Maailman omituisin kuva. Peter Paul Rubensin vauvojen lyöminen

Maalaus, jos et ota huomioon realisteja, on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa, metaforista, etsien uusia muotoja ja ilmaisutapoja. Mutta on olemassa useita maalauksia, joiden omituisuus ei voi jättää ketään välinpitämättömäksi.
Jotkut taideteokset näyttävät lyövän katsojaa päähän, hämmentyneitä ja hämmästyneitä; jotkut - vedä ajatuksiin ja etsiessään semanttisia kerroksia, salaa symbolismista. Jotkut maalaukset on peitetty salaisuuksilla ja mystisillä arvoituksilla, ja jotkut ovat yllättäviä kohtuuttomalla hinnalla.

10 omituisinta kuvaa maailmassa

1. Edvard Munch "Scream"

1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli. 91 × \u200b\u200b73,5 cm
Kansallisgalleria, Oslo

Jättäen monille erittäin epämiellyttävä jälkimaku ja jopa pelottava kuva "The Scream" on ehkä yksi outoimmista kuvista maailmassa.

Huutoa pidetään ekspressionismin merkittävänä tapahtumana ja yhtenä parhaimmista kuuluisia maalauksia maailmassa.
“Kävelin polkua kahden ystävän kanssa - aurinko laski - yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, keskeytin, tunsin uupuneelta ja nojauduin aitaa vasten - katsoin verta ja liekkejä sinertävän mustan vuonon ja kaupungin yli - ystäväni jatkoivat, ja seisoin, vapisen jännityksestä, tunteen loputtoman huudon, joka lävistää luonnon ", - kertoi Edvard Munch maalauksen historiasta.

2. Paul Gauguin “Mistä olemme kotoisin? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"
1897 - 1898, öljy kankaalle. 139,1 × 374,6 cm
Kuvataidemuseo, Boston

Postimpressionistin Paul Gauguinin syvällinen filosofinen kuva maalattiin Tahitissa, missä hän pakeni Pariisista. Työn päätyttyä hän halusi jopa itsemurhan, koska uskoi: "Uskon, että tämä kangas ei ole vain parempi kuin kaikki aikaisemmat, mutta en koskaan luo jotain parempaa tai edes vastaavaa."

3. Pablo Picasso "Guernica"
1937, kangas, öljy. 349 × 776 cm
Reina Sofian museo, Madrid

Sinun ei tarvitse olla taiteen asiantuntija nähdäksesi paljon kipua tässä omituisessa, omituisessa maalauksessa. Valtava maalaus-fresko "Guernica", maalannut Picasso vuonna 1937, kertoo vapaaehtoisyksikön "Luftwaffe" ryöstöstä Guernican kaupunkiin, jonka seurauksena 6000: n kaupungin kaupunki tuhoutui kokonaan. Kuva kirjoitettiin kirjaimellisesti kuukaudessa - kuvan ensimmäisinä päivinä Picasso työskenteli 10–12 tuntia, ja jo ensimmäisissä luonnoksissa oli nähtävissä pääidea... Tämä on yksi parhaat kuvat fasismin painajainen, samoin kuin ihmisten julmuus ja suru.

4. Jan van Eyck "Arnolfini-parin muotokuva"
1434, puu, öljy. 81,8 × 59,7 cm
Lontoo kansallisgalleria, Lontoo

Ensi silmäyksellä kuva ei anna vaikutelmaa omituisesta ja käsittämättömästä teoksesta, mutta se saa yleisön jäätymään ja vertaistumaan.

Oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinin ja hänen vaimonsa muotokuva on yksi Länsi-Pohjoisen renessanssin maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista.
Kuuluisa maalaus on täysin ja täynnä symboleja, allegooria ja erilaisia \u200b\u200bviitteitä - aina allekirjoitukseen saakka "Jan van Eyck oli täällä", joka muutti sen paitsi taideteokseksi, myös historialliseksi asiakirjaksi, joka vahvistaa todellisen tapahtuman, johon taiteilija osallistui.

5. Mihhail Vrubel "Istuva demoni"
1890, kangas, öljy. 114 × 211 cm
Tretjakovin galleria, Moskova

Tämän kuvan omituisuus on ensisijaisesti demonin odottamattomassa kuvassa. Surullinen, pitkäkarvainen kaveri ei lainkaan muistuta ihmisen ajatusta siitä, miltä pahan hengen pitäisi näyttää. Taiteilija itse puhui kuuluisimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän hallitseva ja majesteettinen henki."

6. Vasily Vereshchagin "Sodan apoteosi"
1871, kangas, öljy. 127 × 197 cm
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova

Vereshchagin on yksi Venäjän tärkeimmistä taistelutaiteilijoista, mutta hän maalasi sotia ja taisteluita ei siksi, että rakasti niitä. Päinvastoin, hän yritti kertoa negatiivinen asenne sotaan. Kerran Vereshchagin, tunteiden kuumuudessa, huudahti: ”En kirjoita lisää taistelukuvia - siinä kaikki! Otan sen, mitä kirjoitan liian lähellä sydäntäni, itken (kirjaimellisesti) kaikkien haavoittuneiden ja surmattujen surua. " Todennäköisesti tämän itkun tuloksena oli kauhea ja omituisen kiehtova maalaus "Sodan apoteosi", joka kuvaa kenttää, variksia ja vuoria ihmisen kalloista.

7. Grant Wood "Amerikan goottilainen"
1930, öljy. 74 × 62 cm
Chicagon taidemuseo, Chicago

"Amerikkalainen goottilainen" on yksi 1900-luvun amerikkalaisen taiteen tunnetuimmista kuvista, 20. ja 21. vuosisatojen tunnetuin taiteellinen meri. Kuvan omituisuus huomaa välittömästi. Maalauksessa synkkä isä ja tytär ovat täynnä yksityiskohtia, jotka osoittavat kuvattujen ihmisten vakavuuden, puritanismin ja retrogradeniteetin. Vihaiset kasvot, pikihaarukat suoraan maalauksen keskellä, vanhanaikaiset vaatteet jopa vuoteen 1930 saakka, paljastettu kyynärpää, viljelijän vaatteissa olevat saumat, jotka toistavat piikarin muodon, ja siten uhka, joka on osoitettu jokaiselle, joka heitä vastaan \u200b\u200btarttuu. Kaikkia näitä yksityiskohtia voidaan tarkastella loputtomasti ja kuristaa epämukavuudesta.

8. Rene Magritte "Lovers"
1928, kangas, öljy

Maalaus "Lovers" ("Rakastajat") on olemassa kahdessa versiossa. Yhdessä heistä mies ja nainen, joiden päät on kääritty valkoiseen kankaaseen, ovat suudella, ja toiset he "katsovat" katsojaan. Kuva on yllättävä ja kiehtova. Kaksi hahmoa ilman kasvoja, Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta. Sokeudesta kaikessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, eivät näe heitä tosi kasvot ja yleisö, ja lisäksi rakastajat ovat mysteeri jopa toisilleen.

9. Marc Chagall "Kävele"
1917, kangas, öljy
Valtion Tretjakovin galleria

Marc Chagall kirjoitti maalauksessaan yleensä erittäin vakavasti. Hän on kirjoittanut ilahduttavan manifestin omasta onnellisuudestaan, täynnä allegooria ja rakkautta. The Walk on omakuva vaimonsa Bellan kanssa. Hänen rakastetunsa nousee taivaalla ja se näyttää vetäytyvän lennolle ja Chagallille, seisoen maassa hauras, ikään kuin koskettamalla sitä vain kenkien varpailla. Toisaalta Chagallilla on titaanhiiri - hän on onnellinen, hänellä on sekä titmouse käsissä (todennäköisesti hänen maalauksensa) että nosturilla taivaalla.

