Erinomainen kuva. Kuvia tuhrattujen ihmisten tuhkasta

Maalaaminen realistien lisäksi on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa. Mutta jotkut kuvat ovat oudompia kuin toiset.
Jotkut taideteokset näyttävät lyövän katsojaa päähän, hämmentyneitä ja hämmästyneitä. Jotkut heistä vetävät sinut ajatuksiin ja etsimään semanttisia kerroksia, salaa symbolismia. Jotkut maalaukset on peitetty salaisuuksilla ja mystisillä arvoituksilla, ja jotkut ovat yllättäviä kohtuuttomalla hinnalla.

Bright Side on tarkastellut huolellisesti kaikkia maailman maalauksen tärkeimpiä saavutuksia ja valinnut niistä kaksi tusinaa. outoja kuvia... Valinta ei sisältänyt Salvador Dalin maalauksia, joiden teokset sopivat täysin tämän materiaalin muotoon ja tulevat mieleen ensimmäisinä.

"Huutaa"

Edvard Munch. 1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli
kansallisgalleria, Oslo

Huutoa pidetään ekspressionismin merkittävänä tapahtumana ja yhtenä parhaimmista kuuluisia maalauksia maailmassa. Kuvatusta on olemassa kaksi tulkintaa: itse sankari tarttuu kauhuun ja huutaa hiljaa, painaen kätensä korviinsa; tai sankari sulkee korvansa rauhan ja luonnon itkulta, joka kuuluu. Munch kirjoitti The Screamista neljä versiota, ja on olemassa versio, että tämä kuva on maanisen masennuksen psykoosin hedelmä, josta taiteilija kärsi. Kliinisen hoitojakson jälkeen Munch ei palannut työskentelemään kankaalla.

"Kävelin polkua kahden ystävän kanssa - aurinko laski - yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, keskeytin, tunsin uupuneelta ja nojauduin aitaan - katsoin verta ja liekkejä sinertävän mustan vuonon ja kaupungin yli - ystäväni jatkoivat, seisoin, vapisen jännityksestä, tunteen loputtoman itkun lävitsevän luonteen ", - kertoi Edvard Munch maalauksen historiasta.

"Mistä me tulimme? Ketkä olemme? Minne olemme menossa?"

Paul Gauguin. 1897 - 1898, kangas, öljy
Museo kuvataide, Boston

Itse Gauguinin suuntaan maalaus tulisi lukea oikealta vasemmalle - otsikossa esitetyt kysymykset kuvaavat kolme päähahmoryhmää. Kolme naista, joilla on lapsi, edustavat elämän alkua; keskiryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; viimeisessä ryhmässä taiteilijan suunnitelman mukaan "vanha nainen, joka lähestyy kuolemaa, näyttää olevan sovitettu ja hemmoteltu ajatuksiaan," jalkojensa "outo valkoinen lintu... edustaa sanojen turhaa turhaa. "

Hän maalasi syvästi filosofisen kuvan postimpressionistista Paul Gauguinista Tahitissa, missä hän pakeni Pariisista. Työn päätyttyä hän halusi jopa itsemurhan, koska: "Uskon, että tämä kangas ei ole vain parempi kuin kaikki aiemmat ja etten koskaan luo jotain parempaa tai edes vastaavaa." Hän asui vielä 5 vuotta, ja niin se tapahtui.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, kangas, öljy
Reina Sofian museo, Madrid

Guernica esittelee kuoleman, väkivallan, julmuuden, kärsimyksen ja avuttomuuden kohtauksia määrittelemättä välittömiä syitä, mutta ne ovat ilmeisiä. Sanotaan, että vuonna 1940 Pablo Picasso kutsuttiin Pariisin Gestapoon. Puhe kääntyi heti kuvan päälle. "Teitkö sinä tuon?" - "Ei, teit sen."

Valtava maalaus-fresko "Guernica", maalannut Picasso vuonna 1937, kertoo Luftwaffen vapaaehtoisyksikön hyökkäyksestä Guernica-kaupunkiin, jonka seurauksena kuudestuhattu kaupunki tuhoutui kokonaan. Kuva kirjoitettiin kirjaimellisesti kuukaudessa - kuvan ensimmäiset työpäivät Picasso työskenteli 10–12 tuntia ja jo ensimmäisissä luonnoksissa voi nähdä pääidea... Tämä on yksi parhaat kuvat fasismin painajainen, samoin kuin ihmisten julmuus ja suru.

"Arnolfini-parin muotokuva"

Jan van Eyck. 1434, puu, öljy
Lontoon kansallisgalleria, Lontoo

Kuuluisa maalaus on täysin ja täysin täynnä symboleja, allegooria ja erilaisia \u200b\u200bviitteitä - aina allekirjoitukseen saakka "Jan van Eyck oli täällä", joka muutti sen paitsi taideteokseksi, myös historialliseksi asiakirjaksi, joka vahvistaa todellisen tapahtuman, johon taiteilija osallistui.

Giovanni di Nicolao Arnolfinin ja hänen vaimonsa oletettavasti muotokuva on yksi kauneimmista monimutkaisia \u200b\u200bteoksia länsimaalainen maalauskoulu Pohjoinen renessanssi... Venäjällä viime vuosina kuva sai suuren suosion johtuen Arnolfinin muotokuvan mukaisesta Vladimir Putinista.

"Demon istuu"

Mikhail Vrubel. 1890, kangas, öljy
Tretjakovin galleria, Moskova

Mikhail Vrubelin maalaus yllättää demonin kuvan. Surullinen, pitkäkarvainen kaveri ei lainkaan muistuta ihmisen ajatusta siitä, miltä pahan hengen pitäisi näyttää. Tämä on kuva ihmisen hengen vahvuudesta, sisäisestä kamppailusta, epäilystä. Kädet puristettiin traagisesti, demoni istuu etäisyyteen suunnattujen valtavien surullisten silmien avulla, kukin ympäröimänä. Yhdistelmä korostaa demonin hahmon tiukkuutta, ikään kuin kerroksen ylä- ja alaradan välissä.

Taiteilija itse puhui tunnetuimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän hallitseva ja majesteettinen henki."

"Sodan apoteoosi"

Vasily Vereshchagin. 1871, kangas, öljy
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova

Kuva on maalattu niin syvästi ja emotionaalisesti, että jokaisen tässä kasassa olevan kallon takana alat nähdä ihmisiä, heidän kohtalonsa ja niiden kohtalot, jotka eivät enää näe näitä ihmisiä. Itse Vereshchagin kutsui surullista sarkasmia kangasta "asetelmaksi" - se kuvaa "kuollutta luontoa". Kaikki maalauksen yksityiskohdat, mukaan lukien keltainen väri, symboloivat kuolemaa ja tuhoa. Kirkas sininen taivas korostaa kuvan kuolleisuutta. Sapparot ja kallojen luolireiät ilmaisevat myös ajatuksen "sodan apoteosista".

Vereshchagin on yksi Venäjän tärkeimmistä taistelutaiteilijoista, mutta hän maalasi sotia ja taisteluita ei siksi, että rakasti niitä. Päinvastoin, hän yritti kertoa negatiivinen asenne sotaan. Kerran Vereshchagin, tunteiden kuumuudessa, huudahti: "En maalaa enää taistelukuvia - basta! Otan kirjoitetun liian sydämelleni, itken (kirjaimellisesti) kaikkien haavoittuneiden ja surmattujen surun." Todennäköisesti tämän itkun tuloksena oli kauhea ja kiehtova maalaus "Sodan apoteosis", joka kuvaa kenttää, variksia ja vuoria ihmisen kalloista.

"Amerikkalainen goottilainen"

Grant Wood. 1930, öljy. 74 × 62 cm
Chicagon taidemuseo, Chicago

Maalauksessa synkkä isä ja tytär ovat täynnä yksityiskohtia, jotka osoittavat kuvattujen ihmisten vakavuuden, puritanismin ja retrogradeniteetin. Vihaiset kasvot, pikihaarukat kuvan keskellä, vanhanaikaiset vaatteet jopa vuoteen 1930 saakka, paljaalla kyynärpäällä, viljelijän vaatteissa olevat saumat, toistaen harjakuoreen muodon, ja siten uhka, joka on osoitettu kaikille, jotka loukkaavat. Kaikki nämä yksityiskohdat voidaan tutkia loputtomasti ja horjua levottomuuksista. "Amerikkalainen goottilainen" on yksi 1900-luvun amerikkalaisen taiteen tunnetuimmista kuvista, 20. ja 21. vuosisatojen tunnetuin taiteellinen meri. Mielenkiintoista on, että Chicagon taidemuseon kilpailun tuomarit pitivät goottilaisia \u200b\u200b"humoristisena ystävänpäivänä", ja Iowan kansa loukkasi Woodia hirveästi kuvastaen heitä niin epämiellyttävässä valossa.

"Lovers"

Rene Magritte. 1928, kangas, öljy

Maalaus "Lovers" ("Rakastajat") on olemassa kahdessa versiossa. Yhdessä heistä mies ja nainen, joiden päät on kääritty valkoiseen kankaaseen, ovat suudella, ja toiset he "katsovat" katsojaan. Kuva on yllättävä ja kiehtova. Kaksi hahmoa ilman kasvoja, Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta. Sokeudesta kaikessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, eivät näe heitä tosi kasvot ja me, ja lisäksi rakastajat, olemme mysteeri jopa toisillemme. Mutta tällä näennäisellä selkeydellä katsomme edelleen Magritten ystäviä ja ajattelemme heitä.

