Malerier af Matisse. Fransk kunstner Henri Matisse

hjem / Psykologi

Frankrig gav verden en enorm galakse fremragende kunstnere, hvoraf den ene er den største og mest fremtrædende repræsentant for fauvismens kunstneriske bevægelse, Henri Matisse. Hans karriere begyndte i 1892, da den fremtidige kunstner med succes bestod eksamenerne på Académie Julian i Paris. Der tiltrak han Gustave Moreaus opmærksomhed, som forudsagde Matisse lys karriere på det kunstneriske område.

Fra begyndelsen af det 20. århundrede begyndte Matisse at søge efter sig selv. Han går igennem intense år med kopiering og lån, skriver mange eksemplarer berømte malerier fra Louvre og forsøgte at finde sin egen stil. Den dengang dominerende passion for impressionisme gav Matisse mulighed for at finde ud af, hvordan form- og farvepaletten skulle overføres.

Kunstkritikere fra disse år bemærkede, at Matisse havde et ejendommeligt udbud af farver i sine lærreder, lavet i en impressionistisk stil. Kunstneren var karakteriseret ved brugen af lyse, stærke, let buede streger med en overvægt af usædvanligt lyse, mættede farver.

Synes godt om berømte mester Impressionisme Paul Signac, Matisse er glad for pointillisme - en form for impressionisme, der bruger adskillige desintegrerende prikker til at formidle et billede. Det var denne stil, der hjalp kunstneren til endelig at vælge fauvisme som den mest egnede måde for ham at afspejle den omgivende virkelighed.

Faktisk var Matisse den egentlige grundlægger af fauvismen. Den franske oversættelse af dette udtryk er "vild". Dette ord korrelerer med begrebet - "gratis", det vil sige ikke underlagt almindeligt accepterede regler.

Begyndelsen på Matisses triumf kan betragtes som hans maleri "Woman in a Green Hat", udstillet af kunstneren i 1904. På lærredet så beskueren et næsten fladt billede af en kvinde med et ansigt adskilt af en grøn stribe. Således forenklede Matisse billedet så meget som muligt, så kun én farve kunne dominere.

Det var farvens udbredelse over form og indhold, der blev fauvismens hovedprincip. Essensen af denne stil var stærkt påvirket af Matisses passion for eksotiske kunstformer. Kunstneren rejste meget, bl.a afrikanske kontinent. Stammernes primitive, men ejendommelige kunst gjorde indtryk på ham og satte skub i den yderligere forenkling af billedet i malerierne.

Saftigheden af farver på Matisses lærreder blev lånt fra lyse orientalske arabesker. Derfra strakte kunstnerens fascination af odalisker, arabiske konkubiner-dansere, hvis billeder han viste i sine malerier indtil de sidste år af sit liv. Det er også kendt, at efter møde med russisk filantrop Sergei Shchukin Matisse blev interesseret i gammelt russisk ikonmaleri.

På invitation af Shchukin kommer Matisse til Rusland og maler derefter sit mest berømte lærred, "Dance", på sin ordre. En slags "tvilling" af dette billede er "Musik". Begge lærreder afspejler fauvismens essens - naturlighed menneskelige følelser, renheden af overførslen af følelser, karakterernes oprigtighed, farvens lysstyrke. Kunstneren bruger praktisk talt ikke perspektiv og foretrækker lyse røde og orange nuancer.

Matisse overlevede to verdenskrige, men på trods af de strabadser, han oplevede, mistede han ikke den oprigtighed, som han søgte at legemliggøre i sine malerier. Det er for den barnlige umiddelbarhed, åbenhed og entusiastiske lysstyrke af hans lærreder, at kunstneren stadig er elsket af kendere af maleri.

Matisse (Matisse) Henri Emile Benois (31/12/1869, Le Cateau, Picardie, - 11/3/1954, Cimiez, nær Nice), fransk maler, grafiker og billedhugger.

Farvevirkningen af Matisses malerier er ekstremt stærk; reaktionen er dog negativ, men altid meget intens. Hans malerier er klangfulde, højlydte fanfare, nogle gange øredøvende. De forårsager ikke længere rolig beundring, men visuelle paroxysmer, dette er ikke en "øjets ferie", men et uhæmmet orgie.

Med hvilke midler opnår Matisse en så stærk farveeffekt? Først og fremmest ekstremt understregede farvekontraster. Lad os overlade ordet til kunstneren selv: "I mit maleri "Musik" er himlen malet i smuk blå, den blåste af blues, flyet er malet med en farve så mættet, at blå er fuldt ud manifesteret, ideen om absolut blå; rent grønt blev taget for træerne, ringende cinnober for ligene. Speciel funktion: Formen blev ændret i overensstemmelse med påvirkningen af nabofarveplaner, fordi udtrykket afhænger af farveoverfladen dækket af beskueren som helhed.

Efter at have modtaget en juraeksamen arbejdede han som advokat (1889-1891) Han studerede i Paris - ved Julian Academy (siden 1891) hos A.V. .Moro; kopierede værker af gamle franske og hollandske mestre. Han var påvirket af neo-impressionismen (hovedsageligt P. Signac), P. Gauguin, kunsten i det arabiske øst, til en vis grad - gammelt russisk ikonmaleri (en af de første i Vesten, der satte pris på det) kunstnerisk fortjeneste; besøgte Moskva i 1911). Efter at have stiftet bekendtskab med impressionisternes, post-impressionisternes og den engelske maler J. Turners arbejde, begynder A. Matisse at bruge mere mættede farver og foretrækker lyse farver ("Bois de Boulogne", ca. 1902, Pushkin Museum, Moskva; "Luxembourg Garden", ca. 1902, Hermitage , Sankt Petersborg). Han var stærkt påvirket af P. Cezannes kunst ("Nøgen. Tjener", 1900, Museum samtidskunst, New York; "Skåle på bordet", 1900, Eremitage, St. Petersborg).

I 1905-07 lederen af fauvismen. I den berømte parisiske efterårssalon 1905 udstillede han sammen med sine nye venner en række værker, blandt dem "Kvinden i den grønne hat". Disse værker, som gjorde en skandaløs sensation, lagde grundlaget for fauvismen. På dette tidspunkt opdager Matisse skulpturen af Afrikas folk, begynder at samle den, er interesseret i klassiske japanske træsnit og arabisk dekorativ kunst. I 1906 afsluttede han arbejdet med kompositionen Livsglæde, hvis handling var inspireret af digtet En fauns eftermiddag af S. Mallarme: plottet kombinerer motiver af pastoralisme og orgie. De første litografier, træsnit, keramik dukker op; fortsætter med at forbedre tegningen, primært lavet med pen, blyant og kul. I grafikken af Matisse er arabesken kombineret med en subtil overførsel af naturens sensuelle charme.

Startende fra anden halvdel af 1900-tallet, hævder Matisse ny type kunstnerisk udtryksevne, ved hjælp af en lakonisk, skarp og på samme tid fleksibel tegning, en skarpt rytmisk komposition, en kontrasterende kombination af få farvezoner, men intenst lys og lokal (paneler til SI Shchukins palæ i Moskva "Dance" og "Music", begge - 1910, Hermitage, Leningrad), dengang rig på nuancer af en grundtone, gennemskinnelig og skjuler ikke lærredets tekstur ("Kunstnerens værksted", 1911, Pushkin Museum of Fine Arts, Moskva).