10. Hieronymus Bosch "Puutarha maallisia nautintoja»
1500-1510, puu, öljy. 389 × 220 cm
Prado, Espanja

Maallisten ilojen puutarha on Hieronymus Boschin tunnetuin triptyykki, joka on nimetty keskusosan teeman mukaan ja on omistettu himon synnille. Tähän mennessä yhtäkään kuvan tulkinnoista ei ole tunnistettu ainoaksi oikeaksi.
Triptykyn kestävä viehätys ja samalla omituisuus piilee siinä, miten taiteilija ilmaisee pääidean monien yksityiskohtien kautta.

2. Paul Gauguin “Mistä olemme kotoisin? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"

897 - 1898, kangas, öljy. 139,1 × 374,6 cm
Kuvataidemuseo, Boston

Postimpressionistin Paul Gauguinin syvällinen filosofinen kuva maalattiin Tahitissa, missä hän pakeni Pariisista. Työn päätyttyä hän halusi jopa itsemurhan, koska uskoi: "Uskon, että tämä kangas ei ole vain parempi kuin kaikki aiemmat, mutta en myöskään koskaan luo jotain parempaa tai edes vastaavaa."

Viime vuosisadan 80-luvun lopun kesällä monet ranskalaiset maalarit kokoontuivat Pont-Aveniin (Bretagne, Ranska). He muuttivat yhdessä ja melkein heti jakautuivat kahteen vihamielisiin ryhmiin. Yhdessä heistä oli taiteilijoita, jotka aloittivat etsintäpolun ja joita yhdisti yleinen nimi "impressionistit". Toisen ryhmän, jota johtaa Paul Gauguin, mukaan tämä nimi oli väärinkäyttäjä. P. Gauguin oli tuolloin jo alle neljäkymmentä. Ympäröimä vieraiden maiden kokenut matkustajan salaperäinen halo, hänellä oli suuri elämäkokemus ja hänen työnsa ihailijat ja jäljittelijät.

Molemmat leirit jakautuivat ja pääosin asemaansa. Kun impressionistit asuivat ullakolla tai ullakolla, muut taiteilijat käyttivät Gloanek-hotellin parhaita huoneita, jotka ruokasivat suurimmassa ja mukavimmassa ravintolasalissa, missä ensimmäisen ryhmän jäseniä ei sallittu. Ryhmien väliset ristiriidat eivät kuitenkaan estäneet P. Gauguinia työskentelemästä, päinvastoin, he auttoivat häntä jossain määrin ymmärtämään ne piirteet, jotka herättivät hänen väkivaltaisen mielenosoituksensa. Impressionistien analyyttisen menetelmän hylkääminen oli osoitus hänen maalaustehtävien täydellisestä uudelleenarvioinnista. Impressionistien halu kaapata kaiken näkemänsä, oman taiteellinen periaate - Maalauksen antaminen vahingossa vakoiltuksi - ei vastannut P. Gauguinin imperiousistä ja energistä luonnetta.

Vielä vähemmän tyytyväinen teoreettiseen ja taiteelliseen tutkimukseensa J. Seurat, joka yritti vähentää maalausta kylmään, tieteellisten kaavojen ja reseptien järkevään käyttöön. Seuratin pointillistinen tekniikka, hänen metodinen maaliensa levittäminen siveltimellä ja pisteillä ärsyttivät Paul Gauguinia heidän yksitoikkoisuudestaan.

Taiteilijan oleskelu Martiniquessa luonnon keskellä, joka näytti hänelle olevan ylellinen, upea matto, vakuutti lopulta P. Gauguinin käyttämään maalauksissaan vain koristelematonta väriä. Yhdessä hänen kanssaan ajatuksensa jakaneet taiteilijat julistivat "Synthesis" -periaatteensa - ts. Synteettisen yksinkertaistuksen linjoille, muodoille ja väreille. Tämän yksinkertaistamisen tarkoituksena oli välittää maksimaalisen värien voimakkuuden vaikutelma ja jättää pois kaikki tämä vaikutelmaa heikentävä asia. Tämä tekniikka muodosti vanhan perustan koristemaalaus freskot ja lasimaalarit.

P. Gauguin oli erittäin kiinnostunut kysymyksestä värin ja värien suhteesta. Hän yritti myös maalauksessaan ilmaista satunnaista ja ei pinnallista, mutta pysyvää ja välttämätöntä. Laki oli hänelle vain taiteilijan ja hänen luova tahto taiteellinen tehtävä hän näki ilmaisuna sisäinen harmonia, jonka hän ymmärsi synteesinä luonnon rehellisyydestä ja taiteilijan sielun mielialasta, jota tämä rehellisyys häiritsi. P. Gauguin itse puhui siitä tällä tavoin: "En luule luonnon totuuteen, joka on näkyvissä ulkoisesti ... Oikaista tämä väärä näkökulma, joka vääristää aihetta sen totuudenmukaisuuden vuoksi ... Sinun tulisi välttää dynaamisuutta. Anna kaiken hengittää rauhalla ja sielun rauhalla. , vältä liikkuvia pososeja ... Jokaisen merkin on oltava staattisessa asennossa. " Ja hän lyhensi maalauksiensa perspektiiviä, toi lähemmäksi tasoa asettamalla hahmot etusijaintiin ja välttäen etäisyyksiä. Siksi P. Gauguinin kuvaamat ihmiset ovat maalauksissa liikkumattomia: ne ovat kuin patsaita, jotka on veistetty suurella taltalla ilman turhia yksityiskohtia.

aika kypsä luovuus Paul Gauguin aloitti Tahitissa, ja juuri täällä taiteellisen synteesin ongelma sai täyden kehityksen. Tahitissa taiteilija luopui paljon tiedosta: tropiikissa muodot ovat selkeät ja selvät, varjot ovat raskaita ja kuumia ja kontrastit ovat erityisen teräviä. Täällä kaikki hänen Pont-Avenissa asettamansa tehtävät ratkaistiin itse. P. Gauguinin maalit tulevat kirkkaiksi ilman tahroja. Hänen Tahitian maalauksensa tekevät vaikutuksen itämaiset matot tai freskoja, joten niiden värit saadaan harmonisesti tiettyyn sävyyn.

Esitetään tämän ajanjakson (tarkoittaen taiteilijan ensimmäistä vierailua Tahitille) P. Gauguinin teos upea tarina, jonka hän kokenut kaukaisen Polynesian alkuperäisen, eksoottisen luonteen joukossa. Matajen seudulta hän löytää pienen kylän, ostaa kotaa, jonka toiselta puolelta valtameri roiskuu, ja toisaalta on näkyvissä vuori, jolla on valtava rako. Eurooppalaiset eivät olleet vielä päässeet tähän paikkaan, ja elämä näytti P. Gauguinille olevan todellinen maallinen paratiisi. Hän tottelee Tahitin elämän hidasta rytmiä, imee kirkkaat värit sininen meri, toisinaan peitetty vihreillä aalloilla, kaatuessaan kohinalla koralliriuttoja vastaan.

Ensimmäisistä päivistä lähtien taiteilija on perustanut yksinkertaiset, inhimilliset suhteet Tahitiansiin. Teos alkaa vangita yhä enemmän P. Gauguinia. Hän tekee luonnoksesta lukuisia luonnoksia ja yrittää joka tapauksessa kaapata kankaalle, paperille tai puulle tahilaisten luontaisia \u200b\u200bkasvoja, heidän figuureja ja asentoja - työssä tai levossa. Tänä aikana hän luo maailmankuuluja maalauksia "Kuolleiden henki herää", "Oletko mustasukkainen?", "Keskustelu", "Tahitian pastoraalit".

Mutta jos vuonna 1891 polku Tahitiin näytti hänelle loistavalta (hän \u200b\u200bmatkusti tänne Ranskan taiteellisten voittojen jälkeen), niin toisen kerran hän meni rakastetulle saarelleen sairaana miehenä, joka oli menettänyt suurimman osan illuusioistaan. Kaikki matkan aikana ärsyttivät häntä: pakotetut pysähdykset, hyödytön jäte, tiehaitat, tullin pilaaminen, pakkomielteiset seuralaiset ...

