Ang bawat pagtatanghal o pagtatanghal na itinanghal sa entablado ay idinisenyo upang magdala sa manonood, bukod sa iba pang mga bagay, ng isang aesthetic na kasiyahan mula sa kanyang nakita. Samakatuwid, napakahalaga na magdamit gumaganap na mga karakter sa pagtutugma ng mga kasuotang pandulaan. Pagkatapos ay magiging madaling madama ang diwa ng panahon ng trabaho, upang mahuli ang karakter ng mga karakter at tamasahin lamang ang kagandahan ng panoorin.

Mga kasuotan sa teatro mula noong unang panahon hanggang sa makabagong panahon

Ang mga damit ng mga aktor ay sumailalim sa mga pagbabago mula nang lumitaw ang teatro, tulad nito, at hanggang sa kasalukuyan:

• Sinubukan nilang lumikha ng mga imahe sa entablado noong sinaunang panahon, nag-eksperimento sa mga improvised na materyales. Nasa Sinaunang Tsina at sa Japan, maaaring obserbahan ng isa ang mga nagtatanghal sa mga partikular na damit, lalo na sa maligaya o seremonyal na pagtatanghal. Sa India sa Unang panahon ang mga mananayaw sa kalye ay nagsuot din ng hindi pangkaraniwang makulay na saree upang makaakit ng pansin. At sa pagdating ng sining ng pagpipinta na may natural na mga tina, ang saris ay naging hindi monochromatic, ngunit patterned.
• Ang kasuutan na lumitaw sa Sinaunang Greece ay maaaring tawaging "theatrical". Gumamit ng mga grotesque mask, make-up, at ang espesyal na kulay ng kasuotan ng mga tauhan ay nagpapahiwatig ng katayuan o propesyon ng bayani ng pagtatanghal.
• Pagkatapos ang teatro ng Europa ay nagsimulang umunlad sa panahon ng pyudalismo, kapag ang mga pagtatanghal, ang tinatawag na. Ang mga "Misteryo" ay ibinigay ng mga wandering artist - mga histrion. Ang hitsura ng mga character ay nakikilala sa pamamagitan ng kagandahan at mayamang elemento ng dekorasyon.
• Ang Renaissance, kasama ang mga comedies del arte nito, ay kakatwa. Sa tulong ng mga kasuotan, hairstyle at peluka, headdress, sapatos, maskara at pampaganda, nalikha ang mga nakakatawang larawan, binigyang-diin ang mga likas na katangian para sa mga partikular na karakter na kinukutya o ikinatuwa ng manonood (mga masining na balahibo sa mga sumbrero, makulay na pantalon).
• Sa kasunod na mga siglo, sa bawat European at Eastern na estado mayroong iba't ibang mga teatro, musical salon, opera, ballet, atbp. Ang mga kasuotan ay naging mas magkakaibang, madalas na naghahatid ng diwa makasaysayang panahon, mga modernong damit, pag-alis ng hindi kinakailangang stylization. Samakatuwid, sa entablado ay makikita ng isa ang parehong pamilyar na mga imahe para sa manonood at muling nilikha ang mga makasaysayang kasuotan, naturalistikong hitsura at pantasyang make-up.

Ang Russian theatrical costume ay nararapat na espesyal na pansin. Ang mga buffoon ay itinuturing na mga unang lumikha nito. Maliwanag na kamiseta, caftans na may mga sintas, bast na sapatos, takip na may mga kampanilya, mga patch sa pantalon - lahat ng mga elementong ito ng kasuutan ay kahawig ng mga damit ng magsasaka, ngunit sa isang pinalaking satirical na anyo. Mayroong isang teatro ng simbahan, kung saan ang mga gumaganap ay nagbibihis puting damit parang mga anghel. V mga sinehan sa paaralan ang mga karakter ay may sariling mga emblema. At sa ilalim ni Tsar Alexei Mikhailovich ay kumilos siya propesyonal na teatro... Samakatuwid, ang mga elemento ng kasuutan ng soberanya ay may mga palatandaan ng maharlikang dignidad, ginamit ang pasadyang pagbuburda, ang mga mamahaling bato at magagandang dekorasyon ay tinahi sa pamamagitan ng kamay.

Mga view

Nakaugalian na makilala ang tatlong pangunahing uri ng kasuutan:

1. karakter. Ang ganitong uri ay isang pictorial at plastic na komposisyon, na direktang bahagi ng buong imahe ng gumaganap ng papel. Sa isang suit, ang pigura ay madalas na ganap na nakatago. Ang aktor mismo ang nagpapakilos nito at nagboses nito. Kaya, para sa Beijing Opera ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga larawan ng isang sagradong templo o dragon.
2. Laro. Ito ay isang paraan ng pagbabago ng hitsura ng artista at isang mahalagang elemento ng kanyang pag-arte. Ang pagbabagong-anyo ng mga tauhan sa ritwal at folklore na mga aksyon sa karakter ay kadalasang nakabatay sa paggamit ng katawa-tawa at parody, halimbawa, kapag ang mga kabataang lalaki ay nagkunwaring mga babae.
3. Parang damit ng artista. Ito ang pangunahing isa sa mga modernong pagtatanghal, madalas na kahawig nang eksakto tradisyonal na mga damit isang tiyak na panahon ng pagkilos sa produksyon. Sa batayan ng gayong kasuutan, ang dalawang uri sa itaas ay nilikha.

Mga tampok ng pananahi

Ang mga outfit sa entablado ng pananahi ay medyo kumplikado at malikhaing hitsura mga aktibidad. Kinakailangang piliin ang tamang mga materyales, accessories, lumikha ng pagbuburda at applique, kung kinakailangan. Dapat matugunan ng theatrical costume ang mga sumusunod na kinakailangan:

• Isama nang may katumpakan ang panahon, na isinasaalang-alang ang makasaysayang, etnograpiko, pambansang katangian mga gawa at bayani.
• Maging pare-pareho sa layunin ng direktor na ipahayag ang kakanyahan ng karakter ng karakter.
• Para maging mas bongga ang imahe ng aktor sa mata ng manonood.
• Magandang umupo sa pigura ng may-ari nito.
• Ang ginhawa ng pagsusuot ng costume (lalo na mahalaga para sa mga mananayaw na kalahok sa mga pagtatanghal).

Dahil ang dresser ay pumipili ng isang theatrical costume para sa isang partikular na papel at isang partikular na aktor, ito ay kinakailangan upang maiangkop ito sa iyong mga sukat. Para dito, mas mahusay na bumaling sa mga propesyonal. Ang "Factory of Sewing" ay isang produksyon ng pananahi sa Moscow at sa rehiyon ng Moscow, dito maaari kang mag-order ng pananahi ng isang costume para sa isang pagganap, opera at ballet. Magpapares pinakamahusay na mga materyales at inilapat makabagong teknolohiya pananahi.

"Ang bahagi ng set na nasa kamay ng mga artista ay ang kanyang costume."
French Encyclopedia.

"Ang costume ay ang pangalawang shell ng aktor, ito ay isang bagay na hindi mapaghihiwalay sa kanyang pagkatao, ito ang nakikitang mukha ng kanyang larawan ng entablado, na dapat sumanib nang lubos sa kanya upang maging hindi nababasag ... "
A. Ya. Tairov.

Ang teatro ay isang sintetikong anyo ng sining na nagbibigay-daan sa atin hindi lamang makarinig, hindi lamang mag-isip, kundi tumingin at makakita. Binibigyan tayo ng teatro ng pagkakataong masaksihan ang mga sikolohikal na drama at isang kalahok sa mga makasaysayang tagumpay at kaganapan. Ang teatro, ang pagtatanghal sa teatro ay nilikha sa pamamagitan ng pagsisikap ng maraming mga artista, mula sa direktor at aktor hanggang sa taga-disenyo ng produksyon, dahil ang dula ay "conjugation iba't ibang sining, ang bawat isa sa konseptong ito ay binago at nakakakuha ng bagong kalidad ... ".

Ang kasuutan sa teatro ay isang mahalagang bahagi ng imahe sa entablado ng isang aktor, ito ang mga panlabas na palatandaan at katangian ng itinatanghal na karakter na tumutulong sa muling pagkakatawang-tao ng aktor; paraan ng artistikong impluwensya sa manonood. Para sa isang artista, ang kasuutan ay bagay, anyo, inspirasyon ng kahulugan ng papel.

Kung paanong ang isang aktor sa salita at kilos, galaw at timbre ng boses ay lumilikha ng isang bagong nilalang ng imahe sa entablado, simula sa ibinigay sa dula, kaya naman ang artista, na ginagabayan ng parehong data ng dula, ay naglalaman ng imahe sa pamamagitan ng ang kanyang sining.

Sa buong siglo ng kasaysayan sining ng teatro ang dekorasyon ay patuloy na dumaan sa isang ebolusyonaryong pagbabago, na dulot hindi lamang ng pagpapabuti ng teknolohiya sa entablado, kundi pati na rin ng lahat ng mga twists at turn ng mga estilo at fashion ng kaukulang panahon. Ito ay nakasalalay sa likas na katangian ng pampanitikan na pagbuo ng dula, sa genre ng drama, sa panlipunang komposisyon ng madla, sa antas ng pamamaraan ng entablado.

Ang mga panahon ng matatag na istruktura ng arkitektura ng unang panahon ay pinalitan ng primitive na yugto ng Middle Ages, na nagbigay-daan naman sa mga teatro ng royal court na may sapat na karangyaan sa pagganap. Mayroong mga pagtatanghal sa tela, sa kumplikadong mga nakabubuo na dekorasyon, tanging sa disenyo ng pag-iilaw, walang disenyo - sa isang hubad na entablado, sa isang plataporma, sa simento lamang.

Ang papel ng kasuutan bilang isang "moving" set ay palaging nangingibabaw. Ang pananaw sa kanyang "relasyon" sa aktor, oras at kasaysayan ay nagbabago, at sa wakas, sa kanyang direktang "kasosyo" - ang palamuti sa entablado.

Sa proseso ng progresibong pag-unlad ng sining ng modernong teatro, ang pagbabago ng direksyon, ang pagbabago ng paraan ng dekorasyon, ang papel ng sining ng kasuutan ay hindi nababawasan - sa kabaligtaran. Habang lumalaki ang mas bata at mas nababaluktot na mga kapatid nito - sinehan at telebisyon -, ang teatro, walang alinlangan, sa paghahanap at pagdurusa, ay nakakakuha ng mga bagong anyo ng mga kamangha-manghang pamamaraan, tiyak ang mga nagtatanggol at tumutukoy sa posisyon ng teatro bilang pangmatagalang halaga isang malayang anyo ng sining. Ang suit, bilang ang pinaka-nagagalaw na elemento teatro na tanawin, ay ibinigay sa paghahanap na ito sa unang lugar.

Mataas modernong kultura sining sa teatro, banayad at malalim na gawaing direktoryo sa dula at pagganap, ang mahuhusay na pag-arte ng mga aktor ay nangangailangan mula sa taga-disenyo ng kasuutan na nagpapalamuti sa pagtatanghal, isang partikular na masusing pagtagos sa dramaturhiya ng dula, malapit na pakikipag-ugnayan sa nagdidirekta. Ang modernong disenyo ay hindi na-canonize ng mga patakaran. Ito ay indibidwal at tiyak sa bawat partikular na kaso. “Ang trabaho ng isang direktor ay hindi mapaghihiwalay sa gawa ng isang artista. Una, dapat mahanap ng direktor ang kanyang sariling mga sagot sa mga pangunahing problema sa set. Ang artista, sa turn, ay dapat madama ang mga gawain ng produksyon at patuloy na naghahanap ng nagpapahayag na paraan ... ". Ang kasuutan sa teatro ay unang nilikha sa pamamagitan ng visual na paraan, iyon ay, sa pamamagitan ng sketch.

