मंच पर मंचन किए गए प्रत्येक प्रदर्शन या प्रदर्शन को दर्शकों को, अन्य बातों के अलावा, उन्होंने जो देखा उससे एक सौंदर्य आनंद लाने के लिए डिज़ाइन किया गया है। इसलिए कपड़े पहनना बहुत जरूरी है अभिनय पात्रनाट्य वेशभूषा के मिलान में। तब काम के युग की भावना को महसूस करना, पात्रों के चरित्र को पकड़ना और तमाशा की सुंदरता का आनंद लेना आसान होगा।

प्राचीन काल से आधुनिक काल तक नाट्य वेशभूषा

थिएटर की उपस्थिति के बाद से, और आज तक, अभिनेताओं के वस्त्रों में बदलाव आया है:

• उन्होंने प्राचीन काल में तात्कालिक सामग्री के साथ प्रयोग करते हुए मंच चित्र बनाने की कोशिश की। मे भी प्राचीन चीनऔर जापान में, कोई विशिष्ट कपड़ों में कलाकारों को देख सकता था, विशेष रूप से उत्सव या औपचारिक प्रदर्शनों में। भारत में पुराने समयस्ट्रीट डांसर्स ने भी ध्यान आकर्षित करने के लिए रंग-बिरंगी साड़ियां पहनी थीं। और प्राकृतिक रंगों से पेंटिंग की कला के आगमन के साथ, साड़ी मोनोक्रोमैटिक नहीं, बल्कि पैटर्न वाली हो गई।
• प्राचीन ग्रीस में दिखाई देने वाली पोशाक को "नाटकीय" कहा जा सकता है। अजीब मुखौटे, मेकअप का इस्तेमाल किया गया था, और पात्रों की पोशाक के विशेष रंग ने प्रदर्शन के नायक की स्थिति या पेशे का संकेत दिया था।
• तब सामंतवाद के युग में यूरोपीय रंगमंच का विकास शुरू हुआ, जब प्रदर्शन, तथाकथित। "रहस्य" भटकते कलाकारों - इतिहासों द्वारा दिए गए थे। पात्रों की उपस्थिति लालित्य और सजावट के समृद्ध तत्वों द्वारा प्रतिष्ठित थी।
• पुनर्जागरण, इसकी कॉमेडी डेल आर्टे के साथ, विचित्र है। कपड़ों, केशविन्यास और विग, हेडड्रेस, जूते, मास्क और मेकअप की मदद से मजाकिया चित्र बनाए गए, विशिष्ट पात्रों के लिए अंतर्निहित विशेषताओं का उपहास किया गया या दर्शकों द्वारा प्रशंसा की गई (टोपी पर कलात्मक पंख, रंगीन पैंटलून)।
• बाद की शताब्दियों में, प्रत्येक यूरोपीय और पूर्वी राज्य में विभिन्न थिएटर, संगीत सैलून, ओपेरा, बैले आदि थे। वेशभूषा अधिक से अधिक विविध होती गई, जो अक्सर भावना को व्यक्त करती थी ऐतिहासिक युग, आधुनिक कपड़े, अनावश्यक शैलीकरण से छुटकारा। इसलिए, मंच पर दर्शक के लिए परिचित छवियों और फिर से बनाई गई ऐतिहासिक वेशभूषा, प्राकृतिक रूप और काल्पनिक श्रृंगार दोनों को देखा जा सकता है।

रूसी नाटकीय पोशाक विशेष ध्यान देने योग्य है। बफून इसके पहले निर्माता माने जाते हैं। चमकीले शर्ट, सैश के साथ कफ्तान, बस्ट जूते, घंटियों के साथ टोपी, पतलून पर पैच - पोशाक के ये सभी तत्व किसान के कपड़े से मिलते जुलते हैं, लेकिन अतिरंजित व्यंग्य रूप में। एक चर्च थिएटर था जहां कलाकारों को कपड़े पहनाए जाते थे सफ़ेद कपड़ेस्वर्गदूतों की तरह। वी स्कूल थिएटरपात्रों के अपने प्रतीक थे। और ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के तहत उन्होंने अभिनय किया पेशेवर रंगमंच... इसलिए, संप्रभु की पोशाक के तत्वों में शाही गरिमा के संकेत थे, कस्टम-मेड कढ़ाई का उपयोग किया गया था, महंगे पत्थरों और उत्तम सजावट को हाथ से सिल दिया गया था।

विचारों

यह तीन मुख्य प्रकार की पोशाक को अलग करने की प्रथा है:

1. चरित्र।यह प्रकार एक सचित्र-प्लास्टिक रचना है, जो भूमिका के कलाकार की अभिन्न छवि का प्रत्यक्ष हिस्सा है। एक सूट में, आकृति अक्सर पूरी तरह छिपी होती है। अभिनेता खुद इसे गति में सेट करता है और आवाज देता है। अभीतक के लिए तो बीजिंग ओपेराएक पवित्र मंदिर या अजगर की छवियों की विशेषता थी।
2. खेल।यह कलाकार के रूप-रंग को बदलने का एक साधन है और उसके अभिनय का एक महत्वपूर्ण तत्व है। चरित्र में अनुष्ठान और लोककथाओं के कार्यों में पात्रों का परिवर्तन अक्सर अजीब और पैरोडी के उपयोग पर आधारित होता था, उदाहरण के लिए, जब युवक लड़कियों के रूप में तैयार होते थे।
3. एक अभिनेता के कपड़े की तरह।यह आधुनिक प्रदर्शनों में मुख्य है, जो अक्सर बिल्कुल समान होता है पारंपरिक वस्त्रउत्पादन में कार्रवाई का एक विशिष्ट युग। इस तरह के एक सूट के आधार पर, उपरोक्त दो प्रकार बनाए जाते हैं।

सिलाई की विशेषताएं

स्टेज के कपड़े सिलना काफी जटिल है और रचनात्मक देखोगतिविधियां। यदि आवश्यक हो, तो सही सामग्री, सामान चुनना, कढ़ाई और पिपली बनाना आवश्यक है। नाट्य पोशाक को निम्नलिखित आवश्यकताओं को पूरा करना चाहिए:

• ऐतिहासिक, नृवंशविज्ञान को ध्यान में रखते हुए, युग को सटीक रूप से शामिल करें, राष्ट्रीय विशेषताएंकाम करता है और नायकों।
• चरित्र के चरित्र के सार को व्यक्त करने के निर्देशक के इरादे के अनुरूप रहें।
• दर्शकों की नजर में अभिनेता को शानदार बनाने के लिए।
• इसके मालिक के फिगर पर बैठना अच्छा है।
• पोशाक पहनने का आराम (प्रदर्शन में भाग लेने वाले नर्तकियों के लिए विशेष रूप से महत्वपूर्ण)।

चूंकि ड्रेसर एक विशिष्ट भूमिका और एक विशिष्ट अभिनेता के लिए एक नाटकीय पोशाक चुनता है, इसलिए इसे आपके माप के अनुरूप बनाना आवश्यक है। इसके लिए पेशेवरों की ओर रुख करना बेहतर है। "सिलाई का कारखाना" मॉस्को और मॉस्को क्षेत्र में एक सिलाई उत्पादन है, यहां आप प्रदर्शन, ओपेरा और बैले के लिए एक पोशाक की सिलाई का आदेश दे सकते हैं। मिलान किया जाएगा सर्वोत्तम सामग्रीऔर लागू आधुनिक तकनीकसिलाई।

"अभिनेताओं के हाथों में सेट का हिस्सा उनकी पोशाक है।"
फ्रेंच इनसाइक्लोपीडिया।

"सूट अभिनेता का दूसरा खोल है, यह उसके होने से अविभाज्य है, यह उसका दृश्यमान चेहरा है मंच छवि, जो अटूट बनने के लिए उसके साथ इतने एकीकृत रूप से विलीन हो जाना चाहिए ... "
ए। हां। ताइरोव।

रंगमंच कला का एक सिंथेटिक रूप है जो हमें न केवल सुनने, न केवल कल्पना करने, बल्कि देखने और देखने की भी अनुमति देता है। रंगमंच हमें मनोवैज्ञानिक नाटकों और ऐतिहासिक उपलब्धियों और घटनाओं में एक भागीदार को देखने का अवसर देता है। रंगमंच, नाट्य प्रदर्शन निर्देशक और अभिनेता से लेकर प्रोडक्शन डिजाइनर तक कई कलाकारों के प्रयासों से निर्मित होता है, नाटक के लिए "संयुग्मन" है विभिन्न कला, जिनमें से प्रत्येक इस अवधारणा में रूपांतरित होता है और एक नया गुण प्राप्त करता है ... "।

नाटकीय पोशाक एक अभिनेता की मंच छवि का एक अभिन्न अंग है, ये चित्रित चरित्र के बाहरी संकेत और विशेषताएं हैं, जो अभिनेता को पुनर्जन्म करने में मदद करते हैं; दर्शक पर कलात्मक प्रभाव के साधन। एक अभिनेता के लिए, एक पोशाक भूमिका के अर्थ से प्रेरित पदार्थ, रूप है।

जिस प्रकार एक अभिनेता शब्द और हावभाव, गति और आवाज के समय में नाटक में दिए गए से शुरू होकर, मंच की छवि का एक नया अस्तित्व बनाता है, उसी तरह कलाकार, नाटक के उसी डेटा द्वारा निर्देशित, के माध्यम से छवि को मूर्त रूप देता है उसकी कला।

सदियों के इतिहास में नाट्य कलासजावट लगातार एक विकासवादी परिवर्तन के माध्यम से चली गई है, जो न केवल मंच प्रौद्योगिकी के सुधार के कारण है, बल्कि शैलियों के सभी मोड़ और इसी समय के फैशन के कारण भी है। यह नाटक के साहित्यिक निर्माण के चरित्र पर, नाटक की शैली पर, दर्शक की सामाजिक संरचना पर, मंच तकनीक के स्तर पर निर्भर करता था।

पुरातनता की स्थिर स्थापत्य संरचनाओं की अवधि को मध्य युग के आदिम चरण से बदल दिया गया था, जिसने बदले में शाही दरबार के थिएटरों को प्रदर्शन के आत्मनिर्भर विलासिता के साथ रास्ता दिया। कपड़े में, जटिल रचनात्मक सजावट में, केवल प्रकाश डिजाइन में, बिना डिजाइन के - एक नंगे मंच पर, एक मंच पर, सिर्फ फुटपाथ पर प्रदर्शन होते थे।

"चलती" सेट के रूप में पोशाक की भूमिका हमेशा प्रमुख रही है। अभिनेता, समय और इतिहास के साथ उनके "रिश्ते" पर दृष्टिकोण बदल रहा था, और अंत में, उनके प्रत्यक्ष "साथी" के साथ - मंच की सजावट।

आधुनिक रंगमंच की कला के प्रगतिशील विकास की प्रक्रिया में, दिशा का नवाचार, सजावट की विधि का परिवर्तन, पोशाक की कला की भूमिका कम नहीं होती - इसके विपरीत। जैसे-जैसे इसके छोटे और अधिक लचीले भाई - सिनेमा और टेलीविजन - बढ़ते हैं, थिएटर, निस्संदेह, खोज और पीड़ा में, शानदार तकनीकों के नए रूप प्राप्त करता है, ठीक वे जो थिएटर की स्थिति की रक्षा और परिभाषित करेंगे स्थायी मूल्यएक स्वतंत्र कला रूप। सूट, सबसे चल तत्व के रूप में नाट्य दृश्य, इस खोज में प्रथम स्थान दिया गया है।

उच्च आधुनिक संस्कृतिनाट्य कला, नाटक और प्रदर्शन पर सूक्ष्म और गहन निर्देशन कार्य, अभिनेताओं के प्रतिभाशाली अभिनय के लिए पोशाक डिजाइनर से आवश्यकता होती है जो प्रदर्शन को सजाता है, विशेष रूप से नाटक की नाटकीयता में पूरी तरह से प्रवेश, निर्देशन के साथ निकट संपर्क। आधुनिक डिजाइन नियमों द्वारा विहित नहीं है। यह प्रत्येक विशेष मामले में व्यक्तिगत और विशिष्ट है। "एक निर्देशक का काम एक कलाकार के काम से अविभाज्य है। सबसे पहले, निर्देशक को मूल सेट की समस्याओं के अपने उत्तर स्वयं खोजने होंगे। बदले में, कलाकार को उत्पादन के कार्यों को महसूस करना चाहिए और लगातार अभिव्यंजक साधनों की तलाश करनी चाहिए ... "। नाट्य पोशाक पहले दृश्य साधनों द्वारा बनाई जाती है, अर्थात स्केच द्वारा।

