Impressionisme i musik. Musikalsk impressionisme Fordybelse i temaet

Oprindelse

Den musikalske impressionisme har først og fremmest impressionismen i fransk maleri som sin forgænger. De har ikke kun fælles rødder, men også årsag-virkning-forhold. Og musikkens hovedimpressionist, Claude Debussy, og især Erik Satie, hans ven og forgænger på denne vej, og Maurice Ravel, som tog ledelsesstafetten fra Debussy, ledte efter og fandt ikke kun analogier, men også udtryksmidler i værker af Claude Monet, Paul Cézanne, Puvis de Chavannes og Henri de Toulouse-Lautrec.

Selve begrebet "impressionisme" i forhold til musik er eftertrykkeligt betinget og spekulativt af natur (især Claude Debussy selv protesterede gentagne gange imod det, dog uden at give noget bestemt til gengæld). Det er klart, at midlerne til at male, forbundet med vision, og midlerne til musikalsk kunst, hovedsagelig baseret på hørelse, kun kan forbindes med hinanden ved hjælp af specielle, subtile associative paralleller, der kun eksisterer i sindet. Enkelt sagt har det slørede billede af Paris "i efterårsregnen" og de samme lyde, "dæmpet af støjen fra faldende dråber" i sig selv allerede egenskaben af ​​et kunstnerisk billede, men ikke en reel mekanisme. Direkte analogier mellem maleriets midler og musik er kun mulige gennem komponistens personlighed som er blevet personligt påvirket af kunstnere eller deres malerier. Hvis en kunstner eller komponist benægter eller ikke genkender sådanne forbindelser, bliver det som minimum vanskeligt at tale om dem. Men foran os som en vigtig artefakt er der bekendelser og, (det der betyder mest) selve værkerne af den musikalske impressionismes hovedpersoner. Det var Erik Satie, der udtrykte denne idé tydeligere end andre, idet han konstant understregede, hvor meget han skylder kunstnere i sit arbejde. Han tiltrak Debussy til sig selv med originaliteten i hans tænkning, selvstændige, ru karakter og ætsende vid, som absolut ikke sparede nogen autoriteter. Også Satie interesserede Debussy med hans innovative klaver- og vokalkompositioner, skrevet med en fed, men ikke helt professionel hånd. Her nedenfor er de ord, som Satie tiltalte sin nyfundne ven, Debussy, i 1891, og opmuntrede ham til at gå videre til dannelsen af ​​en ny stil:

Da jeg mødte Debussy, var han fuld af Mussorgsky og søgte vedholdende måder, der ikke var så lette at finde. I denne henseende har jeg længe overgået ham. Jeg var ikke tynget af hverken Rom-prisen eller nogen andre, for jeg var ligesom Adam (fra Paradise), der aldrig modtog nogen præmier - bestemt doven!... På dette tidspunkt skrev jeg "Son of the Stars" til en libretto af Péladan og forklarede Debussy behovet for en franskmand for at frigøre sig fra indflydelsen fra Wagnerske principper, der ikke svarer til vores naturlige forhåbninger. Jeg sagde også, at selvom jeg på ingen måde er en anti-wagnerist, mener jeg stadig, at vi skal have vores egen musik og om muligt uden "tysk surkål". Men hvorfor ikke bruge de samme til disse formål? visuelle midler som vi ser hos Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec og andre? Hvorfor ikke overføre disse midler til musik? Intet kunne være enklere. Er det ikke, hvad ægte udtryksfuldhed er?

- (Erik Satie, "Claude Debussy", Paris, 1923).

Men hvis Satie hentede sin gennemsigtige og nærige impressionisme fra det symbolske maleri af Puvis de Chavannes, så oplevede Debussy (gennem samme Satie) den kreative indflydelse fra mere radikale impressionister, Claude Monet og Camille Pissarro.

Det er nok bare at liste navnene på de mest slående værker af Debussy eller Ravel for at få en fuldstændig idé om indvirkningen på deres arbejde af både visuelle billeder og landskaber af impressionistiske kunstnere. Så i de første ti år skrev Debussy "Skyer", "Prints" (hvoraf den mest figurative, en akvarel lydskitse - "Gardens in the Rain"), "Billeder" (hvoraf den første, et af mesterværkerne af klaverimpressionismen, "Reflections on the Water", fremkalder direkte associationer til det berømte maleri af Claude Monet "Indtryk: Solopgang")… Ved berømte udtryk Mallarmé, impressionistiske komponister studerede "hør lyset", formidle i lyde vandets bevægelse, bladenes vibrationer, vindens blæst og brydning solstråler i aftenluften. Den symfoniske suite "The Sea from Dawn to Noon" opsummerer passende Debussys landskabsskitser.

På trods af sin ofte omtalte personlige modstand mod udtrykket "impressionisme" udtrykte Claude Debussy sig gentagne gange som en ægte impressionistisk kunstner. Så da han talte om de tidligste af hans berømte orkesterværker, "Nocturnes", indrømmede Debussy, at ideen til det første af dem ("Skyer") kom til ham på en af ​​de overskyede dage, hvor han så på Seinen fra kl. Pont de la Concorde... Nå, hvad angår processionen i anden del ("Fejringer"), blev denne idé født af Debussy: "... mens han overvejede rytterafdelingen af ​​soldater fra den republikanske garde, der passerede i det fjerne, hvis hjelme funklede under strålerne fra den nedgående sol ... i skyer af gyldent støv." Ligeledes kan Maurice Ravels værker tjene som en slags materielle beviser på direkte forbindelser fra maleri til musik, der eksisterede inden for den impressionistiske bevægelse. Den berømte lyd-visuelle "Play of Water", skuespilcyklussen "Reflections", klaversamlingen "Rustles of the Night" - denne liste er langt fra komplet, og den kan fortsættes. Sati skiller sig som altid noget fra hinanden; et af de værker, der kan nævnes i denne henseende, er måske "The Heroic Prelude to the Gates of Heaven."

Den omgivende verden i impressionismens musik afsløres gennem forstørrelsesglasset af subtile psykologiske refleksioner, subtile fornemmelser affødt af kontemplation af mindre forandringer, der sker omkring. Disse træk gør impressionismen til at ligne en anden kunstbevægelse, der eksisterede parallelt - litterær symbolisme. Erik Satie var den første til at henvende sig til Josephin Peladans værker. Lidt senere fandt værket af Verlaine, Mallarmé, Louis og især Maeterlinck direkte implementering i musik af Debussy, Ravel og nogle af deres tilhængere.

Ramon Casas (1891) "Pengemøllen" (impressionistisk maleri med figuren af ​​Satie)

På trods af al den åbenlyse nyhed musikalsk sprog Impressionismen genskaber ofte nogle ekspressive teknikker, der er karakteristiske for tidligere tiders kunst, især musikken af ​​franske cembalospillere fra det 18. århundrede og rokokotiden. Det ville kun være værd at huske så berømte visuelle skuespil af Couperin og Rameau som "Little Windmills" eller "The Hen".

I 1880'erne, før han mødte Erik Satie og hans arbejde, var Debussy fascineret af Richard Wagners arbejde og var helt i kølvandet på ham. musikalsk æstetik. Efter mødet med Satie og fra det øjeblik, hvor han skabte sine første impressionistiske opuser, skiftede Debussy med overraskende skarphed til positionen som militant anti-Wagnerisme. Denne overgang var så pludselig og skarp, at en af ​​Debussys nære venner (og biograf), den berømte musikolog Emile Vuillermeau, direkte udtrykte sin forvirring:

“Debussys anti-Wagnerisme er blottet for storhed og adel. Det er umuligt at forstå, hvordan en ung musiker, hvis hele sin ungdom var beruset af "Tristan"s rus, og som i dannelsen af ​​sit sprog, i opdagelsen af ​​en endeløs melodi, utvivlsomt skylder så meget til dette nyskabende partitur, foragtende latterliggør det geni, der har givet ham så meget!

- (Emile Vuillermoz, "Claude Debussy", Geneve, 1957.)

Samtidig nævnte Vuyermo, internt bundet af forhold af personlig fjendtlighed og fjendskab til Erik Satie, ham ikke specifikt og frigav ham som det manglende led i skabelsen det fulde billede. Faktisk fransk kunst fra det sene 19. århundrede, knust af Wagnerske musikdramaer, hævdede sig gennem impressionismen. I lang tid var det netop denne omstændighed (og den voksende nationalisme mellem de tre krige med Tyskland), der forhindrede os i at tale om den direkte indflydelse af Richard Wagners stil og æstetik på impressionismen. Måske var den første, der rejste dette spørgsmål, den berømte franske komponist af Cesar Francks kreds - Vincent d'Indy, Debussys ældre samtidige og ven. I hans berømt værk"Richard Wagner og hans indflydelse på Frankrigs musikkunst", ti år efter Debussys død, udtrykte han sin mening i kategorisk form:

“Debussys kunst er ubestrideligt fra Tristan-forfatterens kunst; den hviler på de samme principper, er baseret på de samme elementer og metoder til at konstruere helheden. Den eneste forskel er, at Debussy fortolker Wagners dramatiske principper... så at sige, a la française».

