Nykyaikainen venäläinen draama. Mitkä ovat XXI-luvun tärkeimmät näytelmät

Kun paljastamme itsellemme draaman teorian, näytämme löytävämme itsemme universumista, joka toimii kauneudellaan ja matemaattisella tarkkuudellaan hämmästyttävien lakien mukaan. Dramaturgia perustuu päälaki, jonka ydin on harmoninen yhtenäisyys. Draaman, kuten minkä tahansa taideteoksen, on oltava kokonaisvaltainen taiteellinen kuva.

Draama on teoriaa ja taidetta dramaattisten teosten rakentamisesta.

Mitä muita merkityksiä käytetään annettu sana? Mitkä ovat sen perusteet? Mitä on draama kirjallisuudessa?

Käsitteen määritelmä

Tällä käsitteellä on useita merkityksiä.

• Ensinnäkin draama on juoni-sävellyspohja (juoni-figuratiivinen käsite) itsenäiselle elokuvalle tai teatterityötä... Niiden perusperiaatteet ovat historiallisesti muuttuvia. Tunnetut lauseet, kuten elokuvan tai esityksen draama.

• draaman teoria. Sitä ei tulkittu jo tapahtuneeksi toimeksi, vaan jatkuvaksi.
• Ja kolmanneksi, draama on tietyn aikakauden, tietyn kansan tai kirjailijan teosten kokonaisuus.

Toiminto on tunnettu muutos tietyllä aikavälillä. Draaman muutos vastaa kohtalon muutosta. Komediassa hän on iloinen, tragediassa surullinen. Aikaväli voi olla erilainen. Se voi kestää useita tunteja (kuten ranskaksi klassinen draama) ja kattavat useita vuosia (kuten William Shakespearessa).

Draaman askeleita

• Näyttely saa lukijan, kuuntelijan tai katsojan toimintaan. Täällä tapahtuu ensimmäinen tutustuminen hahmoihin. Tämä osio paljastaa ihmisten kansallisuuden, tämän tai tuon aikakauden ja muut hetket. Toiminta voi alkaa nopeasti ja aktiivisesti. Tai päinvastoin, vähitellen.
• Solmio. Nimi puhuu puolestaan. Avainelementti draama. Konfliktin ilmestyminen tai sankarien tutustuminen toisiinsa.
• Toiminnan ja mielikuvien kehittäminen. Asteittainen jännitys.
• Huipentuma voi olla kirkas ja vaikuttava. Kappaleen korkein kohta. Jatketaan täällä tunnepurkaus, intohimojen intensiteetti, juonen dynamiikka tai sankarien suhde.
• Vaihtaa. Lopettaa toiminnan. Se voi olla asteittainen tai päinvastoin välitön. Se voi äkillisesti keskeyttää toiminnan tai tulla lopetukseksi. Tämä on koostumuksen tulos.

Käsityön salaisuudet

Ymmärtää kirjallisuuden salaisuudet tai näyttämötaitoja, sinun pitäisi tietää draaman perusteet. Ensinnäkin se on muoto välineenä ilmaista sisältöä. Lisäksi missä tahansa taiteessa on aina kuva. Usein tämä on kuvitteellinen versio todellisuudesta, joka on kuvattu nuottien, kankaan, sanan, muovin jne. kautta. Kuvaa luodessaan tekijän on otettava huomioon, että pääosanottaja on katsoja, lukija tai kuuntelija (tyypistä riippuen). taiteesta). Draaman seuraava tärkeä elementti on toiminta. Se merkitsee ristiriidan olemassaoloa, ja siinä täytyy olla konfliktia ja draamaa.

Draaman ytimessä on vapaan tahdon tukahduttaminen, korkein kohta on väkivaltainen kuolema... Vanhuus ja kuoleman väistämättömyys ovat myös dramaattisia. Luonnonkatastrofeista tulee dramaattisia, kun ihmisiä kuolee.

Tekijän työ teoksen parissa alkaa, kun aihe nousee esille. Idea ratkaisee valitun aiheen ongelman. Se ei ole koskaan staattinen tai avoin. Jos se lakkaa kehittymästä, se kuolee. Konflikti on dramaattisten ristiriitojen ilmentymisen korkein vaihe. Sen toteuttamiseksi tarvitaan juoni. Tapahtumaketju on organisoitu tarinaksi, joka konkretisoi konfliktin juonen. On myös sellainen tapahtumaketju kuin juonittelu.

Dramaattista taidetta 1900-luvun jälkipuoliskolla

Moderni draama ei ole vain tietty historiallinen ajanjakso, vaan koko palava prosessi. Siinä on mukana kokonaisten sukupolvien näytelmäkirjailijoita ja erilaisia ​​luovia suuntauksia. Edustajat, kuten Arbuzov, Vampilov, Rozov ja Shchvarts, ovat sosiopsykologisen draaman genren uudistajia. Nykydraama ei pysähdy, vaan sitä päivitetään, kehitetään ja siirretään jatkuvasti. Valtava määrä tyylejä ja genrejä, jotka kattoivat teatterin 1950-luvun lopusta nykyaikaan, on sosiopsykologinen näytelmä selkeästi hallitseva. Monilla niistä oli syviä filosofisia vaikutuksia.

Useiden vuosikymmenten ajan moderni draama on yrittänyt voittaa vakiintuneet kliseet, olla lähempänä sankarin todellista elämää hänen ongelmiensa ratkaisemisessa.

Mitä on draama kirjallisuudessa?

Draama on kirjallisuudessa erikoislaatuinen, jolla on dialoginen muoto ja joka on tarkoitettu näytettäväksi näyttämöllä. Pohjimmiltaan tämä on hahmojen elämää lavalla. Näytelmässä ne heräävät henkiin ja lisääntyvät oikea elämä kaikkien siitä seuraavien konfliktien ja ristiriitojen kanssa.

Tarvittavat hetket, jotta kirjallinen teos herää eloon lavalla ja herättää yleisössä tiettyjä tunteita:

• Draamataiteen ja ohjauksen tulee olla erottamattomasti sidoksissa inspiraatioon.
• Ohjaajan tulee osata lukea dramaattisia teoksia oikein, tarkistaa niiden koostumus, ottaa huomioon muoto.
• Holistisen prosessin logiikan ymmärtäminen. Jokaisen myöhemmän toimenpiteen tulee jatkua sujuvasti edellisestä.
• Ohjaajalla on taiteellisen tekniikan menetelmä.
• Työskentele tuloksen eteen kaikille luova tiimi... Esityksen tulee olla huolellisesti harkittu, ideologisesti rikas ja selkeästi organisoitu.

Dramaattisia teoksia

Niitä on valtava määrä. Jotkut niistä pitäisi luetella esimerkkinä:

• Othello, Kesäyön unelma, Shakespearen Romeo ja Julia.
• Ostrovskin "Ukkosmyrsky".
• "Kenraalin tarkastaja" Gogol.

Draama on siis teoriaa ja taidetta dramaattisten teosten rakentamisesta. Se on myös juoni-sävellyspohja, teossarja ja draamateoria. On draaman vaiheita. aloitus, kehitys, huipentuma ja loppu. Ymmärtääksesi draaman salaisuudet, sinun on tiedettävä sen perusteet.

Jatkaen aikaisemmissa numeroissa "Teatteri" aloitettua näytelmäkirjan analyysiä. päätti laskea, mikä osuus Moskovan ja Pietarin esitysten kokonaismäärästä. yleiset periaatteet molempien pääkaupunkien ohjelmistopolitiikka.