Hän ei ollut ollut Tahitissa vain kaksi vuotta, ja niin paljon on muuttunut täällä. Eurooppalainen raivous tuhosi alkuperäiskansojen alkuperäisen elämän, kaikki näyttää P. Gauguinille sietämättömästä häiriöstä: saaren pääkaupungissa Papeetessa sijaitseva sähkövalaistus ja kuninkaanlinnan vieressä oleva sietämätön karuselli ja entisen hiljaisuuden rikkova äänitteen äänet.

Tällä kertaa taiteilija oleskelee Punoauian alueella Tahitin länsirannikolla ja rakentaa taloa vuokratulle tontille merinäköalalla. Odotettaessa asettua tiukasti saarelle ja luomaan edellytykset työlle, hän ei säästä kustannuksiaan kodinsa järjestämisessä ja jää pian, kuten usein tapahtuu, ilman rahaa. P. Gauguin luottaa ystäviin, jotka ennen taiteilijan lähtöä Ranskasta lainasivat häneltä yhteensä 4000 frangia, mutta he eivät kiirettä palauttaneet heitä. Huolimatta siitä, että hän lähetti heille lukuisia muistutuksia velasta, hän valitti kohtalosta ja äärimmäisestä ahdingosta ...

Kevääseen 1896 mennessä taiteilija on joutunut vakavimman tarpeen pitoon. Tähän lisätään murtuneen jalan kipua, joka on peitetty haavaumilla ja joka aiheuttaa sietämätöntä kärsimystä, jättäen häneltä unen ja energian. Ajatus olemassaolotaisteluun liittyvien pyrkimysten turhuudesta, kaikkien epäonnistumisesta taiteelliset suunnitelmat saa hänet miettimään itsemurhaa yhä useammin. Mutta heti kun P. Gauguin tuntee pienimmän helpotuksen, taiteilijan luonto voittaa hänessä eturintaman ja pessimismi hajoaa elämänriemun ja luovuuden edessä.

Nämä olivat kuitenkin harvinaisia \u200b\u200bhetkiä, ja onnettomuudet seurasivat toisiaan katastrofaalisesti säännöllisesti. Ja kauheimmat uutiset hänelle olivat ranskalaiset uutiset hänen rakastetun tyttärensä Alinan kuolemasta. Pystymättä selviämään tappiosta, P. Gauguin otti valtavan annoksen arseenia ja meni vuorille, jotta kukaan ei voisi häiritä häntä. Itsemurhayritys johti siihen, että hän vietti yön kauhistuttavassa tuskissa, ilman apua ja täysin yksinäisesti.

Kauan aikaa taiteilija oli täysin uupumassa, hän ei voinut pitää harjaa käsissään. Hänen ainoa lohdutus oli valtava kangas (450 x170 cm), jonka hän maalasi ennen itsemurhan yritystä. Hän kutsui maalausta "Mistä me olemme? Ketkä olemme? Minne olemme menossa?" ja yhdessä kirjeessä, jonka hän kirjoitti: "Ennen kuolemaani panin siihen kaiken energian, niin surullinen intohimo kauhistuttavissa olosuhteissani, ja visio on niin selkeä, ilman korjauksia, että kiireen jäljet \u200b\u200bkatosivat ja koko elämä on siinä näkyvissä."

P. Gauguin työskenteli kuvan suhteen kauhistuneessa jännitteessä, vaikka hän oli haastanut mielikuvituksensa ajatusta siitä jo pitkään, hän itse ei voinut sanoa varmasti, milloin idea tästä kankaasta näytti ensimmäisen kerran. Jotkut fragmentit tästä monumentaaliteoksesta kirjoitti hänelle vuonna eri vuosina ja muissa teoksissa. Esimerkiksi "Tahitian pastoraalien" naishahmo toistetaan tässä kuvassa epäjumalan vieressä, keskushahmo Tapasin hedelmäkeräilijän kultaisella luonnoksella "Mies, joka poimii hedelmiä puusta" ...

Unelma laajentamalla maalausmahdollisuuksia, Paul Gauguin pyrki antamaan kuvaansa freskon luonteen. Tätä tarkoitusta varten hän jättää kaksi ylempää kulmaa (toisella maalauksen nimellä, toisella taiteilijan allekirjoituksella) keltaisia \u200b\u200bja täyttämättä maalauksia - "kuin fresko, joka on vaurioitunut nurkkaan ja asetettu kultaseinämän päälle".

Keväällä 1898 hän lähetti maalauksen Pariisiin, ja kritiikille osoitetussa kirjeessä A. Fontaine kertoi, että hänen tavoitteensa ei ollut luoda kekseliäiden allegorioiden monimutkaista ketjua, joka olisi ratkaistava. esitettyihin kysymyksiin, mutta siinä mielessä, että nämä kysymykset ovat varsin positiiivia. " Paul Gauguin ei halunnut vastata kuvan otsikkoon esittämiin kysymyksiin, koska hän uskoi, että ne ovat ja tulevat olemaan kauhea ja suloisin arvoitus ihmisen tietoisuus... Siksi tälle kankaalle kuvattujen allegoittelujen ydin on tämän luonnossa piilotetun mysteerin puhtaasti viehättävä suoritusmuoto, kuolemattomuuden pyhä kauhu ja olemisen salaisuus.

Ensimmäisen Tahiti-vierailunsa aikana P. Gauguin katsoi maailmaa suuren lapsi-ihmisen innostuneilla silmillä, joille maailma ei ole vielä menettänyt uutuuttaan ja upeaa puolijalokiviyttä. Hänen lapsellinen korotettu katseensa avasi luonnossa muille näkymättömiä värejä: smaragdiyrtit, safiiritaivas, ametistin aurinkovarjo, rubiinikukat ja maorien ihon punainen kulta. Tämän ajanjakson P. Gauguinin Tahitian maalaukset hehkuvat jaloilla kultaisilla hehkuilla, kuten lasimaalaukset goottilaiset katedraalitvalettu Regal loistoon bysanttilaiset mosaiikit, tuoksuva mehukkaalla maalivuodolla.

Yksinäisyys ja syvä epätoivo, joka hallitsi häntä toisella vierailullaan Tahitiin, sai P. Gauguinin näkemään kaiken vain mustana. Mestarin luonnollinen vaisto ja hänen silmänsä koloristina eivät kuitenkaan antaneet taiteilijalle mahdollisuutta menettää elämänmakuaan ja sen värejä kokonaan, vaikka hän loi tumman kankaan, hän maalasi sen mystisen kauhun tilassa.

Joten mitä tämä kuva silti piilottaa? Kuten itämaiset käsikirjoitukset, jotka tulisi lukea oikealta vasemmalle, kuvan sisältö aukeaa samaan suuntaan: virtaus paljastetaan askel askeleelta ihmiselämä - alusta lähtien kuolemaan asti, pelkäämättä mitään.

Katsojan edessä suurella, vaakasuoraan venytetyllä kankaalla on esitetty metsävirran ranta, jonka tummissa vesissä salaperäiset, määrittelemättömät varjot heijastuvat. Toisella puolella - tiheä, rehevä trooppinen kasvillisuus, smaragdiruohot, tiheät vihreät pensaat, ulkomaalaiset siniset puut, "kasvavat ikään kuin maan päällä, mutta paratiisissa".

Puiden rungot kiertyvät omituisesti, kietoutuvat toisiinsa ja muodostavat pitsiverkoston, jonka läpi kaukana voi nähdä meri valkoisilla rannikkoaallonkuorilla, tumman violetti vuori naapurisaarella, sinitaivas - "neitsytluonnon spektaakkeli, joka voisi olla paratiisi".