- (Vincent d'Indy. Richard Wagner og søn indflydelse på l'art musical francais.)

Repræsentanter for impressionisme i musik

Debussy og Satie (foto af Stravinsky, 1910)

Hovedmiljøet for fremkomsten og eksistensen af ​​den musikalske impressionisme forblev altid Frankrig, hvor Claude Debussys konstante rival var Maurice Ravel, som efter 1910 praktisk talt forblev impressionisternes eneste leder og leder. Erik Satie, der optrådte som stilens pioner, var på grund af sin natur ude af stand til at bevæge sig ind i aktiv koncertpraksis og fra 1902 erklærede han sig åbenlyst ikke kun i modstand mod impressionismen, men grundlagde også en række nye stilarter, ikke kun modsat, men også fjendtlig over for ham. Interessant nok fortsatte Satie i denne situation i yderligere ti til femten år med at forblive en nær ven, ven og modstander af både Debussy og Ravel, "officielt" beklædt med posten som "Forerunner" eller grundlæggeren af ​​denne. musikalsk stil. Ligeledes blev Maurice Ravel, trods meget komplekse og nogle gange endda åbenlyst modstridende personlige forhold til Erik Satie, aldrig træt af at insistere på, at mødet med ham var af afgørende betydning for ham og understregede gentagne gange, hvor meget han skylder Erik Satie i sit arbejde. Bogstaveligt talt ved enhver lejlighed gentog Ravel dette for Satie selv "til hans ansigt", hvilket i høj grad overraskede denne universelt anerkendte "den klodsede og geniale Herald of new times".

Tilhængerne af Debussys musikalske impressionisme var franske komponister fra det tidlige 20. århundrede - Florent Schmitt, Jean-Jules Roger-Ducas, Andre Caplet og mange andre. Den første til at opleve charmen ved den nye stil var Ernest Chausson, som var venner med Debussy og tilbage i 1893 stiftede bekendtskab med de første skitser af "The Afternoon of a Faun" hånd i hånd, udført af forfatteren på klaveret. Chaussons sidste værker bærer tydeligt spor af indflydelsen fra netop den fremvoksende impressionisme – og man kan kun gisne om, hvordan denne forfatters senere værk kunne have set ud, hvis han havde levet i det mindste lidt længere. Efter Chausson og andre Wagnerister blev medlemmer af Cesar Francks kreds påvirket af de første impressionistiske eksperimenter. Således hyldede Gabriel Piernet, Guy Ropartz og selv den mest ortodokse Wagnerist Vincent d'Indy (den første performer af mange af Debussys orkesterværker) fuld hyldest til impressionismens skønhed i deres værk. Således sejrede Debussy (som i bakspejlet) stadig over sit tidligere idol - Wagner, kraftig påvirkning som han selv overvandt med så besvær... Den stærke indflydelse fra tidlige eksempler på impressionisme oplevede en så ærværdig mester som Paul Dukas, og i tiden før Første Verdenskrig - Albert Roussel, der allerede i sin Anden Symfoni (1918) ) bevægede sig væk fra de impressionistiske i sine arbejdstendenser, til stor skuffelse for hans fans.

Ved overgangen til det 19. og 20. århundrede blev visse elementer af den impressionistiske stil udviklet i andre kompositionsskoler i Europa, unikt sammenflettet med nationale traditioner. Af disse eksempler kan vi nævne de mest slående: i Spanien - Manuel de Falla, i Italien - Ottorino Respighi, i Brasilien - Heitor Villa-Lobos, i Ungarn - den tidlige Bela Bartok, i England - Frederick Delius, Cyril Scott, Ralph Vaughan - Williams, Arnold Bax og Gustav Holst, i Polen - Karol Szymanowski, i Rusland - tidlig Igor Stravinsky - (fra Firebird-perioden), sene Lyadov, Mikalojus Konstantinas Ciurlionis og Nikolai Tcherepnin.

Generelt bør det erkendes, at livet for denne musikalske stil var ret kort selv efter standarderne fra det flygtige 20. århundrede. De første spor af en afvigelse fra den musikalske impressionismes æstetik og ønsket om at udvide grænserne for dens iboende former musikalsk tænkning kan findes i Claude Debussys arbejde efter 1910. Hvad angår pioneren inden for den nye stil, Erik Satie, før nogen anden, forlod han efter premieren på Pelleas i 1902 beslutsomt de voksende rækker af tilhængere af impressionismen, og ti år senere organiserede han kritik, modstand og direkte modstand mod denne tendens. . I begyndelsen af ​​30'erne af det 20. århundrede var impressionismen allerede blevet gammeldags, forvandlet til en historisk stil og helt forladt samtidskunstens arena og opløst (som individuelle farverige elementer) i mestres arbejde med helt forskellige stilistiske retninger (f.eks. for eksempel kan individuelle elementer af impressionisme skelnes i værker af Olivier Messiaen, Takemitsu Toru, Tristan Murai og andre.

Noter

1. Schneerson G. Fransk musik fra det 20. århundrede. - M.: Musik, 1964. - S. 23.
2. Erik Satie, Yuri Khanon Minder i bakspejlet. - Sankt Petersborg. : Center for Secondary Music & Faces of Russia, 2010. - S. 510. - 682 s. - ISBN 978-5-87417-338-8
3. Erik Satie. Ecrits. - Paris: Editions champ Libre, 1977. - S. 69.
4. Emile Vuillermoz. Claude Debussy. - Geneve, 1957. - S. 69.
5. Claude Debussy. Udvalgte breve (sammensat af A. Rozanov). - L.: Musik, 1986. - S. 46.
6. redigeret af G. V. Keldysh. Musikalsk encyklopædisk ordbog. - M.: Soviet Encyclopedia, 1990. - S. 208.
7. Schneerson G. Fransk musik fra det 20. århundrede. - M.: Musik, 1964. - S. 22.
8. Vincent d'Indy. Richard Wagner og søn indflydelse på l'art musical francais. - Paris, 1930. - S. 84.
9. Volkov S. Kulturhistorie i St. Petersborg. - anden. - M.: "Eksmo", 2008. - S. 123. - 572 s. - 3000 eksemplarer. - ISBN 978-5-699-21606-2
10. Ravel i spejlet af hans breve. - L.: Musik, 1988. - S. 222.
11. Udarbejdet af M. Gerard og R. Chalus. Ravel i spejlet af hans breve. - L.: Musik, 1988. - S. 220-221.
12. Schneerson G. Fransk musik fra det 20. århundrede. - M.: Musik, 1964. - S. 154.
13. Filenko G. Fransk musik fra første halvdel af det 20. århundrede. - L.: Musik, 1983. - S. 12.

Kilder

• Musikalsk encyklopædisk ordbog, red. G. V. Keldysh, Moskva, "Soviet Encyclopedia" 1990.
• Ravel i spejlet af hans breve. Samlet af M. Gerard Og R. Chalu., L., Musik, 1988.
• Schneerson G. Fransk musik fra det 20. århundrede, 2. udg. - M., 1970;
• Vincent d'Indy. Richard Wagner og søn indflydelse på l'art musical francais. Paris, 1930;
• Erik Satie, "Ecrits", - Editions champ Libre, 1977;
• Anne Rey Satie, - Seuil, 1995;
• Volta Ornella, Erik Satie, Hazan, Paris, 1997;
• Emile Vuillermoz"Claude Debussy", Geneve, 1957.

Impressionisme i maleri og musik.

Alle kunstnere før det 19. århundrede og det første halvdelen af ​​1800-talletårhundreder, på trods af at de tilhørte forskellige skoler, havde én ting til fælles: de skabte deres malerier inden for atelierets vægge, foretrak neutral belysning og gjorde udstrakt brug af asfaltbrun. Af denne grund havde malerierne ofte en afdæmpet farve.

Pludselig dukkede der i 60'erne frække unge mennesker op i Paris, som bar ret store lærreder med sig til skitser og malede på dem med rene malinger direkte fra tuben. Desuden placerede de side om side, for eksempel: rød og grøn eller gul og violet, hvilket kalder disse par komplementære farver. Ud fra disse kontraster virkede malingerne, lagt i store separate streger, ulidelig lyse, og genstande, som de nye kunstnere ikke stræbte efter at skitsere med en lineær kontur mistede nøjagtigheden af ​​deres konturer og opløste sig i miljø. For at forstærke denne opløsning ledte nye malere efter særlige naturlige effekter: de elskede dis, tåge, regn; beundrede den måde, lyspletterne spillede på menneskers skikkelser i træernes kniplede skygge. Det første, der forenede de unge kunstnere, var lysten til at skrive under udendørs. Og ikke for at male forberedende skitser, som landskabsmalere tidligere gjorde, men for at male selve malerierne. De samledes i den parisiske cafe Guerbois (dette er et sted, hvor de ikke bare fik en snack: det er den nye franske kulturs vugge), de var unge, ukendte for nogen; Nogle gange blev de udstillet separat på Salonen og blev noteret af kritikere, i bedste fald sympatisk, og publikum grinede åbenlyst.