1. Moskovan ohjelmistojohtaja ja Peter Chekhov. Tšehov-esityksiä Moskovan näytelmäkirjassa on 31, Pietarissa 12. Klassikoiden näytelmillä on eniten kysyntää (Moskovassa on jo viisi Kirsikkatarhaa ja viisi Lokkia), mutta käytössä on myös proosaa: Kolme vuotta, The Lady with the Dog , "Bride" jne. Usein ohjaajat yhdistävät useita humoristisia tarinoita- kuten se tehdään esimerkiksi Et Cetera -teatterin "Faces" -esityksessä.

2. Tšehov on hieman Ostrovskia huonompi: Moskovan näytelmässä on 27 hänen näytelmäänsä, Pietarissa - 10. Erityisen suosittuja ovat "Mad Money", "Forest", "Sudet ja lampaat". Tarkemmin tarkasteltuna Pietarin luokituksen toisella rivillä ei kuitenkaan ole Ostrovski, vaan Pushkin: Pietarissa on 12 Pushkin-esitystä ja 10 Ostrovski-esitystä. He käyttävät näytelmiä, proosaa ja alkuperäisiä sävellyksiä, kuten BALbesaa (Pushkin Three Tales) tai Don Juania ja muita.

3. Shakespeare sijoittuu kolmanneksi molemmissa pääkaupungeissa (18 esitystä Moskovassa ja 10 Pietarissa). Moskovassa Hamlet johtaa, Pietarissa - Love's Labour's Lost.

4. Gogolia - prosentteina - kunnioitetaan myös samalla tavalla. Moskovassa on 15 esitystä, Pietarissa - 8. Tietenkin "Avioliitto" ja "Kenraalin tarkastaja" ovat johtoasemassa.

5. Viidennellä rivillä Moskovassa on Pushkin (näytelmäkirjassa on 13 hänen teoksiinsa perustuvaa esitystä), ja Pietarissa viidennen pisteen jakavat Tennessee Williams ja näytelmäkirjailija ja ohjaaja Juri Smirnov-Nesvitsky, joka on lavastanut. omia näytelmiä: "Rita V:n sielun kaipuu." "Aavepöydässä", "Ikkunat, kadut, portit" jne.

6. Tästä lähtien molempien pääkaupunkien ohjelmistopolitiikka eroaa huomattavasti. Moskovan luokituksen kuudennen sijan miehittää Dostojevski (12 esitystä näytelmäkirjassa), suosituin " Setä unelma". Pietarissa Dostojevski jakaa kuudennen rivin Vampilovin, Schwartzin, Anuin, Turgenevin, Neil Simonin ja Sergei Mikhalkovin kanssa. Kaikkien lueteltujen kirjailijoiden nimet esiintyvät Pietarin esityslistassa kolme kertaa.

7. Kun Dostojevski Moskovassa seuraa Bulgakovia (11 esitystä), suosituin on "Kabbalah sanctimonious". Ja Pietarissa on useita ensiluokkaisia, toisen luokan kirjoittajia, eikä tiedetä, mihin luokkaan kuuluvia kirjailijoita. Wilden, Strindbergin, Mrozhekin, Gorkin, Molieren ja Schillerin, Ljudmila Ulitskajan ja "akhailaisen" Maxim Isaevin teokset löytyvät julisteesta yhtä usein kuin Gennadi Volnokhodetsin teoksia ("Juo meri" ja "Rakkauden arkkitehti"). "), Konstantin Gershov ("Nenä- Angeles", "Hauska vuonna 2000") tai Valeri Zimin (" Chubrikin seikkailut", "Lihava! Tai kissa Filofeyn tarinat ").

8. Bulgakovin perässä Moskovassa ovat Alexander Prakhov ja Kirill Korolev, jotka näyttävät itse säveltämäänsä. Vitsit vitsinä, ja Moskovan esityslistassa on 9 (!) Esitystä jokaiselta näistä kirjoittajista. Kuningatar näytelmissä ovat "Riding a Star", "Emme me keksineet tätä maailmaa", "Ympyrän loppuun asti eli Prinsessa ja roskat". Peru Prakhova omistaa: "Ristinen keskusteluun", "Koirani", "Bird-buffoon", "Antaa kaiken olla niin kuin on ?!", "Hyvää syntymäpäivää! Tohtori "ja muita näytelmiä. Pietarissa luokituksen kahdeksalla ja, kuten käy ilmi, viimeisellä rivillä on noin viisikymmentä kirjoittajaa, joiden jokaisen nimi esiintyy mainostaululla kerran. Heidän joukossaan: Arbuzov, Gribojedov, Albert Ivanov ("Khoman ja Gopherin seikkailut"), Andrei Kurbskyn ja Marcel Berkier-Marinierin luova duetto ("Kolme rakkautta"), Arthur Miller, Sukhovo-Kobylin, Brecht, Shaw , Grossman, Petruševskaja, Aleksei Ispolatov ("Kylä ajoi talonpojan ohi") ja monia muita nimiä, joista tarkkaan tarkasteltuna huomaa jopa kaksi uuden draaman tekijöiden teosta: "Omenavaras" Ksenia Dragunskaya ja Bilyana Srblyanovitšin "Locust".

9. Moskovan yhdeksännen rivin jakavat Schwartz, Moliere ja Williams - jokaisella heistä on julisteessa 7 nimeä. Johtajat ovat "Tartuffe" ja "Glass Menagerie".

10. Seuraavaksi ovat ne kirjailijat, joiden nimet esiintyvät Moskovan esityslistassa 6 kertaa. Tämä on absurdisti Beckett ja Irina Egorovan ja Alena Chubarovan luova liitto, jotka yhdistävät kirjoittamisen Moskovan teatterin "Comediant" pääjohtajan ja taiteellisen johtajan tehtävien suorittamiseen. Tyttöystävät ovat elämään erikoistuneita näytelmäkirjailijoita upeita ihmisiä... Heidän kynänsä alta tulivat näytelmät, jotka muodostivat pohjan esityksille "Enemmän kuin teatteria!" (Stanislavskysta), "Sadovaya, 10, sitten - kaikkialla ..." (Bulgakovista), "Huone neljällä pöydällä" (myös Bulgakovista), sekä näytelmä "Shindry-Byndra", joka lähemmin tarkasteltuna , osoittautuu saduksi Baba Yagasta, oppineesta kissasta ja paimen Nikitasta.

Kymmenen parhaan joukkoon, laskevassa järjestyksessä, Moskovaan jäivät: Vampilov, Saroyan, lipputulot Erik-Emmanuel Schmitt ja puhtaasti älyllinen Yannis Ritsos, iäkäs kreikkalainen näytelmäkirjailija, joka kirjoitti antiikin draaman moderneja sovituksia. Aleksanteri Volodinilla, Boris Akuninilla, Jevgeni Griškovetsilla, Gorkilla, Rostanilla ja Juliy Kimillä on kullakin 4 maininta. On hämmästyttävää, että he ovat huonompia kuin Ray Cooney (!), Sekä Wilde ja Harms - 3 maininta kukin. Vazhdi Muavadin, Vasili Sigarevin, Elena Isaevan, Martin McDonaghin ja Mihail Ugarovin nimet mainitaan kahdesti Moskovan julisteessa, samoin kuin klassikoiden, kuten Sophokles, Beaumarchais ja Leo Tolstoi, nimet.

Draama- ja ohjauskeskus sekä teatteri jäivät tämän ohjelmistotutkimuksen ulkopuolelle. doc ja Praktika - he eivät yksinkertaisesti lähettäneet ohjelmistoaan tiedot keränneen hakuteoksen toimitukseen. Teatteri Venäjä". Mutta edes heidän osallistumisellaan kuva ei olisi muuttunut paljon.