परिचय 3

अध्याय 1। सैद्धांतिक पहलूनाट्य कला। मंच कला में नाट्य पोशाक की भूमिका और महत्व 5

1.1. कला के रूप में रंगमंच 5

1.2. नाट्य संस्कृति के प्रतीक के रूप में नाट्य पोशाक 7

1.3. भूमिका नाट्य पोशाककला दृश्य में 8

अध्याय 2. XX सदी की शुरुआत 12 . की रूसी नाट्य पोशाक

2.1. XX सदी की शुरुआत में रूस की सांस्कृतिक नीति। नई सांस्कृतिक नीति के आलोक में नाट्य कला के विकास की विशेषताएं 12

2.2. बीसवीं शताब्दी की शुरुआत की नाटकीय पोशाक की विशेषताएं 22

2.3. समय की छवि के रूप में नाट्य पोशाक 25

निष्कर्ष 33

सन्दर्भ 36

परिशिष्ट 38

परिचय

इस काम की प्रासंगिकता इस तथ्य के कारण है कि बीसवीं शताब्दी को रूसी संस्कृति के तेजी से फूलने से चिह्नित किया गया था। कोई आश्चर्य नहीं कि इस समय को त्रेता युग कहा जाता है। रूसी संस्कृति ने रूस के सामाजिक-आर्थिक और सामाजिक-राजनीतिक जीवन में सभी विरोधाभासों को प्रतिबिंबित किया, लोगों की नैतिक स्थिति पर गहरा प्रभाव डाला, संस्कृति के विश्व खजाने में अपना योगदान दिया। रूस के लिए सभी नवाचार और खोजें कठिन थीं। कई महान लोगों को कभी नहीं सुना गया था, लेकिन फिर भी कोई रजत युग की गरिमा को कम नहीं कर सकता, कोई इसकी महानता के बारे में बात नहीं कर सकता। इसलिए 21वीं सदी सूचना और नैनो टेक्नोलॉजी की सदी में बीते युग की संस्कृति पर अधिक ध्यान देने की जरूरत है। हमें इसे समझना चाहिए, और तब हमारे लिए अपनी खुद की, नई संस्कृति बनाना आसान हो जाएगा।

इस काम में, मैं 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूस की नाट्य कला पर विचार करता हूं, अर्थात् उस अवधि की नाटकीय पोशाक की विशेषताएं।

रंगमंच (ग्रीक θέατρον - मुख्य अर्थ - चश्मे के लिए एक जगह, फिर - एक तमाशा, θεάομαι से - मैं देखता हूं, मैं देखता हूं) कला की उन दिशाओं में से एक है जिसमें लेखक (निर्माता, कलाकार) की भावनाएं, विचार और भावनाएं हैं। ) एक अभिनेता या अभिनेताओं के समूह के कार्यों के माध्यम से दर्शकों या दर्शकों के समूह को प्रेषित किया जाता है। नाट्य पोशाक प्रदर्शन डिजाइन का एक तत्व है, एक अभिनेता की उपस्थिति को बदलने का एक साधन और उसके अभिनय के तत्वों में से एक है।

इसका विषय टर्म परीक्षायह इसलिए भी प्रासंगिक है क्योंकि पोशाक बनाने की नाटकीय तकनीक का आविष्कार ठीक बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में किया गया था, कलाकार के स्केच के लिए एक व्यक्तिगत दृष्टिकोण की एक विधि को कलात्मक छवि और लेखक की मंशा के अनुसार एक पोशाक बनाने के लिए विकसित किया गया था। . मॉडलिंग और डिजाइन में, एक आधुनिक पोशाक बनाने का सिद्धांत विकसित किया गया था।

दोनों आज और पिछली शताब्दियों में, पोशाक कलाकारों की विशेष रचनात्मकता का विषय बनी हुई है (जिनमें से ललित कला और परिदृश्य के सबसे प्रमुख स्वामी हैं) और वे इसकी रचना करते हैं (यहां तक ​​​​कि रोजमर्रा के उपयोग की रोजमर्रा की वेशभूषा, शानदार लोगों का उल्लेख नहीं करने के लिए) , न केवल एक अलग कार्य के रूप में, बल्कि प्रदर्शन के सबसे महत्वपूर्ण घटक के रूप में।

प्रासंगिकता के संबंध में, शोध विषय तैयार किया गया था: "बीसवीं शताब्दी की शुरुआत की रूसी नाटकीय पोशाक।"

काम का उद्देश्य: बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी नाट्य पोशाक की विशेषताओं का अध्ययन करना।

काम का उद्देश्य: XX सदी की शुरुआत में रूस की नाट्य कला।

शोध का विषय: 20 वीं शताब्दी की शुरुआत की रूसी नाटकीय पोशाक।

इस लक्ष्य की प्राप्ति निम्नलिखित कार्यों के समाधान से सुगम होती है:

1. नाट्य गतिविधि और इसकी विशेषताओं का अध्ययन।

2. मंच कला में नाट्य पोशाक की भूमिका का खुलासा।

3. बीसवीं सदी की शुरुआत में रूस की सांस्कृतिक नीति पर विचार।

4. बीसवीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी नाट्य पोशाक की विशेषताओं का निर्धारण।

वी संरचनात्मक रूप सेकार्य में एक परिचय, दो सैद्धांतिक अध्याय, एक निष्कर्ष, एक ग्रंथ सूची और एक परिशिष्ट शामिल हैं। परिशिष्ट में 20 वीं शताब्दी की शुरुआत की रूसी नाट्य वेशभूषा की तस्वीरें और रेखाचित्र हैं।
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अध्याय 1. नाट्य कला के सैद्धांतिक पहलू। मंच कला में नाट्य पोशाक की भूमिका और महत्व

1.1. कला के रूप में रंगमंच

किसी भी अन्य प्रकार की कला (संगीत, चित्रकला, साहित्य) की तरह, रंगमंच की अपनी, विशेष विशेषताएं हैं। यह कला सिंथेटिक है: एक नाट्य कार्य (प्रदर्शन) में नाटक का पाठ, एक निर्देशक, अभिनेता, कलाकार और संगीतकार का काम होता है। ओपेरा और बैले में संगीत निर्णायक भूमिका निभाता है।

रंगमंच एक सामूहिक कला है। प्रदर्शन कई लोगों की गतिविधियों का परिणाम है, न केवल वे जो मंच पर दिखाई देते हैं, बल्कि वे भी जो वेशभूषा सिलते हैं, सहारा बनाते हैं, प्रकाश सेट करते हैं और दर्शकों से मिलते हैं। यह व्यर्थ नहीं है कि "थिएटर श्रमिकों" की परिभाषा है: एक प्रदर्शन रचनात्मकता और उत्पादन दोनों है।

रंगमंच अपने आस-पास की दुनिया को जानने का अपना तरीका प्रदान करता है और तदनुसार, कलात्मक साधनों का अपना सेट प्रदान करता है। एक प्रदर्शन एक विशेष क्रिया है जिसे मंच के स्थान पर खेला जाता है, और एक विशेष, संगीत से अलग, कहते हैं। रचनात्मक सोच.

एक नाट्य प्रदर्शन एक पाठ पर आधारित होता है, जैसे कि एक नाटकीय प्रदर्शन के लिए एक नाटक। यहां तक ​​कि उन मंचीय प्रस्तुतियों में जहां इस तरह का शब्द अनुपस्थित है, पाठ कभी-कभी आवश्यक होता है; विशेष रूप से, बैले, और कभी-कभी पैंटोमाइम में लिब्रेटो लिपि होती है। एक नाटक पर काम करने की प्रक्रिया में एक नाटकीय पाठ को मंच पर स्थानांतरित करना शामिल है - यह एक भाषा से दूसरी भाषा में "अनुवाद" का एक प्रकार है। परिणामस्वरूप, साहित्यिक शब्द एक मंचीय शब्द बन जाता है।

पर्दे के खुलने (या उठने) के बाद दर्शक जो पहली चीज देखता है, वह मंच का स्थान है जिसमें दृश्यों को रखा जाता है। वे कार्रवाई की जगह, ऐतिहासिक समय को इंगित करते हैं, राष्ट्रीय स्वाद को दर्शाते हैं। स्थानिक निर्माणों की सहायता से, पात्रों की मनोदशा को भी व्यक्त किया जा सकता है (उदाहरण के लिए, नायक की पीड़ा के एक प्रकरण में, दृश्य को अंधेरे में डुबो दें या उसकी पृष्ठभूमि को काले रंग से कस दें)। कार्रवाई के दौरान, एक विशेष तकनीक की मदद से, दृश्यों को बदल दिया जाता है: दिन रात में बदल जाता है, सर्दी - गर्मी में, गली - एक कमरे में। यह तकनीक मानव जाति की वैज्ञानिक सोच के साथ विकसित हुई। भारोत्तोलन तंत्र, ढाल और हैच, जो प्राचीन काल में मैन्युअल रूप से संचालित होते थे, अब इलेक्ट्रॉनिक्स द्वारा उठाए और कम किए जाते हैं। मोमबत्तियों और गैस लैंपों को प्रकाश बल्बों से बदल दिया गया; लेजर का भी अक्सर उपयोग किया जाता है।

पुरातनता में भी, दो प्रकार के मंच और सभागार बनते थे: एक मंच-बॉक्स और एक मंच-अखाड़ा। स्टेज-बॉक्स टियर और एक पार्टर के लिए प्रदान करता है, और स्टेज-एम्फ़ीथिएटर तीन तरफ से दर्शकों से घिरा हुआ है। आज दुनिया में दोनों प्रकार का उपयोग किया जाता है। आधुनिक तकनीक नाटकीय स्थान को बदलना संभव बनाती है - सभागार के बीच में एक मंच की व्यवस्था करने के लिए, दर्शकों को मंच पर रखने के लिए, और हॉल में प्रदर्शन करने के लिए।

बडा महत्वथिएटर की इमारत से हमेशा जुड़ा रहता है। थिएटर आमतौर पर शहर के मध्य वर्ग में बनाए जाते थे; आर्किटेक्ट चाहते थे कि इमारतें सुंदर हों और ध्यान आकर्षित करें। थिएटर में आकर, दर्शक रोजमर्रा की जिंदगी को छोड़ देता है, जैसे वह वास्तविकता से ऊपर उठता है। इसलिए, यह कोई संयोग नहीं है कि दर्पणों से सजी सीढ़ियाँ अक्सर हॉल की ओर जाती हैं।

संगीत नाटकीय प्रदर्शन के भावनात्मक प्रभाव को बढ़ाने में मदद करता है। कभी-कभी यह न केवल कार्रवाई के दौरान, बल्कि मध्यांतर के दौरान भी - जनता के हित को बनाए रखने के लिए लगता है।

नाटक में मुख्य व्यक्ति अभिनेता है। दर्शक अपने सामने एक ऐसे व्यक्ति को देखता है, जो रहस्यमय तरीके से एक कलात्मक छवि में बदल गया है - कला का एक प्रकार का काम। बेशक, कला का काम खुद कलाकार नहीं है, बल्कि उसकी भूमिका है। वह आवाज, नसों और कुछ मायावी - आत्मा, आत्मा द्वारा बनाई गई एक अभिनेता की रचना है।

मंच पर कार्रवाई को समग्र रूप से माना जाने के लिए, इसे सोच-समझकर और लगातार व्यवस्थित करना आवश्यक है। इन जिम्मेदारियों में आधुनिक रंगमंचनिदेशक द्वारा किया गया। बेशक, नाटक में अभिनेताओं की प्रतिभा पर बहुत कुछ निर्भर करता है, लेकिन, फिर भी, वे नेता - निर्देशक की इच्छा के अधीन होते हैं।

1.2. नाट्य संस्कृति के प्रतीक के रूप में नाट्य पोशाक

अभिनेता ने हमेशा एक ऐसी पोशाक पहनी है जो आकस्मिक पहनने की तरह पारंपरिक नहीं हो सकती है। न केवल "आरामदायक", "गर्म", "सुंदर" - मंच पर यह "दृश्यमान", "अभिव्यंजक", "आलंकारिक" भी है।

