var høstfesterne på landet. Selv i fjerne tider, hvor Rom var et lille samfund i Latium, blev der fejret helligdage i landsbyerne i forbindelse med høstens afslutning. På disse helligdage blev der sunget muntre, uhøflige sange-fessenniner. Som i Grækenland optrådte to semi-chorias normalt under denne proces og udvekslede vittigheder, nogle gange af sarkastisk indhold.

Efter at have opstået i stammesystemet eksisterede Fessenninerne i de efterfølgende århundreder, og i dem afspejledes ifølge Horace den sociale kamp mellem plebejere og patriciere. Sådan opstod saturaen (i oversættelse betyder "blanding"). Saturas var dramatiske scener i hverdagen og komisk karakter, herunder dialog, sang, musik og dans.

En anden type dramatiske forestillinger af en komisk karakter var Atellans, som blev lånt fra andre stammer, der beboede Appennin-halvøen, som Rom førte kontinuerlige krige med. Unge mennesker blev revet med af disse lege og begyndte at arrangere dem i ferierne. Atellan havde fire permanente tegneseriefigurer: Mack, Bukkon, Papp og Dossen. Atellanerne havde ikke en solid tekst, så da de blev opført, åbnede der sig et bredt spillerum for improvisation. Mimen går også tilbage til folkedramaet. Som i Grækenland gengav mimen scener fra folkelivet og parodierede nogle gange myter, der skildrede guder og helte i klovneagtig form. I Rom var der således omtrent de samme rituelle spil som i Det gamle Grækenland... Men folketeatrets udvikling gik ikke ud over dramatikkens svage rudimenter. Det skyldes den konservative levevis i det romerske liv og stærk modstand fra præsterne. Derfor tog der ikke form i Rom en selvstændig mytologi, som i Grækenland fungerede som kunstens "jord og arsenal" inklusive drama.

Romersk teater fra republikkens æra.

Romerne tog det færdige litterære drama fra grækerne og oversatte det til latin og tilpassede det til deres begreber og smag. Efter den sejrrige afslutning på den første puniske krig, ved de festlige lege i 240 f.Kr., blev det besluttet at opføre en dramatisk forestilling. Produktionen blev betroet til grækeren Livy Andronicus, som var i slaveri hos den romerske senator, som gav ham det latinske navn Livy. Efter at være blevet løsladt blev han i Rom og begyndte at undervise i græsk og latin sønner af den romerske adel. Denne lærer iscenesatte en tragedie og sandsynligvis også en komedie ved spillene, som han omarbejdede fra det græske eksemplar eller måske blot oversatte fra græsk til latin. Denne produktion gav det første skub til udviklingen af ​​det romerske teater.

Fra 235 f.Kr dramatikeren Gnei Neviy begynder at iscenesætte sine stykker. Den yngre samtidige af Nevi Titus Maktsiy Plavt. Hans arbejde hører til den periode, hvor Rom fra et landbrugssamfund forvandler sig til den stærkeste stat - først Appennin-halvøen, og derefter hele Middelhavsområdet. Publius Terence Afr der ligesom Plautus arbejdede i genren palliativer, tilhørte næste generation af dramatikere. Terence kan kaldes forløberen for det nye europæiske drama. Det europæiske teater har gentagne gange vendt sig mod hans arbejde. Indflydelsen af ​​hans komedier "Formion" og "The Brothers" mærkes i Molieres værk.

Romersk teater fra den kejserlige æra.

I det 1. århundrede f.Kr. faldt republikken i Rom. Efter mordet på Cæsar og sejren over Antonius i 31 f.Kr. Octavian blev kejser i Rom, som senere fik det æres tilnavn Augustus ("Hellig"). August var udmærket klar over teatrets samfundsmæssige betydning og bidrog på alle mulige måder til dets udvikling. Først og fremmest ønskede Augustus at genoplive tragedien af ​​den græske type på den romerske scene, idet han så den som et middel til at forbedre og opdrage sine borgeres moral. Disse forhåbninger af Augustus blev støttet af en af ​​de fremtrædende romerske digtere, Horace, og afspejles i hans Science of Poetry. Men alle bestræbelser fra Augustus på at genoplive den seriøse genre på den romerske scene var forgæves.

Fra kejsertidens tragedie er der intet kommet ned til os undtagen filosoffen Senecas tragedier. Lucius Anneas Seneca var lærer for kejser Nero, på et tidspunkt havde han ledende stillinger i staten under ham, men derefter blev han anklaget for sammensværgelse mod kejseren og begik efter ordre fra Nero selvmord ved at åbne sine egne årer. Seneca begyndte at skrive tragedier i de sidste år af sit liv, da Neros holdning til ham ændrede sig, og han blev tvunget til at udtrykke sine synspunkter om den eksisterende orden mere omhyggeligt.

Tilrettelæggelse af teaterforestillinger.

