Sydneyn oopperatalo. Australia

Yksi 1900-luvun mielenkiintoisimmista rakennuksista sijaitsee Australiassa. Vuosina 1957-1973 rakennettu Sydneyn oopperatalo, veden ympäröimä, muistuttaa vahvasti purjevenettä. Legendaarisen rakennuksen arkkitehti oli Jorn Utson Tanskasta.

Rakennushistoria

1900-luvun puoliväliin asti Sydneyssä ei ollut yhtään oopperatuotantoon soveltuvaa rakennusta. Uuden ylikapellimestari saapuu Sydneyyn sinfoniaorkesteri Eugene Goossens, ongelma kerrottiin ääneen.

Mutta uusimman rakennuksen luomisesta ooppera- ja orkesteritarkoituksiin ei tullut ensisijaista. Tällä hetkellä koko maailma oli toipumassa sodan jälkeen, Sydneyn hallinnolla ei ollut kiirettä aloittaa työtä, projekti jäädytettiin.

Sydneyn oopperatalon rakentamisen rahoitus aloitettiin vuonna 1954. Ne jatkuivat vuoteen 1975 asti, yhteensä noin 100 miljoonaa dollaria kerättiin.

Cape Bennelong valittiin yhdeksi suurimmista kulttuurirakenteista. Vaatimusten mukaan rakennuksessa oli kaksi salia. Ensimmäiseen niistä, jotka oli suunniteltu ooppera- ja balettiesityksiin sekä sinfoniseen musiikkiin, piti mahtua noin kolme tuhatta ihmistä. Toisessa, dramaattisilla esityksillä ja kamarimusiikilla - 1200 ihmistä.

Jorn Utsonista tuli komission mukaan paras arkkitehti 233 työnsä lähettäneestä. Hänelle inspiraationa projektin luomiseen olivat Sydneyn satamassa seisovat purjelaivat. Rakentajilta kesti 14 vuotta hankkeen valmistumiseen.

Rakentaminen aloitettiin vuonna 1959. Tästä alkoi ongelmia syntyä. Hallitus vaati salien määrän lisäämistä kahdesta neljään. Lisäksi suunnitellut siivet-purjeet osoittautuivat mahdottomiksi toteuttaa, joten oikean ratkaisun löytäminen kesti vielä useita vuosia kokeiluja. Vuonna 1966 meneillään olevien menettelyjen vuoksi Utsonin tilalle tuli australialainen arkkitehtiryhmä, jota johti Peter Hull.

28. syyskuuta 1973 Sydneyn oopperatalo avasi porttinsa. Ensi-ilta oli S. Prokofjevin oopperan "Sota ja rauha" tuotanto. Viralliset avajaiset pidettiin jo 20. lokakuuta Elizabeth II:n läsnäollessa.

Jotkut numerot

Rakennettu ooppera ikuisti itsensä välittömästi historiaan. Tämä on todella valtava kompleksi, joka sisältää 5 salia ja noin 1000 huonetta eri tarkoituksiin. Oopperatalon enimmäiskorkeus on 67 metriä. Rakennuksen kokonaispainoksi on arvioitu 161 000 tonnia.

Oopperateatterin salit

1 sali

Sydneyn oopperatalon suurin sali on konserttitalo. Siellä on 2 679 kävijää. Siellä on myös suuret konserttiurut.

2 sali

Ooppera- ja balettiesityksiin käytetään 1547 katsojan Oopperasalia. Aulassa on maailman suurin teatteriverhokuva "Auringon esirippu".

3 sali

Draamahalliin mahtuu 544 katsojaa. Täällä järjestetään draama- ja tanssiesityksiä. Tässä on toinen kuvakudosverho, joka on myös kudottu Aubussonista. Tummien sävyjensä ansiosta se sai nimen "Kuun esirippu".

4 sali

Playhouse-sali on suunniteltu 398 katsojalle. Se on tarkoitettu teatteriminiatyyreihin, luentoihin sekä käytettäväksi elokuvateatterina.

5 sali

Uusin sali "Studio" avattiin vuonna 1999. 364 katsojaa näkee avantgarden hengessä näytelmiä.

Vuodesta 1973 lähtien Sydneyn oopperatalo on ollut käytössä lähes kellon ympäri ilman keskeytyksiä. Kulttuurin ja taiteen ystävien lisäksi rakennusta rakastavat tuhannet Sydneyssä vierailevat turistit. Sydneyn oopperatalosta on tullut Australian todellinen symboli.

Video Sydneyn oopperatalosta

– Sydneyn oopperatalo, ja vaikka et olisi kuullutkaan, tunnistat varmasti helposti kuvan tästä epätavallisesta purjemaisesta rakenteesta.

Tarinamme vie sinut lähemmäksi tätä ainutlaatuista rakennusta, saat selville, miksi se on saavuttanut niin suosion turistien keskuudessa, ja voit päättää, ansaitseeko se huomiosi vai ei.

Sydneyn oopperatalon historia

Maailmankuulun maamerkin rakentamisen historia alkoi kaukaisesta 1954 vuosi brittiläinen kapellimestari J. Goossens töihin saapuessaan hän huomasi, että siellä ei ollut vain oopperataloa, vaan ei myöskään muuta riittävän tilavaa huonetta, jossa ihmiset voisivat kuunnella musiikkia.
Hän innostui rakentamisajatuksesta ja löysi pian sopivan paikan - Cape Bennelong Pointin, jossa tuolloin sijaitsi raitiovaunuvarikko.
J. Goossens teki paljon työtä, ja niinpä Australian hallitus julisti 17. toukokuuta 1955 kilpailun uuden oopperatalon projektin kehittämiseksi. Arkkitehdit kaikkialta maailmasta jättivät projektinsa, mutta lopulta tanskalainen voitti J. Watson.
Alkoi laajamittainen rakentaminen, joka kesti 14 vuotta ja vaati alun perin lasketun 7 miljoonan Australian dollarin sijaan 102 miljoonaa.
Vuonna 1973 Sydneyn oopperatalon viralliset avajaiset pidettiin, ja pian sen jälkeen rakennuksesta tuli paitsi Australian, myös koko Australian tärkein arkkitehtoninen symboli.

Suosituimmat nähtävyydet - mitä nähdä Sydneyn oopperatalossa?

Epäilemättä ihmisten huomio kaikkialta maailmasta on Sydneyn oopperataloon eniten houkuttelee helposti tunnistettava katto, joka muistuttaa toisille purjeita, toisille kuoria ja toiset sanovat sen olevan jäätyneen musiikin symboli.

Tiesitkö? Monet ihmiset ajattelevat, että katolla on valkoinen pinta, mutta itse asiassa osa sen tiileistä on valkoisia, toiset kermanvärisiä, minkä vuoksi se voi auringonvalosta riippuen "vaihtaa" väriä.

Mutta katon lisäksi on monia muita asioita, jotka tekevät rakenteesta todella upean. Sitä ympäröi vesi kolmelta sivulta ja se seisoo valtavilla betonipaaluilla. Teatterin pinta-ala saavuttaa uskomattomia lukuja - 22 tuhatta neliömetriä. m.!

Teatterissa on 4 suurta salia kerralla:

• Konserttisali, joka voi vastaanottaa samanaikaisesti 2679 kävijää;
• Oopperateatteri, suunniteltu 1507 katsojalle, he soittavat täällä paitsi oopperaa myös balettia;
• Draamateatteri, johon mahtuu 544 henkilöä;
• Malyn draamateatteri– mukavin sali 398 katsojalle.

Pääsalien lisäksi teatterissa on monia muitakin tiloja - harjoitushuoneita, pukuhuoneita, käytäviä, baareja ja ravintoloita.

Viihde

Epäilemättä Sydneyn oopperatalon tärkein nähtävyys on katsomassa hänen erinomaisia ​​näytelmiä, esityksiä, oopperoita ja baletteja. Maailmankuulut teatteri- ja balettiryhmät sekä orkesterit, laulajat ja muut taiteilijat tulevat tänne esityksillään.

Tiesitkö? Samaan aikaan teatterissa voi olla 4 erilaista esitystä!

Löydät listan tulevista tapahtumista osoitteesta Sydneyn oopperatalon virallisilla verkkosivuilla.
Jos et ole innokas taiteen ystävä tai sinulla on vähän ylimääräistä aikaa, mutta haluat tutustua maailmankuuluun rakennukseen, tämä on helppo tehdä.

Vierailemalla yhdessä heistä voit paitsi oppia mielenkiintoisempia faktoja kuuluisasta rakennuksesta, myös mennä "kulissien taakse" teatterielämää, tavata ryhmien näyttelijöitä ja jopa kokeilla teatteriruokaa. Muuten ruoasta.
Sydneyn oopperatalon alueella on useita hyviä baareja ja ravintoloita. Suosituimmat niistä:

• Ooppera-baari- baari ja ravintola, joka on samalla yksi sydneylaisten "suosikeista";
• Bennelong- yksi Australian parhaista ravintoloista, jonka kokki on P. Gilmour, joka valmistaa alkuperäisiä ruokia australialaisista raaka-aineista;
• Portside Sydney- sopivin kevyeksi välipalaksi, kahvikuppiin tai jälkiruoaksi, ystävällinen perheravintola.

myös sisällä teatterirakennus tulet huomaamaan monia matkamuistomyymälöitä, joka tarjoaa turisteille erittäin laajan valikoiman miellyttäviä ja mieleenpainuvia pieniä asioita.

Missä Sydneyn oopperatalo sijaitsee?

Kuuluisa rakennus sijaitsee viehättävässä Sydneyn satamassa Bennelong Pointissa.
Pääset tänne helposti mistä tahansa Australian pääkaupungista, sillä lähistöllä on meri- ja maaliikennereittien risteys.
GPS-koordinaatit: 33.856873° S, 151.21497° I.

Sydneyn oopperatalon aukioloajat

• Teatteri on avoinna vierailijoille päivittäin klo 9.00 (su klo 10.00) myöhään iltaan.

• Teatterivierailun hinnat riippuvat tällaisen vierailun tarkoituksesta - joko se on retki tai haluat nähdä tämän tai toisen esityksen tai haluat vain rentoutua ja nauttia herkullisen aterian jossakin teatterin ravintoloista - kussakin tapauksessa hinta voi vaihdella huomattavasti.
• Jos sinulla on kysyttävää, voit olla yhteydessä teatterin "Info-palveluun" maanantaista perjantaihin puh. +61 2 9250 7111 tai sähköpostitse osoite [sähköposti suojattu]
  Sydneyn oopperatalon virallinen verkkosivusto on www.sydneyoperahouse.com.

Sydneyn oopperatalo - mielenkiintoisia faktoja

• Sydneyn teatteriprojektin kirjoittaja Yu. Goossens, huolimatta hänen tekemänsä työn määrästä, "karkotettiin" Australiasta, koska he väittivät löytäneen hänestä "mustan massan" kiellettyjä esineitä.
• Alkuperäinen 7 miljoonaa dollaria teatterille kerättiin kiitos hyväntekeväisyysarpajaiset.
• Kuuluisa purjeen muotoinen katto heikensi merkittävästi teatterin tilojen akustiikkaa, minkä vuoksi oli tarpeen tehdä lisää ääntä heijastavat katot. Katto oli muuten myös liian raskas, ja rakentajien oli pakko tehdä teatterin koko perustus uudestaan.
• Sydneyn oopperatalon arkkitehdilla J. Watsonilla oli vaikeuksia Australian hallituksen kanssa pitkittyneen rakentamisen yhteydessä, ja hänen oli pakko lähteä Australiasta. Teatterin valmistui toinen arkkitehti.
• Hän itse tuli avaamaan oopperataloa Sydneyssä Britannian kuningatar Elizabeth II.
• Sydney-teatterissa on maailman pisimmät teatteriverhot ja sen suuri konserttisali on eniten isot urut planeetalla.
• Sydneyn oopperatalo on ensimmäinen rakennus maailmassa, joka on listattu a Unescon maailmanperintö arkkitehdin elinaikana.
• Oopperatalon rakennus ei ole vieläkään valmistunut loppuun asti. Valmistautuakseen vuoden 2000 olympialaisiin Australian hallitus kutsui J. Watsonin viimeistelemään rakennuksen, mutta hän kieltäytyi. Kuuluisa arkkitehti ei koskaan palannut Australiaan rakentamisen pakotetun lopettamisen jälkeen.
• J. Watson vuonna 2003 sai arvostetun Pulitzer palkinto maailmankuulun teatterin projektiin.
• Sydneyn oopperatalo oli haastaja yhden maailman seitsemästä ihmeestä.
• Toistaiseksi ei koskaan kuuluisan rakennuksen korjausta ei vaadita.

Sydneyn oopperatalo - Video

Tässä videossa opit lisää tietoa Sydneyn oopperatalosta. Hyvää katselua!

Maailmankuulu teatteri kätkee nämä ja monet muut salaisuudet seinien taakse - kiirehdi katsomaan, kosketa sen salaisuuksia ja kosketa kulissien takana päivittäin avautuvaa suurta musiikki- ja teatteritaidetta.

(englanniksi Sydneyn oopperatalo) - yksi maailman tunnetuimmista ja helpommin tunnistettavissa olevista rakennuksista, joka on Australian suurimman kaupungin Sydneyn symboli ja yksi Australian tärkeimmistä nähtävyyksistä - Katon muodostavat purjekuoret tekevät tästä rakennuksesta erilaisen. mikään muu maailmassa. Oopperatalo on tunnustettu yhdeksi modernin arkkitehtuurin merkittävimmistä rakennuksista, ja vuodesta 1973 lähtien se on Harbour Bridgen ohella ollut Sydneyn tunnusmerkki.

Sydneyn oopperatalo sijaitsee Sydneyn satamassa Bennelong Pointissa. Tämä paikka on saanut nimensä australialaiselta aboriginaalilta, siirtokunnan ensimmäisen kuvernöörin ystävältä. Sydneytä on vaikea kuvitella ilman oopperaa, mutta vuoteen 1958 asti sen paikalla oli tavallinen raitiovaunuvarikko (ennen oopperarakennusta oli linnoitus ja sitten raitiovaunuvarikko).

Oopperatalon arkkitehti on tanskalainen Jorn Utzon. Huolimatta pallomaisten kuorien konseptin menestyksestä, joka ratkaisi kaikki rakentamisen ongelmat, soveltui hyvin massatuotantoon, tarkkaan valmistukseen ja helppoon asennukseen, rakentaminen viivästyi pääasiassa sisustuksen vuoksi. Oopperan rakentamisen suunniteltiin kestävän 4 vuotta ja maksavan 7 miljoonaa Australian dollaria. Sen sijaan oopperan rakentaminen kesti 14 vuotta ja maksoi 102 miljoonaa dollaria!

Sydneyn oopperatalo on ekspressionistinen rakennus, jossa on radikaali ja innovatiivinen muotoilu. Rakennuksen pinta-ala on 2,2 hehtaaria. Sen korkeus on 185 metriä ja suurin leveys 120 metriä. Rakennus painaa 161 000 tonnia ja lepää 580 paalulla, jotka on upotettu veteen lähes 25 metrin syvyyteen merenpinnasta. Sen teho vastaa yhden 25 000 asukkaan kaupungin sähkönkulutusta. Sähköä jaetaan 645 kilometrille kaapelia.

Oopperatalon katto koostuu 2 194 esivalmistetusta osasta, sen korkeus on 67 metriä ja paino yli 27 tonnia, koko rakennetta tukee 350 kilometriä pitkät teräskaapelit. Teatterin katto muodostuu 492 jalkaa halkaisijaltaan olevan olemattoman betonipallon "kuorista", joita kutsutaan yleisesti "kuoriksi" tai "purjeiksi", vaikka tämä on virheellinen sellaisen arkkitehtonisen määritelmän kannalta. rakennetta. Nämä vaipat on valmistettu esivalmistetuista, kolmion muotoisista betonipaneeleista, jotka on tuettu 32:lla samasta materiaalista valmistettavalla rivalla. Kaikki rivat muodostavat osan yhtä suurta ympyrää, minkä ansiosta kattojen ääriviivat saivat saman muodon ja koko rakennuksen kokonaisuuden ja harmonisen ilmeen.

Koko katto on peitetty 1 056 006 azulejo-tiilellä valkoisen ja mattakermanvärisenä. Vaikka kaukaa katsottuna rakenne näyttää olevan kokonaan valkoisista laatoista, eri valaistusolosuhteissa laatat luovat erilaisia ​​värimaailmaa. Mekaanisen tiilien asennustavan ansiosta katon koko pinta osoittautui täydellisen sileäksi, mikä oli mahdotonta manuaalisella pinnoituksella. Kaikki laatat on valmistanut ruotsalainen Höganäs AB itsepuhdistuva tekniikka, mutta tästä huolimatta laattoja puhdistetaan ja vaihdetaan säännöllisesti.

Kaksi suurinta kuorikaarta muodostavat konserttisalin ja oopperateatterin katon. Muissa huoneissa katot muodostavat pienempiä holveja.

Katon porrasrakenne oli erittäin kaunis, mutta aiheutti korkeusongelmia rakennuksen sisällä, koska tuloksena oleva korkeus ei tuottanut kunnollista akustiikkaa halleihin. Tämän ongelman ratkaisemiseksi tehtiin erilliset katot heijastamaan ääntä. Pienimmässä kuoressa, kaukana pääsisäänkäynnistä ja pääportaista, on Bennelong-ravintola.

Rakennuksen sisustus on viimeistelty Taranan alueelta (New South Wales) tuodulla vaaleanpunaisella graniitilla, puulla ja vanerilla.

Tästä projektista Utzon sai Pritzker-palkinnon, korkeimman arkkitehtuurin palkinnon, vuonna 2003. Palkintoon liittyi sanat: "Ei ole epäilystäkään siitä, että Sydneyn oopperatalo on hänen mestariteoksensa. Se on yksi 1900-luvun suurista ikonisista rakennuksista, poikkeuksellisen kauniin kuva, joka on tullut tunnetuksi kaikkialla maailmassa - symboli ei vain kaupungin, vaan koko maan ja maanosan."

Sydneyn oopperatalossa toimii neljä keskeistä taideyritystä Australiassa - Australian Opera, Australian Ballet, Sydney Theatre Company ja Sydney Symphony Orchestra, ja Sydneyn oopperatalossa on monia muita yrityksiä ja teattereita. Tämä teatteri on yksi vilkkaimmista esittävän taiteen keskuksista, ja siellä järjestetään vuosittain noin 1 500 esitystä ja kaikkiaan yli 1,2 miljoonaa ihmistä. Se on myös yksi Australian suosituimmista nähtävyyksistä, jossa yli seitsemän miljoonaa turistia vierailee vuosittain.

Oopperatalon rakennuksessa on kolme pääsalia esityksiin:

Sydneyn sinfoniaorkesterin kotipaikka on 2 679-paikkainen konserttitalo, jossa on maailman suurimmat toimivat mekaaniset urut yli 10 000 pillerillään.

Oopperatalo, jossa on 1507 istumapaikkaa, on Sydneyn oopperatalon ja Australian baletin koti.

Draamateatteri, jossa on 544 istumapaikkaa, on Sydney Theatre Companyn ja muiden tanssi- ja teatteriryhmien käytössä.

Näiden kolmen salin lisäksi Sydneyn oopperatalossa on useita pienempiä saleja ja studioita.