Lähes kaikki Magritten maalaukset ovat arvoituksia, joita ei voida täysin ratkaista, koska ne herättävät kysymyksiä olemisen ytimestä. Magritte puhuu koko ajan näkyvän petosta, piilotetusta mysteeristä, jota emme yleensä huomaa.

"Kävele"

Marc Chagall. 1917, kangas, öljy
Valtion Tretjakovin galleria

"The Walk" on omakuva vaimonsa Bellan kanssa. Hänen rakastetunsa nousee taivaalla ja se näyttää vetäytyvän lennolle ja Chagallille, seisoen maassa hauras, ikään kuin koskettamalla sitä vain kenkien varpailla. Toisaalta Chagallilla on titaanhiiri - hän on onnellinen, hänellä on sekä titmouse käsissä (todennäköisesti hänen maalauksensa) että nosturilla taivaalla. Marc Chagall kirjoitti maalauksessaan yleensä erittäin vakavasti. Hän on kirjoittanut ilahduttavan manifestin omasta onnellisuudestaan, täynnä allegooria ja rakkautta.

"Maallisten herkkujen puutarha"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, puu, öljy
Prado, Espanja

"Maallisten ilojen puutarha" - Hieronymus Boschin tunnetuin triptyykki, joka on nimetty keskusosan teeman mukaan, on omistettu himon synnille. Kuva on täynnä läpinäkyviä hahmoja, fantastisia rakenteita, hirviöitä, hallusinaatioita, jotka ovat ottaneet lihakseen, todellisuuden karkeita karikatansseja, joita hän tarkastelee etsimällä, erittäin terävillä katseilla.

Jotkut tutkijat halusivat nähdä triptyykissä kuvan ihmisen elämästä sen turhamaisuuden ja kuvien prisman kautta maallinen rakkaus, muut - voittovoiman voitto. Syyttömyys ja jonkinlainen irtaantuminen, jolla yksittäisiä henkilöitä tulkitaan, samoin kuin kirkon viranomaisten suotuisa asenne tähän työhön, tekevät kuitenkin epäilystä siitä, että sen sisältö voisi olla kehon ilojen ylistäminen. Tähän mennessä yhtäkään kuvan tulkinnoista ei ole tunnistettu ainoaksi oikeaksi.

"Naisen kolme ikää"

Gustav Klimt. 1905, kangas, öljy
kansallisgalleria nykytaide, Rooma

"Kolme naista" on samanaikaisesti riemukas ja surullinen. Siinä kolme hahmoa kirjoittaa tarinan naisen elämästä: huolimattomuudesta, rauhasta ja epätoivosta. Nuori nainen on orgaanisesti kudottu elämän koristeeksi, vanha erottuu hänestä. Kontrastina tyylitelty nuoren naisen kuva ja naturalistinen kuva vanhasta naisesta saadaan symbolinen merkitys: elämän ensimmäinen vaihe tuo mukanaan loputtomia mahdollisuuksia ja muodonmuutoksia, viimeinen - jatkuva pysyvyys ja ristiriita todellisuuden kanssa. Kangas ei päästä irti, kiipeää sielun sisään ja saa miettimään taiteilijan viestin syvyyttä sekä elämän syvyyttä ja väistämättömyyttä.

"Perhe"

Egon Schiele. 1918, kangas, öljy
Galleria "Belvedere", Wien

Schiele oli Klimtin opiskelija, mutta kuten mikä tahansa erinomainen opiskelija, hän ei kopioinut opettajaansa, vaan etsinyt jotain uutta. Schiele on paljon traagisempi, omituisempi ja pelottavampi kuin Gustav Klimt. Hänen teoksissaan on paljon sitä, mitä voidaan kutsua pornografiaksi, erilaisiksi perversioiksi, naturalismiksi ja samaan aikaan kivultavaksi. "Perhe" on hänen viimeinen työ, jossa epätoivo viedään absoluuttisesti, huolimatta siitä, että tämä on hänen vähiten outo näköinen kuva. Hän veti hänet juuri ennen kuolemaansa, kun hänen raskaana oleva vaimonsa Edith kuoli Espanjan flunssa. Hän kuoli 28-vuotiaana vain kolme päivää Edithin jälkeen, kun hän onnistui piirtämään hänet, itsensä ja omat. syntynyt lapsi.

"Kaksi Fridaa"

Frida Kahlo. 1939

Historia vaikea elämä meksikolainen taiteilija Frida Kahlo tuli laajalti tunnetuksi elokuvan "Frida" julkaistua yhdessä Salma Hayekin kanssa vuonna 2003 pääosassa... Kahlo kirjoitti lähinnä omakuvia ja selitti sen yksinkertaisesti: "Maalaan itseäni, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten." Yksi ainoa Frida Kahlo omakuvan hymyilee: vakava, jopa surullinen kasvot, sulatettu paksut kulmakarvat, hieman havaittavissa olevat antennit tiukasti puristettujen huulten yläpuolella. Hänen maalauksensa ideat on salattu yksityiskohtiin, taustaan \u200b\u200bja hahmoihin, jotka ilmestyvät Fridan viereen. Kahlon symboliikka perustuu kansalliset perinteet ja liittyy läheisesti alkuperäis-amerikkalaiseen mytologiaan pre-latinalaisamerikkalaisella kaudella. Yhdessä parhaat maalaukset - "Kaksi Fridaa" - hän ilmaisi maskuliinisia ja naisellisia periaatteita, joita hän yhdisti yhdellä verenkiertoelimellä ja osoitti hänen koskemattomuuttaan.

"Waterloosilta. Sumuvaikutus"

Claude Monet. 1899, kangas, öljy
Valtion Eremitaasi, Pietari

Kun katsot kuvaa läheltä, katsoja ei näe mitään muuta kuin kangasta, jolle tehdään usein paksuja öljyiskuvia. Kaikki työn taikuus paljastuu, kun alamme vähitellen siirtyä kankaasta suureen etäisyyteen. Ensin kuvan keskikohdan läpi kulkevat käsittämättömät puoliympyrät alkavat ilmestyä edessämme, sitten näemme veneiden selkeät ääriviivat ja siirtyessämme noin kahden metrin etäisyydeltä kaikki yhdistysteokset piirretään terävästi edessämme ja rivitetään loogiseen ketjuun.

"Numero 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, kuitulevy, öljy

Tämän kuvan omituisuus on, että amerikkalaisen abstraktin ekspressionismin johtajan kangas, jonka hän maalasi levittäen maalia lattialle levitetylle kuitulevykappaleelle, on eniten kallis maalaus maailmassa. Vuonna 2006 Sothebyn huutokaupassa he maksoivat siitä 140 miljoonaa dollaria. Elokuvien tuottaja ja keräilijä David Giffen myi sen meksikolaiselle rahoittajalle David Martinezille. "Siirryn edelleen taiteilijoiden tavanomaisista työkaluista, kuten maalaustelineestä, paletista ja harjoista. Mieluummin sauvat, kauhat, veitset ja kaatava maali tai maaliseos hiekalla, rikkoutuneella lasilla tai vastaavilla. Kun olen maalauksen sisällä, en tiedä Ymmärrys tulee myöhemmin. Minulla ei ole pelkoa kuvan muutoksista tai tuhoutumisesta, koska kuva elää omaa elämäänsä. Autan vain sen syntymistä. Mutta jos kadon yhteyden kuvaan, siitä tulee sotkua. Jos ei, niin niin se on puhdasta harmoniaa, kuinka kevyesti otat ja annat. "

"Mies ja nainen rutan edessä"

Joan Miró. 1935, kupari, öljy
Joan Miro -säätiö, Espanja

Mukava otsikko. Ja kuka olisi uskonut, että tämä kuva kertoo sisällissodan kauhista. Maalaus tehtiin kuparilevylle viikolla 15.-22. Lokakuuta 1935. Miron mukaan tämä johtuu tragedian yrittämisestä kuvata. Sisällissota Espanjassa. Miro sanoi, että tämä on kuva ahdistuksen ajanjaksosta. Maalaus kuvaa miestä ja naista, jotka pyrkivät toisiinsa syleilyssä, mutta eivät liikkuvat. Laajentuneita sukupuolielimiä ja pahaenteisiä värejä on kuvattu "täynnä inhoa \u200b\u200bja inhottavaa seksuaalisuutta".

"Eroosio"

Jacek Jerka

Puolalainen uus Surrealisti tunnetaan ympäri maailmaa uskomattomia kuvia, jossa todellisuudet yhdistetään luomalla uusia. Hänen erittäin yksityiskohtaisia \u200b\u200bja jossain määrin koskettavia teoksia on vaikea pitää kerrallaan, mutta tämä on materiaalimme muoto ja meidän piti valita yksi - kuvaamaan hänen mielikuvitustaan \u200b\u200bja taitojaan. Suosittelemme, että tutustu tarkemmin.