Forestillinger blev iscenesat i Rom under forskellige helligdage... Skuespillene blev opført ved de patricier-romerske lege, der blev afholdt i september til ære for Jupiter, Juno og Minerva; ved Apollo Games i juli. Der var ingen permanent teaterbygning i Rom før midten af ​​det 1. århundrede. f.Kr.; dets konstruktion blev modarbejdet af det konservative senat. Til præsentation blev der normalt opstillet en træplatform, en halv mandshøjde, ved forummet. En smal trappe på 4-5 trin førte til scenen, langs hvilken skuespillerne kravlede op på scenen.

I tragedien fandt handlingen sted foran paladset. I komedier afbildede sceneriet næsten altid en bygade med facaderne af to eller tre huse mod den, og handlingen fandt sted foran huset. Publikum sad på bænke foran scenen. Men nogle gange forbød senatet at arrangere pladser i disse midlertidige teatre: at sidde ved forestillingerne var efter senatets mening et tegn på kvindelighed. Hele strukturen bygget til teatralske spil brød sammen umiddelbart efter deres færdiggørelse.

Begivenheden for Rom var fremkomsten af ​​det første permanente teater bygget af sten. Dette teater blev bygget i 55 f.Kr. Med Pompejus den Stores vrede og rummede op til 40 tusinde mennesker. I slutningen af ​​det 1. århundrede. f.Kr. i Rom blev der bygget yderligere to stenteatre: Balba-teatret og Marcellus-teatret. Fra sidstnævnte har resterne af ydervæggen, opdelt i tre etager, som svarer til de tre indre etager, overlevet den dag i dag.

Middelalderens Teater

Liturgisk og semi-liturgisk drama.

Kirkedrama blev en af ​​den tidlige middelalders teaterkunsts former. I kamp mod resterne af det gamle teater, mod landlige spil, søgte kirken at bruge effektiviteten af ​​teatralsk propaganda til sine egne formål.

Allerede i det 9. århundrede blev messen dramatiseret, et ritual med læsning af episoder fra legenderne om Kristi liv, om hans begravelse og opstandelse blev udviklet. Ud fra disse dialoger fødes et tidligt liturgisk drama. Der var to cyklusser af et sådant drama - jul, der fortæller om Kristi fødsel, og påske, som formidler historien om hans opstandelse. I det juleliturgiske drama blev der sat et kors midt i kirken, derefter blev det svøbt i sort klæde, hvilket betød begravelsen af ​​Herrens legeme.

Med tiden bliver det liturgiske drama mere komplekst, "skuespillernes" kostumer diversificeres, og "instruktørinstruktioner" skabes med en nøjagtig indikation af testen og bevægelserne. Alt dette gjorde præsterne selv. Arrangørerne af liturgiske forestillinger akkumulerede iscenesættelseserfaring og begyndte dygtigt at vise folket Kristi himmelfart og andre evangeliske mirakler. Når man nærmede sig livet og brugte iscenesatte effekter, tiltrak det liturgiske drama ikke længere, men distraherede sognebørnene fra gudstjenesten. Genrens udvikling var fyldt med dens selvdestruktion. Da de ikke ønsker at opgive teatrets ydelser og ikke kan klare det, trækker de kirkelige myndigheder det liturgiske drama tilbage under hvælvingerne i kirkerne på våbenhuset. Et semi-liturgisk drama er ved at opstå. Og her faldt kirketeatret, der formelt var præsternes nåde, under indflydelse af byens folkemængde. Nu dikterer hun allerede sin smag til ham, får ham til at optræde på messedagene og ikke på kirkelige helligdage, skifte helt til sit modersmål, forståeligt for mængden. For at tage sig af succesen begyndte kirkemændene at udvælge mere hverdagslige handlinger, og de bliver materiale til et semi-liturgisk drama bibelske fortællinger underlagt dagligdags fortolkning. Bibelske legender er blevet udsat for poetisk bearbejdning gennem tiden. Tekniske innovationer introduceres også: princippet om samtidig dekoration er endelig etableret, når flere handlingsscener vises på samme tid; antallet af tricks stiger. Trods alt dette fortsatte kirkedramaet med at bevare et tæt forhold til kirken. Dramaet blev iscenesat på våbenhuset, ved kirkens fonde, dets repertoire var komponeret af præster (selvom deltagerne i forestillingerne sammen med præster og lægfolk). Således fantasifuldt kombineret gensidigt udelukkende elementer, har kirkedramaet eksisteret længe.

Sekulært drama.

Begyndelsen på den realistiske retning

De første spirer af en ny realistisk retning er forbundet med navnet på troubaduren (troubaduren) Adam de La Halle (ca. 1238-1287) fra den franske by Arras. De La Halle var passioneret omkring poesi, musik og teater. Han boede i Paris og i Italien (ved Charles af Anjous hof) og blev ret almindelig kendt som digter, musiker og dramatiker.

I det 13. århundrede var den komiske strøm dog allerede overdøvet af miraklernes teater, der også havde livsbegivenheder som tema, men vendte sig mod religion.

Mirakel.