Salomeya Amvrosievna Krushelnitskaya on kuuluisa ukrainalainen oopperalaulaja (sopraano), opettaja. Jo elinaikanaan Salomea Krushelnitskaya tunnustettiin erinomaiseksi laulajaksi maailmassa. Hänellä oli voimaltaan ja kauneudeltaan erinomainen ääni laajalla alueella (noin kolme oktaavia vapaalla keskirekisterillä), musiikillinen muisti (hän ​​pystyi oppimaan oopperaosat kahdessa tai kolmessa päivässä) ja kirkas dramaattinen lahjakkuus. Laulajan ohjelmistoon kuului yli 60 eri osaa. Hänen monien palkintojensa ja ansioidensa joukossa on erityisesti titteli "kahdeskymmenes vuosisadan Wagner-primadonna". Italialainen säveltäjä Giacomo Puccini esitteli laulajalle muotokuvansa, jossa oli teksti "kaunis ja viehättävä perhonen". Salomeya Krushelnytska syntyi 23. syyskuuta 1872 Belyavintsyn kylässä, nykyisessä Buchatskin alueella Ternopilin alueella, papin perheeseen. Tulee jalosta ja muinaisesta ukrainalaisesta perheestä. Vuodesta 1873 lähtien perhe muutti useita kertoja, vuonna 1878 he muuttivat Ternopilin lähellä sijaitsevaan Belayan kylään, josta he eivät koskaan lähteneet. Hän aloitti laulamisen pienestä pitäen. Lapsena Salome osasi paljon kansanlauluja, jotka hän oppi suoraan talonpoikaisilta. Hän sai musiikillisen koulutuksen perusteet Ternopilin lukiossa, jossa hän suoritti kokeita ulkopuolisena opiskelijana. Täällä hänestä tuli läheinen lukiolaisten musiikkipiiri, jonka jäsenenä oli myös Denis Sichinsky - myöhemmin kuuluisa säveltäjä, ensimmäinen Länsi-Ukraina ammattimuusikko. Vuonna 1883 Ternopilin Shevchenkon konsertissa Salomen ensimmäinen julkinen esitys tapahtui, hän lauloi venäläisen keskusteluseuran kuorossa. Ternopilissa Salomea Krushelnytska tutustui teatteriin ensimmäistä kertaa. Täällä esiintyi silloin tällöin venäläisen keskusteluyhteiskunnan Lvovin teatteri. Vuonna 1891 Salome tuli Lvivin konservatorioon. Konservatoriossa hänen opettajansa oli silloin kuuluisa Lvivin professori Valeri Vysotski, joka toi esiin koko galaksin kuuluisia ukrainalaisia ​​ja puolalaisia ​​laulajia. Konservatoriossa opiskellessaan hänen ensimmäinen sooloesitys tapahtui, 13. huhtikuuta 1892 laulaja esitti pääosan G. F. Händelin oratoriossa "Messias". Salome Krušelnitskajan ensimmäinen oopperadebyytti tapahtui 15. huhtikuuta 1893, kun hän esitti Leonoran roolin italialaisen säveltäjän G. Donizettin "Favorite" -esityksessä Lvivin kaupunginteatterin lavalla. Vuonna 1893 Krushelnytska valmistui Lvovin konservatoriosta. Salomen tutkintotodistukseen kirjoitettiin: "Tämän tutkintotodistuksen on saanut Panna Salomea Krušelnitskaja osoituksena taiteellisesta koulutuksesta, joka on saatu esimerkillisellä ahkeruudella ja poikkeuksellisella menestyksellä erityisesti julkisessa kilpailussa 24.6.1893, josta hänet palkittiin hopealla. mitali." Vielä konservatoriossa opiskellessaan Salomea Krushelnytska sai tarjouksen Lvivin oopperatalosta, mutta hän päätti jatkaa opintojaan. Hänen päätökseensä vaikutti kuuluisa italialainen laulaja Gemma Bellinchoni, joka oli tuolloin kiertueella Lvivissä. Syksyllä 1893 Salome lähtee opiskelemaan Italiaan, jossa hänen opettajakseen tuli professori Fausta Crespi. Opiskeluvaiheessa esiintymiset konserteissa, joissa hän lauloi oopperaaarioita, olivat Salomelle hyvä koulu. 1890-luvun jälkipuoliskolla alkoivat hänen voitokkaat esiintymisensä teattereiden näyttämöillä eri puolilla maailmaa: Italiassa, Espanjassa, Ranskassa, Portugalissa, Venäjällä, Puolassa, Itävallassa, Egyptissä, Argentiinassa, Chilessä oopperoissa Aida, Il trovatore by D. Verdi, Faust » Ch. Gounod, S. Moniuszkon "The Terrible Yard", D. Meyerbeerin "Afrikkalainen", G. Puccinin "Manon Lescaut" ja "Cio-Cio-San", J. "Carmen". Bizet, R. Straussin "Electra", "Jevgeni Onegin" ja " pata kuningatar» P.I. Tšaikovski ym.. 17. helmikuuta 1904 Giacomo Puccini esitteli uuden oopperansa Madama Butterfly La Scala -teatterissa Milanossa. Säveltäjä ei ollut koskaan ennen ollut näin varma menestyksestään... mutta yleisö bouhui oopperasta närkästyneenä. Juhlittu maestro tunsi itsensä musertuneeksi. Ystävät suostuttelivat Puccinin muokkaamaan työtään ja kutsumaan Salome Krushelnitskajan pääosaan. Toukokuun 29. päivänä Brescian Grande Theaterin lavalla pidettiin päivitetyn Madama Butterflyn ensi-ilta, tällä kertaa voittoisa. Yleisö kutsui näyttelijät ja säveltäjän lavalle seitsemän kertaa. Esityksen jälkeen liikuttunut ja kiitollinen Puccini lähetti Krushelnitskajalle muotokuvansa, jossa oli merkintä: "Kauneimmalle ja viehättävimmälle perhoselle." Vuonna 1910 S. Krushelnitskaya meni naimisiin Viareggion (Italia) kaupungin pormestarin ja asianajajan Cesare Riccionin kanssa, joka oli musiikin tuntija ja oppinut aristokraatti. He vihittiin yhdessä Buenos Airesin temppeleistä. Avioliiton jälkeen Cesare ja Salome asettuivat Viareggioon, josta Salome osti huvilan, jota hän kutsui "Salomeksi" ja jatkoi kiertueensa. Vuonna 1920 Krushelnitskaya, kuuluisuutensa huipulla, poistui oopperalavalta esiintyen viime kerta Napolin teatterissa suosikkioopperoissaan Lorelei ja Lohengrin. Hän omisti myöhemmän elämänsä kammiolle konserttitoimintaa esittää kappaleita 8 kielellä. Hän on kiertänyt Euroopassa ja Amerikassa. Kaikki nämä vuodet vuoteen 1923 asti hän tuli jatkuvasti kotimaahansa ja esiintyi Lvovissa, Ternopilissa ja muissa Galician kaupungeissa. Hänellä oli vahvat ystävyyssiteet monien Länsi-Ukrainan henkilöiden kanssa. Erityinen paikka laulajan luovassa toiminnassa oli T. Shevchenkon ja I. Ya. Frankin muistolle omistetuilla konserteilla. Vuonna 1929 S. Krušelnitskajan viimeinen kiertuekonsertti pidettiin Roomassa. Vuonna 1938 Krushelnitskajan aviomies Cesare Riccioni kuoli. Elokuussa 1939 laulaja vieraili Galiciassa, eikä toisen maailmansodan syttymisen vuoksi voinut palata Italiaan. Lvivin Saksan miehityksen aikana S. Krushelnytska oli hyvin köyhä, joten hän antoi yksityisiä laulutunteja. Sodan jälkeisenä aikana S. Krushelnytska aloitti työskentelyn N. V. Lysenkon nimessä Lvivin valtion konservatoriossa. Hänen opettajanuransa tuskin alkoi, melkein päättyi. "Henkilökunnan puhdistamisen kansallismielisistä elementeistä" aikana häntä syytettiin konservatorion tutkintotodistuksen puuttumisesta. Myöhemmin tutkintotodistus löydettiin kaupungin historiallisen museon rahastoista. Neuvostoliitossa asunut ja opettava Salomeya Amvrosievna ei lukuisista vetoomuksista huolimatta voinut saada Neuvostoliiton kansalaisuutta pitkään aikaan, pysyen Italian alaisena. Lopulta Kruselnitskajasta tuli Neuvostoliiton kansalainen kirjoittaessaan lausunnon italialaisen huvilan ja kaiken omaisuuden siirtämisestä Neuvostoliiton valtiolle. Huvila myytiin välittömästi, jolloin omistajalle korvattiin vähäinen osa sen arvosta. Vuonna 1951 Salome Krushelnitskaya sai Ukrainan SSR:n kunniatyöntekijän arvonimen, ja lokakuussa 1952, kuukausi ennen kuolemaansa, Kruselnitskaya sai professorin arvonimen. 16. marraskuuta 1952 suuren laulajan sydän lakkasi lyömästä. Hänet haudattiin Lviviin Lychakivin hautausmaalle ystävänsä ja mentorinsa Ivan Frankon haudan viereen. Vuonna 1993 Lvivissä nimettiin katu S. Krushelnytskan mukaan, jossa hän eli elämänsä viimeiset vuodet. Laulajan asunnossa avattiin Salomea Krushelnytskan muistomuseo. Nykyään Lvivin oopperatalo, Lvivin musiikillinen lukio, Ternopilin musiikkiopisto (jossa Salomeya-sanomalehti julkaistaan), 8-vuotias koulu Belayan kylässä, kadut Kiovassa, Lvovissa, Ternopilissa, Buchachissa ( katso Salomei Krushelnytska Street) kantavat S. Krushelnytskan nimeä). Lvivin ooppera- ja balettiteatterin peilisalissa on pronssinen muistomerkki Salome Krushelnytskalle. Monet taiteelliset, musiikki- ja elokuvateokset on omistettu Salomea Krushelnytskan elämälle ja työlle. Vuonna 1982 ohjaaja O. Fialko kuvasi A. Dovzhenkon elokuvastudiossa historiallisen ja elämäkerrallisen elokuvan "Perhosen paluu" (perustuu V. Vrublevskajan samannimiseen romaaniin), omistettu A. Dovzhenkon elämälle ja työlle. Salomea Krušelnitskaja. Kuva perustuu laulajan elämän todellisiin faktoihin ja on rakennettu hänen muistoiksi. Salomen osat esittää Gisela Zipola. Salomen roolia elokuvassa näytteli Elena Safonova. Lisäksi luotiin dokumentteja, erityisesti "Salome Krushelnitskaya" (ohjaaja I. Mudrak, Lvov, "Most", 1994) "Salomen kaksi elämää" (ohjaaja A. Frolov, Kiova, "Contact", 1997), sykli "Nimet" (2004), dokumentti"Solo-mea" sarjasta "The Game of Fate" (ohjaaja V. Obraz, VIATEL-studio, 2008). 18. maaliskuuta 2006 Lvivin kansallisen akateemisen ooppera- ja balettiteatterin lavalla nimeltä S. Krushelnitskaya isännöi Miroslav Skorikin baletin "Perhosen paluu" ensi-iltaa, joka perustui tosiasioihin Salomea Krušelnitskajan elämästä. Baletissa käytetään Giacomo Puccinin musiikkia. Vuonna 1995 näytelmän "Salome Krushelnytska" (kirjoittaja B. Melnichuk, I. Lyakhovsky) ensi-ilta tapahtui Ternopilin alueellisessa draamateatterissa (nykyinen akateeminen teatteri). Vuodesta 1987 lähtien Salomea Krushelnytska -kilpailua on järjestetty Ternopilissa. Joka vuosi Lviv isännöi Krushelnytskan kansainvälistä kilpailua; oopperataidefestivaaleista on tullut perinteisiä.

Joyce DiDonato on yhdysvaltalainen mezzosopraano ja mezzosopraano. Pidetään yhtenä aikamme johtavista mezzosopraanoista ja parhaana Gioacchino Rossinin teosten tulkitsijana. Joyce DiDonato (os. Joyce Flaherty) syntyi 13. helmikuuta 1969 Prair Villagen kaupungissa Kansasin osavaltiossa Yhdysvalloissa perheeseen, jolla on irlantilaiset juuret. Hän oli kuudes seitsemästä lapsesta. Hänen isänsä oli paikallisen kirkon kuoron johtaja, Joyce lauloi siinä ja haaveili tulla Broadway-tähdeksi. Vuonna 1988 hän tuli Wichita State Universityyn, jossa hän opiskeli laulua. Joycen yliopiston jälkeen DiDonato päätti jatkaa musiikillista koulutustaan ​​ja astui vuonna 1992 Philadelphian Vocal Arts -akatemiaan. Akatemian jälkeen hän osallistui useiden vuosien ajan koulutusohjelmiin "Nuori taiteilija" eri oopperayrityksissä: vuonna 1995 - "Santa Fe Operassa", jossa hän sai musiikillista harjoittelua ja teki oopperadebyyttinsä suurella näyttämöllä, mutta toistaiseksi pienissä rooleissa W. A. ​​Mozartin oopperoissa "Figaron häät", R. Straussin "Salome", I. Kalmanin "kreivitär Maritza"; vuodesta 1996 vuoteen 1998 - Houston Grand Operassa ja tunnustettiin parhaaksi "aloitustaiteilijaksi"; kesällä 1997 - San Franciscon oopperassa koulutusohjelmassa "Merola Opera". Joyce DiDonato osallistui opintojensa ja alkuharjoittelunsa aikana useisiin tunnettuihin laulukilpailuihin. Vuonna 1996 hän sijoittui toiseksi Eleanor McCollum -kilpailussa Houstonissa ja voitti Metropolitan Opera -kilpailun piirikokeen. Vuonna 1997 hän voitti William Sullivan -palkinnon. Vuonna 1998 hän voitti toisen sijan Placido Domingo Operalia -kilpailussa Hampurissa ja ensimmäisen sijan George London -kilpailussa. Seuraavina vuosina hän sai monia muita erilaisia ​​palkintoja ja palkintoja. Joyce DiDonato aloitti ammatillisen uransa vuonna 1998 useiden alueellisten oopperayhtiöiden palveluksessa Yhdysvalloissa, erityisesti Houston Grand Operassa. Ja hän tuli tunnetuksi laajalle yleisölle, koska hän esiintyi televisiossa Marc Adamon oopperan "Pikku nainen" ensi-illassa. Kaudella 2000-2001. DiDonato teki Euroopan debyyttinsä aloittaen välittömästi La Scalassa Angelinana Rossinin Tuhkimossa. Seuraavalla kaudella hän laajensi näkyvyyttään eurooppalaiselle yleisölle esiintymällä Alankomaiden oopperassa Händelin Sesta "Julius Caesarina", Pariisin oopperassa Rosinan roolissa Rossinin Sevillan parturissa ja Baijerin valtionoopperassa Cherubinona Mazartin häissä. Figaro. sekä Vivaldin konserttiohjelmissa "Glory" Riccardo Mutin ja La Scala -orkesterin kanssa sekä "Kesäyön unelma" F. Mendelssohn Pariisissa. Samalla kaudella hän debytoi Yhdysvalloissa Washingtonin valtionoopperassa Dorabellan roolissa Mozartin Kaikki naiset tekevät sen. Tällä hetkellä Joyce DiDonatosta on jo tullut todellinen oopperatähti maailmanlaajuisesti tunnettu, yleisön rakastama ja lehdistö kiittää. Myöhempi ura laajensi vain kiertuemaantietoaan ja avasi uusien oopperatalojen ja festivaalien ovet - Covent Garden (2002), Metropolitan Opera (2005), Bastille Opera (2002), Royal Theatre Madridissa, Uusi kansallisteatteri Tokiossa, Wienin valtionoopperassa jne. Joyce DiDonato on kerännyt runsaan kokoelman kaikenlaisia musiikki palkinnot ja palkkiot. Kuten kriitikot sanovat, tämä on ehkä yksi menestyneimmistä ja sujuvimmista urasta modernissa oopperamaailmassa. Ja edes onnettomuus, joka tapahtui Covent Gardenin lavalla 7. heinäkuuta 2009 "Sevillan parturi" -esityksen aikana, kun Joyce DiDonato liukastui lavalla ja mursi jalkansa, ei keskeyttänyt tätä esitystä, jonka hän päätti kainalosauvoilla. , eikä myöhempiä suunniteltuja esityksiä, joita hän navigoi pyörätuolista yleisön suureksi iloksi. Tämä "legendaarinen" tapahtuma on tallennettu DVD:lle. Joyce DiDonato aloitti kauden 2010-2011 Salzburgin festivaaleilla ja debytoi Adalgiksena Belinni's Normassa Edita Gruberovan kanssa Normana, sitten konserttiohjelmalla Edinburghin festivaaleilla. Syksyllä hän esiintyi Berliinissä Rosinana Sevillan parturissa ja Madridissa Octavianuksena Rosenkavalierissa. Vuosi päättyi toiseen palkintoon, ensimmäisen Saksan äänitysakatemian "Echo Classic (ECHO Klassik)" -palkinnon, joka nimesi Joyce DiDonaton "vuoden 2010 parhaaksi naislaulajaksi". Seuraavat kaksi palkintoa kerralla englantilaiselta klassisen musiikin aikakauslehdeltä "Gramophone", joka nimesi hänet "Vuoden parhaaksi artistiksi" ja valitsi Rossinin aariat sisältävän CD:n parhaaksi "Vuoden recitoksi". Jatkaessaan kautta Yhdysvalloissa hän esiintyi Houstonissa ja sitten soolokonsertilla Carnegie Hallissa. Metropolitan Opera toivotti hänet tervetulleeksi kahteen rooliin - sivu Isolier Rossinin "Kreivi Ori" ja säveltäjä R. Straussin "Ariadne auf Naxos". Hän päätti kauden Euroopassa kiertueilla Baden-Badenissa, Pariisissa, Lontoossa ja Valenciassa. Laulajan verkkosivuilla on runsas aikataulu hänen tulevista esiintymistään, tällä listalla pelkästään vuoden 2012 ensimmäisen puoliskon osalta Euroopassa ja Amerikassa on noin neljäkymmentä esitystä. Joyce DiDonato on nyt naimisissa italialaisen kapellimestari Leonardo Vordonin kanssa, jonka kanssa he asuvat Kansas Cityssä, Missourissa, Yhdysvalloissa. Joyce käyttää edelleen ensimmäisen aviomiehensä sukunimeä, jonka kanssa hän meni naimisiin heti yliopiston jälkeen.