Kuvan lähimmässä suunnitelmassa joukko ihmisiä sijaitsee jumaluuden kivipatsaan ympärillä maasta, jossa ei ole kasveja. Hahmoja ei yhdistä yksi tapahtuma tai yhteinen toiminta, jokainen on kiireinen omiensa kanssa ja uppoutunut itseensä. Nukkuva vauva vartioi iso musta koira; "Kolme naisten kyykkyä koteihinsa näyttävät kuuntelevan itseään jäätyneinä odottamaan joitain odottamaton ilo... Nuori mies, joka seisoo keskustassa molemmin käsin, poimii hedelmän puusta ... Yksi hahmo, tahallisesti valtava, vastoin perspektiivilakeja ... nostaa kätensä yllättäen katsomalla kahta merkkiä, jotka uskaltavat ajatella kohtalostaan. "

Patsaan vieressä yksinäinen nainen kulkee ikään kuin mekaanisesti sivulle, upotettuna intensiivisen, keskittyneen ajatuksen tilaan. Lintu liikkuu häntä kohti maassa. Kankaan vasemmalla puolella maassa istuva lapsi tuo hedelmää suulleen, kissa lippaa kulhosta ... Ja katsoja kysyy itseltään: "Mitä tämä kaikki tarkoittaa?"

Ensi silmäyksellä se on kuin jokapäiväinen elämämutta lisäksi suora merkitys, jokaisessa kuvassa on runollinen allegooria, vihje kuvailtavan tulkinnan mahdollisuudesta. Joten esimerkiksi metsävirran tai maasta roiskuvan lähdeveden aihe on Gauguinin suosikki metafora elämän lähteelle, elämän salaperäiselle alulle. Nukkuva vauva persoonallistaa siveyden kynnyksellä ihmisen elämää. Nuori mies, joka poimii hedelmiä puusta, ja oikealla puolella istuvat naiset ilmentävät ihmisen orgaanista yhtenäisyyttä luonnon kanssa, hänen olemassaolonsa luonnollisuutta siinä.

Mies, jolla on kohotettu käsi, katselee ystäviänsä yllätyksenä, on ensimmäinen välähdys ahdistuksesta, ensimmäinen impulssi ymmärtää maailman ja olemisen salaisuuksia. Toiset paljastavat ihmismielen rohkeuden ja kärsimyksen, hengen salaisuuden ja tragedian, jotka sisältyvät väistämättömyyteen, jonka ihminen tietää kuolevaisesta kohtalostaan, maallisen olemassaolon lyhyisyydestä ja lopun väistämättömyydestä.

Paul Gauguin itse antoi monia selityksiä, mutta hän varoitti halusta nähdä kuvassaan yleisesti hyväksyttyjä symboleja, salata kuvat liian suoraviivaisesti ja vieläkin enemmän etsiä vastauksia. Jotkut taidehistorioitsijat uskovat, että taiteilijan masentunut tila, joka sai hänet yrittämään itsemurhaa, ilmaistu tiukasti, lakonisesti taiteellinen kieli... He huomaavat, että kuva on hukkua pienet yksityiskohdatjotka eivät selventä yleistä ajatusta, vaan hämmentävät vain katsojaa. Jopa mestarin kirjeissä olevat selitykset eivät voi hävittää mystistä sumua, jonka hän asetti näihin yksityiskohtiin.

P. Gauguin piti itse teoksensa hengellisenä testamenttina, ehkä siksi kuvasta tuli kuvallinen runo, jossa konkreettiset kuvat muuttuivat yleväksi ideoksi ja aine hengeksi. Kankaan juoni hallitsee runollista tunnelmaa, joka sisältää runsaasti vaikeita sävyjä ja sisäistä merkitystä. Rauhan ja armon tunnelmaa kuitenkin peittää jo epämääräinen vaivaton kosketus salaperäiseen maailmaan, ja se aiheuttaa piilevän ahdistuksen, elämän sisimpien mysteerien tuskallisen liukenemattomuuden, ihmisen maailmaan tulon mysteerin ja hänen katoamisensa mysteerin. Kuvassa onnellisuus tummenee kärsimyksellä, henkiset kärsimykset pesevät fyysisen olemassaolon makeudella - "kultaisella kaudella, peitetyllä ilolla". Kaikki on erottamaton, kuten elämässäkin.

P. Gauguin ei tietoisesti korjaa vääriä mittasuhteita pyrkien hinnalla millä hyvänsä säilyttämään luonnekuvansa. Tätä luonnosta, epätäydellisyyttä hän arvosti erityisen korkeasti uskoen, että juuri hän tuo elävän virran kankaalle ja antaa kuvan erityisen runouden, joka ei ole ominaista valmistetuille ja liian valmistetuille asioille.

Taide voi olla mikä tahansa. Joku näkee luonnon kauneuden ja välittää sen siveltimellä tai taltalla, joku tekee upeita valokuvia ihmiskehosta, ja joku löytää kauneutta kauheasta - tässä tyylissä Caravaggio ja Edvard Munch työskentelivät. Nykytaiteilijat he pysyvät perustajien kanssa.

1. Dado

Jugoslavian Dado syntyi vuonna 1933 ja kuoli vuonna 2010. Ensi silmäyksellä hänen työnsä saattaa tuntua täysin tavalliselta tai jopa nautinnolliselta - tämä johtuu valinnasta värit: Monet kauhuartistit valitsivat mustan tai punaisen, ja Dado piti pastellisävyistä.

Mutta katso tarkemmin maalauksia, kuten "The Big Farm" vuonna 1963 tai "The Footballer" vuonna 1964, ja näet niistä groteskeja olentoja. Heidän kasvonsa ovat täynnä kipua tai kärsimystä, kasvaimet tai ylimääräiset elimet ovat näkyvissä ruumiissaan tai heidän ruumiinsa ovat yksinkertaisesti epäsäännöllinen muoto... Itse asiassa kuvat, kuten "iso maatila", ovat paljon pelottavampia kuin pelkkä kauhu - juuri siksi, että et ensi silmäyksellä huomaa niissä mitään kauheaa.

2. Keith Thompson

Keith Thompson on enemmän kaupallinen taiteilija kuin taiteilija. Hän suunnitteli hirviöitä Guillermo Del Toron Tyynenmeren rannalle ja Scott Westerfieldin Leviathanille. Hänen työnsä tehdään tekniikalla, jonka voit odottaa näkevän Magic: The Gathering -korteilla, ei museossa.

Katso hänen maalaustaan \u200b\u200b"Ollus Pripyatista": hirviö on valettu useista eläimistä ja kauhean ruma, mutta se antaa erinomaisen kuvan Thompsonin tekniikasta. Hirviöllä on jopa tarina - sen väitetään johtuvan Tšernobylin katastrofista. Totta kai, hirviö on jonkin verran rajattua, ikään kuin se olisi peräisin suoraan 1950-luvulta, mutta se ei tee siitä yhtä kamala.

SCP-säätiö on ottanut tämän olennon maskotiksi, kutsuen sitä "SCP-682". Mutta Thompsonin arsenaalissa on edelleen paljon sellaisia \u200b\u200bhirviöitä, ja on myös pahempia.

3. Junji Ito

Kaupallisten taiteilijoiden kysymyksessä: jotkut heistä piirtävät sarjakuvia. Kauhuelokuva-liiketoiminnassa Junji Ito on mestari. Hänen hirviönsä eivät ole pelkästään groteskeja: taiteilija piirtää huolellisesti jokaisen rypyn, jokaisen taitoksen olennon vartaloon. Tämä pelottaa ihmisiä, eikä ollenkaan hirviöiden irrationaalisuutta.

Esimerkiksi sarjakuvassaan "Amigaran virheen mysteeri" hän nauhoittaa ihmiset ja lähettää heidät ihmisen muotoiseen reikään kiinteässä kivessä - mitä lähemmäksi näemme tämän aukon, sitä kauheampaa, mutta jopa "kaukaa" se näyttää pelottavalta.

Hänen sarjakuvansa Uzumaki (Spiral) on kaveri, joka on pakkomielle spiraaleista. Aluksi hänen pakkomielteensä tuntuu naurettavalta, ja sitten se on pelottavaa. Lisäksi siitä tulee pelottava jo ennen kuin sankarin pakkomielle tulee taikuutta, jonka avulla hän muuttaa ihmisen jotain epäinhimilliseksi, mutta samalla eläväksi.