Panimula 3

Kabanata 1. Mga aspetong teoretikal sining ng teatro. Ang papel at kahalagahan ng kasuotang pandula sa sining ng entablado 5

1.1. Teatro bilang sining 5

1.2. Theatrical costume bilang simbolo ng theatrical culture 7

1.3. Tungkulin kasuotan sa teatro sa eksena ng sining 8

Kabanata 2. Russian theatrical costume noong unang bahagi ng XX century 12

2.1. Patakaran sa kultura ng Russia sa simula ng XX siglo. Mga tampok ng pag-unlad ng sining ng teatro sa liwanag ng bagong patakarang pangkultura 12

2.2. Mga tampok ng theatrical costume ng unang bahagi ng ikadalawampu siglo 22

2.3. Theatrical costume bilang isang imahe ng mga panahon 25

Konklusyon 33

Mga Sanggunian 36

Apendise 38

Panimula

Ang kaugnayan ng gawaing ito ay dahil sa ang katunayan na ang ikadalawampu siglo ay minarkahan ng mabilis na pamumulaklak ng kulturang Ruso. Hindi nakakagulat na ang panahong ito ay tinatawag na Panahon ng Pilak. Ang kultura ng Russia ay sumasalamin sa lahat ng mga kontradiksyon sa sosyo-ekonomiko at sosyo-politikal na buhay ng Russia, ay nagkaroon ng malalim na epekto sa moral na estado ng mga tao, ginawa ang kontribusyon nito sa kaban ng kultura ng mundo. Ang lahat ng mga inobasyon at pagtuklas ay mahirap para sa Russia. Maraming mga dakilang tao ang hindi kailanman narinig, ngunit hindi pa rin maaaring maliitin ng isa ang dignidad ng Panahon ng Pilak, ang isa ay hindi maaaring magsalita tungkol sa kadakilaan nito. Iyon ang dahilan kung bakit, sa ika-21 siglo, ang siglo ng impormasyon at nanotechnology, kinakailangan na bigyang pansin ang kultura ng nakaraang panahon. Dapat nating maunawaan ito, at pagkatapos ay magiging mas madali para sa atin na lumikha ng sarili nating, bagong kultura.

Sa gawaing ito, isinasaalang-alang ko ang theatrical art ng Russia sa simula ng ika-20 siglo, ibig sabihin, ang mga tampok ng theatrical costume ng panahong iyon.

Teatro (Greek θέατρον - ang pangunahing kahulugan - isang lugar para sa mga panoorin, pagkatapos - isang panoorin, mula sa θεάομαι - I look, I see) ay isa sa mga direksyon ng sining kung saan ang mga damdamin, kaisipan at damdamin ng may-akda (tagalikha, artista ) ay ipinapadala sa manonood o isang grupo ng mga manonood sa pamamagitan ng mga aksyon ng isang aktor o grupo ng mga aktor. Ang kasuotan sa teatro ay isang elemento ng disenyo ng pagganap, isang paraan ng pagbabago ng hitsura ng isang aktor at isa sa mga elemento ng kanyang pag-arte.

Ang paksa nito term paper May kaugnayan din ito dahil ang teknolohiya ng teatro para sa paggawa ng isang kasuutan ay naimbento nang tumpak sa simula ng ikadalawampu siglo, isang paraan ng isang indibidwal na diskarte sa sketch ng artist ay binuo upang lumikha ng isang kasuutan alinsunod sa masining na imahe at intensyon ng may-akda. . Sa pagmomodelo at disenyo, nabuo ang teorya ng paglikha ng modernong kasuutan.

Parehong ngayon at sa nakalipas na mga siglo, ang kasuutan ay nananatiling paksa ng espesyal na pagkamalikhain ng mga artista (kabilang ang mga pinakakilalang masters ng fine arts at scenography) at binubuo nila ito (kahit na tila pang-araw-araw na mga costume na pang-araw-araw na paggamit, hindi banggitin ang mga kamangha-manghang) , hindi lamang bilang isang hiwalay na gawain, ngunit bilang pinakamahalagang bahagi ng pagganap.

Kaugnay ng kaugnayan, ang paksa ng pananaliksik ay nabuo: "Russian theatrical costume ng simula ng ikadalawampu siglo."

Layunin ng trabaho: pag-aralan ang mga tampok ng Russian theatrical costume sa simula ng ikadalawampu siglo.

Layunin ng trabaho: Theatrical art ng Russia sa simula ng XX century.

Paksa ng pananaliksik: Russian theatrical costume noong unang bahagi ng ika-20 siglo.

Ang pagkamit ng layuning ito ay pinadali ng solusyon ng mga sumusunod na gawain:

1. Pag-aaral ng aktibidad sa teatro at mga tampok nito.

2. Paglalahad ng papel na ginagampanan ng theatrical costume sa stage art.

3. Pagsasaalang-alang sa patakarang pangkultura ng Russia sa simula ng ikadalawampu siglo.

4. Pagpapasiya ng mga tampok ng Russian theatrical costume noong unang bahagi ng ikadalawampu siglo.

V sa istruktura ang gawain ay binubuo ng isang panimula, dalawang teoretikal na kabanata, isang konklusyon, isang bibliograpiya at isang Appendix. Ang Appendix ay naglalaman ng mga litrato at sketch ng mga Russian theatrical costume noong unang bahagi ng ika-20 siglo.
^

Kabanata 1. Teoretikal na aspeto ng sining sa dula. Ang papel at kahalagahan ng theatrical costume sa stage art

1.1. Teatro bilang sining

Tulad ng anumang iba pang uri ng sining (musika, pagpipinta, panitikan), ang teatro ay may sarili nitong mga espesyal na katangian. Ang sining na ito ay sintetiko: ang isang gawang teatro (pagganap) ay binubuo ng teksto ng dula, gawa ng isang direktor, aktor, artista at kompositor. Ang musika ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa opera at ballet.

Ang teatro ay isang kolektibong sining. Ang pagtatanghal ay bunga ng mga aktibidad ng maraming tao, hindi lamang ang mga lumalabas sa entablado, kundi pati na rin ang mga nananahi ng mga kasuotan, gumagawa ng mga props, naglalagay ng ilaw, at nakikipagkita sa mga manonood. Ito ay hindi para sa wala na mayroong isang kahulugan ng "mga manggagawa sa teatro": ang isang pagtatanghal ay parehong pagkamalikhain at produksyon.

Ang teatro ay nag-aalok ng sarili nitong paraan ng pag-alam sa nakapaligid na mundo at, nang naaayon, ang sarili nitong hanay ng mga masining na paraan. Ang isang pagtatanghal ay parehong isang espesyal na aksyon, na nilalaro sa espasyo ng entablado, at isang espesyal, naiiba, halimbawa, mula sa musika. Malikhaing pag-iisip.

Ang isang pagtatanghal sa teatro ay batay sa isang teksto, tulad ng isang dula para sa isang dramatikong pagtatanghal. Kahit na sa mga yugto ng produksyon kung saan ang salitang tulad nito ay wala, ang teksto ay minsan kailangan; sa partikular, ballet, at minsan pantomime, ay may script - isang libretto. Ang proseso ng paggawa sa isang dula ay binubuo sa paglilipat ng isang dramatikong teksto sa entablado - ito ay isang uri ng "pagsasalin" mula sa isang wika patungo sa isa pa. Dahil dito, ang salitang pampanitikan ay nagiging isang entablado na salita.

Ang unang bagay na nakikita ng manonood pagkatapos bumukas (o tumaas) ang kurtina ay ang espasyo ng entablado kung saan inilalagay ang tanawin. Ipinapahiwatig nila ang lugar ng pagkilos, makasaysayang oras, sumasalamin sa pambansang lasa. Sa tulong ng spatial constructions, kahit na ang mood ng mga karakter ay maiparating (halimbawa, sa isang episode ng paghihirap ng bayani, ilubog ang eksena sa dilim o higpitan ang backdrop nito ng itim). Sa panahon ng pagkilos, sa tulong ng isang espesyal na pamamaraan, ang tanawin ay binago: ang araw ay naging gabi, taglamig - sa tag-araw, ang kalye - sa isang silid. Ang pamamaraan na ito ay umunlad kasama ng siyentipikong pag-iisip ng sangkatauhan. Ang mga mekanismo ng pag-aangat, mga kalasag at mga hatch, na noong unang panahon ay manu-manong pinatatakbo, ngayon ay itinataas at ibinababa ng mga electronics. Ang mga kandila at gas lantern ay pinalitan ng mga bombilya; madalas ding ginagamit ang mga laser.

Kahit noong unang panahon, dalawang uri ng entablado at awditoryum ang nabuo: isang stage-box at isang stage-amphitheater. Ang stage-box ay nagbibigay ng mga tier at parterre, at ang stage-amphitheater ay napapalibutan ng mga manonood mula sa tatlong panig. Ang parehong mga uri ay ginagamit sa mundo ngayon. Ginagawang posible ng modernong teknolohiya na baguhin ang teatro na espasyo - upang ayusin ang isang plataporma sa gitna ng auditorium, upang ilagay ang manonood sa entablado, at isadula ang pagganap sa bulwagan.

Pinakamahalaga laging nakakabit sa gusali ng teatro. Ang mga teatro ay karaniwang itinatayo sa gitnang plaza ng lungsod; gusto ng mga arkitekto na maging maganda ang mga gusali at makaakit ng atensyon. Pagdating sa teatro, iniiwan ng manonood ang pang-araw-araw na buhay, kumbaga, umaangat sa katotohanan. Samakatuwid, hindi nagkataon na ang isang hagdanan na pinalamutian ng mga salamin ay madalas na humahantong sa bulwagan.

Nakakatulong ang musika na pahusayin ang emosyonal na epekto ng isang dramatikong pagtatanghal. Minsan ito ay tunog hindi lamang sa panahon ng aksyon, kundi pati na rin sa panahon ng intermission - upang panatilihing interesado ang madla.

Ang pangunahing tao sa dula ay ang aktor. Nakikita ng manonood sa kanyang harapan ang isang tao na, sa isang misteryosong paraan, ay naging isang masining na imahe - isang uri ng gawa ng sining. Siyempre, ang gawa ng sining ay hindi mismo ang tagapalabas, ngunit ang kanyang tungkulin. Siya ay nilikha ng isang aktor, na nilikha ng boses, nerbiyos at isang bagay na mailap - espiritu, kaluluwa.

Upang ang aksyon sa entablado ay mapagtanto bilang isang buo, ito ay kinakailangan upang ayusin ito nang may pag-iisip at tuloy-tuloy. Ang mga responsibilidad na ito sa modernong teatro ginanap ng direktor. Siyempre, marami ang nakasalalay sa talento ng mga aktor sa dula, ngunit, gayunpaman, sila ay nasa ilalim ng kalooban ng pinuno - ang direktor.

1.2. Theatrical costume bilang simbolo ng theatrical culture

Ang aktor ay palaging nakasuot ng isang damit na hindi maaaring maging tradisyonal bilang kaswal na damit. Hindi lamang "komportable", "mainit", "maganda" - sa entablado ito ay "nakikita", "nagpapahayag", "matalinhaga".