Disse kunstnere forenede sig og gjorde oprør med deres kreativitet og en helt ny metode mod traditionerne og kanonerne i det klassiske maleri. I 1874, samlet på den første gruppeudstilling, forårsagede deres værker et reelt chok. Det var en udstilling af uafhængige kunstnere, uafhængige af akademiet, fra officiel kunst, fra forældede traditioner, kritik og den borgerlige offentlighed. Her er navnene på disse nye kunstnere: Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Alfred Sisley, Auguste Renoir, Paul Cezanne, Berthe Morisot. Claude Monet viste blandt andre malerier maleriet "Impression. Solopgang". Impression - indtryk på fransk: det er her navnet impressionister kom fra, det vil sige "impressionister." Dette ord blev sat i omløb af journalisten Louis Leroy som en joke, men kunstnerne accepterede det selv, da det virkelig udtrykte essensen af ​​deres tilgang til naturen.

Impressionisterne mente, at kunstens opgave er nøjagtigt at afspejle indtryk af den omgivende verden – levende og i evig forandring. Livet er en række unikke øjeblikke. Derfor er det kunstnerens opgave at afspejle virkeligheden i dens konstante variation. Genstande og skabninger skal ikke afbildes som de er, men som de ser ind dette øjeblik. Og de kan se anderledes ud på grund af afstand eller synsvinkel, på grund af ændringer i luftmiljøet, tidspunkt på dagen, belysning. For præcist at afspejle sine indtryk skal kunstneren ikke arbejde i atelieret, men i naturen, det vil sige i det fri. Og for præcist at formidle de hurtige i det omgivende landskab, skal du male hurtigt og færdiggøre billedet på et par timer eller endda minutter, og ikke, som i gamle dage, om et par uger eller måneder. Da den omgivende virkelighed fremstår for kunstneren i et nyt lys, er det øjeblik, han fanger, et minuts dokument.

Den nye retning, der så tydeligt kom til udtryk i maleriet, påvirkede også andre former for kunst: poesi og musik. Musikalsk impressionisme var mest udfoldet i to franske komponisters værker: Claude Debussy og Maurice Ravel. Ligesom i maleriet udviklede den musikalske impressionisme sig i en atmosfære af vedvarende kamp mellem det traditionelle og det nye. Det blev hævdet i opposition til de forældede, men ihærdigt fastholdte, "akademiske" traditioner for den franske musikkunst i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Unge Debussy og Ravel oplevede dette fuldt ud selv. Deres første kreative eksperimenter mødte den samme fjendtlige holdning fra ledelsen af ​​Paris Conservatory og Academy of Fine Arts som malerier af impressionistiske kunstnere. Der var negative anmeldelser af sådanne værker af Debussy som den symfoniske ode "Zuleima", den symfoniske suite "Spring" og kantaten "The Chosen Virgin". Komponisten blev anklaget for et bevidst ønske om at "gøre noget mærkeligt, uforståeligt, umuligt" og for en "overdrevet følelse af musikalsk farve." Ravels klaverstykke "The Play of Water" vakte misbilligelse hos konservatorieprofessorerne, og han modtog ikke Prix de Rome i 1903. Og i 1905 tillod juryen ham simpelthen ikke at deltage i konkurrencen. Den åbenlyse uretfærdighed i juryens beslutning forårsagede en skarp protest fra en betydelig del af det musikalske samfund i Paris. Der var endda en såkaldt "sag" om Ravel, som blev meget omtalt i pressen. Debussy og Ravel måtte gøre deres vej i kunst alene, fordi de næsten ikke havde nogen ligesindede eller samarbejdspartnere. Hele deres liv og kreative vej var fuld af søgninger og dristige eksperimenter inden for musikgenrer og musikalske sprogmidler.

Musikalsk impressionisme voksede ud af nationale traditioner fransk kunst. Farverighed, dekorativitet, interesse for folkekunst, gammel kultur, har programmeringens store rolle altid været karakteristisk for fransk musik. Alt dette blev tydeligt manifesteret i Debussys og Ravels værker. Men den mest direkte og frugtbare indflydelse på den nye retning i musikken var naturligvis billedimpressionismen.

Værker af impressionistiske kunstnere og komponister afslører mange ligheder. Først og fremmest er dette et relateret emne. Det ledende tema er " landskab».

Malernes fokus er det urbane landskab, hvor byen tiltrækker kunstnere i samspil med almene naturlige processer og atmosfærens nuancer. I maleriet "Boulevard of the Capuchines in Paris" af C. Monet er kompositionen bygget på kontrasten af ​​fodgængeres kontinuerlige bevægelse og de statiske former for huse og træstammer; på kontrasten mellem varme og kolde farver; i en ekspressiv tidsmæssig kontrast - synes to fastfrosne figurer at være udelukket fra hurtigt flydende tid. Billedet er sløret og uhåndgribeligt; der er en følelse af at overlappe flere billeder taget fra ét punkt på én ramme. Flimrende, flimrende, bevægelse. Ingen varer. Der er byens liv (selv kunstneren fra 1. halvdel af det 19. århundrede, Delacroix, sagde, at han ikke ville male en sabel, men glansen af ​​en sabel).

Kunstnere lagde også stor vægt på billeder af naturen. Men de har et landskab, hvor motivet selv trækker sig tilbage i baggrunden, og billedets hovedperson bliver til det omskiftelige og omskiftelige lys. Claude Monet introducerede praksis med at arbejde på en række lærreder, der skildrer det samme motiv i forskellig belysning. Hvert maleri i serien er unikt, fordi det forvandles af skiftende lys.

Impressionistiske komponister havde også en usædvanlig holdning til landskab.

Ingen af ​​fortidens komponister legemliggjorde en så mangfoldighed og rigdom af emner forbundet med malerier af naturen. Desuden er Debussy og Ravel tiltrukket af billeder af naturen, først og fremmest af det, der bevæger sig: regn, vand, skyer, vind, tåge og lignende. For eksempel sådanne skuespil af Debussy: "Wind on the Plain", "Gardens in the Rain", "Mists", "Sejl", "What the West Wind Saw", "Heather", "The Play of Water" af Ravel . Debussys stykke "Gardens in the Rain" spiller.

I sådanne værker blev nogle teknikker til lydvisualisering, karakteristisk specifikt for impressionisternes musik, tydeligt manifesteret. De kan beskrives som "bølger" ("The Play of Water" af Ravel, "Sails" af Debussy), "Leaffall" ("Dead Leaves" af Debussy), "Flimren af ​​lys" ("Moonlight" af Debussy), "nattens ånde" ("Nattens ånde" ("Dead Leaves" af Debussy), Nattens præludium" af Ravel, "Nattens dufte" af Debussy), "ruslen af ​​blade" og " blæst af vinden" ("Wind on the Plain" af Debussy). Debussys skuespil "Wind on the Plain" spiller.

På baggrund af musik - en historie om et Monet-maleri. ...Allerede om morgenen er Monet i haven med et kæmpe lærred. Det var nok ikke let at slæbe ham til bredden af ​​dammen, til den blomstrende busk, hvor maleren slog sig ned. Han arbejder hurtigt, i en fart: Solen bevæger sig ustoppeligt hen over himlen, afstanden er overskyet af dis, lidt mere, og solens stråler, der gennemborer den gennemsigtige kolde luft, vil falde på jorden i helt andre farvede pletter. Monet tegner selvfølgelig ikke; han forviste helt at tegne fra billedet. Han arbejder direkte med farver, rene malinger, påfører dem i små strøg, den ene ved siden af ​​den anden på en hvid grund, og lærredet på nært hold ser ud til at være blot en flad overflade, der er strøet med en spredning af tilfældige pletter. Men du skal bare flytte dig lidt væk fra det, og der sker et mirakel - de brogede strøg smelter sammen og bliver til lyse blomster, pjusket af vinden, til krusninger, der løber gennem vandet og skælven og larmen fra løv - ja, støj er høres på billedet, og aromaer mærkes. Direkte afspejling af livets skiftende øjeblikke i farver. Der er intet mellem kunstnerens øje, der læser farve, og lærredet, der svarer til denne farve - ingen plan, ingen idé, nej litterært plot; - her er en ny måde at arbejde på. Dette er kunst, der udtrykte en persons verdensbillede i anden halvdel af det 19. århundrede. Dette var Claude Monets opdagelse.

Men når de malede naturbilleder, stræbte komponister ikke efter en rent billedmæssig løsning på billedet. Det var vigtigt for dem at formidle en bestemt stemning, følelse, deres holdning til et givet poetisk billede. Derfor den særlige fortrolige, intime tone i udtalelsen. Hver landskabsskitse har en vis følelsesmæssig farve - enten rolig, drømmende kontemplation eller majestætisk refleksion. En streng og til tider dyster stemning kan øjeblikkeligt vige for berusende glæde. I. V. Nestyev sagde dette meget præcist: "Debussys fortryllende lydlandskaber - billeder af havet, skoven, regnen, natteskyer - er altid gennemsyret af stemningens symbolik, "mysteriet om det uudsigelige", i dem kan man høre enten kærlighedens sløvhed , eller noter af sorgfuld løsrivelse eller den blændende glæde ved at være."