Iton teos erottuu kaikkien japanilaisten mangojen joukosta - hänen "normaalit" hahmonsa näyttävät uskomattoman realistisilta ja jopa söpöiltä, \u200b\u200bja taustalla olevat hirviöt näyttävät vielä kammommalta.

4. Zdzislaw Beksiński

Jos taiteilija julistaa: "En voi kuvitella mitä rationaalisuus tarkoittaa maalaamisessa", hän todennäköisesti ei maalaa pentuja.

Puolalainen maalari Zdzislaw Beksiński syntyi vuonna 1929. Vuosikymmenien ajan hän loi painajaisia \u200b\u200bkuvia fantastisen realismin genreissä hänen kauhean kuolemaansa asti vuonna 2005 (häntä puukotettiin 17 kertaa). Hedelmällisin aika hänen töissään laski 1960-80-luvuille, jolloin hän loi erittäin yksityiskohtaisia \u200b\u200bkuvia, joita hän itse kutsui "valokuviksi unistaan".

Beksińskin mukaan tämän tai toisen maalauksen tarkoitus ei häirinnyt häntä, mutta jotkut hänen teoksistaan \u200b\u200bsymboloivat selvästi jotain. Esimerkiksi vuonna 1985 hän loi maalauksen "Trollforgatok". Taiteilija kasvoi toisen maailmansodan tuhoamassa maassa, joten kuvan mustat figuurit voivat edustaa Puolan kansalaisia \u200b\u200bja pää on eräänlainen armoton auktoriteetti.

Taiteilija itse väitti, ettei hän tarkoittanut mitään sellaista. Itse asiassa Beksiński sanoi tästä kuvasta, että sitä tulisi pitää vitsinä - juuri mitä todella musta huumori tarkoittaa.

5. Wayne Barlow

Tuhannet taiteilijat ovat yrittäneet kuvata helvettiä, mutta Wayne Barlow on selvästi onnistunut. Vaikka et ole kuullut hänen nimeään, olet todennäköisesti nähnyt teoksen. Hän on työskennellyt sellaisissa elokuvissa, kuten James Cameronin Avatar (ohjaaja kiitti häntä henkilökohtaisesti), Tyynenmeren reuna, Harry Potter ja Azkabanin vanki sekä Harry Potter ja Tulipalo. Mutta yhtä hänen merkittävimmistä teoksistaan \u200b\u200bvoidaan kutsua vuonna 1998 julkaistuksi kirjaksi "Inferno".

Hänen helvetti ei ole vain vankityrmiä demonisten herrojen ja armeijoiden kanssa. Barlow sanoi: "Helvetti on täydellinen välinpitämättömyys ihmisten kärsimyksiin." Hänen demoninsa kiinnostavat usein ihmiskehot ja sielut ja käyttäytyvät enemmän kuin kokeilijat - he jättävät huomioimatta muiden kivun. Hänen demoniensa mukaan ihmiset eivät ole ollenkaan vihan kohteita, vaan vain väline vapaa-ajan viihteelle, ei enempää.

6. Tetsuya Ishida

Isisin akryylimaalauksissa ihmiset muutetaan usein esineiksi, kuten pakkauksiksi, kuljetinhihniksi, pisuaareiksi tai jopa peräpukamien tyynyiksi. Hänellä on myös visuaalisesti miellyttäviä maalauksia, joissa ihmiset sulautuvat luonnon kanssa tai pakenevat maaginen maa mielikuvitustasi. Mutta tällaiset teokset ovat paljon himmeämpiä kuin maalaukset, joissa ravintolan työntekijät muuttuvat manekeneiksi ja pumppaavat ruokaa asiakkaiksi ikään kuin palvelisivat autoja huoltoasemalla.

Riippumatta mielipiteistä taiteilijan tarkkuudesta ja oivalluksesta tai hänen metafooriensa eloisuudesta, ei voida kieltää hänen teoksensa tyylin olevan aavemainen. Kaikki Isisin huumori kulkee käsi kädessä inhoa \u200b\u200bja pelkoa vastaan. Hänen uransa päättyi vuonna 2005 - 31-vuotias Ishida iski junassa, ja se oli lähes varmasti itsemurha. Hänen jättämänsä työn arvioidaan olevan satoja tuhansia dollareita.

7. Dariusz Zawadsky

Zavadsky syntyi vuonna 1958. Beksińskin tavoin hän työskentelee aavemaisen fantastisen realismin tyyliin. Hänen opettajansa taidekoulu kertoi Zavadskylle, ettei hänellä ollut liikaa hyvä visio ja huono silmä, joten hänestä ei voi tulla taiteilijaa. No, he olivat selvästi kiireisessä johtopäätöksissä.

Zavadskyn teoksissa on elementtejä steampunk: hän piirtää usein robotin kaltaisia \u200b\u200bolentoja, joiden keinotekoisen ihon alle työmekanismit ovat näkyvissä. Tutustu esimerkiksi vuoden 2007 öljymaalaukseen "Pesä". Lintujen asennot ovat samat kuin elävien, mutta runko on selvästi metallia, tuskin peitetty ihon jäämillä. Kuva voi olla inhottavaa, mutta samalla se houkuttelee silmää - haluan harkita kaikkia yksityiskohtia.

8. Joshua Hoffin

Joshua Hoffin syntyi vuonna 1973 Emporiassa, Kansas. Hän ottaa kauhistuttavia valokuvia, joissa lapsuudesta tutut satuvat hankkivat pelottavia piirteitä - historiaa voidaan tietysti oppia, mutta sen merkitys on vääristynyt huomattavasti.

Monet hänen teoksistaan \u200b\u200bnäyttävät liian lavallisilta ja luontaisilta ollakseen todella pelottavia. Mutta on myös valokuvasarja, kuten Pickmanin mestariteokset - kunnianosoitus yhdelle Lovecraftin hahmoista, taiteilijalle Pickmanille.

Vuoden 2008 valokuvat, jotka voit nähdä täällä, ovat hänen tyttärensä Chloe. Tytön kasvot melkein eivät ilmaise tunteita, ja hän melkein ei katso yleisöä kohti. Kontrasti pelottaa: perhekuva yöpöydällä, tyttö vaaleanpunaisessa pyjamassa - ja valtavia torakoita.

9. Patricia Piccinini

Piccininin veistokset eroavat toisinaan toisistaan: jotkut veistokset ovat epäsäännöllisen muotoisia moottoripyöriä, toiset ovat omituisia ilmapalloja kuumalla ilmalla. Mutta enimmäkseen hän luo veistoksia, joiden kanssa on erittäin, erittäin epämiellyttävä seistä samassa huoneessa. Valokuvat näyttävät jopa kammottavilta.

Vuoden 2004 teoksessa "Erottamaton" humanoidi painetaan normaalin ihmisen lapsen takaosaa vasten. Eniten häiritsevää on luottamus ja hellyys - ikään kuin lapsen viattomuutta käytettäisiin julmasti vahingoittamaan häntä.

Tietysti Piccininin työtä kritisoidaan. "Mahdollisesti jakamattomasta" sanottiin jopa, että se ei ollut veistos, vaan eräänlainen todellinen eläin. Mutta ei - se on vain mielikuvituksen hahmo, ja taiteilija jatkaa teostensa luomista lasikuitusta, silikonista ja hiuksista.

10. Mark Powell

Australialaisen Mark Powellin teokset ovat todella järkyttäviä. Hänen vuoden 2012 näyttely on sarja sävellyksiä, joissa fantastiset olennot kehittyvät, syövät ja erottavat toisistaan omat ruumiinsa, kertoa ja rappeutua. Eläinkuvioita ja ympäristö ovat erittäin vakuuttavia, ja hahmojen ruumiinkieli on räätälöity tarkkaan siten, että tilanteet näyttävät mahdollisimman tavallisilta - ja siksi vakuuttavat.