Selve navnet Miracle kommer fra det latinske ord for "mirakel". Faktisk blev alle konflikter, nogle gange meget skarpt afspejlende modsætninger i livet, i denne genre løst takket være indgreb fra guddommelige kræfter - St. Nicholas, Jomfru Maria osv. Tiden selv er det XIV århundrede, fuld af krige, folkelige uroligheder og umenneskelige repressalier, - forklarer udviklingen af ​​en så kontroversiel genre som mirakler. Det er ikke tilfældigt, at miraklet, der sædvanligvis begyndte med en fordømmende skildring af virkeligheden, altid endte med et kompromis, en handling af omvendelse og tilgivelse, som praktisk talt betød forsoning med de netop viste grusomheder, for det antog en mulig retfærdig person i ethvert skurk. Dette passede både til borgerbevidstheden og kirken.

Mysterium.

Mysterieteatrets storhedstid var det 15.-16. århundrede, tiden for byernes hurtige opblomstring og forværringen af ​​sociale modsætninger. Byen har allerede stort set overvundet feudal afhængighed, men er endnu ikke faldet ind under en absolut monarks styre. Mystik var udtryk for opblomstringen af ​​middelalderbyen og dens kultur. Det voksede ud af de såkaldte "Mimic Mysteries" - byoptog til ære for religiøse helligdage, til ære for kongers højtidelige besøg. Fra disse festivaler tog et friluftsmysterium gradvist form ved hjælp af den tidlige erfaring fra middelalderteater. Opførelserne af mysterierne var ikke organiseret af kirken, men af ​​byens værksteder og kommuner. Forfatterne var figurer af en ny type - teologer, advokater, læger. På trods af at forestillingerne blev instrueret af byens højeste borgerskab, var Mysterierne en massiv amatørkunst i det fri. Hundredvis af mennesker deltog i forestillingerne.

Mysteriet viste verdens skabelse, Lucifers oprør mod Gud, bibelske mirakler. Mystery udvidede det tematiske udvalg af middelalderteater, akkumulerede en enorm sceneoplevelse, som blev brugt af efterfølgende genrer fra middelalderen. Udøveren af ​​mysteriet var byens folk. Udvalgte afsnit af en kæmpe teaterforestilling udført af repræsentanter for forskellige bylaug. Samtidig gav mysteriet mulighed for, at hver profession kunne udtrykke sig så fuldt ud som muligt. Mysterierne udviklede teatralsk teknik, etablerede smag for teater blandt folket og forberedte nogle af træk ved renæssancedramaet. Men i 1548 blev mysteriesamfund, især udbredt i Frankrig, forbudt at vise mysterier: mysterieteatrets kritiske komedielinje var blevet for håndgribelig. Årsagen til dødsfaldet er også, at den ikke fik støtte fra de nye, progressive samfundskræfter.

Reformationsbevægelse

Antifeudal karakter

Reformationen udspillede sig i Europa i det 16. århundrede. Den var af antifeudal karakter og tog form af en kamp mod feudalismens ideologiske støtte - den katolske kirke.

Reformationsbevægelsen bekræfter princippet om "personligt fællesskab med Gud", princippet om personlig dyd. I hænderne på de velstillede borgere bliver moralen et våben i kampen mod både feudalherrerne og de fattige bymasser. Ønsket om at give hellighed til det borgerlige verdensbillede giver anledning til moralens teater.

Moral.

Moralit frigjorde moraliseringen fra både religiøse emner og dagligdags distraktioner og opnåede efter at have isoleret sig en stilistisk enhed og en stor didaktisk orientering.

Farce.

Markedsfarcen skiller sig ud som en selvstændig teatergenre fra anden halvdel af 1400-tallet. Han var dog nået en lang vej i latent udvikling før det. Selve navnet kommer fra det latinske farta ("fyldning"). Faktisk skrev arrangørerne af mysterierne ofte: "Indsæt en farce her." Muntere Maslenitsa-forestillinger og folkeforestillinger giver anledning til "dumme virksomheder" - en sammenslutning af små retsembedsmænd, forskellige bybohemer, skolebørn og seminarister. I det 15. århundrede spredte klovnesamfund sig over hele Europa. Der var fire store organisationer i Paris, og der blev regelmæssigt afholdt parader af deres farcepræstationer. I disse parader blev biskoppernes taler, dommernes ord, kongernes indgange til byen latterliggjort. Som svar på dette forfulgte de verdslige og åndelige autoriteter farcerne, fordrev dem fra byen og smed dem i fængsler. Farce er med alt dets indhold og kunstneriske struktur vendt til virkeligheden. Han gør grin med plyndresoldater, afladshandlermunke, arrogante adelsmænd, nærige købmænd. Skarpt bemærkede og skitserede karaktertræk bærer satirisk skærpet livsmateriale. Hovedprincipperne i skuespilkunsten for farcere var karakter, bragt til en parodisk karikatur og dynamik, der udtrykte udøvernes selv aktivitet og munterhed. Monarkistisk og kirkelig magt angreb i stigende grad byernes fritænkning og en af ​​dens former - farceteater.

Farce havde stor indflydelse på videre udvikling teater Vesteuropa... Commedia dell'arte blev født ud af farce i Italien; i Spanien - værket af "faderen til det spanske teater" Lope de Rueda; i England skrev John Gaywood sine mellemspil som en farce, i Tyskland Hans Sachs; i Frankrig nærede farcetraditioner geniet Molieres og den store Shakespeares kunst.