I 1908-1912 bygger Matisse næsten udelukkende ren farve (i sjældne tilfælde bruger han overgange, blandede toner) sine malerier på tre primære toner. "Satyren og nymfen" er en konsonans af grøn, pink og blå, "Dans" er blå, grøn og rød, stilleben er bygget på konsonanserne af lilla, gul og rød eller blå, lilla og pink. Så, omkring 1912, går han videre til fire lyde af farver, hvor en af de fire toner i billedet får en meget lille plads: "Tanger" - blå, orange, pink, rød, "På terrassen" - lilla, grøn , lyserød, blå. "Indgang til Kazba" - rød, blå, grøn, lyserød. V senere år han tyer til mere komplekse kombinationer og udvider sin palet markant og introducerer et større udvalg af nuancer.

Her er det vigtigt at afsløre betydningen af Matisses ord om samspillet mellem rene toner. Når vi taler om nuancer, betyder Matisse selvfølgelig ikke gradueringer af mætning af tone - hvide, som også er mulige, når du bruger ren farve (i italienske og russiske primitiver). Han ser heller ikke ud til at have de imaginære nuancer i tankerne, som beskueren må opfatte, når mættede farveplaner støder sammen, en slags ekko af den neo-impressionistiske teori om optisk farveblanding. Denne vibration er for lille, og fornemmelsen af mellemliggende nuancer er forbigående. Her taler vi naturligvis om behovet for at indføre overgangstoner, som Matisse kom til senere.

Arbejder i ren farve, Matisse, som enhver maler, ønsker at undgå monotoni - antitesen af maleriskhed, men han lykkes ikke altid, og nogle af hans ting er præget af monotoni (panel "Musik"). På den anden side, i 10'erne, ønsker han at bevare renheden af farve uden fejl. Han undgår at blande farver og tyer til en teknik, der ligner de gamle mestres glasering, idet han lægger sig på mørk maling lysere, for eksempel på pink - hvid, på blå - lilla osv. Så, for at få malingen til at vibrere, gnider han den kraftigt ind i lærredet, i stedet for at bruge hvid, får den den til at skinne igennem.

Det uophørlige arbejde med tegningen gjorde det muligt for Matisse at blive en virtuos af penslen. Konturerne i hans malerier tegnes trygt med et enkelt streg. Hans malerier ligner ofte (især i reproduktioner) penseltegninger. Deres effekt hviler ofte på et mesterligt, modigt præg.

Nogle gange bruger han lag af forskellig tæthed (for eksempel i "Pige med tulipaner"), og skubber en farve frem på bekostning af en anden. En række værker fra 1912 er dog malet med en glat, monoton tekstur. Hvis overfladen på nogle Matisse-malerier kan virke tør og ensformig, tyder det ikke på en tilsidesættelse af maleriets materiale, utænkeligt i stor kunstner, men om en ejendommelig frygt for vold mod materialet. For Matisse som dekorationskunstner er billedets enhed med dets bund, lærredet, hvis hvidhed og struktur tages i betragtning af ham på samme måde som vægmaleristen tager højde for væggens overflade, især vigtig. Men når man husker på grundlaget, glemmer Matisse nogle gange alt om malingen i sig selv, om oliemaleriets særlige egenskaber og muligheder.

Af særlig betydning er teknikken med ufuldstændigheder af detaljer, som især er mærkbar i "The Maroccan", "The Ball Game" og andre ting; farven på de steder, som kunstneren ønskede at overdøve, er ikke mere kedelig, men et blankt lærred efterlades (hvilket nogle gange gøres for at få lyset frem), eller detaljen efterlades ufærdig (for det meste arme, ben osv. .). Matisse er begrænset til mat, flydende maling og er ikke opmærksom på særlig opmærksomhed fakturaproblemer. Dette er et utvivlsomt hul i hans arbejde, især sammenlignet med hans mangeårige hårde arbejde med farvekontraster, en slags videnskabeligt arbejde om studiet af den psykofysiske reaktion på en bestemt farvekontrast. Matisse er ikke tilfreds med systemet af yderligere toner opdaget af Delacroix, reduceret til et system af impressionisterne. Han leder efter dissonanser, skrigende, skarpe harmonier; der er en mulig parallel med samtidsmusik Stravinsky, Strauss osv. Han er ligesom disse komponister ramt af angst, psykologisk ustabilitet og overdreven skærpelse af den moderne borgerliges følelser.

På den beherskede og strenge måde af Matisses værker i 2. halvdel af 10'erne er kubismens indflydelse mærkbar ("Music Lesson", 1916-17, Museum of Modern Art, New York); 20'ernes værker er tværtimod kendetegnet ved den vitale umiddelbarhed af motiver, farvediversitet og skrivningens blødhed (Odalisques-serien). I 30-40'erne opsummerer Matisse så at sige tidligere perioders opdagelser og kombinerer fauvismens søgen efter fri dekorativitet med en analytisk klar konstruktion af kompositionen (frise i Barnes Museum "Dance", 1931 -32, Merion, Philadelphia, USA), med subtilt nuanceret farvesystem ("Plum Tree Branch", 1948, privat samling, New York).

Matisses arbejde har som helhed en række fællestræk. I et forsøg på at imødegå den turbulente spænding i livet i det 20. århundrede Evige værdier væsen, han genskaber dens festlige side - verden af endeløs dans, fredfyldte fred af idylliske scener, mønstrede tæpper og stoffer, mousserende frugter, vaser, bronzer, kar og figurer. Målet med Matisse er at fange beskueren ind i denne sfære af ideelle billeder og drømme, at formidle til ham en følelse af fred eller en vag, men fortryllende angst. Den følelsesmæssige påvirkning af hans maleri opnås primært af den ekstreme mætning af farveskemaet, musikaliteten af lineære rytmer, der skaber effekten af den indre bevægelse af former, og endelig den fuldstændige underordning af alle komponenter i billedet, for hvilke emnet bliver nogle gange til en slags arabesk, en klump af ren farve ("Red Fish", 1911; "Still life with a shell", 1940; begge værker - i Pushkin Museum of Fine Arts).

Matisse opnår integritet og samtidig billedlig mangfoldighed, først og fremmest ved at realisere en ægte og organisk sammenhæng mellem farve og form - lineær-plan. Farven dominerer så meget over formen hos ham, at den kan betragtes som det sande indhold i hans malerier, og alt andet er blot en funktion af blændende, kraftfulde farver. Tegning som sådan i Matisse var altid underordnet kvaliteten af hans farve, udviklingen af linjen gik parallelt med udviklingen af hans billedkvaliteter. I løbet af perioden med de første søgninger er den noget træg og omtrentlig ("Dinner Table"), dens tegning bliver gradvist mere og mere skarp og udtryksfuld. Matisse maler meget og utrætteligt ud fra naturen, der er hundredvis af hans tegninger, han er en sand tegningsvirtuos. Hans dygtighed er tydeligt tydelig i enhver af hans livlige, heftige skitser af modeller. Bemærkelsesværdig er først og fremmest den nøjagtighed, hvormed han placerer figuren på arket, idet han straks finder en overensstemmelse mellem dens proportioner og papirets plan. Selv hans skitser er kompositoriske; de passer normalt ind i en udtryksfuld arabesk, der skærer planet diagonalt. Et stykke natur af en modtagelig kunstner synes straks at blive forvandlet til et spil af dekorative pletter og streger; samtidig formindskes vitaliteten dog slet ikke, men understreges derimod skarpt. Uden at tænke på detaljerne griber Matisse selve bevægelsesaksen, generaliserer genialt kroppens kurver, giver integritet og regelmæssighed til artikulationen af former. Matisses tegninger er så skarpe, dynamiske, forenklede og kortfattede, deres plasticitet er så ejendommelig, at de ikke kan blandes med andre værker af berømte tegnere fra hans tid. I livlighed og spontanitet er de ikke ringere end japanske, i dekorativitet - til persiske miniaturer, i udtryksfuldhed af linjer - til Delacroix' tegninger. Desuden er de slet ikke baseret på "virtuositet", ikke en forkærlighed for spektakulære streger - de er konstruktive i egentlig forstand, fordi de afslører den plastiske form med fuld overtalelsesevne.