Kahden repertuaari Venäjän pääkaupungit hyvin vähän venäläistä uutta draamaa ja käytännössä ei laadukasta modernia kotimaista proosaa... Mitä tulee ulkomaisiin kirjailijoihin viimeisten kahden tai kolmen vuosikymmenen ajalta - Heiner Mülleristä Elfriede Jelinekiin, Bernard-Marie Coltesista Sarah Kaneen, Boto Straussista Jean-Luc Lagarseen, niitä pitäisi etsiä näytelmäkirjasta ollenkaan päivän aikana. tulen kanssa. Merkittävä osa Moskovan ja Pietarin näytelmistä ei ole niinkään täynnä kassakäännösnäytelmiä, mikä olisi jotenkin ymmärrettävää, vaan kenellekään mitään sanomattomia nimiä, kuten Artur Artimentyevin "Miesten vuoropuhelu" ja "Alien Windows" ” kirjoittanut Aleksei Burykin. Joten tuntuu, että pääkaupungin teattereiden tärkein ja ainoa ohjelmistoperiaate on pölynimurin periaate.

Aineistoa koottaessa käytettiin hakuteoksen "Teattinen Venäjä" antamia tietoja

Vuosisadan vaihteessa parikymppisten sukupolvi astui draamaan. Heidän teoksensa ovat pääsääntöisesti erittäin synkkiä ja tavalla tai toisella tutkivat pahuuden ongelmaa. Pääpaikka näytelmissä on epäinhimillisyyden ja väkivallan kuvaaminen useammin kaikkeen, ei valtiolta, vaan pahuuteen, joka on juurtunut ihmissuhteisiin ja todistaa heidän sielunsa silvottua. Sellaisia ​​Sigarevin "muovailuvaha", Konstantin Kostenkon "Klaustrofobia", Ivan Viropajevin "Oxygen", Presnyakov-veljien "pubi". Tällaisia ​​synkkiä näytelmiä ja niin paljon ei ollut edes maanalaisena aikana. Se on merkki pettymyksestä arvoihin. moderni sivilisaatio ja ihmisessä itsessä. Päinvastaisella menetelmällä, mustia värejä paksuntamalla, nuoret kirjailijat puolustavat ihmiskunnan ihanteita.

Remakeilla on myös merkittävä paikka nykydraamassa – uudet, modernisoidut versiot kuuluisia teoksia... Näytelmäkirjailijat kääntyvät Shakespearen puoleen, mistä todistaa "Hamlet. Versio "Boris Akunin", Hamlet. Zero Action, Petruševskaja, Hamlet, Klim (Klimenko), Grigory Gorinin Rutto molemmissa taloissasi. Venäläisistä kirjailijoista he kääntyvät Pushkinin puoleen ("Dry, Sieben, Ass tai Patakuningatar"Kolyada), Gogol (" Vanhan maailman rakkaus "Koljada", Bashmachkin "Bogaev", Dostojevski (" Rikoksen paradoksit "Klim), Tolstoi (" Anna Karenina - 2 ", Shishkin: on mahdollista, että Anna pysyi hengissä ), Chekhova (" Lokki . Versio "Akunin).

Nykydraaman pääteema on ihminen ja yhteiskunta. Nykyaikaisuus kasvoissa heijastelee realististen näytelmäkirjailijoiden työtä. Voit viitata sellaisiin teoksiin kuten Aleksanteri Galinin "Kilpailu", Rozumovskajan "Ranskalaiset intohimot dachassa lähellä Moskovaa", Arbatovan "Kokeiluhaastattelu vapauden aiheesta" ja monet muut. Maria Arbatova onnistui herättämään suurimman kiinnostuksen realistisen draaman edustajissa 90-luvulla venäläiselle kirjallisuudelle uuden feministisen ongelman ansiosta.

Klassikoiden kriteerit nykyaikaisuuden arvioinnissa tunnustetaan objektiivisemmiksi kuin mikään ideologinen kriteeri. Muissa tapauksissa edeltäjiä väitellään tai niitä tarkkaillaan syvemmin. Mutta ennen kaikkea draama viittaa klassikoiden perimiin universaaleihin inhimillisiin arvoihin. Nykyaikaisten näytelmäkirjailijoiden luomista parhaista näytelmistä on tullut paitsi venäläisen, myös ulkomaisen draaman omaisuutta.

XX lopun venäläinen kirjallisuus - alkuvuosi XXI Taide. yleensä kiinnostaa paljon. Hän opettaa ajattelemaan, muodostaa moraalisen tunteen, vastustaa rumaa, antaa (usein välitetyssä muodossa) käsityksen kauniista ja toivottavasta.

14. heinäkuuta 2010

Toinen suosittu poliittisen draaman teema oli totalitarismin teema, yksilön tukahduttaminen stalinistisen järjestelmän olosuhteissa. Näiden vuosien M. Shatrovin näytelmissä - "Omantunnon diktatuuri" (1986) ja "Edelleen ... edelleen ... edelleen ..." (1985) (kuten vuonna 1987 julkaistussa "Brest Peace", 1962 ) - suvereenin ja ainoan diktaattorin Stalinin kuva asetettiin vastakkain viisaan, kaukonäköisen ja oikeudenmukaisen "demokraatin" Leninin kanssa. Sanomattakin on selvää, että Shatrovin teokset menettivät merkityksensä heti, kun uusia faktoja "maailman proletariaatin johtajan" persoonasta ja toiminnan luonteesta paljastettiin yhteiskunnalle. Myytti ihanteellisesta Iljitšistä romahti, ja sen myötä näytelmäkirjailija Shatrovin "myytin teko" lakkasi.

Jos M. Shatrov työskenteli stalinistisen teeman parissa perinteisen realistisen teatterin puitteissa, niin pian ilmestyi näytelmiä, joissa yritettiin (varmasti kiistanalaista ja ei aina vakuuttavaa) esittää neuvostoideologian mytologisoimia hahmoja parodiaisessa, groteskissa muodossa. Eli vuonna 1989 kuuluisuus sai "paratragedian" V. Korkian runoissa "Musta tai minä, köyhä Coco Dzhugashvili", lavastettu v. Opiskelijateatteri Moskovan valtionyliopisto.

Kun lukijaan valui kokonainen virra muistelmia niiden leirikokemuksesta, joilla oli julma kohtalo kokea totalitaarisen järjestelmän paine, he nousivat myös teattereiden lavalle. traagisia sankareita Gulagin aikakausi. E. Ginzburgin tarinan dramatisointi saavutti suuren ja ansaitun menestyksen. Jyrkkä reitti"Sovremennik-teatterin lavalla. Perestroika- ja postperestroikan aikoina oli kysyntää kymmenen tai kahdenkymmenen vuoden takaisille näytelmille, harvoin poikkeuksin perinteisessä taiteellisessa ja dokumentaarisessa muodossa, joka tulkitsi leirikokemusta: A. Solzhenitsynin "Työtasavalta", "Kolyma" I. Dvoretski, V. Šalamovin "Anna Ivanovna", Y. Edlisin "Kolme", ​​A. Stavitskyn "Neljä kuulusteluja".

Nouse seisomaan, pysy ihmisenä sisällä epäinhimilliset olosuhteet leirit ovat näiden teosten sankarien tärkein syy. Persoonallisuutta hallitsevien psykologisten mekanismien määrittely on heidän pääteemansa.

1980-luvun lopulla yritettiin rakentaa samalle materiaalille muita esteettisiä järjestelmiä, muuttaa yksilön ja totalitaarisen yhteiskunnan välinen konflikti laajemmaksi, yleismaailmalliseksi, kuten E:n antiutopistisissa romaaneissa. Zamyatin tai J. Orwell. Tällaista dramaattista antiutopiaa voidaan pitää A. Kazantsevin näytelmänä. Suuri buddha auta heitä! " (1988). Teoksen toiminta sijoittuu "esimerkilliseen Great Ideasin mukaan nimettyyn kommuuniin". Siellä vallitsevaa hallintoa leimaa erityinen julmuus kaikenlaista erimielisyyttä kohtaan, ihminen on pelkistetty primitiiviseksi olennoksi, jolla on primitiiviset vaistot ja ainoa vahva tunneilmiö - eläinpelko.