Det var farcen, der blev bindeleddet mellem det gamle og det nye teater.

Nyt teater

Teater (fra det græske. Theatron - et sted for et show, et show). Det generiske teaterbegreb er underopdelt i typer af teaterkunst: dramateater, opera, ballet, pantomimeteater osv. Oprindelsen af ​​udtrykket er forbundet med oldtidens græske teater, hvor netop stederne i auditoriet blev kaldt. Men i dag er betydningen af ​​dette udtryk ekstremt forskelligartet.

Under oplysningstiden blev overgangen til moderne kultur... En ny livsstil og tænkning tog form, hvilket betyder, at den nye kulturtypes kunstneriske identitet også ændrede sig. Navnet "Oplysningstiden" karakteriserer godt denne bevægelses generelle ånd inden for kultur- og åndelig liv, som har til formål at erstatte synspunkter baseret på religiøse eller politiske autoriteter med dem, der følger af menneskesindets krav.

XVIII århundrede gav verdenskulturen sådan vidunderlige kunstnere og teaterteoretikere som Sheridan i England, Voltaire, Diderot, Beaumarchais i Frankrig, Lessing, Goethe, Schiller i Tyskland, Goldoni i Italien. Fornuftens herredømme førte til, at oplysningernes kunst led af rationalitet, en rationel analyse af livet krævede ordnede former.

Oplysningerne, der så menneskeidealet i en harmonisk personlighed, kunne dog ikke negligere følelseskravene, når det gjaldt kunsten. Oplysningstidens Teater bemærkelsesværdigt udtrykt både i indhold og metode Et nyt udseende til en verden, der var passende til tiden.

Teater i oplysningstiden i England.

Publikum af teatre i det 18. århundrede blev meget mere demokratisk. Simple bænke til byboerne blev installeret i parterren. Riven var fyldt med tjenere, elever og små håndværkere. Under forestillingerne var publikum meget aktive og reagerede animeret på det, der blev vist på scenen.

I England kritiserede oplysningstidens teater således lasterne i det fremvoksende borgerlige system. En ny ideologisk doktrin om teatret opstår: tilskuerens sociale og moralske opdragelse. Denne doktrin passede perfekt ind i de puritanske traditioner i England - senere blødgjorde puritanerne deres position i forhold til teaterkunsten og kæmpede ikke mod teatret som sådan, men for dets reformation: udryddelsen af ​​umoral og transformationen af ​​teatret til et teater. samfundsnyttig institution.

Teaterreformationens programmatiske dokument var den puritanske teolog Jeremy Colliers afhandling mod det aristokratiske teater A Brief Survey of the Immorality and Wickedness of the English Stage (1698). Denne afhandling definerede det engelske teaters betonede moralisering og didaktik gennem det meste af det 18. århundrede. I denne ånd er kreativiteten hos sådanne dramatikere som Joseph Addison (Cato, trommeslager), Richard Steele (løgner-elsker eller kvindevenskab; ubekymret mand), Samuel Johnson (Irene), Collie Cibber (bekymringsfri mand; hans sidste væddemål). kone; irriteret mand).

I 1731 udgav dramatikeren George Lillo i forordet til sit skuespil The London Merchant eller The History of George Barnwell et manifest for et nyt æstetisk program - en realistisk teori om filisterdrama. Han er imod tragediens klassebegrænsninger, som kun gjorde højtstående personligheder til sine helte. Uden at skjule sin modvilje mod aristokratiet kræver han, at tragedien bliver en kanal for bourgeoisiets moralske ideer. Ti år tidligere, i 1721, dukkede et anonymt skuespil "Fatal Madness" op i England, skrevet om et af filisterdramaets yndlingstemaer - om de destruktive konsekvenser af spillelidenskab. Så gik stykket næsten ubemærket hen – tiden for en ny genre var endnu ikke kommet. Men nu begyndte den borgerlige problematik at nyde stor publikumsefterspørgsel.

Satiriske tendenser i drama blev med succes udviklet af Henry Fielding ("Don Quixote i England"; "Grabstreets opera eller med en kone under skoen"; "Historisk kalender for 1736"). Alvoren af ​​den satiriske fordømmelse førte i 1737 til offentliggørelsen af ​​en regeringslov om teatralsk censur, som satte en stopper for den politiske satire. Dramatikeres og pædagogers opmærksomhed fokuserede på sædvanernes komedie, som i det mindste gjorde det muligt for social satire. De mest interessante værker fra denne periodes komedie tilhører pennen af ​​Oliver Goldsmith (Good-moded; Night of errors) og Richard Sheridan (Rivals; School of Backbiting).

Den bedste repræsentant for den engelske kunstneriske kunst var den berømte David Garrick (1717-1779), en humanist og pædagog på scenen. Han promoverede med succes Shakespeares drama og spillede rollerne som Hamlet, Lear og andre.