Som grafiker, der arbejder med pen, blyant, kul, i teknikken ætsning, linosnit og litografi, arbejder Matisse hovedsageligt med en tynd linje, nogle gange intermitterende, nogle gange lang og rund, der skærer gennem en hvid eller sort baggrund [serier "Temaer og variationer", kul, pen , 1941; illustrationer: til "Digte" af Mallarmé, til "Pasiphae" de Monterlant, til "Kærlighedsdigte" af Ronsard]. I 1940'erne tyede Matisse ofte til teknikken med farvet papir (Jazz-serien, 1944-47). Matisse henvendte sig til skulptur fra begyndelsen af 1900-tallet, men især ofte i 20-30'erne (relief "Nøgen kvindefigur fra ryggen", bronze, 1930, Kunstmuseum, Zürich). Sidste arbejde Matisse - indvendig udsmykning (herunder farvede glasvinduer) af rosenkranskapellet i Vence, nær Nice (1953). Matisse døde i Cimiez nær Nice den 3. november 1954.

En fremragende tegner, Matisse var en kolorist par excellence, der opnåede effekten af sammenhængende lyd i sammensætningen af mange intense farver. Såvel som malerier kendt for sine geniale tegninger, graveringer, skulpturer, tegninger til stoffer. En af større værker design og farvede glasvinduer i det dominikanske rosenkranskapel i Vence (1951) blev kunstneren.

franske kunstnere slutningen af XIX- begyndelsen af det 20. århundrede var meget delvist at danse. Degas yndefulde ballerinaer og de flotte primas fra Toulouse-Lautrec-kabareten er blot forskellige inkarnationer af det fashionable danse tema. Den store Henri Matisse var ingen undtagelse. "Jeg elsker dans meget højt. Dans er en fantastisk ting: liv og rytme. Det er nemt for mig at leve med dans," indrømmede mesteren. Og selvom billederne af Matisse er fremmede for realismen, og hans dekorative lærreder ikke har meget til fælles med bronzepiger i tutus, opstod dansetemaet uvægerligt på alle vendepunkterne på hans kreative vej.

Den første runddans dukkede op i kunstnerens tidlige lærred "Livets glæde". Dette tema fandt sin udvikling 4 år senere, da Matisse begyndte at arbejde på de gigantiske paneler "Dans" og "Musik", bestilt af den berømte russiske samler og filantrop S. I. Shchukin. Men allerede før det, i 1907, lavede mesteren et trærelief med dansende nymfer og flere forfattervaser af samme motiv. Derefter gik Matisse i gang med at skabe et monumentalt lærred til Shchukins palæ i Moskva.

"Da jeg skulle lave en dans for Moskva, tog jeg bare til Moulin de la Galette i søndags. Jeg så, hvordan de danser. Jeg kunne især godt lide farandole ... Da jeg vendte tilbage til mit værelse, komponerede jeg min fire meter lange danse, synge det samme motiv". Lyse røde figurer, der cirkulerede i en skør runddans, glædede ikke kun kunden, men bragte også velfortjent berømmelse til skaberen af billedet. Det er ikke tilfældigt, at Matisse næsten et kvart århundrede senere vender tilbage til temaet dans.

Ordren, der blev modtaget i 1930 fra den berømte amerikanske samler Albert Barnes, var faktisk ikke let: Det dekorative lærred skulle placeres i buede hvælvinger over vinduerne. Den eminente klient overlod klogt nok valget af tema og teknik til kunstnerens skøn. Men ved at vende sig til sit yndlingsemne skabte Matisse et værk, der på ingen måde ligner det dynamiske og spektakulære "Shchukin"-panel.

Parisisk dans "blev udtænkt af Matisse i halvfjerdserne. Ikke desto mindre betragtes den som et af kunstnerens mest vovede og innovative værker. Og alt sammen fordi forfatteren, især for denne orden, opfandt og udviklede den originale decoupage-teknik (som på fransk betyder" udskåret"). Som et kæmpe puslespil blev billedet samlet af separate fragmenter. Fra ark tidligere malet med gouache klippede maestroen personligt figurer eller stykker af baggrunden ud med en saks, som derefter (ifølge tegningen blev markeret) med trækul) fastgjort til basen med stifter Denne teknologi involverede en hurtig udskiftning af en. Den sidste fase - påføring af maling på lærredet - fandt sted ved hjælp af en maler, der handlede efter anvisninger fra kunstneren.

Decoupage-værker betragtes som mesterværker fra den sene og meget sene Matisse. Da han allerede var en syg gammel mand, sengeliggende, slap han ikke saksen og krævede konstant farvet papir.

Faktisk findes panelet "Parisisk dans" i tre versioner. Den tidligste, men ufærdige version er i det væsentlige en forberedende undersøgelse. Med det andet, næsten afsluttede fuldgyldige værk, kom der en offensiv fejl: Matisse lavede en fejl i rummets størrelse, og hele lærredet skulle omskrives igen. Den endelige version blev godkendt af kunden og rejste med succes til udlandet. Og det forrige, "defekte", bragte kunstneren i tankerne og gav i 1936 plads for et beskedent honorar til Museum of Modern Art i Paris.

I dag betragtes "Pariserdansen" med rette som perlen i museets samling - det var ikke for ingenting, at der blev bygget en særlig sal til at vise det gigantiske lærred. Maleriet var stramt fastgjort over tre vinduer i buede hvælvinger, og til museumsdirektørens ærlige indrømmelse "indebærer det ikke mulighed for transport."

Men her var indbyggerne i Skt. Petersborg og Moskva utrolig heldige: Museet for moderne kunst i Paris blev lukket for en langsigtet genopbygning. Det unikke panel blev sendt til Rusland med en storslået gestus: Først hang det i tre måneder i State Hermitage Museum, og nu (fra 6. september) ankommer det til Pushkin State Museum of Fine Arts. Og en mere interessant detalje: i færd med at arbejde på "Parisian Dance" mødte Henri Matisse en simpel russisk kvinde, Lidia Nikolaevna Delektorskaya, som først blev sekretær, derefter en uundværlig assistent og sygeplejerske, og derefter - kunstnerens nærmeste ven og sidste muse. I oktober 1933 flyttede Lydia Delektorskaya til Matisses hus og "blev" der i næsten 22 år, indtil den store mester døde.

Matisses paneler "Dance" og "Music", som gjorde en skandaløs sensation ved udstillingen af Paris Autumn Salon i 1910, blev bestilt af den russiske industrimand og samler S. Shchukin, der allerede var kendt i Frankrig, som inviterede Matisse til Moskva , introducerede ham til V. Bryusov , V. Serov, N. Andreev, gjorde det muligt at se gamle russiske ikoner, hvorfra den franske kunstner var henrykt.

Sådan forekom ideen med disse to lærreder for Matisse: "Jeg forestiller mig en indkommende gæst. Første sal åbner sig foran ham. Han skal gå længere, gøre en indsats, han skal inspirere til en følelse af munterhed. Mit første panel forestiller en dans, en runddans på en bakketop.På anden sal er du allerede inde i huset, stilhedens ånd hersker her, og jeg ser musikkens scene med opmærksomme lyttere ... Matisse så også den tredje scene, som legemliggjorde fuldstændig fred.