अपने पूरे इतिहास में, थिएटर ने पोशाक के जादू का इस्तेमाल किया है, जो वास्तविक जीवन में मौजूद है। एक गरीब आदमी के कपड़े, एक दरबारी की एक अमीर पोशाक, सैन्य कवच अक्सर अग्रिम में, किसी व्यक्ति के करीबी परिचित से पहले, उसके प्रति हमारे दृष्टिकोण में बहुत कुछ निर्धारित करता है। कपड़ों के परिचित विवरणों से बनी एक पोशाक रचना, लेकिन एक विशेष, "बोलने" तरीके से, एक चरित्र के चरित्र में कुछ विशेषताओं पर जोर दे सकती है, नाटक में होने वाली घटनाओं का सार प्रकट कर सकती है, और ऐतिहासिक समय के बारे में बता सकती है। नाट्य पोशाक दर्शकों में अपने स्वयं के संघों को उजागर करती है, प्रदर्शन और नायक दोनों की छाप को समृद्ध और गहरा करती है।

डिजाइन, कट, बनावट, नाट्य पोशाक, एक नियम के रूप में, हर रोज से अलग है। प्राकृतिक परिस्थितियाँ (गर्म-ठंडा), एक व्यक्ति का सामाजिक संबंध (किसान, शहरवासी), और फैशन भी जीवन में महत्वपूर्ण भूमिका निभाते हैं। थिएटर में, प्रदर्शन की शैली, प्रदर्शन की कलात्मक शैली से भी बहुत कुछ निर्धारित होता है। बैले में, उदाहरण के लिए, पारंपरिक नृत्यकला में, कोई भारी पोशाक नहीं हो सकती है। और एक नाटकीय प्रदर्शन में आंदोलन से संतृप्त, पोशाक को अभिनेता को मंच स्थान में स्वतंत्र महसूस करने से नहीं रोकना चाहिए।

अक्सर, थिएटर कलाकार, वेशभूषा के लिए रेखाचित्र बनाते हैं, मानव शरीर के रूपों को विकृत और अतिरंजित करते हैं।

एक आधुनिक विषय पर एक नाटक में पोशाक, विचित्र रूप से पर्याप्त, सबसे कठिन समस्याओं में से एक है। पास की दुकान के कपड़े पहने अभिनेता को मंच पर लाना असंभव है। केवल विवरणों का एक सटीक चयन, एक सुविचारित रंग योजना, नायकों की उपस्थिति में पत्राचार या विरोधाभास एक कलात्मक छवि के जन्म में मदद करेगा।

पोशाक पारंपरिक संस्कृति के प्रतीकवाद को शामिल करती है। किसी और के कपड़े पहनना दूसरे व्यक्ति की उपस्थिति का उपयोग करना है। शेक्सपियर या गोल्डोनी के नाटकों में, नायिका एक आदमी की पोशाक पहनती है - और करीबी लोगों के लिए भी पहचानने योग्य नहीं हो जाती है, हालांकि, पोशाक के अलावा, उसने अपनी उपस्थिति में कुछ भी नहीं बदला है। हेमलेट के चौथे अधिनियम में, ओफेलिया एक लंबी शर्ट में, शराबी बालों के साथ (अदालत की पोशाक और केश के विपरीत) दिखाई देती है - और दर्शकों को शब्दों की आवश्यकता नहीं है, नायिका का पागलपन उसके लिए स्पष्ट है। आखिरकार, यह विचार कि बाहरी सद्भाव का विनाश आंतरिक सद्भाव के विनाश का संकेत है, किसी भी व्यक्ति की संस्कृति में मौजूद है।

रंग का प्रतीकवाद (लाल - प्रेम, काला - उदासी, हरा - आशा) और रोजमर्रा के कपड़ों में खेलता है एक निश्चित भूमिका... लेकिन रंगमंच ने पोशाक में रंग को चरित्र की भावनात्मक स्थिति को व्यक्त करने के तरीकों में से एक बना दिया है। तो, सिएना पर हेमलेट विभिन्न थिएटरहमेशा काले कपड़े पहने।

1.3. मंच कला में नाट्य पोशाक की भूमिका

18वीं शताब्दी के मध्य तक। सिएना की कला के बुनियादी सिद्धांतों में से एक भूमिका का सिद्धांत था (फ्रांसीसी कर्मचारी से - "आवेदन")। प्रत्येक अभिनेता ने अपने लिए एक निश्चित प्रकार की भूमिका चुनी और जीवन भर अपनी पसंद का पालन किया। एक खलनायक, एक साधारण व्यक्ति, एक प्रेमी, एक उचित व्यक्ति (गुंजयमान यंत्र) आदि की भूमिका थी। ऐसे पात्रों को निभाने वाले अभिनेताओं ने विशेष तकनीक विकसित की, विशेष इशारों का आविष्कार किया, बोलने का एक तरीका, और एक विशिष्ट पोशाक विवरण का आविष्कार किया। रंगमंच के कार्यकर्ताओं ने हमेशा इस भूमिका का विरोध किया है, जिन्होंने मंच की कला के नवीनीकरण की वकालत की। वे ठीक ही मानते थे कि एक जैसे खलनायक, प्रेमी, नौकर नहीं हैं, और इसलिए भूमिका को रद्द कर दिया जाना चाहिए। XX सदी में। इस अवधारणा का अब उपयोग नहीं किया गया था। हालाँकि, आप अभी भी देख सकते हैं, उदाहरण के लिए, ऐसी घोषणाएँ: "थिएटर नकारात्मक पात्रों की भूमिका के लिए एक अभिनेता की तलाश कर रहा है।" पुराना सिद्धांत दृढ़ साबित हुआ।

इटली में और आंशिक रूप से ऑस्ट्रिया में, वे कामचलाऊ व्यवस्था से प्यार करते थे (लैटिन इम्प्रोविसस से - "अप्रत्याशित", "अचानक"), यानी खेलने का एक तरीका जिसमें प्रदर्शन के समय एक नई प्लास्टिक तकनीक या इंटोनेशन का जन्म हो सकता है। फ्रांसीसी 17वीं शताब्दी में विकसित नियमों का पालन करने के आदी हैं। थिएटर में शब्द को मुख्य माना जाता था, इसलिए अभिनेताओं ने पाठ पर बहुत काम किया और प्रदर्शनों में भाषण की सुंदरता का प्रदर्शन किया। पर रूसी दृश्यडिडरॉट के बावजूद खेला - दिल की सुनना। उस समय तक अनेक यूरोपीय देशऐसे शिक्षण संस्थान थे जो अभिनेताओं को प्रशिक्षित करते थे। इनमें से सबसे पुराना पेरिस कंज़र्वेटरी है (जिसमें नाटक कक्षाएं शामिल हैं)।

XX सदी ने थिएटर की कला को इतने सिद्धांत दिए अभिनय कौशलकिसी अन्य सदी की तरह। अभिनेताओं, निर्देशकों, नाटककारों ने अपने स्वयं के सिस्टम विकसित करने का प्रयास किया। सबसे प्रसिद्ध में से एक कॉन्स्टेंटिन सर्गेइविच स्टैनिस्लावस्की (1863-1938) का है, जो मॉस्को आर्ट थिएटर के संस्थापकों में से एक है। स्टैनिस्लावस्की की कृतियाँ - "खुद पर एक अभिनेता का काम" और "भूमिका पर एक अभिनेता का काम" अभिनेताओं के लिए एक तरह की बाइबिल बन गई। तकनीक में रुचि, जो 20वीं शताब्दी के पहले दशकों में दिखाई दी, सदी के अंत में कम नहीं होती है। नए सिद्धांत, यहां तक ​​​​कि स्टैनिस्लावस्की के बयानों का खंडन करते हुए, एक तरह से या किसी अन्य, इन वास्तव में युगांतरकारी कार्यों पर भरोसा करते हैं।

एस। स्टानिस्लावस्की खुद एक अभिनेता थे, कम उम्र से ही उन्होंने शौकिया और पेशेवर दोनों प्रदर्शनों में प्रदर्शन किया। वह पेशे की पहेलियों, मंच पर कलाकार के अस्तित्व के अर्थ और रूप से मोहित था। स्टैनिस्लावस्की ने अपने परिपक्व वर्षों में ही रंगमंच की कला के बारे में अपने विचारों को सामान्य किया, जब उन्होंने अभिनय, निर्देशन और शैक्षणिक दोनों तरह के अनुभव का एक बहुत जमा किया था।

अभिनेता भावनाओं की सच्चाई को प्राप्त कर सकता है, अगर वह अपने नायक की "त्वचा में फिट" पूरी तरह से पुनर्जन्म लेता है। यह विचार महान रूसी कलाकार मिखाइल शिमोनोविच शेपकिन द्वारा व्यक्त किया गया था, और स्टैनिस्लावस्की ने ऐसी तकनीकें विकसित कीं जिनके साथ आप भूमिका के लिए अभ्यस्त हो सकते हैं। निर्देशक ने अभिनेता के पालन-पोषण को महत्वपूर्ण माना - थिएटर के क्लर्क में विशेष नैतिकता होनी चाहिए, जानें कि वह मंच पर क्यों जाता है और वह दर्शकों को क्या बताना चाहता है। "एक अभिनेता की भूमिका पर्दे को कम करने के साथ समाप्त नहीं होती है - वह जीवन में एक साधक और सौंदर्य का मार्गदर्शक बनने के लिए बाध्य है," स्टानिस्लावस्की ने लिखा।

आधुनिक आदमीअक्सर अपने आंतरिक सार के अनुसार स्वाभाविक रूप से व्यवहार नहीं कर सकता। नायक को समझने के लिए, अभिनेता को अपनी आत्मा में "प्रवेश" करना चाहिए, जब वह आधिकारिक जीवन की परंपराओं से बंधा नहीं होता है। स्टानिस्लाव्स्की ने पात्रों को "अपनी आंतरिक कहानियों के माध्यम से" दिखाने का आह्वान किया।

लंबे समय तकमंच की कला में कलाकारों की टुकड़ी की समस्या हल नहीं हुई। रोमांटिकतावाद के रंगमंच के प्रदर्शन में, एक अभिनेता, मुख्य भूमिका निभाने वाला, अक्सर बाहर खड़ा होता था। कभी-कभी दर्शकों ने कुछ अभिनेताओं का अनुसरण किया, खासकर यदि वे एक प्रेम युगल खेल रहे थे। XX सदी के थिएटर में। - स्टैनिस्लावस्की के लिए काफी हद तक धन्यवाद - यह अभिनेताओं का पहनावा था जो महत्वपूर्ण हो गया। एक अन्य उत्कृष्ट निर्देशक, वसेवोलॉड एमिलिविच मेयरहोल्ड (1874-1940) ने भी इस तरह के कलाकारों की टुकड़ी के महत्व के बारे में लिखा। यह "व्यक्तियों का समूह" है जिसे दर्शकों के सामने जीवन की तस्वीर प्रकट करनी चाहिए, न कि एक एकल अभिनेता।

आधुनिक नाट्य कला में, यह धीरे-धीरे आकार ले रहा है नया प्रकारनाटक थियेटर अभिनेता। ऐसा कलाकार प्रमुख राष्ट्रीय स्कूलों से परिचित है, स्टैनिस्लावस्की, ग्रोटोव्स्की, आर्टॉड, ब्रेख्त को पढ़ा है, वह भी पूरी तरह से नए विचारों में रुचि रखता है। वह चुन सकता है, लेकिन अधिक बार अपने काम में, विभिन्न स्कूलों के तत्व, विभिन्न सिद्धांतों से उधार ली गई अभिनय तकनीक की तकनीक काफी शांति से सह-अस्तित्व में होती है। 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के अभिनेता, दोनों रूसी और पश्चिमी, ने एक चरित्र की छवि, और अलगाव के सिद्धांतों, और कामचलाऊ व्यवस्था के अभ्यस्त होने की तकनीकों में महारत हासिल की। अस्तित्व की ऐसी स्वतंत्रता प्राप्त करने के नाम पर, अतीत के महान अभिनेताओं और निर्देशकों ने मंच पर काम किया - उन्होंने संदेह किया, निराश हुए, उन्हें बहरी सफलता और बड़ी विफलताएं दोनों मिलीं।