V. Voinovich yritti absurdistisen teatterin hengessä esittää saman konfliktin Tribunalissa (1984, julkaistu 1989). Yritystä luoda absurdin teatterin neuvostoversiota ei tässä tapauksessa voida pitää täysin onnistuneena, toissijaisuus tuntuu tässä selvästi, ennen kaikkea F. Kafkan "Prosessin" vaikutuksesta. Ja itse Neuvostoliiton todellisuus oli niin järjetön, ettei yritys "kääntää" uudelleen pitkään kärsinyt maailma, muuttaa se jatkuvaksi oikeudeksi elävän ihmisen suhteen, ei voinut olla taiteellisesti vakuuttava.

Tietenkin on syytä huomata, että yksilön ja valtion välisen suhteen ongelma on yksi kiireellisimpiä ja tulee aina tarjoamaan runsaasti maaperää taiteellisille löytöille.

Kyky puhua vapaasti aiemmin kielletyistä aiheista, yhteiskunnan sosiaalisista ja moraalisista ongelmista perestroikan aikana johti siihen, että kotimainen kohtaus täyttyi ennen kaikkea kaikenlaisista "pohjahahmoista": prostituoiduista ja huumeiden väärinkäyttäjistä, kodittomista. kaikenlaisia ​​ihmisiä ja rikollisia. Jotkut kirjailijat romantisoivat syrjäytymistään, toiset yrittivät parhaan kykynsä mukaan paljastaa haavoittuneet sielunsa lukijalle ja katsojalle, toiset väittivät olevansa kuvattu." elämän totuus”Kaikessa hänen peittelemättömässä alastomuudessaan. Teatterikausien 1987-1989 selkeät johtajat. sellaisista teoksista tuli: A. Galinan "Tähdet aamutaivaalla", A. Dudarevin "Kaatopaikka", V. Merezhkon "Naisten pöytä metsästyssalissa", "Urheilukohtaukset vuodelta 1981" ja E:n "Meidän dekameronimme" Radzinsky.

Edellä mainituista näytelmäkirjoittajista A. Galin toi ensimmäisenä teatterin kohtauksia koko ajan uusien "sankarittareiden" maa kuitenkin, vaikka prostituutio tuli tutuksi sanomalehti- ja aikakauslehtijournalismissa. Kun Tähdet aamutaivaalla luotiin, näytelmäkirjailijan nimi oli tunnettu. "Hänen monen vuoden voittomarssinsa läpi maamme ja ulkomaisten näyttämöjen", kirjoittaa teatterikriitikko I. Vasilinina, - A. Galin aloitti näytelmällä" Retro ".<...>Vaikka hän ei jokaisessa näytelmässään selviäkään tämän tai tuon elämänilmiön todellisista syistä, hän löytää aina erittäin tarkasti nykyaikaisen kipeän, ristiriitaisen ja tästä johtuen mielenkiintoisen tilanteen. Joskus hän ei ole kovin kiireinen naisen kohtalon sosiaalisten perusteiden, hänen levoton riippuvuutensa maan yleisestä taloudellisesta ja poliittisesta ilmapiiristä, kanssa, mutta hän tuntee varmasti myötätuntoa naista kohtaan osoittaen hänelle mahdollista kiinnostusta, huomiota ja ystävällisyyttä.

Nämä sanat pätevät erityisesti näytelmään "Tähdet aamutaivaalla". Kun olet lukenut Galinskyn, ymmärrämme, että näytelmäkirjailija sankaritovereidensa suhteen otti tunnollisen asianajajan aseman. Prostituutio on todellisuuttamme, ja kuka tahansa on taipuvainen syyttämään sitä, mutta eivät prostituoidut itse. Tässä on pyhää ja tekopyhää yhteiskuntaa, joka piilotti ilkeästi "perhot" 101. kilometriä varten, jotta se ei pimentäisi Olympia-Moskovan esimerkillistä maisemaa. Täällä on infantiileja tai päinvastoin eläinperäisesti brutaleja miehiä, jotka ovat menettäneet kaiken kunnioituksen naista kohtaan. Ja tässä ovat onnettomat naiset itse - ja mikä kohtalo tahansa, niin " ikuinen Sonechka Marmeladova, niin kauan kuin maailma on olemassa." Vain, toisin kuin Dostojevskin sankaritar, täällä ei kukaan teloi itseään, lisäksi he eivät edes ajattele sitä, että ehkä jossain vaiheessa tehtiin virhe, että valinnanvaraa oli vielä. Ja vastaavasti yksikään neljästä päähenkilöstä ei etsi arvokasta ulospääsyä nykyisestä tilanteestaan. Näytelmäkirjailija ei myöskään tarjoa sitä, vaikka hän tietoisesti korostaa raamatullisia assosiaatioita Marian, kenties suurimman "kärjän" kohtalossa näytelmän sivuilla. Kristilliset aiheet ilmenevät mielestäni "Tähdet aamutaivaalla" aivan turhaan, sillä näytelmäkirjailijan kertoma tarina itsessään on jokseenkin teatraalinen, kaukaa haettu juoni monella tapaa "ei saavuta" raamatullisia korkeuksia.

Yhä piittaamattomampi uppoutuminen "pohjan" ongelmiin, arjen kyynisyyteen ja julmuuteen ruokkii ja ruokkii yhtä uuden sukupolven suosituimmista näytelmäkirjailijoista - Nikolai Kolyadasta. Tähän mennessä hän on lavastanut yli 20 näytelmää, mikä on epäilemättä ennätys 1990-luvulla. Se, kuinka paljon tällaista huomiota näytelmäkirjailijalle on ansainnut, on kiistanalainen, mutta tämän huomion syyt voidaan ymmärtää. Kolyada, toisin kuin näytelmäkirjailijat " uusi aalto”, Toi myrskyistä sentimentaalisuutta ja puhtaasti teatraalista kirkkautta jo tuttuihin arkidraamaan. Useimmissa hänen teoksissaan ("The Game of Forfeits", "Barack", "Murlin Murlo", "Boater", "Slingshot") meitä tervehtii alkeellisin ympäristö - enemmän tai vähemmän kurja tyypillinen asunto: "Tapetti asunto putoaa. Kaikki seinät ovat verisiä. Asunnon omistaja, ikään kuin jostain huolimatta, murskasi luteita. Ikkunan ulkopuolella kuuluu epämääräisiä, outoja, epämaisia, käsittämättömiä yökaupungin ääniä. Nämä kaksi ihmistä ovat yhtä outoja. Ikään kuin hopealangat olisivat venyneet niiden väliin ja yhdistäneet ne ”(“ Slingshot ”). Jo yllä olevasta huomautuksesta käy selväksi, että ympäröivän maailman saastaisuus ja kurjuus ei millään tavalla häiritse näytelmäkirjailijan intohimoista kaunopuheisuutta.

Tällaisten mautonta ja ylevän vastakohtien varaan Kolyada rakentaa ja sankariensa hahmoja. Kaikki heidän ominaisuudet ja ominaisuudet ovat selvästi liioiteltuja, heidän reaktiot ovat korotettuja, joten jatkuva toiminnan ilmapiiri täällä on skandaali. Sankarit voivat selvittää asiat yksinomaan korotetulla äänellä. Vain näytelmän "Murlin Murlo" viimeisessä huomautuksessa on 25 huutomerkkiä. On kuitenkin syytä huomata, että Kolyadan hahmot riitelevät erittäin nerokkaasti, koska skandaali on heille ainoa loma ja viihde heidän elämässään.