"Kädet vastustavat häntä"

Bill Stoneham. 1972

Tätä tietysti ei voida luokitella maailmanmaalauksen mestariteoksiin, mutta se, että se on outoa, on tosiasia. Maalauksen ympärillä on legendoja, joissa poika, nukke ja kämmen on painettu lasia vasten. Alkaen "tämän kuvan takia kuolee" - "lapset elävät siinä". Kuva näyttää todella kammottavilta, mikä aiheuttaa ihmisille heikko psyyke paljon pelkoja ja spekulointeja. Taiteilija vaati, että maalaus kuvaa itseään viiden vuoden ikäisenä, että ovi edustaa rajaa oikea maailma ja unelmamaailma, ja nukke on opas, joka voi ohjata poikaa tämän maailman läpi. Aseet edustavat vaihtoehtoisia elämiä tai mahdollisuuksia. Maalaus nousi näkyvyyteen helmikuussa 2000, kun se saatettiin myyntiin eBayssa selkänojalla, joka kertoi maalauksen "ahdistavan". Kim Smith osti "Hands Resist Him" \u200b\u200b1025 dollarilla, joka sitten yksinkertaisesti upotettiin kirjeillä kammottavia tarinoita ja vaatii kuvan polttamista.

Kuvataide kykenee tuottamaan kokonaisen joukon tunteita. Jotkut kuvat saavat sinua katsomaan niitä tuntikausia, kun taas toiset kirjaimellisesti shokkivat, hämmästyvät ja räjäyttävät maailmankatsomuksen. On sellaisia \u200b\u200bmestariteoksia, jotka saavat sinut ajattelemaan ja etsimään salainen merkitys... Jotkut maalaukset ovat suojattu mystisillä arvoituksilla, kun taas toisissa pääasia on niiden kohtuuttoman korkea hinta.

Maailmamaalauksen historiassa on paljon omituisia kuvia. Arvioinnissani en tarkoituksellisesti mainitse Salvador Dalia, joka oli tämän genren mestari ja jonka nimi tulee ensin mieleen. Ja vaikka itse omituisuuden käsite on subjektiivinen, voidaan erottaa ne tunnetut teokset, jotka erottuvat selvästi yleisestä rivistä.

Edvard Munch "The Scream". Teos, jonka koko on 91x73,5 cm, luotiin vuonna 1893. Munch maalasi sen öljyjen, pastellien ja tempera-värien avulla; nykyään maalausta säilytetään Oslon kansallisgalleriassa. Taiteilijan luomuksesta on tullut impresionismin ikoni, se on yleensä yksi maailman tunnetuimmista maalauksista. Munch itse kertoi tarinan sen luomisesta: "Kävelin polkua kahden ystävän kanssa. Tällä hetkellä aurinko laski. Yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, keskeytin, tunsin uupuneelta ja nojauduin aitaan. Katsoin verta ja liekkejä sinertävän yli. - musta vuono ja kaupunki. Ystäväni jatkoivat, ja minä edelleen seisoin, vapisen jännityksestä, tunteen loputtoman itkun lävitseen luonteen. " Tarkoituksen tulkinnasta on olemassa kaksi versiota. Voimme olettaa, että kuvattu hahmo tarttuu kauhuun ja huutaa hiljaa, painamalla hänen kätensä korviinsa. Toinen versio kertoo, että henkilö sulki korvansa häntä huutavalta huutolta. Yhteensä Munch loi jopa 4 versiota "Screamista". Jotkut asiantuntijat uskovat, että tämä maalaus on klassinen ilmentymä maanis-depressiivisestä psykoosista, josta taiteilija kärsi. Kun Munchia hoidettiin klinikalla, hän ei koskaan palannut tähän kankaaseen.

Paul Gauguin "Mistä olemme kotoisin? Ketkä olemme? Minne olemme menossa?" Bostonin taidemuseossa löydät tämän impressionistisen teoksen, jonka koko on 139,1 x 374,6 cm. Se maalattiin öljykankaalle vuosina 1897-1898. Tämän perusteellisen teoksen kirjoitti Gauguin Tahitissa, missä hän vetäytyi hälinästä pariisin elämä... Maalaus tuli taiteilijalle niin tärkeäksi, että lopussa hän halusi jopa itsemurhan. Gauguin uskoi olevansa paras päähänsä, jonka hän oli aikaisemmin luonut. Taiteilija uskoi, että hän ei pysty luomaan jotain parempaa tai vastaavaa, hänellä ei yksinkertaisesti ole enää mitään pyrittävä. Gauguin asui vielä viisi vuotta todistaen tuomioidensa totuuden. Hän itse sanoi, että hänen pääkuva on tarkasteltava oikealta vasemmalle. Siinä on kolme pääryhmää hahmoja, jotka personoivat kysymykset, joilla kankaalla on oikeus. Kolme lapsen kanssa naista osoittavat elämän alkua, keskellä ihmiset symboloivat kypsyyttä, kun taas vanhuutta edustaa vanhempi nainen, joka odottaa kuolemaansa. Näyttää siltä, \u200b\u200bettä hän on sopinut tähän ja ajattelee jotain omaa. Hänen jalkojensa äärellä on valkoinen lintu, joka symboloi sanojen merkityksettömyyttä.

Pablo Picasso "Guernica". Picasson teoksia säilytetään Reina Sofian museossa Madridissa. Iso kuva koossa 349 x 776 cm, maalattu öljyiseksi kankaalle. Tämä maalaus-seinämaalaus on luotu vuonna 1937. Kuva kertoo fasistien vapaaehtoisten lentäjien hyökkäyksestä Guernican kaupunkiin. Näiden tapahtumien seurauksena kaupunki, jonka asukasluku oli 6 tuhatta ihmistä, pyyhkiytyi täysin maan pinnalta. Taiteilija loi tämän kuvan vain kuukaudessa. Aikaisin Picasso työskenteli 10-12 tuntia, ensimmäisissä luonnoksissaan pääidea oli jo nähtävissä. Seurauksena oli, että kuvasta tuli yksi parhaimmista havainnoista kaikista fasismin, julmuuden ja inhimillisten kauhujen kauhuista. "Guernicassa" voit nähdä julmuuden, väkivallan, kuoleman, kärsimyksen ja avuttomuuden kohtauksen. Vaikka syitä tähän ei ole nimenomaisesti ilmoitettu, ne ovat selviä historiasta. Sanotaan, että vuonna 1940 Pablo Picasso kutsuttiin jopa Pariisin Gestapoon. Häneltä kysyttiin heti: "Teitkö sen?" Jolle taiteilija vastasi: "Ei, sinä teit sen."

Jan van Eyck "Arnolfini-parin muotokuva". Tämä maalaus maalattiin vuonna 1434 öljyllä puulle. Mestariteoksen mitat ovat 81,8x59,7 cm, ja sitä säilytetään Lontoon kansallisgalleriassa. Oletettavasti maalaus kuvaa Giovanni di Nicolao Arnolfinia vaimonsa kanssa. Teos on yksi vaikeimmista länsimaalaisen maalakoulun pohjoisen renessanssin aikana. Tässä kuuluisa maalaus valtava määrä symboleja, allekirjoituksia ja erilaisia \u200b\u200bvihjeitä. Että on vain taiteilijan allekirjoitus "Jan van Eyck oli täällä". Seurauksena on, että maalaus ei ole vain taideteos, vaan todellinen historiallinen asiakirja. Loppujen lopuksi se kuvaa todellinen tapahtumavangittu van Eyck. Tämä kuva sisään viime aikoina tuli erittäin suosituksi Venäjällä, koska paljain silmin Arnolfinin samankaltaisuus Vladimir Putinin kanssa on havaittavissa.

Mikhail Vrubel "Istuva demoni". Tretjakovin galleriassa on tämä Mikhail Vrubelin mestariteos, jonka hän maalasi öljyssä vuonna 1890. Kankaan mitat ovat 114x211 cm. Tässä kuvattu demoni on yllättävä. Hän esiintyy surullisena nuoruutena pitkät hiukset... Yleensä ihmiset eivät edusta pahoja henkiä tällä tavalla. Itse Vrubel kertoi tunnetuimmasta maalauksestaan, että demoni ei hänen ymmärryksensä mukaan ollut niin paha henki kuin kärsivä. Samalla ei voida kieltää häntä auktoriteetista ja arvokkuudesta. Demoni Vrubel on ensinnäkin kuva ihmisen hengestä, joka hallitsee meissä jatkuvassa taistelussa itsemme kanssa ja epäilyksiä. Tämä kukkien ympäröimä olento puristi kätensä traagisesti, valtavat silmänsä valitettavasti katsovat etäisyyteen. Koko koostumus ilmaisee demonin hahmon rajoitusta. Hän näyttää puristuvan tässä kuvassa kuvakehyksen ylä- ja alaosaan.

Vasily Vereshchagin "Sodan apoteosi". Maalaus on maalattu vuonna 1871, mutta siinä kirjoittaja näytti ennakoivan tulevien maailmansodan kauhuja. Kangas, jonka koko on 127x197 cm, pidetään Tretjakovin galleriassa. Vereshchaginia pidetään yhtenä parhaimmista venäläisen maalauksen taistelutaiteilijoista. Hän ei kuitenkaan kirjoittanut sotia ja taisteluita, koska rakasti niitä. Taiteilija tarkoittaa kuvataide yritti kertoa ihmisille negatiivisen asenteensa sotaan. Kerran Vereshchagin lupasi edes maalata taistelukuvia enää. Loppujen lopuksi maalari otti surun jokaisesta haavoittuneesta ja tappoi sotilaan liian lähellä sydäntä. Tällaisen sydämellisen asenteen tulos aiheeseen oli "Sodan apoteosi". Kauhea ja lumoava kuva kuvaa ihmiskallon vuoristoa kentällä variksen ympärillä. Vereshchagin loi emotionaalisen kankaan, jokaisen valtavan kasan pääkalvon takana on jäljitetty yksilöiden ja heidän läheisten ihmisten historia ja kohtalo. Taiteilija itse kutsui tätä kuvaa sarkastisesti asetelmaksi, koska se kuvaa kuollutta luontoa. Kaikki "Sodan apoteosin" yksityiskohdat huutavat kuolemasta ja tyhjyydestä, se voidaan nähdä jopa maan keltaisella taustalla. Ja taivaan sininen korostaa vain kuolemaa. Sodan kauhujen ajatusta korostavat luodinreiät ja kallon merkit.