Sammen med det "lyriske landskab" blev det "lyriske portræt" et lige så typisk tema for impressionisterne. I sådanne stykker formår komponister at skabe et meget ægte, naturtro musikalsk billede med nogle få præcise streger. For eksempel musikalske portrætter: fulde af humor, med groteske træk, skuespillet "General Lyavin den excentriske." Eller det lette, præget af sorg, spiller "Pigen med hørhår". Debussys stykke "Pigen med hørhår" spiller.

På baggrund af musik, en historie om et Renoir-maleri. ...Renoir blev introduceret til den unge skuespillerinde fra Comedy Francaise, Jeanne Samary. "Hvilken slags hud, det oplyser virkelig alt omkring" - sådan udtrykte den impressionistiske kunstner sin beundring. Han vævede hendes portræt af farverige nuancer, skinnende med varmt lys på hendes ansigt, hals, bryst og hvid kjole. Hun trådte fra stuens dyb, hendes ansigt lyste op, øjnene blinkede og blev mørke, hendes kinder blev ømt røde, silken i hendes nederdel flagrede let. Men hvis Zhanna tager endnu et skridt, vil hun komme ud af lysstrømmen, og alt vil ændre sig – og det bliver en anden Zhanna, og hun skal male et andet portræt. Et tilfældigt, smukt øjeblik...

Hos impressionistiske kunstnere ser vi ofte portrætter af modeller, unge damer fra forstæderne, møllere, der danser på små caféer i Montmartre, ballerinaer, kunstnere, jockeyer, småborgere og cafegæster. Billedet af en moderne, charmerende parisisk kvinde var central i Auguste Renoirs arbejde. I portrættet af Jeanne Samari er strålende Blå øjne og røde læber tiltrækker øjet. Den lyse farveakkord af smaragd og pink lyder attraktiv. I selve portrætter tiltrækkes impressionister ikke af den fysiognomiske beskrivelse af ansigtet og den dybtgående psykologiske afsløring af karakter, men af ​​det individuelle, unikke aspekt af personligheden, der afsløres gennem et hurtigt blik, hovedets hældning, særlige plasticitet, og opførsel.

De er også tiltrukket af hverdagsgenren - offentligheden på en café, bådførere på bådstationer, et selskab i parken på picnic, regattaer, svømning, gåture - alt dette er en verden uden særlige begivenheder, og de vigtigste begivenheder finder sted i naturen. De magiske virkninger af vandoverfladen: krusningen af ​​vandet, dets overløb, glansen af ​​refleksion, skyernes mønster og løvets svaj - dette er impressionisternes sande passion. Og kun Edgar Degas fandt i hverdagsgenre noget, der kunne fængsle impressionisterne: han viser den moderne bys virkelighed ved hjælp af fremtidens filmteknikker - indramning, visning af fragmenter, bevægelse af kameraet, uventede vinkler. Han skriver: "Når jeg sad ved danserens fødder, ville jeg se hendes hoved omgivet af lysekronens vedhæng." I hans skitser kan du se en cafe med flere refleksioner i spejlene, forskellige former for røg - røgerøg, damplokomotivrøg, fabriksskorstensrøg. Ved at arbejde i pastelteknikken opnår han usædvanlige farveeffekter. En klangfuld dekorativ akkord af blå og orange i " Blå dansere" ser ud til at være selvlysende.

Impressionistiske komponister henvender sig også til genre og hverdagsfag. I genre og hverdagssketches bruger Debussy hverdagens musikgenrer, danse forskellige epoker og folkeslag. For eksempel spanske folkedanser i skuespillene "Interrupted Serenade", "The Gates of the Alhambra". Debussys skuespil "Interrupted Serenade" spiller.

Debussy vender sig også til moderne rytmer. I stykket "Minstrels" bruger han back-walkens moderne popdans. Debussys skuespil "Minstrels" spiller.

Der er skuespil inspireret af eventyrlige og legendariske motiver - "Fairies - Lovely Dancers", "The Sunken Cathedral", "Peck's Dance". En række skuespil er forbundet med andre typer kunst: med poesi ("Dufte og lyde flagrer i aftenluften", "Terrasse oplyst af måneskin"), med værker af gammel kunst ("Delphic Dancers", "Canopy") . Det er vigtigt at understrege, at i skildringen af ​​alle disse emner, såvel som i at formidle det "lyriske landskab", er Debussy primært interesseret i atmosfæren omkring det givne billede. Det vil sige, at han tegner fænomenet sammen med baggrunden omkring det. Det er vigtigt for Debussy at vise den følelsesmæssige opfattelse af dette fænomen i kombination med alle mulige visuelle eller auditive associationer. Derfor er de billeder, han skildrer, ofte ustabile, uhåndgribelige, vage og uhåndgribelige. Dette hænger også sammen med komponistens ønske om at formidle sit første, direkte indtryk af et fænomen eller billede. Det er her, impressionistiske komponister ikke drager mod store former, men mod miniaturer, hvori det er lettere at formidle flygtige indtryk af forskellige fænomener og stemningsskift.

Impressionistiske komponisters værker er programmatiske, det vil sige, de har titler, og i Debussys Nocturnes-suite er der endda et kort litterært forord før hvert af de tre stykker. Impressionistiske komponister er kendetegnet ved et billedligt og kontemplativt program, uden den aktive udvikling af et billede eller plot. Programoverskrifter og litterære kommentarer er af betinget karakter. De udtrykker kun den generelle poetiske idé, den billedlige og ikke plotideen i kompositionen. Derudover, som om han ikke vil "påtvinge" sin idé på udøveren og lytteren, placerer Debussy i forspillene f.eks. titlen i slutningen af ​​stykket, omslutter den i parentes og omgiver den med en ellipse. For Debussy er den figurative side af opførelsen af ​​hans skuespil meget vigtig. Da der ikke er nogen konsekvent udvikling af plottet i dem, kommer maleriske og farverige opgaver frem. At udtrykke dem så præcist som muligt. Debussy bruger verbale instruktioner i sine værker. Komponistens bemærkninger er fantastiske i deres mangfoldighed og lysstyrke. Det er rammende metaforer og opklarende forklaringer for udøveren. For eksempel "som den fjerne lyd af et horn", "som en blid og trist fortrydelse", "som en guitar", "næsten en tromme", "lyder stille i en tyk tåge", "vibrerende", "stikkende, " "nervøs og humoristisk." Det kan endda være en detaljeret beskrivelse, som for eksempel i "Step in the Snow": "Denne rytme skal lydmæssigt svare til landskabets triste og kolde baggrund." Sådanne forfatterinstrukser understreger komponistens ønske om at underordne tekniske, virtuose opgaver til billedlige, kunstneriske og kunstneriske.

Fællestræk i impressionistiske kunstneres og komponisters arbejde findes ikke kun inden for indhold, temaer, men også i kunstnerisk metode.

Et usædvanligt kig på verdenen bestemte impressionisternes maleteknik. Plein air er hovednøglen til deres metode. De kom ikke forbi de vigtigste videnskabelige opdagelser i optik om farvenedbrydning. Farven på et objekt er indtrykket af en person, som konstant ændrer sig afhængigt af belysningen. Impressionisterne påførte maling på lærredet kun de farver, der var til stede i solspektret, uden neutrale toner af chiaroscuro og uden først at blande disse farver på paletten. De påførte maling i små, separate strøg, som på afstand giver indtryk af vibration, mens objekternes konturer mister deres klare kontur.

Impressionisterne opdaterede ikke kun maleriets lysfarvestruktur, men også kompositionsteknikker. Akademiet lærte, hvordan man bygger en komposition som en teaterscene - lige foran dig, i vandrette linjer, mens du nøje overholder lovene for lineært perspektiv. Hos impressionisterne ser vi en bred vifte af fordybelsespunkter - oppefra, langvejs fra, indefra og andre. I modsætning til den akademiske kunsts kanoner, som omfattede den obligatoriske placering af hovedpersonerne i midten af ​​billedet, rummets tredimensionalitet og brugen af ​​historiske emner, fremsatte impressionisterne nye principper for opfattelsen og refleksionen. af omverdenen. De holdt op med at opdele emner i primære og sekundære emner. De forviste fortællingen fra malerierne. Impressionisterne fokuserede på at studere lysets natur og observerede omhyggeligt specifikt farvet lys. Impressionisterne trådte først ind i verden af ​​transformationer af virkeligheden, der knap nok er mærkbare for det almindelige øje, og som sker så hurtigt, at de kun kan bemærkes af et trænet øje og sker i et tempo, der er uforlignelig hurtigere end tempoet i at skabe et billede. Effekten af ​​et udstrakt øjeblik - "hurtigt" - blev anvendt 25 år før opdagelsen af ​​biografen.