के.एस. के विचार स्टैनिस्लाव्स्की को फ्रांसीसी कवि, निर्देशक और अभिनेता एंटोनिन आर्टौड (असली नाम एंटोनी मैरी जोसेफ, 1896-1948) और पोलिश निर्देशक जेरज़ी ग्रोटोव्स्की द्वारा विकसित किया गया था। आर्टौड और ग्रोटोव्स्की का मानना ​​​​था कि 20 वीं शताब्दी का एक आदमी मजबूत जुनून को नहीं जानता, वह खेलता है, लेकिन रहता नहीं है। अभिनेता का उद्देश्य दर्शकों को सच्ची भावनाओं, वास्तविक अनुभवों की ओर लौटाना है। लेकिन इसके लिए उसे पहले खुद को खेलना सीखना होगा साधारण जीवन... Artaud और Grotowski ने विकसित किया खुद के सिस्टमसीन मास्टर्स की तैयारी। फ्रांसीसी निर्देशक के अनुसार अभिनेता एक पेशे से बढ़कर है। रंगमंच सबसे प्रभावी कला है, जिसे उच्च कविता को जीवन में लाने के लिए लोगों को सम्मेलनों की बेड़ियों से मुक्त करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। अभिनेता की कला पर आर्टौड के विचार काफी हद तक यूटोपियन हैं, लेकिन, फिर भी, उनके सिद्धांत ने विश्व नाट्य कला को प्रभावित किया।

अध्याय 2. XX सदी की शुरुआत की रूसी नाट्य पोशाक

2.1. XX सदी की शुरुआत में रूस की सांस्कृतिक नीति। नई सांस्कृतिक नीति के आलोक में नाट्य कला के विकास की विशेषताएं

1917 की अक्टूबर क्रांति रूसी संस्कृति के भाग्य में एक महत्वपूर्ण मोड़ साबित हुई। शब्द के शाब्दिक अर्थ में एक महत्वपूर्ण मोड़: रूसी संस्कृति, जो एक आरोही रेखा के साथ विकसित हो रही थी, अपने उच्चतम बिंदु पर पहुंच गई और रजत युग के दौरान दुनिया भर में मान्यता प्राप्त हुई, रोक दी गई और इसका आंदोलन तेजी से नीचे चला गया। मोड़ जानबूझकर बनाया गया था, पहले से तैयार की गई योजना के अनुसार बनाया गया था और यह एक देश द्वारा दूसरे देश पर कब्जा करने की एक सहज तबाही और उसकी संस्कृति पर आक्रोश का प्रतिनिधित्व नहीं करता था, जो विश्व इतिहास में पाए जाते हैं।

उस समय रूस में ऐसा कुछ नहीं हुआ था। बोल्शेविक रूसी लोगों का मांस थे, लेकिन उन्होंने अपनी संस्कृति के साथ एक विजेता के रूप में काम किया, जो पुराने आदेश को पसंद नहीं करते थे और इसे एक नए के साथ बदलने का फैसला करते थे।

जीत के साथ अक्टूबर क्रांतिसोवियत सरकार ने तुरंत एक नई सांस्कृतिक नीति शुरू की। इसका मतलब इतिहास में एक अभूतपूर्व - सर्वहारा - प्रकार की संस्कृति का निर्माण था, जो सबसे क्रांतिकारी और उन्नत पर आधारित थी, जैसा कि माना जाता था, मार्क्सवाद की विचारधारा, एक नए प्रकार के व्यक्ति की परवरिश, सार्वभौमिक साक्षरता और ज्ञान का प्रसार , आम लोगों के श्रम कारनामों की प्रशंसा करते हुए कला के स्मारकीय कार्यों का निर्माण। जैसा कि सोचा गया था, सर्वहारा संस्कृति को कुलीन और बुर्जुआ संस्कृतियों का स्थान लेना था। रूसी कुलीन संस्कृति 150 वर्ष भी पुरानी नहीं थी, और बुर्जुआ की उम्र और भी कम थी, क्योंकि रूस में पूंजीवाद, यदि आप औपचारिक मानदंडों से गिनें, केवल 57 वर्षों (1861-1917) के लिए अस्तित्व में था। वी पश्चिमी यूरोपजहां पहली की उम्र कई शताब्दियों तक मापी गई, और दूसरी की उम्र 150 साल से अधिक हो गई, क्रांतिकारी मुसीबतों ने उन्हें बहुत कम हद तक धमकी दी।

कुलीन और बुर्जुआ संस्कृतियों के बीच स्पष्ट अंतर किए बिना, बोल्शेविकों ने अचानक उन दोनों को अतीत की एक अनावश्यक विरासत के रूप में व्यवहार करने का फैसला किया। न केवल प्रतीक और बैनर, बल्कि पुश्किन की कविताओं के खंड भी क्रांति की धधकती आग में उड़ गए। सोवियत इतिहास के पहले वर्षों का नारा "चलो पुश्किन को हमारे समय के जहाज से फेंक दें!" क्रूर संगति के साथ और अधिकारियों के पूर्ण समर्थन के साथ अवतरित हुए। वास्तव में, वह, महान मोड़, उनके द्वारा शुरू किया गया था। उस युग में हुई सांस्कृतिक क्रांति ऊपर से क्रांति का एक विशिष्ट उदाहरण थी जो अकार्बनिक आधुनिकीकरण के साथ थी।

3ए निर्माण नई संस्कृतिबोल्शेविकों ने जल्दी और निर्णायक रूप से लिया। 9 नवंबर, 1917 के फरमान के अनुसार, संस्कृति का मार्गदर्शन और नियंत्रण करने के लिए शिक्षा पर राज्य आयोग की स्थापना की गई थी। गठित सरकार (एसएनके आरएसएफएसआर) में, ए.वी. लुनाचार्स्की (1874-1933) को शिक्षा के लिए पीपुल्स कमिसर नियुक्त किया गया था। शिक्षा के लिए पीपुल्स कमिश्रिएट में, RSFSR के राष्ट्रीय क्षेत्रों में सांस्कृतिक मामलों के प्रबंधन के लिए राष्ट्रीय अल्पसंख्यकों की शिक्षा के लिए एक विभाग का गठन किया गया था। सोवियत सत्ताक्रांति से पहले काम करने वाले सार्वजनिक, पेशेवर और रचनात्मक संगठनों को समाप्त कर दिया गया - अखिल रूसी शिक्षक संघ, आंकड़ों का संघ कलात्मक संस्कृति, द यूनियन ऑफ़ आर्ट वर्कर्स, आदि। नए सांस्कृतिक संगठन उठे - निरक्षरता के साथ नीचे, नास्तिकों का संघ, रेडियो के दोस्तों का समाज, आदि।

पहले से ही 1917 में, हर्मिटेज, रूसी संग्रहालय, ट्रीटीकोव गैलरी, शस्त्रागार और कई अन्य संग्रहालय। निजी संग्रह एस.एस. शुकुकिन, ममोंटोव्स, मोरोज़ोव्स, ट्रीटीकोव्स, वी.आई. डाहल, आई.वी. स्वेतेवा।

बुद्धिजीवियों की व्यावसायिक स्वायत्तता की संस्थाएँ - स्वतंत्र प्रकाशन, रचनात्मक संघ, ट्रेड यूनियन संघ - कदम दर कदम परिसमाप्त किए गए। यहां तक ​​कि विज्ञान को भी सख्त वैचारिक नियंत्रण में रखा गया था। विज्ञान अकादमी, हमेशा रूस में काफी स्वतंत्र थी, कम्युनिस्ट अकादमी के साथ विलय कर दिया गया था, जो पीपुल्स कमिसर्स की परिषद के अधीन थी और एक नौकरशाही संस्था में बदल गई थी। 1920 के दशक के अंत के बाद से, पुराने बुद्धिजीवियों के संदेह को राजनीतिक उत्पीड़न से बदल दिया गया था: शाक्ति मामला, औद्योगिक पार्टी की प्रक्रियाएं, लेबर किसान पार्टी इस बात की गवाही देती है कि देश में रूसी बुद्धिजीवियों का भौतिक विनाश शुरू हुआ।

इसके साथ ही पुराने बुद्धिजीवियों के परिसमापन के साथ, सोवियत बुद्धिजीवियों का निर्माण आगे बढ़ा, और इसके अलावा, "पदोन्नति" (कल के कार्यकर्ताओं को पार्टी निकायों द्वारा निदेशकों के रूप में पदोन्नत किया गया), श्रमिकों के संकायों (त्वरित शिक्षा और श्रमिकों की तैयारी के लिए प्रारंभिक संकाय) के माध्यम से त्वरित किया गया। ' और किसानों के युवा विश्वविद्यालयों में प्रवेश के लिए; विधि ", जिसमें एक छात्र ने पूरे समूह के लिए सूचना दी)। नतीजतन, पहले से ही 1933 में, यूएसएसआर ने छात्रों की संख्या के मामले में जर्मनी, इंग्लैंड, जापान, पोलैंड और ऑस्ट्रिया को पीछे छोड़ दिया।

नई सांस्कृतिक नीति का उद्देश्य "कामकाजी लोगों को उनके श्रम के शोषण के आधार पर बनाई गई कला के सभी खजाने उपलब्ध कराना" है, जैसा कि आरसीपी (बी) की आठवीं कांग्रेस में घोषित किया गया था। सबसे प्रभावी साधन सामान्य राष्ट्रीयकरण माना जाता था - न केवल कारखानों और पौधों, बल्कि थिएटर और कला दीर्घाओं का भी। विश्व संस्कृति के खजाने तक लोगों की मुफ्त पहुंच, योजना के अनुसार, रूस के सामान्य ज्ञान के लिए रास्ता खोलना था। उसी समय, सांस्कृतिक स्मारकों के राष्ट्रीयकरण का उद्देश्य उन्हें विनाश से बचाना था, क्योंकि राज्य ने उन्हें अपने संरक्षण में ले लिया था। संग्रहालय और प्रदर्शनी हॉल, नास्तिक क्लब और तारामंडल महान सम्पदाओं, चर्चों और शहर के संस्थानों में स्थापित किए गए थे। 1918 और 1923 के बीच लगभग 250 नए संग्रहालय बनाए गए। कुछ स्मारकों का जीर्णोद्धार शुरू हो गया है। 1918-1919 में, 65 से अधिक ऐतिहासिक और कलात्मक स्मारकों को बहाल किया गया था, और 1924 - 227 तक। 27 अगस्त, 1919 के RSFSR के पीपुल्स कमिसर्स काउंसिल के डिक्री द्वारा, फोटोग्राफिक और सिनेमैटोग्राफिक उद्योग का राष्ट्रीयकरण किया गया था। फिल्म कारखानों और सिनेमाघरों का काम शिक्षा के लिए पीपुल्स कमिश्रिएट के अखिल रूसी फोटो और फिल्म विभाग (वीएफकेओ) के नेतृत्व में था, जिसे 1923 में गोस्किनो में और 1926 में सोवकिनो में बदल दिया गया था। 1918 में, राज्य ने सबसे बड़े संगीत संस्थानों पर अधिकार कर लिया: कंज़र्वेटरी, बोल्शोई थिएटर, मरिंस्की ओपेरा हाउस, संगीत वाद्ययंत्र कारखाने, संगीत प्रकाशन गृह। नए संगीत कार्यक्रम और संगीत शैक्षिक संगठन, संगीत शिक्षण संस्थान बनाए गए, शौकिया समूह आयोजित किए गए।

हालांकि, उसी राष्ट्रीयकरण ने पहले की अनदेखी सांस्कृतिक बर्बरता के लिए रास्ता खोल दिया: अमूल्य पुस्तकालय गायब हो गए, अभिलेखागार नष्ट हो गए; कुलीन घरों और चर्चों में, न केवल क्लब और स्कूल स्थापित किए गए, बल्कि गोदाम और कार्यशालाएं भी स्थापित की गईं। समय के साथ, कई धार्मिक भवन पूरी तरह से उजाड़ हो गए, और पूरे देश में कई हजार मंदिर और मठ पूरी तरह से पृथ्वी के चेहरे से मिटा दिए गए। जब बोल्शेविकों को राष्ट्रीय अर्थव्यवस्था को बहाल करने के लिए कठिन मुद्रा की आवश्यकता थी, कलात्मक खजाने के दर्जनों वैगन, जिनमें ऐतिहासिक मूल्य के प्रतीक शामिल थे, विदेशों में सचमुच कुछ भी नहीं के लिए बेचे गए थे। वर्ग दृष्टिकोण के सिद्धांतों का पालन करते हुए, शहरों में सैकड़ों पुराने स्मारकों को नष्ट कर दिया गया, जिनके स्थान पर क्रांतिकारी नायकों की प्रतिमाएं खड़ी की गईं, सड़कों और चौकों का नाम बदल दिया गया।