Sa buong kasaysayan nito, ginamit ng teatro ang magic ng kasuutan, na umiiral, gayunpaman, sa totoong buhay. Ang mga damit ng mahirap na tao, ang mayaman na kasuotan ng courtier, ang sandata ng militar ay madalas nang maaga, bago ang malapit na kakilala sa isang tao, maraming tinutukoy ang ating saloobin sa kanya. Ang komposisyon ng kasuutan na binubuo ng mga pamilyar na detalye ng pananamit, ngunit sa isang espesyal, "pagsasalita" na paraan, ay maaaring bigyang-diin ang ilang mga katangian sa karakter ng isang karakter, ibunyag ang kakanyahan ng mga kaganapang nagaganap sa dula, at sabihin ang tungkol sa makasaysayang panahon. Ang kasuutan sa teatro ay nagbubunga ng sarili nitong mga asosasyon sa manonood, nagpapayaman at nagpapalalim sa impresyon ng pagganap at ng bayani.

Sa pamamagitan ng disenyo, hiwa, texture, theatrical costume, bilang panuntunan, ay naiiba sa pang-araw-araw. Ang mga likas na kondisyon (mainit - malamig), panlipunang pag-aari ng isang tao (magsasaka, naninirahan sa lungsod), at fashion ay may mahalagang papel din sa buhay. Sa teatro, marami rin ang tinutukoy ng genre ng pagtatanghal, ang artistikong istilo ng pagtatanghal. Sa ballet, halimbawa, sa tradisyonal na koreograpia, maaaring walang mabigat na damit. At sa isang dramatikong pagtatanghal na puspos ng paggalaw, hindi dapat hadlangan ng kasuutan ang aktor na malaya sa espasyo ng entablado.

Kadalasan, ang mga artista sa teatro, na gumuhit ng mga sketch para sa mga kasuotan, ay binabaluktot at pinalalaki ang mga anyo ng katawan ng tao.

Ang kasuutan sa dula sa isang modernong tema, kakaiba, ay isa sa pinakamahirap na problema. Imposibleng magdala ng aktor na nakadamit sa malapit na tindahan sa entablado. Tanging isang tumpak na pagpili ng mga detalye, isang maalalahanin na scheme ng kulay, mga sulat o mga kaibahan sa hitsura ng mga bayani ay makakatulong sa pagsilang ng isang masining na imahe.

Ang kasuutan ay isinasama ang simbolismo ng tradisyonal na kultura. Ang pagsuot ng damit ng ibang tao ay nangangahulugan ng paggamit ng hitsura ng ibang tao. Sa mga dula ni Shakespeare o Goldoni, ang pangunahing tauhang babae ay nagsusuot ng damit ng isang lalaki - at nagiging hindi nakikilala kahit para sa mga malapit na tao, bagaman, bukod sa kasuutan, wala siyang pinagbago sa kanyang hitsura. Sa ika-apat na pagkilos ng Hamlet, lumitaw si Ophelia sa isang mahabang kamiseta, na may malambot na buhok (sa kaibahan sa damit ng korte at hairstyle) - at ang manonood ay hindi nangangailangan ng mga salita, ang kabaliwan ng pangunahing tauhang babae ay halata sa kanya. Pagkatapos ng lahat, ang ideya na ang pagkasira ng panlabas na pagkakaisa ay isang tanda ng pagkasira ng panloob na pagkakaisa ay umiiral sa kultura ng sinumang tao.

Ang simbolismo ng kulay (pula - pag-ibig, itim - kalungkutan, berde - pag-asa) at sa pang-araw-araw na mga damit ay gumaganap isang tiyak na tungkulin... Ngunit ginawa ng teatro ang kulay sa kasuotan na isa sa mga paraan ng pagpapahayag ng emosyonal na kalagayan ng karakter. Kaya, Hamlet sa sienna iba't ibang mga sinehan laging nakasuot ng itim.

1.3. Ang papel ng theatrical costume sa stage art

Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. isa sa mga pangunahing prinsipyo ng sining ng Siena ay ang prinsipyo ng papel (mula sa French emploi - "application"). Ang bawat aktor ay pumili ng isang tiyak na uri ng papel para sa kanyang sarili at sinunod ang kanyang pinili sa buong buhay niya. Nariyan ang papel ng isang kontrabida, isang simpleng tao, isang manliligaw, isang makatwirang tao (resonator), atbp. Ang mga aktor na gumaganap ng gayong mga karakter ay nakabuo ng mga espesyal na diskarte, nag-imbento ng mga espesyal na kilos, isang paraan ng pagsasalita, at nag-imbento ng isang natatanging detalye ng kasuutan. Ang mga manggagawa sa teatro ay palaging sumasalungat sa papel, na nagtataguyod ng pag-renew ng sining sa entablado. Tama ang kanilang paniniwala na walang magkaparehong kontrabida, magkasintahan, tagapaglingkod, at samakatuwid ay dapat na kanselahin ang papel. Noong XX siglo. hindi na ginamit ang konseptong ito. Gayunpaman, maaari mo pa ring makita, halimbawa, ang mga naturang anunsyo: "Ang teatro ay naghahanap ng isang artista para sa papel ng mga negatibong karakter." Ang lumang prinsipyo ay napatunayang matatag.

Sa Italya at bahagyang sa Austria, gustung-gusto nila ang improvisasyon (mula sa Latin na improvisus - "hindi inaasahang", "biglaang"), iyon ay, isang paraan ng paglalaro, kung saan sa sandali ng pagganap ay maaaring ipanganak ang isang bagong plastik na pamamaraan o intonasyon. Nakasanayan na ng mga Pranses na sundin ang mga alituntuning binuo noong ika-17 siglo. Ang salita ay itinuturing na pangunahing bagay sa teatro, kaya ang mga aktor ay nagtrabaho nang husto sa teksto at ipinakita ang kagandahan ng pagsasalita sa mga pagtatanghal. Naka-on eksena sa Russia naglaro sa kabila ni Diderot - nakikinig sa puso. Sa panahong iyon, marami na mga bansang Europeo may mga institusyong pang-edukasyon na nagsanay ng mga aktor. Ang pinakamatanda sa mga ito ay ang Paris Conservatory (na kasama ang mga klase sa drama).

Ang XX siglo ay nagbigay sa sining ng teatro ng napakaraming teorya kasanayan sa pag-arte tulad ng walang ibang siglo. Ang mga aktor, direktor, manunulat ng dula ay nagsusumikap na bumuo ng kanilang sariling mga sistema. Ang isa sa mga pinakatanyag ay kabilang kay Konstantin Sergeevich Stanislavsky (1863-1938), isa sa mga tagapagtatag ng Moscow Art Theatre. Ang mga gawa ni Stanislavsky - "Ang gawain ng isang aktor sa kanyang sarili" at "Ang gawain ng isang aktor sa papel" ay naging isang uri ng bibliya para sa mga aktor. Ang interes sa pamamaraan, na lumitaw sa mga unang dekada ng ika-20 siglo, ay hindi nawawala sa pagtatapos ng siglo. Ang mga bagong teorya, kahit na pinabulaanan ang mga panukala ni Stanislavsky, sa isang paraan o iba pa, ay umaasa sa mga akdang ito na tunay na gumagawa ng kapanahunan.

Si S. Stanislavsky mismo ay isang artista, mula sa isang maagang edad ay gumanap siya sa parehong baguhan at propesyonal na mga pagtatanghal. Siya ay nabighani sa mga bugtong ng propesyon, ang kahulugan at anyo ng pag-iral ng artista sa entablado. Si Stanislavsky ay nag-generalize ng kanyang mga saloobin tungkol sa sining ng teatro lamang sa kanyang mga mature na taon, kapag siya ay naipon ng maraming karanasan - parehong kumikilos, nagdidirekta, at pedagogical.

Makakamit ng aktor ang katotohanan ng damdamin, kung siya ay ganap na muling magkakatawang-tao, "magkasya sa balat" ng kanyang bayani. Ang ideyang ito ay ipinahayag ng mahusay na Russian artist na si Mikhail Semyonovich Schepkin, at si Stanislavsky ay nakabuo ng mga diskarte kung saan maaari kang masanay sa papel. Itinuring ng direktor na mahalaga ang pagpapalaki ng aktor - ang klerk ng teatro ay dapat may espesyal na etika, alam kung bakit siya pumupunta sa entablado at kung ano ang nais niyang sabihin sa madla. "Ang papel ng isang aktor ay hindi nagtatapos sa pagbaba ng kurtina - siya ay obligado na maging isang naghahanap at gabay ng kagandahan sa kanyang buhay," isinulat ni Stanislavsky.

Makabagong tao madalas ay hindi maaaring kumilos nang natural, ayon sa kanyang panloob na kakanyahan. Upang maunawaan ang bayani, dapat "mapasok" ng aktor ang kanyang kaluluwa kapag hindi siya nakatali sa mga kumbensyon ng opisyal na buhay. Nanawagan si Stanislavsky na ipakita ang mga karakter "sa pamamagitan ng kanilang panloob na mga kuwento."

Matagal na panahon sa stage art, hindi nalutas ang problema ng grupo ng mga aktor. Sa mga pagtatanghal ng teatro ng romantikismo, ang isang aktor, ang tagapalabas ng pangunahing papel, ay madalas na tumayo. Minsan ay sinusundan ng mga manonood ang isang pares ng mga aktor, lalo na kung sila ay gumaganap ng isang love duet. Sa teatro ng XX siglo. - higit sa lahat salamat kay Stanislavsky - naging mahalaga ang grupo ng mga aktor. Ang isa pang natitirang direktor, si Vsevolod Emilievich Meyerhold (1874-1940), ay sumulat din tungkol sa kahalagahan ng naturang grupo. Ito ang "grupo ng mga tao" na dapat magbukas ng larawan ng buhay sa harap ng manonood, at hindi isang solong aktor.

Sa modernong sining ng teatro, unti-unti itong nahuhubog bagong uri aktor sa teatro ng drama. Ang nasabing artista ay pamilyar sa mga nangungunang pambansang paaralan, basahin ang Stanislavsky, Grotovsky, Artaud, Brecht, ay interesado din sa ganap na mga bagong ideya. Maaari siyang pumili, ngunit mas madalas sa kanyang trabaho, ang mga elemento ng iba't ibang mga paaralan, ang mga diskarte ng acting technique na hiniram mula sa iba't ibang mga teorya ay magkakasamang nabubuhay nang mapayapa. Ang aktor ng huling bahagi ng ika-20 siglo, parehong Ruso at Kanluranin, ay pinagkadalubhasaan ang mga pamamaraan ng pagiging masanay sa imahe ng isang karakter, at ang mga prinsipyo ng detatsment, at improvisasyon. Sa ngalan ng pagkamit ng gayong kalayaan sa pag-iral, ang mga magagaling na aktor at direktor ng nakaraan ay nagtrabaho sa entablado - nag-alinlangan sila, nabigo, mayroon silang parehong nakabibinging tagumpay at malalaking kabiguan.

Ang mga ideya ni K.S. Si Stanislavsky ay binuo ng Pranses na makata, direktor at aktor na si Antonin Artaud (tunay na pangalan Antoine Marie Joseph, 1896-1948) at Polish na direktor na si Jerzy Grotowski. Naniniwala sina Artaud at Grotowski na ang isang tao ng ika-20 siglo ay hindi nakakaalam ng matinding hilig; siya ay naglalaro, ngunit hindi nabubuhay. Ang layunin ng aktor ay ibalik ang manonood sa tunay na damdamin, tunay na karanasan. Ngunit para dito kailangan muna niyang iwaksi ang sarili sa paglalaro ordinaryong buhay... Nabuo sina Artaud at Grotowski sariling sistema paghahanda ng mga masters ng eksena. Ang aktor, ayon sa direktor ng Pranses, ay higit pa sa isang propesyon. Ang teatro ay ang pinaka-epektibong sining, na idinisenyo upang palayain ang mga tao mula sa mga tanikala ng mga kombensiyon, upang dalhin ang mataas na tula sa buhay. Ang mga pananaw ni Artaud sa sining ng aktor ay higit sa lahat ay utopian, ngunit, gayunpaman, naimpluwensyahan ng kanyang teorya ang sining ng teatro sa mundo.