Slutningen af ​​det 18. århundrede præget i England af fremkomsten af ​​en ny genre - tragedien om "mareridt og rædsler", som var forløberen for den nye æstetisk retning- romantik. Skaberen af ​​denne genre var Horace Walpole. Selvom han kun ejer ét skuespil - "Den mystiske moder" (1768), som skildrer historien om incestuøs lidenskab, havde forfatteren stor indflydelse på førromantisk og romantisk drama.

fransk teater XVIII århundrede.

Demokratiseringsprocessen af ​​samfundet i oplysningstiden gav anledning til en ny dramatisk genre - det borgerlige drama, hvis skabere i Frankrig var D. Diderot, M. Zh. Seden, L. S. Mercier.

Manglerne ved det filisterske drama og den "tårende komedie" blev overvundet i komedier af P. O. Beaumarchais " Barber fra Sevilla"(1775) og" Figaros ægteskab "(1784), hvori med ny styrke Molieres traditioner blev genoplivet, og de bedste træk ved oplysningens æstetik blev legemliggjort.

Oplysningsdramaets heroiske og borgerlige forhåbninger blev tydeligst afsløret i perioden med den franske borgerlige revolution i slutningen af ​​det 18. århundrede. M. J. Cheniers tragedier, gennemsyret af antifeudal patos (Charles IX, 1789, Henry VIII, 1791, Jean Calas, 1791, Kai Gracchus, 1792), var eksempler på den revolutionære klassicismes drama.

I Frankrig fortsatte filosoffen og pædagogen Voltaire med at tage fat på brændende sociale spørgsmål i sit drama og afsløre despoti, og fortsatte med at udvikle tragediegenren.

Samtidig blev den komedie-satiriske tradition fastholdt på den franske scene. Så Lesage (1668-1747) i komedien "Türkare" kritiserede ikke kun den forfaldne adel, men også det ågerborgerskab. Han stræbte efter at skabe komedier til folketeateret.

En anden pædagog og dramatiker, Denis Diderot (1713-1784), forsvarede sandhed og naturlighed på scenen. Ud over en række skuespil ("The Bastard Son", "Father of Family" osv.) skrev Diderot afhandlingen "The Paradox of the Actor", hvor han udviklede teorien om skuespil.

I produktionerne af Voltaires pædagogiske tragedier er der opstået skuespillere af en ny type, der er i stand til at udtrykke den borgerlige patos af heroiske og fordømmende temaer.

Messe- og boulevardteatre spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​oplysningstidens teater i Frankrig. Genren af ​​det retfærdige teater var pantomime, farcer, moral, fastakhtspili, hvis forestillinger var baseret på improvisationens kunst. Det var forestillinger, ofte af satirisk plan, med elementer af det groteske og bøvl, fyldt med uforskammet humor. Messerne bød også på rebetdansere, jonglører, trænede dyr - prototyper af cirkusskuespillere. De gjorde udstrakt brug af parodi og satire. Denne kunsts demokratiske karakter fremkaldte angreb på den fra privilegerede teatre.

Dannelse af det tyske teater.

Den sande skaber af det tyske nationalteater var den mest fremtrædende tyske forfatter og pædagog Gothold-Ephraim Lessing (1729 -1781). Han skabte den første tyske nationalkomedie "Minna von Barnholm", den antifeudale tragedie "Emilia Galotti" og en række andre dramatiske værker. I den pædagogiske tragedie Nathan den Vise talte forfatteren imod religiøs fanatisme.

I den berømte bog "Hamburg Drama" skitserede Lessing sine domme om æstetik og dramateori. G.E. Lessing - skaberen af ​​socialt drama, national komedie og pædagogisk tragedie, teoretikeren af ​​teatret, grundlæggeren af ​​den realistiske tendens i det tyske teater i det 18. århundrede.

Pædagogiske ideer havde stor indflydelse på tysk skuespil og bragte det tættere på realismen. Den mest fremtrædende skuespiller i Tyskland i disse år var Friedrich Ludwig Schroeder (1744-1816), forbundet med ideerne om "storm og stormløb". I 70'erne. XVIII århundrede i tysk kunst opstod en ny trend kaldet "storm og stormløb".

Den afspejlede bevægelsen i de mest avancerede, revolutionært indstillede kredse af bourgeoisiet, som kæmpede mod feudalisme og enevælde. De største tyske digtere og dramatikere Goethe og Schiller deltog i denne bevægelse. I 1777 blev Mannheim Nationalteatret åbnet, som blev et af de største tyske teatre i 80'erne og 90'erne. I det 18. århundrede udviklede skuespilleren, instruktøren og dramatikeren A.V. Ifflands aktiviteter sig der. Han plantede på Mannheim-scenen borgerligt-filistersk drama (hans egne skuespil såvel som A. Kotzebues skuespil), som bestemte teatrets kreative ansigt.

I slutningen af ​​1700-tallet. udviklingen af ​​tysk teater er forbundet med de store tyske dramatikere I. V. Goethes og F. Schillers aktiviteter i Weimar-teatret. Her for første gang i Tyskland blev iscenesat større værker verdens klassiske drama (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire m.fl.), grundlaget for instruktionskunsten blev lagt, princippet om skuespillerensemblet, underordnet et enkelt kunstnerisk koncept, blev implementeret.