Hovedopgaven for ham var at opnå integriteten af disse staffeli-malerier, som havde lidt at gøre med det arkitektoniske og dekorative ensemble. I begge kompositioner kan man mærke ekkoet af de fauistiske kompositioner af Matisse, lavet under direkte indtryk af de franske folkedanser, han så i Sydfrankrig.

De, der kendte kunstneren godt, sagde, at selvom Shchukin ikke havde bestilt ham en anden komposition, ville den stadig være blevet født. I den dynamiske, hektiske "Dance" kan man ane komplekse forkortninger, en usædvanlig sammenvævning af hænder og kroppe, og i "Musikken", som er modsat i rytmen, er grundlaget for den kompositoriske løsning ikke dynamik, ikke bevægelse, men absolut ubevægelighed af isolerede, frontalt placerede figurer. To lærreder, det ene med fem dansere, det andet med fem siddende ildfigurer, ligner hinanden med hensyn til farvesammensætning, flad læsning af formen, abstrakt tema, men modsat i rytmen. Matisse, som han selv skrev, farvede sine malerier "til mætning, så ... det blå er fuldt ud afsløret, ligesom ideen om absolut blå."

Efter at "Dans" og "Musik" forårsagede en skandale på Efterårssalonen, nægtede S. Schukin at samle dem op og forklarede dette med ubeskedenhed i undersøgelsen af nogle figurer. Unge piger havde netop slået sig ned i hans hus, og han ville ikke gøre dem forlegne. Men efter et stykke tid ændrede han mening. Matisse var dog nødt til at lægge lidt rød maling på figuren af en drengefløjtenist for at skjule tegnene på sex. Nu er Matisses paneler "Dans" og "Musik" udstillet i Statens Eremitagemuseum i St. Petersborg.

Henri Matisse var glad for impressionisterne og neo-impressionisterne, Gauguin, kunsten i det arabiske øst, i en alder af 35 blev han leder af fauvisterne. Hans farveskema er elegant og raffineret, og meget musikalske lineære rytmer skaber effekten af indre bevægelse. Ingen af Matisses tilhængere formåede at opnå en så fuldstændig kompositorisk og dekorativ underordning af alle billedets elementer, som han gjorde, han forbliver fuldendt mester dekorativt maleri. Han skabte selv sin egen unikke verden af musik, ivrig dans, verden af funklende figurer, vaser og frugter, en verden af fredfyldt fred og glædelig glemsel.

Henri Matisse blev født den 31. december 1869 i det nordlige Frankrig i Cateau-Cambresy og tilbragte sin barndom i Boen-en-Vermandois. Hans far var kornhandler og drømte, at hans søn ville blive advokat. Matisse efter Lyceum Saint-Quentin studerede jura i Paris, arbejdede med en advokat i Boen-en-Vermandois. For første gang prøvede han at male, efter at han blev indlagt på hospitalet og blev opereret for at fjerne blindtarmen. I en alder af 20 begyndte han at tegne på École Ventin de la Tour, og tog i 1891 til Paris, hvor Bouguereau og Ferrier forberedte ham til at komme ind på École des Beaux-Arts. Ved aftenkurser på School of Decorative Arts mødte han Albert Marquet, gik ind i Gustave Moreaus værksted på School of Fine Arts. Han kopierede meget i Louvre, rejste til Bretagne og udstillede i 1897 et af sine mest betydningsfulde impressionistiske værker, maleriet Dessert, på Salonen for National Society of Fine Arts.

Matisse blev ofte kaldt en møllers søn og mand. I 1898 giftede han sig med Amelia-Noé-mi-Alexandrine Praier, en smuk høj sydstatskvinde. Og sammen tog de til London, hvor Matisse først så værkerne af "solens herald", en romantiker, som blev idoliseret af impressionisterne - Turner. En af Matisses venner huskede, at Matisse sagde, at han elskede London, fordi "han først mødte ham i sit Bryllupsrejse".

Efter London tog kunstneren til Korsika, til Toulouse. Da Moreau døde, forlod Matisse School of Fine Arts og begyndte i samme 1899 at gå på Carriera Academy, tog skulptur (ved aftenkurser). Blandt hans venner var Pissarro, Derain, Puy, Marquet, med hvem han malede en dekorativ frise, Mignac, Cross, Maillol og andre berømte kunstnere fra den tid.

I 1901 begyndte Matisse at udstille sit arbejde på Salon des Indépendants, Bertha Weil Gallery, Salon d'Automne. I 1904 arbejdede Matisse med Signac og Cross og var fascineret af divisionisme, et malerisystem baseret på den metodiske nedbrydning af en kompleks farvetone til rene farver, fastgjort på lærredet med separate streger, baseret på deres optiske blanding under visuel perception.

Og i 1905 blev Matisse leder af en ny retning - fauvisme. På efterårssalonen udstillede Manguin, Puy, Marquet, Derain, Vlaminck, Valta med ham, som delte hans syn på maleri, ligesom han, forsøgte at fokusere på farveskemaet i deres kompositioner, byggede dem på forholdet mellem lyse lokale farver pletter.

I 1906 udstillede Matisse på Salon des Indépendants en af sine største kompositioner, Livsglæden, som senere tjente som grundlag for paneldansen. I denne tid lavede han træsnit og litografier. Jeg tog til Algeriet et stykke tid og derefter til Italien.

I 1907 brød Fauvistgruppen op, og Matisse åbnede sit værksted. Hans malerier er udstillet i New York, Moskva, Berlin. Han udgiver Notes of a Painter og slår sig ned i Issy-les-Moulineaux, en forstad til Paris.

I 1910 udbrød en skandale i Efterårssalonen på grund af hans paneler "Dans" og "Musik". I 1911 besøgte Matisse Moskva, i 1912 - Marokko begyndte at udstille skulpturer. Siden da er hans personlige udstillinger blevet afholdt i mange byer rundt om i verden, og Bernheim-Jeune Gallery arrangerede regelmæssigt hans personlige udstillinger.

I 1920 lavede Henri Matisse efter anmodning fra S. Diaghilev modeller af kulisser og kostumedesign til russiske balletter.

I 1921 flyttede han til Nice, begyndte at arbejde videre bogillustrationer og efter ordre fra amerikaneren Barnes lavede han et monumentalt maleri-panel "Dance", som blev installeret i byen Merion i 1933.

Kunstnerens søn Pierre åbnede sit galleri i New York, hvor han udstillede sin fars værker. Efter at have gennemgået en alvorlig operation i 1941, i de sidste år Matisse arbejdede mere som bogkunstner, blev interesseret i collager.

Matisse holdt mest af alt af at male blomster, træer og kvinder. Sådan skrev han selv om sit arbejde: "Jeg er fuldstændig afhængig af min model, som jeg studerer, når den er fri for posering, og først derefter beslutter jeg mig for at vælge en positur til den, der passer bedst til dens essens. Når jeg tager en ny model, jeg Jeg ser en passende stilling til hende, når hun er i en tilstand af afslapning og fred, og jeg bliver en slave af denne kropsholdning. Jeg arbejder med disse piger nogle gange i mange år, indtil interessen tørrer op. Mine plastikskilte måske udtrykke dem sindstilstand... som interesserer mig ubevidst..."

Derfor er hans kvinder som blomster, og blomster er som levende mennesker...