Kabanata 2. Russian theatrical costume ng unang bahagi ng XX century

2.1. Patakaran sa kultura ng Russia sa simula ng XX siglo. Mga tampok ng pag-unlad ng sining sa teatro sa liwanag ng bagong patakarang pangkultura

Ang Rebolusyong Oktubre ng 1917 ay naging isang mahusay na punto ng pagbabago sa kapalaran ng kulturang Ruso. Isang pagbabagong punto sa literal na kahulugan ng salita: ang kulturang Ruso, na umunlad sa isang pataas na linya, ay umabot sa pinakamataas na punto at pagkilala sa buong mundo sa Panahon ng Pilak, ay nahinto at ang paggalaw nito ay bumaba nang husto. Ang pagbabagong punto ay sadyang ginawa, ito ay itinayo ayon sa isang naunang iginuhit na plano at hindi kumakatawan sa isang kusang sakuna ng pagkuha ng isang bansa ng isa pa at isang pang-aalipusta sa kultura nito, na matatagpuan sa kasaysayan ng mundo.

Walang ganoong uri ang nangyari sa Russia noong panahong iyon. Ang mga Bolshevik ay laman ng mga Ruso, ngunit kumilos sila kasama ang kultura nito bilang isang mananakop, na hindi nagustuhan ang lumang order at nagpasya na palitan ito ng bago.

Na may tagumpay Rebolusyong Oktubre agad na nagsimula ang pamahalaang Sobyet sa isang bagong patakarang pangkultura. Nangangahulugan ito ng paglikha ng isang walang uliran sa kasaysayan - proletaryong - uri ng kultura, batay sa pinaka-rebolusyonaryo at advanced, tulad ng pinaniniwalaan, ang ideolohiya ng Marxismo, ang pagpapalaki ng isang bagong uri ng tao, ang paglaganap ng unibersal na literasiya at kaliwanagan. , ang paglikha ng mga monumental na gawa ng sining na pinupuri ang mga pagsasamantala sa paggawa ng mga ordinaryong tao. Gaya ng inakala, ang kulturang proletaryo ay papalit sa mga kulturang marangal at burges. Ang marangal na kultura ng Russia ay wala pang 150 taong gulang, at ang edad ng burges ay mas kaunti, dahil ang kapitalismo sa Russia, kung bibilangin mo sa pormal na pamantayan, ay umiral lamang sa loob ng 57 taon (1861-1917). V Kanlurang Europa kung saan ang edad ng una ay sinusukat sa loob ng maraming siglo, at ang edad ng pangalawa ay lumampas sa 150 taon, sila ay binantaan ng mga rebolusyonaryong kaguluhan sa isang mas maliit na lawak.

Nang walang malinaw na pagkakaiba sa pagitan ng marangal at burges na mga kultura, ang mga Bolshevik ay biglang nagpasya na harapin ang pareho bilang isang hindi kinakailangang pamana ng nakaraan. Hindi lamang mga icon at banner, kundi pati na rin ang mga volume ng mga tula ni Pushkin ay lumipad sa nagliliyab na apoy ng rebolusyon. Ang slogan ng mga unang taon ng kasaysayan ng Sobyet na "Itapon natin si Pushkin sa barko ng ating panahon!" nagkatawang-tao na may malupit na pagkakapare-pareho at sa buong suporta ng mga awtoridad. Sa katunayan, siya, ang dakilang turning point, ay pinasimulan nila. Ang rebolusyong pangkultura na naganap sa panahong iyon ay isang tipikal na halimbawa ng isang rebolusyon mula sa itaas na kasama ng inorganikong modernisasyon.

3a paglikha bagong kultura ang mga Bolshevik ay mabilis at mapagpasyang kumilos. Alinsunod sa dekreto ng Nobyembre 9, 1917, itinatag ang Komisyon sa Edukasyon ng Estado upang gabayan at kontrolin ang kultura. Sa nabuong pamahalaan (SNK RSFSR), si A.V. Lunacharsky (1874-1933) ay hinirang na People's Commissar for Education. Sa People's Commissariat for Education, isang departamento para sa edukasyon ng mga pambansang minorya ang nabuo upang pamahalaan ang mga gawaing pangkultura sa mga pambansang rehiyon ng RSFSR. kapangyarihan ng Sobyet pampubliko, propesyonal at malikhaing organisasyon na gumana bago ang rebolusyon ay inalis - ang All-Russian Teachers Union, ang Union of Figures masining na kultura, The Union of Art Workers, atbp. Bumangon ang mga bagong organisasyong pangkultura - Down with Illiteracy, the Union of Atheists, the Society of Friends of the Radio, atbp.

Noong 1917, ang Hermitage, ang Russian Museum, ay naging "pag-aari at pagtatapon" ng mga tao, Tretyakov Gallery, The Armory at marami pang ibang museo. Ang mga pribadong koleksyon ng S.S. Shchukin, Mamontovs, Morozovs, Tretyakovs, V.I. Dahl, I.V. Tsvetaeva.

Ang mga institusyon ng propesyonal na awtonomiya ng intelligentsia - mga independiyenteng publikasyon, malikhaing unyon, mga asosasyon ng unyon ng manggagawa - ay na-liquidate nang hakbang-hakbang. Kahit na ang agham ay inilagay sa ilalim ng mahigpit na kontrol sa ideolohiya. Ang Academy of Sciences, na palaging medyo independyente sa Russia, ay pinagsama sa Communist Academy, isinailalim sa Council of People's Commissars at naging isang bureaucratic na institusyon. Mula noong katapusan ng 1920s, ang hinala sa mga lumang intelihente ay pinalitan ng pampulitikang pag-uusig: ang kaso ng Shakhty, ang mga proseso ng Industrial Party, ang Labor Peasant Party ay nagpapatotoo na ang pisikal na pagkawasak ng Russian intelligentsia ay nagsimula sa bansa.

Kasabay ng pagpuksa ng mga lumang intelligentsia, ang paglikha ng mga intelihente ng Sobyet ay nagpatuloy, at higit pa rito, sa isang pinabilis na rate - sa pamamagitan ng "promosyon" (ang mga partido ng mga manggagawa kahapon ay hinirang bilang mga direktor), ang mga faculty ng mga manggagawa (mga faculty ng paghahanda para sa pinabilis na edukasyon at pagsasanay ng mga kabataang manggagawa at magsasaka para sa pagpasok sa mga unibersidad; dito ginamit ang isang laboratory brigade. pamamaraan ", kung saan nag-ulat ang isang estudyante para sa buong grupo). Bilang resulta, noong 1933, nalampasan ng USSR ang Germany, England, Japan, Poland at Austria sa bilang ng mga estudyanteng kinuha.

Itinakda ng bagong patakarang pangkultura na "ibigay sa mga manggagawa ang lahat ng mga kayamanan ng sining na nilikha batay sa pagsasamantala sa kanilang paggawa," gaya ng ipinahayag sa VIII Congress ng RCP (b). Ang pinaka-epektibong paraan ay itinuturing na pangkalahatang nasyonalisasyon - hindi lamang ng mga pabrika at halaman, kundi pati na rin ang mga teatro at art gallery. Ang libreng pag-access ng mga tao sa mga kayamanan ng kultura ng mundo, ayon sa plano, ay dapat na magbukas ng daan sa pangkalahatang paliwanag ng Russia. Kasabay nito, ang nasyonalisasyon ng mga monumento ng kultura ay inilaan upang protektahan sila mula sa pagkawasak, dahil kinuha sila ng estado sa ilalim ng proteksyon nito. Ang mga museo at bulwagan ng eksibisyon, mga atheist club at planetarium ay itinayo sa mga marangal na estate, simbahan at institusyon ng lungsod. Sa panahon mula 1918 hanggang 1923, humigit-kumulang 250 bagong museo ang nilikha. Ang pagpapanumbalik ng ilan sa mga monumento ay nagsimula na. Noong 1918-1919, higit sa 65 makasaysayang at artistikong mga monumento ang naibalik, at noong 1924 - 227. Sa pamamagitan ng atas ng Konseho ng People's Commissars ng RSFSR noong Agosto 27, 1919, ang industriya ng photographic at cinematographic ay nasyonalisado. Ang gawain ng mga pabrika ng pelikula at mga sinehan ay pinamumunuan ng All-Russian Photo Cinema Department (VFKO) ng People's Commissariat of Education, na noong 1923 ay binago sa Goskino, at noong 1926 - sa Sovkino. Noong 1918, kinuha ng estado ang pinakamalaking institusyong pangmusika: ang mga konserbatoryo, ang Bolshoi Theater, Mariinskii Opera House, mga pabrika ng instrumentong pangmusika, mga bahay ng paglalathala ng musika. Ang mga bagong konsiyerto at mga organisasyong pang-edukasyon sa musika, mga institusyong pang-edukasyon sa musika ay nilikha, ang mga amateur na grupo ay naayos.

Gayunpaman, ang parehong nasyonalisasyon ay nagbukas ng daan para sa dati nang hindi nakikitang barbarismo sa kultura: ang mga hindi mabibiling aklatan ay nawala, ang mga archive ay nawasak; sa mga marangal na bahay at simbahan, hindi lamang mga club at paaralan ang itinayo, kundi pati na rin ang mga bodega at pagawaan. Sa paglipas ng panahon, maraming relihiyosong mga gusali ang nahulog sa ganap na pagkawasak, at ilang libong templo at monasteryo sa buong bansa ang ganap na nabura sa balat ng lupa. Nang ang mga Bolshevik ay nangangailangan ng mahirap na pera upang maibalik ang pambansang ekonomiya, dose-dosenang mga bagon ng mga artistikong kayamanan, kabilang ang mga icon ng makasaysayang halaga, ay ibinenta sa ibang bansa nang literal para sa wala. Ang pagsunod sa mga prinsipyo ng diskarte sa klase, daan-daang mga lumang monumento ang nawasak sa mga lungsod, sa lugar kung saan itinayo ang mga bust ng mga rebolusyonaryong bayani, pinalitan ng pangalan ang mga lansangan at mga parisukat.

Ang Proletkult (Proletaryong kultura), isang organisasyong pangkultura, pang-edukasyon, pampanitikan at masining (1917-1932) ng proletaryong amateur group sa ilalim ng People's Commissariat of Education, ay mas aktibong lumaban kaysa sa iba. Ang Proletkult ay lumitaw noong taglagas ng 1917 at hindi nagtagal ay nagkaroon ng mahigit 200 lokal na organisasyon sa iba't ibang larangan ng sining, lalo na ang panitikan at teatro. Ang mga ideologist nito (A.A.Bogdanov, V.F.Pletnev) ay nagdulot ng malubhang pinsala artistikong pag-unlad mga bansang tumatanggi sa pamana ng kultura. Nalutas ng Proletkult ang dalawang gawain - ang sirain ang lumang marangal na kultura at lumikha ng isang bagong proletaryong kultura. Matagumpay niyang nakayanan ang una, at ang pangalawa ay nanatiling isang lugar ng hindi matagumpay na pag-eksperimento.