Grant Wood "Amerikan goottilainen". Tämä pieni kuva Sen koko on 74 x 62 cm. Se on luotu vuonna 1930, ja sitä pidetään nyt Chicagon taidemuseossa. Maalaus on yksi kaikkein kuuluisia esimerkkejä Viime vuosisadan amerikkalainen taide. Jo meidän aikanamme nimi "amerikkalainen goottilainen" mainitaan usein tiedotusvälineissä. Maalaus kuvaa melko synkkää isää ja hänen tyttäretään. Lukuisat yksityiskohdat kertovat näiden ihmisten vakavuudesta, puritanismista ja luutumisesta. Heillä on tyytymättömät kasvot, aggressiivinen haarukka kuvan keskellä, ja parin vaatteet ovat vanhanaikaisia \u200b\u200bjopa ajan mittojen mukaan. Jopa viljelijän vaatteissa oleva sauma noudattaa piikarin muotoa, kaksinkertaistaen uhan niille, jotka häiritsevät hänen elämäntapaansa. Kuvan yksityiskohtia voidaan tutkia loputtomasti, tunteen fyysisesti epämukavuutta. On mielenkiintoista, että kerralla Chicagon taidemuseossa järjestetyssä kilpailussa tuomarit hyväksyivät kuvan humoristisena. Mutta Iowan ihmiset loukkasivat taiteilijaa siitä, että he olivat asettaneet heidät niin ikävään näkökulmaan. Naisen malli oli Woodin sisko, mutta maalarihammaslääkäristä tuli vihaisen miehen prototyyppi.

Rene Magritte "Rakastajat". Maalaus maalattiin vuonna 1928 öljyyn kankaalle. Lisäksi on kaksi vaihtoehtoa. Yhdessä heistä mies ja nainen ovat suudella, vain heidän päänsä on kääritty valkoiseen kankaaseen. Kuvan toisessa versiossa ystävät katsovat katsojaa. Piirretty ja yllättävä, ja viehättävä. Hahmot ilman kasvoja symboloivat rakkauden sokeutta. On tiedossa, että rakastajat eivät näe ketään ympärillä, mutta emme voi nähdä heitä todelliset tunteet... Jopa toisilleen nämä ihmiset, jotka ovat sokeutuneita tunneista, ovat todella mysteeri. Ja vaikka kuvan pääviesti näyttää selvältä, "Rakastajat" saavat silti katsomaan heitä ja ajattelemaan rakkautta. Yleensä lähes kaikki Magritten maalaukset ovat arvoituksia, joita on täysin mahdoton ratkaista. Loppujen lopuksi nämä kankaat herättävät tärkeimmät kysymykset elämämme merkityksestä. Heissä taiteilija puhuu näkemämme illuusorisesta luonteesta, siitä, että ympärillämme on monia salaperäisiä asioita, joita yritämme huomaamatta.

Marc Chagall "Kävele". Maalaus maalattiin öljykankaalle vuonna 1917, nyt sitä pidetään Tretjakovin osavaltion galleriassa. Marc Chagall on teoksissaan yleensä vakava, mutta tässä hän antoi itselleen osoittaa tunteita. Maalaus ilmaisee taiteilijan henkilökohtaista onnellisuutta, se on täynnä rakkautta ja allegooria. Hänen "Walk" on omakuva, jossa Chagall kuvaa vaimonsa Bellan hänen vierellään. Hänen valitunsa kohoaa taivaalla, hän on vetämässä taiteilijaa sinne, joka on jo melkein nostanut itsensä maasta, koskettaen häntä vain hänen kenkiensä kärjillä. Toisaalta mies on tissi. Voimme sanoa, että Chagall kuvaa näin onnellisuuttaan. Hänellä on taivaalla nosturi rakastetun naisen muodossa ja tissi kädessään, jolla hän tarkoitti työtään.

Hieronymus Bosch "Maallisten herkkujen puutarha". Tämä 389x220 cm: n kangas on tallennettu espanjan museo Oikea. Bosch maalasi puulle öljymaalauksen vuosina 1500-1510. Tämä on Boschin tunnetuin triptyykki, vaikka kuvassa on kolme osaa, se on nimetty keskittymästä, joka on omistettu innokkuudelle. Oudon kuvan merkityksestä käydään jatkuvia keskusteluja, siitä ei ole sellaista tulkintaa, joka tunnustettaisiin ainoaksi oikeaksi. Kiinnostus triptyykkiin johtuu monista pienet osat, jolla pääidea ilmaistaan. Siellä on läpikuultavia hahmoja, epätavallisia rakenteita, hirviöitä, inkarnoituneita painajaisia \u200b\u200bja visioita sekä todellisuuden helvetin variaatioita. Taiteilija pystyi katsomaan kaikkea tätä terävällä ja etsivällä ilmeellä, kun hän onnistui yhdistämään erilaisia \u200b\u200belementtejä yhdeksi kankaalle. Jotkut tutkijat yrittivät nähdä näytön kuvassa ihmiselämäjonka kirjoittaja on osoittanut olevan turhaa. Toiset löysivät kuvia rakkaudesta, joku löysi voiton voiton. On kuitenkin kyseenalaista, onko kirjailija yrittänyt kunnioittaa lihallisia iloja. Loppujen lopuksi ihmishahmoissa on kuvattu kylmä irtautuminen ja viattomuus. Ja kirkon viranomaiset reagoivat melko myönteisesti tähän kuvaan Boschista.

Gustav Klimt "Kolme naisten ikää". Tämä maalaus sijaitsee Rooman modernin taiteen kansallisgalleriassa. 180 cm leveä neliön kangas maalattiin öljylle kankaalle vuonna 1905. Tämä kuva ilmaisee samanaikaisesti sekä iloa että surua. Kolmen hahmon taiteilija pystyi näyttämään naisen koko elämän. Ensimmäinen, vielä lapsi, on erittäin huoleton. Kypsä nainen ilmaisee rauhaa, ja viimeinen ikä symboloi epätoivoa. Jossa keskimääräinen ikä orgaanisesti kudottu elämäkoristeeksi, ja vanha erottuu selvästi taustastaan. Selvä kontrasti nuoren ja vanhemman naisen välillä on symbolinen. Jos elämän kukinnan yhteydessä on lukuisia mahdollisuuksia ja muutoksia, viimeinen vaihe on juurtunut vakio ja ristiriita todellisuuden kanssa. Tällainen kuva herättää huomion ja saa ajattelemaan taiteilijan aikomusta, sen syvyyttä. Se sisältää kaiken elämän väistämättömyydellään ja metamorfooseillaan.

Egon Schiele "Perhe". Tämän kankaan mitat ovat 152,5x162,5 cm, maalattu öljyyn vuonna 1918. Sitä pidetään nyt Wienin Belvederessä. Schielen opettaja oli itse Klimt, mutta opiskelija ei yrittänyt lainkaan kopioida häntä ahkerasti etsiessään omia ilmaisutapojaan. Voimme turvallisesti sanoa, että Schielen teokset ovat vielä paljon traagisempia, pelottavia ja omituisia kuin Klimtin teokset. Joitakin elementtejä kutsutaan nykyään pornografisiksi, täällä on monia erilaisia \u200b\u200bperversioita, naturalismi on läsnä kaikessa kauneudessaan. Samaan aikaan maalauksia läpäisee kirjaimellisesti jonkinlainen kipeä epätoivo. Schielen luovuuden ja itsensä huippu viimeinen kuva on "perhe". Tässä kankaassa epätoivo saatetaan maksimiin, kun taas itse teos osoittautui tekijälle vähiten outoksi. Kun hänen raskaana oleva vaimonsa Schiele kuoli Espanjan flunssa, ja vähän ennen kuolemaansa, tämä mestariteos luotiin. Vain 3 päivää kului kahden kuoleman välillä, ja he olivat tarpeeksi taiteilijalle kuvaamaan itseään vaimonsa ja vaimonsa sekä syntymättömän lapsen kanssa. Schiele oli tuolloin vain 28-vuotias.

Frida Kahlo "Kaksi Fridaa". Kuva on syntynyt vuonna 1939. Meksikolainen taiteilija Frida Kahlo tuli tunnetuksi julkaistuaan elokuvan hänestä Salma Hayekin kanssa nimiroolissa. Taiteilijan työ perustui hänen omakuviin. Hän selitti tämän tosiasian seuraavasti: "Kirjoitan itse, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten." On mielenkiintoista, että Frida ei hymyile missään maalauksessaan. Hänen kasvonsa ovat vakava, jopa hieman surullinen. Sulaneet tuuheat kulmakarvat ja tuskin havaittava antenni puristettujen huulten yläpuolella ilmaisevat suurimman vakavuuden. Maalausten ideat ovat hahmoissa, taustassa ja yksityiskohdissa Fridan ympäröimästä. Maalauksien symboliikka perustuu Meksikon kansallisiin perinteisiin, jotka ovat tiiviisti kietoutuneita Intian vanhaan mytologiaan. "Kaksi Frida" on yksi parhaimmista kuvista meksikolaista naista. Sen sisällä alkuperäisellä tavalla miehinen ja naisellinen periaate ovat esillä, ja niissä on yksi verenkiertoelin. Siksi taiteilija osoitti näiden kahden vastakohdan yhtenäisyyden ja eheyden.