Goethe i sit teoretisk program og kunstnerisk praksis, bekræftede han principperne for at skabe et monumentalt teater, der opfyldte de strenge normer for gammel kunst. "Weimar-skolen" for skuespil var det modsatte af Mannheim og lå tæt på klassicisten.

italiensk teater.

På trods af dets økonomiske og politiske tilbageståenhed var Italien kendetegnet ved teaterlivets rigdom og mangfoldighed. Ved det XVIII århundrede. Italien besad det bedste musikteater i verden, hvor der skelnes mellem to typer - seriøs opera og komisk opera(opera buff). Der var et dukketeater, og forestillinger af commedia dell'arte blev opført overalt.

Reformen af ​​dramateatret har dog været under opsejling længe. I oplysningstiden opfyldte den improviserede komedie ikke længere tidens krav. Der var brug for et nyt, seriøst, litterært teater. Maskekomedien kunne ikke eksistere i sin tidligere form, men dens resultater skulle bevares og omhyggeligt overføres til det nye teater.

Oplysningernes ideers indtrængen i det italienske teater blev ledsaget af en lang kamp mod formalisme og mangel på ideer på scenen. Fornyeren i Italien var den bemærkelsesværdige dramatiker Carlo Goldoni (1707-1793). Han lavede ny komedie tegn. I stedet for improvisation tog forestillingen udgangspunkt i en litterær tekst.

Anden halvdel af det 18. århundrede gik over i Italiens historie som tid for teaterkrige. Abbed Chiari, en middelmådig dramatiker og derfor ikke farlig, modarbejdede ham, men Carlo Gozzi blev hans hovedmodstander, lige med ham i talent. Gozzi forsvarede maskernes teater og satte opgaven med at genoplive traditionen med improviseret komedie. Og på et tidspunkt så det ud til, at det lykkedes. Og selvom Goldoni efterlod plads til improvisation i sine komedier, og Gozzi selv til sidst indspillede næsten alle sine dramatiske kompositioner, var deres strid hård og kompromisløs. Da hovednerven i konfrontationen mellem de to store venetianere ligger i deres uforenelighed offentlige stillinger, i forskellige syn på verden og mennesket.

Carlo Gozzi (1720-1806) var en talentfuld dramatiker. I et forsøg på at modsætte sit repertoire til Goldonis komedier udviklede Gozzi genren teatralsk eventyr. Sådan er hans skuespil "The Love for Three Oranges", "The Deer King", den berømte "Prinsesse Turandot", "The Snake Woman" og andre. Takket være den rige ironi og saftige humor er talentfulde eventyr til Gozzi-scenen populære i dag.

Den største forfatter til tragedierne var Vittorio Alfieri. Fødslen af ​​den italienske repertoiretragedie er forbundet med hans navn. Han skabte tragedien med civilt indhold næsten alene. En lidenskabelig patriot, der drømte om befrielsen af ​​sit hjemland, var Alfieri imod tyranni. Alle hans tragedier er gennemsyret af den heroiske patos i kampen for frihed.

Alfieri argumenterede for, at folket skulle modtage frihed fra aristokratiets hænder, hævdede den menneskelige persons frihed, hvis vilje kun er underlagt fornuft og pligtfølelse. I sin afhandling On the Sovereign and Literature (1778-86) definerede Alfieri opgaven med dramatisk poesi som at vække følelser af dyd og kærlighed til frihed. Alfieris tragedier Saul, Philip, Virginia, Brutus I og Brutus II bidrog til udviklingen af ​​italiensk teater.

Dansk Oplysningsteater.

Professionelt teater i Danmark opstod i det 18. århundrede, dets tilblivelse var forårsaget af landets økonomiske og kulturelle udvikling. Den 23. september 1722 blev teatret “Den danske Scene” åbnet i København med stykket “Grien”, og snart var premieren på L. Holbergs første komedie “Blikmanden Politikeren”.

I 1728 sikrede repræsentanter for hofkredsene lukningen af ​​Den Danske Scene. Teatret genoptog sit arbejde først i 1748 (indendørs på Royal Square). I 1770 fik det titel af kongelig og kom under hofministeriets jurisdiktion. I anden halvdel af 1700-tallet. teatret iscenesatte zingspili, I. Ewalds komedier, Voltaires tragedier og hans danske epigoner, men Holbergs dramaturgi var fortsat grundlaget for teatrets repertoire.

En fremtrædende rolle i at fremme oplysningstidens ideer i Danmark spillede værket af J. Kh. Wessel, forfatteren til paroditragedien Kærlighed Uden Strømper (1772), som videreførte Holbergs traditioner.

Oplysningstidens teater er et af de lyseste og mest betydningsfulde fænomener i hele verdenskulturens historie; det er en stærk kilde til europæisk teaterkunst - for alle tider. Det nye teater blev født ud af behovet for at overføre ungdommelig energi til handling. Og hvis du stiller dig selv spørgsmålet om, hvilken kunstsfære denne handling skulle have strømmet ind i, dette hav af sjov, så er svaret klart: selvfølgelig på teatersfæren.