Ang Proletkult ay gumanap ng isang negatibong papel dahil sinubukan nitong lutasin ang mga problema sa pamamagitan ng paraan ng pag-atake ng mga kabalyero kung saan ang mga ito, ang mga pamamaraang ito, ay hindi angkop sa anumang paraan. Hindi siya ang batayan, ngunit isang matinding pagpapahayag lamang ng diskarte ng Bolshevik sa kultura, kung saan sinubukan ng RSDLP na alisin sa lalong madaling panahon. Kumbinsido sa hindi naaangkop na mga pamamaraan ng ekstremista sa paglutas ng mga malalaking problema na may kaugnayan sa kultura, ang mga Bolshevik ay lumipat sa isang unti-unti at mas koordinadong opensiba.

Sa sistema ng edukasyon, ang nasyonalisasyon ay pinalitan ng nasyonalisasyon, na, tulad ng nasyonalisasyon, ay naghabol ng ilang layunin. Una, ang pangangasiwa ng mga paaralan at unibersidad, na nawala ang kanilang mga kalayaang pang-akademiko at kaligtasan sa sakit, ay nasa ilalim ng kasangkapan ng partido, na nagtalaga at pumalit sa mga kawani ng pagtuturo, at nagtakda ng mga quota para sa pagpasok ng mga mag-aaral. Pangalawa, ang mapagbantay na kontrol sa ideolohiya ay itinatag sa mga mag-aaral at propesor, ang nilalaman ng itinuro at nakuhang kaalaman. Ikatlo, ang laki at dami ng pampublikong edukasyon ay lumawak nang husto, at halos lahat ng bahagi ng populasyon ay nakatanggap ng access sa libreng pampublikong edukasyon. Bilang resulta, noong 1921 ang bilang ng mga unibersidad sa bansa ay tumaas sa 244 kumpara sa 91 sa pre-revolutionary Russia. Ang utos na "Sa mga patakaran para sa pagpasok sa mas mataas na mga institusyong pang-edukasyon" (1918) ay nagpapahintulot sa libreng pagpasok sa mga unibersidad. Hindi lamang ang mga bayarin sa matrikula at mga pagsusulit sa pasukan ay inalis - kahit isang diploma sa mataas na paaralan ay hindi kinakailangan.

Isang malawakang kampanya upang puksain ang kamangmangan sa mga matatanda at bata ay inilunsad sa bansa. Noong 1919, ang utos na "Sa pag-aalis ng kamangmangan sa mga populasyon ng RSFSR" ay inilabas, na nag-oobliga sa lahat ng mga taong hindi marunong bumasa at sumulat na may edad 8 hanggang 50 na matutong magbasa at magsulat sa kanilang sariling wika o Russian. Ang mga komisyong pang-emergency ay itinatag sa lahat ng dako upang puksain ang kamangmangan. Ang lipunang "Down with illiteracy" ay pinamumunuan ni M.I. Kalinin, V.I. Lenin, A.V. Lunacharsky. Isang malawak na network ng mga paaralan, lupon at kurso ang nilikha. Noong 1913-1920. humigit-kumulang 7 milyong tao ang nakakuha ng literacy. Ayon sa 1939 All-Union Census, ang bilang ng mga taong marunong bumasa at sumulat na may edad 16 hanggang 50 ay tumaas sa 90%. Ang bilang ng mga mag-aaral sa mga paaralang pangkalahatang edukasyon ay lumampas sa 30 milyon, kumpara sa 7.9 milyon noong 1914, at ang bilang ng mga nagtapos sa unibersidad ay lumampas sa 370 libo. Ang bilang ng mga mananaliksik na nagtatrabaho sa 1,800 na institusyong pananaliksik ay tumaas sa 100 libo, na lumampas sa antas ng 1913 halos 10 beses .

Ang sapilitang pagsasanay ng mga mag-aaral at mag-aaral sa una ay humantong sa isang kapansin-pansing pagbaba sa kalidad ng edukasyon. Ang mga nagtapos ay maaaring magbasa, ngunit hindi nagtataglay ng mga advanced na tagumpay ng agham noong panahong iyon, at sa FZU (pabrika paaralan) ang antas ng kaalaman ay kadalasang simpleng sakuna at may hangganan sa functional illiteracy (ang kakayahang magbasa, ngunit ang kawalan ng kakayahang maunawaan kung ano ang basahin). Ang gobyerno ng Sobyet ay kumilos bilang, marahil, anumang iba pang pamumuno, na inilagay sa matinding mga kondisyon, ay gagawin sa lugar nito: milyon-milyong mga karampatang espesyalista at siyentipiko ang lumipat mula sa bansa, ang pangangailangan na ibalik ang pambansang ekonomiya na nawasak ng digmaan, at pagkatapos ay ang ang malawakang pagtatayo ng libu-libong bagong negosyo ay nangangailangan ng pinakamabilis na pagsasanay ng mga kuwalipikadong frame. Ang isang bansang napapalibutan ng mga kalaban sa ideolohiya ay nangangailangan ng isang malakas na potensyal sa pagtatanggol. Sa isang katulad na sitwasyon, ang lahat ng mga mapagkukunan ay itinapon sa pagtaas. teknikal na agham at ang industriya ng pagtatanggol, kung saan ang pinakamahuhusay na pwersang intelektwal ay puro.

Simula noon, ang ratio ng mga pondo sa badyet na inilalaan ng estado para sa pagpapaunlad ng agham ay itinayo sa isang ratio na humigit-kumulang 95: 5 na pabor sa teknikal at natural na kaalaman, noong 30s ang naturang patakaran ay nagbunga. Batay sa siyentipikong pananaliksik ng akademikong S.Z. Lebedev (1874-1934) sa USSR, sa unang pagkakataon sa mundo, inayos ang mass production ng sintetikong goma. Salamat sa mga natitirang siyentipikong pagtuklas ng mga physicist ng Sobyet, ang mga prinsipyo ng radar ay ipinakilala sa buhay sa unang pagkakataon sa mundo. Sa ilalim ng pamumuno ng Academician A.F. Ioffe (1880-1960), nilikha ang isang kilalang paaralan ng mga physicist, na gumawa ng malaking kontribusyon sa pag-aaral ng atomic nucleus at cosmic ray. Noong 1930s, ang agham at teknolohiya ng Sobyet ay lumikha ng first-class na sasakyang panghimpapawid, kung saan ang aming mga piloto ay nagtakda ng mga tala sa mundo para sa saklaw at taas.

Ang mga resulta ng rebolusyong pangkultura, kapwa positibo at negatibo, ay nakakaapekto hindi lamang sa agham at edukasyon, kundi pati na rin sa muling pagsasaayos ng kultura ng pang-araw-araw na buhay.

Ang mga mananalaysay na nag-aaral sa panahon ng Sobyet ng ating kasaysayan ay naniniwala na noong 1930s isang bago at hindi gaanong radikal na pagliko ang naganap sa mga aktibidad ng mga Bolshevik kaysa noong 1917. Sa partikular, ang American sociologist na si N. Timashev (lumipat mula sa Russia) ay naglagay ng tesis na noong 30s ang panloob na patakaran ng USSR ay tumigil na tumutugma sa dati nang nangingibabaw na mga rebolusyonaryong mithiin. Ang maagang patakaran sa kultura ng Bolshevik ay batay sa radikalismo: ang halaga at pangangailangan ng pamilya ay tinanggihan, ang pag-abandona ng kanilang mga magulang, kung sila ay "burges" na pinagmulan, ng lumang kultura, ay hinikayat. Ang Philistinism at moderation ay hinatulan sa parehong paraan, at ang walang kondisyong priyoridad ng lipunan at ng kolektibo kaysa sa indibidwal ay pinagtibay. Kasunod ni Mayakovsky, ang mga party intelligentsia ay nagsumikap na bumuo ng isang modelo ng isang bagong pamilya, malaya sa paninibugho, pagtatangi, at mga tradisyonal na prinsipyo ng relasyon sa pagitan ng babae at lalaki.

Noong kalagitnaan ng 1930s, isang pagbaligtad ang naobserbahan - ang paglipat mula sa rebolusyonaryong asetisismo tungo sa kagalingan ng pribadong buhay at mas sibilisadong anyo ng pag-uugali. Ang mga mithiin ng pamilya, dedikasyon sa serbisyo at propesyonal na karera, ang halaga ng klasikal na edukasyon ay ibinabalik. Nagaganap ang mga pagbabago sa pang-araw-araw na buhay, panlasa, at asal. Ang mga pahayagan at magasin ng 30s ay malawak na tinatalakay ang problema ng kultura ng tao, ang instituto ng mga pampaganda at kalinisan ng Glavparfumer ay binuksan sa Moscow at lumitaw ang mga magazine ng fashion.

Hindi rin tumigil ang sining ng teatro. Sa pamamagitan ng utos ng Council of People's Commissars (1917), ang mga sinehan ay inilipat sa hurisdiksyon ng People's Commissariat of Education. Noong 1919, ang Konseho ng People's Commissars Decree na nilagdaan ni V.I.

Ang pinakalumang mga teatro ng Russia ay gumawa ng mga unang hakbang patungo sa isang rapprochement sa isang bago, nagtatrabaho na madla, muling pag-isipan ang mga klasiko - sa ilang mga kaso ay binibigyang kahulugan ito sa mga tuntunin ng "consonance of the revolution" ("Posadnik" ni AK Tolstoy, 1918, "Old Man " ni Gorky, 1919, pareho sa Maly theater). Ang monumental at makabayan na mga imahe ng Mayakovsky's Mystery Buff (na itinanghal ni Meyerhold noong 1918) ay naglatag ng pundasyon para sa paglikha ng matalas na pagtatanghal sa pulitika, na napuno ng diwa ng rebolusyonaryong romantikismo, at nag-ambag sa pag-unlad ng agitation theater. Ang malaking kahalagahan sa pag-unlad ng kultura ng teatro ay ang malikhaing pakikipag-ugnayan at kumpetisyon ng mga pinakalumang teatro ng Russia, na nahiwalay sa grupong pang-akademiko, tulad ng Maly, Moscow Art Theater, Alexandrinsky, at bagong organisado - ang 3rd studio ng Moscow Art Theater, ang RSFSR Theater, Theater of the Revolution, Theater. MGSPS, Bolshoi Drama Theater - sa St. Petersburg, Theater "Red Torch", atbp. Bolshoi teatro ng drama ay itinatag sa Petrograd kasama ang pakikilahok ng M.F. Andreeva, A.A. Blok, M. Gorky, A.V. Lunacharsky bilang isang teatro ng heroic repertoire. Ang chairman at pinuno nito ay si A.A. I-block. Ang mga pagtatanghal ay itinanghal ng mga direktor na si N.N. Arbatov, R.V. Boleslavsky, A.N. Lavrentiev, dinisenyo ng mga artista na si A.I. Benois, A.V. Dobuzhinsky, V.A. Pike. Ang musika para sa teatro ay isinulat ng mga kompositor na B.V. Astafiev, Yu. A. Shaporin, at N.F. Monakhov, V.V. Maximov, V. Ya. Safronov.