Billedimpressionismen havde stor indflydelse på musikken inden for udtryksområdet. Ligesom i maleriet var Debussys og Ravels søgninger rettet mod at udvide rækken af ​​ekspressive midler, der var nødvendige for legemliggørelsen af ​​nye billeder, og først og fremmest på at maksimere berigelsen af ​​den farverige side af musikken. Disse søgninger berørte mode, harmoni, melodi, rytme, tekstur og instrumentering. Debussy og Ravel skaber et nyt impressionistisk musikalsk sprog.

Betydningen af ​​melodi som det vigtigste udtrykselement i musikken svækkes, den opløses i den harmoniske baggrund. Der er ingen lyse, brede melodier, kun korte melodiske fraser blinker. Men harmoniens rolle øges usædvanligt. Dens farverige betydning kommer til udtryk. I impressionisternes værker er farve meget vigtig. Lydens farverigehed opnås ved at bruge nye, usædvanlige akkorder med tertiansk og ikke-tertiansk struktur, i kombinationen af ​​hvilke den indledende tonale tyngdekraft overvindes. Komplekse, ustabile harmonier er karakteristiske: øgede treklanger, reducerede septim-akkorder, ikke-akkorder. De udvider den lodrette til tolv toner, omgiver tertiansk struktur med sekundære toner og bruger parallelle bevægelser af akkorder. For eksempel i Debussys skuespil The Sunken Cathedral.

Frets spiller en vigtig rolle i at skabe en særlig farverig lyd. Debussy og Ravel vender sig ofte til ældgamle folkemåder: Dorisk, frygisk, mixolydisk, pentatonisk. For eksempel i stykket "Pagoder" er det pentatonisk. De bruger en skala med to øgede sekunder - "Gate of the Alhambra", usædvanlige kombinationer af dur og mol - "Sne danser". Ud over dur- og moltilstande vender de sig til hele tonetilstanden - "Sejl", til den kromatiske tilstand - "Alternativ tredjedele". Sådan en variation af modal palette blandt impressionistiske musikere ligner den enorme berigelse af farvepaletten blandt impressionistiske kunstnere.

Det bliver karakteristisk for Debussys og Ravels musik: uventede ændringer i fjerne tonaliteter, sammenligning af tonikker af forskellige tonaliteter og brugen af ​​uløste dissonante konsonanser. Alt dette fører til en sløring af følelsen af ​​tonalitet, modale fundamenter og til at sløre tonikken. Derfor den tonale usikkerhed og ustabilitet. Denne "balancering" mellem fjerne tonaliteter, uden en klar præference for en af ​​dem, minder om subtilt spil chiaroscuro på lærreder af impressionistiske kunstnere. Og sammenstillingen af ​​flere toniske treklanger eller deres inversioner i fjerne tangenter giver et indtryk, der ligner små streger af "rene" malinger, der er placeret side om side på lærredet og danner uventede nye farvekombinationer. For eksempel: nocturne "Skyer". I dette stykke giver Debussy følgende litterære forord: ”Skyer er et ubevægeligt billede af himlen med grå skyer, der langsomt og melankolsk passerer og smelter; bevæger de sig væk, går de ud, blidt skygget af hvidt lys." Stykket genskaber et malerisk billede af himlens bundløse dybde med dens svære at definere farve, hvori forskellige nuancer er indviklet blandet. Den samme progressive, som om den svajende, sekvens af femtedele og tredjedele skaber følelsen af ​​noget frosset, der kun skifter nuancer lejlighedsvis. Debussys skuespil "Clouds" spiller.

På baggrund af musik: ...Dette musikalsk billede kan sammenlignes med Claude Monets landskaber, uendeligt rige på farveudvalg, overflod af penumbra, der skjuler overgange fra en farve til en anden. Enheden af ​​billedstilen i gengivelsen af ​​mange malerier af havet, himlen og floden opnås ofte af ham ved ikke at opdele de fjerne og nære planer i billedet. Om et af Monets bedste malerier, "Sejlbåd ved Argenteuil", skriver den berømte italienske kunstkritiker Lionello Venturi: "Violet og gule toner er vævet ind i både vandets blå og himlens blå, hvis forskellige toner gør det er muligt at skelne mellem disse elementer, og flodens spejllignende overflade bliver som et fundament firmament. Du mærker den kontinuerlige bevægelse af luft."

Sammen med det harmoniske sprog spiller orkestrering hovedrollen i impressionisternes værker. Debussys orkesterstil er særligt karakteristisk. Debussy havde den fantastiske gave at høre instrumentets indre stemme, dets klingende sjæl. Debussy ødelagde stereotyper og konventionelle ideer og opdagede en smuk og hidtil uhørt lyd, der virker helt naturlig for alle. Denne evne tillod komponisten at forstå og afsløre essensen af ​​instrumentet. Hun hjalp med at høre i lyden af ​​en altfløjte den sørgelige lyd af et horn tabt i bladene, i lyden af ​​et horn - melankolien af ​​en menneskelig stemme, overdøvet af vands mumlen og i strygeres harmoniske - regndråber, der flyder fra våde blade. Debussy udvider orkestrets koloristiske evner markant. Komponisten introducerer sjældent nye instrumenter i orkestret, men bruger mange nye teknikker i lyden af ​​både individuelle instrumenter og grupper af orkestret. I Debussy dominerer "rene" klangfarver; orkestergrupper (strygere, træblæsere, messingblæsere) blandes sjældent, men den farverige og koloristiske funktion af hver gruppe og individuelle soloinstrumenter øges. Strygegruppe mister sin dominerende betydning, og træblæsere indtager en central plads på grund af de lyse karakteristiske klangfarve. Harpens rolle er blevet større, dens lyd bringer gennemsigtighed og en følelse af luft. Debussy bruger usædvanlige registre over instrumenter og en række spilleteknikker. Debussy bruger den menneskelige stemme som en ny klangfarve. For eksempel i skuespillet "Sirener" fra "Nocturnes"-suiten er det vigtigste for komponisten ikke at skildre sirenernes sang, men at formidle lysets spil på havets bølger, havets forskelligartede rytme. Debussys skuespil "Sirens" spiller.

Debussy og Ravels kunst, ligesom impressionistiske kunstneres malerier, glorificerer verden af ​​naturlige menneskelige oplevelser, formidler en glædelig følelse af liv og afslører for lytterne naturens smukke poetiske verden, malet med subtile, originale lydfarver.

Siden antikken har teorien om imitation i kunsten domineret verdensæstetikken; impressionisterne godkendte et nyt koncept, ifølge hvilket kunstneren på sine lærreder ikke skulle legemliggøre den objektive verden omkring ham, men sit subjektive indtryk af denne verden. Mange tendenser i kunsten i det efterfølgende 20. århundrede dukkede op takket være nye metoder til impressionisme.

I slutningen af ​​lektionen er der en mini-quiz. I den første fase bliver du bedt om at vælge: fra tre klaver, og derefter fra tre symfoniske musikfragmenter, værker tilhørende impressionistiske komponister. I det andet, fra de foreslåede kort med fragmenter af kunstnerisk analyse af malerier, skal du vælge dem, der tilhører impressionistiske kunstnere.

1. Skønheden i den unge model virker mest udtryksfuld på baggrund af landskabets klare grønlige afstande og den blide blå himmel. Dette endeløse landskab virker fabelagtigt og fremkalder en følelse af verdens uhyre.
2. En følelse af skala, en følelse af uhyre og omfang af det, der sker. Den allegoriske figur er billedets semantiske centrum: en klassisk antik profil, en kraftig skulptureret torso. Ideen om frihed ser ud til at være synligt legemliggjort i en smuk kvinde.
3. Med små strøg af maling genskaber kunstneren på lærred middagssolens spil, hvilket giver anledning til mange farvenuancer. Lyse blomster skælver i lyset, lange skygger svajer. Damens hvide kjole er skrevet i en blå tone - farven på skyggen, der faldt på den fra en gul paraply. Et kort øjeblik af livet i en blomstrende have lever på dette lærred.
4. En lyserød kugle uden stråler flyder ud af skyen og farver himlen og bugten, reflekteret i en skælvende sti på vandoverfladen. Fugtig tåge blødgør genstandes silhuetter. Alt omkring er ustabilt, grænserne mellem himlen og floden er knapt mærkbare. Endnu et minut - morgentågen forsvinder, og alt vil se anderledes ud.
5. Den musikalske variation, som kunstneren udspiller sig i dette udsøgte lærred af skinnende farvede pletter i ansigtet, frisure, kjole, baggrund, gentaget i den udfoldede vifte, udvikler sig til et billede af en drømmende og øm, som om smuk blomst, piger.
6. Landskabets rum, hvor let asymmetri understreges, er dannet af træernes linjer, figurernes konturer og farvepletter af hvide, grønne, blå, skælvende skygger på jorden. Det blændende sollys fratager figurerne volumen, som bliver til silhuetter. Frihed til streger, blændende friskhed i paletten, illusion af lys, ro i stemningen bliver hovedtrækkene i den nye malestil. Maleriet, der er udstyret med en unik atmosfæres charme, virker usædvanligt dekorativt og majestætisk.
7. Afskåret af rammen, i et lille diagonalt skift, fremstår det som et mystisk fantom fra fortiden. Middagssolen lyser facadens planer op med en let gylden flamme, men skæret kommer også inde fra stenen.