Tietenkin, Internet ei voinut jättää antamatta taiteilijalle eräpäivää. Edellä mainittu SCP-säätiö otti surkean hirviön yllä olevasta kuvasta ja teki siitä osan tarinaa, jonka nimi on The Flesh That Hates. Hänen työhönsä liittyy myös monia kauhu tarinoita.

Kuinka paljon taiteilijaksi tuleminen vie? Ehkä kyky? Tai kyky oppia jotain uutta? Tai villi fantasia? Tietenkin nämä ovat kaikki välttämättömiä tekijöitä, mutta mikä on tärkein? Inspiraatiota. Kun taiteilija asettaa sielunsa kirjaimellisesti maalaukselle, se tulee kuin elävä. Värien taikuus tekee ihmeitä, mutta ilmettä ei voida kääntää, haluan tutkia jokaista pientä asiaa ...

Tässä artikkelissa tarkastellaan 25 todella loistavaa ja kuuluisaa maalausta.

✰ ✰ ✰

"Muistin pysyvyys", kirjoittanut Salvador Dali

Tämä pieni maalaus toi Dalille suosion 28-vuotiaana. Tämä ei ole kuvan ainoa nimi, sillä on myös nimet " Pehmeä kello"," Muistin pysyvyys "," Muistin kovuus ".

Idea kuvan maalaamisesta tuli taiteilijalle sillä hetkellä, kun hän ajatteli sulatettua juustoa. Dali ei jättänyt kirjaa maalauksen merkityksestä ja merkityksestä, joten tutkijat tulkitsevat sitä omalla tavallaan nojaten kohti Einsteinin suhteellisuusteoriaa.

✰ ✰ ✰

Tanssi, Henri Matisse

Maalaus on maalattu vain kolmella värillä - punaisella, sinisellä ja vihreällä. Ne symboloivat taivasta, maata ja ihmisiä. Tanssin lisäksi Matisse maalasi myös musiikkia. Ne tilasi venäläinen keräilijä.

Siinä ei ole tarpeettomia yksityiskohtia, vaan vain luonnollinen tausta ja itse ihmiset, jotka ovat jäätyneet tanssiin. Juuri sitä taiteilija halusi - vangita onnistuneen hetken, jolloin ihmiset ovat luonnon kanssa yhtä mieltä ja ekstaasin kimppuun.

✰ ✰ ✰

Kiss, Gustav Klimt

Kiss on Klimtin tunnetuin maalaus. Hän kirjoitti sen "kultaisen" luovuuden aikana. Hän käytti todellisinta kultalehteä. Maalauksen elämäkertomuksesta on kaksi versiota. Ensimmäisen version mukaan maalaus kuvaa itse Gustavia rakkaansa Emilia Flögen kanssa, jonka nimen hän lausui viimeisenä elämässään. Toisen version mukaan eräs kreivi määräsi maalauksen niin, että Klimt maalasi hänet ja hänen rakkaansa.

Kun kreivi kysyi, miksi suudelma itse ei ollut kuvassa, Klimt kertoi olevansa taiteilija ja näki sen. Itse asiassa Klimt rakastui kreivin tyttöyn ja se oli eräänlainen kosto.

✰ ✰ ✰

Henri Rousseaun nukkuva mustalainen

Kangas löydettiin vasta 13 vuotta kirjoittajan kuolemasta ja siitä tuli heti hänen kallein teoksensa. Hän yritti elinaikanaan myydä sen kaupunginjohtajalle, mutta turhaan.

Kuva välittää alkuperäinen merkitys ja syvä idea. Rauha, rentoutuminen - nämä ovat tunteet, jotka nukkuva Gypsy herättää.

✰ ✰ ✰

"Viimeinen tuomio", Hieronymus Bosch

Maalaus on suurin kaikista hänen säilyneistä teoksistaan. Kuva ei tarvitse juonen selitystä, kaikki on selvää otsikosta. Viimeinen tuomio, apokalypsi. Jumala tuomitsee sekä vanhurskaat että syntiset. Kuva on jaettu kolmeen kohtaukseen. Ensimmäisessä kohtauksessa paratiisi, vihreät puutarhat, autuus.

Keskeisessä osassa on itse viimeinen tuomio, jossa Jumala alkaa tuomita ihmisiä teoistaan. SISÄÄN oikea puoli kuvaa helvettiä sellaisena kuin se näyttää. Kauheat hirviöt, polttava lämpö ja hirvittämätön kidutus syntisten yli.

✰ ✰ ✰

"Narsissin metamorfoosit", Salvador Dali

Perustaksi otettiin monia juontoja, mutta tärkein paikka on tarina Narcissuksesta - kaverista, joka ihaili kauneuttaan niin paljon, että kuoli siitä, ettei voinut tyydyttää toiveitaan.

Maalauksen etualalla Narcissus istuu ajatuksessa veden äärellä eikä voi repiä itseään pois omasta heijastuksestaan. Lähellä on kivikäsi, jossa muna on, se on uudestisyntymisen ja uuden elämän symboli.

✰ ✰ ✰

Peter Paul Rubensin vauvojen lyöminen

Kuva perustui juoni Raamatusta, kuningas Herodes käski tappaa kaikki vastasyntyneet pojat. Maalaus kuvaa puutarhaa Herodesin palatsissa. Aseelliset soturit ottavat vauvat itkevien äitien joukosta ja tappavat heidät. Maa on täynnä kuolleita ruokia.

✰ ✰ ✰

Numero 5 1948, kirjoittanut Jackson Pollock

Jackson maalasi maalauksen ainutlaatuisella menetelmällä. Hän laski kankaan maahan ja käveli sen ympäri. Mutta sen sijaan, että levitettäisiin, hän otti harjat, ruiskut ja ruiskutti kankaalle. Myöhemmin tätä menetelmää kutsuttiin "toimintamaalaukseksi".

Pollock ei käyttänyt luonnoksia, hän luottaa aina vain tunteisiinsa.

✰ ✰ ✰

"Pallo Moulin de la Galettessa", Pierre-Auguste Renoir

Renoir on ainoa taiteilija, joka ei ole maalannut yhtä surullista kuvaa. Renoir löysi tämän maalauksen aiheen lähellä taloaan, Moulin de la Galette -ravintolasta. Laitoksen vilkas ja iloinen ilmapiiri inspiroi taiteilijaa luomaan tämä maalaus. Ystävät ja suosikkimallit aiheuttivat hänelle teoksen kirjoittamista.

✰ ✰ ✰

Viimeinen ehtoollinen, kirjoittanut Leonardo da Vinci

Tämä maalaus kuvaa Kristuksen viimeisen aterian oppilaidensa kanssa. Yleisesti uskotaan, että ajankohta on, kun Kristus sanoo, että yksi opetuslapsista petti hänet.

Da Vinci vietti paljon aikaa hoitajien etsimiseen. Vaikeimmat olivat Kristuksen ja Juudasten kuvat. Kirkon kuorossa Leonardo huomasi nuoren laulajan ja piirsi häneltä kuvan Kristuksesta. Kolme vuotta myöhemmin taiteilija näki juopran ojassa ja huomasi etsimänsä olevan, ja toi hänet studioon.

Kun hän kopioi kuvaa juoppoilta, hän tunnusti hänelle - kolme vuotta sitten taiteilija itse veti häneltä kuvan Kristuksesta. Joten tapahtui, että Jeesuksen ja Juudasten kuvat kopioitiin samalta henkilöltä, mutta eri elämänkausina.

✰ ✰ ✰

Vesililjat kirjoittanut Claude Monet

Vuonna 1912 taiteilijalle todettiin kaksinkertainen kaihi, minkä vuoksi hänelle tehtiin leikkaus. Kadonnut linssin vasemmasta silmästään, taiteilija alkoi nähdä ultraviolettivaloa sinisenä tai violetti, tämän vuoksi hänen maalauksensa saivat uusia ja eläviä värejä. Maalattuaan tätä kuvaa Monet näki liljat sinisenä tavalliset ihmiset näki vain tavallisia valkoisia liljoja.