Claude Monet "Waterloosilta. Sumuvaikutus". Löydät tämän Monet-maalauksen Pietarin Eremitaasista. Se maalattiin öljylle kankaalle vuonna 1899. Kun kuvaa tarkastellaan lähemmin, se näkyy purppuraisena pisteenä, johon on kohdistettu paksuja iskuja. Katsoja kuitenkin ymmärtää kaiken taikuuten siirtyessään kankaasta. Ensin kuvan keskipisteen läpi kulkevat epäselvät puolipyörät tulevat näkyviin, veneiden ääriviivat näkyvät. Ja muutaman metrin etäisyydeltä voit jo nähdä kaikki kuvan elementit, jotka on kytketty loogiseen ketjuun.

Jackson Pollock "Numero 5, 1948". Pollock on klassikko abstraktin ekspressionismin genreissä. Hänen tunnetuin maalauksensa on nykyään maailman kallein. Ja taiteilija maalasi sen vuonna 1948 vain kaatamalla öljyvärimaalaus puukuitulevystä, jonka lattia on 240x120 cm. Vuonna 2006 tämä maalaus myytiin Sotheby'sissä 140 miljoonalla dollarilla. Aikaisempi omistaja, keräilijä ja elokuvien tuottaja David Giffen myi sen meksikolaiselle rahoittajalle David Martinezille. Pollock kertoi päättävänsä siirtyä pois tutuista taiteilijatyökaluista kuten maalaustelineestä, maaleista ja siveleistä. Hänen työkalunsa olivat sauvat, veitset, kauhat ja kaatava maali. Hän käytti myös seosta hiekasta tai jopa rikkoutuneesta lasista. Alkaa luoda. Pollock antautuu inspiraatiolle, edes tajuamatta mitä tekee. Vasta sitten tulee täydellisyyden toteutuminen. Samaan aikaan taiteilijalla ei ole pelkoa tuhota kuvaa tai muuttaa sitä vahingossa - kuva alkaa elää omaa elämäänsä. Pollockin tehtävä on auttaa häntä syntymään, menemään ulos. Mutta jos mestari menettää yhteyden luomiseensa, seurauksena on kaaos ja lika. Jos onnistuminen, maalaus ilmentää puhdasta harmoniaa, helppoa vastaanottamista ja inspiraation sisustamista.

Joan Miró "Mies ja nainen rutan edessä". Tämä maalaus pidetään nyt taiteilijan kokoelmassa Espanjassa. Se maalattiin öljyllä kuparilevylle vuonna 1935 vain viikossa 15.-22. Lokakuuta. Teoksen koko on vain 23x32 cm. Tästä provosoivasta nimikkeestä huolimatta kuva puhuu sisällissodan kauhista. Kirjailija itse kuvasi siis näiden vuosien tapahtumia Espanjassa. Miro yritti osoittaa huolenaiheen. Kuvassa voit nähdä liikkumattoman miehen ja naisen, jotka kuitenkin vetävät toisiaan. Kangas on kyllästetty pahaen myrkyllisillä kukilla ja yhdessä laajentuneiden sukupuolielinten kanssa se näyttää tarkoituksella inhottavaa ja inhottavaa seksikästä.

Jacek Jerka "Eroosio". Tämän puolalaisen neosurrealistin teoksissa syntyy toisiinsa sekoittuvia kuvia todellisuudesta uusi todellisuus... Jopa koskettavat kuvat ovat tietyllä tavalla erittäin yksityiskohtaisia. He tuntevat menneisyyden surrealistien kaikujen, Boschista Daliin. Yerka kasvoi keskiaikaisen arkkitehtuurin ilmapiirissä, joka selvisi ihmeellisesti toisen maailmansodan pommituksista. Hän aloitti piirtämisen jo ennen yliopistoon tuloa. He yrittivät muuttaa hänen tyylinsä nykyaikaisemmaksi ja vähemmän yksityiskohtaiseksi, mutta Yerka itse säilytti yksilöllisyytensä. Tänään hänen epätavalliset maalaukset ovat esillä paitsi Puolassa, myös Saksassa, Ranskassa, Monacossa, Yhdysvalloissa. Niitä löytyy useista kokoelmista ympäri maailmaa.

Bill Stoneham "Kädet vastustavat häntä". Vuonna 1972 maalattua maalausta tuskin voi kutsua klassiseksi maalaukseksi. Ei ole epäilystäkään siitä, että hän on yksi taiteilijoiden hauraimmista luomuksista. Maalaus kuvaa poikaa, hänen vieressä on nukke, ja takaosaa vasten lasia vasten on painettu useita kämmeniä. Tämä kangas on outo, salaperäinen ja hieman mystinen. Se on jo kasvanut legendoilla. He sanovat, että tämän kuvan takia joku kuoli, ja lapset elävät. Hän näyttää todella kammolta. Ei ole yllättävää, että maalaus herättää pelkoja ja aavemaisia \u200b\u200bfantasioita sairaan mentaliteetin omaaville ihmisille. Stoneham vakuutti itse maalanneensa 5-vuotiaana. Pojan takana oleva ovi on este todellisuuden ja unelmamaailman välillä. Toisaalta nukke on opas, joka voi viedä lapsen maailmasta toiseen. Kädet ovat vaihtoehtoisia elämiä tai ihmisen kykyjä. Maalaus tuli kuuluisaksi helmikuussa 2000. Se laitettiin myyntiin eBayssa, kertomalla, että sillä on aaveita. Lopulta Kim Smith osti Hands Resist Himin 1 025 dollarilla. Pian ostaja oli kirjaimellisesti upotettu kirjeillä pelottavia tarinoitaliittyy maalaukseen ja vaatimus tuhota tämä maalaus.

Niistä jaloista taideteoksista, jotka ilahduttavat silmää ja aiheuttavat vain positiiviset tunteet, on maalauksia, lievästi sanottuna, outoja ja järkyttäviä. Esitämme huomioillesi 20 maalausta, kuuluvat harjaan maailmankuulu taiteilijat, jotka saavat sinut kauhistumaan ...

"Mielen menetys aineesta"

Maalaus, maalattu vuonna 1973 itävaltalainen taiteilija Otto Rapp. Hän kuvasi rappeutuvan ihmisen pään, laitetun lintuhäkin päälle, joka sisältää palan lihaa.

"Keskeytetty elävä negro"

Dante ja Virgil helvetissä

"Helvetti"

"Suuri punainen lohikäärme ja merihirviö"

"Veden henki"

"Necronom IV"

"Nylkevä Marcia"

"Pyhän Antoniuksen kiusaus"

"Peitetyt päät"

"Huutaa"

"Maratin kuolema"

"Asetelma naamiot"

Gallowgate Rasva

"Saturnus syönyt poikansa"

"Judith tappoi Holofernesin"

"Painajainen"

"Syyttömien joukkomurha"

"Tutkimus viattoman X Velazquezin muotokuvasta"

"Maallisten herkkujen puutarha"

Maalaus, jos et ota huomioon realisteja, on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa. Metaforinen, etsii uusia muotoja ja ilmaisutapoja. Mutta jotkut omituiset kuvat ovat oudompia kuin toiset.

Jotkut taideteokset näyttävät lyövän katsojaa päähän, hämmentyneitä ja hämmästyneitä. Jotkut heistä vetävät sinut ajatuksiin ja etsimään semanttisia kerroksia, salaa symbolismia. Jotkut maalaukset on peitetty salaisuuksilla ja mystisillä arvoituksilla, ja jotkut yllättävät kohtuuttomista hinnoista.

On selvää, että "omituisuus" on melko subjektiivinen käsite, ja jokaisella on omat hämmästyttävät kuvat, jotka erottuvat useista muista taideteoksista. Esimerkiksi Salvador Dalin teoksia ei tarkoituksella sisällytetä tähän kokoelmaan, jotka kuuluvat täysin tämän materiaalin muotoon ja tulevat ensimmäiseksi mieleen.

Salvador Dali

"Nuori neitsyt, joka hemmottelee Sodoman syntiä oman siveyden sarvilla"

1954

Edvard Munch "The Scream"
1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli. 91x73,5 cm
Kansallisgalleria, Oslo

Huutoa pidetään ekspressionismin merkittävänä tapahtumana ja yhtenä maailman tunnetuimmista maalauksista.

"Kävelin polkua kahden ystävän kanssa - aurinko laski - yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, keskeytin, tunsin uupuneelta ja nojauduin aitaa vasten - katsoin verta ja liekkejä sinertävän mustan vuonon ja kaupungin yli - ystäväni jatkoivat, seisoin, vapisen jännityksestä, tunteen loputtoman itkun lävitsevän luonteen ", kertoi Edvard Munch maalauksen historiasta.