Lyubov Jurievna Kazarnovskaya - Neuvostoliiton ja Venäjän oopperalaulaja, sopraano. Musiikkitieteiden tohtori, professori. Lyubov Jurievna Kazarnovskaya syntyi 18. toukokuuta 1956 Moskovassa, äiti, Kazarnovskaya Lidia Aleksandrovna - filologi, venäjän kielen ja kirjallisuuden opettaja, isä, Kazarnovsky Juri Ignatievich - reservin kenraali, vanhempi sisko- Bokadorova Natalya Yurievna - filologi, ranskan kielen ja kirjallisuuden professori. Lyuba lauloi aina, koulun jälkeen hän uskalsi hakea Gnessin-instituuttiin - musiikkiteatterin näyttelijöiden tiedekuntaan, vaikka hän valmistautui opiskelemaan vieraiden kielten tiedekunnassa. Opiskelijavuodet antoivat Lyuballe paljon näyttelijänä, mutta tapaaminen Nadezhda Matveevna Malysheva-Vinogradovan, upean opettajan, laulajan, Chaliapinin säestäjän, itse Stanislavskyn opiskelijan, kanssa oli ratkaiseva. Arvokkaiden laulutuntien lisäksi Puškinin kirjallisuuskriitikon akateemikon VV Vinogradovin leski Nadezhda Matveevna paljasti Lyuballe venäläisten klassikoiden voiman ja kauneuden, opetti häntä ymmärtämään musiikin ja siihen piilevien sanojen yhtenäisyyttä. Tapaaminen Nadezhda Matveevnan kanssa määritti lopulta nuoren laulajan kohtalon. Vuonna 1981, 21-vuotiaana, ollessaan vielä Moskovan konservatorion opiskelija, Ljubov Kazarnovskaja debytoi Tatjanana (Tšaikovskin Jevgeni Onegin) Stanislavsky- ja Nemirovich-Danchenko-musiikkiteatterin lavalla. Glinka-nimisen liittovaltion kilpailun voittaja (II palkinto). Siitä lähtien Lyubov Kazarnovskaya on ollut keskustassa musiikillista elämää Venäjä. Vuonna 1982 hän valmistui Moskovan valtion konservatoriosta, vuonna 1985 jatko-opinnot apulaisprofessori Shumilova Elena Ivanovnan luokassa. 1981-1986 - Stanislavskyn ja Nemirovich-Dantšenkon mukaan nimetyn akateemisen musiikkiteatterin solisti, ohjelmistossa Tšaikovskin "Jevgeni Onegin", Rimski-Korsakovin "Iolanta", "May Night", Leoncavallon "Pagliacci", "La Boheme" Puccini. 1984 - Svetlanovin kutsusta hän esittää Fevronian osan vuonna uutta tuotantoa Rimski-Korsakovin "Tarinat näkymättömästä Kitezhin kaupungista" ja sitten vuonna 1985 - osa Tatjanasta (Tšaikovskin "Jevgeni Onegin") ja Neddasta (Leoncavallon "Pagliacci") Venäjän valtion akateemisessa teatterissa. 1984 - Unescon nuorten esiintyjien kilpailun Grand Prix (Bratislava). Kilpailun voittaja Mirjam Hellin (Helsinki) - III palkinto ja kunniakirja italialaisen aarian esittämisestä - henkilökohtaisesti kilpailun puheenjohtajalta ja legendaariselta ruotsalaisoopperalaulajalta Birgit Nilssonilta. 1986 - Leninin komsomol-palkinnon saaja. 1986-1989 - Kirovin valtion akateemisen teatterin johtava solisti: Leonora (Verdin "Kohtalon voima"), Margarita (Gounodin "Faust", Donna Anna ja Donna Elvira (Mozartin "Don Giovanni"), Leonora (Trubadour) Verdi), Violetta (Verdin ”La Traviatte”), Tatiana (Tšaikovskin ”Jevgeni Onegin”), Lisa (Tšaikovskin ”Patakuningatar”), Sopraano (”Verdin requiem”). Tiivis yhteistyö kapellimestarien kanssa, kuten Janssons, Temirkanov, Kolobov, Gergiev. Ensimmäinen ulkomainen voitto - Covent Garden -teatterissa (Lontoo), Tatianan osassa Tšaikovskin oopperassa "Jevgeni Onegin" (1988) 1989. - "Maestro of the World" Herbert von Karajan kutsuu nuoren laulajan "omaan" festivaalilleen - kesäfestivaalille Salzburgiin. Elokuussa 1989 - voittoisa debyytti Salzburgissa (Verdin Requiem, kapellimestari Ricardo Muti). Koko musiikkimaailma pani merkille ja arvosti nuoren venäläisen sopraanon esitystä. Tämä sensaatiomainen esitys merkitsi alkua huimaavalle uralle, joka johti hänet myöhemmin sellaisiin oopperataloihin kuin Covent Garden, Metropolitan Opera, Lyric Chicago, San Francisco Opera, Wiener Staatsoper, Teatro Colon, Houston Grand Opera. Hänen kumppaninsa ovat Pavarotti, Domingo, Carreras, Araiza, Nucci, Cappuccili, Cossotto, von Stade, Baltza. Syyskuu 1989 - osallistuminen maailman gaalakonserttiin Venäjän Bolshoi-teatterin lavalla Armenian maanjäristyksen uhrien tukemiseksi yhdessä Krausin, Bergonzin, Prein, Arkhipovan kanssa. Lokakuu 1989 - osallistuminen Milanon oopperatalon "La Scalan" kiertueelle Moskovassa (G. Verdin "Requiem"). 1991 - Salzburg. 1992-1998 - Tiivis yhteistyö Metropolitan Operan kanssa. 1994-1997 - tiivis yhteistyö Mariinsky-teatterin ja Valeri Gergievin kanssa. Vuonna 1996 Lyubov Kazarnovskaja debytoi menestyksekkäästi La Scala -teatterin näyttämöllä Prokofjevin pelissä Peluri, ja helmikuussa 1997 hän lauloi voitokkaasti Salomen osan Santa Cecilia -teatterissa Roomassa. Hänen kanssaan työskentelevät aikamme johtavat oopperataiteen mestarit - kapellimestarit kuten Muti, Levine, Thielemann, Barenboim, Haitink, Temirkanov, Kolobov, Gergiev, ohjaajat - Zefirelli, Egoyan, Wikk, Taymor, Dew. .. "La Kazarnovskaya", kuten italialainen lehdistö sitä kutsuu, sisältää yli viisikymmentä osaa ohjelmistossaan. Häntä kutsutaan aikamme parhaaksi Salomeksi, Verdin ja veristien oopperoiden parhaaksi esittäjäksi, puhumattakaan hänen käyntikorttinsa Eugene Oneginin Tatjanasta. Erityinen menestys toi hänelle pääroolit Richard Straussin oopperoissa "Salome", Tšaikovskin "Jevgeni Onegin", Puccinin "Manon Lescaut" ja "Tosca", Verdin "Kohtalon voima" ja "La Traviata". 1997 - Ljubov Kazarnovskaja perustaa Venäjälle oman organisaationsa - Lyubov Kazarnovskaya Foundation -säätiön tukemaan oopperataitoa Venäjällä: hän kutsuu Venäjälle konsertteihin ja mestarikursseihin johtavia laulutaiteen mestareita, kuten Renata Scotto, Franco Bonisolli, Simon Estes , Jose Cura ja muut, perustaa stipendejä auttaakseen nuoria venäläisiä laulajia. * 1998-2000 - tiivis yhteistyö Venäjän Bolshoi-teatterin kanssa. 2000 - laulaja holhoaa maailman ainoaa Lyubov Kazarnovskajan (Dubna) mukaan nimettyä lasten oopperateatteria. Tämän teatterin avulla Lyubov Kazarnovskaya suunnittelee mielenkiintoisia projekteja Venäjällä ja ulkomailla. 2000 - johtaa Kulttuurikeskuksen "Kaupunkien unioni" luovaa koordinointineuvostoa, joka suorittaa laajaa kulttuuri- ja koulutustyötä Venäjän kaupungeissa ja alueilla. 25.12.2000 - toinen ensi-ilta tapahtui konserttisalissa "Venäjä" - loistava oopperaesitys "Rakkauden kasvot", lähetetty suorana koko maailmalle. Johtavan oopperalaulajan ensimmäistä kertaa maailmassa esittämä kolmen tunnin musiikkitapahtuma nousi kuluvan vuosisadan viimeisen vuoden tapahtumaksi ja herätti innostuneita vastauksia Venäjällä ja ulkomailla. 2002 - Lyubov Kazarnovskaya on aktiivisen yhteiskunnallisen toiminnan keskipisteessä, valittiin Venäjän federaation kuntien kulttuuri- ja humanitaarisen yhteistyön komission puheenjohtajaksi, on Venäjän musiikkikasvatusseuran hallituksen puheenjohtaja. Lyubov Kazarnovskaya sai diplomin arvostetusta Cambridgen (Englanti) keskustasta yhtenä 1900-luvun 2000 merkittävimmistä muusikoista. Lyubov Kazarnovskajan luova elämä on sarja kiihkeitä ja pysäyttämättömiä voittoja, löytöjä, saavutuksia, joihin liittyy epiteetti "ensimmäinen" monessa suhteessa: *Grand Prix Unescon laulukilpailussa. *Kazarnovskaja on ensimmäinen venäläinen sopraano, jonka Herbert von Karajan on kutsunut Salzburgiin. *Ainoa venäläinen laulaja, joka esitti Mozartin osat säveltäjän kotimaassa Salzburgissa hänen 200. syntymäpäivänään. *Ensimmäinen ja edelleen ainoa venäläinen laulaja, joka esittää Salomen (Richard Straussin Salome) vaikeimman osan maailman suurimmilla oopperanäyttämöillä suurella menestyksellä. L. Kazarnovskajaa pidetään aikamme parhaana Salomena. *Ensimmäinen laulaja, joka äänitti (CD:lle) kaikki 103 Tšaikovski-romanssia. *Näillä levyillä ja lukuisilla konserteillaan kaikissa maailman musiikillisissa keskuksissa Lyubov Kazarnovskaya avaa venäläisten säveltäjien musiikillisen luovuuden länsimaiselle yleisölle. *Ensimmäinen kansainvälisen tason oopperalaulaja, joka teki ennennäkemättömän esityksen valikoimallaan - ooppera, operetti, romanssi, chanson ... *Ensimmäinen ja ainoa laulaja, joka esitti kaksi roolia yhden illan aikana (oopperoissa "Manon Lescaut") kirjoittanut Puccini) näytelmässä "Manonin muotokuva Venäjän Bolshoi-teatterin lavalla. Viime aikoina Lyubov Kazarnovskaya on kansainvälisen toimintansa lisäksi uhrannut paljon aikaa ja energiaa musiikillisen elämän kehittämiseen Venäjän alueilla. Hän on epäilemättä silmiinpistävin ilmiö Venäjän laulu- ja musiikkielämässä, ja hänelle omistettu lehdistö on genren ja volyymin suhteen ennennäkemätön. Hänen ohjelmistoonsa kuuluu yli 50 oopperaosaa ja valtava ohjelmisto kamarimusiikkia. Hänen suosikkiroolinsa ovat Tatiana, Violetta, Salome, Tosca, Manon Lescaut, Leonora ("Force of Destiny"), Amelia ("Masquerade Ball"). Valitessaan ohjelman soolo-iltoille Kazarnovskaja välttää erilaista valikoimaa jopa voittavia, houkuttelevia asioita ja suosii alkuperäisiä jaksoja, jotka edustavat eri kirjoittajien töitä. Laulajan ainutlaatuisuus, tulkinnan kirkkaus, hienovarainen tyylitaju, yksilöllinen lähestymistapa teosten monimutkaisimpien kuvien ruumiillistukseen eri aikakausilta tehdä esityksistään aitoja kulttuurielämän tapahtumia. Lukuisat ääni- ja videotallenteet korostavat valtavia laulumahdollisuuksia, korkeaa tyyliä ja parasta musiikillinen lahjakkuus tämä loistava laulaja, joka osoittaa aktiivisesti koko maailmalle venäläisen kulttuurin todellista tasoa. Amerikkalainen yritys VAI (Video Artists International) julkaisi sarjan videokasetteja, joihin osallistui venäläinen diiva, mukaan lukien "Great Singers of Russia 1901-1999" (kaksi kasettia), "Gypsy Love" (videotallenne Lyubov Kazarnovskajan konsertista v. Moskovan konservatorion suuri sali). Lyubov Kazarnovskayan diskografiaan kuuluu DGG:n, Philipsin, Delosin, Naxosin, Melodian tallenteita. Tällä hetkellä Lyubov Kazarnovskaya valmistelee uusia ohjelmia soolokonsertteihin, uusia oopperaosia (Carmen, Isolde, Lady Macbeth), suunnittelee lukuisia kiertueita ulkomaille ja Venäjälle sekä näyttelee elokuvissa. Naimisissa Robert Roscikin kanssa vuodesta 1989, vuonna 1993 syntyi heidän poikansa Andrey. Nämä muutamat lainaukset ovat vain suurin osa innostuneet vastaukset Lyubov Kazarnovskajan esityksiin: "Hänen äänensä on syvä ja viettelevästi vihjaileva... Koskettavat, kauniisti suoritetut kohtaukset Tatjanan kirjeestä ja hänen viimeinen tapaamisestaan ​​Oneginin kanssa eivät jätä epäilystäkään laulajan korkeimmasta taidosta ("Metropolitan Opera", "New York Times") "Voimakas, syvä, upeasti hallittu sopraano, ilmeikäs läpi koko alueen... Lauluominaisuuksien valikoima ja kirkkaus ovat erityisen vaikuttavia" (Lincoln Center, soolokonsertti, "New York Times") "Kazarnovskaya's ääni on keskittynyt, herkästi syvällä keskirekisterissä ja kirkas yläosassa ... Hän on säteilevä Desdemona" (Ranska, "Le Monde de la Musique") "... Lyuba Kazarnovskaja hurmasi yleisön aistillisella, maagisesti kuulostavallaan sopraano kaikissa rekistereissä" ("Muenchner Merkur") "Venäläinen diiva on niin säteilevä Salomen roolissa, - jää alkoi sulaa kaduilla, kun Lyuba Kazarnovskaja lauloi viimeinen kohtaus"Salome"…" ("Cincinnati Enquirer") Tietoja ja kuvia viralliselta sivulta: http://www.kazarnovskaya.com Uusi sivusto kauniista kukista. Iiristen maailma. Iiristen viljely, hoito, istutus.

Galina Pavlovna Vishnevskaya (25. lokakuuta 1926 - 11. joulukuuta 2012) - suuri venäläinen, Neuvostoliiton oopperalaulaja (lyric- dramaattinen sopraano). Neuvostoliiton kansantaiteilija. Ranskan Kunnialegioonan ritarikunnan komentaja, useiden yliopistojen kunniatohtori. Galina Pavlovna Vishnevskaya syntyi 25. lokakuuta 1926 Leningradissa (nykyinen Pietari), mutta hän vietti suurimman osan lapsuudestaan ​​Kronstadtissa. Hän kärsi Leningradin saarron, kuusitoistavuotiaana hän palveli ilmapuolustusyksiköissä. Hänen luovaa toimintaa aloitti vuonna 1944 Leningradin operettiteatterin solistina ja aloitti uransa suurella näyttämöllä 50-luvulla. Ensimmäisessä avioliitossaan hän oli naimisissa laivaston merimiehen Georgi Vishnevskyn kanssa, josta hän erosi kaksi kuukautta myöhemmin, mutta säilytti sukunimensä; toisessa avioliitossa - operettiteatterin johtajan Mark Ilyich Rubinin kanssa. Vuonna 1955, neljä päivää heidän tapaamisensa jälkeen, hän meni naimisiin kolmannen kerran myöhemmin kuuluisan sellistin M.L. Rostropovich, kokoonpanossa, jonka kanssa (M.L. Rostropovich - ensin pianistina ja myöhemmin kapellimestarina) esiintyi maailman arvostetuimmilla konserttipaikoilla. Vuosina 1951–1952 operettiteatterista erottuaan Vishnevskaya otti laulutunteja V.N. Garina, joka yhdistää klassisen laulutunnit esiintymiseen poplaulajana. Vuonna 1952 hän osallistui Bolshoi-teatterin harjoittelijaryhmän kilpailuun, hänet hyväksyttiin konservatoriokoulutuksen puutteesta huolimatta, ja pian (B.A. Pokrovskyn kuvaannollisen ilmaisun mukaan) hänestä tuli "valttikortti pakassa". Bolshoi Theatre", maan pääoopperatalon johtava solisti. 22 vuoden ajan taiteellinen ura Bolshoi-teatterissa (1952-1974) Galina Vishnevskaya loi monia (yli kolmekymmentä!) unohtumattomia naiskuvia venäjällä ja länsi-Euroopassa oopperan mestariteoksia . Tehtyään loistavasti debyyttinsä Tatianan roolissa oopperassa Jevgeni Onegin, hän esitti osissa Aida ja Violetta (Verdin Aida ja La Traviata), Cio-Cio-san (Puccinin Cio-Cio-san), Natasha Rostova (Prokofjevin "Sota ja rauha", Shebalinin "The Taming of the Shrew", ensimmäinen esiintyjä, 1957), Lisa (Tšaikovskin "Patakuningatar"), Kupava (Rimskyn "The Snow Maiden") Korsakov), Martha (Rimski-Korsakovin "Tsaarin morsian") Korsakov) ja monet muut. Vishnevskaja osallistui Prokofjevin oopperan Pelimies (1974, roolissa Polina), Poulencin monooopperan Ihmisen ääni (1965) ensimmäisiin tuotantoihin Venäjän näyttämöllä. Vuonna 1966 hän näytteli pääroolia D.D.:n elokuva-oopperassa "Katerina Izmailova". Šostakovitš (ohjaaja Mikhail Shapiro). Hän oli ensimmäinen esiintyjä useissa sävellyksessä, jonka D.D. omisti hänelle. Šostakovitš, B. Britten ja muut upeat nykysäveltäjät. Anna Akhmatovan runo "Naisen ääni" kirjoitettiin hänen äänityksensä kuuntelun vaikutuksesta. Neuvostoliiton aikana Galina Vishnevskaya tarjosi yhdessä miehensä, suuren sellisti ja kapellimestari Mstislav Rostropovichin kanssa korvaamatonta tukea erinomaiselle venäläiselle kirjailijalle ja ihmisoikeusaktivistille Aleksander Solženitsynille, ja tästä tuli yksi syy jatkuvaan huomion ja painostukseen. Neuvostoliiton salaiset palvelut. Vuonna 1974 Galina Vishnevskaya ja Mstislav Rostropovich lähtivät Neuvostoliitosta, ja vuonna 1978 heiltä evättiin kansalaisuus, kunnianimikkeet ja valtion palkinnot. Mutta vuonna 1990 korkeimman neuvoston puheenjohtajiston asetus peruutettiin, Galina Pavlovna palasi Venäjälle, Neuvostoliiton kansantaiteilijan kunnianimi ja Leninin ritarikunta palautettiin hänelle, hänestä tuli Moskovan kunniaprofessori. Konservatorio. Ulkomailla Rostropovich ja Vishnevskaya asuivat Yhdysvalloissa, sitten Ranskassa ja Isossa-Britanniassa. Galina Vishnevskaya on laulanut kaikilla maailman suurilla näyttämöillä (Covent Garden, Metropolitan Opera, Grand Opera, La Scala, Münchenin ooppera jne.) esiintyen maailman musiikillisen ja teatterikulttuurin merkittävimpien mestareiden kanssa. Hän esitti Marinan roolin Boris Godunov-oopperan ainutlaatuisella äänitteellä (kapellimestari Herbert von Karajan, solistit Gyaurov, Talvela, Spiess, Maslennikov), vuonna 1989 hän lauloi saman osan samannimisessä elokuvassa (ohjaaja A. Zhulavsky). , kapellimestari M. Rostropovich). Pakkomuuton aikana tehtyjen äänitteiden joukossa on S. Prokofjevin oopperan "Sota ja rauha" täydellinen versio, viisi levyä venäläisten säveltäjien M. Glinkan, A. Dargomyžskin, M. Mussorgskin, A. Borodinin ja P. Tšaikovski. Galina Vishnevskayan koko elämä ja työ oli suunnattu venäläisten oopperaperinteiden jatkamiseen ja kirkastamiseen. Perestroikan alkamisen jälkeen vuonna 1990 Galina Vishnevskaya ja Mstislav Rostropovich palautettiin kansalaisiksi. 1990-luvun alussa G. Vishnevskaya palasi Venäjälle ja hänestä tuli Moskovan konservatorion kunniaprofessori. Hän kuvaili elämäänsä kirjassa "Galina" (julkaistu englanniksi vuonna 1984, venäjäksi - 1991). Galina Vishnevskaya on useiden yliopistojen kunniatohtori, hän on työskennellyt useiden vuosien ajan luovien nuorten parissa, antanut mestarikursseja ympäri maailmaa ja toiminut suurten kansainvälisten kilpailujen tuomariston jäsenenä. Vuonna 2002 keskus avattiin Moskovassa oopperalaulu Galina Vishnevskaya, jonka luomisesta suuri laulaja on pitkään haaveillut. Keskuksessa hän välitti kertynyttä kokemustaan ​​ja ainutlaatuista tietämystään lahjakkaille nuorille laulajille, jotta he voisivat edustaa riittävästi venäläistä oopperakoulua kansainvälisellä näyttämöllä. Galina Vishnevskajan toiminnan lähetystyötä korostavat suurimmat liittovaltion ja alueelliset tiedotusvälineet, teattereiden ja konserttijärjestöjen johtajat sekä suuri yleisö. Galina Vishnevskaya palkittiin arvostetuimmista maailmanpalkinnoista hänen korvaamattomasta panoksestaan ​​globaaliin musiikillinen taide, lukuisia palkintoja eri maiden hallituksilta: mitali "Leningradin puolustamisesta" (1943), Leninin ritarikunta (1971), Pariisin kaupungin timanttimitali (1977), ritari "Ansioista Isänmaa" III tutkinto (1996), II tutkinto (2006 G.). Galina Vishnevskaya - Kirjallisuuden ja taiteen ritarikunnan suurupseeri (Ranska, 1982), Kunnialegioonan ritarikunnan kavaleri (Ranska. 1983), Kronstadtin kaupungin kunniakansalainen (1996).