Juonen rakentaminen tämän näytelmäkirjailijan teoksissa ei myöskään eroa monimuotoisuudesta. Yleensä hän noudattaa yhtä win-win -mallia: maakuntakaupungissa, jossa on yksitoikkoista ja puoliköyhyyttä, ilmestyy yhtäkkiä Someone Beautiful, vieraana, joka katkaisee tylsän, tavanomaisen elämäntavan. Saapumisellaan hän saa köyhille paikallisille asukkaille toivoa parasta, rakkautta, keskinäistä ymmärrystä, puhdistumista. Tarinan loppu voi olla erilainen, mutta useammin se on silti toivoton. Sankareille jää särkynyt kohtalo ja pettyneet toiveet. Esimerkiksi "Slingshotissa" kaunis tulokas nimeltä Anton, vaikka hän palaakin, mutta liian myöhään - omistaja on jo tehnyt itsemurhan. Ja "Murlin Murlossa" päähenkilö Aleksey osoittautuu pelkuriksi ja petturiksi.

Kriitikot huomauttavat aivan oikein, että Kolyadan näytelmien heikoin kohta on sankarien monologit, ja mitä pidempiä ne ovat, sitä konkreettisempaa on heidän kielensä köyhyys, joka koostuu enimmäkseen kliseistä ja vulgarismista.

N. Kolyadan teokset ovat mielenkiintoisia ennen kaikkea siksi, että ne tiivistävät "uuden draaman" kehityksen. Avantgarde-tekniikat, järkyttävät yksityiskohdat ja marginaaliset sankarit siirtyvät tässä massakulttuurin kategoriaan menettäen sen hysteerisen ja tuskallisen terävyyden, joka oli tyypillistä L. Petruševskajan draaman hahmoille ja konflikteille.

Kuten kaikkea venäläistä vuosisadan vaihteen kirjallisuutta, draamaa leimaa esteettisen moniarvoisuuden henki. Se esittelee realismia, modernismia, postmodernismia. Modernin draaman luomiseen osallistuvat eri sukupolvien edustajat: lopuksi post-vampilov-aallon laillistetut edustajat Petruševskaja, Arbatova, Kazantsev, postmodernin draaman luojat Prigov, Sorokin sekä 90-luvun draaman edustajat. . Näytelmäkirjailijat Ugarov, Grishkovets, Dragunskaya, Mikhailova, Slapovsky, Kurochkin ja muut onnistuivat herättämään itsensä huomion - koko galaksi mielenkiintoisia ja erilaisia ​​​​kirjailijoita.

Nykydraaman pääteema on ihminen ja yhteiskunta. Kasvojen nykyaikaisuus heijastaa realististen näytelmäkirjailijoiden luovuutta. Voit viitata sellaisiin teoksiin kuten Aleksanteri Galinin "Kilpailu", Razumovskajan "Ranskalaiset intohimot dachassa Moskovan ulkopuolella", Arbatovan "Kokeiluhaastattelu vapauden aiheesta" ja monet muut. Maria Arbatova onnistui herättämään suurimman kiinnostuksen realistisen draaman edustajissa 90-luvulla venäläiselle kirjallisuudelle uuden feministisen ongelman ansiosta.

Feminismi taistelee naisten vapautumisen ja tasa-arvon puolesta. 1990-luvulla sukupuoleen perustuva lähestymistapa tähän kysymykseen on käsinkosketeltava. Sanan "sukupuoli" kirjaimellinen käännös on "sukupuoli", mutta sukupuoli ei tässä tapauksessa ymmärretä vain biofyysistä tekijää, vaan sosiobiokulttuurista tekijää, joka muodostaa tiettyjä stereotypioita miehestä ja naisesta. Perinteisesti viime vuosituhansien maailmanhistoriassa naisille on annettu toissijainen paikka, ja sana "mies" on kaikilla kielillä maskuliininen.

Yhdessä hänen puheessaan vastauksena sanoihin "Venäjällä on jo emansipaatio, miksi murtaudut avoimista porteista?" Arbatova sanoi: "Puhuaksemme tapahtuneesta naisten emansipaatiosta, meidän on tarkasteltava, kuinka monta naista on vallanhaaroissa, kuinka he saavat käyttää resursseja [kansallinen budjetti] ja tehdä päätöksiä. Lukujen tarkastelun jälkeen huomaat, että Venäjällä ei vielä puhuta vakavasta naisten emansipaatiosta. Naista... syrjitään työmarkkinoilla. Nainen ei ole suojattu... hirviömäiseltä perhe- ja seksuaaliselta väkivallalta... Asiaa koskevat lait toimivat siten, että ne suojelevat raiskaajaa... koska ne ovat miesten kirjoittamia." Vain osa Arbatovan lausunnoista on lainattu osoittamaan Venäjällä tunnetuksi alkaneiden naisliikkeiden pätevyyttä.

Näytelmän musiikillisena taustana oli Khvostenkon - Grebenštšikovin kappale "Under the Blue Sky". Naapurin tytär opettelee tätä laulua, musiikki soi epävirrasta ja epäviritystä. Laulu ihanteellisesta kaupungista osoittautuu pilaantuneeksi. Pilaantunut melodia on kuin säestys epäonnistuneelle melodialle perhe-elämä, jossa harmonian sijaan kauna ja kipu hallitsevat.

Arbatova osoittaa, että emansipoituneen naisen, joka väittää itseään, ei pitäisi toistaa tavallista miestä, vaan lainata hänen psykologiansa. Tästä - näytelmässä "Reflections War". Täällä luodaan uudelleen uuden venäläisen naisen tyyppi, joka pyrkii käyttäytymään tavalla, jolla suurin osa lännen naisista käyttäytyy virheellisten käsitystensä mukaan. ”Uskon myös, että mies on kulutuksen kohde, ja vaadin häneltä myös lohtua. Olkoon hän täysiverinen ja hiljainen." Miehestä ja naisesta tulee näytelmässä peilejä, jotka heijastavat toisiaan. Ensimmäistä kertaa miespuolinen sankari saa mahdollisuuden nähdä itsensä ulkopuolelta moraalisen hirviön muodossa. Uusi feminismi ei tarkoita sukupuolten välistä sotaa, vaan heidän pariteettiaan, tasa-arvoa.

Kysymykseen "Näetkö feminismin vaaran?" Arbatova antoi esimerkin skandinaaviset maat, jossa jo 70 % papistosta on naisia, puolet parlamentista ja ministerikabinetista on naisten miehitystä. Tämän seurauksena heillä on "tasapainoisin politiikka, korkein sosiaaliturva ja laillisin yhteiskunta".

Myös muut Arbatovan näytelmät menestyivät - "Bastillen ottaminen" (venäläisen feminismin omaperäisyydestä länsimaiseen verrattuna) ja "Kokeiluhaastattelu vapauden aiheesta" (yritys näyttää nykyaikaisen menestyvän naisen).

1990-luvun puolivälistä lähtien Arbatova jätti draaman politiikkaan ja kirjoitti vain omaelämäkerrallista proosaa. Skoropanova uskoo, että draama Arbatovan persoonassa on menettänyt paljon. Ne näytelmät, jotka julkaistiin, ovat merkityksellisiä tähän päivään.