Ang pag-unlad ng teatro sa panahong ito ay lubos na naiimpluwensyahan ng mga aktibidad ng isang buong kalawakan ng mga mahuhusay na direktor: K.S. Stanislavsky, V.I. Nemirovich-Danchenko, V.E. Meyerhold, E.B. Vakhtangov, A. Ya. Tairova, A.D. Popova, K.A. Mardzhanishvili, G.P. Yura. Ang mga aktor ng mas lumang pre-rebolusyonaryong henerasyon - M.N. Ermolova, A.M. Yuzhin, A.A. Ostuzhev, E. D. Turchaninov, A.A. Yablochkina (Maly Theater), I.M. Moskvin, V.I. Kachalov, L.M. Leonidov, M.P. Lilina, O.L. Knipper-Chekhova (Moscow Art Theater) at iba pa. Kasabay nito, bumuhos ang nakababatang henerasyon sa mga mahuhusay na artista- N.P. Khmelev, A.K. Tarasova, N.P. Batalov, M.M. Yanshin, K.N. Elanskaya, B.K. Livanov, B.V. Shchukin, E.N. Gogolev, A.A. Khorava, A.A. Vasadze, A. Khidoyatov, S.M. Mikhoem, N.M. Uzhviy at iba pa. Maraming mga bagong teatro at studio ng teatro, mga mobile na sinehan ang nilikha din. Lumitaw ang unang mga teatro ng mga bata sa mundo.

Sa panahon kung kailan ang mga pundasyon ng masining Kultura ng Sobyet, isang mahalagang papel ang ginampanan ng mga aktibidad ng mga musikero ng mas lumang henerasyon, na nagsagawa ng isang buhay na koneksyon sa pagitan ng pre-rebolusyonaryong nakaraan ng musikang Ruso at ng bagong yugto ng Sobyet nito: ang mga kompositor na si A.K. Glazunova, M.M. Ippolitova-Ivanova, A.D. Kastalsky, R.M. Glier, S.N. Vasilenka, A.F. Gedike, M.F. Gnesin, mga performer at guro K.N. Igumnova, A.B. Goldenweiser, L.V. Nikolaev, mga kritiko at musicologist na si V.G. Karatygina, A.V. Ossovsky, B.F. Asafieva, B.L. Yavorsky, M.V. Ivanov-Boretsky.

Sa utos ng Konseho ng People's Commissars ng RSFSR "Sa Moscow at Petrograd Conservatories" noong Hulyo 12, 1918, sa unang pagkakataon, ang konsepto ng "state musical construction. Ang mga teatro ng Bolshoi at Mariinsky, ang Synodal School sa Moscow, mga konserbatoryo, mga bahay sa paglalathala ng musika, at mga pabrika ng instrumentong pangmusika ay inilipat sa estado. Maraming mga kompositor, performer, musicologist ang aktibong bahagi sa gawaing pang-edukasyon at masining at propaganda. Kabilang sa kanila B.F. Asafiev, S.N. Vasilenko, A.K. Glazunov, M.F. Gnesin, A.D. Kastalsky, L.V. Nikolaev, V.V. Shcherbachev, F.M. Chaliapin at iba pa. Noong 1930s, ang mga unang tagumpay ay nakamit sa paglikha ng isang Soviet opera: "Quiet Doh" ni II. Dzerzhinsky (1935), "Sa Isang Bagyo" ni T.N. Khrennikov (1939, ikalawang edisyon 1952), "Semyon Kotko" ni S. Prokofiev (1939). Ang isa sa mga pinakatanyag na opera ng Sobyet ay ang Katerina Izmailova ni Shostakovich (Lady Macbeth ng Mtsensk District, 1932, binago noong 1962). Kabilang sa mga opera sa mga kontemporaryong tema, na isinulat noong mga taon pagkatapos ng digmaan, ang "Virineya" ni S.M. Slonimsky (1967) at "Hindi lamang pag-ibig" ni R.K. Shchedrin (post. 1961).

Ang pagbuo ng chamber vocal at instrumental na musika ay ginawa ni A.N. Alexandrov, N. Ya. Moskovsky, S.S. Prokofiev, G.V. Sviridov, Yu.A. Shaporin, V. Ya. Shebalin, D.D. Shostakovich, B.N. Tchaikovsky, B.I. Tishchenko, V.A. Gavrilin.

Ang ballet ng Sobyet ay sumailalim sa isang radikal na pag-renew. Kasunod ng mga tradisyon ng Tchaikovsky, Glazunov, Stravinsky, sa genre na ito, pinagtibay ng mga kompositor ng Sobyet ang kahalagahan ng musika bilang pinakamahalaga, na tumutukoy sa elemento ng choreographic drama. Si Gorsky, na nanguna sa tropa ng Bolshoi Theater hanggang 1922, ay nagtanghal ng mga klasiko (The Nutcracker, 1919) at mga bagong pagtatanghal (Stenka Razin ni A.K. Glazunov, 1918; Eternally Fresh Flowers sa musika ni B.F. Asafiev, 1922, at iba pa). Ang mga larawan ng mga rebolusyonaryong tao ay masining na nakakumbinsi sa mga ballet na Red Poppy (Red Flower) ni Glier (1927, ikalawang edisyon 1949), The Flame of Paris ni Asafiev (1932), Laurencia ni A.A. Crane (1937). Ang isang matapang na repormador ay si Prokofiev, na lumikha ng ballet na Romeo at Juliet (1936) - isang malalim, musikal at koreograpikong trahedya na nakakaakit sa kapangyarihan nito. Kabilang sa mga kompositor na matagumpay na nagtatrabaho genre ng ballet, - A.I. Khachaturian ("Spartak", 1954), A.P. Petrov (The Creation of the World, 1971), R. Shchedrin (Anna Karenina, 1972).

Sa pagliko ng 1920s at 1930s, ang mga nagtapos ng Soviet ballet school ay dumating sa teatro: M.T. Semenova, G.S. Ulanova, N.M. Dudinskaya, O.V. Lepeshinskaya.

^
2.2. Mga tampok ng theatrical costume ng unang bahagi ng ikadalawampu siglo 22

2.3. Theatrical costume bilang isang imahe ng mga panahon 25

Konklusyon 33

Mga Sanggunian 36

Sa panahon ng Renaissance, ang unang permanenteng propesyonal na tropa ay nagsimulang lumitaw sa Europa. Sila ay gumagala o napako sa isang lugar. Ang mga tao ay mas gustong tumawa kaysa umiyak, kaya ang mga aktor ay naglalagay ng magaan, mga dula sa komiks, mga komedya at mga patawa. Ang mga itinerant na komedyante ay nagpatuloy sa mga tradisyon ng medieval at (tulad ng buong kultura ng Renaissance) ay bumaling sa sinaunang pamana. Ang pinakaunang mga tropa ay lumitaw sa Italya. Doon lumitaw ang commedia dell "arte" theater, iyon ay, ang "comedy of masks".

Sa commedia dell'arte mayroon lamang isang palamuti - ang kalye ng lungsod. Walang permanenteng balangkas: tinanong ito ng pinuno ng tropa (kapokomiko), at ang mga aktor ay nag-improvised, tulad ng sa mga sinaunang Atellan. Ang mga panlilinlang at pananalitang iyon na pumukaw ng pag-apruba ng publiko ay inulit at pinalakas. Umikot ang aksyon sa pagmamahal ng kabataan, na hinadlangan ng matanda at tinulungan ng mga katulong.

Ginampanan ng maskara ang pinakamahalagang papel sa komedya. Maaaring takpan ng itim na maskara ang lahat o bahagi ng mukha. Minsan ito ay isang nakadikit na ilong o hangal na salamin. Ang pangunahing bagay ay upang lumikha ng isang tipikal na mukha, itinuro sa isang cartoon.

Mayroong dalawang mga kinakailangan para sa kasuutan: kaginhawahan at komiks. Samakatuwid, sa isang banda, ito ay kahawig ng mga damit ng mga medyebal na histrion, at sa kabilang banda, ito ay dinagdagan ng mga katangiang nakakatawang detalye.

Halimbawa, si Pantalone - isang cheapskate merchant - ay palaging kasama ng kanyang pitaka. Ang kanyang mga damit ay katulad ng sa mga mangangalakal ng Venetian: isang dyaket na nakatali ng sintas, maikling pantalon, medyas, isang robe at isang beanie. Ngunit pagkatapos ay isang araw ang artista ay umakyat sa entablado sa malawak na pulang pantalon, ang katangiang detalye na ito ay nagustuhan ng madla. Dahil dito, ang Pantalone at ang kanyang pantalon ay nagsanib nang husto sa isipan ng mga tao na sa paglipas ng panahon, ang karaniwang pangalan ng mga damit na panloob ng kababaihan, mga pantalon, ay nabuo mula sa isang personal na pangalan.

Ang doktor - isa pang bayani ng commedia dell'arte - ay nagpakita ng isang parody ng isang siyentipiko at lumabas na nakasuot ng itim na akademikong damit na may lace collar at cuffs. Sa kanyang mga kamay ay palaging may mga papel na scroll sa kanyang ulo - isang malawak na sumbrero.

Ang kapitan ay isang militar na adventurer, nakasuot ng cuirass, malawak na pantalon, bota na may malalaking spurs, isang maikling balabal at isang sumbrero na may mga balahibo. Ang kanyang palaging katangian ay isang tabak na gawa sa kahoy, na tiyak na maiipit sa scabbard kapag kinakailangan.

Ang pinakamarami at iba't ibang mga karakter ay mga tagapaglingkod (zanni), dahil sila ang "mga makina ng pag-unlad" sa isang tunggalian ng pag-ibig. Pulcinella ay may malaking baluktot na ilong; ang Harlequin ay may napakaraming patches na sa paglipas ng panahon ay ginawa silang checkerboard, si Pierrot ay may malawak na puting kamiseta na may cutter collar at mahabang pantalon; Si Brighella ay may malapad na puting blouse at matching pants.

Ito katutubong teatro, salamat sa mga magaan na plot nito, ay mas sikat kaysa sa mga sinehan ni Shakespeare o Lope de Vega, na nagbigay ng higit na kagustuhan hindi sa entertainment, ngunit sa lalim ng nilalaman. Para sa mga gawa ni Lope de Pegas, halimbawa, kahit na ang pangalan na "ang komedya ng balabal at ang espada" ay lumitaw, dahil sa kanila ang mga artista ay talagang naglalaro lamang sa kontemporaryong may-akda kasuotang pambahay.

Kaayon ng mga libot na tropa, mayroon ding mga teatro sa korte, na ang mga costume ay umaabot sa daan-daan at kapansin-pansin sa kanilang mataas na halaga. Sila ay ipinakita nang hiwalay sa pagganap ng dula.

Noong ika-17-18 siglo, ang pag-unlad ng theatrical costume ay tumanggi. Ang salita ay dinadala sa unahan, ang mga diyalogo ay sumisipsip ng lahat ng atensyon ng madla. Ang entablado ay gumagamit ng pang-araw-araw na suit na walang historicism. Ito ang karaniwang naka-istilong kasuutan noong panahong iyon. Totoo, sa dula ay hindi mo makikita ang isang basag-basag na katulong o isang pastol na hindi maganda ang pananamit. Ang suit ay pino. Ito ay bunga ng theatricalization ng buhay. Ang teatro ay napakalalim na kasangkot sa pang-araw-araw na buhay na ang hangganan sa pagitan ng teatro at pang-araw-araw na kasuutan ay nabura. Dapat pansinin na sa XVII - XVIII na siglo Ang kasuutan sa teatro ay madalas na tumutukoy sa fashion (tulad ng nabanggit sa mga nakaraang kabanata). Ang mga artista ay nagsuot ng mas mahusay at mas maluho kaysa sa iba. Sa siglo XVII. para kay Monsieur a la mod sa entablado, espesyal upuan ng manonood, kung saan hindi nila gaanong napanood ang pagtatanghal gaya ng tinalakay ang mga artista at ang kanilang mga kasuotan.