Matisse gav et nyt syn på verden. Hvis store Leonardo da Vinci hævdede, at maleriets vigtigste mirakel er evnen til at formidle volumen af en ting, så oversatte Matisse alt til et fly. Æblet blev fra en kugle til en cirkel. Matisse tog dybden fra maleriet og begyndte at ændre naturen for at få den til at stemme overens med hans tanker. Han kunne underordne den menneskelige figur til ornamentets linje, som det sker i hans "Red Room", han kunne flytte figuren i forhold til støtten - det gjorde han i "Standing Dawn". Selv hans gulv blev pludselig skrånende, og farverne gav en fysisk fornemmelse af flydende varm luft ("Indgang til Kozba") eller kølig rent vand i akvariet ("Røde fisk").

Med hvilken glæde tegnede Matisse mønstre orientalske tæpper hvor omhyggeligt han opnåede nøjagtige, harmoniske farveforhold! Smuk, fuld af mystisk indre lys og hans stilleben, portrætter, nøgenbilleder.

Kunsthistorikere siger, at hvis Matisse ikke havde været maler, ville han være kommet ind blandt de ti bedste franske billedhuggere. Han var den første, der anvendte deformation for udtrykkets skyld, og som han selv indrømmede, hvis Mayol som antikkens mester arbejdede i bind, var han ligesom renæssancens mestre fascineret af arabesker og opnåede en udsøgt silhuet linje. En af de mest berømte bronzestatuer af Matisse "Large Seated Nude" blev skabt i 20'erne - samtidig med hans malerier "Odalisque" og "Nude Seated on a Blue Cushion".

Samtidige sagde, at når Matisse skulpturerede, vædede han leret for ofte, og på grund af dette, når maskinen blev drejet, faldt figurerne ofte og faldt sammen. Så tog Matisse en børste og overførte sit plastiksyn til lærredet.

Et af Henri Matisses sidste store værker var designet af rosenkranskapellet i Vence nær Nice, hvor han arbejdede fra 1948 til 1951 som arkitekt, som maler, som billedhugger og som dekoratør.

Tegning, usædvanlig, let, plastik, har altid indtaget et af de vigtigste steder i Matisses arbejde. I 1920'erne var hans tegninger veludviklede og konkrete, senere blev han interesseret i penseltegninger, som viste sig at være overraskende farverige. I 1919, blandt hans tegninger, optræder "temaet om en hat med strudsefjer", i 1935 - "temaet spejle", i 1940 - "temaet for en kvinde i en lænestol", og i 1944 - "temaet" af ferskner". I tegneteknikken - monumental, billedligt plastisk - blev hans sidste maleri i "Rosekransens Kapel" også lavet.

Louis Aragon skrev i sin usædvanlige roman Henri Matisse:

Hele livet

Tegn ham et ord, der lyder i ham ...

I 1952 blev Henri Matisse-museet åbnet i Cateau-Cambresy. Åbnet under kunstnerens liv.

I en artikel med titlen "Du skal se på verden gennem et barns øjne," afslørede Henri Matisse hemmeligheden bag friskheden og charmen ved hans værker: "Jeg tror, at der ikke er noget sværere for en kunstner end at male en rose, men han kan kun skabe sin egen rose ved at glemme alle roser skrevet før ham ... Det første skridt til kreativitet er at se det sande udseende af hvert objekt ... At skabe betyder at udtrykke det, der er i dig.

Farvernes lysstyrke, teknikkens enkelhed, udtryk - malerierne af den franske kunstner Henri Matisse forbløffer med deres originalitet. Fauvismens leder prøvede en bunke trends inden for billedkunsten, før han fandt sin egen stil, præget af en "vild" karakter.

Barndom og ungdom

Fødestedet for den store kunstner er den nordlige by Le Cateau-Cambresy i Frankrig. Her blev den førstefødte i 1869 født i familien til en succesfuld kornhandler, som hed Henri-Emile Benoit Matisse. Barnets skæbne var en selvfølge - dengang var den første arving i familien forpligtet til at overtage faderens virksomhed i fremtiden. Men tilsyneladende arvede drengen generne fra sin mor, som elskede at være væk fritid til maling af keramisk kunsthåndværk.

Henri var forberedt på fremtiden i detaljer, han studerede i skolen og derefter på Lyceum. Yderligere rejste den stædige søn, mod familiens overhoveds vilje, til Paris for at forstå juridiske videnskaber. Med et diplom langt fra kunsten vendte han hjem, hvor han i flere måneder arbejdede som kontorist.

Sygdom afgjorde skæbnen. Kreativ biografi begavet kunstner begyndte i 1889, da Henri Matisse faldt under kirurgens kniv med blindtarmsbetændelse.

Kom sig efter operation i to måneder. For at hans søn ikke skulle kede sig, bragte hans mor tegneartikler til hospitalet, og Matisse begyndte entusiastisk at kopiere farvepostkort. På dette tidspunkt forstod den unge mand endelig, hvad han ville vie sit liv til.

Maleri

Drømmen om at blive elev på Moskvas kunstskole blev ikke givet. Henri mislykkedes sin debutoptagelse, så han måtte først sidde ved skrivebordene på andre uddannelsesinstitutioner, hvor han blev introduceret til det grundlæggende i maleriet. Og alligevel, i 1895, overgav "fæstningen" sig - sammen med den fremtidige berømte kunstner Albert Marquet gik Matisse ind på den eftertragtede School of Arts i Gustave Moreaus værksted.

Interessekredsen i begyndelsen af kreativiteten omfattede samtidskunst, Henri Matisse var også nysgerrig efter den japanske retning. Som symbolist til marven af sine knogler sendte Moreau sine elever for at lære at "lege med farver" på Louvre, hvor Henri forsøgte at efterligne maleriets klassikere ved at kopiere malerier. Mesteren lærte at "drømme om farve", hvor kunstneren Matisse havde en passion for at finde passende nuancer til at formidle følelser.

V tidligt arbejde en blanding af Moreaus lære med lånte elementer fra anerkendte mestre af børsten er allerede dukket op. For eksempel er stilleben "Bottle of Schiedam" tvetydig: på den ene side giver mørke farver en efterligning af Chardin, og brede streger og en blanding af sort og sølv -. Henri indrømmede senere:

”Jeg opfatter farvens ekspressive side rent intuitivt. Bestået efterårslandskab, Jeg vil ikke huske, hvilke farvenuancer der er egnede til denne tid af året, kun efterårets fornemmelser vil inspirere mig ... Jeg vælger farver ikke efter nogen videnskabelig teori, men efter følelse, observation og erfaring.

Studiet af klassikerne kedede hurtigt kunstneren, og han henvendte sig til impressionisterne, især han beundrede lærrederne. Farve ind tidligt arbejde stadig kedelig, men gradvist ved at blive saftig, begyndte tiltrækningen af impressionisme at forvandle sig til sin egen unikke stil. Allerede i 1896 i kunst saloner begyndermalerens første kreationer begyndte at dukke op.

Først personlig udstilling slog ikke til i kunstkendernes kredse. Henri Matisse besluttede at forlade Frankrigs hovedstad længere nordpå, hvor han prøvede teknikken med prikkede slag. På dette tidspunkt kom det første mesterværk under hans pen - "Luksus, fred og fornøjelse." Men manden fandt ikke denne skrivestil "indfødt".

Revolutionen i kunstnerens arbejde kom i 1905. Matisse skabte sammen med en gruppe ligesindede en ny stil i maleriet, kaldet fauvisme. Farvernes energi, der blev præsenteret på udstillingen i efteråret, chokerede publikum. Henri præsenterede to værker - portrættet "Kvinde i hat" og maleriet " Åbnet vindue».