Angela Gheorghiu (romaniaksi Angela Gheorghiu) on romanialainen oopperalaulaja, sopraano. Yksi aikamme tunnetuimmista oopperalaulajista. Angela Georgiou (Burlacu) syntyi 7. syyskuuta 1965 pikkukaupungissa Ajudissa, Romaniassa. Varhaisesta lapsuudesta lähtien oli selvää, että hänestä tulee laulaja, hänen kohtalonsa oli musiikki. Hän opiskeli klo musiikkikoulu Bukarestissa ja valmistui Bukarestin kansallisesta musiikkiyliopistosta. Hänen ammattimaisen oopperadebyyttinsä tapahtui vuonna 1990 Mimin roolissa Puccinin La bohèmessa Clujissa, ja samana vuonna hän voitti Hans Gabor Belvederen kansainvälisen laulukilpailun Wienissä. Sukunimi Georgiou säilyi hänen kanssaan ensimmäisestä aviomiehestään. Angela Georgiou teki kansainvälisen debyyttinsä vuonna 1992 Royal Opera Housessa, Covent Gardenissa, La Bohemessa. Samana vuonna hän debytoi New York Metropolitan Operassa ja Wienin valtionoopperassa. Vuonna 1994 Covent Gardenin kuninkaallisessa oopperatalossa hän lauloi Violetan osan La Traviatassa ensimmäistä kertaa, tällä hetkellä tapahtui "tähden syntymä", Angela Georgiou alkoi nauttia jatkuvasta menestyksestä oopperataloissa ja konserttisaleja ympäri maailmaa: New Yorkissa, Lontoossa, Pariisissa, Salzburgissa, Berliinissä, Tokiossa, Roomassa, Soulissa, Venetsiassa, Ateenassa, Monte Carlossa, Chicagossa, Philadelphiassa, São Paulossa, Los Angelesissa, Lissabonissa, Valenciassa, Palermossa, Amsterdamissa, Kualassa Lumpur, Zürich, Wien, Salzburg, Madrid, Barcelona, ​​​​Praha, Montreal, Moskova, Taipei, San Juan, Ljubljana. Vuonna 1994 hän tapasi tenori Roberto Alagnan, jonka kanssa hän meni naimisiin vuonna 1996. Hääseremonia pidettiin Metropolitan Operassa New Yorkissa. Alanya-Georgiou-pariskunta on pitkään ollut kirkkain luova perheliitto oopperalavalla, he ovat nyt eronneet. Hänen ensimmäinen eksklusiivinen levytyssopimus allekirjoitettiin vuonna 1995 Deccan kanssa, minkä jälkeen hän julkaisi useita albumeja vuodessa, nyt hänellä on noin 50 albumia, sekä lavastettuja ooppera- että soolokonsertteja. Kaikki hänen CD-levynsä ovat saaneet kritiikkiä ja voittaneet monia kansainvälisiä palkintoja, mukaan lukien Gramophone-lehden palkinnon, saksalaisen Echo-palkinnon, ranskalaiset Diapason d'Or- ja Choc du Monde de la Musique -palkinnot ja monet muut. Brittiläinen "Classical BRIT Awards" nimesi hänet kahdesti vuosina 2001 ja 2010 "Vuoden parhaaksi naislaulajaksi". Angela Georgioun roolivalikoima on erittäin laaja, hän pitää erityisesti Verdin ja Puccinin oopperoista. Italialaisen ohjelmiston, ehkä romanian ja italian kielten suhteellisen samankaltaisuuden vuoksi, hän pärjää erinomaisesti, jotkut kriitikot huomauttavat, että ranskan, saksan, venäjän ja englannin ooppera esitetään heikommin. Angela Gheorghiun tärkeimmät roolit: Bellini "Sleepwalker" - Amina Bizet "Carmen" - Micaela, Carmen Cilea "Adriana Lecouvreur" - Adriana Lecouvreur Donizetti "Lucia di Lammermoor" - Lucia Donizetti "Lucrezia Borgia" - Lucrezia Borgia " - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo ja Julia" - Juliet Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Pääskynen" - Magda Puccini "La Boheme" - Mimi Puccini "Gianni Schicchi" - Loretta Puccini "Tosca" - Tosca Puccini "Turandot" - Liu Verdi trubaduuri - Leonora Verdi "La Traviata" - Violetta Verdi "Luise Miller" - Louise Verdi "Simon Boccanegra" - Maria Angela Gheorghiu jatkaa aktiivista esiintymistä ja sijaitsee oopperan Olympuksen huipulla. Tulevaisuudessa mukana ovat erilaiset konsertit Euroopassa, Amerikassa ja Aasiassa, Tosca ja Faust Royal Opera Housessa, Covent Gardenissa.

Joan Alston Sutherland on australialainen oopperalaulaja ja dramaattinen koloratuurasopraano. Yksi 1900-luvun merkittävimmistä oopperalaulajista, Luciano Pavarotti kutsui hänen voimakasta kaunista ääntään "vuosisadan ääneksi", kun taas Montserrat Caballe kuvaili sitä "taivaalliseksi ääneksi". Joan Sutherland vaikutti suuresti bel canton ohjelmiston elvyttämiseen. Dame Brittiläisen imperiumin ritarikunnan komentaja. Joan Sutherland syntyi 7. marraskuuta 1926 Sydneyssä, Australiassa, skotlantilaiseen perheeseen. Hänen äitinsä oli mezzosopraano ja opetti Joania laulamaan. Sutherlandin ensimmäinen konserttiesitys pidettiin vuonna 1947 Sydneyssä, jossa hän lauloi Didon aaria Purcellin teoksesta Dido ja Aeneas. Hän debytoi oopperalavalla vuonna 1950 pääjuhla Judith Operassa Sydneyssä. Vuonna 1951, voitettuaan arvostetun Australian oopperakilpailun, hän meni jatkokoulutus Lontoossa Royal College of Musicissa. Hän sai kutsun kuninkaallisesta oopperatalosta, Covent Gardenista, ja debytoi siellä 28. lokakuuta 1952 laulaen pienen osan First Ladysta Mozartin Taikahuilussa ja vähän myöhemmin Clotilden osan Bellinin Normassa. Norman roolissa oli Maria Callas. Joulukuussa 1952 hän esitti ensimmäisen suuren roolinsa - Amelia Verdin Un ballo in mascherassa, jota seurasivat muut roolit: Agatha elokuvassa The Free Shooter, kreivitär Le nozze di Figarossa, Desdemona Otellossa, Gilda Rigolettossa, Eva elokuvassa The Nürnberg Mastersingers, Pamina Taikahuilussa. Joan Sutherland meni naimisiin australialaisen kapellimestari ja pianisti Richard Boningin kanssa 16. lokakuuta 1954, ja heidän poikansa Adam syntyi vuonna 1956. Varhainen Kirsten Flagstadin fani Joan halusi asettua Wagnerilaisen dramaattisen sopraanon asemaan, mutta hänen miehensä vakuutti hänet vähitellen siitä, että hän pystyi soittamaan korkeampia nuotteja helposti ja että hänen pitäisi opetella bel canton ohjelmisto. Vuosina 1957-1958 hän lauloi Alcinan nimiroolin Händelin samannimisessä oopperassa, Emiliaa Donizettin Emilia Liverpoolista ja Vancouverissa Donna Annana Don Giovannissa, näissä rooleissa hänen bel canto -potentiaalinsa ilmeni täysin ja selkeästi, mikä vahvisti. mielipide-aviomies. Vuonna 1958 Kuninkaallisessa oopperatalossa Händelin oratorion "Samson" aarian esityksen jälkeen yleisö sai yli kymmenen minuuttia seisovia suosionosoituksia. Vuonna 1959 Sutherland kutsuttiin osallistumaan "Lucia di Lammermoor" -elokuvan tuotantoon Covent Gardenissa, se oli läpimurto hänen laulajan urallaan - hänestä tuli tähti. Seuraavana vuonna hän äänitti albumin Art of the Diva, joka voitti Grammy-palkinnon parhaasta klassisesta laulajasta. 1960-luvun alussa Sutherland oli jo vakiinnuttanut asemansa huipputason oopperadiivana, jolla on ainutlaatuinen ääni. Alcinan esityksen jälkeen venetsialaisessa "La Fenice" -elokuvassa yleisö alkoi kutsua häntä "La Stupenda" - upeaksi, ja pian kaikki maailman sanomalehdet ottivat tämän lempinimen. 1960-luvulla Sutherland laajensi ohjelmistoaan suuresti bel canton parhailla osilla: Violetta La Traviatasta, Amina La Sonnambulasta, Elvira Puritanista, Beatrice di Tenda samannimisestä oopperasta, Marguerite de Valois Meyerbeerin Huguenotsista, pääroolissa Rossinin "Semiramidissa", Norma "Normassa", Kleopatra Händelin "Julius Caesarissa" ja muut. Vuonna 1966 hän lisäsi Marien rykmentin tyttärestä, josta tuli yksi hänen suosituimmista rooleistaan. Vuonna 1965 Sutherland Australiassa esitteli silloisen tavoitteellisen nuoren tenorin Luciano Pavarottin, ja tämä kiertue osoittautui virstanpylväksi Pavarottin uralla. Vaikka hänet tunnustettiin yhdeksi johtavista oopperalaulajista, hänellä oli ongelma sanan puhtauden kanssa, ja kriitikot huomauttivat tästä jatkuvasti. Sutherlandin varhaiset tiedot osoittavat, että hänellä oli kristalli selkeä ääni ja erinomainen sanasto. Kuitenkin 60-luvun alussa hänen äänensä menetti osan siitä selkeydestä, jotkut selittivät tämän nenäleikkaukseksi, jonka hän joutui vuonna 1959, mutta hänen leikkauksen jälkeen äänittämänsä albumi "The Art of the Prima Donna" osoittaa kristallinkirkkaan äänen. ja sanan selkeys. Hän kamppaili jatkuvasti tämän ongelman kanssa vaihtelevalla menestyksellä. 1970- ja 80-luvuilla Joan Sutherland jatkoi aktiivista työskentelyä ja laulujoustavuutensa ja hienostuneen tekniikkansa ansiosta hän jatkoi vaikeimpien kappaleiden laulamista yllättävän hyvin ja laajensi jatkuvasti ohjelmistoaan. Hänen viimeinen täysimittainen oopperaesitys oli vuonna 1990 Sydneyssä Huguenotsissa ja samana vuonna viimeinen gaalakonsertti kollegoidensa ja ystäviensä kanssa Covent Gardenissa. Jäätyään eläkkeelle suurelta näyttämöltä Joan Sutherland aloitti hiljaisen elämän kodissaan Sveitsissä ja esiintyi suhteellisen vähän julkisuudessa. Hän ei kuitenkaan aivan lähtenyt julkinen elämä-hän näytteli elokuvissa, kirjoitti omaelämäkerrallisen kirjan, piti mestarikursseja, oli useiden oopperafestivaalien tuomariston jäsen, mukaan lukien Cardiffin kansainvälisen oopperalaulukilpailun. Joan Sutherland kuoli 11. lokakuuta 2010 kotonaan Sveitsissä. Joan Sutherland Gaetano Donizettin Lucia di Lammermoorissa. "Hullu kohtaus"

Pauline Viardot, koko nimi Pauline Michelle Ferdinand García-Viardot (fr. Pauline Michelle Ferdinande García-Viardot) on johtava ranskalainen laulaja, mezzosopraano, 1800-luvulla, laulunopettaja ja espanjalaista alkuperää oleva säveltäjä. Pauline Viardot syntyi 18. heinäkuuta 1821 Pariisissa. Espanjalaisen laulajan ja opettajan Manuel Garcian tytär ja oppilas, Maria Malibranin sisar. Lapsena hän opiskeli pianonsoiton taitoa Franz Lisztin johdolla ja aikoi tulla pianistiksi, mutta hänen hämmästyttävät laulukykynsä määrittelivät hänen ammattinsa. Hän esiintyi useissa teattereissa Euroopassa ja antoi monia konsertteja. Hän oli kuuluisa rooleista Fidesz ("Profeetta" Meyerbeer), Orpheus ("Orpheus ja Eurydice" Gluck), Rosina ("Sevillan parturi", Rossini). Romanssien ja sarjakuvien oopperoiden kirjoittaja läheisen ystävänsä Ivan Turgenevin libretoon. Yhdessä miehensä kanssa, joka käänsi Turgenevin teoksia ranskaksi, hän edisti venäläisen kulttuurin saavutuksia. Hänen sukunimensä on kirjoitettu eri muodoissa. Hänen tyttönimi Garcia saavutti mainetta ja mainetta, avioliiton jälkeen hän käytti kaksoissukunimeä Garcia-Viardot jonkin aikaa ja jossain vaiheessa hän hylkäsi tyttönimensä ja kutsui itseään "Mme Viardotiksi". Vuonna 1837 16-vuotias Pauline Garcia piti ensimmäisen konserttinsa Brysselissä, ja vuonna 1839 hän debytoi Desdemonana Rossinin Otellossa Lontoossa, josta tuli kauden kohokohta. Joistakin puutteista huolimatta tytön ääni yhdisti hienon tekniikan hämmästyttävään intohimoon. Vuonna 1840 Pauline meni naimisiin Louis Viardot'n kanssa, säveltäjä ja Pariisin Théatre Italienin johtaja. Koska hänen miehensä oli 21 vuotta vanhempi kuin hänen vaimonsa, hän aloitti uransa. Vuonna 1844 hän esiintyi Venäjän valtakunnan pääkaupungissa Pietarissa samalla lavalla Antonio Tamburinin ja Giovanni Battista Rubinin kanssa. Viardotilla oli monia ihailijoita. Erityisesti venäläinen kirjailija Ivan Sergeevich Turgenev rakastui intohimoisesti laulajaan vuonna 1843 kuultuaan hänen esiintyvän Sevillan parturissa. Vuonna 1845 hän lähti Venäjältä seuratakseen Paulinea ja lopulta hänestä tuli melkein Viardot-perheen jäsen. Kirjoittaja kohteli Paulinen neljää lasta ikään kuin he olisivat omiaan ja ihaili häntä kuolemaansa asti. Hän puolestaan ​​oli hänen teoksensa kriitikko, ja hänen asemansa maailmassa ja yhteydet edustivat kirjailijaa parhaassa valossa. oikea hahmo heidän suhteensa on edelleen keskustelunaihe. Lisäksi Pauline Viardot kommunikoi muiden mahtavien ihmisten kanssa, mukaan lukien Charles Gounod ja Hector Berlioz. Laulukykyistään ja dramaattisista kyvyistään tunnettu Viardot inspiroi sellaisia ​​säveltäjiä kuin Frederic Chopin, Hector Berlioz, Camille Saint-Saens ja Giacomo Meyerbeer, oopperan Profeetta kirjoittaja, jossa hänestä tuli ensimmäinen Fideszin roolin esiintyjä. Hän ei koskaan pitänyt itseään säveltäjänä, mutta itse asiassa hän sävelsi kolme musiikkikokoelmaa ja auttoi myös säveltämään musiikkia erityisesti hänelle luotuihin rooleihin. Myöhemmin, poistuttuaan lavalta, hän kirjoitti oopperan nimeltä Le dernier socier. Viardot puhui sujuvasti espanjaa, ranskaa, italiaa, englantia, saksaa ja venäjää ja käytti työssään erilaisia ​​kansallisia tekniikoita. Lahjakkuutensa ansiosta hän esiintyi Euroopan parhaissa konserttisaleissa, mukaan lukien Pietarin oopperateatteri (1843-1846). Viardot'n suosio oli niin suuri, että George Sand teki hänestä prototyypin päähenkilö romaani Consuelo. Viardot lauloi mezzosopraano-osan Tuba Mirumissa (Mozartin Requiem) Chopinin hautajaisissa 30. lokakuuta 1849. Hän näytteli nimiroolin Gluckin Orpheuksessa ja Eurydicessa. Vuonna 1863 Pauline Viardot-Garcia jätti lavan, lähti Ranskasta perheensä kanssa (hänen miehensä vastusti Napoleon III:n hallintoa) ja asettui Baden-Badeniin. Napoleon III:n kukistumisen jälkeen Viardot'n perhe palasi Ranskaan, missä Pauline opetti Pariisin konservatoriossa miehensä kuolemaan saakka vuonna 1883 ja piti myös musiikkisalonkia Boulevard Saint-Germainilla. Pauline Viardot'n oppilaiden ja opiskelijoiden joukossa ovat kuuluisat Desiree Artaud-Padilla, Sophie Röhr-Brainin, Bailodz, Hasselman, Holmsen, Schliemann, Schmeiser, Bilbo-Bachelet, Meyer, Rollant ja muut. Monet venäläiset laulajat kävivät hänen kanssaan läpi erinomaisen laulukoulun, mukaan lukien F.V. Litvin, E. Lavrovskaja-Tserteleva, N. Iretskaja, N. Shtemberg. 18. toukokuuta 1910 Pauline Viardot kuoli ympäröimänä rakastavia sukulaisia. Hänet haudattiin Montmartren hautausmaalle Pariisiin. Venäläinen runoilija Aleksei Nikolajevitš Pleštšeev omisti hänelle runonsa "Laulaja" (Viardo Garcia): Ei! En unohda teitä, kiehtovat äänet, Kuten en unohda rakkauden ensimmäisiä makeita kyyneleitä! Kun kuuntelin sinua, kipu rinnassani nöyrtyi, Ja taas olin valmis uskomaan ja rakastamaan! En unohda häntä... Tuo inspiroitu pappitar, Leveiden lehtien seppeleen peitossa, Hän ilmestyi minulle... ja lauloi pyhän hymnin, Ja hänen katseensa paloi jumalallisella tulella... Se kalpea kuva hänessä I. näki Desdemonan, Kun hän kumartui kultaisen harpun yli, laulettiin laulu pajusta... ja huokaukset keskeyttivät tuon vanhan laulun tylsän ylivuodon. Kuinka syvästi hän ymmärsi, tutki Häntä, joka tunsi ihmiset ja heidän sydämensä salaisuudet; Ja jos suuri olisi noussut haudasta, Hän olisi laittanut kruununsa hänen otsaansa. Joskus minulle ilmestyi nuori Rosina Ja intohimoinen, kuin kotimaansa yö... Ja hänen maagista ääntään kuunnellen ponnistelin sielullani siihen hedelmälliseen maahan, missä kaikki lumoaa korvaa, kaikki ilahduttaa silmiä, missä taivaan holvi loistaa ikuista sinistä, Missä satakieli viheltää sykomoripuun oksilla Ja sypressin varjo vapisee vesien pinnalla! Ja rintani, täynnä pyhää nautintoa, puhdas ilo, kohotti korkealle, ja ahdistunut epäilys lensi pois, ja sieluni oli tyyni ja kevyt. Ystävänä päivien tuskallisen eron jälkeen olin valmis syleilemään koko maailmaa... Oi! En unohda teitä, kiehtovat äänet, Kuten en unohda rakkauden ensimmäisiä makeita kyyneleitä!<1846>