Noong ika-17 at ika-18 siglo, umunlad ang mga sintetikong genre: opera, ballet, sirko (bagaman kilala na sila noon). Sa mga genre na ito, mayroon dramatikong aksyon, at mga stunt, at musika, at pagkanta, at maliwanag na di malilimutang make-up. Ang mga sintetikong genre ay nagsasama ng mga elemento ng pang-araw-araw na buhay. Halimbawa, sayaw ng ballroom Ang cancan (French cancan) na may isang katangian na mataas na pagkahagis ng mga binti ay lumitaw sa paligid ng 70s ng ika-18 siglo. Unti-unti, nagiging mahalagang bahagi ito ng operetta - isang musikal at dance comedy genre.

Noong ika-19 na siglo, muling nabuhay ang interes sa kasaysayan sa lahat ng larangan ng kultura. Salamat sa mga natuklasan sa arkeolohiko at pampanitikan, posible na matuto nang higit pa tungkol sa mga kasuotan ng unang panahon, kaya sa mga dulang pangkasaysayan sa unang pagkakataon, ang mga pagtatangka ay ginawa upang kopyahin ang orihinal na mga costume ng nakaraan.

Pag-unlad kritikal na pagiging totoo bilang isang paraan ng sining at isang paraan ng pang-unawa sa mundo ay humahantong sa katotohanan na sa entablado ay hindi mo na makikita ang mga babaeng magsasaka sa mga peignoir at mga lingkod na may starch. Sa teatro, lumilitaw ang mga naturang props, na hindi binanggit nang malakas sa isang disenteng lipunan noon. Ang paghahanap para sa mga bagong anyo ng pagpapahayag ay humahantong sa naturalistic na make-up. Narito ang isinulat ni V.A.Gilyarovsky sa kanyang mga sanaysay tungkol sa Moscow at Muscovites:

"Noong 1879, isang batang lalaki sa Penza sa theatrical hairdresser na si Shishkov ay isang mag-aaral, maliit na si Mitya. Siya ang paborito ng Penza entrepreneur na si VP Dalmatov, na pinahintulutan lamang siyang hawakan ang kanyang buhok at tinuruan siyang mag-makeup. Minsan si VP Dalmatov sa kanyang benepisyo ang pagtatanghal ay nagtanghal ng "Notes of a Madman" at inutusan si Mitya na maghanda ng isang kalbo na peluka, na nagdala ng isang basang bula ng toro sa pagganap at nagsimulang ilagay si Dalmatov sa maayos na buhok ni Dalmatov ... Ang mga aktor ay tumakbo sa dressing room sa aktor. sigaw.

Ikaw ay isang mahusay na artist, Vasily Panteleimonovich, ngunit hayaan mo rin akong maging isang artist ng aking craft! - Ibinato ang kanyang ulo sa matangkad na VP Dalmatov, nagdahilan ang maliit na bata. - Subukan mo lang!

Sa wakas ay sumang-ayon si VP Dalmatov - at pagkaraan ng ilang minuto ang bula ay nabalot, pinahiran dito at doon, at ang mga mata ni BP Dalmatov ay nagniningning sa kasiyahan: isang ganap na hubad na bungo na may itim na mga mata at nagpapahayag na pampaganda ay gumawa ng isang malakas na impresyon.

Naka-on pagliko ng XIX at XX siglo, ang takbo ng modernismo ay nagbubunga ng mga bagong anyo ng kasuotan sa teatro. Ang mga kasuotan ay naka-istilo, nagiging mga simbolo. Natuklasan ng mga Europeo ang mga sinehan sa Silangan, na makikita sa kasuutan sa entablado.

Sa mga unang layunin pagkatapos ng Rebolusyong Oktubre, ang kasuutan sa teatro ay ganap na nawala, ito ay pinalitan ng "mga pangkalahatang", dahil ang mga aktor ay "mga manggagawa sa teatro".

Unti-unti, bumalik sa dati ang lahat, at muling bumalik sa entablado ang theatrical costume. Bukod dito, sa XX siglo. nagkaroon ng bagong palabas bilang teatro ng fashion. Ang mga palabas na modelo ay naging mga palabas sa musika at drama. Kaya't ang kasuutan sa bahay ay sa wakas ay hayagang "kasal" sa teatro.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

FSBEI HE "Omsk University of Design and Technology"

Mga tampok ng pagdidisenyo ng kasuutan ng teatro ng mga bata

Borisova E.A., Tolmacheva G.V.

Buod

Sinusuri ng artikulo ang kasuutan ng teatro ng mga bata bilang isang disenyong bagay na may maraming gawain. Halimbawa pagtatanghal sa teatro Ang "Anghel" ay nagpapakita ng mga yugto ng pag-unlad ng isang kasuutan ng mga bata, tinutukoy ang mga subtleties ng mga detalye nito, mga tampok sa pagmamanupaktura. Ang pinakakaraniwang mga kinakailangan ay isinasaalang-alang: functional, aesthetic, ergometric. Ngunit dahil ang kasuutan ay hindi lamang nakakaakit sa aktor upang maglaro at tumulong upang maipakita ang imahe, maaari itong gumanap karagdagang mga function mahalaga para sa mga bata: nagbibigay-malay at pag-unlad; pagbagay at pagkakaisa, pagpapabuti ng pag-unawa sa isa't isa sa pangkat; pagbuo ng isang pakiramdam ng sariling katangian, tulong sa pagpapahayag ng sarili. Ang pagtugon sa paksa ng pananaliksik ay may kaugnayan, dahil sa mga nakaraang taon maraming bilog ang nakabukas, mga malikhaing studio, at ang pagdidisenyo ng kasuutan ng teatro ng mga bata ay nangangailangan ng propesyonal, seryoso at maingat na pagsusuri.

Ang pangunahing nilalaman ng pag-aaral

Ang teatro ay isang anyo ng sining kung saan marami ang idinisenyo para sa panlabas na epekto. Ang papel na ginagampanan ng kasuutan bilang isang "gumagalaw" na dekorasyon ay palaging at nananatiling nangingibabaw. Ngunit din higit na kahalagahan ay nakatalaga sa theatrical costume sa mga dalubhasang theater studio, na bahagi ng programa para sa pagpapaunlad at edukasyon ng mga bata. Ang kasuutan ay isang paraan ng pagbabago ng isang aktor, isang elemento ng isang laro, isang bahagi ng isang teatro na aksyon. Ngunit isa rin itong disenyong bagay, isang produkto na ginagawa ng maraming espesyalista. Direktor larong pambata kasama ang mga aktor at isang artista ay bumubuo ng imahe ng hinaharap na kasuutan sa teatro, nagtatakda ng mga gawain; taga-disenyo ng kasuutan, kinapapalooban ng taga-disenyo kung ano ang ipinaglihi sa mga materyales. Ang mga kinakailangan para sa disenyo ng isang theatrical costume para sa isang studio kung saan ang mga bata ay naglalaro ay may sariling mga katangian na nauugnay sa aesthetics, paggawa at pagpapatakbo ng theatrical costume. Ang isang modernong maluwag na fit, alinsunod sa pinakabagong mga uso sa fashion, ang isang pinasimple ngunit epektibong diskarte sa dekorasyon at dekorasyon ay kanais-nais. Ang pagpili ng tela ay dapat na naaayon sa konsepto ng pagtatanghal.Sa artikulo, sinuri at binalangkas ng mga may-akda ang mga pangunahing yugto ng trabaho. Ang pinaka-makabuluhan sa disenyo ng isang theatrical costume ng mga bata ay ang mga kinakailangan sa pagganap na tumutukoy sa antas ng pagiging angkop para sa pangunahing layunin ng pag-andar - ang pagsisiwalat ng imahe, karakter at mga gawi, mood ng bayani. Ang mga aesthetic na kinakailangan ay pantay na mahalaga - mga kinakailangan masining na pagpapahayag, pagkakaisa, pagkakaisa ng istilo sa panahon at istilo ng pagtatanghal. Ang kasuutan ay hindi lamang dapat magmukhang kamangha-manghang mula sa entablado, ngunit maayos din na magkasya sa pangkalahatang visual na konsepto ng pagganap. Kapag nagdidisenyo ng isang theatrical costume para sa mga bata, lalong mahalaga na isaalang-alang ang mga ergonomic na kinakailangan na nagpapakilala sa antas ng kaginhawahan at kakayahang umangkop ng produkto sa aktor: hindi maging sanhi ng kakulangan sa ginhawa sa panahon ng laro (na maging hygroscopic at breathable), upang maging komportable para sa galaw sa pagsayaw, huwag maging sanhi ng mga paghihirap kapag nagpapalit ng mga damit sa pagitan ng mga output sa pagganap. Kaya, ang pangunahing gawain ng taga-disenyo ng kasuutan ay upang makumpleto ang lahat ng mga gawain at lumikha ng imahe ng aktor.

Isaalang-alang ang mga tampok ng disenyo, gamit ang halimbawa ng pagganap na "Angels", kung saan ang pangunahing masining na ideya ay ang "Anghel" ay nakatira sa mga tao. Ang pangunahing artistikong kondisyon para sa paglikha ng mga costume ay - "isang hindi karaniwang imahe ng mga anghel at kanilang mga katangian", upang alisin ang mga frame at bumuo ng imahinasyon ng mga bata, na lubhang kapaki-pakinabang para sa kanila. Ang pagkamalikhain ay umuunlad at yumayaman habang lumalawak ang saklaw layunin ng mundo binago ng tao, ang saklaw ng kanyang kaalaman at kakayahan. Dahil ang "Anghel" sa mga relihiyong Abrahamiko ay isang espirituwal, walang katawan na nilalang, na kadalasang inilalarawan na may mga pakpak, "ang mga aspetong ito ay kinuha bilang malikhaing pinagmulan kapag gumagawa ng proyekto. Bilang alternatibong kapalit para sa tradisyonal na mga pakpak ng teatro, ang mga taga-disenyo ay nakabuo ng mga naaalis na armband, na naayos sa ilang patong ng mesh na tela. magkaibang kulay at mga hugis (mula sa pinakamalaki hanggang sa pinakamaliit), gupitin sa anyo ng mga naka-istilong balahibo at nakakabit sa isang adjustable na elastic band. Ang mga ito ay mobile, napaka-functional, hindi napakalaki; kapag gumagalaw ang mga kamay, binibigyang-diin at pinahusay nila ang epekto ng hangin at kagaanan. Ang ganitong mga elemento ng kasuutan ay isa ring paraan ng inspirasyon para sa mga bata, kanilang emosyonal na kalooban sa panahon ng pagtatanghal. Ang pangunahing kulay ng mga damit ay puti. Ito ay sumasagisag sa kadalisayan, kawalan ng bahid, kawalang-kasalanan, kabutihan, kagalakan; nauugnay sa liwanag ng araw. Ang mga kulay ng mesh na tela para sa palamuti ay pinili sa pastel noble shade na naaayon sa mga mythological na katangian ng mga anghel: ginto, murang kayumanggi, rosas, asul.