✰ ✰ ✰

The Scream, Edvard Munch

Munch kärsi maanis-depressiivisestä psykoosista, häntä kiusasi usein painajaiset ja masennus. Monet kriitikot uskovat, että kuvassa Munch kuvaa itseään - huutaen paniikilla ja hulluilla kauhuilla.

Taiteilija itse kuvasi kuvan tarkoitusta "luonnon itkeväksi". Hän sanoi kävelevänsä ystävien kanssa auringonlaskun aikaan ja taivas muuttui verenpunaiseksi. Vapiseen pelosta, hän väitti kuulleensa saman "luonnon itkun".

✰ ✰ ✰

James Whistlerin "Whistlerin äiti"

Taiteilijan äiti poseeraa kuvalle. Aluksi hän halusi äitinsä poseeraa seisoessaan, mutta vanhalle naiselle se osoittautui vaikeaksi.
Whistler nimitti maalaustaan \u200b\u200bHarmaaksi ja Mustaksi. Taiteilijan äiti ”. Mutta ajan myötä oikea nimi unohdettiin ja ihmiset alkoivat kutsua häntä "Whistlerin äidiksi".

Tämä oli alun perin parlamentin jäsenen määräys. joka halusi taiteilijan maalata Maggien tyttären. Mutta prosessin aikana hän hylkäsi maalauksen ja James pyysi äitiään tulemaan malliksi maalauksen valmistumiseksi.

✰ ✰ ✰

"Dora Maarin muotokuva", Pablo Picasso

Dora aloitti Picasson työn "naisena kyyneliin". Hän totesi, että hän ei voinut koskaan kirjoittaa hänelle hymyillen. Syvät, surulliset silmät ja suru kasvoilla - se on ominaisuudet muotokuvia Maarista. Ja väistämättä verenpunaiset kynnet - tämä erityisesti ilahdutti taiteilijaa. Picasso maalasi usein muotokuvia Dora Maarista ja ne kaikki ovat ihailtavia.

✰ ✰ ✰

Tähtiyö, kirjoittanut Vincent Van Gogh

Maalaus kuvaa yömaisemaa, jonka taiteilija ilmaisi paksulla, kirkkaita värejä ja rauhallisuuden ilmapiiri yöllä. Kirkkaimpia esineitä ovat tietenkin tähdet ja kuu, ne piirretään selkeimmin.

Korkeat sypressipuut kasvavat maassa, ikään kuin uneksisivat liittyäkseen kiehtovaan tanssiin tähdet.

Kuvan merkitys tulkitaan eri tavoin. Jotkut näkevät viittauksen Vanha testamentti, ja joku on yksinkertaisesti taipuvainen uskomaan, että maalaus on seurausta taiteilijan pitkittyneestä sairaudesta. Juuri hoidonsa aikana hän kirjoitti Tähtitaivas.

✰ ✰ ✰

Olympia, Edouard Manet

Maalaus oli syy siihen korkean profiilin skandaalit historiassa. Loppujen lopuksi se kuvaa alasti tyttöä makaa valkoisilla lakanoilla.
Levottomat ihmiset sylkeivät taiteilijaa, ja jotkut jopa yrittivät pilata kankaan.

Manet halusi vain piirtää "modernin" Venuksen osoittaakseen, että nykyhetken naiset eivät ole huonompia kuin menneisyyden naiset.

✰ ✰ ✰

3. toukokuuta 1808, Francisco Goya

Napoleonin hyökkäykseen liittyvät tapahtumat vaikuttivat taiteilijaan syvästi. Toukokuussa 1808 Madridin kapina päättyi traagisesti, ja se kosketti taiteilijan sielua niin paljon, että 6 vuotta myöhemmin hän kaatoi tunteensa kankaalle.

Sota, kuolema, menetys - kaikki tämä on niin realistisesti kuvattu kuvassa, että se kiehtoo silti monien mieliä.

✰ ✰ ✰

Jan Vermeerin "Tyttö helmikorvakorulla"

Maalauksella oli toinen otsikko "Tyttö turbanissa". Kuvasta tiedetään yleensä vähän. Yhden version mukaan Jan piirsi oman tyttärensä Marian. Kuvassa tyttö näyttää kääntyvän jonkun puoleen ja katsojan katse keskittyy tytön korvan helmi korvakoruun. Korvakorun kiilto hehkuu silmissä ja huulissa.

Kuvan perusteella kirjoitettiin romaani, ja sen jälkeen kuvattiin samanniminen elokuva.

✰ ✰ ✰

"Yövahti", Rembrandt

Tämä on ryhmäkuva kapteeni Frans Banning Kockin ja luutnantti Willem van Ruutenbürgin yrityksestä. Muotokuva tilasi Shooting Society.
Kaikista sisällön vaikeuksista huolimatta kuva on täynnä paraatihenkeä ja juhlallisuutta. Ikään kuin muskettisoturit aiheuttavat taiteilijalle unohtaen taistelun.
Myöhemmin maalaus leikattiin molemmilta puolilta sopimaan uuteen saliin. Jotkut nuolet katoavat kuvasta peruuttamattomasti.

✰ ✰ ✰

Meninit, Diego Velazquez

Kuvassa taiteilija maalaa kuningas Phillip Neljännen ja hänen vaimonsa muotokuvia, jotka näkyvät peilissä. Sävellyksen keskellä on heidän viisivuotias tyttärensä, jota ympäröi jatko-osa.

Monet uskovat, että Velazquez halusi kuvata itsensä luovuuden hetkellä - "maalaamiseksi ja maalaamiseksi".

✰ ✰ ✰

Maisema Icaruksen pudotuksen kanssa, Pieter Bruegel

Tämä on taiteilijan ainoa jäljellä oleva teos, joka liittyy myytteihin.

Kuvan päähenkilö on käytännössä näkymätön. Hän putosi jokeen, vain jalat kiinni veden pinnasta. Jokin pinnalla on hajanaisia \u200b\u200bIcaruksen höyheniä, jotka pakenivat syksyltä. Ja ihmiset ovat kiireisiä omiin asioihinsa, kukaan ei välitä langenneista nuorista.

Vaikuttaa siltä, \u200b\u200bettä kuva on traaginen, koska se kuvaa nuoren miehen kuolemaa, mutta kuva on maalattu rauhallisin, tylsin värein ja sanoen sanoen - "mitään ei tapahtunut".

✰ ✰ ✰

"Ateenan koulu", Raphael

Ennen " Ateenan koulu”Raphaelilla oli vähän kokemuksia freskoista, mutta yllättäen tämä fresko osoittautui loistavasti erinomaiseksi.

Tämä maalaus kuvaa Platonin Ateenassa perustaman akatemian. Akatemian kokoukset pidettiin ulkoilma, mutta taiteilija päätti, että loistavammat ideat tulevat erinomaisesti tehdyssä antiikkitalossa ja kuvaavat siksi opiskelijaa tarkasti luonnon taustalla. Freskolla Raphael kuvaa myös itseään.

✰ ✰ ✰

Michelangelon "Aadamin luominen"

Tämä on neljäs yhdeksästä kattofreskoa Sikstuksen kappeli maailman luomisesta. Michelangelo ei pitänyt itseään suurena taiteilijana, hän asetti itsensä kuvanveistäjäksi. Siksi kuvassa olevan Aadamin ruumis on niin mittasuhteinen, sillä on selkeät piirteet.

Vuonna 1990 havaittiin, että ihmisen aivojen anatomisesti tarkka rakenne oli salattu Jumalan kuvaan. Ehkä Michelangelo tunsi hyvin ihmisen anatomian.

✰ ✰ ✰

Mona Lisa, kirjoittanut Leonardo da Vinci

Mona Lisa on edelleen yksi parhaimmista salaperäisiä maalauksia taidemaailmassa. Kriitikot kiistelevät edelleen siitä, kuka sitä todella kuvaa. Monet ovat taipuvaisia \u200b\u200buskomaan, että Mona Lisa on Francesco Giocondan vaimo, joka pyysi taiteilijaa maalaamaan muotokuvan.