Kuvatusta on olemassa kaksi tulkintaa: sankari itse tarttuu kauhuun ja huutaa hiljaa, painamalla kätensä korvilleen; tai sankari sulkee korvansa rauhan ja luonnon itkulta, joka kuuluu. Munch kirjoitti 4 versiota "The Screamista", ja on olemassa versio, että tämä kuva on maanis-depressiivisen psykoosin hedelmä, josta taiteilija kärsi. Kliinisen hoitojakson jälkeen Munch ei palannut työskentelemään kankaalla.

Paul Gauguin "Mistä olemme kotoisin? Ketkä olemme? Minne olemme menossa?"
1897 - 1898, öljy kankaalle. 139,1x374,6 cm
Kuvataidemuseo, Boston

Hän maalasi syvästi filosofisen kuvan postimpressionistista Paul Gauguinista Tahitissa, missä hän pakeni Pariisista. Työn päätyttyä hän halusi jopa itsemurhan, koska "Uskon, että tämä kangas ei ole vain parempi kuin kaikki aiemmat ja etten koskaan luo jotain parempaa tai edes vastaavaa." Hän asui vielä 5 vuotta, ja niin se tapahtui.

Itse Gauguinin suuntaan maalaus tulisi lukea oikealta vasemmalle - otsikossa esitetyt kysymykset kuvaavat kolme päähahmoryhmää. Kolme naista, joilla on lapsi, edustavat elämän alkua; keskiryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; viimeisessä ryhmässä, taiteilijan suunnittelemana, "vanha nainen, joka lähestyy kuolemaa, näyttää olevan sopeutunut ja omistautunut pohdintoilleen", jalkojensa "outo valkoinen lintu ... edustaa sanojen turhaa turhaa".

Pablo Picasso "Guernica"
1937, kangas, öljy. 349x776 cm
Reina Sofian museo, Madrid

Valtava maalaus-fresko "Guernica", maalannut Picasso vuonna 1937, kertoo Luftwaffen vapaaehtoisyksikön ryöstöstä Guernican kaupunkiin, jonka seurauksena kuudentuhannen kaupungin tuhoaminen tapahtui kokonaan. Kuva kirjoitettiin kirjaimellisesti kuukaudessa - kuvan ensimmäisinä päivinä Picasso työskenteli 10–12 tuntia ja jo ensimmäisissä luonnoksissa oli nähtävissä pääidea. Tämä on yksi parhaista havainnoista fasismin painajaisesta sekä ihmisten julmuudesta ja surusta.

Guernica esittelee kuoleman, väkivallan, julmuuden, kärsimyksen ja avuttomuuden kohtauksia määrittelemättä välittömiä syitä, mutta ne ovat ilmeisiä. Sanotaan, että vuonna 1940 Pablo Picasso kutsuttiin Pariisin Gestapoon. Puhe kääntyi heti maalaukseen. "Teitkö sinä tuon?" - "Ei, teit sen."

Jan van Eyck "Arnolfini-parin muotokuva"
1434, puu, öljy. 81,8x59,7 cm
Lontoon kansallisgalleria, Lontoo

Oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinin ja hänen vaimonsa muotokuva on yksi Länsi-Pohjoisen renessanssin maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista.

Kuuluisa maalaus on täysin ja täysin täynnä symboleja, allegooria ja erilaisia \u200b\u200bviitteitä - aina allekirjoitukseen saakka "Jan van Eyck oli täällä", joka muutti sen paitsi taideteokseksi, myös historialliseksi asiakirjaksi, joka vahvistaa todellisen tapahtuman, johon taiteilija osallistui.

Venäjällä viime vuosina maalaus on saanut suurta suosiota johtuen Arnolfinin muotokuvan mukaisesta Vladimir Putiniin

Mikhail Vrubel "Istuva demoni"
1890, kangas, öljy. 114x211 cm
Tretjakovin galleria, Moskova

Mikhail Vrubelin maalaus yllättää demonin kuvan. Surullinen, pitkäkarvainen kaveri ei lainkaan muistuta ihmisen ajatusta siitä, miltä pahan hengen pitäisi näyttää. Taiteilija itse puhui tunnetuimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän hallitseva ja majesteettinen henki."

Tämä on kuva ihmisen hengen vahvuudesta, sisäisestä kamppailusta, epäilystä. Kädet puristettiin traagisesti, demoni istuu etäisyyteen suunnattujen valtavien surullisten silmien avulla, kukien ympäröimänä. Yhdistelmä korostaa demonin hahmon rajoitusta ikään kuin kerrosten ylä- ja alaradan välissä.

Vasily Vereshchagin "Sodan apoteosi"
1871, kangas, öljy. 127x197 cm
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova

Vereshchagin on yksi tärkeimmistä venäläisistä taistelutaiteilijoista, mutta hän maalasi sotia ja taisteluita ei siksi, että rakasti niitä. Päinvastoin, hän yritti kertoa ihmisille negatiivisen asenteensa sotaan. Kerran Vereshchagin, tunteiden kuumuudessa, huudahti: "En maalaa enää taistelukuvia - basta! Otan kirjoitetun liian sydämelleni, itken (kirjaimellisesti) kaikkien haavoittuneiden ja surmattujen surun." Todennäköisesti tämän itkun tuloksena oli kauhea ja kiehtova maalaus "Sodan apoteosis", joka kuvaa kenttää, variksia ja vuoria ihmisen kalloista.

Kuva on maalattu niin syvästi ja emotionaalisesti, että jokaisen tässä kasassa olevan kallon takana alat nähdä ihmisiä, heidän kohtalonsa ja niiden kohtalot, jotka eivät enää näe näitä ihmisiä. Itse Vereshchagin kutsui surullista sarkasmia kangasta "asetelmaksi" - se kuvaa "kuollutta luontoa".

Kaikki maalauksen yksityiskohdat, mukaan lukien keltainen väritys, symboloivat kuolemaa ja tuhoa. Kirkas sininen taivas korostaa kuvan kuolemaa. Sapien arvet ja kallon luolireiät ilmaisevat myös ajatuksen "sodan apoteosista".

Grant Wood "Amerikan goottilainen"
1930, öljy. 74x62 cm
Chicagon taidemuseo, Chicago

"American Gothic" on yksi 1900-luvun amerikkalaisen taiteen tunnetuimmista kuvista, 20. ja 21. vuosisatojen tunnetuin taiteellinen meri.

Maalauksessa synkkä isä ja tytär ovat täynnä yksityiskohtia, jotka osoittavat kuvattujen ihmisten vakavuuden, puritanismin ja retrogradeniteetin. Vihaiset kasvot, pikihaarukat kuvan keskellä, vanhanaikaiset vaatteet jopa vuoteen 1930 saakka, paljastettu kyynärpää, saumattomat viljelijän vaatteet, toistaen harjanteen muodon, ja siten uhka, joka on osoitettu kaikille, jotka kohtaavat. Kaikki nämä yksityiskohdat voidaan tutkia loputtomasti ja horjua levottomuuksista.

Mielenkiintoista on, että Chicagon taidemuseon kilpailun tuomarit pitivät goottilaista "humoristisena ystävänpäivänä", ja Iowan asukkaat loukkasivat Woodia hirveästi heidän esittäessään heitä niin epämiellyttävässä valossa.

Rene Magritte "Rakastajat"
1928, kangas, öljy

Maalaus "Lovers" ("Rakastajat") on olemassa kahdessa versiossa. Yhdessä heistä mies ja nainen, joiden päät on kääritty valkoiseen kankaaseen, ovat suudella, ja toiset he "katsovat" katsojaan. Kuva on yllättävä ja kiehtova. Kaksi hahmoa ilman kasvoja, Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta. Sokeudesta kaikessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, emme näe heidän todellisia kasvojaan, ja lisäksi rakastajat ovat mysteeri jopa toisilleen. Mutta tällä näennäisellä selkeydellä katsomme edelleen Magritten ystäviä ja ajattelemme heitä.

Lähes kaikki Magritten maalaukset ovat arvoituksia, joita ei voida täysin ratkaista, koska ne herättävät kysymyksiä olemisen ytimestä. Magritte puhuu koko ajan näkyvän vilpillisyydestä, sen piilotetusta mysteeristä, jota emme yleensä huomaa.

Marc Chagall "Kävele"
1917, kangas, öljy
Valtion Tretjakovin galleria

Marc Chagall kirjoitti maalauksessaan yleensä erittäin vakavasti. Hän on kirjoittanut ilahduttavan manifestin omasta onnellisuudestaan, täynnä allegooria ja rakkautta.

The Walk on omakuva vaimonsa Bellan kanssa. Hänen rakastetunsa nousee taivaalla ja se näyttää vetäytyvän lennolle ja Chagallille, seisoen maassa epävarmasti, ikään kuin koskettamalla sitä vain kenkien varpailla. Toisaalta Chagallilla on titto-hiiri - hän on onnellinen, hänellä on sekä titmouse kädessä (todennäköisesti maalaus) että nosturilla taivaalla.

Hieronymus Bosch "Maallisten ilojen puutarha"
1500-1510, puu, öljy. 389x220 cm
Prado, Espanja

Maallisten ilojen puutarha on Hieronymus Boschin tunnetuin triptyykki, joka on nimetty keskusosan teeman mukaan ja on omistettu himon synnille. Tähän mennessä yhtäkään kuvan tulkinnoista ei ole tunnistettu ainoaksi oikeaksi.