Draaman realismi on osittain modernisoitua ja sitä voidaan syntetisoida muiden runouden elementeillä taidejärjestelmät... Erityisesti tällainen realismin kulku näkyy "julmana sentimentaalismina" - julman realismin ja sentimentaalismin runouden yhdistelmänä. Näytelmäkirjailija Nikolai Kolyada tunnustetaan tämän suuntauksen mestariksi. "Mene pois, mene pois" (1998) - kirjailija elvyttää linjan pikkumies kirjallisuudessa. "Ihmiset, joista kirjoitan, ovat maakuntien ihmisiä... He yrittävät lentää suon yli, mutta Jumala ei antanut heille siipiä." Näytelmä sijoittuu pieneen maakuntakaupunkiin sotilasyksikön viereen. Sotilaista yksinhuoltajat synnyttävät lapsia ja jäävät yksinhuoltajaäideiksi. Puolet tällaisen kaupungin asukkaista, jos he onnistuvat selviytymään köyhyydestä, eivät onnistu tulemaan onnellisiksi. Elämä kovetti sankarittaren Ljudmilan, mutta syvällä hänen sielussaan säilyi hellyys, lämpö ja rakkauden syvyys, minkä vuoksi Ljudmila ilmoittaa haluavansa tavata miestä perheen perustamiseksi. Hänen elämäänsä ilmestyy tietty Valentin, jonka todellisuus kuitenkin pettää: hän (kuten Ljudmila - hänen miehensä) haluaa löytää vahvan, varakkaan vaimon. Perjantaina kaupunki uppoaa hillittömään juopumiseen, ja ystävänpäivä saapuu vasta lauantaina ja sunnuntaina. Seuraavan juhlan aikana demobelit loukkasivat Ljudmilaa, ja Valentin nousi hänen puolestaan. Se oli hänelle todellinen shokki: ensimmäistä kertaa elämässään (sankaritar aikuinen tytär) mies puolusti häntä. Ljudmila itkee onnesta, kun häntä kohdellaan ihmisenä. Kolyadan näytelmän tunteellinen sävel heijastaa ystävällisyyden ja armon tarvetta. Sitä tosiasiaa, että kaikki ihmiset ovat onnettomia, Kolyada haluaa korostaa tässä ja muissa teoksissaan. Sääli läpäisee kaiken Kolyadan kirjoittaman ja määrittää hänen työnsä erityispiirteet.

Draamassa etualalla ei ehkä edes ole ihminen itse, vaan todellisuus Venäjällä ja maailmassa. Kirjoittajat käyttävät fantasiaa, symboliikkaa, allegoriaa ja heidän realisminsa muuttuu postrealismiksi. Esimerkki on Olga Mikhailovan "Russian Dream" (1994). Näytelmä heijastelee venäläisen yhteiskunnan valtaosan sosiaalista passiivisuutta sekä hellittämätöntä sosiaalista utopismia. Teos luo uudelleen satu-unelman tavanomaisen maailman, joka on ekstrapoloitu 1990-luvun todellisuuteen. Näytelmän keskellä on modernin Oblomovin kuva, viehättävä nuorimies Ilja, jolle on ominaista laiskuus ja joutilaisuus. Hänen sydämessään hän pysyy lapsena, joka on olemassa fantasiamaailmassa. Ilja yrittää saada ranskalaisen Katariinan sosiaaliseen toimintaan, mutta hänen energiansa tai rakkautensa eivät voineet muuttaa Iljan elämäntapaa. Finaalilla on hälyttävä ja jopa eskatologinen konnotaatio: tällainen passiivisuus ei voi päättyä hyvin.

Eskatologisen realismin piirteet näkyvät myös Ksenia Dragunskajan näytelmässä ”Venäjän kirjeet” (1996). Kuvattu ehdollisesti allegorinen tilanne muistuttaa tilannetta " Kirsikkatarha»: Mökkitalo, jonka Asunnon nuori mies myy ulkomaille muuttaessaan, on metafora: se on lapsuuden talo, joka on kuvattu tuhoutumaan tuomituksi, kuten puutarha talon edessä (koska säteily, kaikki elävät olennot menehtyvät täällä). Nightlegovin ja nuoren naisen välille syntyvä Skye voi kuitenkin kehittyä rakkaudeksi, kirjailija tekee selväksi, ja tämä surullisen lopun kanssa jättää epämääräisen mutta toivon pelastuksen mahdollisuudesta.

Joten kaikkialla sentimentaalismin, modernismin tai postmodernismin koodeja tuodaan realistiseen draamaan. On myös rajailmiöitä, joihin kuuluvat Jevgeni Griškovetsin näytelmät. Ne vetoavat suurelta osin realismiin, mutta voivat sisältää elementtejä modernistisesta tietoisuusvirrasta. Grishkovets tuli tunnetuksi monodraamien "Kuinka söin koiran", "Samanaikaisesti", "Dreadnoughts" kirjoittajana, joissa on vain yksi hahmo (tästä termi "monodraama"). Näiden näytelmien sankari harjoittaa pääasiassa reflektointia, jonka tuloksista hän tutustuttaa yleisöön. Hän pohtii elämän monimuotoisimpia ilmiöitä ja useimmiten niin sanottuja "yksinkertaisia ​​asioita" sekä ajan kategoriaa. Kaikki saavat tietoa näistä aiheista koulussa ja yliopistossa, mutta Grishkovetsin sankari pyrkii ajattelemaan itsenäisesti. Itsenäisen ajattelun prosessi, jossain määrin naiivi, hämmentävä, ei suurilla tuloksilla kruunattu, on näytelmissä keskeisellä paikalla. Häntä houkuttelee monodraaman sankarin vilpittömyys, joka tuo hänet lähemmäksi salissa istuvia. Sankari tulkitsee usein uudelleen tietyt elämäkertansa tosiasiat. Se mikä hänen nuoruudessaan näytti hänestä normaalilta ja itsestään selvältä, on nyt hänen kritisoimansa, mikä todistaa henkilökohtainen kasvu, lisäävät moraalisia vaatimuksia itselleen.

On mielenkiintoista, että Grishkovets ei ole vain näytelmäkirjailija, vaan myös näyttelijä. Hän myöntää, että on tylsää toistaa samaa tekstiä uudestaan ​​​​ja uudestaan, ja jokaisessa uudessa puheessa on muunnelmia momentteja. Tästä syystä Griškovetsilla oli julkaisuongelmia: ehdollinen pääteksti julkaistaan.

Monodraaman ohella Grishkovets luo myös "dialogien näytelmän" "Venäläisen matkailijan muistiinpanoja", joka korostaa luottavaisen ystävällisen kommunikoinnin merkitystä. Kirjoittaja osoittaa, että ystävyys on ihmiselle erittäin tylsää, koska se vahvistaa ennen kaikkea uskoa omaan välttämättömyyteen. "Kaksi on jo paljon enemmän kuin yksi." Puhuttu genre määrittää tämän näytelmän poetiikan erityispiirteet. Edessämme ovat ystävien keskustelut tästä ja siitä. Näytelmässä "Kaupunki" on vuorotellen keskusteluja (dialogeja) ja monologeja. Teosten päähenkilöä läpäiseviä yrityksiä voittaa melankolia ja yksinäisyys paljastetaan. Jossain vaiheessa hän yksinkertaisesti kyllästyy elämään, eikä pääasiassa sen draamoihin ja tragedioihin, vaan pikemminkin yksitoikkoisuuteen, yksitoikkoisuuteen, saman asian toistamiseen. Hän haluaa jotain kirkasta, epätavallista, hän haluaa jopa lähteä kotikaupunki, jätä perhe; hänen sisäinen heittonsa heijastelee tekstiä. Lopulta ihminen ajattelee itseään monella tapaa uudelleen ja hyötyy keskinäistä kieltä maailman, rakkaiden kanssa. Yritys arvioida itseään uudelleen, palata ihmisten pariin ja saada elämään lisäulottuvuus, joka antaisi uusi merkitys olemassaolo päättyy onnistuneesti tässä näytelmässä. Kirjoittaja korostaa ennen kaikkea sitä, että ihminen on lääke ihmiselle.

Grishkovetsin näytelmissä on humanistinen lataus ja korkea luotettavuus. Kaiken tunnetun kautta hän tunkeutuu sisään sisäinen maailma yksilöllinen persoonallisuus ja kutsuu hahmonsa itsensä uudistumiseen, jota ei ymmärretä paikanvaihdoksena, vaan myös ihmisen sisäisenä muutoksena. Evgeny Grishkovets tuli laajalti tunnetuksi vuosisadan vaihteessa, mutta vuonna Viime aikoina alkoi toistaa itseään.