En bølge af indignation faldt over kunstnerne, udstillingens besøgende forstod ikke, hvordan det var muligt at negligere alle traditionerne for kunst så meget. Grundlæggerne af stilen blev døbt fauvister, det vil sige vilde.

En sådan opmærksomhed, omend negativ, bragte imidlertid Matisse popularitet og gode udbytter: malerierne fik fans, der købte dem med glæde. For eksempel tog den amerikanske forfatter Gertrude Stein straks "Kvinden i en hat" med på udstillingen, og maleriet "Livsglæden", som dukkede op i 1906, blev købt af den berømte samler Leo Stein.

Det skete lidt senere væsentlig begivenhed- kunstneren mødte en endnu ukendt kommunikation resulterede i årtiers venskab, hvor penslens mestre konkurrerede med hinanden. Picasso sagde, at nogen af dems død vil være et uopretteligt tab for alle, fordi der ikke er andre til at diskutere nogle kreative spørgsmål så voldsomt.

De to mest berømte lærreder- "Dans" og "Musik" - skrev Matisse for filantropen Sergei Shchukin. Russeren bestilte malerier til et hus i Moskva. Kunstneren, der arbejdede på skitser, satte sig som mål at skabe noget, så den, der kom ind i palæet, følte lettelse og fred. Interessant nok overvågede Henri personligt redigeringen af malerierne - franskmanden ankom til hovedstaden i Rusland, hvor han blev modtaget med entusiasme. Kunstneren selv var imponeret over samlingen af gamle ikoner fra ejeren af huset og russernes enkelhed.

Tilsyneladende fik kunstneren et godt honorar, for han tog straks på tur. besøgt orientalsk fortælling Algeriet, og efter hjemkomsten satte han sig straks på arbejde - maleriet "Blå nøgen" så lyset. Denne tur gjorde et uudsletteligt indtryk på Matisse, nye elementer dukker op i hans arbejde, manden laver litografier, graveringer på keramik og træ.

Østens charme slap ikke, franskmanden fortsatte med at blive bekendt med Afrika efter at have rejst til Marokko. Og så tog han en tur til Europa og Amerika. På dette tidspunkt begyndte hans arbejde gradvist at miste tegnene på fauvisme, fyldt med subtilitet og særlig dybde, en forbindelse med naturen dukkede op.

Under Anden Verdenskrig blev kunstneren diagnosticeret med onkologi; efter operationen kunne manden ikke bevæge sig. På det tidspunkt opfandt Matisse en ny retning inden for decoupage, som er baseret på at tegne billeder fra stykker farvet papir.

Henri Matisse satte en stopper for arbejdet med et storstilet designprojekt kloster i Vence. Det siges, at kunstneren kun blev bedt om at redigere glasmosaikskitserne, men han smøgede begejstret ærmerne op og skabte et komplet projekt. Forresten betragtede manden dette værk som et slags tegn på skæbnen i slutningen af sit liv og det bedste i sin sparegris af kunstneriske værker.

Personlige liv

Henri Matisses personlige liv var udsmykket af tre kvinder. I 1984 blev kunstneren far for første gang - modellen Carolina Zhoblot gav den talentfulde maler en datter, Margarita. Henri giftede sig dog slet ikke med denne pige.

Den officielle kone var Amelie Pareira, som repræsentanten for maleriets verden mødte ved en vens bryllup. Pigen fungerede som brudepige, og Henri blev ved et uheld sat ved siden af bordet. Amelie blev ramt af kærlighed ved første blik, den unge mand begyndte også at vise tegn på opmærksomhed. Pigen blev den første tætte person, der troede på hans talent betingelsesløst.

Før brylluppet advarede brudgommen bruden om, at hovedpladsen i livet altid vil være optaget af arbejde. Selv for en bryllupsrejse tog den nyoprettede familie til London for at stifte bekendtskab med William Turners arbejde.

Ægteskabet producerede sønnerne Jean-Gerard og Pierre. Parret tog også Margarita ind i deres familie for at opdrage. Lange år datter og kone tog pladsen for kunstnerens hovedmodeller og muser. En af berømte malerier dedikeret til hans kone - "The Green Stripe", skrevet i 1905.

Dette portræt af en elsket kvinde ramte dengang kunstkendere med sin "grimhed". Publikum mente, at fauvismens repræsentant gik for langt med farvernes lysstyrke og direkte sandfærdighed.

På toppen af populariteten, som kom i 30'erne, havde kunstneren brug for en assistent. Matisse flyttede på det tidspunkt til Nice med sin familie. En dag dukkede en ung russisk emigrant, Lydia Delektorskaya, op i huset og blev malerens sekretær. Først så konen ikke fare i pigen - hendes mand kunne ikke lide lyshårede. Men situationen ændrede sig øjeblikkeligt: Da han ved et uheld så Lydia i sin kones soveværelse, skyndte Henri sig at tegne hende.

Efterfølgende blev Amelie skilt fra sin berømte mand, og Dilectorskaya blev Matisses sidste muse. Hvilken slags forhold herskede i denne forening, var det kærlighed, eller var parret begrænset fælles arbejde, er stadig ikke kendt. Blandt spredningen af tegninger og malerier, der forestiller Lydia, er lærredet "Odalisque. Blå harmoni.

Død

1. november 1954 blev Henri Matisse ramt af et mikroslag. To dage senere stor kunstner døde. Legenden siger, at Dilectorskaya før sin død besøgte maleren i soveværelset, hvor hun sagde:

"En anden dag ville du sige: lad os få en blyant og papir."

Henri svarede med et smil:

"Giv mig en blyant og papir."

Kunstværker

1896 - "Flaske af Schiedam"
1905 - "Livets glæde"
1905 - "Kvinde i hat"
1905 - "Grøn stribe"
1905 - "Åbent vindue i Collioure"
1907 - "Blue Nude"
1908 - "Røde Rum"
1910 - "Musik"
1916 - "Bader ved floden"
1935 - "Pink Nude"
1937 - "Kvinden i den lilla frakke"
1940 - "rumænsk bluse"
1952 - "Kongens tristhed"

Detaljer Kategori: Billedkunst og arkitektur i det 20. århundrede Sendt den 17.09.2017 14:21 Visninger: 1748

Hvad er den bedste måde at formidle følelser på?

Selvfølgelig gennem farve og form. Det gjorde Henri Matisse også. Han var jo leder af fauvisterne, som fransk kritiker Louis Vauxcelles kaldte "vilde dyr" (fr. les fauves). Samtidige blev slået af deres ophøjelse af farver, farvernes "vilde" udtryksfuldhed. Dette tilfældige udsagn blev fastsat som navnet på hele bevægelsen - fauvisme, selvom kunstnerne selv aldrig genkendte dette navn.

A. Morer. Fauvist landskab
Kunstretning i fransk maleri Fauvisme udviklet sig fra slutningen af det 19. århundrede til begyndelsen af det 20. århundrede.
Lederne af retningen er Henri Matisse og Andre Derain. Blandt tilhængerne af denne trend kan nævnes Albert Marquet, Charles Camoine, Louis Walt, Henri Evenepoula, Maurice Marino, Georges Rouault, Georges Braque, Georgette Agoutte og andre.