Triptyykin kestävä viehätys ja samalla omituisuus piilee siinä, miten taiteilija ilmaisee pääidean monien yksityiskohtien kautta. Kuva on täynnä läpinäkyviä hahmoja, fantastisia rakenteita, hirviöitä, hallusinaatioita, jotka ovat ottaneet lihakseen, todellisuuden karkeita karikatyyrejä, joita hän tarkastelee koettelemalla, erittäin terävällä katseella.

Jotkut tutkijat halusivat nähdä triptyykissä kuvan ihmisen elämästä sen turhamaisuuden prisman ja maallisen rakkauden kuvien kautta, toiset - innokkuuden voiton. Syyttömyys ja jonkinlainen irtaantuminen, jolla yksittäisiä hahmoja tulkitaan, samoin kuin kirkon viranomaisten suotuisa asenne tähän työhön, tekevät kuitenkin epäilystä siitä, että sen sisältö voisi olla kehon ilojen ylistäminen.

Gustav Klimt "Naisen kolme ikää"
1905, kangas, öljy. 180x180 cm
Nykytaiteen kansallisgalleria, Rooma

"Kolme naista" on samanaikaisesti riemukas ja surullinen. Naisen elämän tarina on kirjoitettu siinä kolmeen lukuun: huolimattomuus, rauha ja epätoivo. Nuori nainen on orgaanisesti kudottu elämän koristeeksi, vanha erottuu hänestä. Kontrastina nuoren naisen tyylitellyn kuvan ja vanhan naisen naturalistisen kuvan välillä on symbolinen merkitys: elämän ensimmäinen vaihe tuo mukanaan loputtomia mahdollisuuksia ja metamorfooseja, viimeinen - muuttumaton pysyvyys ja ristiriita todellisuuden kanssa.

Kangas ei päästä irti, kiipeää sielun sisään ja saa miettimään taiteilijan viestin syvyyttä sekä elämän syvyyttä ja väistämättömyyttä.

Egon Schiele "Perhe"
1918, kangas, öljy. 152,5x162,5 cm
Galleria "Belvedere", Wien

Schiele oli Klimtin opiskelija, mutta kuten mikä tahansa erinomainen opiskelija, hän ei kopioinut opettajaansa, vaan etsinyt jotain uutta. Schiele on paljon traagisempi, omituisempi ja pelottavampi kuin Gustav Klimt. Hänen teoksissaan on paljon sitä, mitä voidaan kutsua pornografiaksi, erilaisiksi perversioiksi, naturalismiksi ja samanaikaisesti kivultavaksi.

"Perhe" on hänen viimeinen teoksensa, jossa epätoivo viedään absoluuttiin, huolimatta siitä, että se on hänen vähiten outo näköinen kuva. Hän piirsi hänet juuri ennen kuolemaansa, kun hänen raskaana olevan vaimonsa Edith kuoli espanjalaisesta naisesta. Hän kuoli 28-vuotiaana vain kolme päivää Edithin jälkeen, kun hän onnistui piirtämään hänet, itsensä ja heidän syntymätön lapsi.

Frida Kahlo "Kaksi Fridaa"
1939

Meksikolaisen taiteilijan Frida Kahlon vaikean elämän historia tuli tunnetuksi sen jälkeen kun elokuva "Frida" julkaistiin, kun nimiroolissa oli Salma Hayek. Kahlo kirjoitti lähinnä omakuvia ja selitti sen yksinkertaisesti: "Maalaan itseäni, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten."

Yksi ainoa Frida Kahlo omakuvan hymyilee: vakava, jopa surullinen kasvot, tuulet kulmakarvat sulautuvat yhteen, tuskin havaittavat antennit tiukasti puristettujen huulten yli. Hänen maalauksensa ideat on salattu yksityiskohtiin, taustaan \u200b\u200bja hahmoihin, jotka ilmestyvät Fridan viereen. Kahlo-symbolismi perustuu kansallisiin perinteisiin ja liittyy läheisesti alkuperäis-amerikkalaiseen mytologiaan pre-latinalaisamerikkalaisella kaudella.

Yhdessä parhaimmista maalauksista - "Kaksi Fridaa" - hän ilmaisi miehisiä ja naisellisia periaatteita, joita hän yhdisti yhdellä verenkiertoelimellä, osoittaen hänen koskemattomuuttaan. Lisätietoja Fridasta, katso TÄMÄ kaunis mielenkiintoinen viesti

Claude Monet "Waterloosilta. Sumuvaikutus"
1899, kangas, öljy
Valtionermitaatti, Pietari

Kun katsot kuvaa läheiseltä etäisyydeltä, katsoja ei näe mitään muuta kuin kangas, jolle tehdään usein paksuja öljyiskuvia. Kaikki työn taikuus paljastuu, kun alamme vähitellen siirtyä kankaasta pidemmälle.

Aluksi kuvan keskellä läpikäyviä ymmärrettäviä puolipyöriä alkaa ilmestyä edessämme, sitten näemme veneiden selkeät ääriviivat ja siirtyessämme noin kahden metrin etäisyydeltä kaikki yhdistysteokset piirretään terävästi edessämme ja rivitetään loogiseen ketjuun.

Jackson Pollock "Numero 5, 1948"
1948, kuitulevy, öljy. 240x120 cm

Tämän kuvan omituisuus on se, että abstraktin ekspressionismin yhdysvaltalaisen johtajan piirtoalusta, jonka hän maalasi levittäen maalia lattialle levitetylle kuitulevykappaleelle, on maailman kallein maalaus. Vuonna 2006 Sothebyn huutokaupassa he maksoivat siitä 140 miljoonaa dollaria. Elokuvien tuottaja ja keräilijä David Giffen myi sen meksikolaiselle rahoittajalle David Martinezille.

"Siirryn edelleen taiteilijoiden tavanomaisista työkaluista, kuten maalaustelineestä, paletista ja harjoista. Pidän mieluummin sauvoja, kauhoja, veitsiä ja kaatavaa maalia tai maaliseosta hiekalla, rikkoutuneella lasilla tai jotain muuta. Kun olen maalauksen sisällä, en tiedä Mitä teen. Ymmärrys tulee myöhemmin. Minulla ei ole pelkoa kuvan muutoksista tai tuhoutumisesta, koska kuva elää omaa elämäänsä. Autan vain sen syntymistä. Mutta jos menetän yhteyden kuvaan, siitä tulee sotku ja sotku. Jos ei, se on puhdasta harmoniaa, kuinka kevyesti otat ja annat. "

Joan Miró "Mies ja nainen rutan edessä"
1935, kupari, öljy, 23x32 cm
Joan Miró -säätiö, Espanja

Mukava otsikko. Ja kuka olisi uskonut, että tämä kuva kertoo meille sisällissodan kauhista. Maalaus tehtiin kuparilevylle viikolla 15. lokakuuta - 22. lokakuuta 1935.

Miron mukaan tämä on seurausta yrityksestä kuvata Espanjan sisällissodan tragediaa. Miro sanoi, että tämä on kuva ahdistuksen ajanjaksosta.

Maalaus kuvaa miestä ja naista, jotka pyrkivät toisiinsa syleilyssä, mutta eivät liikkuvat. Laajentuneita sukupuolielimiä ja pahaenteisiä värejä on kuvattu "täynnä inhoa \u200b\u200bja inhottavaa seksuaalisuutta".

Jacek Jerka "Eroosio"

Puolalainen uus Surrealist tunnetaan kaikkialla maailmassa hämmästyttävistä maalauksistaan, jotka yhdistävät todellisuudet luoda uusia.

Bill Stoneham "Kädet vastustavat häntä"
1972

Tätä tietysti tuskin voi lukea maailman maalauksen mestariteoksiin, mutta se, että se on outoa, on tosiasia.

Maalauksen ympärillä on legendoja, joissa poika, nukke ja kämmen on painettu lasia vasten. Alkaen "tämän kuvan takia kuolee" - "siihen lapset ovat elossa". Kuva näyttää todella kammolta, mikä herättää paljon pelkoja ja spekulointia heikon psyykkisen ihmisen kanssa.

Taiteilija vaati, että maalaus kuvaa itseään viiden vuoden iässä, että ovi edustaa todellisen ja unelmamaailman välistä rajaa ja nukke on opas, joka voi johtaa poikaa tämän maailman läpi. Aseet edustavat vaihtoehtoisia elämiä tai mahdollisuuksia.

Maalaus nousi näkyvyyteen helmikuussa 2000, kun se saatettiin myyntiin eBayssa selkänojan kanssa, jonka mukaan maalaus oli "ahdisti".

Kim Smith osti "kädet vastustavat häntä" 1025 dollarilla. Hänet tukahdutettiin sitten vain kirjeillä, joissa oli kauheita tarinoita siitä, kuinka hallusinaatiot ilmestyivät, ihmiset todella hulluksi katselivat työtä ja vaativat kuvan polttamista

Maalaaminen realistien lisäksi on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa. Mutta jotkut kuvat ovat oudompia kuin toiset.

On taideteoksia, jotka näyttävät lyövän katsojaa päähän, hämmentyneitä ja hämmästyneitä.

Valoisa puoli tarkasteli huolellisesti kaikkia maailman maalauksen tärkeimpiä saavutuksia ja valitsi heistä kaksi tusinaa omituisinta maalausta. Emme tarkoituksella sisällyttäneet tähän kokoelmaan Salvador Dalia, jonka teokset kuuluvat täysin tämän materiaalin muotoon ja tulevat mieleen ensimmäisinä.