Realististen ja postrealististen ohella he luovat nykyajan näytelmäkirjailijoita ja modernistisia draamoja, erityisesti absurdin draamoja. Näytelmät Stanislav Shulyak "Tutkimus", Maxim Kurochkin "Opus Mixtum", Petruševskaja "Taas kaksikymmentäviisi". Pääpaino on yhteiskunnallis-poliittisen elämän ratkaisemattomissa ristiriidoissa, jotka tähän päivään asti julistavat itsensä. Skoropanova pitää "Kaksikymmentäviisi taas" (1993) silmiinpistävimpänä tämän tyyppisenä teoksena. Fantastisia konventioita käyttäen ja tapahtuman absurdiutta paljastaen kirjailija vastustaa hellittämätöntä panoptismia eli valtion tunkeutumista ihmisten yksityiseen elämään. Petruševskaja puolustaa oikeutta erimielisyyteen ja yleensä toiseuteen, johon standardin mestarit eivät voi tottua, murtamalla muiden ihmisten kohtaloita. Näytelmä koostuu dialogista vankilasta vapautuneen Naisen ja hänelle sosiaaliseen sopeutumiseen määrätyn tytön ja hänen vankilassa syntyneen Lapsensa välillä. Ymmärtääkseen, että tämä lapsi on olento, joka näyttää enemmän eläimeltä kuin ihmiseltä, Tyttö uskaltaa ja alkaa kysyä kyselyssä hänelle määrättyjä kysymyksiä. Nuorempi sankaritar ei ymmärrä, että Nainen on jo vapaana, ja uhkaa toisella vankeudella. Tytölle ei anneta ymmärtää, että hänen edessään on Nainen, jolla on poikkeukselliset kyvyt. Petruševskaja näyttää kysyvän kysymyksen: onko valtiolle todella niin tärkeää, keneltä hän tarkalleen synnytti? (Ja keneltä Neitsyt Maria synnytti? Mutta sitä palvotaan, koska hän synnytti Kristuksen.) Petruševskaja väittää massalukijassa ja katsojassa yksityisyyden kategoriaa - jokaisen henkilökohtaista aluetta.

Petruševskajan jo uudella vuosisadalla kirjoittamista näytelmistä erottuu näytelmä "Bifem" (2001). Näytelmä on tyyliltään rajallinen ja siinä on luonteeltaan fantastisten konventtioiden käyttö lähellä modernismia. Yleisnimi Bifem kuuluu Petruševskajan naiselle, jolla on kaksi päätä. Toiminta siirrettiin tulevaisuuteen, kun elinsiirrot, mukaan lukien aivosiirrot, tulivat mahdollisiksi - mutta erittäin kalliiksi. Bee oli yksi ensimmäisistä, joka suostui kiinnittämään toisen pään vartaloonsa, hänen päänsä vain kuollut tytär, caver Fem. Päät puhuvat koko esityksen ajan, ja käy ilmi, että Bee on erittäin ylpeä uhrauksestaan, täyttymystään moraalinen velvollisuus tyttärensä edessä, ja Fem päinvastoin kiusaa hirveästi, koska hän tajuaa, että nainen, jolla on kaksi päätä, ei koskaan tiedä rakkautta tai avioliittoa, ja pyytää äitiään tekemään itsemurhan. Pään kiinnittäminen yhteen vartaloon symboloi Petruševskajan perhesiteitä. Kirjoittaja saarnaa tasa-arvoa perheessä: jos se ei ole perheessä, niin mistä se tulee yhteiskunnassa? "Bifem" sisältää myös dystopian piirteitä, varoittaa, että ilman moraalista muutosta uusimmat tieteelliset löydöt eivät johda mihinkään ja synnyttävät hirviöitä.

The Men's Zone (1994) on postmoderni näytelmä. Kirjailija itse määritteli genren "kabareeksi". Toiminta tapahtuu ehdollisella "vyöhykkeellä", joka muistuttaa sekä keskitysleiriä että yhtä helvetin ympyrää. Kirjoittaja tuo lukijan kuuluisten ihmisten kuviin: Lenin, Hitler, Einstein, Beethoven. Ljudmila Petruševskaja pelaa koko näytelmän ajan peliä näillä kuvilla, jotka tuhoavat niiden kulttihahmon. Ennen meitä ovat hybridilainaushahmot. Jokainen heistä säilyttää kuvan vakiintuneet piirteet ja samalla hankkii vangin, roiston piirteet, jotka on esitetty silloin, kun hän suoritti hänelle täysin sopimattoman roolin, nimittäin: Hitler sairaanhoitajana, Lenin taivaalla leijuva kuu, Einstein ja Beethoven on kuvattu vastaavasti Romeo ja Julia. Syntyy skitsoabsurdistinen todellisuus, joka vääristää Shakespearen näytelmän olemuksen. Toiminta tapahtuu valvojan ohjauksessa, joka personoi ajattelun totalitarismin ja logosentrismin. Tässä yhteydessä Petruševskajan "miesvyöhyke" osoittautuu vertauskuvaksi totalitaariselle massatuotekulttuurille, joka käyttää väärien totuuksien kieltä. Tämän seurauksena ei vain Leninin kuva desakralisoitu, vaan myös minkä tahansa kultin ehdoton palvonta yleensä.

Mihail Ugarov esittää myös parodiapelin todellisten historiallisten henkilöiden kuvilla näytelmässä Green (...?) April (1994-95, kaksi painosta - yksi lukemiseen, toinen lavastusta varten). Jos Korkia näytelmässä "Musta mies" kumoaa virallisen propagandan luoman kuvan Stalinista, niin Ugarov näytelmässään kumoaa Leninin ja hänen vaimonsa ja asetoverinsa Nadezhda Krupskajan kuvan. Kuten Petruševskaja, hänen hahmonsa ovat simulaakkoja. Samanaikaisesti hahmojen kuvat henkilöitetään nimikkeillä "Lisitsyn" ja "Krupa". Ugarov ei kiirehdi paljastamaan korttejaan ja kertomaan, keitä hänen sankarinsa tarkalleen ovat. Hän kehottaa näkemään ne älykkäästä perheestä peräisin olevan nuoren miehen, Serjozhan, silmin, jolla ei ole aavistustakaan siitä, kenen kanssa juoni kohtasi, ja siksi häntä ei ole ohjelmoitu leninistiseen myyttiin. Kirjoittaja luo puhtaasti virtuaalisen, toisin sanoen kuvitteellisen, mutta mahdollisen todellisuuden. Se kuvaa Seryozhan sattumanvaraista tapaamista huhtikuun päivänä vuonna 1916 Zürich-järvellä Sveitsissä kahden vieraan kanssa. Jo näiden kahden esiintyminen saa katsojan komediaan: he ajavat sisään polkupyörillä, ja nainen kaatuu heti, ja hänen seuralaisensa purskahtaa nauruun eikä rauhoita pitkään aikaan. Nämä kaksi hahmoa muistuttavat klovneja ja tuovat mieleen tavallisen sirkustempun matkimisen. "Lisitsyn" reagoi niin liioitellusti riittämättömästi vaimonsa kaatumiseen, että hän ei pitkään, pitkään aikaan saa henkeään naurusta. "Lisitsyn" on aktiivinen, elävä aihe lyhytkasvuinen, "Krupa" esitetään kömpelänä lihavana naisena tylsä ​​ilme kasvoillaan. Tässä tandemissa "Lisitsyn" kuuluu opettajan rooliin ja "Krupa" - typerän oppilaansa rooliin. "Lisitsyn" opettaa aina kaikkia, osoittaen samalla terävää suvaitsemattomuutta ja töykeyttä. Puolisot sijaitsevat samalla aukiolla kuin Seryozha ja alkavat käyttäytyä lievästi sanottuna sivistymättömästi. "Lisitsyn" huutaa koko ajan ja käyttäytyy yleensä erittäin häpeämättömästi. Ensimmäistä kertaa Seryozha tapasi tämänkaltaisia ​​ihmisiä ja tuskin sietää mitä tapahtuu, mutta hyvätapaisena ihmisenä hän on hiljaa. "Lisitsyn" tuntee säteilevän paheksunnan ja päättää "opettaa" Seryozhalle läksyn: hän joutuu piiriinsä ja opettaa, että älykkyys on vapauden puutetta. "Ja tässä minä olen", Lisitsyn sanoo, "erittäin vapaa ihminen." Pseudokulttuurisissa keskusteluissa "Lisitsyn" yrittää kaikin mahdollisin tavoin nöyryyttää Seryozhaa ja lisäksi saada hänet juomaan. Hylättyään täysin humalaisen nuoren miehen kaatosateessa, täydellisesti levänneet "Lisitsyn" ja "Krupa" lähtevät Zürichiin. Ja iltajunalla Seryozhan morsiamen pitäisi saapua.