सर्वहारा वर्ग (सर्वहारा संस्कृति), एक सांस्कृतिक, शैक्षिक, साहित्यिक और कलात्मक संगठन (1917-1932) शिक्षा के पीपुल्स कमिश्रिएट के तहत सर्वहारा शौकिया संगठनों ने दूसरों की तुलना में अधिक सक्रिय रूप से लड़ाई लड़ी। प्रोलेटकल्ट 1917 के पतन में उभरा और जल्द ही कला के विभिन्न क्षेत्रों, विशेष रूप से साहित्य और रंगमंच में 200 से अधिक स्थानीय संगठन थे। इसके विचारकों (A.A.Bogdanov, V.F.Pletnev) ने गंभीर क्षति पहुंचाई कलात्मक विकाससांस्कृतिक विरासत को नकार रहे देश सर्वहारा ने दो कार्यों को हल किया - पुरानी कुलीन संस्कृति को नष्ट करना और एक नए सर्वहारा का निर्माण करना। उन्होंने पहले के साथ सबसे सफलतापूर्वक मुकाबला किया, और दूसरा असफल प्रयोग का क्षेत्र बना रहा।

प्रोलेटकल्ट ने एक नकारात्मक भूमिका निभाई क्योंकि इसने घुड़सवार सेना के हमले की विधि द्वारा समस्याओं को हल करने की कोशिश की, जहां वे, ये तरीके, किसी भी तरह से उपयुक्त नहीं थे। वह आधार नहीं था, बल्कि संस्कृति के लिए बोल्शेविक दृष्टिकोण की एक चरम अभिव्यक्ति थी, जिससे आरएसडीएलपी ने जल्द ही छुटकारा पाने की कोशिश की। संस्कृति से संबंधित बड़े पैमाने की समस्याओं को हल करने के चरमपंथी तरीकों की अनुपयुक्तता से आश्वस्त, बोल्शेविक एक क्रमिक और अधिक समन्वित आक्रमण के लिए आगे बढ़े।

शिक्षा प्रणाली में, राष्ट्रीयकरण को राष्ट्रीयकरण से बदल दिया गया, जिसने राष्ट्रीयकरण की तरह, कई लक्ष्यों का पीछा किया। सबसे पहले, स्कूलों और विश्वविद्यालयों का प्रशासन, अपनी शैक्षणिक स्वतंत्रता और प्रतिरक्षा को खो देने के बाद, पार्टी तंत्र के अधीन था, जिसने शिक्षण कर्मचारियों को नियुक्त और प्रतिस्थापित किया, और छात्रों के प्रवेश के लिए कोटा निर्धारित किया। दूसरे, छात्रों और प्रोफेसरों, सिखाए गए और अर्जित ज्ञान की सामग्री पर सतर्क वैचारिक नियंत्रण स्थापित किया गया था। तीसरा, सार्वजनिक शिक्षा के पैमाने और मात्रा में तेजी से विस्तार हुआ, और लगभग सभी आबादी को मुफ्त सार्वजनिक शिक्षा प्राप्त हुई। नतीजतन, पहले से ही 1921 में देश में विश्वविद्यालयों की संख्या पूर्व-क्रांतिकारी रूस में 91 की तुलना में बढ़कर 244 हो गई। डिक्री "उच्च शिक्षण संस्थानों में प्रवेश के नियमों पर" (1918) ने विश्वविद्यालयों में मुफ्त प्रवेश की अनुमति दी। न केवल ट्यूशन फीस और प्रवेश परीक्षाओं को समाप्त कर दिया गया - यहां तक ​​कि हाई स्कूल डिप्लोमा की भी आवश्यकता नहीं थी।

देश में वयस्कों और बच्चों में निरक्षरता को मिटाने के लिए एक व्यापक अभियान शुरू किया गया है। 1919 में, "RSFSR की आबादी के बीच निरक्षरता के उन्मूलन पर" डिक्री जारी की गई थी, जिसमें 8 से 50 वर्ष की आयु के सभी निरक्षर लोगों को अपनी मूल भाषा या रूसी में पढ़ना और लिखना सीखने के लिए बाध्य किया गया था। निरक्षरता को मिटाने के लिए हर जगह आपातकालीन आयोगों की स्थापना की गई। समाज "निरक्षरता के साथ नीचे" का नेतृत्व एम.आई. कलिनिन, वी.आई. लेनिन, ए.वी. लुनाचार्स्की। स्कूलों, मंडलियों और पाठ्यक्रमों का एक विस्तृत नेटवर्क बनाया गया था। 1913-1920 में। लगभग 7 मिलियन लोगों ने साक्षरता हासिल कर ली है। 1939 की अखिल-संघ की जनगणना के अनुसार 16 से 50 वर्ष की आयु के साक्षर लोगों की संख्या बढ़कर 90% हो गई है। 1914 में 7.9 मिलियन की तुलना में सामान्य शिक्षा स्कूलों में छात्रों की संख्या 30 मिलियन से अधिक हो गई, और विश्वविद्यालय के स्नातकों की संख्या 370 हजार से अधिक हो गई। 1,800 शोध संस्थानों में कार्यरत शोधकर्ताओं की संख्या बढ़कर 100 हजार हो गई, जो 1913 के स्तर को लगभग 10 गुना पार कर गई। .

स्कूली बच्चों और छात्रों के जबरन प्रशिक्षण के कारण सबसे पहले शिक्षा की गुणवत्ता में उल्लेखनीय कमी आई। स्नातक पढ़ सकते थे, लेकिन उस समय के विज्ञान की उन्नत उपलब्धियों के अधिकारी नहीं थे, और FZU (कारखाने के स्कूलों) में ज्ञान का स्तर अक्सर केवल विनाशकारी था और कार्यात्मक निरक्षरता (पढ़ने की क्षमता, लेकिन जो पढ़ा गया था उसे समझने में असमर्थता) पर सीमाबद्ध था। . सोवियत सरकार ने काम किया, शायद, किसी भी अन्य नेतृत्व को चरम स्थितियों में रखा गया होगा: लाखों सक्षम विशेषज्ञ और वैज्ञानिक देश से चले गए, युद्ध से नष्ट हुई राष्ट्रीय अर्थव्यवस्था को बहाल करने की आवश्यकता, और फिर व्यापक निर्माण हजारों नए उद्यमों को योग्य फ़्रेमों के सबसे तेज़ प्रशिक्षण की आवश्यकता है। वैचारिक विरोधियों से घिरे देश को एक शक्तिशाली रक्षा क्षमता की आवश्यकता थी। इसी तरह की स्थिति में, सभी संसाधनों को ऊपर की ओर फेंक दिया गया। तकनीकी विज्ञानऔर रक्षा उद्योग, जहां सबसे अच्छी बौद्धिक ताकतें केंद्रित हैं।

तब से, विज्ञान के विकास के लिए राज्य द्वारा आवंटित बजटीय निधि का अनुपात तकनीकी और प्राकृतिक ज्ञान के पक्ष में लगभग 95: 5 के अनुपात में बनाया गया था, 30 के दशक में ऐसी नीति फलीभूत हुई। शिक्षाविद एस.जेड. के वैज्ञानिक अनुसंधान के आधार पर। यूएसएसआर में लेबेदेव (1874-1934), दुनिया में पहली बार सिंथेटिक रबर के बड़े पैमाने पर उत्पादन का आयोजन किया गया था। सोवियत भौतिकविदों की उत्कृष्ट वैज्ञानिक खोजों के लिए धन्यवाद, रडार के सिद्धांतों को दुनिया में पहली बार जीवन में पेश किया गया है। शिक्षाविद ए.एफ. Ioffe (1880-1960) के नेतृत्व में, भौतिकविदों का एक विश्व प्रसिद्ध स्कूल बनाया गया, जिसने परमाणु नाभिक और ब्रह्मांडीय किरणों के अध्ययन में एक महान योगदान दिया। 1930 के दशक में सोवियत विज्ञान और प्रौद्योगिकी ने प्रथम श्रेणी के विमान बनाए, जिस पर हमारे पायलटों ने रेंज और ऊंचाई के लिए विश्व रिकॉर्ड बनाए।

सकारात्मक और नकारात्मक दोनों तरह की सांस्कृतिक क्रांति के परिणामों ने न केवल विज्ञान और शिक्षा को प्रभावित किया, बल्कि रोजमर्रा की जिंदगी की संस्कृति के पुनर्गठन में भी प्रभावित किया।

हमारे इतिहास के सोवियत काल का अध्ययन करने वाले इतिहासकारों का मानना ​​है कि 1930 के दशक में बोल्शेविकों की गतिविधियों में 1917 की तुलना में एक नया और कोई कम क्रांतिकारी मोड़ नहीं आया। विशेष रूप से, अमेरिकी समाजशास्त्री एन। तिमाशेव (रूस से आए) ने इस थीसिस को सामने रखा कि 30 के दशक में यूएसएसआर की आंतरिक नीति पहले के प्रमुख क्रांतिकारी आदर्शों के अनुरूप नहीं रह गई थी। प्रारंभिक बोल्शेविक सांस्कृतिक नीति कट्टरवाद पर आधारित थी: परिवार के मूल्य और आवश्यकता को अस्वीकार कर दिया गया था, उनके माता-पिता का परित्याग, यदि वे "बुर्जुआ" मूल के थे, पुरानी संस्कृति को प्रोत्साहित किया गया था। पलिश्तीवाद और संयम की उसी तरह निंदा की गई, और व्यक्ति पर समाज और सामूहिकता की बिना शर्त प्राथमिकता पर जोर दिया गया। मायाकोवस्की के बाद, पार्टी के बुद्धिजीवियों ने ईर्ष्या, पूर्वाग्रह और महिलाओं और पुरुषों के बीच संबंधों के पारंपरिक सिद्धांतों से मुक्त एक नए परिवार का एक मॉडल बनाने का प्रयास किया।

1930 के दशक के मध्य में, एक उलट देखा गया - क्रांतिकारी तपस्या से निजी जीवन की भलाई और व्यवहार के अधिक सभ्य रूपों में संक्रमण। पारिवारिक आदर्श, सेवा के प्रति समर्पण और पेशेवर करियर, शास्त्रीय शिक्षा के मूल्य को बहाल किया जा रहा है। रोजमर्रा की जिंदगी, स्वाद और शिष्टाचार में परिवर्तन होते हैं। 30 के दशक के समाचार पत्र और पत्रिकाएं मानव संस्कृति की समस्या पर व्यापक रूप से चर्चा करती हैं, मॉस्को में सौंदर्य प्रसाधन और स्वच्छता संस्थान Glavparfumer खोला गया और फैशन पत्रिकाएं दिखाई दीं।

नाट्य कला भी स्थिर नहीं रही। काउंसिल ऑफ पीपुल्स कमिसर्स (1917) के एक डिक्री द्वारा, थिएटरों को शिक्षा के पीपुल्स कमिश्रिएट के अधिकार क्षेत्र में स्थानांतरित कर दिया गया था। 1919 में, काउंसिल ऑफ पीपुल्स कमिसर्स डिक्री पर वी.आई.