Henri Matisse: fra en biografi (1869-1954)

Henri Matisse. Billedet
En fremragende fransk kunstner Henri Matisse blev født den 31. december 1869 i Le Cateau i det nordlige Frankrig i familien af en velstående kornhandler. Det blev antaget, at sønnen ville fortsætte sin fars arbejde, men Henri tog til Paris for at studere jura på School of Legal Sciences. Han vendte tilbage til Saint-Quentin (hvor han dimitterede fra Lyceum) efter eksamen, fik et job som kontorist (medarbejder) hos en advokat.
Interessen for tegning opstod i den fremtidige kunstner helt ved et uheld: han gennemgik en operation for at fjerne et blindtarm, og hans mor, så Henri ikke skulle kede sig i løbet af den to måneder lange genopretningsperiode, købte ham tegneartikler. Jeg må sige, at hans mor var engageret i at male keramik, så hun kunne antage, at hendes søn ikke ville forblive ligeglad med kunsten at tegne. Og så skete det. Først begyndte Henri at kopiere farvede postkort, han var så fascineret, at han besluttede sig for at blive kunstner og meldte sig ind på tegneskolen i Cantin de la Tour, hvor tegnere til tekstilindustrien blev uddannet.
I 1892 kom han til Paris, hvor han studerede ved Académie Julian, og senere hos Gustave Moreau.
Ved udstillingen af muslimsk kunst i München i 1903 stiftede Matisse først bekendtskab med denne type maleri, hvilket gjorde ham stærkt indtryk og gav retning til den videre udvikling af sit talent. Egenskaber dette maleri er en intens farve, en forenklet tegning, et fladt billede. Alt dette blev afspejlet i de værker, han præsenterede på udstillingen af "vilde" (fauvister) på Efterårssalonen i 1905.
Han tilbragte to vintre (1912 og 1913) i Marokko, beriget med viden om orientalske motiver.
Generelt absorberede Matisse ivrigt alt relateret til kunst: han kopierede værker af gamle franske og hollandske mestre i Louvre, hans arbejde blev især tiltrukket af Jean-Baptiste Simeon Chardin. Han mødte kunstnere forskellige lande. I London studerede han William Turners arbejde.
En dag mødte han en australsk kunstner, John Peter Russell, en ven af Auguste Rodin. Russell samlede malerier, han introducerede også Henri til impressionismen og Vincent van Goghs arbejde, som han var venner med i 10 år. Matisse citerede senere John Peter Russell som sin lærer, der forklarede farveteori for ham.
Impressionismen gjorde stort indtryk på Matisse. Fra 1890 til 1902 skabte Matisse malerier tæt i ånden på impressionismen: "Bottle of Schiedam" (1896), "Dessert" (1897), "Fruit and Coffee Pot" (1899), "Dishes and Fruits" (1901).

A. Matisse "Frugt og kaffekande" (1899). Lærred, olie. Hermitage (Petersburg)
Men samtidig søgte Matisse sin vej i kunsten, to af hans tidlige landskaber taler om dette: Bois de Boulogne (1902) og Luxembourghaven (1902). Særligt intensive kreative søgninger hører til 1901-1904. Strukturen i maleriet og arbejdet med farve af Paul Cezanne havde en særlig indflydelse på Matisses arbejde, som senere kaldte ham hans hovedinspirator.
Den første personlige udstilling af Matisse fandt sted i juni 1904 i Ambroise Vollards galleri. Men stor succes det havde hun ikke.
Påvirket af Paul Signacs arbejde "Eugene Delacroix and Neo-Impressionism", begyndte Matisse at arbejde med divisionismens teknik (pointillisme) ved hjælp af separate prikkede streger. I denne stil blev hans maleri "Luksus, fred og fornøjelse" malet. Men Matisses passion for pointillisme var kortvarig.

A. Matisse "Luksus, fred og fornøjelse" (1904-1905)
I 1907 foretog Matisse en rejse til Italien, hvor han besøgte Venedig, Padova, Firenze og Siena og studerede italiensk kunst.
Efter råd fra venner grundlagde Matisse privat skole maleri, som blev kaldt Matisse-akademiet. Han underviste der fra 1908-1911. I denne tid blev 100 studerende blandt kunstnerens landsmænd og udlændinge uddannet på akademiet.
Uddannelsen på akademiet var af ikke-kommerciel karakter. Matisse lagde stor vægt på den klassiske grunduddannelse af unge kunstnere. En gang om ugen besøgte de alle sammen museet ifølge læseplanen. Arbejdet med modellen begyndte først efter at have mestret kopieringsteknikken. Under akademiets eksistens har andelen af kvindelige studerende på det altid været overraskende høj.
I 1908 tog Matisse sin første rejse til Tyskland, hvor han mødte kunstnere fra Most-gruppen (grundlæggerne af den tyske ekspressionisme).
I 1941 gennemgik Matisse en større tarmoperation. I denne henseende forenklede han sin stil - han udviklede en teknik til at komponere et billede fra papirstumper. I 1943 påbegyndte han en serie illustrationer til bogen "Jazz" fra stumper malet med gouache. I 1944 blev hans kone og datter arresteret af Gestapo for at deltage i modstandsbevægelsens aktiviteter.
Den 3. november 1954 døde kunstneren i Cimiese nær Nice i en alder af 84 år.

Henri Matisses værk

Matisses arbejde var baseret på studiet af naturen og maleriets love. Hans lærreder af kvindefigurer, stilleben og landskaber kan virke ubetydelige i emnet, men de er resultatet af en lang undersøgelse af naturlige former og deres dristige forenkling. Matisse formåede harmonisk at udtrykke den umiddelbare følelsesmæssige fornemmelse af virkeligheden i den mest stringente kunstneriske form. Kunstneren var overvejende en kolorist, der opnåede effekten af sammenhængende lyd i sammensætningen af mange intense farver.

Fauvisme

Sammen med Andre Derain skabte Matisse en ny stil, der trådte ind i kunsthistorien under navnet Fauvism. Hans malerier fra den periode er præget af flade former, klare linjer og klare farver. I sine "Notes of a Painter" (1908) formulerede han kunstneriske principper, der talte om behovet for direkte at formidle følelser gennem enkle midler.
Både Matisses berømmelse og farvel til neo-impressionismen (pointillismen) og fauvismens begyndelse er forbundet med maleriet "Kvinde i hat". Matisse proklamerede kunsten med lyse farver, dristige beslutninger og dekorativitet som det vigtigste i sit arbejde.

A. Matisse "Kvinde i hat" (1905). Lærred, olie. 24×31 cm

Matisse udstillede dette maleri på Efterårssalonen i 1905. Kunstneren afbildede sin kone Amelie i portrættet. En fed kombination af farver forklarer navnet på den nye retning - Fauvisme (vild). Publikum var forvirrede: hvordan kan en kvinde være sådan? Men Matisse argumenterede: "Jeg skaber ikke en kvinde, jeg skaber et billede." Dens farve var maleriets farve, ikke hverdagslivet.
Fauvisme, som en tendens i kunsten, dukkede op i 1900 på eksperimentel niveau og var relevant indtil 1910. Bevægelsen havde kun 3 udstillinger. Matisse blev anerkendt som lederen af fauvisterne (sammen med André Derain). Hver af dem havde deres tilhængere.
Faldet i fauvismens betydning efter 1906 og gruppens opløsning i 1907 påvirkede ikke Matisses kreative vækst. Mange af hans de bedste virker blev skabt af ham mellem 1906-1907.
I 1905 mødte Matisse den unge maler Pablo Picasso. Deres venskab begyndte, fuld af ånden af rivalisering, men også gensidig respekt.
I 1920 skabte han på anmodning af Sergei Diaghilev skitser af kostumer og kulisser til balletten Nattergalen til musik af Igor Stravinsky og koreografi af Leonid Myasin. I 1937 lavede han skitser af kulisser til balletten "Red and Black" til musik af Dmitry Shostakovich og koreograferet af Leonid Myasin.
I perioden 1946-1948. farverne i interiøret malet af Matisse blev igen ekstremt mættede: hans værker som Red Interiør, Still Life on a Blue Table (1947) og Egyptian Curtain (1948) er bygget på kontrasten mellem lys og mørke, såvel som mellem interiør og udvendige rum.