Johtajan kuvalla leikkiessään Ugarov ei ainoastaan ​​riistää häneltä hänen propaganda-inhimillisyyttään, vaan myös luo uudelleen neuvostovaltion ja sen kansalaisten välisten suhteiden mallin, joka perustuu epäkunnioittamiseen henkilöä kohtaan, hänen oikeuksiensa noudattamatta jättämiseen. kaikki voivat tuhoutua milloin tahansa. Totalitaarisen järjestelmän kulttihahmojen paljastaminen on tärkeä askel sen voittamisessa.

Prigovin "Stereoskooppisia kuvia yksityiselämästä" (1993) - massakulttuurista. Prigov osoittaa sen Massakulttuuria aikamme on käynyt läpi muodonmuutoksen. Ylivoimainen ideologinen pakotus korvataan pehmeän viettelyn strategialla, teeskennellyllä imartelevalla flirttailulla, suloisäänisellä aivojen puuteroinnilla. Tämä on peitellympi ja hienostuneempi tapa vaikuttaa tietoisuuden ja alitajunnan piiriin. Se edistää tavallisten ihmisten muodostumista ja kesyttämistä, koska se jäljittelee heidän toiveidensa toteutumista. Pysyy ennallaan, Prigov osoittaa, todellisuuskuvan väärentäminen, henkisen periaatteen häpäisy, sen tuhoutuminen ihmisessä. Näytelmässä Prigov tutkii massatelevisiotuotannon vaikutusta ihmisiin. Hänen huomionsa herättävät keskusteluohjelmat, joissa ei voi olla mitään pahaa, masentavaa, aivoille mahdotonta. Jos on näennäinen ristiriita, se on ristiriita hyvän ja parhaan välillä. Prigov rakentaa näytelmää sarjasta miniatyyrikohtauksia (yhteensä 28). Nämä ovat jaksoja yhden perheen elämästä. päärooli miniatyyreissä kuuluu sarjakuvaan. Käsitellyt aiheet ovat muodikkaita: seksi, AIDS, rockmusiikki. Samaan aikaan ehdotetaan vähitellen melko varmoja ideoita:

Pääasia elämässä on seksi. "Nuori sukupolvi, jätä valta ja raha meille ja ota seksiä itsellesi."

Kommunistit - hyvät ihmiset... Pojanpojan ja isoäidin välinen dialogi esitetään. Pojanpojalle kerrottiin koulussa kommunisteista, ja isoäiti vakuuttaa hänet ajatuksesta, että kommunistit ovat "jotain villiä".

Siellä on se, mihin useimmat uskovat. "Masha, uskotko sinä Jumalaan?" - "Enemmistö uskoo, mikä tarkoittaa luultavasti, että Jumala on olemassa."

Lähes jokaisen 28 kohtauksen jälkeen puhkeaa suosionosoitukset. Tämä tehdään ohjelmoidun vastauksen saamiseksi mahdolliselta katsojalta.

Odottamatta ilmestyy ulkomaalaisia, mutta kukaan perheenjäsenistä ei välitä hänestä. Sitten hirviö ilmestyy. "Oletko se sinä, Denis?" - "Ei, se olen minä, hirviö." - "Aha, ok." Hirviö syö äidin ja sitten muun perheen. Hirviö symboloi median valtaa ihmiseen. Mutta lopulta, kun hirviö syö muukalaisen, molemmat tuhoutuvat. Muukalainen on todellisen, "toisen" kulttuurin symboli, joka yksin pystyy vastustamaan massakulttuuria.

Äänitetyt aplodit jatkuvat, kun ketään ei ole jätetty lavalle. Mashaa ja Jumalaa lukuun ottamatta kaikki muut hahmot syödään. Hirviö toisti itsensä, se tunkeutui ihmisten sieluihin.

Vuosisadan vaihteessa parikymppisten sukupolvi astui draamaan. Heidän teoksensa ovat yleensä äärimmäisen synkkiä ja tutkivat tavalla tai toisella pahuuden ongelmaa. Pääsijalla näytelmissä ovat epäinhimillisyyden ja väkivallan kuvat, useimmiten eivät valtiolta, vaan pahuudesta, jotka juurtuvat ihmisten suhteisiin ja todistavat heidän sielunsa silpomisesta. Tällaisia ​​ovat Sigarevin "Plasticine", Konstantin Kostenkon "Claustrophobia", Ivan Vyropaevin "Oxygen" ja Presnyakov-veljien "Pub". Tällaisia ​​synkkiä näytelmiä ja niin paljon ei ollut edes maanalaisena aikana. Tämä osoittaa pettymystä modernin sivilisaation arvoihin ja ihmiseen itseensä. Silti nuoret kirjailijat puolustavat ihmiskunnan ihanteita ristiriitamenetelmällä, paksuntamalla mustia värejä.

Yksinomaan mahtava paikka modernissa draamassa myös remake-versiot ovat käytössä - kuuluisien teosten uudet, modernisoidut versiot. Näytelmäkirjailijat kääntyvät Shakespearen puoleen, mistä todistaa "Hamlet. Versio "Boris Akunin", Hamlet. Zero Action, Petruševskaja, Hamlet, Klim (Klimenko), Grigory Gorinin Rutto molemmissa taloissasi. Venäläisistä kirjailijoista he kääntyvät Pushkinin (Nikolaji Koljadan "Dry, Ziben, As tai Patakuningatar"), Gogolin (Nikolaj Koljadan "Vanhan maailman rakkaus", Oleg Bogaevin "Bashmachkin"), Dostojevskin ("Rikos") puoleen. Paradokseja", Klim), Tolstoi (" Anna Karenina - 2 ", Oleg Shishkin: on mahdollista, että Anna selvisi), Tšehov (" Lokki. Versio "Akunin). Klassikkojen kriteerit nykyaikaisuuden arvioinnissa tunnustetaan objektiivisemmiksi kuin mikään ideologinen kriteeri. Muissa tapauksissa he riitelevät edeltäjiensä kanssa tai syventävät havaintojaan. Mutta ennen kaikkea draama viittaa klassikoiden perimiin universaaleihin inhimillisiin arvoihin. Nykyaikaisten näytelmäkirjailijoiden luomista parhaista näytelmistä on tullut paitsi venäläisen, myös ulkomaisen draaman omaisuutta.

XX lopun - XXI vuosisadan alun venäläinen kirjallisuus kokonaisuudessaan, kuten Skoropanova näyttää, on erittäin kiinnostava. Hän opettaa ajattelemaan, muodostaa moraalisen tunteen, kieltää ruman, usein antaa epäsuorassa muodossa käsityksen kauniista ja toivottavasta.