सबसे पुराने रूसी थिएटरों ने एक नए, काम करने वाले दर्शकों के साथ तालमेल की दिशा में पहला कदम उठाया, क्लासिक्स पर पुनर्विचार किया - कुछ मामलों में इसे "क्रांति के अनुरूप" ("पोसडनिक", एके टॉल्स्टॉय द्वारा, 1918, "ओल्ड मैन" के संदर्भ में व्याख्या की गई। "गोर्की द्वारा, 1919, दोनों माली थिएटर में)। मायाकोवस्की के मिस्ट्री बफ़ (1918 में मेयरहोल्ड द्वारा मंचित) की स्मारकीय और देशभक्तिपूर्ण छवियों ने राजनीतिक रूप से तीखे प्रदर्शनों के निर्माण की नींव रखी, क्रांतिकारी रूमानियत की भावना से ओत-प्रोत, और आंदोलन थिएटर के विकास में योगदान दिया। नाट्य संस्कृति के विकास में सबसे महत्वपूर्ण रूसी थिएटरों की रचनात्मक बातचीत और प्रतियोगिता थी, जो अकादमिक समूह में एकल थी, जैसे कि माली, मॉस्को आर्ट थिएटर, अलेक्जेंड्रिंस्की, और नव संगठित - तीसरा मॉस्को आर्ट थिएटर स्टूडियो, द RSFSR रंगमंच क्रांति रंगमंच, रंगमंच। MGSPS, बोल्शोई ड्रामा थिएटर - सेंट पीटर्सबर्ग में, थिएटर "रेड टॉर्च", आदि। बोल्शोई नाटक थियेटरपेत्रोग्राद में एम.एफ की भागीदारी के साथ स्थापित किया गया था। एंड्रीवा, ए.ए. ब्लोक, एम. गोर्की, ए.वी. लुनाचार्स्की वीर प्रदर्शनों की सूची के थिएटर के रूप में। इसके अध्यक्ष और नेता ए.ए. खंड। प्रदर्शनों का मंचन निर्देशक एन.एन. अर्बातोव, आर.वी. बोलेस्लाव्स्की, ए.एन. Lavrentiev, कलाकारों द्वारा डिजाइन किया गया ए.आई. बेनोइस, ए.वी. डोबुज़िंस्की, वी.ए. पाइक। थिएटर के लिए संगीत संगीतकार बी.वी. एस्टाफ़िएव, यू.ए. शापोरिन, और एन.एफ. मोनाखोव, वी.वी. मैक्सिमोव, वी। वाई। सफ्रोनोव।

इस समय के रंगमंच का विकास प्रतिभाशाली निर्देशकों की एक पूरी आकाशगंगा की गतिविधियों से बहुत प्रभावित था: के.एस. स्टानिस्लावस्की, वी.आई. नेमीरोविच-डैनचेंको, वी.ई. मेयरहोल्ड, ई.बी. वख्तंगोव, ए। वाई। तिरोवा, ए.डी. पोपोवा, के.ए. मर्दानिशविली, जी.पी. यूरा। पुरानी पूर्व-क्रांतिकारी पीढ़ी के अभिनेता - एम.एन. एर्मोलोवा, ए.एम. युज़िन, ए.ए. ओस्टुज़ेव, ई। डी। तुरचानिनोव, ए.ए. याब्लोचकिना (माली थिएटर), आई.एम. मोस्कविन, वी.आई. काचलोव, एल.एम. लियोनिदोव, एम.पी. लिलिना, ओ. एल. नाइपर-चेखव (मॉस्को आर्ट थिएटर) और अन्य। उसी समय, युवा पीढ़ी में डाला गया प्रतिभाशाली अभिनेता- एन.पी. खमेलेव, ए.के. तारासोवा, एन.पी. बटालोव, एम.एम. यांशिन, के.एन. एलांस्काया, बी.के. लिवानोव, बी.वी. शुकुकिन, ई.एन. गोगोलेव, ए.ए. खोरवा, ए.ए. वासदेज़, ए। खिदोयातोव, एस.एम. मिखोम, एन.एम. उज़वी और अन्य कई नए थिएटर और थिएटर स्टूडियो, मोबाइल थिएटर भी बनाए गए। दुनिया के पहले बच्चों के थिएटर दिखाई दिए।

उस अवधि के दौरान जब कलात्मक की नींव सोवियत संस्कृति, पुरानी पीढ़ी के संगीतकारों की गतिविधियों द्वारा एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई गई, जिन्होंने रूसी संगीत के पूर्व-क्रांतिकारी अतीत और इसके नए सोवियत मंच के बीच एक जीवंत संबंध बनाया: संगीतकार ए.के. ग्लेज़ुनोवा, एम.एम. इप्पोलिटोवा-इवानोवा, ए.डी. कस्तल्स्की, आर.एम. ग्लियर, एस.एन. वासिलेंका, ए.एफ. गेदिक, एम.एफ. गेन्सिन, कलाकार और शिक्षक के.एन. इगुम्नोवा, ए.बी. गोल्डनवाइज़र, एल.वी. निकोलेव, आलोचक और संगीतज्ञ वी.जी. कार्तिगिना, ए.वी. ओसोव्स्की, बी.एफ. असफीवा, बी.एल. यवोर्स्की, एम.वी. इवानोव-बोरेट्स्की।

12 जुलाई, 1918 को आरएसएफएसआर के पीपुल्स कमिसर्स काउंसिल के डिक्री में "मॉस्को एंड पेत्रोग्राद कंजर्वेटरीज पर" पहली बार, "राज्य संगीत निर्माण" की अवधारणा। बोल्शोई और मरिंस्की थिएटर, मॉस्को में धर्मसभा स्कूल, संरक्षक, संगीत प्रकाशन घर और संगीत वाद्ययंत्र कारखाने राज्य में स्थानांतरित कर दिए गए थे। कई संगीतकारों, कलाकारों, संगीतज्ञों ने शैक्षिक और कलात्मक और प्रचार कार्यों में सक्रिय भाग लिया। इनमें बी.एफ. असफीव, एस.एन. वासिलेंको, ए.के. ग्लेज़ुनोव, एम.एफ. गेन्सिन, ए.डी. कस्तल्स्की, एल.वी. निकोलेव, वी.वी. शचर्बाचेव, एफ.एम. चालियापिन और अन्य। 1930 के दशक में, सोवियत ओपेरा के निर्माण में पहली सफलताएँ प्राप्त हुईं: II द्वारा "क्विट दोह"। Dzerzhinsky (1935), "इन ए स्टॉर्म" टी.एन. ख्रेनिकोव (1939, दूसरा संस्करण 1952), एस प्रोकोफिव (1939) द्वारा "शिमोन कोटको"। सबसे उत्कृष्ट सोवियत ओपेरा में से एक शोस्ताकोविच की कतेरीना इज़मेलोवा (मेत्सेन्स्क जिले की लेडी मैकबेथ, 1932, संशोधित 1962) है। युद्ध के बाद के वर्षों में लिखे गए समकालीन विषयों पर ओपेरा में, एस.एम. स्लोनिम्स्की (1967) और "न केवल प्यार" आर.के. शेड्रिन (पोस्ट। 1961)।

चैम्बर वोकल और इंस्ट्रुमेंटल म्यूजिक का विकास ए.एन. अलेक्जेंड्रोव, एन। वाई। मोस्कोवस्की, एस.एस. प्रोकोफिव, जी.वी. स्विरिडोव, यू.ए. शापोरिन, वी। वाई। शेबलिन, डी.डी. शोस्ताकोविच, बी.एन. त्चिकोवस्की, बी.आई. टीशचेंको, वी.ए. गैवरिलिन।

सोवियत बैले में एक क्रांतिकारी नवीनीकरण हुआ। इस शैली में त्चिकोवस्की, ग्लेज़ुनोव, स्ट्राविंस्की की परंपराओं का पालन करते हुए, सोवियत संगीतकारों ने कोरियोग्राफिक नाटक के सबसे महत्वपूर्ण, परिभाषित तत्व के रूप में संगीत के महत्व की पुष्टि की। 1922 तक बोल्शोई थिएटर की मंडली का निर्देशन करने वाले गोर्स्की ने क्लासिक्स (द नटक्रैकर, 1919) और नए प्रदर्शन (ए.के. ग्लेज़ुनोव द्वारा स्टेंका रज़िन, 1918; बी.एफ. क्रांतिकारी लोगों की छवियों को कलात्मक रूप से बैले रेड पोपी (रेड फ्लावर) में ग्लियर (1927, दूसरा संस्करण 1949), द फ्लेम ऑफ पेरिस असफिएव (1932), लॉरेनिया बाय ए.ए. क्रेन (1937)। एक साहसिक सुधारक प्रोकोफिव थे, जिन्होंने बैले रोमियो एंड जूलियट (1936) बनाया - एक गहरी, संगीतमय और कोरियोग्राफिक त्रासदी जो अपनी शक्ति में मनोरम है। में सफलतापूर्वक काम करने वाले संगीतकारों में बैले शैली, - ए.आई. खाचटुरियन (स्पार्टक, 1954), ए.पी. पेट्रोव (द क्रिएशन ऑफ द वर्ल्ड, 1971), आर. शेड्रिन (अन्ना करेनिना, 1972)।

1920 और 1930 के दशक के मोड़ पर, सोवियत बैले स्कूल के स्नातक थिएटर में आए: एम.टी. सेमेनोवा, जी.एस. उलानोवा, एन.एम. डुडिंस्काया, ओ.वी. लेपेशिंस्काया।

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2.2. बीसवीं शताब्दी की शुरुआत की नाटकीय पोशाक की विशेषताएं 22

2.3. समय की छवि के रूप में नाट्य पोशाक 25

निष्कर्ष 33

सन्दर्भ 36

पुनर्जागरण के दौरान, यूरोप में पहली स्थायी पेशेवर मंडली दिखाई देने लगी। वे घूमते हैं या एक स्थान पर कील ठोंकते हैं। लोग रोने से ज्यादा हंसना पसंद करते हैं, इसलिए अभिनेता प्रकाश, हास्य नाटक, तमाशे और पैरोडी डालते हैं। यात्रा करने वाले हास्य कलाकारों ने मध्ययुगीन परंपराओं को जारी रखा और (पुनर्जागरण की पूरी संस्कृति की तरह) प्राचीन विरासत की ओर रुख किया। इस तरह के सबसे पहले दल इटली में उभरे। यह वह जगह है जहां कॉमेडिया डेल "आर्टे" थिएटर दिखाई दिया, यानी "कॉमेडी ऑफ मास्क"।

कॉमेडिया डेल'आर्टे में केवल एक ही सजावट थी - शहर की सड़क। कोई स्थायी साजिश नहीं थी: मंडली के प्रमुख (कापोकोमिको) ने इसे पूछा, और अभिनेताओं ने सुधार किया, जैसा कि प्राचीन एटेलन में है। जनता की स्वीकृति को जगाने वाली चाल और टिप्पणियों को दोहराया और प्रबल किया गया। कार्रवाई युवा के प्यार के इर्द-गिर्द घूमती थी, जिसमें बूढ़े लोग दखल देते थे और नौकरों की मदद करते थे।

कॉमेडी में सबसे महत्वपूर्ण भूमिका मुखौटा द्वारा निभाई गई थी। एक काला मुखौटा पूरे या चेहरे के हिस्से को ढक सकता है। कभी-कभी यह चिपकी हुई नाक या बेवकूफी भरा चश्मा था। मुख्य बात एक कार्टून की ओर इशारा करते हुए एक विशिष्ट चेहरा बनाना है।

पोशाक के लिए दो आवश्यकताएं थीं: सुविधा और हास्य। इसलिए, एक ओर, यह मध्ययुगीन इतिहास के कपड़े जैसा दिखता था, और दूसरी ओर, यह विशिष्ट मज़ेदार विवरणों के साथ पूरक था।

उदाहरण के लिए, पेंटालोन - एक चीपस्केट व्यापारी - हमेशा अपने बटुए के साथ था। उसके कपड़े विनीशियन व्यापारियों के समान थे: एक सैश, शॉर्ट पैंट, मोज़ा, एक बागे और एक बीन के साथ बंधा हुआ जैकेट। लेकिन फिर एक दिन कलाकार विस्तृत लाल पतलून में मंच पर गया, यह विशिष्ट विवरण दर्शकों को पसंद आया। नतीजतन, पैंटालोन और उसकी पैंट लोगों के दिमाग में इस कदर विलीन हो गए कि समय के साथ, महिलाओं के अंडरवियर, पैंटालून का सामान्य नाम एक व्यक्तिगत नाम से बन गया।

डॉक्टर - कॉमेडिया डेल'अर्ट के एक अन्य नायक - ने एक वैज्ञानिक की पैरोडी प्रस्तुत की और एक काले शैक्षणिक वस्त्र में फीता कॉलर और कफ के साथ बाहर आया। उसके हाथों में हमेशा उसके सिर पर कागज के स्क्रॉल होते थे - एक चौड़ी टोपी।

कप्तान एक सैन्य साहसी है, जो कुइरास, चौड़ी पतलून, विशाल स्पर्स के साथ जूते, एक छोटा लबादा और पंखों के साथ एक टोपी पहने हुए है। उनका नित्य गुण था लकड़ी की तलवार, जो आवश्यकता पड़ने पर म्यान में फँस जाती थी।

सबसे अधिक और विविध पात्र नौकर (ज़ानी) थे, क्योंकि वे प्रेम संघर्ष में "प्रगति के इंजन" थे। Pulcinella की एक बड़ी झुकी हुई चुभती नाक थी; हार्लेक्विन में इतने सारे पैच हैं कि समय के साथ उन्हें एक बिसात में बदल दिया गया, पिय्रोट के पास एक कटर कॉलर और लंबे पैंटलून के साथ एक विस्तृत सफेद शर्ट है; ब्रिघेला के पास सफेद रंग का एक विस्तृत ब्लाउज और पैंट जैसा है।