1. Jean Auguste Dominique Ingres, portræt af Mlle Rivière, 1805, Paris, Louvre.
2. E. Delacroix, "Friheden leder folket", 1831, Paris, Louvre.
3. K. Monet, "Lady in the Garden", 1867, Skt. Petersborg, Statens Eremitagemuseum.
4. K. Monet, "Indtryk. Sunrise", 1873, Paris, Marmotan Museum.
5. O. Renoir, "Girl with a Fan", 1881, Skt. Petersborg, Statens Eremitagemuseum.
6. C. Monet, "Kvinder i haven", 1886, Paris, Musée D'Orsay.
7. K. Monet, “Rouen Cathedral at Noon”, 1892, Moskva, Statens Institut for Fine Kunster opkaldt efter. SOM. Pushkin.

impressionisme(Fransk indtryk) er en kunstnerisk bevægelse, der opstod i 70'erne af det 19. århundrede i fransk maleri, og derefter manifesterede sig i musik, litteratur og teater. Essensen af ​​impressionismen ligger i den mest subtile registrering af tilfældige rumlige og tidsmæssige øjeblikke af virkeligheden, flygtige indtryk, halvtoner.

Den musikalske impressionisme opstod i slutningen af ​​80'erne - begyndelsen af ​​90'erne af det 19. århundrede. Det vigtigste i impressionistisk musik er overførsel af stemninger, der erhverver sig symbolsk betydning, fiksering af subtile psykologiske tilstande forårsaget af kontemplation verden udenfor. Udtrykket "impressionisme" som brugt af musikkritikere slutningen af ​​XIXårhundreder i en dømmende eller ironisk forstand, blev senere en almindeligt accepteret definition, der dækkede en bred vifte af musikalske fænomener slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​XX århundreder.

De impressionistiske træk ved franske komponisters musik kommer til udtryk i deres kærlighed til poetiske landskaber ("Billeder", "Nocturnes", "Havet" af C. Debussy, "The Play of Water" af M. Ravel, etc.) og mytologiske historier("The Afternoon of a Faun" af C. Debussy), som formidles af komponisterne med ekstraordinær finesse i karakterernes detaljer.

I impressionistisk musik kombineres det nye med kunstneriske virkemidler ofte med billeder fra fortiden ("Tomb of Couperin" af M. Ravel, " Børnehjørne"C. Debussy), interesse for miniaturer ("The Sorcerer's Apprentice" af P. Dukas).

Impressionismens æstetik påvirkede alle større musikgenrer: I stedet for udviklede multisatssymfonier komponerede komponister symfoniske skitser, og komprimerede programminiaturer blev udbredt i klavermusikken. Den romantiske sang blev erstattet af en vokal miniature med en overvægt af recitativ kombineret med et farverigt billedsprog af den instrumentale baggrund.

I begyndelsen af ​​det 20. århundrede spredte den musikalske impressionisme sig ud over Frankrig. I Spanien udviklede M. de Falla, i Italien, O. Respighi, A. Casella og andre franske komponisters kreative ideer. En slags engelsk impressionisme blev nedfældet i F. Dilius og S. Scotts værker. Et slående eksempel på impressionisme i polsk musik er værket af K. Szymanowski med hans ultraraffinerede billeder af antikken og det antikke østen ("Fountain of Aretuza", "Songs of Hafiz", etc.). I Rusland var fremtrædende repræsentanter for musikalsk impressionisme N. Cherepnin, S. Vasilenko, A. Scriabin.

Impressionistiske komponisters arbejde berigede i høj grad paletten af ​​musikalske udtryksmidler inden for harmoni og bidrog til udvidelsen af ​​det tonale system. Dette banede igen vejen for mange harmoniske nyskabelser i det 20. århundrede.

Samtidsmusik. Konceptet " samtidsmusik"dækker al den mangfoldighed af tendenser og retninger, der er karakteristiske for det 20. århundredes musik.

Enorme historiske ændringer og globale katastrofer har givet anledning til en hidtil uset variation af stilarter inden for kunst, hvoraf mange har produceret store komponister, der har ydet væsentlige bidrag til udviklingen af ​​verdens musikalske kultur.

(fransk impressionnisme, fra indtryk - indtryk) - en kunstnerisk bevægelse, der opstod i 70'erne. XIX århundrede i fransk maleri, og derefter manifesteret sig i musik, litteratur, teater. Fremragende impressionistiske malere (C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley, E. Degas, O. Renoir osv.) berigede teknikken med at skildre den levende natur i al dens sensuelle charme. Essensen af ​​deres kunst er i den mest subtile registrering af flygtige indtryk, på en særlig måde at gengive lysmiljøet ved hjælp af en kompleks mosaik af rene farver og overfladiske dekorative streger. Musikalsk impressionisme opstod i slutningen af ​​80'erne og begyndelsen af ​​90'erne. Han fandt sit klassiske udtryk i C. Debussys værker.

Anvendelsen af ​​udtrykket "impressionisme" på musik er stort set betinget: musikalsk impressionisme er ikke helt analog med bevægelsen af ​​samme navn i maleriet. Det vigtigste i impressionistiske komponisters musik er overførsel af stemninger, der får betydningen af ​​symboler, registrering af subtile psykologiske tilstande forårsaget af kontemplation af omverdenen. Dette bringer den musikalske impressionisme tættere på symbolistiske digters kunst, som er karakteriseret ved dyrkelsen af ​​det "uudsigelige". Udtrykket "impressionisme" blev brugt af musikkritikere i slutningen af ​​det 19. århundrede. i en fordømmende eller ironisk forstand, blev senere en alment accepteret definition, der dækkede en lang række musikalske fænomener i begyndelsen af ​​det 19. og 20. århundrede. både i Frankrig og i andre europæiske lande.

De impressionistiske træk ved musikken af ​​C. Debussy, M. Ravel, P. Dukas, F. Schmit, J. Roger-Ducas og andre franske komponister kommer til udtryk i deres tiltrækning til poetisk inspirerede landskaber ("Afternoon of a Faun", " Nocturnes", "Sea" Debussy, "The Play of Water", "Reflections", "Daphnis and Chloe" af Ravel osv.). Nærhed til naturen, subtile fornemmelser, der opstår fra opfattelsen af ​​skønheden i havet, himlen, skoven, er ifølge Debussy i stand til at vække komponistens fantasi, levendegøre nye lydteknikker, fri for akademiske konventioner. Et andet område af musikalsk impressionisme er den raffinerede fantasi, der genereres af gammel mytologi eller middelalderlige legender, en verden af ​​eksotiske folk i Østen. Nyheden af ​​kunstneriske midler blev ofte kombineret af impressionistiske komponister med implementeringen af ​​udsøgte billeder gammel kunst(rokokomaleri, musik af franske cembalospillere).

Den musikalske impressionisme arvede nogle træk, der var iboende i senromantikken og de nationale skoler i det 19. århundrede: interesse for poetisering af antikken og fjerne lande, klangfarve og harmonisk skønhed og genopstandelsen af ​​arkaiske modale systemer. F. Chopins og R. Schumanns poetiske miniaturisme, den afdøde F. Liszts lydmaleri, E. Griegs koloristiske opdagelser, N. A. Rimsky-Korsakovs, stemmefriheden og den spontane improvisation af M. P. Mussorgsky fandt en original fortsættelse i værker af Debussy og Ravel. Disse franske mestre opsummerede talentfuldt deres forgængeres resultater og gjorde samtidig skarpt oprør mod akademiseringen af ​​romantiske traditioner; patetisk overdrivelse og lydovermætning musikalske dramaer De kontrasterede R. Wagners kunst med beherskede følelser og gennemsigtig, mager tekstur. Dette afspejlede også ønsket om at genoplive den specifikt franske tradition for klarhed og økonomi i ekspressive midler, der kontrasterede dem med tyngden og betænksomheden i den tyske romantik.

I mange eksempler på musikalsk impressionisme optræder en entusiastisk og hedonistisk livsholdning, som gør, at de ligner impressionisternes malerier. Kunst for dem er en sfære af fornøjelse, der beundrer farvens skønhed, gnistret af lys, fredfyldte toner. Samtidig undgås akutte konflikter og dybe sociale modsætninger.

I modsætning til Wagners og hans tilhængeres klare relief og rent materielle palet er impressionisternes musik ofte præget af subtilitet, ømhed og lydbilledernes flydende foranderlighed. "Når du lytter til impressionistiske komponister, kredser du for det meste i en cirkel af tågede iriserende lyde, øm og skrøbelig til det punkt, at musikken pludselig dematerialiserer ... kun i din sjæl og efterlader i lang tid ekkoerne og refleksionerne af berusende æteriske visioner" ( V.G. Karatygin).