A. Matisse "Rødt interiør, stilleben på et blåt bord" (1947). Lærred, olie. 116 x 89 cm

A. Matisse "Egyptian Curtain" (1948)
Det sidste værk af Matisse (1954) er et farvet glasvindue i kirken bygget af Rockefeller i 1921 i staten New York.
De resterende 9 farvede glasvinduer blev malet af Marc Chagall.

Sammen med malerier, hans bemærkelsesværdige grafiske tegninger, graveringer, skulpturer, tegninger til stoffer. Et af kunstnerens hovedværker var udsmykningen og glasmosaikvinduerne i det dominikanske rosenkranskapel i Vence (1951).
I 1947 mødte Matisse den dominikanske præst Pierre Couturier, og i samtaler med ham opstod ideen om at bygge et lille kapel til et lille kloster i Vence. Matisse fandt selv løsningen dekoration. I begyndelsen af december 1947 fastlagde Matisse arbejdsplanen efter aftale med dominikanerbrødrene, bror Reissinier og fader Couturier.

Det indre af kapellet - et alter, et farvet glasvindue, et vægmaleri "Saint Dominic"

Kapellets indre - vægmaleri "Korsets vej"

Om nogle berømte værker af Henri Matisse

A. Matisse "Den grønne stribe" (Madame Matisse) (1905). Lærred, olie. 40,5 x 32,5 cm. Statens Museum Kunst (København)
Dette maleri er et portræt af kunstnerens kone. Portrættet ramte samtiden med sin "grimhed", det vil sige usædvanlighed. Selv for fauvismen var farveintensiteten overdreven. Tre farveplaner bygger kompositionen af portrættet.

A. Matisse "Dans" (1910). Lærred, olie. 260 x 391 cm. Statens Eremitage(Petersborg)
Formentlig blev "Dansen" skrevet under indflydelse af det græske vasemaleri og russiske sæsoner af Sergei Diaghilev.
Billedet overrasker med en kombination af korthed af billedlige virkemidler og dens kæmpe størrelse. "Dans" er skrevet i kun tre farver: Himlen formidles i blåt, dansernes kroppe er i pink, og billedet af bakken er grønt. En runddans på toppen af en bakke ledes af 5 nøgne mennesker.

A. Matisse "Musik" (1910). Lærred, olie. 260 x 389 cm State Hermitage Museum (Petersburg)
Da han skrev et billede, søgte Matisse at reducere dem til elementære former. Han fratog bevidst karaktererne individualitet og gav dem næsten identiske ansigtstræk og fysik, så det afbildede blev opfattet af beskueren som helhed. Kunstneren betragtede hovedopgaven for at opnå farveharmoni på lærredet ved hjælp af kontrast: figurerne af karaktererne er malet i en lys crimson nuance, den intense farve på den blå himmel og det grønne græs er i kontrast til dem. I alt er 5 karakterer afbildet på lærredet, to af dem spiller musikinstrumenter (en violin og en dobbeltrøret pibe), og resten synger. Alle personerne på billedet er ubevægelige. Matisse skrev bevidst deres silhuetter ud med elastiske, fleksible linjer for at give lærredet en musikalsk rytme.
Kunstneren selv nævnte ikke nogen fortolkning af dette billede. Der er kun antagelser fra kunsthistorikere. Derfor kan hver af tilskuerne give deres egen fortolkning af "Musikere".
Malerierne "Dans" og "Musikere" ligner hinanden farveskema og antallet af viste figurer. Men der er mange forskelle mellem dem: i "Dance" er afbildet kvindelige karakterer, i "Musik" - herre. Karaktererne i "Dans" er dynamiske, mens figurerne i "Musik" er statiske og rolige.

A. Matisse "Parisisk dans" (1831-1933). Museum of Modern Art (Paris)
I dette arbejde var Matisse den første til at anvende decoupage-teknikken. Figurerne og stykkerne af baggrunden blev skåret ud af ark malet med gouache og derefter fastgjort til basen ifølge tegningen. Derefter påførte maleren, efter anvisning fra kunstneren, maling på lærredet.

A. Matisse "Blue Nude" (1952). Decoupage teknik. 115,5 x 76,5 cm

Henri-Emile Benoit Matisse ( Henri Matisse). Født i 1869 den 31. december i Le Cateau - døde i 1954 den 3. november nær Nice i Cimiez. Da han var en meget berømt kunstner, lavede han en virkelig revolution i historien, dens oprindelse og udvikling som en vigtig stil inden for kunst. fransk kunstner skildrede verden i meget forståelige, udtryksfulde og rene kompositioner. Der er intet overflødigt i disse malerier, kun hvad Henri Matisse ønskede at formidle til sin beskuer. Dette er hele fauvismen og hele Matisse.

I 1892 kom Matisse ind på Julian Academy i Paris, hvor han studerede hos A.V. Bouguereau selv. Efter at have studeret var han fra 1893 til 98 engageret i at male i skolens værksted Finere kunst G. Moreau. Moreau så ægte talent i denne kunstners arbejde og forudsagde en stor fremtid for ham, hvor han viste sig at have ret. På dette tidspunkt kopierede Henri malerierne af verdenskunstens mestre i Louvre, var interesseret i Delacroix's arbejde og andre. Siden 1896 begyndte han at udstille sine værker i salonerne.

1901 kan kaldes året for kunstnerens dannelse. Han holder gradvist op med at kopiere andre kunstnere og finder sit syn på verden gennem malerier. Især hans palet bliver meget lettere, en ejendommelig teknik med impressionistisk penselstrøg dukker op. I 1904 forsøgte Henri Matisse sig med divisionisme og pointillisme. Skaber flere fremragende malerier, hvor modernitet, impressionisme blev kombineret med en prikket måde at skrive på. Således kommer han til sidst til fauvismen. Det første billede i denne stil, som publikum så, var "Kvinden i den grønne hat". Dette gjorde en sand sensation i hele miljøet af malere, kendere og kritikere og tjente som penge til dannelsen af en ny genre. I fauvismens kunst blev han ikke kun hjulpet af europæiske malerformer, men også af Afrikas skulptur (som i øvrigt fungerede som begyndelsen på kubismens dannelse), japanske træsnit og arabisk dekorativ kunst.

Det er nok et af hans mest berømte malerier Dans. Den findes i øjeblikket i to versioner. Det ene billede hænger i Eremitagen i St. Petersborg (det mest berømte) det andet i New York på Museum of Modern Art. Dansen blev skabt i 1910. Dette lærred blev skabt af Henri Matisse for S.I. Shchukins palæ i Moskva. Inden han sendte maleriet til kunden, udstillede han det på Salon d'Automne i Paris. Billedet blev ikke forstået og latterliggjort, kunstneren blev kaldt at skabe dekadent skrald osv. Fem nøgne mennesker på toppen af en bakke blev malet med kun tre farver - grøn, blå og rød. Med tiden blev det monumentale lærred Dance en af de mest slående og betydningsfulde i alle Matisses værker.

Har du brug for transport af høj kvalitet af antikviteter eller relikvier? Transporten af kulturejendomme fra firmaet "Ulex" vil hjælpe dig med dette. Arbejdet med specialister, brugen af særlige emballagematerialer, forsigtig transport uden risiko for beskadigelse af værdigenstande.