Natalie Dessay (syntynyt Nathalie Dessaix) on ranskalainen oopperalaulaja, koloratuurasopraano. Yksi aikamme johtavista laulajista, uransa alussa hänet tunnettiin erittäin korkeasta ja läpinäkyvästä äänestä, nyt hän laulaa alemmalla alueella. Yleisö rakastaa erinomaista dramaattista dataa ja elävää huumorintajua. Nathalie Dessay syntyi 19. huhtikuuta 1965 Lyonissa ja varttui Bordeaux'ssa. Vielä koulussa hän jätti nimestään h-kirjaimen pois näyttelijä Natalie Woodin kunniaksi ja yksinkertaisti myöhemmin sukunimensä kirjoitusasua. Nuoruudessaan Dessay haaveili balerinaksi tai näyttelijäksi tulemisesta ja kävi näyttelijätunneilla, mutta eräänä päivänä, kun hän leikki opiskelutovereiden kanssa vähän tunnetussa 1700-luvun näytelmässä, hänen täytyi laulaa, hän esitti Paminan aarian Taikahuilusta, kaikki olivat hämmästyneitä, häntä suositeltiin vaihtamaan huomio musiikkiin. Natalie tuli Bordeaux'n valtion konservatorioon, suoritti viisivuotisen opiskelun vain yhdessä vuodessa ja valmistui arvosanoin vuonna 1985. Konservatorion jälkeen hän työskenteli Toulousen Capitolen kansallisorkesterin kanssa. Vuonna 1989 hän sijoittui toiseksi France-Telecomin New Voices -kilpailussa, minkä ansiosta hän sai opiskella vuoden Paris Opera School of Lyric Artsissa ja esiintyä siellä Elizana Mozartin Paimenkuningas. Keväällä 1992 hän lauloi Bastille-oopperassa Offenbachin Hoffmannin tarinoita Olympian lyhyen roolin, hänen kumppaninsa oli José van Dam, tuotanto pettyi kriitikoille ja yleisölle, mutta nuori laulaja sai suosionosoitukset ja huomion. Tästä roolista tulee hänelle maamerkki, vuoteen 2001 asti hän esittää Olympiaa kahdeksassa eri tuotannossa, mukaan lukien debyyttinsä aikana La Scalassa. Vuonna 1993 Natalie Dessay voitti Wienin oopperan järjestämän kansainvälisen Mozart-kilpailun ja jäi opiskelemaan ja esiintymään Wienin oopperassa. Täällä hän lauloi Blondin roolin Mozartin sieppauksesta Seragliosta, josta tuli toinen hänen tunnetuimmista ja useimmin näytetyistä rooleistaan. Joulukuussa 1993 Natalie tarjottiin korvaamaan Cheryl Studer nyt kuuluisassa roolissa Olympia Wienin oopperassa. Hänen esityksensä sai Wienin yleisön tunnustusta ja Placido Domingo kiitti, samana vuonna hän esiintyi tässä roolissa Lyonin oopperassa. Natalie Dessayn kansainvälinen ura alkoi esityksillä Wienin oopperassa. 1990-luvulla hänen tunnustuksensa kasvoi jatkuvasti ja roolivalikoima laajeni jatkuvasti, hän sai monia tarjouksia, hän esiintyi kaikissa maailman johtavissa oopperataloissa - Metropolitan Operassa, La Scalassa, Baijerin oopperassa, Covent Gardenissa, Wienin ooppera ja muut. Näyttelijä Dessayn erottuva piirre on se, että hän uskoo, että oopperalaulajan tulee koostua 70% teatterista ja 30% musiikista ja että hän pyrkii paitsi laulamaan roolejaan myös näyttelemään niitä dramaattisesti, joten jokainen hänen hahmonsa on uusi löytö, ei koskaan kuten muut. Kaudella 2001/2002 Dessay alkoi kokea lauluvaikeuksia ja joutui perumaan esityksensä ja konserttinsa. Hän poistui lavalta ja joutui heinäkuussa 2002 leikkaukseen äänihuulten polyyppien poistamiseksi, jo helmikuussa 2003 hän palasi soolokonsertilla Pariisiin ja jatkoi aktiivisesti uraansa. Kaudella 2004/2005 Natalie Dessay joutui tekemään toisen leikkauksen. Uusi julkinen esiintyminen tapahtui toukokuussa 2005 Montrealissa. Natalie Dessayn paluuta seurasi hänen lyyrisen ohjelmistonsa suuntautuminen uudelleen. Hän välttelee "kevyitä" rooleja ilman syvyyttä (kuten Gilda "Rigolettossa") tai rooleja, joita hän ei halua enää pelata (Queen of the Night tai Olympia) ja suosii "traagisempia" hahmoja. Tämä asema toi aluksi vakavia erimielisyyksiä joidenkin johtajien ja kollegoiden kanssa. Nykyään Natalie Dessay on uransa huipulla ja nykypäivän johtava sopraano. Asuu ja esiintyy pääasiassa Yhdysvalloissa, mutta kiertää jatkuvasti Euroopassa. Venäläiset fanit saattoivat nähdä hänet Pietarissa vuonna 2010 ja Moskovassa vuonna 2011. Alkuvuodesta 2011 hän lauloi (ensimmäistä kertaa) Kleopatran roolin Händelin Julius Caesarissa Opéra Garnierissa, palasi Metropolitan-oopperaan perinteisellä sävellyksellään. "Lucia di Lammermoor", palasi sitten jälleen Eurooppaan konserttiversiolla "Pelléas et Mélisandesta" Pariisissa ja Lontoossa sekä konsertilla Moskovassa. Laulajan lähisuunnitelmiin kuuluu monia projekteja: "La Traviata" Wienissä vuonna 2011 ja Metropolitan Operassa vuonna 2012, Kleopatra "Julius Caesarissa" Metropolitan Operassa vuonna 2013, "Manon" Pariisin oopperassa ja La Scala vuonna 2012, Marie ("Rykmentin tytär") Pariisissa vuonna 2013 ja Elvira Metissä vuonna 2014. Natalie Dessay on naimisissa bassobaritoni Laurent Naouryn kanssa ja heillä on kaksi lasta. Oopperalavalla heitä näkee yhdessä hyvin harvoin, toisin kuin Alanya-Georgiou-tähtiparilla, tosiasia on, että baritoni-sopraanolla on paljon vähemmän ohjelmistoa kuin tenori-sopraanolla. Aviomiehensä vuoksi Dessey otti uskontonsa - juutalaisuuden.

Rita Streich (18. joulukuuta 1920 - 20. maaliskuuta 1987) - yksi arvostetuimmista ja äänitetyimmistä saksalaisista 1900-luvun 40-60-luvun oopperalaulajista, sopraano. Rita Streich syntyi Barnaulissa, Altain piirikunnassa, Venäjällä. Hänen isänsä Bruno Streich, Saksan armeijan korpraali, vangittiin ensimmäisen maailmansodan rintamalla ja myrkytettiin Barnaulissa, missä hän tapasi venäläisen tytön, tulevan äidin. kuuluisa laulaja Vera Alekseev. 18. joulukuuta 1920 Veralla ja Brunolla syntyi tytär Margarita Shtreich. Pian neuvostohallitus salli saksalaisten sotavankien palata kotiin, ja Bruno lähti yhdessä Veran ja Margaritan kanssa Saksaan. Venäläisen äitinsä ansiosta Rita Streich puhui ja lauloi venäjää hyvin, mikä oli hänen uralleen erittäin hyödyllistä, samalla kun hänen "ei puhtaan" saksalaisensa takia fasistisessa hallinnossa oli alussa ongelmia. Ritan laulukyvyt havaittiin varhain, ala-asteelta lähtien, hän oli johtava esiintyjä koulukonserteissa, joista yhdessä suuren saksalaisen oopperalaulaja Erna Berger huomasi ja vei hänet opiskelemaan Berliiniin. myös sisällä eri aika Hänen opettajinaan olivat kuuluisa tenori Willi Domgraf-Fassbender ja sopraano Maria Ifogyn. Rita Streichin debyytti oopperalavalla tapahtui vuonna 1943 Ossigin kaupungissa (Aussig, nykyinen Usti nad Labem, Tšekki) Zerbinettan roolissa Richard Straussin oopperassa Ariadne auf Naxos. Vuonna 1946 Rita debytoi Berliinin valtionoopperassa pääryhmässä Olympian osuudella Jacques Offebachin Hoffmannin tarinoissa. Sen jälkeen hänen lavauransa alkoi nousta, joka kesti vuoteen 1974. Rita Streich pysyi Berliinin oopperassa vuoteen 1952 asti, muutti sitten Itävaltaan ja vietti lähes kaksikymmentä vuotta Wienin oopperan lavalla. Täällä hän meni naimisiin ja synnytti pojan vuonna 1956. Rita Streichillä oli kirkas koloratuurasopraano ja hän esitti helposti maailman oopperan monimutkaisimmat osat, häntä kutsuttiin "Satakieliksi" tai "Wienin satakieliksi". Pitkän uransa aikana Rita Streich esiintyi myös monissa maailman teattereissa - hänellä oli sopimuksia La Scalan ja Baijerin radion kanssa Münchenissä, lauloi Covent Gardenissa, Pariisin oopperassa sekä Roomassa, Venetsiassa, New Yorkissa, Chicagossa, San Franciscossa. , matkusti Japaniin, Australiaan ja Uuteen-Seelantiin, esiintyi Salzburgissa, Bayreuthissa ja Glyndebournessa oopperafestivaaleilla. Hänen ohjelmistoonsa kuuluivat lähes kaikki merkittävät sopraanon oopperaroolit - hänet tunnettiin parhaana näyttelijänä yön kuningattaren rooleista Mozartin "Taikahuilussa", Annchenin roolissa Weberin "Free Gunissa" ja muissa. Hänen ohjelmistoonsa kuului muun muassa venäläisten säveltäjien teoksia, joita hän esitti venäjäksi. Häntä pidettiin myös erinomaisena operetin ohjelmiston sekä kansanlaulujen ja romanssien tulkkina. Hän on työskennellyt Euroopan parhaiden orkesterien ja kapellimestarien kanssa ja levyttänyt 65 suurta levyä. Uransa päätyttyä Rita Streich on toiminut professorina Wienin musiikkiakatemiassa vuodesta 1974, opettanut musiikkikoulussa Essenissä, antanut mestarikursseja ja johtanut Nizzan lyyrisen taiteen kehittämiskeskusta. Rita Streich kuoli 20. maaliskuuta 1987 Wienissä ja haudattiin vanhalle kaupungin hautausmaalle isänsä Bruno Streichin ja äitinsä Vera Alekseevan viereen.

Cecilia Bartoli on italialainen oopperalaulaja, koloratuuri-mezzosopraano. Yksi aikamme johtavista ja kaupallisesti menestyneistä oopperalaulajista. Cecilia Bartoli syntyi 4.6.1966 Roomassa. Bartolin vanhemmat ovat Silvana Bazzoni ja Pietro Angelo Bartoli, ammattilaulajia, Rooman oopperan työntekijöitä. Cecilian ensimmäinen ja tärkein laulunopettaja oli hänen äitinsä. Yhdeksänvuotiaana Cecilia esiintyi ensimmäisen kerran "suurella näyttämöllä" - hän esiintyi yhdessä Rooman oopperan massakohtauksista paimenpojan muodossa "Toscan" tuotannossa. Lapsena tuleva laulaja rakasti tanssia ja harjoitti flamencoa, mutta hänen vanhempansa eivät nähneet hänen uraansa tanssissa ja olivat tyytymättömiä tyttärensä harrastukseen, he vaativat häntä jatkamaan musiikillista koulutustaan. Flamenco antoi Bartolille sen helppouden ja intohimon, jolla hän esiintyy lavalla, ja hänen rakkautensa tätä tanssia kohtaan on edelleen ajankohtainen. 17-vuotiaana Bartoli tuli Santa Cecilian konservatorioon. Vuonna 1985 hän esiintyi televisio-ohjelmassa New Talents: hän lauloi "Barcarolle" Offenbachin "Tales of Hoffmannista", Rosinan aaria "Sevillan parturi" ja jopa dueton baritoni Leo Nuccin kanssa. Ja vaikka hän sijoittui toiseksi, hänen esityksensä teki roiskeen oopperan ystävien keskuudessa. Pian Bartoli esiintyi konsertissa, jonka Pariisin ooppera järjesti Maria Callasin muistoksi. Tämän konsertin jälkeen kolme klassisen musiikin maailman "raskassarjaa" kiinnitti huomion häneen - Herbert von Karajan, Daniel Barenboim ja Nikolaus Arnoncourt. Hänen ammattimainen oopperadebyyttinsä tapahtui vuonna 1987 Arena di Veronassa. Seuraavana vuonna hän lauloi Rossinin roolin Rossinin Sevillan parturi Kölnin oopperassa ja Cherubinon roolin Nikolaus Harnoncourtin vastapäätä Mozartin Figaron häissä Zürichissä, Sveitsissä. Herbert von Karajan kutsui hänet osallistumaan Salzburgin festivaaleille ja esittämään kanssaan J.S. Bachin messua h-molli, mutta maestron kuolema esti hänen suunnitelmiaan toteutumasta. Vuonna 1990 Bartoli debytoi Bastille-oopperassa Cherubinon roolissa, Hampurin valtionoopperassa Idamantena Mozartin Idomeneossa ja myös USA:ssa Mostly Mozart -festivaaleilla New Yorkissa ja allekirjoitti eksklusiivisen sopimuksen DECCA:n kanssa. Vuonna 1991 hän debytoi La Scalassa Rossinin La Comte Orin Isolier-sivuna, ja siitä lähtien hän on 25-vuotiaana vakiinnuttanut maineensa yhtenä maailman johtavista Mozartin ja Rossinin esittäjistä. Sittemmin hänen uransa on kehittynyt nopeasti - listautuminen parhaat teatterit Chechili Bartolin maailma, kantaesitykset, konsertit, kapellimestarit, levytykset, festivaalit ja palkinnot voisivat kasvaa kirjaksi. Cecilia Bartoli on vuodesta 2005 lähtien keskittynyt Gluckin, Vivaldin, Haydnin ja Salierin kaltaisten säveltäjien barokki- ja varhaisklassistiseen musiikkiin sekä viime aikoina romanttisen aikakauden musiikkiin ja italialaisen bel canton musiikkiin. Hän asuu tällä hetkellä perheensä kanssa Monte Carlossa ja työskentelee Zürichin oopperassa. Cecilia Bartoli on usein vieraana Venäjällä, vuodesta 2001 lähtien hän on vieraillut maassamme useita kertoja, viimeinen matkoista tapahtui syyskuussa 2011. Jotkut kriitikot huomaavat, että Cecilia Bartolia pidetään yhtenä aikamme parhaista mezzosopraanoista vain siksi, että tällä äänellä (toisin kuin sopraanolla) hänellä on hyvin vähän kilpailijoita, siitä huolimatta hänen esiintymisensä kerää täynnä faneja ja levyjä myydään miljoonia. kopioita.. Musiikkialan palveluistaan ​​Cecilia Bartoli on palkittu useilla valtion ja julkisilla palkinnoilla, mukaan lukien Ranskan ansiomerkki ja taide ja kirjallisuus sekä Italian ritarit, ja hän on myös Lontoon Royal Academy of Musicin kunniajäsen. jne. Hän on viiden Grammy-palkinnon omistaja, joista viimeinen voitti vuonna 2011 nimikkeessä "Paras klassinen lauluesitys" albumilla "Sacrifice" (Sacrificium).

Sumi Cho (Jo Sumi) - korealainen oopperalaulaja, koloratuurasopraano. Tunnetuin oopperalaulaja on kotoisin Kaakkois-Aasiasta. Sumi Cho syntyi 22. marraskuuta 1962 Soulissa, Etelä-Korea . Oikea nimi Sudzhon Cho (Jo Sugyeong). Hänen äitinsä oli amatöörilaulaja ja pianisti, mutta ei voinut saada ammattimaista musiikkikoulutusta Korean 1950-luvun poliittisen tilanteen vuoksi. Hän päätti antaa tyttärelleen hyvän musiikillisen koulutuksen. Sumi Cho aloitti pianotunnit 4-vuotiaana ja lauluharjoittelun 6-vuotiaana. Jo lapsena hänen täytyi viettää joskus jopa kahdeksan tuntia musiikkitunneilla. Vuonna 1976 Sumi Cho tuli Seoul School of the Arts -kouluun (yksityinen akatemia) "Sang Hwa", josta hän valmistui vuonna 1980 laulun ja pianon tutkintotodistuksella. Vuosina 1981-1983 hän jatkoi musiikillista koulutustaan ​​Soulin kansallisessa yliopistossa. Opiskellessaan yliopistossa Sumi Cho teki ensimmäisen ammatillisen debyyttinsä, esiintyi useissa Korean television järjestämissä konserteissa ja lauloi Suzannen roolin Soulin oopperassa "Figaron häissä". Vuonna 1983 Cho päätti jättää Soulin yliopiston ja muutti Italiaan opiskelemaan musiikkia vanhimpaan musiikkikouluun, National Academy of Santa Ceciliaan Roomassa, valmistuen arvosanoin. Hänen italialaisia ​​opettajiaan olivat Carlo Bergonzi ja Gianella Borelli. Akatemiassa opiskellessaan Choa kuultiin usein konserteissa useissa Italian kaupungeissa sekä radiossa ja televisiossa. Tänä aikana Cho päätti käyttää nimeä "Sumi" taiteilijanimekseen ollakseen ymmärrettävämpi eurooppalaiselle yleisölle. Vuonna 1985 hän valmistui akatemiasta pääaineenaan piano ja laulu. Akatemian jälkeen hän otti laulutunteja Elisabeth Schwarzkopfilta ja voitti useita laulukilpailuja Soulissa, Napolissa, Barcelonassa, Pretoriassa ja vuonna 1986 tärkeimmän Veronan kansainvälisen kilpailun, jossa vain muiden merkittävien kansainvälisten kilpailujen voittajat, joten parhaista nuorista laulajista. Sumi Cho teki eurooppalaisen oopperan debyyttinsä vuonna 1986 Giuseppe Verdi -teatterin Rigolettossa Giuseppe Verdi -teatterissa Triestessä. Tämä esitys herätti Herbert von Karajanin huomion, joka kutsui hänet näyttelemään Oscar-sivua Un ballo in mascheran kanssa Plácido Domingon kanssa, joka esitettiin Salzburgin festivaaleilla vuonna 1987. Seuraavina vuosina Sumi Cho siirtyi tasaisesti kohti oopperallista Olympusta, laajensi jatkuvasti esitystensä maantiedettä ja muutti ohjelmistoaan pienistä rooleista suuriin rooleihin. Vuonna 1988 Sumi Cho debytoi La Scalassa ja Baijerin valtionoopperassa, vuonna 1989 - Wienin valtionoopperassa ja Metropolitan Operassa, vuonna 1990 - Chicagon Lyric Operassa ja Covent Gardenissa. Sumi Chosta tuli yksi aikamme halutuimmista sopraanoista, ja se on pysynyt tässä asemassa tähän päivään asti. Yleisö rakastaa häntä kevyestä, lämpimästä, joustavasta äänestä sekä optimismista ja kevyestä huumorista lavalla ja elämässä. Hän on kevyt ja vapaa lavalla ja antaa jokaiseen esitykseen hienovaraisen itämaisen vaikutelman. Sumi Cho on vieraillut kaikissa maailman maissa, joissa oopperaa rakastetaan, myös useaan otteeseen Venäjällä, viimeinen vierailu oli vuonna 2008, jolloin he matkustivat useaan maahan duetossa Dmitri Hvorostovskin kanssa osana kiertuetta. Hänellä on kiireinen työaika, mukaan lukien oopperaesitykset, konserttiohjelmat, työskentele levy-yhtiöiden kanssa. Sumi Chon diskografiassa on tällä hetkellä yli 50 levytystä, mukaan lukien kymmenen sooloalbumia ja crossover-tyylisiä levyjä. Hänen kaksi albumiaan tunnetaan parhaiten - vuonna 1992 hänelle myönnettiin Grammy-palkinto nimikkeessä "Paras oopperaäänitys" R. Wagnerin oopperasta "Woman Without a Shadow" yhdessä Hildegard Behrensin, Jose van Damin, Giulia Varadin, Placido Domingon ja kapellimestari Georgin kanssa. Solti ja saksalaisen gramofonin palkinnon saanut albumi G. Verdin oopperalla Un ballo in maschera.