इस लोक रंगमंच, अपने हल्के भूखंडों के लिए धन्यवाद, शेक्सपियर या लोप डी वेगा के थिएटरों की तुलना में बहुत अधिक लोकप्रिय था, जिन्होंने मनोरंजन को नहीं, बल्कि सामग्री की गहराई को अधिक प्राथमिकता दी। लोप डी पेगास के कार्यों के लिए, उदाहरण के लिए, यहां तक ​​\u200b\u200bकि "कॉमेडी ऑफ द क्लोक एंड द स्वॉर्ड" नाम भी दिखाई दिया, क्योंकि उनमें कलाकार वास्तव में केवल खेलते थे समकालीन लेखकघरेलू सूट।

भटकती मंडलियों के समानांतर, कोर्ट थिएटर थे, जिनकी वेशभूषा सैकड़ों में गिने जाते थे और उनकी उच्च लागत से प्रतिष्ठित थे। उन्हें नाटक के प्रदर्शन से अलग दिखाया गया था।

17वीं-18वीं शताब्दी में, नाट्य पोशाक का विकास घटने लगा। शब्द को सामने लाया जाता है, संवाद दर्शकों का सारा ध्यान अपनी ओर खींच लेते हैं। मंच ऐतिहासिकता से रहित रोजमर्रा के सूट का उपयोग करता है। यह उस समय की सामान्य फैशनेबल पोशाक है। सच है, नाटक में आप एक चीर-फाड़ वाला नौकर या खराब कपड़े वाली चरवाहा नहीं देखेंगे। सूट को परिष्कृत किया गया है। यह जीवन के नाटकीयता का परिणाम है। रंगमंच रोजमर्रा की जिंदगी में इतनी गहराई से शामिल है कि "नाटकीय-रोजमर्रा" पोशाक के बीच की सीमा मिट जाती है। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि में XVII - XVIII सदियोंनाट्य पोशाक अक्सर फैशन को परिभाषित करता है (जैसा कि पिछले अध्यायों में बताया गया है)। कलाकारों ने दूसरों की तुलना में बेहतर और अधिक असाधारण कपड़े पहने। XVII सदी में। मंच पर महाशय के लिए एक ला मोड, विशेष दर्शक सीटें, जहां उन्होंने प्रदर्शन को इतना नहीं देखा जितना कलाकारों और उनकी वेशभूषा पर चर्चा की।

17 वीं और 18 वीं शताब्दी में, सिंथेटिक शैलियों का विकास हुआ: ओपेरा, बैले, सर्कस (हालांकि वे पहले जाने जाते थे)। इन शैलियों में हैं नाटकीय कार्रवाई, और स्टंट, और संगीत, और गायन, और उज्ज्वल यादगार मेकअप। सिंथेटिक शैलियों में रोजमर्रा की जिंदगी के तत्व शामिल हैं। उदाहरण के लिए, बॉलरूम डांसकैनकन (फ्रेंच कैनकन) पैरों की एक विशेषता उच्च फेंकने के साथ XVIII सदी के 70 के दशक के आसपास उत्पन्न हुआ। धीरे-धीरे, यह आपरेटा का एक अभिन्न अंग बन जाता है - एक संगीत और नृत्य कॉमेडी शैली।

19वीं शताब्दी में संस्कृति के सभी क्षेत्रों में इतिहास के प्रति रुचि फिर से जागृत हुई। पुरातात्विक और साहित्यिक खोजों के लिए धन्यवाद, पुरातनता की वेशभूषा के बारे में अधिक जानना संभव था, इसलिए में ऐतिहासिक नाटकपहली बार अतीत की प्रामाणिक वेशभूषा को पुन: पेश करने का प्रयास किया गया है।

विकास आलोचनात्मक यथार्थवादकला की एक विधि और दुनिया की धारणा के एक तरीके के रूप में इस तथ्य की ओर जाता है कि मंच पर अब आप किसान महिलाओं को peignoirs और भूखे नौकरों में नहीं देखेंगे। थिएटर में, ऐसे प्रॉप्स दिखाई देते हैं, जिनका उल्लेख पहले एक सभ्य समाज में नहीं किया गया था। अभिव्यक्ति के नए रूपों की खोज प्राकृतिक श्रृंगार की ओर ले जाती है। यहाँ V.A.Gilyarovsky मास्को और मस्कोवियों के बारे में अपने निबंधों में लिखता है:

"1879 में, पेन्ज़ा में नाई शिशकोव का एक लड़का एक छात्र था, नन्हा मित्या। वह पेन्ज़ा उद्यमी वीपी डाल्मातोव का पसंदीदा था, जिसने उसे केवल अपने बालों को छूने की अनुमति दी और उसे मेकअप सिखाया। एक बार वीपी डालमातोव ने अपने लाभ में प्रदर्शन "नोट्स ऑफ ए मैडमैन" पर रखा गया और मित्या को एक गंजा विग तैयार करने का आदेश दिया, जो प्रदर्शन के लिए एक गीला बैल मूत्राशय लाया और डाल्मातोव को डालमाटोव के अच्छी तरह से तैयार बालों पर रखना शुरू कर दिया ... अभिनेता ड्रेसिंग रूम में भाग गए अभिनेता की चीख

आप एक महान कलाकार हैं, वसीली पेंटेलिमोनोविच, लेकिन मुझे भी अपने शिल्प का कलाकार बनने दो! - लंबे वी.पी. डालमातोव पर अपना सिर फेंकते हुए, छोटे लड़के ने बहाना बनाया। - बस कोशिश करो!

V.P.Dalmatov आखिरकार सहमत हो गया - और कुछ मिनटों के बाद बुलबुले को लपेटा गया, इधर-उधर लिप्त किया गया, और B.P. Dalmatov की आँखें खुशी से चमक उठीं: उनकी काली आँखों और अभिव्यंजक श्रृंगार के साथ पूरी तरह से नग्न खोपड़ी ने एक मजबूत छाप छोड़ी।

पर XIX की बारीऔर XX सदियों, आधुनिकता की प्रवृत्ति नाटकीय पोशाक के नए रूपों को जन्म देती है। संगठनों को शैलीबद्ध किया जाता है, प्रतीकों में बदल दिया जाता है। यूरोपीय लोगों ने पूर्व के थिएटरों की खोज की, जो मंच की पोशाक में परिलक्षित होता था।

अक्टूबर क्रांति के बाद पहले लक्ष्यों में, नाटकीय पोशाक पूरी तरह से गायब हो गई, इसे "चौग़ा" से बदल दिया गया, क्योंकि अभिनेता "नाटकीय कार्यकर्ता" हैं।

धीरे-धीरे, सब कुछ सामान्य हो गया, और नाटकीय पोशाक फिर से मंच पर लौट आई। इसके अलावा, XX सदी में। फैशन के रंगमंच के रूप में ऐसा एक नया शो था। मॉडल शो म्यूजिकल और ड्रामा शो में बदल गए हैं। तो घरेलू पोशाक आखिरकार थिएटर के साथ "विवाहित" हो गई।

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FSBEI HE "ओम्स्क यूनिवर्सिटी ऑफ़ डिज़ाइन एंड टेक्नोलॉजी"

बच्चों की नाटकीय पोशाक डिजाइन करने की विशेषताएं

बोरिसोवा ई.ए., टोलमाचेवा जी.वी.

सारांश

लेख कई कार्यों के साथ एक डिजाइन वस्तु के रूप में बच्चों की नाटकीय पोशाक की जांच करता है। उदाहरण के लिए नाट्य प्रदर्शन"एन्जिल्स" बच्चों की पोशाक के विकास के चरणों को प्रस्तुत करता है, इसकी बारीकियों, निर्माण सुविधाओं की सूक्ष्मता को निर्दिष्ट करता है। सबसे विशिष्ट आवश्यकताओं पर विचार किया जाता है: कार्यात्मक, सौंदर्यवादी, एर्गोमेट्रिक। लेकिन चूंकि पोशाक न केवल अभिनेता को खेलने के लिए आकर्षित करने और छवि को प्रकट करने में मदद करने में सक्षम है, यह प्रदर्शन कर सकता है अतिरिक्त प्रकार्यबच्चों के लिए महत्वपूर्ण: संज्ञानात्मक और विकासात्मक; अनुकूलन और सामंजस्य, टीम में आपसी समझ में सुधार; व्यक्तित्व की भावना का विकास, आत्म-अभिव्यक्ति में सहायता। शोध विषय को संबोधित करना प्रासंगिक है, क्योंकि इसमें पिछले सालकई घेरे खुलते हैं, रचनात्मक स्टूडियो, और बच्चों की नाट्य पोशाक को डिजाइन करने के लिए पेशेवर, गंभीर और सावधानीपूर्वक विश्लेषण की आवश्यकता होती है।

अध्ययन की मुख्य सामग्री

रंगमंच एक कला रूप है जहाँ बाहरी प्रभाव के लिए बहुत कुछ डिज़ाइन किया गया है। "चलती" सजावट के रूप में पोशाक की भूमिका हमेशा प्रमुख रही है और प्रमुख बनी हुई है। लेकिन अधिक महत्वविशेष थिएटर स्टूडियो में नाटकीय पोशाक को सौंपा गया है, जो बच्चों के लिए विकास और शिक्षा कार्यक्रम का हिस्सा हैं। एक पोशाक एक अभिनेता को बदलने का एक साधन है, एक खेल का एक तत्व है, एक नाट्य क्रिया का एक हिस्सा है। लेकिन यह एक डिज़ाइन ऑब्जेक्ट भी है, एक ऐसा उत्पाद जिसे बनाने के लिए कई विशेषज्ञ काम कर रहे हैं। निदेशक बच्चों का खेलअभिनेताओं और कलाकार के साथ मिलकर भविष्य की नाटकीय पोशाक की छवि बनाता है, कार्यों को निर्धारित करता है; पोशाक डिजाइनर, डिजाइनर सामग्री में क्या कल्पना की गई थी। एक स्टूडियो के लिए एक नाटकीय पोशाक के डिजाइन की आवश्यकताएं जहां बच्चे खेलते हैं, नाटकीय पोशाक के सौंदर्यशास्त्र, निर्माण और संचालन से संबंधित अपनी विशेषताएं हैं। एक आधुनिक ढीला फिट, नवीनतम फैशन रुझानों के अनुरूप, सजावट और सजावट के लिए एक सरल लेकिन प्रभावी दृष्टिकोण वांछनीय है। कपड़े की पसंद प्रदर्शन की अवधारणा के अनुरूप होनी चाहिए। लेख में, लेखकों ने विश्लेषण किया और काम के मुख्य चरणों को निर्धारित किया। बच्चों की नाटकीय पोशाक के डिजाइन में सबसे महत्वपूर्ण कार्यात्मक आवश्यकताएं हैं, जो मुख्य उद्देश्य समारोह के लिए उपयुक्तता की डिग्री निर्धारित करती हैं - छवि, चरित्र और आदतों का प्रकटीकरण, नायक की मनोदशा। सौंदर्य संबंधी आवश्यकताएं समान रूप से महत्वपूर्ण हैं - आवश्यकताएं कलात्मक अभिव्यक्तिप्रदर्शन के युग और शैली के साथ सामंजस्य, शैलीगत एकता। पोशाक को न केवल मंच से शानदार दिखना चाहिए, बल्कि प्रदर्शन की समग्र दृश्य अवधारणा में भी सामंजस्यपूर्ण रूप से फिट होना चाहिए। बच्चों के लिए एक नाटकीय पोशाक डिजाइन करते समय, एर्गोनोमिक आवश्यकताओं को ध्यान में रखना विशेष रूप से महत्वपूर्ण है जो अभिनेता को उत्पाद के आराम और अनुकूलन क्षमता की डिग्री की विशेषता है: खेल के दौरान असुविधा पैदा नहीं करना (हीड्रोस्कोपिक और सांस लेने के लिए), करने के लिए के लिए सहज रहें नृत्य कला, प्रदर्शन में आउटपुट के बीच कपड़े बदलते समय कठिनाइयों का कारण न बनें। इस प्रकार, एक पोशाक डिजाइनर का मुख्य कार्य सभी कार्यों को पूरा करना और एक अभिनेता की छवि बनाना है।