On selvää, että "omituisuus" on melko subjektiivinen käsite ja jokaisella on omat hämmästyttävät kuvat, jotka erottuvat useista muista taideteoksista. Olemme iloisia, jos jaat ne kommentteihin ja kerrot meille vähän niistä.

"Huutaa"

Edvard Munch. 1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli.

Kansallisgalleria, Oslo.

Kuuluisa maalaus on täysin ja täynnä symboleja, allegooria ja erilaisia \u200b\u200bviitteitä - aina allekirjoituksen "Jan van Eyck oli täällä" alle, joka muutti maalauksen paitsi taideteoksesta, myös historialliseksi asiakirjaksi, joka vahvistaa tapahtuman todellisuuden, jossa taiteilija oli läsnä.

Oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinin ja hänen vaimonsa muotokuva on yksi Länsi-Pohjoisen renessanssin maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista.

Venäjällä viime vuosina maalaus on saanut suurta suosiota johtuen Arnolfinin muotokuvan muistuttamisesta Vladimir Putiniin.

"Demon istuu"

Mikhail Vrubel. 1890, kangas, öljy.

Mikhail Vrubelin maalaus yllättää demonin kuvan. Hänen surullinen ulkonäkö ei lainkaan muistuta ihmisen yleistä käsitystä siitä, millaisen pahan hengen pitäisi näyttää.

Tämä on kuva ihmisen hengen vahvuudesta, sisäisestä kamppailusta, epäilystä. Kädet puristettiin traagisesti, Demon istuu kukien ympäröimänä ja katsoi etäisyyteen. Yhdistelmä korostaa hänen hahmonsa tiiviyttä, ikään kuin kerroksen ylä- ja alaradan välissä.

Taiteilija itse puhui tunnetuimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän hallitseva ja majesteettinen henki."

"Sodan apoteoosi"

Vasily Vereshchagin. 1871, kangas, öljy.
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova.

Kuvan sodan metafora välittää kirjoittaja niin tarkasti ja syvästi, että jokaisen tässä kasassa olevan kallon takana alat nähdä ihmisiä, heidän kohtaloitaan ja niiden kohtaloita, jotka eivät koskaan näe näitä ihmisiä enää. Vereshchagin itse kutsui sarkastiisesti kangasta "asetelmaksi" - se kuvaa "kuollutta luontoa". Kaikki maalauksen yksityiskohdat, mukaan lukien keltainen väritys, symboloivat kuolemaa ja tuhoa. Kirkas sininen taivas korostaa kuvan kuolleisuutta. Sapien arvet ja kallon luolireiät ilmaisevat myös ajatuksen "sodan apoteosista".

Vereshchagin on yksi tärkeimmistä venäläisistä taistelutaiteilijoista, mutta hän maalasi sotia ja taisteluita ei siksi, että hän näki niissä kauneuden ja suuruuden. Päinvastoin, taiteilija yritti välittää ihmisille kielteisen asenteensa sotaan.

Kerran Vereshchagin, tunteiden kuumuudessa, huudahti: "En maalaa enää taistelukuvia - basta! Otan kirjoitetun liian sydämelleni, itken (kirjaimellisesti) jokaisen haavoittuneen ja surman surun." Todennäköisesti tämän puhkeamisen tulos oli kauhea ja kiehtova kuva "Sodan apoteosis".

"Amerikkalainen goottilainen"

Grant Wood. 1930, öljy. 74 x 62 cm.

Chicagon taidemuseo, Chicago.

Maalaus, jossa on synkkää isän ja tytärkuvaa, on täynnä yksityiskohtia, jotka osoittavat kuvattujen ihmisten vakavuuden, puritanismin ja retrogradeniteetin. Vihaiset kasvot, pikihaarukat kuvan keskellä, vaatteet, jotka olivat jo vanhanaikaisia \u200b\u200bjopa vuoteen 1930 verrattuna, saumat viljelijän vaatteissa, toistaen piikkipuun muodon, symbolina uhkasta, joka on osoitettu kaikille, jotka törmäävät. Kangas on täynnä synkkäjä yksityiskohtia, jotka saavat sinut värisemään levottomuuksista.

"American Gothic" on yksi 1900-luvun amerikkalaisen taiteen tunnetuimmista kuvista, 20. ja 21. vuosisatojen tunnetuin taiteellinen meri.

Mielenkiintoista on, että Chicagon taidemuseon kilpailun tuomarit pitivät goottilaista "humoristisena ystävänpäivänä", ja Iowan asukkaat loukkasivat Woodia hirveästi heidän esittäessään heitä niin epämiellyttävässä valossa.

"Lovers"

Rene Magritte. 1928, kangas, öljy.

Maalaus "Lovers" ("Rakastajat") on olemassa kahdessa versiossa. Yhdessä kankaassa mies ja nainen, joiden päät on kääritty valkoiseen kankaaseen, ovat suudella, ja toisaalta he "katsovat" katsojaan. Kuva on yllättävä ja kiehtova.

Kaksi hahmoa ilman kasvoja, Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta. Sokeudesta kaikessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, emme näe heidän todellisia kasvojaan, ja lisäksi rakastajat ovat mysteeri jopa toisilleen. Mutta tällä näennäisellä selkeydellä katsomme edelleen Magritten ystäviä ja ajattelemme heitä.

Lähes kaikki Magritten maalaukset ovat arvoituksia, joita ei voida täysin ratkaista, koska ne herättävät kysymyksiä olemisen ytimestä. Magritte puhuu koko ajan näkyvän petosta, piilotetusta mysteeristä, jota emme yleensä huomaa.

"Kävele"

Marc Chagall. 1917, kangas, öljy.
Valtion Tretjakovin galleria.

Meksikolaisen taiteilijan Frida Kahlon vaikean elämän historia tuli tunnetuksi sen jälkeen kun elokuva "Frida" julkaistiin, kun nimiroolissa oli Salma Hayek. Kahlo kirjoitti lähinnä omakuvia ja selitti sen yksinkertaisesti: "Maalaan itseäni, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten."

Yksi ainoa Frida Kahlo omakuvan hymyilee: vakava, jopa surullinen kasvot, tuulet kulmakarvat sulautuvat yhteen, tuskin havaittavissa oleva antenni hänen tiukasti puristettujen huultensa yläpuolella. Taiteilijan ideat on salattu yksityiskohtiin, taustaan \u200b\u200bja hahmoihin, jotka ilmestyvät tekijän kuvan viereen kankaalle. Kahlon symboliikka perustuu kansallisiin perinteisiin ja liittyy läheisesti alkuperäis-amerikkalaiseen mytologiaan pre-latinalaisamerikkalaisella kaudella.

Yhdessä parhaimmista maalauksistaan, Kaksi Fridasta, hän ilmaisi maskuliinisia ja naispuolisia periaatteita, joita hän yhdisti yhdellä verenkiertoelimellä ja osoitti hänen koskemattomuuttaan.

"Waterloosilta. Sumuvaikutus"

Claude Monet. 1899, kangas, öljy.
Valtion Eremitaasin museo, Pietari.

Mukava otsikko. Ja kuka olisi uskonut, että tämä teos kertoo meille sisällissodan kauhista.

Maalaus tehtiin kuparilevylle viikolla 15.-22. Lokakuuta 1935. Miro väittää, että tämä johtuu yrityksestä kuvata Espanjan sisällissodan tragediaa, kuvaa levottomuuksien ajanjaksosta. Kankaassa on kuvattu miehen ja naisen hahmot, jotka ulottuvat toisiinsa syleilyssä, mutta eivät liikkuvat samanaikaisesti. Laajennetut sukupuolielimet ja pahaenteiset värit olivat tekijän kuvaamia "täynnä inhoa \u200b\u200bja inhottavaa seksuaalisuutta".

"Eroosio"

Puolalainen uus Surrealist tunnetaan kaikkialla maailmassa uskomattomista maalauksistaan, joissa yhdistyvät todellisuudet, jotka luovat uusia. Hänen erittäin yksityiskohtaisia \u200b\u200bja jossain määrin koskettavia teoksia on vaikea pitää yksitellen, mutta tämä on materiaalimme muoto. Suosittelemme, että tutustut itse.

"Kädet vastustavat häntä"

Bill Stoneham. 1972.

Tätä tietysti ei voida luokitella maailmanmaalauksen mestariteoksiin, mutta se, että se on outoa, on tosiasia.

Maalauksen ympärillä on legendoja, joissa poika, nukke ja kämmen on painettu lasia vasten. Alkaen "tämän kuvan takia kuolee" - "siihen lapset ovat elossa". Kuva näyttää todella kammolta, mikä herättää paljon pelkoja ja spekulointia heikon psyykkisen ihmisen kanssa.

Taiteilija vaati, että maalaus kuvaa itseään viiden vuoden ikäisenä, että ovi edustaa todellisen ja unelmamaailman välistä rajaa ja nukke on opas, joka voi johtaa poikaa tämän maailman läpi. Aseet edustavat vaihtoehtoisia elämiä tai mahdollisuuksia.

Maalaus nousi näkyvyyteen helmikuussa 2000, kun se saatettiin myyntiin eBayssa selkänojan kanssa, että maalaus "ahdisti". Kim Smith osti "Hands Resist Him" \u200b\u200b-nimisen 1025 dollaria. Hänet sitten valloitettiin vain kauheiden tarinoiden kirjeillä ja pyydettiin palamaan kuva.