I løbet af det XVIII århundrede levede det europæiske teater et langt og kompliceret liv. Æstetiske normer, som blev betragtet som absolutte, har mistet deres tidligere betydning i løbet af denne tid. Meninger og smag har været i ubarmhjertig konfrontation i et århundrede, auditorier blev mere end én gang til en arena for sociale sammenstød. Forfatterne var politiske modstandere, som for første gang erfarede, at der også kunne eksistere en hård kamp i deres kunst.

Teater som kunstform er ikke bevaret i sådanne materielle monumenter som maleri og skulptur, som litteratur- og musikværker. Men teatrets historie fortæller om fortidens store skuespillere, hvordan de spillede, hvilke forhåbninger fra deres samtidige de legemliggjorde i deres skuespil, hvilke krav fra tiden de reagerede på.

Teaterlivet Rusland XIXårhundrede.

I begyndelsen af ​​det 19. århundrede blev der dannet et netværk af russiske kejserlige teatre, som blev kontrolleret
"Af ministeriet for hoffet af Hans Kejserlige Majestæt." Retten underordnede tre teatre i Skt. Petersborg - Alexandria, Mariinsky og Mikhailovsky - og to i Moskva - teatrene Bolshoi og Maly.

Med fremkomsten af ​​skuespillene af A.N. Ostrovsky, I.S. Turgenev, prosa af F.M. Dostojevskijs poesi Nekrasov-realismen kom til russisk kultur.

Skuespillerkunsten har ændret sig sammen med dramaet og bryder gamle ideer om, hvad der er sandt på scenen. Den 16. november 1859 var premieredagen på Maly Theatre of Ostrovskys "Tordenvejret". En storm brød ud omkring skuespillet. Den første performer af rollen som Katerina var den vidunderlige skuespillerinde L.P. Nikulina - Kositskaya. Med Ostrovskys skuespil brager elementet af det russiske liv ind på scenen, et nyt, saftigt og moderne sprog. I Ostrovskys skuespil skinnede Malys skuespillere gennem alle de efterfølgende årtier. G.N. Fedotova, M.N. Ermolova er vidunderlige skuespillerinder fra Maly Theatre.

Russiske kunstnere fra første halvdel af det 19. århundrede M.S. Shchepkin, P.S. Mochalov, V.A. Karatygin forblev i hukommelsen af ​​efterkommere som figurer fra en legende. Shchepkin spillede næsten 600 roller i skuespil af Shakespeare, Moliere, Gogol, Ostrovsky og Turgenev. Han var en af ​​de første til at hævde realisme i det russiske teater, han skabte sandheden på den russiske scene.

Mochalov er det stik modsatte af Shchepkin. Han spillede hovedrollerne i skuespil af russisk og vestlig drama - Hamlet Shakespeare, Karl Moor i Schillers drama The Robbers, Chatsky i Woe From Wit.

I forestillingerne skabte russiske skuespillere billeder, der er gået over i teaterkunstens historie. Publikum beundrede Ekaterina Semyonova, Alexei Yakovlev. Disse skuespillere reinkarnerede fuldstændigt i den repræsenterede person. Gradvist begyndte Maly Theatre at specialisere sig i dramatiske produktioner, og Bolshoi i opera og ballet.

Bolshoi Petrovsky Theatre 1825-1853

Åbningen af ​​Bolshoi Petrovsky Theatre den 6. januar 1825 blev indrettet meget højtideligt. Tilskuerne, der besøgte det nye teater den aften, var chokerede over det arkitektoniske koncepts adel og dens udformning, bygningens hidtil usete skala og skønheden i udsmykningen af ​​dets auditorium.

Forfatteren Sergei Aksakov huskede: "Bolshoi Petrovsky-teatret, der dukkede op fra de gamle, brændte ruiner ... forbløffede og glædede mig ... Den storslåede enorme bygning, udelukkende dedikeret til min yndlingskunst, bragte mig ved selve dets udseende i glæde. spænding..."

Inden forestillingens start tilkaldte publikum teatrets bygmester, Osip Bove, til scenen og belønnede ham med klapsalver.

En overskyet frostklar morgen den 11. marts 1853 startede der af ukendt årsag en brand i teatret. Flammerne opslugte øjeblikkeligt hele bygningen, men ilden rasede med største kraft på scenen og i auditoriet. "Det var skræmmende at se på denne kæmpe indhyllet i ild," beskrev et øjenvidne ilden. "Da den brændte, forekom det os, at en kær mand døde for vores øjne og gav os de smukkeste tanker og følelser .. ."

I to dage kæmpede muskovitter med flammerne, og for den tredje lignede teaterbygningen ruinerne af det romerske Colosseum. Resterne af bygningen ulmede i omkring en uge. Ilden ødelagde uigenkaldeligt teatralske kostumer, der var blevet indsamlet siden slutningen af ​​det 18. århundrede, fremragende scenesæt til forestillinger, truppens arkiv, en del af musikbiblioteket og sjældne musikinstrumenter.

Projektet af den nye teaterbygning, tegnet af professor A. Mikhailov, blev godkendt af kejser Alexander I i 1821, og dets opførelse blev betroet arkitekten Osip Bove.