नाटक "एन्जिल्स" के उदाहरण का उपयोग करते हुए, डिजाइन सुविधाओं पर विचार करें, जहां मुख्य कलात्मक विचारक्या वह "एन्जिल्स" लोगों के बीच रहते थे। वेशभूषा के निर्माण के लिए मुख्य कलात्मक स्थिति थी - "स्वर्गदूतों और उनकी विशेषताओं की एक गैर-मानक छवि", फ्रेम को हटाने और बच्चों की कल्पना को विकसित करने के लिए, जो उनके लिए बहुत उपयोगी है। जैसे-जैसे दायरा फैलता है रचनात्मकता विकसित और समृद्ध होती है उद्देश्य दुनियामनुष्य द्वारा रूपांतरित, उसके ज्ञान और कौशल का दायरा। चूंकि अब्राहमिक धर्मों में "एंजेल" एक आध्यात्मिक, असंबद्ध प्राणी है, जिसे अक्सर पंखों के साथ चित्रित किया जाता है, "इन पहलुओं को इस रूप में लिया गया था रचनात्मक स्रोतप्रोजेक्ट बनाते समय। पारंपरिक थिएटर पंखों के लिए एक वैकल्पिक प्रतिस्थापन के रूप में, डिजाइनरों ने हटाने योग्य आर्मबैंड विकसित किए हैं, जो जालीदार कपड़े की कई परतों में तय किए गए हैं। भिन्न रंगऔर आकार (सबसे बड़े से छोटे तक), शैलीबद्ध पंखों के रूप में काटे जाते हैं और एक समायोज्य लोचदार बैंड से जुड़े होते हैं। वे मोबाइल हैं, बहुत कार्यात्मक हैं, बोझिल नहीं हैं; हाथों को हिलाने पर, वे हवा और हल्केपन के प्रभाव पर जोर देते हैं और बढ़ाते हैं। पोशाक के ऐसे तत्व भी बच्चों के लिए प्रेरणास्रोत हैं, उनके भावनात्मक मनोदशाप्रदर्शन के दौरान। पोशाक का मुख्य रंग सफेद था। यह पवित्रता, बेदाग, मासूमियत, सदाचार, आनंद का प्रतीक है; दिन के उजाले से जुड़ा। सजावट के लिए जालीदार कपड़े के रंगों को स्वर्गदूतों की पौराणिक विशेषताओं के अनुरूप पेस्टल नोबल रंगों में चुना गया था: सोना, बेज, गुलाबी, नीला।

परियोजना का अगला कार्य दक्षता है। इसलिए, सूट के निर्माण के लिए प्रस्तावित मुख्य सामग्री कपास है, यह एक सस्ता और प्राकृतिक कपड़ा है जिसमें हीड्रोस्कोपिक गुण और ताकत है। कपड़े पहनना आत्म-अभिव्यक्ति के सबसे किफायती और आकर्षक साधनों में से एक है, जिससे आप अपनी विशिष्टता घोषित कर सकते हैं। सजावट नायलॉन जाल में पेश की जाती है, जो इसकी नरमता के बावजूद अपने आकार को भी बहुत अच्छी तरह से रखती है। समय आसान है(बच्चों की पोशाक के लिए क्या महत्वपूर्ण है और नाट्य वेशभूषा में एक आम समस्या क्या है)

सजावटी तत्व का मॉड्यूल जाल से काटा गया एक रिबन है। इसे अतिरिक्त प्रसंस्करण की आवश्यकता नहीं है, इसके कारण, कई कार्य हल हो जाते हैं: उत्पादन समय को कम करना, निर्माण तकनीक को सरल बनाना, हल्कापन, प्रभावशीलता। जालीदार कपड़े की कोमलता और प्लास्टिक के गुणों के कारण, जटिल घुमावदार और अवतल सजावट रेखाएँ, सिलवटें, क्रीज और सर्द मोल्ड अलग-अलग तरीकों से बन सकते हैं। ग्रिड की पारदर्शिता अनुमति देती है, जब एक रंग दूसरे पर आरोपित होता है, एक से दूसरे में वायुता, हल्कापन, रंग संक्रमण का प्रभाव पैदा करने के लिए, जो प्रदर्शन की छवियों की कल्पना और अवास्तविकता पर जोर देता है।

मंच पर एक साथ कई कलाकार शामिल होते हैं। एक समान शैली बनाए रखने के लिए, परियोजना ने समान सिल्हूट - सफेद और ट्रेपोजॉइडल को चुना है। मनोवैज्ञानिक रूप से - वेशभूषा का एक ही रंग और सिल्हूट अभिनेताओं को एक टीम में एकजुट करने का कार्य करता है, एकजुटता की भावना बनाता है, इसमें शामिल होता है सामान्य क्रियाऔर कार्य। दूसरी ओर, प्रत्येक अभिनेता के लिए वेशभूषा की सजावट और उसके रंग को जानबूझकर अलग बनाया जाता है, व्यक्तित्व पर जोर दिया जाता है। एक सूट में रंग और सजावट का सामंजस्यपूर्ण संयोजन विशेष रूप से महत्वपूर्ण है क्योंकि यह वह है जो पोशाक को सुंदर, सामंजस्यपूर्ण और बच्चों के लिए दिलचस्प बनाता है।

बच्चों की नाटकीय पोशाक के डिजाइन में एक महत्वपूर्ण कार्य इसकी आधुनिकता है। मनोवैज्ञानिक सलाह देते हैं, ताकि बच्चा अपने साथियों के बीच असहज महसूस न करे, उसे ट्रेंड के अनुरूप फैशनेबल कट के स्टाइलिश, दिलचस्प कपड़े पहनाना आवश्यक है, इस प्रकार व्यक्तित्व और आत्मविश्वास की भावना पैदा होती है, जो इसके लिए भी महत्वपूर्ण है मंच पर अभिनेता की मुक्ति। कपड़े उस व्यक्ति को आत्मविश्वास दे सकते हैं जो किसी भी कारण से बंद है, लेकिन अपनी आत्मा में नेतृत्व के लिए प्रयास करता है। उदाहरण के लिए, यदि कोई बच्चा अंतर्मुखी है, दुर्भाग्य से, विपरीत प्रभाव हो सकता है। वह बहुत असहज महसूस करेगा, और यह उसके अभ्यास में हस्तक्षेप करेगा। हमेशा की तरह व्यापार, अन्य अभिनेताओं और दर्शकों के साथ संवाद करें। बच्चों के लिए, प्रदर्शन, सबसे पहले, एक दूसरे के साथ संवाद करने का एक तरीका है, इसलिए, जब अभिनेताओं को स्मार्ट, स्टाइलिश, स्पष्ट रूप से तैयार किया जाता है, तो वे स्वतंत्र, ऊर्जावान, संक्रामक होते हैं और यह पहले से ही समाजीकरण, अनुकूलन और अवसर का एक साधन है। एक दूसरे के साथ और दर्शकों के साथ संचार बनाने के लिए। ... उनके कार्यों की जिम्मेदारी और प्रभावित करने की अपनी क्षमता के बारे में जागरूकता दुनियाआमतौर पर बच्चे की संतुष्टि और आत्मविश्वास को बढ़ाता है।

नाट्य वेशभूषा के निर्माण में कार्यात्मक, एर्गोमेट्रिक और सौंदर्य संबंधी आवश्यकताओं का अनुपालन करना कठिन और महत्वपूर्ण है। बच्चों को आराम की आवश्यकता होती है, उनके लिए चलना सुविधाजनक होना चाहिए, साथ ही, नाटकीय कार्रवाई का तात्पर्य अभिनेताओं के लिए "जंजीर" दर्शकों से है, अर्थात वेशभूषा का बाहरी प्रभाव महत्वपूर्ण है।

तो एक नाटकीय पोशाक? यह न केवल एक अभिनेता को बदलने का एक साधन है, खेल का एक तत्व है, बल्कि यह डिजाइन की एक वस्तु भी है, जिसके डिजाइन में पोशाक की कार्यक्षमता को प्रभावित करने वाले कई कारकों को ध्यान में रखना महत्वपूर्ण है।

परियोजना अनुसंधान के दौरान, यह निष्कर्ष निकाला जा सकता है कि बच्चों के लिए एक नाट्य पोशाक को डिजाइन करने के लिए अतिरिक्त कार्यों को ध्यान में रखना आवश्यक है:

संज्ञानात्मक और विकासात्मक;

सौंदर्य की दृष्टि से मनभावन और चंचल;

अनुकूली

उसी समय, युवा अभिनेताओं को छवियों, पात्रों को समझने और प्रकट करने और कलाकारों और दर्शकों के बीच आपसी समझ में सुधार करने में मदद करने के लिए मनोविज्ञान, प्रतीकवाद, संघों को ध्यान में रखना महत्वपूर्ण है।

प्री-प्रोजेक्ट अध्ययन के परिणामस्वरूप, बच्चों के स्टूडियो के लिए नाटकीय वेशभूषा डिजाइन करते समय, निम्नलिखित को चुना गया था: एक ही रंग और कपड़े के सिल्हूट, संख्या की एक शैली को बनाए रखने के लिए, एकजुटता की भावना पैदा करते हैं और एकजुट होते हैं एक टीम में अभिनेता। विविध सजावट और उसके रंग वैयक्तिकरण के कार्य को पूरा करते हैं। विकास के लिए संज्ञानात्मक गतिविधियाँ- विभिन्न हटाने योग्य भागों, हल्के जालीदार कपड़ों से बने बड़े सजावटी तत्वों का उपयोग किया जाता है। खेल की रचनात्मक प्रक्रिया में शामिल होने के लिए, पेस्टल रंग, शानदार सजावट, शानदारता देने वाले, चुने गए, विचारोत्तेजकआनंद, पौराणिक प्रतीकवाद पर बल।

बच्चों की थिएटर पोशाक

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नाट्य कला की अभिव्यक्ति के साधन के रूप में सजावटी कला की अवधारणा। नाट्य कला की अभिव्यक्ति का मुख्य साधन: पात्रों की छवि को प्रकट करने में दृश्यों, वेशभूषा, श्रृंगार की भूमिका, प्रदर्शन के दृश्य और ऑप्टिकल डिजाइन।

परीक्षण, जोड़ा गया 12/17/2010


बीजान्टिन साम्राज्य की महिलाओं के केशविन्यास। 15 वीं - 16 वीं शताब्दी के पुरुषों के केशविन्यास की विशिष्ट विशेषताएं। 18वीं शताब्दी में रूस में दरबारी पोशाक का विकास। आधुनिक में "रोमनस्क्यू" शैली महिला छवि... अन्य वर्गों की वेशभूषा पर कुलीन पोशाक का प्रभाव।

परीक्षण, जोड़ा गया 10/31/2013


सामान्य विशेषताएँजापान की संस्कृति और कला। जापान की पोशाक के गठन के सिद्धांतों का विवरण। किमोनो के प्रकार, कट और सहायक उपकरण। प्रसिद्ध डिजाइनरों (जी। गैलियानो, ए। मैक्वीन, आई। मियाके, एम। प्रादा) के कार्यों में जापानी पोशाक की आधुनिक व्याख्या।

सार 01/07/2013 को जोड़ा गया


सामाजिक और सांस्कृतिक विश्लेषण की वस्तु के रूप में सूट: विकास का इतिहास, अर्थ, भूमिका, कार्य और टाइपोलॉजी। पोशाक, विशेषताओं, सहायक उपकरण, सामाजिक और मनोवैज्ञानिक आधार के लाक्षणिक पहलुओं की विशेषता। "बांका" पोशाक के प्रतीकवाद का विश्लेषण।

थीसिस, जोड़ा गया 01/24/2010


मिंग राजवंश युग की ऐतिहासिक विशेषताएं। चीन के इतिहास के हिस्से के रूप में राष्ट्रीय चीनी कपड़े। आभूषण, सजावटी विशेषताएंऔर पोशाक का प्रतीकवाद। पोशाक सजावट के सिद्धांत, इसकी मौलिकता। सामान्य चरित्ररंग की।

सार 05/23/2014 को जोड़ा गया


19 वीं शताब्दी की यूरोपीय पोशाक का इतिहास। साम्राज्य शैली और क्लासिकवाद के बीच अंतर। पोशाक की संरचना के लक्षण। सौंदर्य का सौंदर्यवादी आदर्श। मुख्य प्रकार के कपड़े, इसके डिजाइन समाधान। पार्टी पोशाक, जूते, टोपी, केशविन्यास, गहने।

टर्म पेपर जोड़ा गया 03/27/2013


बारोक पोशाक के विकास की विशेषताएं, सौंदर्य का सौंदर्य आदर्श और कपड़े, फूल, आभूषण की विशेषताएं। महिलाओं और पुरुषों के सूट, जूते और केशविन्यास की विशेष सुविधाएँ। कट की बारोक प्रणाली की विशेषताएं, आधुनिक फैशन में उनका प्रतिबिंब।