City Opera House (Lyric Opera) (Civic Opera House/Lyric Opera) on oopperatalo Chicagossa, Illinoisissa, Yhdysvalloissa. Teatterin auditorio on suunniteltu 3563-paikkaiseksi, mikä tekee siitä maailman toiseksi suurimman teatterin Metropolitan Operan jälkeen. Teatteri on osa 45-kerroksista toimistorakennusta, jossa on kaksi 22-kerroksista siipeä. Nykyään rakennuksen omistaa Lyric Opera of Chicago. City Opera Housen rakensi vuonna 1929 Graham, Anderson, Probst & White, joka rakensi useita rakennuksia Chicagon keskustaan, pääarkkitehti oli Alfred Shaw, johtava rakennusinsinööri Magnus Gunderson (Magnus Gunderson). Rakennus sijaitsee osoitteessa pääkatu Chicago - Walker Drive ja siinä on kaksi tyyliä ja kaksi kasvoa - Chicago-joen puolelta on näkymä tällä hetkellä hyvin yleiseen esimerkilliseen art deco -tyyliin, näkymä kadulta pitkällä pylväsrivillä ja sisätiloihin Tetra on saanut inspiraationsa ranskalaisesta uusklassismista, oletettavasti Pariisin ooppera Garnier'n jäljitelmänä. Myös sisätila ja sali on koristeltu runsaasti, erityisesti eri oopperoiden kohtauksilla ja hahmoilla maalattu "tulinen" verho erottuu, keskeisellä paikalla on "Aidan" grandioosinen marssi. Pääasiakas ja rahoittaja, joka investoi puolet rakennuskustannuksista, oli chicagolainen liikemies, hyväntekijä ja taiteen suojelija Samuel Insull, joka oli alun perin Thomas Edisonin General Electric -yhtiön työntekijä ja tuli Chicagoon laajentamaan liiketoimintaa. Muutamassa vuodessa uudesta Chicago Edison Companysta (nimettiin myöhemmin uudelleen ja organisoitiin uudelleen) tuli kaupungin suurin sähkö- ja sähköyhtiö, ja se omisti myös joitain muita kaupungin suuria yrityksiä. Insull oli naimisissa häntä monta vuotta nuoremman näyttelijän kanssa, he molemmat rakastivat taidetta, ja hän rakensi teatterin lahjaksi vaimolleen, jolta evättiin esitys Metropolitan Operassa (vaikka tämä on vain huhu, koska hänen vaimonsa ei ollut laulaja eikä halunnut esiintyä oopperassa). Ideana oopperatalon sekä liike- ja toimistotilojen yhdistämisestä oli saada lisätuloja oopperakausien välisiltä tauoilta. Kaksisiipiinen kerrostalo muistuttaa jättimäistä nojatuolia, minkä vuoksi sitä kutsutaan joskus "Insullin valtaistuimeksi" itse Samuel Insull. Kuusi päivää aiemmin alkanut suuri lama vaikutti kuitenkin kielteisesti teatteriin, teatteri oli tyhjä ja selviytymisen partaalla, ensimmäinen oopperaryhmä hajosi. Insull itse menetti suurimman osan liiketoiminnastaan, hänet asetettiin syytteeseen, hän piiloutui Eurooppaan, hänet vapautettiin myöhemmin ja kuoli Pariisissa suhteellisen köyhyydessä. Teatterissa toimi 1930- ja 40-luvuilla useita oopperayhtiöitä, joista yksikään ei kestänyt kauan. Vuonna 1954 teatterin vuokrasi Lyric Opera of Chicago, joka osti rakennuksen kokonaan vuonna 1993. Lyric Opera aloitti mittavat remontit. Kaikki päivitystä vaativa päivitettiin, maailmanlaajuinen jälleenrakennus valmistui vuonna 1996.

Mariinski-teatteri on ooppera- ja balettiteatteri Pietarissa, Venäjällä. Vuonna 1860 avattu erinomainen venäläinen musiikkiteatteri. Sen lavalla esitettiin Tšaikovskin, Mussorgskin, Rimski-Korsakovin ja monien muiden säveltäjien mestariteoksia. Mariinski-teatterissa toimii ooppera- ja balettiyhtyeitä sekä sinfoniaorkesteri Mariinsky-teatteri. Taiteellinen johtaja ja ylikapellimestari Valeri Gergiev. Yli kahden vuosisadan historiansa aikana Mariinski-teatteri on esitellyt maailmalle monia mahtavia taiteilijoita: täällä palveli erinomainen basso, venäläisen esiintyvän oopperakoulun perustaja Osip Petrov, sellaisia ​​upeita laulajia kuin Fjodor Chaliapin, Ivan Ershov, Medea ja Nikolai Figner hioivat taitojaan ja saavuttivat loiston huiput. , Sofia Preobrazhenskaya. Balettitanssijat loistivat lavalla: Matilda Kšesinskaja, Anna Pavlova, Vatslav Nijinsky, Galina Ulanova, Rudolf Nurejev, Mihail Baryshnikov, George Balanchine aloitti matkansa taiteeseen. Teatterissa nähtiin loistavien sisustajien, kuten Konstantin Korovin, Alexander Golovin, Alexander Benois, Simon Virsaladze, Fedor Fedorovski, lahjakkuutta. Ja monet, monet muut. On pitkään ollut tapana, että Mariinski-teatteri pitää sukujuurta, laskettuna vuosisata vuodesta 1783, jolloin heinäkuun 12. päivänä annettiin asetus teatterikomitean hyväksymisestä "näytelmien ja musiikin hallintaan", ja 5. lokakuuta Bolshoi Kamenny -teatteri Karuselliaukiolla avattiin juhlallisesti. Teatteri antoi aukiolle uuden nimen - se on säilynyt tähän päivään saakka nimellä Teatralnaya. Antonio Rinaldin projektin mukaan rakennettu Bolshoi-teatteri hämmästytti mielikuvitusta koolla, majesteettisella arkkitehtuurilla, näyttämöllä, joka on varustettu viimeinen sana nykyaikainen teatteritekniikka. Sen avajaisissa esitettiin Giovanni Paisiellon ooppera Il Mondo della luna ("Kuun maailma"). Venäläinen seurue esiintyi täällä vuorotellen italialaisten ja ranskalaisten kanssa, lavastettiin dramaattisia esityksiä, järjestettiin myös laulu- ja instrumentaalikonsertteja. Pietari rakennettiin, sen ulkonäkö muuttui jatkuvasti. Vuosina 1802-1803 Thomas de Thomon, loistava arkkitehti ja piirtäjä, suoritti suuren uudelleenjärjestelyn teatterin sisustuksessa ja sisustuksessa, muutti huomattavasti sen ulkonäköä ja mittasuhteita. Bolshoi-teatterista tuli uusi, seremoniallinen ja juhlava ilme, Admiralty, Stock Exchange ja Kazanin katedraali, yksi Nevan pääkaupungin arkkitehtonisista nähtävyyksistä. Kuitenkin yönä 1. tammikuuta 1811 Bolshoi-teatterissa syttyi valtava tulipalo. Kaksi päivää teatterin runsas sisustus tuhoutui tulipalossa ja sen julkisivu vaurioitui vakavasti. Thomas de Thomon, joka laati projektin rakkaan aivolapsensa palauttamiseksi, ei nähnyt sen toteutumista. 3. helmikuuta 1818 uudelleen avattu Bolshoi-teatteri avattiin uudelleen prologilla "Apollo ja Pallas pohjoisessa" ja Charles Didelot'n baletilla "Zefyri ja kasvisto" säveltäjä Katarino Cavosin musiikkiin. Olemme lähestymässä Bolshoi-teatterin "kulta-aikaa". Tulipalon jälkeisen aikakauden ohjelmistoon kuuluvat Taikahuilu, Sieppaus Seragliosta, Mozartin Tituksen armo. Venäläistä yleisöä kiehtovat Cinderella, Semiramide, The Thieving Harakka, Rossinin Sevillan parturi. Toukokuussa 1824 sai ensi-iltansa Weberin "Free Gunner" -teos, joka merkitsi niin paljon venäläisen romanttisen oopperan syntymiselle. Aljabjevin ja Verstovskin Vaudevilles soitetaan; yksi rakastetuimmista ja ohjelmistooopperoista on Kavosin Ivan Susanin, joka jatkui Glinkan oopperan ilmestymiseen asti samalla juonella. Legendaarinen Charles Didelot -hahmo liittyy venäläisen baletin maailmankuulun syntymiseen. Juuri näinä vuosina Pushkin kävi Pietarin Bolshoissa ja vangitsi teatterin kuolemattomilla runoilla. Vuonna 1836 arkkitehti Alberto Cavos, säveltäjän ja bändimestarin poika, vaihtoi akustiikan parantamiseksi teatterisalin kupolikaton litteäksi, ja sen yläpuolelle sijoitettiin taidepaja ja sisustussali. Alberto Cavos poistaa katsomossa näkyvyyttä haittaavat ja akustiikkaa vääristäneet pylväät, antaa salille tavanomaisen hevosenkengän muodon, lisää sen pituutta ja korkeutta, jolloin katsojamäärä nousee kahteentuhanteen. 27. marraskuuta 1836 uudelleen rakennetun teatterin esitykset jatkuivat Glinkan oopperan Elämä tsaarille ensiesittelyllä. Sattumalta, eikä ehkä ilman hyviä aikomuksia, Glinkan toisen oopperan Ruslan ja Ljudmila ensi-ilta tapahtui tasan kuusi vuotta myöhemmin, 27. marraskuuta 1842. Nämä kaksi päivämäärää riittäisivät siihen, että Pietarin Bolshoi-teatteri jäädä ikuisesti venäläisen kulttuurin historiaan. Mutta tietysti oli myös eurooppalaisen musiikin mestariteoksia: Mozartin, Rossinin, Bellinin, Donizettin, Verdin, Meyerbeerin, Gounodin, Aubertin, Thomasin oopperat ... Ajan myötä venäläisen oopperaryhmän esitykset siirrettiin lavalle. Aleksandrinski-teatterista ja Bolshoia vastapäätä sijaitsevasta niin sanotusta Sirkusteatterista (jossa balettiryhmän esitykset sekä italialainen ooppera jatkuivat). Kun Sirkusteatteri paloi vuonna 1859, sama arkkitehti Alberto Cavos rakensi sen tilalle uuden teatterin. Hän sai nimen Mariinsky hallitsevan keisarinna Maria Aleksandrovnan, Aleksanteri II:n vaimon, kunniaksi. Ensimmäinen teatterikausi uudessa rakennuksessa avattiin 2.10.1860 Glinkan oopperalla Elämä tsaarille Venäjän oopperan pääbändimestari, tulevaisuuden isän Konstantin Ljadovin johdolla. kuuluisa säveltäjä Anatoli Ljadov. Mariinski-teatteri vahvisti ja kehitti ensimmäisen venäläisen suuria perinteitä musiikkikohtaus. Kun Konstantin Lyadovin tilalle yhtyeen pääjohtajana vuonna 1863 tuli Eduard Napravnik, teatterin historiassa alkoi loistava aikakausi. Napravnikin Mariinski-teatterille antama puoli vuosisataa leimasi venäläisen musiikin historian merkittävimpien oopperoiden ensi-illan. Muutamia mainitakseni niistä - Mussorgskin Boris Godunov, Pihkovan piika, Vappuyö, Rimski-Korsakovin Lumityttö, Borodinin Prinssi Igor, Orleansin piika, Lumorit, Patakuningatar, Iolanthe » Tšaikovski, «Demoni » Rubinstein, «Oresteya» Tanejev. 1900-luvun alussa Wagnerin oopperateatterin ohjelmisto (joiden joukossa tetralogia "Nibelungien rengas"), Richard Straussin "Electra", Rimski-Korsakovin "Legenda Kitezhin näkymättömästä kaupungista", Mussorgskin "Khovanshchina". Marius Petipa, joka johti teatterin balettiryhmää vuonna 1869, jatkoi edeltäjiensä Jules Perrotin ja Arthur Saint-Leonin perinteitä. Petipa säilytti kiihkeästi sellaisia ​​klassisia esityksiä kuin Giselle, Esmeralda, Le Corsaire, alistaen ne vain huolelliseen editointiin. Hänen lavastettu La Bayadère toi ensin suuren baletin henkäyksen balettilavalle. koreografinen sävellys jossa "tanssista tuli kuin musiikkia". Petipan onnellinen tapaaminen Tšaikovskin kanssa, joka väitti, että "baletti on sama sinfonia", johti "Sleeping Beauty" - aidon musiikillisen ja koreografisen runon syntymiseen. Petipan ja Lev Ivanovin yhteisössä Pähkinänsärkijän koreografia syntyi. Tšaikovskin kuoleman jälkeen Joutsenlampi"on löytänyt toisen elämän Mariinski-teatterin näyttämöltä - ja jälleen Petipan ja Ivanovin yhteisessä koreografiassa. Petipa vahvisti mainettaan koreografina ja sinfonistina näyttämällä Glazunovin baletin Raymonda. Hänen innovatiivisia ideoitaan poimi nuori Mihail Fokin, joka esitti Mariinski-teatterissa Tcherepninin Armidan paviljongin, Saint-Saensin Joutsenen, Chopinianan Chopinin musiikin mukaan sekä Pariisissa luotuja baletteja - Scheherazade Rimskin musiikin mukaan. - Stravinskyn Korsakov, Tulilintu ja Petruška. Mariinski-teatteria on kunnostettu useita kertoja. Vuonna 1885, kun suurin osa esityksistä siirrettiin Mariinskin näyttämölle ennen Bolshoi-teatterin sulkemista, keisarillisten teattereiden pääarkkitehti Viktor Schreter lisäsi rakennuksen vasempaan siiveen kolmikerroksisen teatterirakennuksen. työpajat, harjoitustilat, voimalaitos ja kattilahuone. Vuonna 1894 Schroeterin johdolla puiset kattopalkit korvattiin teräksellä ja teräsbetonilla, rakennettiin sivusiivet ja laajennettiin katsomoaulaa. remontoitu ja pääjulkisivu, joka sai monumentaaliset muodot. Vuonna 1886 balettiesityksiä, jotka siihen asti jatkuivat Bolshoin lavalla Kivi teatteri , siirrettiin Mariinski-teatteriin. Ja Bolshoy Kamennyn paikalle pystytettiin Pietarin konservatorion rakennus. Hallituksen asetuksella 9. marraskuuta 1917 Mariinski-teatteri julistettiin valtionteatteriksi ja siirrettiin Koulutuksen kansankomissariaatin toimivaltaan. Vuonna 1920 sitä alettiin kutsua valtion akateemiseksi ooppera- ja balettiteatteriksi (GATOB), ja vuodesta 1935 lähtien se nimettiin S. M. Kirovin mukaan. Viime vuosisadan klassikoiden rinnalla teatterinäyttämöille nousivat 20-luvulla ja 30-luvun alussa modernit oopperat - Sergei Prokofjevin Rakkaus kolmeen appelsiiniin, Alban Bergin Wozzeck, Richard Straussin Salome ja Der Rosenkavalier; syntyy baletteja, jotka vahvistavat vuosikymmeniä suosittua uutta koreografista suuntaa, ns. draamabaletti - Reinhold Glieren Punainen unikko, Boris Asafjevin Pariisin liekit ja Bakhchisarai-lähde, Alexander Cranen Laurencia, Sergein Romeo ja Julia Prokofjev jne. Viimeinen sotaa edeltänyt oopperan ensi-ilta Kirov-teatterissa oli Wagnerin Lohengrin, jonka toinen esitys päättyi myöhään illalla 21. kesäkuuta 1941, mutta 24. ja 27. kesäkuuta suunnitellut esitykset korvattiin Ivan Susaninilla. Suuren isänmaallisen sodan aikana teatteri evakuoitiin Permiin, jossa pidettiin useiden esitysten ensi-ilta, mukaan lukien Aram Khachaturianin baletin Gayane ensi-ilta. Palattuaan Leningradiin teatteri avasi kauden 1.9.1944 Glinkan oopperalla Ivan Susanin. 50-70 luvulla. teatteri esitti sellaisia ​​kuuluisia baletteja kuin Farid Yarullinin Shurale, Aram Hatšaturjanin Spartacus ja Boris Tishchenkon kaksitoista koreografiassa Leonid Jakobson, Kivikukka Sergei Prokofjevin ja Arif Melikovin Legend of Love, koreografia Juri Grigoradovitš, "Lening" Šostakovitš Igor Belskyn koreografiassa sekä uusien balettien lavastus, baletin klassikot säilytettiin huolellisesti teatterin ohjelmistossa. Prokofjevin, Dzeržinskin, Šaporinin, Khrennikovin oopperat esiintyivät oopperaohjelmistossa yhdessä Tšaikovskin, Rimski-Korsakovin, Mussorgskin, Verdin, Bizetin kanssa. Vuosina 1968-1970. Salome Gelferin hankkeen mukaan tehtiin teatterin yleinen saneeraus, jonka seurauksena rakennuksen vasen siipi "venytettiin" ja sai nykyisen muotonsa. Tärkeä vaihe teatterin historiassa 80-luvulla oli Tšaikovskin oopperoiden "Jevgeni Onegin" ja "Patakuningatar" tuotanto, jonka toteutti teatteria vuonna 1976 johtanut Juri Temirkanov. Näissä tuotannoissa, jotka ovat edelleen teatterin ohjelmistossa, julistautui uusi taiteilijoiden sukupolvi. Vuonna 1988 Valeri Gergievistä tuli teatterin ylikapellimestari. 16. tammikuuta 1992 teatteri palautettiin historialliseen nimeensä - Mariinski. Ja vuonna 2006 teatterin ryhmä ja orkesteri saivat käyttöönsä Mariinski-teatterin taiteellisen johtajan-johtajan Valeri Gergijevin aloitteesta rakennetun konserttisalin osoitteessa Dekabristov-katu 37. Lähde: Mariinski-teatteri

Royal Opera House "Covent Garden" (Royal Opera House "Covent Garden") on teatteri Lontoossa, Yhdistyneessä kuningaskunnassa, joka toimii ooppera- ja balettiesitysten paikkana, Lontoon kuninkaallisen oopperan ja Lontoon kotinäyttämönä. Kuninkaallinen baletti. Se sijaitsee Covent Gardenin alueella, jonka jälkeen se sai nimensä. Aluksi Covent Gardenissa oli useita itsenäisiä ryhmiä sekä dramaattisia, musiikki- ja balettiesityksiä, sirkusesityksiä . 1700-luvun puoliväliin mennessä teatterin näyttämöllä pääpaikka oli musiikkiesityksillä, ja vuodesta 1847 lähtien on esitetty vain oopperoita ja baletteja. Teatterin moderni rakennus on peräkkäin kolmas tällä paikalla. Se on rakennettu vuonna 1858, ja se kunnostettiin perusteellisesti 1990-luvulla. Royal Opera Halliin mahtuu 2268 katsojaa ja se koostuu neljästä kerroksesta. Prosceniumin leveys on 12,2 m, korkeus 14,8 m. ohjaaja ja impressaarion John Richin aloitteesta ja avattiin 7. joulukuuta 1732 esityksellä, joka perustuu William Congreven näytelmään "So do the world" (eng. The Way of the World). Ennen esitystä näyttelijät astuivat teatteriin juhlallisessa kulkueessa kantaen Richiä sylissään. Lähes vuosisadan Covent Garden Theatre oli yksi kahdesta Lontoon draamateatterista, sillä vuonna 1660 kuningas Kaarle II salli dramaattisten esitysten näyttämisen vain kahdessa teatterissa (toinen oli yhtä kuuluisa Drury Lane Theatre). Vuonna 1734 Covent Gardenissa esitettiin ensimmäinen baletti Pygmalion, pääosassa Marie Salle, joka tanssi perinteen vastaisesti ilman korsettia. Vuoden 1734 lopulla Covent Gardenissa alettiin esittää oopperaa - pääasiassa teatterin entisen musiikin johtajan George Frideric Händelin teoksia: hänen varhainen, vaikkakin voimakkaasti muokattu ooppera Uskollinen paimen (italiaksi: Il pastor fido) oli lavastettu ensin, sitten tammikuussa 1735 uusi ooppera, Ariodant ja muut seurasi. Vuonna 1743 täällä esitettiin Händelin oratorio "Messias", ja myöhemmin uskonnollisten aiheiden oratorioiden esittämisestä suuren paaston aikana tuli teatterin perinne. Täällä esitettiin ensimmäistä kertaa säveltäjä Thomas Arnin oopperoita, samoin kuin hänen poikansa oopperoita. Vuonna 1808 Covent Gardenin ensimmäinen teatteri tuhoutui tulipalossa. Uusi teatterirakennus pystytettiin vuoden 1809 yhdeksän ensimmäisen kuukauden aikana Robert Smorkin suunnittelun mukaan ja avattiin 18. syyskuuta Macbeth-tuotannolla. Teatterin johto nosti lippujen hintoja korvatakseen uuden rakennuksen kustannukset, mutta yleisö häiritsi kahden kuukauden ajan esityksiä jatkuvalla huutamalla, taputtamalla ja vihellyksellä, minkä seurauksena teatterin johto joutui palauttamaan hinnat entiselleen. 1800-luvun ensimmäisellä puoliskolla Covent Gardenin lavalla vuorottelivat oopperat, baletit, dramaattiset esitykset erinomaisten tragedien Edmund Keanen ja Sarah Siddonsin kanssa, pantomiimi ja jopa klovneria (kuuluisa klovni Joseph Grimaldi esiintyi täällä). Tilanne muuttui sen jälkeen, kun vuonna 1846 hänen majesteettinsa teatterissa - Lontoon oopperatalossa - käydyn konfliktin seurauksena merkittävä osa hänen ryhmästään, kapellimestari Michael Costan johdolla, muutti Covent Gardeniin; sali kunnostettiin, ja 6. huhtikuuta 1847 teatteri avattiin uudelleen Italian kuninkaallisen oopperan nimellä Rossinin oopperan Semiramide esityksellä. Alle yhdeksän vuotta myöhemmin, 5. maaliskuuta 1856, teatteri paloi kuitenkin toisen kerran. Covent Gardenin kolmas teatteri rakennettiin vuosina 1857-1858. suunnitteli Edward Middleton Barry ja avattiin 15. toukokuuta 1858 Meyerbeerin Les Huguenots -tuotannolla. Ensimmäisen maailmansodan aikana teatteri takavarikoitiin ja sitä käytettiin varastona. Toisen maailmansodan aikana teatterirakennuksessa oli tanssisali. Vuonna 1946 ooppera palasi Covent Gardenin seinille: 20. helmikuuta teatteri avattiin Tšaikovskin Prinsessa Prinsessa Oliver Messelin ylenpalttisessa tuotannossa. Samaan aikaan aloitettiin oopperayhtiön luominen, jonka kotinäyttämölle Covent Garden Theatre tulee, 14.1.1947 Covent Garden Opera Company (tuleva Lontoon kuninkaallinen ooppera) esitteli täällä Bizet'n oopperan Carmen.