Et af de største teatre i Europa, det blev bygget på stedet for en udbrændt teaterbygning, men facaden vendte ud mod Teaterpladsen ...

Bolshoi Theatre (1856-1917)

Den 20. august 1856 blev det restaurerede Bolshoi Teater åbnet i nærværelse af Royal familie og repræsentanter for alle stater med operaen "Puritane" af V. Bellini fremført af den italienske trup. Moskva-balletten i denne periode skylder sine succeser til franskmanden Marius Petipas talent, som slog sig ned i St. Petersborg. Koreografen kom til Moskva flere gange for at iscenesætte forestillinger. Det mest betydningsfulde af hans Moskva-værker var "Don Quixote" af L. Minkus, første gang vist i 1869. Petipa overførte senere Moskva-versionen af ​​denne ballet til Skt. Petersborg-scenen.

P. Tjajkovskijs arbejde var af stor betydning for udviklingen af ​​scenekulturen. Debuter af komponisten i operamusik - "Voevoda" (1869) og ballet - " Svane sø"(1877) fandt sted på Bolshoi-teatrets scene. Operaen "Eugene Onegin" (1881) fik sin egentlige fødsel her, den første prøve på store scene efter konservatorieforestillingen 1879; for første gang så operaen Mazepa (1884), en af ​​højdepunkterne i komponistens operaiske kreativitet, dagens lys; den endelige version af operaen "Smeden Vakula", som blev omdøbt til Cherevichki i 1887-produktionen.

Den første forestilling af folkedramaet Boris Godunov af I. Mussorgsky den 16. december 1888 blev en mindeværdig forestilling i teatrets annaler. Den første af N. Rimsky-Korsakovs operaer var The Snow Maiden (1893), og derefter The Night Before Christmas (1898) så lyset af Bolshoi Teatrets fodlys. I samme 1898 viste teatret for første gang publikum operaen af ​​A. Borodin "Prins Igor", og to år senere stiftede de koreografiske kunstelskere bekendtskab med A. Glazunovs ballet "Raymonda".

Operatruppen i teatret i slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​det XX århundrede tæller mange fremragende sangere. Blandt de herlige navne fra tidligere år - Evlalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov osv. og i udlandet - Leonid Sobinov, Fedor Chaliapin, Antonina Nezhdanova.

Aktiviteten i Sergei Rachmaninovs teater var frugtbar, og han erklærede sig selv ved dirigentens stand. genial musiker... Rachmaninov forbedrede lydkvaliteten af ​​russiske operaklassikere i teatret. I øvrigt er overførslen af ​​dirigentkonsollen til det sted, hvor den er nu, forbundet med navnet Rachmaninoff, før dirigenten stod bag orkestret med front mod scenen.

I 1899 blev Tornerose opført på Bolshoi Theatre for første gang. Produktionen af ​​denne ballet, som etablerede samveldet af musik og dans på russisk ballet teater, var begyndelsen på et langt og lykkeligt arbejde i Moskva for koreografen, librettisten og læreren Alexander Gorsky. En stor gruppe talentfulde kunstnere arbejdede sammen med ham - Ekaterina Geltser, Vera Karalli, Sofya Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mikhail Mordkin, dirigent og komponist Andrei Arene osv. ny produktion ballet "Don Quixote" (1900) Gorsky inviterede først unge kunstnere Konstantin Korovin og Alexander Golovin, fremtidige store mestre i teatralsk maleri.

1911 år. I konkurrencen om projektet til restaurering af teaterbygningen blev vinderen planen præsenteret af Albert Cavos.

Kavos, mens den bibeholdt Beauvais-bygningens layout og volumen, øgede højden, ændrede proportionerne og redesignede den arkitektoniske indretning. Især blev der opført spinkle støbejernsgallerier med lamper på bygningens sider. Samtidige bemærkede udseendet af denne søjlegang, især smuk om aftenen, når man ser på den langvejs fra, og en række brændende lamper synes at være en diamanttråd, der løber langs teatret.

Apollos alabastgruppe, der prydede Bove-teatret, blev ødelagt i en brand. For at skabe en ny inviterede Kavos den berømte russiske billedhugger Peter Klodt (1805-1867), forfatteren af ​​de berømte fire hestegrupper på Anichkovbroen over Fontanka-floden i St. Petersborg.

Klodt skabte en skulpturgruppe med Apollo, nu berømt over hele verden. Det blev støbt i hertugen af ​​Lichtenbergs fabrikker af en metallegering galvaniseret med rødt kobber.

Under rekonstruktionen af ​​auditoriet ændrede Kavos formen på auditoriet, indsnævrede det til scenen og uddybede orkestergraven. Bag parterrestolene, hvor galleriet tidligere lå, indrettede han et amfiteater. Auditoriets dimensioner er blevet: næsten lige dybde og bredde - omkring 30 meter, højde - omkring 20 meter. Auditoriet begyndte at rumme over 2000 tilskuere.

I denne form har Bolshoi-teatret overlevet den dag i dag, med undtagelse af mindre interne og eksterne rekonstruktioner.

Teater er et mirakel af den menneskelige verden.