Impressionismens æstetik påvirkede alle større musikgenrer: i stedet for udviklede multisatssymfonier begyndte man at dyrke symfoniske skitser, der kombinerede lydmaleriets akvarelblødhed med stemningernes symbolistiske mysterium; i klavermusik - lige komprimerede programminiaturer baseret på en speciel teknik med lyd "resonation" og landskabsmaling; Den romantiske sang blev erstattet af en vokal miniature med en overvægt af behersket recitation, kombineret med det farverige billedsprog af den instrumentale baggrund. I operahuset førte impressionismen til skabelsen af ​​musikdramaer af semi-legendarisk indhold, præget af lydatmosfærens fortryllende delikatesse, sparsomheden og naturligheden ved vokal deklamation. Med en vis uddybning af den psykologiske udtryksevne blev dramaets statiske karakter afspejlet i dem ("Pelléas og Mélisande" af Debussy).

Impressionistiske komponisters arbejde har i høj grad beriget paletten af ​​musikalske og udtryksfulde virkemidler. Dette gælder først og fremmest harmoniens sfære med dens teknik med parallelisme og finurlige opskruninger af uafklarede farverige konsonans-pletter. Impressionisterne udvidede det moderne tonale system betydeligt, hvilket åbnede vejen for mange harmoniske nyskabelser i det 20. århundrede. (selvom de mærkbart svækkede klarheden af ​​funktionelle forbindelser). Komplikationen og opsvulmningen af ​​akkordkomplekser (ikke-akkorder, udecimerede akkorder, ændrede og fjerde harmonier) kombineres med forenkling, arkaisering af modal tænkning (naturlige tilstande, pentatoniske, heltonekomplekser). Orkestrationen af ​​impressionistiske komponister er domineret af rene farver og lunefulde højdepunkter; Træblæsersoloer, harpepassager, komplekse strygerdivisi og con sordino-effekter bruges ofte. Rent dekorative, ensartet flydende ostinat-baggrunde er også typiske. Rytmen er nogle gange ustabil og uhåndgribelig. Melodiken er ikke præget af afrundede konstruktioner, men korte udtryk. sætninger-symboler, lag af motiver. På samme tid, i impressionisternes musik, blev betydningen af ​​hver lyd, klang, akkord usædvanligt intensiveret, ubegrænsede muligheder fret extensions. Særlig friskhed blev givet til impressionisternes musik ved den hyppige brug af sang- og dansegenrer, den subtile implementering af modale og rytmiske elementer lånt fra folkloren fra folkene i Østen, Spanien og i de tidlige former for sort jazz.

I begyndelsen af ​​det 20. århundrede. den musikalske impressionisme spredte sig uden for Frankrig og vandt forskellige folkeslag bestemt nationale træk. I Spanien udviklede M. de Falla, i Italien, O. Respighi, den unge A. Casella og J. F. Malipiero oprindeligt franske impressionistiske komponisters kreative ideer. Engelsk musikalsk impressionisme er unik med sin "nordlige" landskabsstil (F. Dilius) eller krydret eksotisme (S. Scott). I Polen var den musikalske impressionisme repræsenteret af K. Szymanowski (indtil 1920) med sine ultraraffinerede billeder af antikken og andre. Øst. Den franske impressionismes indflydelse blev oplevet i begyndelsen af ​​det 20. århundrede. og nogle russiske komponister (N. N. Cherepnin, V. I. Rebikov, S. N. Vasilenko i tidlige år hans kreativitet). A. N. Skrjabin kombinerede impressionismens selvstændigt dannede træk med brændende ekstase og voldsomme viljeimpulser. Sammensmeltningen af ​​traditionerne fra N. A. Rimsky-Korsakovs musik med den originale indflydelse fra fransk impressionisme er mærkbar i de tidlige partiturer af I. F. Stravinsky ("Ildfuglen", "Petrushka", operaen "Nattergalen"). Samtidig viste Stravinsky og S.S. Prokofiev sig sammen med B. Bartok at være grundlæggerne af en ny, "anti-impressionistisk" trend inden for europæisk musik på tærsklen til Første Verdenskrig.

I. V. Nestyev

Fransk musikalsk impressionisme

Værket af to store franske komponister Debussy og Ravel er det mest betydningsfulde fænomen i fransk musik ved begyndelsen af ​​det 19. og 20. århundrede, et lysende udbrud af dybt human og poetisk kunst i en af ​​de vanskeligste og mest kontroversielle perioder i udviklingen af fransk kultur.

Det kunstneriske liv i Frankrig i sidste kvartal XIX århundrede var kendetegnet ved en fantastisk mangfoldighed og kontraster. På den ene side udseendet af den strålende "Carmen" - toppen af ​​realisme i fransk opera, en hel række dybtgående, kunstnerisk betydningsfulde symfoniske og kammerværker af Franck, Saint-Saens, Fauré og Debussy; på den anden side den etablerede dominans i musikliv hovedstaden i Frankrig sådanne institutioner som Paris Conservatory, Academy of Fine Arts med deres dyrkelse af døde "akademiske" traditioner.

En lige så slående kontrast er spredningen i de bredeste lag af det franske samfund af så demokratiske former for musikliv som massesangsamfund, de parisiske chansonnieres socialt akutte åndsaktiviteter, og sammen med dette, fremkomsten af ​​en ekstremt subjektiv tendens på fransk kunst - symbolisme, som primært svarede til interesserne for den æstetiske elite i det borgerlige samfund med deres slogan "kunst for eliten".

I sådan en vanskelig situation, en af ​​de mest interessante lyse retninger i fransk kunst i anden halvdel af 1800-tallet - impressionismen, som opstod først i maleriet, siden i poesi og musik.

Inden for billedkunst forenede denne nye retning kunstnere med meget unikt og individuelt talent - E. Manet, C. Monet, O. Renoir, E. Degas, C. Pissarro og andre. Det ville være forkert at ubetinget klassificere alle disse kunstnere som impressionisme, fordi hver af dem havde sit eget foretrukne emneområde og originale malestil. Men først var de forenet af had til officiel "akademisk" kunst, fremmed for livet. moderne Frankrig, berøvet ægte menneskelighed og direkte opfattelse af miljøet.

"Akademikerne" var kendetegnet ved deres usædvanlige forkærlighed for den antikke kunsts æstetiske normer, for mytologiske og bibelske emner, og impressionisterne var meget tættere på temaerne og den figurative kreativitetssfære hos sådanne kunstnere fra den tidligere æra som Camille Corot og især Gustave Courbet.

Det vigtigste, som impressionisterne arvede fra disse kunstnere, var, at de forlod ateliererne i det fri og begyndte at male direkte fra livet. Dette åbnede op for nye måder for dem at forstå og vise verden omkring dem. K. Pissarro sagde: "Du kan ikke tænke på at male et virkelig seriøst billede uden naturen." Mest karakteristisk træk deres kreative metode var overførsel af de mest direkte indtryk af et bestemt fænomen. Dette gav nogle kritikere grund til enten at rangere dem med den dengang fashionable naturalisme med dens overfladiske "fotografiske" opfattelse af verden, eller beskylde dem for at erstatte refleksionen af ​​virkelige fænomener med deres rent subjektive fornemmelser. Hvis subjektivismens bebrejdelse havde grundlag i forhold til en række kunstnere, så var anklagen om naturalisme ikke velbegrundet, fordi de fleste af dem (Monet, Renoir, Degas, Van Gogh) havde en hel række malerier, selvom de synes. at være øjeblikkelige skitser, som om de blev revet "fra livet", fremstod faktisk som et resultat af en lang søgen og udvælgelse af en karakteristisk, typisk og dyb generalisering af livsobservationer.

De fleste impressionister har altid understreget vigtigheden af ​​at vælge et specifikt tema for deres malerier. Den ældste af dem, Edouard Manet, sagde: "Farve er et spørgsmål om smag og følsomhed. Men du skal have noget at sige. Ellers farvel!.. Du skal også være spændt på emnet.”

Hovedtemaet for deres arbejde var Frankrig - dets natur, liv og mennesker: fiskerlandsbyer og larmende parisiske gader, broen i Moret og den berømte katedral i Rouen, bønder og ballerinaer, vaskekoner og fiskere.

Landskabet var en sand åbenbaring i malerier af impressionistiske kunstnere. Deres innovative ambitioner blev afsløret her i al deres mangfoldighed og rigdom af nuancer og nuancer. Ægte levende farver i naturen, en følelse af luftgennemsigtighed, det fineste spil af chiaroscuro osv. dukkede op på impressionisternes lærreder.

Nye emner og en konstant stor interesse for naturen krævede af impressionisterne et særligt billedsprog, opdagelsen af ​​stilistiske mønstre af maleri baseret på enhed af form og farve. De kunne konstatere, at farven i et maleri ikke nødvendigvis kan dannes ved at blande farver på paletten, men som et resultat af "rene" toner placeret i nærheden, som danner en mere naturlig optisk blanding; at skygger ikke kun er en konsekvens af lav belysning af en genstand, men selv kan give anledning til en ny farve; at farve, ligesom linje, kan "blænde" et objekt, give det en klar, defineret form osv.