Kuvan pääsalaisuus on naisen hymy. On olemassa monia versioita - naisen raskaudesta ja hymystä pettäen sikiön liikkumista, päättyen tosiasiaan, että tämä on itse asiassa taiteilijan omakuva naiskuvassa. Voidaan vain arvata ja ihailla kuvan uskomatonta kauneutta.

✰ ✰ ✰

Sandro Botticellin Venuksen synty

Maalaus kuvaa myyttiä jumalatar Venuksen syntymästä. Jumalatar syntyi merivaahdosta varhain aamulla. Tuulenjumala Zephyr auttaa jumalattarta uimaan rantaan kuoressaan, missä jumalatar Ora tapaa hänet. Kuva personoi rakkauden syntymisen, herättää kauneuden tunteen, koska maailmassa ei ole mitään kauniimpaa kuin rakkaus.

✰ ✰ ✰

johtopäätös

Olemme yrittäneet mahtua tähän artikkeliin vain joitain parhaimmista suositut maalaukset maailmassa. Mutta on myös monia muita yhtä mielenkiintoisia mestariteoksia. kuvataide... Mitä kuvia pidät suosituista?

On taideteoksia, jotka näyttävät lyövän katsojaa päähän, hämmentyneitä ja hämmästyneitä. Toiset vetäytyvät ajatuksiin ja etsiessään semanttisia kerroksia, salaa symboliikkaa. Jotkut maalaukset on peitetty salaisuuksilla ja mystisillä arvoituksilla, kun taas toiset yllättävät kohtuuttomasta hinnasta.

Tarkastelimme huolellisesti kaikkia maailman maalauksen tärkeimpiä saavutuksia ja valitsimme niistä kaksi tusinaa omituisimmista maalauksista. Salvador Dalia, jonka teokset kuuluvat täysin tämän materiaalin muotoon ja jotka tulevat mieleen ensimmäisenä, ei sisällytetty tähän kokoelmaan tarkoituksella.

On selvää, että "omituisuus" on melko subjektiivinen käsite ja jokaisella on oma uskomattomia kuviajotka erottuvat monista muista taideteoksista. Olemme iloisia, jos jaat ne kommentteihin ja kerrot meille vähän niistä.

"Huutaa"

Edvard Munch. 1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli.
Kansallisgalleria, Oslo.

Huutoa pidetään ekspressionismin merkittävänä tapahtumana ja yhtenä maailman tunnetuimmista maalauksista.

Kuvatusta on olemassa kaksi tulkintaa: sankari itse tarttuu kauhuun ja huutaa hiljaa, painamalla kätensä korvilleen; tai sankari sulkee korvansa rauhan ja luonnon itkulta, joka kuuluu. Munch kirjoitti The Screamista neljä versiota, ja on olemassa versio, että tämä kuva on maanis-depressiivisen psykoosin hedelmä, josta taiteilija kärsi. Kliinisen hoitojakson jälkeen Munch ei palannut työskentelemään kankaalla.

”Kävelin polkua kahden ystävän kanssa. Aurinko laski - yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, pidin tauon, tunsin uupuneelta ja nojauduin aitaa vasten - katsoin verta ja liekkejä sinertävän mustan vuonon ja kaupungin yli. Ystäväni menivät pidemmälle, ja seisoin, vapiseen jännityksestä, tunteen loputtoman itkun lävitsevän luonteen ”, Edvard Munch kertoi maalauksen historiasta.

Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"

Paul Gauguin. 1897 - 1898, öljy kankaalle.
Kuvataidemuseo, Boston.

Itse Gauguinin suuntaan maalaus tulisi lukea oikealta vasemmalle - otsikossa esitetyt kysymykset kuvaavat kolme päähahmoryhmää.

Kolme naista, joilla on lapsi, edustavat elämän alkua; keskiryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; viimeisessä ryhmässä, taiteilijan suunnittelemana, "kuolemaan lähestyvä vanha nainen näyttää olevan sovitettu ja omistautunut ajatuksilleen", jalkojensa "outo valkoinen lintu... edustaa sanojen turhaa turhaa. "

Hän maalasi syvästi filosofisen kuvan postimpressionistista Paul Gauguinista Tahitissa, missä hän pakeni Pariisista. Työn päätyttyä hän halusi jopa itsemurhan: "Uskon, että tämä kangas on parempi kuin kaikki aiemmat ja etten koskaan luo jotain parempaa tai edes vastaavaa." Hän asui vielä viisi vuotta, ja niin se tapahtui.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, kangas, öljy.
Reina Sofian museo, Madrid.

Guernica esittelee kuoleman, väkivallan, julmuuden, kärsimyksen ja avuttomuuden kohtauksia määrittelemättä välittömiä syitä, mutta ne ovat ilmeisiä. Sanotaan, että vuonna 1940 Pablo Picasso kutsuttiin Pariisin Gestapoon. Puhe kääntyi heti maalaukseen. "Teitkö sinä tämän?" - "Ei, teit sen."

Valtava maalaus-fresko "Guernica", maalannut Picasso vuonna 1937, kertoo Luftwaffen vapaaehtoisyksikön hyökkäyksestä Guernica-kaupunkiin, jonka seurauksena kuudestuhattu kaupunki tuhoutui kokonaan. Maalaus valmistui vain kuukaudessa - maalauksen ensimmäisinä päivinä Picasso työskenteli 10–12 tuntia, ja jo ensimmäisissä luonnoksissa oli nähtävissä pääidea. Tämä on yksi parhaista havainnoista fasismin painajaisesta sekä ihmisten julmuudesta ja surusta.

"Arnolfini-parin muotokuva"

Jan van Eyck. 1434, puu, öljy.
Lontoon kansallisgalleria, Lontoo.

Kuuluisa maalaus on täysin ja täysin täynnä symboleja, allegooria ja erilaisia \u200b\u200bviitteitä - aina allekirjoitukseen saakka "Jan van Eyck oli täällä", joka muutti kuvan paitsi taideteokseksi, myös historialliseksi asiakirjaksi, joka vahvistaa tapahtuman todellisuuden, jossa taiteilija oli läsnä.

Oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinin ja hänen vaimonsa muotokuva on yksi Länsi-Pohjoisen renessanssin maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista.

Venäjällä viime vuosina maalaus on saanut suurta suosiota johtuen Arnolfinin muotokuvan muistuttamisesta Vladimir Putiniin.

"Demon istuu"

Mikhail Vrubel. 1890, kangas, öljy.
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova.

"Kädet vastustavat häntä"

Bill Stoneham. 1972.

Tätä tietysti ei voida luokitella maailmanmaalauksen mestariteoksiin, mutta se, että se on outoa, on tosiasia.

Maalauksen ympärillä on legendoja, joissa poika, nukke ja kämmen on painettu lasia vasten. Alkaen "he kuolevat tämän kuvan takia" aina "sen lapset ovat elossa". Kuva näyttää todella kammolta, mikä aiheuttaa ihmisille heikko psyyke paljon pelkoja ja spekulointeja.

Taiteilija vaati, että maalaus kuvaa itseään viiden vuoden ikäisenä, että ovi edustaa rajaa oikea maailma ja unelmamaailma, ja nukke on opas, joka voi ohjata poikaa tämän maailman läpi. Aseet edustavat vaihtoehtoisia elämiä tai mahdollisuuksia.

Maalaus nousi näkyvyyteen helmikuussa 2000, kun se saatettiin myyntiin eBayssa selkänojan kanssa, joka kertoi, että maalaus "kummittelee". Kim Smith osti "Hands Resist Him" \u200b\u200b-nimisen 1025 dollarilla. Hän sitten yksinkertaisesti upotettiin kirjeillä kammottavia tarinoita ja vaatii kuvan polttamista.