B.A. Pokrovskin mukaan nimetty Moskovan valtion akateeminen kamarimusiikkiteatteri on yksi kuuluisimmista ja halutuimmista venäläisistä musiikkiteattereista kaikkialla maailmassa. Se sijaitsee aiemmin kuuluisan "Slavianski Bazaar" -kompleksin rakennuksessa, jossa vuonna 1897 järjestettiin K.S. Stanislavskyn ja Vl.I. Näin Boris Aleksandrovich Pokrovsky itse kuvaa teatterin luomisen historiaa kirjassa "Elämäni on näyttämö": "... kaikki tapahtui kohtalon aktiivisten ponnistelujen ansiosta - Moskovassa he päättivät uudistaa pienen oopperan yhtiö, joka kiersi Venäjää ja hajotti erinomaista roskaa oopperaesitysten tuotenimellä. Minua pyydettiin auttamaan teatterin uudelleenjärjestelyssä. Ainoa tapa, jolla voin auttaa teatteria, oli esittää heille näytelmä. kamariyhtye . Samaan aikaan ilmestyi silloisen nuoren säveltäjän Rodion Shchedrinin pieni ooppera Ei vain rakkautta, joka lumoi jo partituurissa ... ja harjoittelimme tätä pientä mestariteosta kamarikokoonpanolla. Esitys esitettiin Draamateatterin lavalla. K.S.Stanislavsky ja Vl.I.Nemirovich Danchenko. Menestystä oli... - joten Moskovan kamarimusiikkiteatteri syntyi vuonna 1972. "Kun Pokrovski perusti kamarimusiikkiteatterin vuonna 1972, hänellä ei vielä ollut omia tiloja ja ensimmäiset esitykset olivat Rodion Shchedrinin Ei vain rakkautta", A. paljon melua... sydämien takia, Tihon Khrennikov, Dmitri Bortnyanskyn "Federigo degli Alberigin haukka" menivät eri kohteisiin Moskovassa. Ja vasta kaksi vuotta myöhemmin, vuonna 1974, teatteri sai pysyvän oleskeluluvan. Tässä oli suuri rooli säveltäjien T. N. Khrennikovin (silloin Neuvostoliiton säveltäjäliiton ensimmäinen sihteeri) ja D. D. Šostakovitšin tuella. Nuoren teatterin porukkaa täydensi Gitisovites - näyttelijäkurssin opiskelijat, jota johti B.A. Pokrovsky. Käännekohta nuoren teatteriryhmän elämässä - 12. syyskuuta 1974 sai ensi-iltansa D. D. Šostakovitšin oopperan "Nenä" on ylivoimainen ohjaajan mestariteos ja kamarin "käyntikortti" Musikaaliteatteri Kapellimestari, Neuvostoliiton kansantaiteilija 1 Nady Rozhdestvensky. Teatterista tuli ensimmäisistä päivistä lähtien todellinen ja useiden vuosien ajan maan ainoa modernin oopperan laboratorio ja samalla oopperaharvinaisuuksien edelläkävijä. Kukaan ei olisi voinut kuvitella, että Sokolin pienestä kellarista tulisi yksi tärkeimmistä kulttuurikeskuksista paitsi Moskovassa myös kaikkialla maailmassa. Katsomaan legendaarisia esityksiä tuli ihmisiä eri puolilta maata. Täällä Mestari loi mestariteoksia - harvoin esitettäviä klassisia ja moderneja oopperoita: Šostakovitšin "Nenä", Stravinskin "Rake's Adventures", "Don Juan eli rangaistettu libertini" ja Mozartin "Teatterin johtaja", "Rostov-toiminta". " kirjoittanut Rostovin metropoliita Dimitry ... Tässä teatterissa esitettiin ensimmäistä kertaa nykysäveltäjien oopperoita, joista on tullut klassikoita - "Päätakki", "Käynti", "Häät", "Karamazovin veljet", Kholminov, Schnittken "Elämä idiootin kanssa", Tariverdievin "Kreivi Cagliostro", Desjatnikovin "Huono Lisa", Ganelin "Punainen valehtelija ja sotilas", "Joutsenlaulu" Kobekin, "Köyhät" Sedelnikov; muinaiset ja vähän tunnetut eurooppalaiset oopperat - Haydnin Apteekkari, Brittenin leikkii vedellä jne. Vuodesta 2010 lähtien teatterilla on ollut perinne: joka vuosi Mestarin syntymäpäivänä järjestetään retrospektiivinen esitys hänen esityksistään. Teatterin johto ja luova tiimi säilyttävät perustajan nimen ja seuraavat hänen ajatuksiaan, joita hän perinnöi lukuisissa kirjoissaan ja julkaisuissaan, palauttaa huolellisesti ja huolellisesti loistavan ohjaajan perinnön jälkipolville. Ja Boris Pokrovskin vuotuinen esitysfestivaali on vahvistus tästä. Yleisöarvostelut Pokrovski Moskovan kamarimusiikkiteatterista: Moskovan arkkitehtuuriinstituutin opiskelijat (#106 / 23.5.2011 klo 21:32) 21. toukokuuta teatterissa katsoimme säveltäjä Giacomo Puccinin dramaattista oopperaa. Loistava ja live-esitys. Kaikki on huipulla: maisemat, valot, peli, näyttelijöiden äänet. En ole pitkään aikaan saanut esityksestä tällaista tunteiden myrskyä! Ja he olivat huolissaan ja itkivät. Vain tällaisten tunneshokkien vuoksi kannattaa mennä teatteriin. Kiitos sellaisille mestareille kuin Yulia Moiseeva (Georgetta), Nikolai Shchemlev (Michele), Leonid Kazachkov (Luigi). Uskot todella tarinaan, jonka taiteilijat näyttävät. Esitys lensi yhdellä hengityksellä, eikä siinä ollut yhtään tylsää kohtausta - kaikki oli niin hyvin lavastettu. On mahdotonta hyväksyä sellaisen esityksen katsomista kerran. Sinun täytyy ehdottomasti nähdä ja arvioida se uudelleen, kuinka "syötä aihe", suoraan sanoen, se ei toimi ensimmäisellä kerralla. Joten menen ehdottomasti uudestaan. Suuri kiitos ylikapellimestari Vladimir Agronskylle, ohjaaja Igor Merkuloville ja kaikille taiteilijoille, jotka vievät katsojan pois arjesta ja arjesta intohimojen, juonittelujen ja mullistusten maailmaan. Olga (#95 / 7. toukokuuta 2011 klo 00:22) 4. toukokuuta oli "Taikahuilussa". Kun astut saliin, kuulet huilun äänet ja näet taianomaisen maan maisemat - erityinen tunnelma ilmaantuu välittömästi, halu koskettaa kaunista, hienoa musiikkia, hienoon työhön, nauti siitä täysin. Outoa, jostain syystä en uskonut heidän laulavan saksaksi. Mutta kuinka kaunis se on! Ja en edes tarvinnut sähköistä tulostaulua, jossa näkyy venäjänkielinen käännös, ja kaikki on selvää. Alkusoitto. Lavalla esiintyvät kaikki oopperan sankarit, valon ja pimeyden voimat, viisaat ja taitavat, hauskoja ja majesteettisen vakavia. Ja ennen kaikkea Mozart. Hänen neronsa. Sankaripareista muistan eniten Pamina-Olesya Starukhina ja Papageno-Andrei Tsvetkov-Tolbin. Pamina on niin eloisa, hellä, rakastava, kyyneleet silmissä laulaessaan kuolemasta, mutta samalla ilkikurinen, iloinen, vanhempi sisko, anteeksiantava Papagenon lapsuuden kepposet. Minusta vaikuttaa siltä, ​​että komediahahmoa on paljon vaikeampi pelata kuin ihanteellinen prinssi. Itse asiassa tässä roolissa tärkeintä on löytää hieno viiva, jotta se ei muutu farssiksi, mutta samalla nauraa, voittaa yleisön. Andrey Tsvetkov onnistui loistavasti. Hänen sankarinsa on iloinen, levoton, leikkisä lapsi, mutta samalla erittäin vilpitön. Yön kuningatar Tatjana Fedotova voitti minut äänellään! Bravo! Yön kuningattaren aaria... ei vain sanoja! Upeaa! Pidin todella naisten triosta: Alexandra Martynova, Tatyana Vetrova ja Maria Patrusheva. Niin erilaisia, niin hurmaavia, niin sointuisia ääniä! Toinen pappi, Edem Ibraimov, pelotti minua aluksi hieman, tai pikemminkin, koin kunnioituksen, kunnioituksen tunteen, pappi loppujen lopuksi - ankarat kasvot, majesteettiset eleet. Mutta sitten hymyilin: duetot Papagenon kanssa ovat niin tunteellisia, näyttää siltä, ​​että näyttelijät itse nauttivat näistä kohtauksista! On sääli, että poikien osia esittäneiden näyttelijöiden nimiä ei ole ilmoitettu. Niin puhtaat kasvot, lapsenomaiset avoimet hymyt! Puvut kiehtoivat minua - erityisesti Yön kuningattaren ja Sarastron puku. Sarastron kuvasta tuli niin majesteettinen! Pamina näytti todella pieneltä tytöltä hänen vieressään. Jälleen, kuten DSCH:n jälkeen, hän käveli kadulla ja hyräili melodioita. En edes kuullut mitään metrossa - oopperaäänet piiloutuivat kaikkiin maanalaisen liikenteen ääniin. Kaikki tiedot teatterin viralliselta verkkosivustolta - www.opera-pokrovsky.ru

Goldoni-teatteri (Teatro Goldoni) on yksi johtavista ja vanhimmista oopperataloista Venetsiassa, Italiassa. Teatteri on peräisin vuodelta 1622, vaihtanut nimeään useita kertoja ja sijaitsee Venetsian historiallisessa keskustassa, lähellä Rialton siltaa. Teatteri on johdettu ja on oopperayhtiö Teatro Stabile del Veneton päälava. Historiallisesti kaikki suuret venetsialaiset teatterit olivat tärkeiden patriisiperheiden omistuksessa, esimerkiksi nykyään Malibran-teatterina ja San Benedetto-teatterina tunnetut teatterit olivat Grimani-suvun omistuksessa, La Fenice -teatteri kuului Venier-suvulle. Venetsian yksityisten teattereiden ohella maailman ensimmäinen julkinen oopperatalo, San Cassiano, rakennettiin vuonna 1637. Vendraminin perhe omisti teatterin, jota nykyään kutsutaan nimellä Goldoni. Teatteri rakennettiin vuonna 1622 ja avasi komedia Antonio Ciofo, historiansa aikana teatteri vaihtoi nimeään monta kertaa, se oli Vendraminin, San Lucan, San Salvatoren, Apollon teatteri, kunnes vuonna 1875 se sai nykyisen nimensä näytelmäkirjailija Carl Goldoni. Vuonna 1652 (palon jälkeen) ja 1684 teatterirakennus kunnostettiin kahdesti. Tänä ensimmäisen toimintakautensa aikana teatteri esitti pääasiassa oopperoita, mutta 1700-luvulla se isännöi pääasiassa dramaattisia esityksiä. 1720-luvulla San Lucan teatteri rakennettiin uudelleen ja nimettiin uudelleen Apollon teatteriksi. Tämä rakennus on säilynyt tähän päivään asti. Vuonna 1752 teatterin omistajat saivat palkata Carlo Goldonin, jota pidettiin tuolloin Venetsian tunnetuimpana näytelmäkirjailijana, teatterin johtajaksi. Tämä oli merkittävä tapahtuma kaupungin teatterielämässä ja ehkäpä teatterin tähtikausi. Teatterin silloinen omistaja kuitenkin itse yritti ottaa suora osallistuminen esitysten ohjauksessa ja tuotannossa ja tästä syystä hänellä oli vaikea suhde ja toistuvia riitoja palkatun johtajan kanssa. Carlo Goldoni lähti teatterista ja Venetsiasta vuonna 1761 Pariisiin. 1800-luvulla teatterissa tehtiin monia jälleenrakennuksia ja korjauksia, joista yksi tärkeimmistä uusinnoista vuonna 1818 arkkitehti Giuseppe Borsaton johdolla, vuonna 1826 teatteriin asennettiin kaasuvalaistus, väitetään ensimmäistä kertaa Italiassa, vuonna 1833 sisätilojen kunnostus toteutettiin suunnittelija Francesco Banaran johdolla. Vuonna 1875 näytelmäkirjailijan syntymäpäivän aikana teatteri nimettiin uudelleen Carl Goldoni -teatteriksi. Vendraminin perhe omisti teatterin vuoteen 1937, jolloin se siirtyi kaupungin omaisuudeksi. Vuonna 1957 teatteri suljettiin kulumisen vuoksi. Vuonna 1979 kunnostettu teatteri avasi ovensa jälleen suuren remontin jälkeen. Goldoni-teatteri on sisustukseltaan tyypillinen italialainen teatteri 1700-luvulla, nelikerroksinen, kapasiteetti 800 henkilöä, lavalla 12 metriä leveä ja 11 metriä pitkä. Tällä hetkellä siellä järjestetään draamaesityksiä, oopperaesityksiä, lastenjuhlia ja muita Teatro Stabile del Veneton järjestämiä tapahtumia.