Det nye i emnet og især de impressionistiske kunstneres metode forårsagede en skarp negativ holdning fra de officielle kunstnerkredse i Paris. Den officielle presse kaldte impressionisternes første udstilling "et angreb på god kunstnerisk moral" og respekt for mestrene i klassisk fransk kunst.

I en atmosfære af vedvarende kamp mellem traditionelle og nye tendenser inden for maleri og poesi, tog den musikalske impressionisme form. Det opstod også som en direkte opposition til de forældede, men ihærdigt fastholdte "akademiske" traditioner i den franske musikkunst i slutningen af ​​forrige århundrede. Den første og mest fremtrædende repræsentant for denne tendens var Claude Debussy. Komponisten, der stort set fortsatte Debussys kreative forhåbninger, men samtidig fandt sin egen originale og originale udviklingsvej, var Maurice Ravel. Deres første kreative eksperimenter mødte den samme fjendtlige holdning fra ledelsen af ​​officielle institutioner - Paris Conservatory, Academy of Fine Arts, som malerier af impressionistiske kunstnere. De måtte finde vej i kunsten alene, for de havde næsten ingen ligesindede eller samarbejdspartnere. Hele Debussys og Ravels liv og kreative vej er en vej med smertefulde søgninger og glade opdagelser af nye temaer og plots, dristige eksperimenter inden for musikgenrer og musikalske sprogmidler.

På trods af deres arbejdes fælles oprindelse og kunstneriske miljø, er begge kunstnere dybt individuelle i deres kreative fremtoning. Dette blev manifesteret i valget af visse temaer og emner af hver af dem og i deres holdning til national folklore og i arten af ​​udviklingen af ​​hver persons kreative vej og i mange vigtige træk ved stilen.

Musikalsk impressionisme (som maleri) voksede ud af fransk kunsts nationale traditioner. Dette blev manifesteret hos Debussy og Ravel i stærke, men ikke altid ydre mærkbare, forbindelser med folket fransk kunst(hvor det mest levende eksempel for dem kunne være Wieses værk, dybt nationalt af natur), i tæt forbindelse med nutidig litteratur og maleri (som altid var typisk for fransk musik af div. historiske perioder), i en enestående rolle i deres arbejde med programinstrumentalmusik, i en særlig interesse for oldtidens kultur. Men de nærmeste fænomener, der direkte forberedte den musikalske impressionisme, er stadig moderne fransk poesi (hvor dengang digteren Paul Verlaines skikkelse, som i ånden stod impressionisterne, opstod) og især billedimpressionismen. Hvis poesiens (hovedsageligt symbolistiske) indflydelse hovedsageligt findes i Debussys og Ravels tidlige værker, så viste den billedlige impressionismes indflydelse på Debussys arbejde (og i mindre grad på Ravel) sig at være bredere og mere frugtbar.

I værker af impressionistiske kunstnere og komponister findes relaterede temaer: farverige genrescener, portrætskitser, men landskabet indtager en enestående plads.

Spise fællestræk og i kunstnerisk metode billedlig og musikalsk impressionisme - ønsket om at formidle det første direkte indtryk af et fænomen. Derfor er impressionisternes tiltrækning ikke til monumentale, men til miniatureformer (i maleri - ikke til en fresco eller stor komposition, men til et portræt, en skitse; i musik - ikke til en symfoni, oratorium, men til en romantik, klaver eller orkesterminiature med en fri improvisatorisk præsentation) (Dette er mere karakteristisk for Debussy end for Ravel. I Ravels moden kreativitet der er en særlig interesse for store instrumentale former - sonate, koncert samt opera og ballet.).

Mest af alt påvirkede den billedlige impressionisme musikken inden for udtryksmiddelområdet. Ligesom i maleriet var Debussys og Ravels søgninger rettet mod at udvide rækken af ​​ekspressive midler, der var nødvendige for legemliggørelsen af ​​nye billeder, og først og fremmest på at maksimere berigelsen af ​​den farverige side af musikken. Disse søgninger berørte mode og harmoni, melodi og rytme, tekstur og instrumentering. Melodiens betydning som det vigtigste udtrykselement i musikken svækkes; samtidig er rollen som modal-harmonisk sprog og orkesterstil, på grund af deres evner, mere tilbøjelige til at formidle billed-figurative og koloristiske principper.

De impressionistiske komponisters nye udtryksmidler har med al deres originalitet og specificitet nogle analogier med impressionistiske kunstneres billedsprog. Debussy og Ravels hyppige brug af ældgamle folkemåder (pentatoniske, doriske, frygiske, mixolydiske og andre), samt heltoneskalaen i kombination med naturlig dur og mol, ligner enorm berigelse farvepalet fra impressionistiske kunstnere; langvarig "balancering" mellem to fjerne tonaliteter uden en klar præference for en af ​​dem minder lidt om det subtile spil af chiaroscuro på et lærred; sammenstillingen af ​​flere toniske treklanger eller deres inversioner i fjerne tonearter giver et indtryk, der ligner små streger af "rene" malinger placeret side om side på lærredet og danner en uventet ny farvekombination osv.

Debussy og Ravels (såvel som impressionistiske kunstneres) arbejde var også påvirket af en vis begrænsning af impressionistisk æstetik. Det kom til udtryk i indsnævringen af ​​tematikken, den kunstneriske og figurative sfære af deres arbejde (især i sammenligning med deres store forgænger Berlioz, musikken fra den franske revolution), i ligegyldighed over for det heroisk-historiske og sociale tema. Tværtimod er der en klar præference musikalsk landskab, en genrescene, et karakteristisk portræt, sjældnere en myte eller et eventyr. Men samtidig overvinder Debussy og især Ravel i en række større værker begrænsningerne i den impressionistiske æstetik og skaber så psykologisk dybtgående værker som Anden klaverkoncert og "Tomb of Couperin" (Ravel), storladne ift. skala for symfonisk udvikling "Waltz" og "Bolero" (Ravel), lyse farverige malerier folkeliv, som "Iberia" og "Celebrations" (Debussy), "Rhapsody Spanish" (Ravel).

I modsætning til de talrige bevægelser af modernistisk kunst, der blomstrede i fuldt flor i begyndelsen af ​​det 20. århundrede (ekspressionisme, konstruktivisme, urbanisme og andre), er to franske kunstneres arbejde kendetegnet ved fuldstændig fravær smertefuld sofistikering, nyder det forfærdelige og grimme, erstatter den følelsesmæssige opfattelse af miljøet med "konstruktionen" af musik. Debussy og Ravels kunst forherliger ligesom de impressionistiske kunstneres malerier en verden af ​​naturlige menneskelige oplevelser, nogle gange dybt dramatiske, men formidler oftere en glædelig følelse af livet. Det er virkelig optimistisk.

De fleste af deres værker ser ud til at genopdage naturens smukke poetiske verden for lyttere, malet med subtile, fortryllende og fængslende farver af en rig og original lydpalet.

Den historiske betydning af arven fra Debussy og Ravel blev rammende og præcist defineret af Romain Rolland, der sagde: "Jeg har altid set på Ravel som den største kunstner af fransk musik, sammen med Rameau og Debussy - en af ​​de største musikere gennem tidene. ."

B. Ionin

En kunstnerisk bevægelse fra slutningen af ​​det 19. og begyndelsen af ​​det 20. århundrede, baseret på ønsket om at formidle flygtige indtryk, subjektive fornemmelser og stemninger hos kunstneren. Det opstod oprindeligt i fransk maleri og spredte sig derefter til andre kunstarter og lande. I koreografi var ønsket om at fange et øjeblik, karakteristisk for impressionisme, baseret på improvisation og i modsætning til skabelsen af ​​en komplet kunstnerisk form. I balletteater, baseret på komplekse danseteknikker og udviklede danseformer, ville konsekvent impressionisme betyde dens selvdestruktion, og derfor vandt den ikke nævneværdig popularitet. Impressionismen viste sig hovedsageligt i de såkaldte. fri dans. A. Duncan forsvarede ideen om at "frigøre kroppen" og intuitiv fortolkning af musik, uden nogen. dansestandarder. Impressionismen i dansen blev også udbredt i Tyskland. M. M. Fokin forsøgte at bringe impressionismen tættere på balletscenen. Ved at genskabe scener fra forskellige epoker i forestillinger (Pavilion of Armida, Chopiniana, begge 1907; Egyptian Nights, 1908 osv.), greb Fokine til stilisering. Senere blev dansens struktur mere og mere sløret i hans værker. Komplette former (pas de deux, adagio, variation osv.) blev afvist og endda parodieret (for eksempel i ballet " Blå skæg Samtidig er impressionismens træk i Fokines værk kun en af ​​dens facetter.

I fremtiden at erstatte stor præstation miniaturer kommer oftere og oftere. Men i jagten på trofast formidling af et øjeblikkeligt indtryk blev temaerne reduceret, og manuskriptdramaturgien blev negligeret. Impressionismen udtømte hurtigt sine muligheder.

Ballet. Encyclopedia, SE, 1981