Ang susunod na gawain ng proyekto ay kahusayan. Samakatuwid, ang pangunahing materyal na kung saan ay iminungkahi para sa paggawa ng mga suit ay koton, ito ay isang mura at natural na tela na may hygroscopic na mga katangian at lakas. Ang pagbibihis ng mga damit ay isa sa pinaka-abot-kayang at kaakit-akit na paraan ng pagpapahayag ng sarili, na nagpapahintulot sa iyo na ipahayag ang iyong sariling pagiging natatangi. Ang palamuti ay inaalok sa naylon mesh, na, sa kabila ng lambot nito, pinapanatili ang hugis nito nang napakahusay, masyadong. madali ang oras(ano ang mahalaga para sa kasuotan ng mga bata at ano ang karaniwang problema sa mga kasuotang pandulaan)

Ang module ng pandekorasyon na elemento ay isang ribbon cut mula sa mesh. Hindi ito nangangailangan ng karagdagang pagproseso, dahil dito, maraming mga gawain ang nalutas: pagbawas ng oras ng paggawa, pagpapasimple ng teknolohiya ng pagmamanupaktura, kagaanan, pagiging epektibo. Dahil sa lambot at plastik na mga katangian ng mesh na tela, ang mga kumplikadong kurbadong at malukong mga linya ng dekorasyon, fold, creases, at chill molds ay maaaring mabuo sa iba't ibang paraan. Ang transparency ng grid ay nagbibigay-daan, kapag ang isang kulay ay nakapatong sa isa pa, upang lumikha ng epekto ng airiness, lightness, paglipat ng kulay mula sa isa't isa, na nagbibigay-diin sa pantasya at hindi katotohanan ng mga imahe ng pagganap.

Ilang aktor ang sabay-sabay na kasali sa entablado. Upang mapanatili ang isang pare-parehong istilo, pinili ng proyekto ang parehong mga silhouette - puti at trapezoidal. Sa sikolohikal - ang parehong kulay at silweta ng mga kasuutan ay gumaganap ng tungkulin ng pagsasama-sama ng mga aktor sa isang koponan, bumubuo ng isang pakiramdam ng pagkakaisa, paglahok sa pangkalahatang aksyon at ang gawain. Sa kabilang banda, ang palamuti ng mga costume at ang kulay nito para sa bawat aktor ay sadyang ginawang iba, na binibigyang diin ang sariling katangian. Ang magkatugma na kumbinasyon ng kulay at palamuti sa isang suit ay lalong mahalaga dahil sila ang gumagawa ng mga costume na maganda, maayos, at kawili-wili para sa mga bata.

Ang isang mahalagang gawain sa disenyo ng kasuutan ng teatro ng mga bata ay ang pagiging moderno nito. Pinapayuhan ng mga psychologist, upang ang bata ay hindi makaramdam ng hindi komportable sa kanyang mga kapantay, kinakailangan na bihisan siya ng mga naka-istilong, kawili-wiling mga damit ng naka-istilong hiwa na naaayon sa mga uso, sa gayon ay lumitaw ang isang pakiramdam ng sariling katangian at tiwala sa sarili, na mahalaga din para sa pagpapalaya ng aktor sa entablado. Ang pananamit ay maaaring magbigay ng tiwala sa isang tao na sarado para sa anumang kadahilanan, ngunit nagsusumikap para sa pamumuno sa kanyang kaluluwa. Halimbawa, kung ang bata ay isang introvert, sa kasamaang-palad, ang kabaligtaran na epekto ay maaaring mangyari. Siya ay makaramdam ng labis na hindi komportable, at ito ay makagambala sa kanyang pagsasanay. negosyo gaya ng dati, makipag-ugnayan sa ibang mga aktor at manonood. Para sa mga bata, ang mga pagtatanghal ay, una sa lahat, isang paraan upang makipag-usap sa isa't isa, samakatuwid, kapag ang mga aktor ay nakasuot ng matalino, naka-istilong, nagpapahayag sila ay libre, masigla, nakakahawa at ito ay isang paraan ng pagsasapanlipunan, pagbagay at isang pagkakataon. upang bumuo ng komunikasyon kapwa sa isa't isa at sa madla. ... Responsibilidad para sa kanilang mga aksyon at kamalayan ng kanilang sariling kakayahan sa impluwensya ang mundo kadalasang pinahuhusay ang kasiyahan at tiwala sa sarili ng bata.

Ang pagsunod sa functional, ergometric at aesthetic na mga kinakailangan ay mahirap at mahalaga sa paglikha ng mga theatrical costume. Ang mga bata ay nangangailangan ng kaginhawahan, ito ay dapat na maginhawa para sa kanila na lumipat, sa parehong oras, ang teatro na aksyon ay nagpapahiwatig ng "nakadena" na mga manonood sa mga aktor, iyon ay, ang panlabas na epekto ng mga kasuotan ay mahalaga.

So isang theatrical costume? ito ay hindi lamang isang paraan ng pagbabago ng isang aktor, isang elemento ng laro, ngunit ito rin ay isang bagay ng disenyo, sa disenyo kung saan mahalagang isaalang-alang ang maraming mga kadahilanan na nakakaapekto sa pag-andar ng kasuutan.

Sa kurso ng pananaliksik sa proyekto, maaari itong tapusin na ang pagdidisenyo ng isang theatrical costume para sa mga bata ay nangangailangan ng pagsasaalang-alang ng mga karagdagang function:

nagbibigay-malay at pag-unlad;

aesthetically kasiya-siya at mapaglaro;

adaptive.

Kasabay nito, mahalagang isaalang-alang ang sikolohiya, simbolismo, mga asosasyon, upang matulungan ang mga batang aktor na maunawaan at ipakita ang mga imahe, karakter, at mapabuti ang pagkakaunawaan sa pagitan ng mga artista at manonood.

Kapag nagdidisenyo ng mga theatrical costume para sa isang studio ng mga bata, bilang isang resulta ng isang pre-project na pag-aaral, ang mga sumusunod ay pinili: ang parehong kulay at silhouette ng mga damit, upang mapanatili ang isang solong estilo ng numero, lumikha ng isang pakiramdam ng pagkakaisa at magkaisa ang mga aktor sa isang koponan. Ang iba't ibang palamuti at kulay nito ay tumutupad sa gawain ng indibidwalisasyon. Para sa kaunlaran mga gawaing nagbibigay-malay- gumamit ng iba't ibang mga naaalis na bahagi, malalaking elemento ng dekorasyon na gawa sa mga light mesh na tela. Upang madala sa malikhaing proseso ng laro, ang mga kulay ng pastel, kamangha-manghang palamuti, na nagbibigay ng kamangha-manghang, ay pinili, evocative kagalakan, na nagbibigay-diin sa simbolismong mitolohiya.

kasuutan ng teatro ng mga bata

Panitikan

1. Amirzhanova A.Sh., Tolmacheva G.V. Ang papel ng pagkamalikhain sa paghubog artistikong personalidad // Internasyonal na magasin pang-eksperimentong edukasyon. - 2015. Hindi. 12-3. S.319-321. URL: http://elibrary.ru/download/74553964. pdf

2. Goethe, I.V. Sa doktrina ng kulay. Sab / Per. mula sa Ingles - M .: "Refl-book", K .: "Vakler". - 1996, - S.281-349

4. Gofman A.B. Fashion at mga tao. Bagong teorya ng fashion at fashionable na pag-uugali. Ika-4 na edisyon. - M .: KDU. - 2010. - P.228

5. Kostyukova Yu.A., Zakharova A.S., Chagina L.L. Mga tampok ng pagdidisenyo ng isang theatrical costume // Bulletin ng KSTU. - Kostroma: 2011. - No. 1 (26). - S. 99. URL: file: // / C: / Mga User /% D0% 95% D0% B2% D0% B3% D0% B5% D0% BD% D0% B8% D1% 8F / Mga Download / 1vestnik_kostromskogo_gosudarstvennogo_tekhnologicheskogo_uni. pdf

6. Timofeeva M.R., Tolmacheva G.V. Disenyo ng tela. Mga makabagong teknolohiya// International Journal of Applied and Fundamental Research. - 2015. Hindi. 12-4. P.722-726. URL: http://elibrary.ru/download/90776650. pdf

7.http: //www.iddosug.net/articles. php? art = 2283 publishing house na "Leisure"

Nai-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Mga katangian ng theatrical costume. Mga kinakailangan para sa kanyang sketch. Pagsusuri ng imahe ng isang pigura ng tao; mga pamamaraan at tool na ginagamit sa mga graphic na mapagkukunan. Ang paggamit ng mga graphic na diskarte ng theatrical costume sa pagbuo ng isang koleksyon ng mga damit.

idinagdag ang term paper noong 09/28/2013


Mga katangiang anthropomorphological ng pigura. Pagsusuri ng makasaysayang kasuutan. Mga kakaiba suit ng lalaki... Pagkatwiran para sa pagpili ng batayang modelo. Artistic compositional analysis ng mga analog na modelo. Pagkalkula at pagtatayo ng mga guhit ng dinisenyo na produkto.

term paper, idinagdag 04/28/2015


Mga yugto ng pagbabago ng kasuutan ng mga grupong panlipunan: maharlika, burgesya, burghers, burges at magsasaka. Isang katangiang katangian ng pananamit ng mga maharlika ng Netherlands at France. Pagsasaalang-alang ng ebolusyon ng kasuutan ng mga bata. Pag-aaral ng mga batas laban sa luho, pagtukoy sa pagiging epektibo ng mga ito.

thesis, idinagdag noong 02/13/2016


Ang konsepto ng pandekorasyon na sining bilang isang paraan ng pagpapahayag ng sining ng teatro. Ang pangunahing paraan ng pagpapahayag ng sining ng teatro: ang papel na ginagampanan ng telon, kasuutan, make-up sa pagbubunyag ng imahe ng mga character, visual at optical na disenyo ng pagganap.

pagsubok, idinagdag noong 12/17/2010


Mga hairstyle ng kababaihan ng Byzantine Empire. Mga tampok na katangian ng mga hairstyle ng lalaki noong ika-15 hanggang ika-16 na siglo. Ebolusyon ng kasuutan ng korte sa Russia noong ika-18 siglo. "Romanesque" na istilo sa moderno imahe ng babae... Ang impluwensya ng marangal na kasuotan sa mga kasuotan ng ibang klase.

pagsubok, idinagdag noong 10/31/2013


pangkalahatang katangian kultura at sining ng Japan. Paglalarawan ng mga prinsipyo ng pagbuo ng kasuutan ng Japan. Mga uri ng kimono, cut at accessories. Ang modernong interpretasyon ng kasuutan ng Hapon sa mga gawa ng mga sikat na designer (G. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

abstract, idinagdag noong 01/07/2013


Ang kasuutan bilang isang bagay ng pagsusuri sa lipunan at kultura: kasaysayan ng pag-unlad, kahulugan, papel, tungkulin at tipolohiya. Katangian ng semiotic na aspeto ng kasuutan, katangian, aksesorya, panlipunan at sikolohikal na batayan. Pagsusuri ng simbolismo ng "dandy" na kasuutan.

thesis, idinagdag noong 01/24/2010


Makasaysayang katangian ng panahon ng dinastiyang Ming. Pambansang damit ng Tsino bilang bahagi ng kasaysayan ng Tsina. Palamuti, mga tampok na pandekorasyon at ang simbolismo ng kasuotan. Mga prinsipyo ng dekorasyon ng kasuutan, ang pagka-orihinal nito. Pangkalahatang karakter mga kulay.

idinagdag ang abstract noong 05/23/2014


Ang kasaysayan ng kasuutan ng Europa noong ika-19 na siglo. Mga pagkakaiba sa pagitan ng istilo ng Imperyo at klasisismo. Mga katangian ng komposisyon ng kasuutan. Ang aesthetic ideal ng kagandahan. Ang mga pangunahing uri ng damit, ang mga solusyon sa disenyo nito. Party dress, sapatos, sombrero, hairstyle, alahas.

idinagdag ang term paper noong 03/27/2013


Mga katangian ng pag-unlad ng baroque costume, ang aesthetic ideal ng kagandahan at ang mga kakaibang tela, bulaklak, burloloy. Mga espesyal na tampok ng mga suit ng babae at lalaki, sapatos at hairstyle. Mga katangian ng baroque system ng hiwa, ang kanilang pagmuni-muni sa modernong paraan.