Voronežin valtion ooppera- ja balettiteatteri on edennyt pitkälle kehityksessään. Syyskuussa 1931 Voronezhissa aloitti toimintansa teatteri musiikkikomedia, järjestetty ammattitaiteilijoiden yhteisön pohjalta, jota johtaa lahjakas järjestäjä, ohjaaja ja näyttelijä Lazar Arkadjevitš Lazarev. Viime vuosisadan 30-luvun alussa Voronezh oli Keski-Tšernobylin alueen keskus, johon kuului kaupunkeja, joista myöhemmin tuli aluekeskuksia: Kursk, Oryol, Tambov, Lipetsk. Yksi Voronežin musiikkikomediateatterin tärkeimmistä luovista tehtävistä oli palvella Tšernozemin alueen työväkeä. Tuolloin teatterin ohjelmistoon kuului paitsi klassisia operetteja myös moderneja musiikkikomedioita. Korkeatasoinen esiintyjät vaikuttivat osaltaan siihen, että esitykset ovat aina olleet suuri menestys. Vuonna 1958 teatterin luova raportti pidettiin Moskovassa. Se oli menestys, ja pääkaupungin yleisö ja musiikkiyhteisö arvostivat sitä suuresti. Kiertueen aikana Neuvostoliiton säveltäjien liiton puheenjohtaja T. N. Khrennikov ehdotti musiikkikomediateatterin uudelleenorganisointia Musiikkiteatteriksi. Tätä ehdotusta tukivat kulttuuriministeriö ja Voronežin alueen johto. Päätös Musikaalikomediateatterin uudelleenorganisoimisesta Musiikkiteatteriksi tehtiin vuonna 1960. Ensimmäinen esitys, joka merkitsi uuden teatterin syntymää Voronežissa, oli P. Tšaikovskin ooppera "Jevgeni Onegin", jonka lavastus oli teatterin ensimmäinen ylikapellimestari V. Timofejev. Ensi-ilta oli 25. helmikuuta 1961. Tämä päivämäärä on teatterin syntymäpäivä. Performanssi "Jutsenlampi" aloitti matkansa hienoa taidetta balettiryhmä, jota johtaa lahjakas koreografi T. Ramonova. Kuusikymmentäluvulla teatterissa työskentelivät lahjakkaat luovat johtajat, jotka tunnettiin laajalti maassa: ohjaaja - Valko-Venäjän kansantaiteilija S.A. Stein, pääkoreografi - Valko-Venäjän arvostettu taidetyöntekijä K.A. Muller, päätaiteilija - RSFSR:n arvostettu taidetyöntekijä V.L. Tsybin. Nuoren joukkueen luovan muodostumisen aika liittyy RSFSR:n kansantaiteilijan, valtionpalkinnon saaneen Anatoli Aleksejevitš Lyudmilinin nimeen - erinomaiseen kapellimestariin, herkkään opettajaan ja lahjakkaaseen järjestäjään. Hän loi teatterissa klassisen oopperan perustan ja baletin ohjelmisto, kääntyi toistuvasti aikalaistensa teoksiin. Hänen johdollaan lavastettiin yli 10 esitystä, mukaan lukien G. Verdin "Aida", "Rigoletto", "La Traviata", G. Bizet'n "Carmen", G. "Tosca" ja "Cio-Cio-San". Puccini, P. Tšaikovskin "Patakuningatar", A. Rubinsteinin "The Demon", bulgarialaisen säveltäjän P. Khadžijevin "Lud Hydia", A. Spadavekkian "The Fiery Years". Vuonna 1967 Neuvostoliiton kansantaiteilija Jaroslav Antonovich Voshchak kutsuttiin ylikapellimestariksi. Hän jatkoi A. Ljudmilinin perinteitä, joista tärkein on teatterin korkea musiikkikulttuuri. P. Tšaikovskin oopperat Mazeppa, G. Verdin Il trovatore ja K. Molchanovin Venäläinen nainen muodostuivat todellisiksi teatteritapahtumiksi, niitä seurasi yleisön rakkaus ja kriitikoiden korkea arvostus. Vuonna 1968 Ya.A. Voschakin johdolla musiikkiteatteri nimettiin uudelleen Voronežin valtion ooppera- ja balettiteatteriksi. 70-luvulla merkittävä rooli teatterin luovassa elämässä oli ylikapellimestareilla, Kazakstanin SSR:n kunniataiteilijalla I.Z. Ostrovskilla ja Venäjän federaation kunniataiteilijalla V.G. koreografilla - Venäjän federaation kunniatyöntekijällä G.G. Malkhasyants, päätaiteilija - N.I. Kotov, pääkuoromestari, Venäjän federaation kunniataiteilija L.L. Ditko. 90-luvulla tuli uusi johto: ylikapellimestari, Venäjän federaation kunniatyöntekijä Yu.P. Anisichkin, pääohjaaja Venäjän federaation kunniatyöntekijä A.N. Zykov, päätaiteilija Venäjän federaation kunniatyöntekijä VG Kochiashvili. Yli 10 vuoden ajan baletin taiteellinen johtaja oli Venäjän federaation kansantaiteilija N.G. Valitova. Vuonna 1999 kuoroa johti kansainvälisten kilpailujen voittaja V.K.Kushnikov. Avajaispäivästä lähtien teatterin lavalla on esitetty yli 200 esitystä, mukaan lukien koko suosittu klassisen oopperan ja baletin ohjelmisto. Teatteri piti ensimmäisistä toimintavuosistaan ​​lähtien tärkeänä tehtävänä klassisten perinteiden orgaanisen yhdistelmän ohjelmiston muodostamisessa. tämänhetkiset trendit musiikki- ja teatteritaide. Koko unionin tunnustuksen saivat ensimmäistä kertaa Voronežin lavalla K. Listovin oopperat "Kuuban tytär", K. Molchanovin "Brestin linnoitus" ja "Venäläinen nainen", G. Fridan "Anne Frankin päiväkirja" . Oopperan "Brestin linnoitus" tuotanto (ohjaaja S. Stein, kapellimestari G. Orlov, taiteilija V. Tsybin, kuorojohtaja V. Izhogin) sai laajan vastaanoton. Sekä suurkaupunki- että paikallinen lehdistö huomioi paitsi esiintyjien laulutaidot, myös korkealuokkaisen taiteellisuuden, joka mahdollisti kuvien luomisen elävistä sankareista. Esitys palkittiin Yliliiton teatterikilpailussa kunniakirjalla. Teatteri toimii läheisessä yhteydessä Voronežin säveltäjiin. Vuonna 1971 sai ensi-iltansa I. Turgenevin teokseen perustuva baletti "The Song of Triumphant Love" säveltäjän ja teatterin kapellimestari M. Nosyrevin musiikkiin. Esitys sai arvostusta kriitikoiden ja yleisön keskuudessa ja pysyi ohjelmistossa yli 10 vuotta (kapellimestari M. Nosyrev, koreografi D. Aripova, taiteilija B. Knoblok). Yhteistyössä säveltäjä G. Stavoninin kanssa ensimmäinen Voronežin ooppera "Oleko Dundich" (1972), jota T. N. Khrennikov kutsui "ihanaksi tapahtumaksi maan musiikkielämässä", ja baletti-sinfonia "Tarina Venäjän maasta" " (1982) lavastettiin. Voronežin 400-vuotispäivän ja Venäjän sotilaslaivaston 300-vuotispäivän kunniaksi vuonna 1986 teatteri esitti G. Stavoninin oopperan "Vivat, Venäjä!" Nykyään teatterin ohjelmistoon kuuluu yli 40 nimikettä - venäläisiä ja ulkomaisia ​​klassikoita, aikalaisten teoksia. Viime vuosikymmeninä maassa laajasti tunnetussa teatterissa on työskennellyt ooppera- ja balettisolisteja, jotka ansaitsevat tunnustuksen lahjakkuudestaan: oopperasolistit, Venäjän federaation kansantaiteilijat E. Poimanov, S. Kadantsev, RSFSR:n kunniataiteilijat F. Sebar, A. Matveeva, L. Kondratenko, E. Svetlova, V. Ryzvanovich, Y. Danilova (Burjatian kansantaiteilija), I. Monastyrnaya, V. Egorov, B. Erofejev, I. Denisov, I. Nepomnyashchiy, G Kolmakov; balettisolistit Venäjän federaation kansantaiteilijat N. Valitova, A. Golovan, M. Leonkina - Moskovan, Pariisin ja Varnan kansainvälisten balettitanssijien kilpailujen voittaja, hänen nimensä mainittiin vuonna julkaistussa kirjassa "Gisellen parhaat esiintyjät". USA, Venäjän federaation kunniataiteilijat L. Maslennikova, S. Kurtosmanova, V. Dragavtsev. Nuoret esiintyjät tulevat teatteriin joka vuosi: Voronežin taideakatemian ja maan konservatorioiden valmistuneet liittyvät oopperaryhmään, Voronežin koreografiseen kouluun - balettiin, Voronezh Rostropovich Musical Collegeen - teatterin orkesteriin ja kuoroon. Teatterin kierrosten maantiede on laaja. Voronežilaisten taidetta kehuttiin Saksassa, Espanjassa, Tšekissä, Puolassa, Itävallassa, Japanissa, Suomessa ja Afrikan maissa. Vuonna 1996 Ranskassa Sleeping Beauty -baletti esitettiin 38 kaupungissa, ja vuosina 1997 ja 1999 se lähti kiertueelle Intiassa. Vuodesta 2000 lähtien Voronežin baletti on kiertänyt Hollannissa, Saksassa ja Belgiassa esittäen Gisellen, Pähkinänsärkijän ja Prinsessan. Toukokuussa 2005 balettiryhmä osallistui Pjotr ​​Tšaikovskin teokselle omistetulle kansainväliselle festivaalille, joka pidettiin Saksassa. Vuosina 2006 ja 2009 teatteri kiersi Yhdysvalloissa ja Kanadassa, jossa esitettiin S. Prokofjevin baletit Cinderella, A. Adamin Giselle ja F. Amirovin Tuhat ja yksi yö. Oopperaesitykset Il Trovatore (kapellimestari Mieczysław Nowakowski (Puola), ohjaaja A. Zykov), Othello (kapellimestari Yu. Anisichkin, ohjaaja F. Safarov), Patakuningatar (kapellimestari Yu. Anisichkin, ohjaaja A. Zykov) vuosina 1999 ja 2001 esiteltiin Alankomaissa. Voronežin ooppera- ja balettiteatteri, ainoa Keski-Tšernozemin alueella, näkee tehtävänsä edistää ooppera- ja balettitaidetta alueen kaikilla alueilla, järjestää vierailuesityksiä ja laajentaa jatkuvasti kiertueiden maantieteellistä aluetta. Voronežin valtionooppera- ja balettiteatterin oopperayhtymä Coloratura-sopraanit Ekaterina Gavrilova Venäjän federaation kunniataiteilija Ljudmila Martšenko Elena Petrichenko Kansainvälisen kilpailun palkinnon saaja Elena Povoljajeva Elena Seregina Kristina Panova Oksana Shaposhnikova Sopraano palkinnon saaja All-venäläinen Aleksandra Kunakovska Ol Alexandra Kunakovska Maksimenko Venäjän federaation kansantaiteilija Zoya Mitrofanova Irina Romanovskaya Nina Skrypnikova tinattu Venäjän federaation taiteilija Alexandra Tyrzuu Kansainvälisen kilpailun palkinnon saaja Ljudmila Solod Natalia Tyutyuntseva Anastasia Chernovolos Mezzo - sopraano Laureano Laurea Tatyana Kibalova International Laureate of the International Competition Yelena Kibalova International Laureate of the International Competition Kilpailut Dmitri Baškirov Jevgeni Belov Aleksei Ivanov Venäjän federaation kunniataiteilija Juri Kraskov Venäjän federaation kunniataiteilija Mihail Syrov Igor Khodyakov Baritonit Venäjän federaation kunniataiteilija Aleksandr Anikin Leonid Vorobjov Oleg Gurjev kansainvälisten ja koko venäläisten Gorostan kilpailujen palkinnonsaaja Sergei Meshchersky Aleksei Tyukhin Kansainvälisen kilpailun diplomin voittaja Roman Dyudin Basy Nikolai Dyachok Venäjän federaation kunniataiteilija Aleksanteri Nazarov Burjatian kunniataiteilija Mihail Turchanis Ivan Tšernyšov Oopperayhtiön johtaja Nadezhda Kopytina Ohjaajat Alfred Melukha Sofia Shalagina As of the performance Venäjän federaation arvostettu kulttuurityöntekijä Tatjana Kolesnitšenko Säestäjädiplomin voittaja liittovaltion kilpailussa Svetlana Andreeva Victoria Maryanovskaya Anatoli Maltsev Lähde: http://theatre.vzh.ru/

Teatro Carlo Felice on Italian Genovan pääoopperatalo. Teatteri sijaitsee kaupungin keskustassa, lähellä Ferrari Squarea ja on kaupungin symboli.Teatterin edessä on Giuseppe Garibaldin ratsastusmuistomerkki. Päätös uuden oopperatalon rakentamisesta Genovaan tehtiin vuonna 1824, kun kävi selväksi, että nykyiset kaupunginteatterit eivät vastanneet kaupungin tarpeita. Uusi teatteri piti seistä samassa rivissä ja kilpailla Euroopan parhaiden oopperatalojen kanssa. Julkistettiin arkkitehtuurikilpailu, jossa valittiin paikallisen arkkitehti Carlo Barbarinon suunnittelema oopperatalon rakennus, hieman myöhemmin lavan ja salin rakentamiseen kutsuttiin lisäksi kuuluisa milanolainen Luigi Canonica, joka oli jo osallistunut useisiin suuret projektit - La Scalan entisöinti, teattereiden rakentaminen Milanoon, Cremonaan, Bresciaan jne. Teatterille valittiin paikka, jossa oli entinen dominikaaniluostari ja San Domenicon kirkko. Tämä luostarikompleksi on ollut 1300-luvulta lähtien tunnettu arkkitehtonisesta loistostaan ​​ja arvokkaista taideteoksistaan ​​sisustamisesta. Jotkut väittävät, että luostari "uhrittiin" teatterille, mutta tämä ei ole totta. Napoleonin "Italian kuningaskunnan" aikana hänen armeijansa kasarmit ja varastot sijaitsivat luostarissa. Kompleksi oli erittäin rappeutunut, ja vuonna 1821 se purettiin kaupungin jälleenrakennussuunnitelman mukaan kokonaan, ja päätös teatterin rakentamisesta tehtiin vuonna 1824. Uuden rakennuksen ensimmäinen kivi muurattiin 19. maaliskuuta 1826. Avajaiset pidettiin 7. huhtikuuta 1828, vaikka rakentaminen ja koristelu eivät olleet aivan valmiita. Ensimmäinen ooppera teatterilavalla oli Vincenzo Belinnan "Bianca ja Fernando". Teatteri on nimetty Savoian herttua Carlo Felicesta, Genovan hallitsijasta. Viisikerroksiseen saliin mahtuu noin 2500 katsojaa. Seuraavina vuosina teatteria kunnostettiin useita kertoja, vuonna 1852 asennettiin kaasuvalaistus, vuonna 1892 - sähkövalaistus. Lähes neljänkymmenen vuoden ajan, vuodesta 1853 lähtien, Giuseppe Verdi vietti talvet Genovassa ja esitti toistuvasti oopperoitaan Carlo Felice -teatterissa. Vuonna 1892, kun Kristoffer Kolumbuksen Amerikan löytämisen 400-vuotispäivää (Genova kiistää oikeutta pitää Kolumbuksen pienenä kotimaana), suoritetun jälleenrakennuksen jälkeen Verdiä pyydettiin säveltämään tähän tapahtumaan sopiva ooppera ja näyttämään se. teatterissa, mutta hän kieltäytyi vedoten korkeaan ikänsä. Carlo Felicen teatteria päivitettiin jatkuvasti ja se pysyi hyvässä kunnossa toiseen maailmansotaan asti. Ensimmäiset vauriot tapahtuivat vuonna 1941, kun rakennuksen katto tuhoutui liittoutuneiden joukkojen pommituksissa ja auditorion ainutlaatuinen kattomaalaus vaurioitui pahoin. Lisäksi elokuussa 1943 sytyttävän pommin osuman jälkeen kulissien takatilat paloivat, maisemat ja pukuhuoneet tuhoutuivat, mutta tulipalo ei vaikuttanut pääsaliin, valitettavasti tuolloin teatteri kärsi enemmän rosvoista, jotka varasti monia arvokkaita asioita. Lopulta syyskuussa 1944, ilmahyökkäyksen jälkeen, teatterista oli jäljellä käytännössä vain seinät. Kiireesti korjattu teatteri jatkoi toimintaansa koko tämän ajan, ja jopa Maria Callas esiintyi siinä. Teatterirakennuksen perusteellisen kunnostamisen suunnitelmat aloitettiin vuonna 1946. Vuonna 1951 yksi hanke valittiin kilpailun perusteella, mutta se ei koskaan toteutunut. Teatteri suljettiin 1960-luvun alussa kunnostuksen vuoksi. Vuonna 1963 tunnettu arkkitehti Carlo Scarpa uskottiin kehittämään jälleenrakennusprojektia, mutta hän viivästytti työtä ja projekti oli valmis vasta vuonna 1977, mutta arkkitehdin odottamattoman kuoleman vuoksi vuonna 1978 hanke keskeytettiin. Seuraava suunnitelma hyväksyttiin vuonna 1984, Aldo Rossi valittiin uuden teatterin Carlo Felicen pääarkkitehdiksi. Kehittäjien tärkein leitmotiivi oli historian ja nykyajan yhdistelmä. Vanhan teatterin seinät ja julkisivu bareljeefeineen jätettiin sekä sisustuselementtejä, jotka onnistuivat sopimaan uuteen sisustukseen, mutta suurin osa teatterista rakennettiin uudelleen tyhjästä. 7. huhtikuuta 1987 muurattiin uuden teatterin peruskivi. Vanhan teatterin taakse rakennettiin uusi kerrostalo, jossa oli talon näyttämöjä, liikkuvia tasoohjaimia, harjoitushuoneita ja pukuhuoneita. Itse auditorio"vanhassa" teatterissa sijaitsevan arkkitehtien tavoitteena oli luoda uudelleen vanhan teatteriaukion tunnelma, kun esitykset pidettiin kaupungin keskustassa kadulla. Siksi salin seinille tehtiin ikkunat ja parvekkeet, jotka jäljittelivät rakennusten ulkoseiniä, ja katto oli pilkullinen " tähtitaivas". 18. lokakuuta 1991 Carlo Felice -teatterin esirippu nousi vihdoin, kauden ensimmäinen avaustapahtuma oli Giuseppe Verdin Il trovatore. Carlo Felice -teatteri on yksi Euroopan suurimmista oopperataloista, sen päärakennuksen kapasiteetti salissa on 2000 paikkaa.

Samara Academic Opera and Ballet Theatre on musiikkiteatteri Samarassa, Venäjällä. Samaran akateeminen ooppera- ja balettiteatteri on yksi Venäjän suurimmista musiikkiteattereista. Teatterin avajaiset pidettiin 1. kesäkuuta 1931 Mussorgskin oopperalla Boris Godunov. Erinomaiset venäläiset muusikot olivat sen alkuperillä - Tanejevin ja Rimski-Korsakovin oppilas, kapellimestari ja säveltäjä Anton Eikhenvald, Bolshoi-teatterin kapellimestari Ariy Pazovsky, kuuluisa venäläinen kapellimestari Isidor Zak, Bolshoi-teatterin johtaja Iosif Lapitsky. Sellaiset mestarit kuten kapellimestarit Saveliy Bergolts, Lev Ossovsky, ohjaaja Boris Ryabikin, laulajat Aleksandr Dolsky, Ukrainan SSR:n kansantaiteilija Nikolai Poludyonny, Venäjän kansantaiteilija Viktor Chernomortsev, RSFSR:n kansantaiteilija, Bolshoi-teatterin tuleva solisti Natalya Sh Boreiko kirjasi heidän nimensä teatterin ja monien muiden historiaan. Balettiryhmää johti Evgenia Lopukhova, Mariinski-teatterin solisti, legendaaristen Diaghilev-kausien osallistuja Pariisissa. Hän avasi sarjan loistavia Pietarin koreografeja, jotka eri vuosina johtivat Samaran balettia. Samara-teatterin balettimestareita olivat lahjakas koreografi, Agrippina Vaganovan oppilas Natalya Danilova, legendaarinen Pietarin balerina Alla Shelest, Mariinski-teatterin solisti Igor Chernyshev, Neuvostoliiton kansantaiteilija Nikita Dolgushin. Teatteri saa repertuaariaan nopeasti. 1930-luvun tuotannoissa esitettiin ooppera- ja balettiklassikoita: Tšaikovskin, Glinkan, Rimski-Korsakovin, Borodinin, Dargomyzhskin, Rossinin, Verdin, Puccinin oopperoita, Tšaikovskin, Minkuksen, Adanin baletteja. Teatterissa kiinnitetään myös suurta huomiota nykyaikaiseen ohjelmistoon ajan vaatimusten mukaisesti. Sotaa edeltäneenä aikana maassa esitettiin ensimmäistä kertaa A. Eikhenwaldin arooopperat, Kreitnerin Tanya, Shebalinin Särän kesyttäminen ja muut. Sen julisteissa on kymmeniä nimikkeitä 1700-luvun klassikoista. (Kerubinin "Medea", Cimarosan "The Secret Marriage") ja muutama tehdyt työt venäläiset XIX-luvun säveltäjät sisään. (Rimski-Korsakovin Servilia, Tšaikovskin Lumorit, Rebikovin Elka) 1900-luvun eurooppalaiseen avantgardiin. (Von Zemlinskyn "Kääpiö", Stravinskyn "Häät", Busonin "Arlekino"). Erityinen sivu teatterin elämässä on yhteisluominen nykyaikaisten kotimaisten kirjailijoiden kanssa. Erinomaiset venäläiset säveltäjät Sergei Slonimsky ja Andrei Eshpay, Tikhon Khrennikov ja Andrei Petrov uskoivat teoksensa meidän näyttämölle. Slonimskyn oopperan Visiot of Ivan the Terrible maailmanensi-ilta, jonka esitti 1900-luvun suuri muusikko Mstislav Rostropovich yhteistyössä erinomaisten näyttelijämestarien ohjaaja Robert Sturuan ja taiteilija Georgi Aleksi-Meskhishvilin kanssa, oli merkittävä tapahtuma kauas Samaran kulttuurielämän ulkopuolella. Suuren isänmaallisen sodan alkaessa kaupungin kulttuuritilanne oli muuttumassa dramaattisesti. Lokakuussa 1941 Neuvostoliiton valtion Bolshoi-teatteri evakuoitiin Kuibyshev/Samaraan ("varapääkaupunki"). Taiteellinen aloite siirtyy Neuvostoliiton ooppera- ja balettimaailman suurimmille mestareille. Vuosille 1941-1943 Bolshoi-teatteri esitti Samarassa 14 oopperaa ja balettia. Maailmankuulut laulajat Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reizen, Valeria Barsova, Natalya Shpiller, balerina Olga Lepeshinskaya esiintyivät Samaran lavalla, Samosud, Fire, Melik-Pashaev johti. Kesään 1943 asti Bolshoi-teatterin kollektiivi asui ja työskenteli Kuibyshevissä. Kiitokseksi paikallisten asukkaiden avusta tänä vaikeana aikana sen taiteilijat tulivat Volgalle useammin kuin kerran sodan jälkeen uusilla teoksillaan sekä historiallisen sodanaikaisen ohjelmiston kanssa. Vuonna 2005, suuren isänmaallisen sodan voiton 60-vuotispäivän muistoksi, Venäjän Bolshoi-teatterin henkilökunta esitteli Samaran yleisölle uuden tapaamisen taiteensa kanssa. Kiertueesitykset ja konsertit (Šostakovitšin baletti "Kirkas virta", Mussorgskin ooppera "Boriss Godunov", suuri Voiton sinfonia - Šostakovitšin seitsemäs sinfonia, puhallinsoittimen ja oopperasolistien konsertti) olivat voittoisa menestys. Kuten Venäjän Bolshoi-teatterin pääjohtaja A. Iksanov totesi: "Bolšoi-teatterin koko henkilökunnalle nämä kiertueet ovat toinen tilaisuus ilmaista syvät kiitollisuutensa Samaran asukkaille siitä, että vaikeimmassa tilanteessa sodan aika Bolshoi-teatteri on löytänyt täältä toisen kodin. Samaran musiikillisen elämän huippu 1900-luvulla, todella historiallinen tapahtuma, oli Dmitri Šostakovitšin seitsemännen ("Leningrad") sinfonian esittäminen Samaran oopperatalon näyttämöllä. Sota-ajan traagisia tapahtumia heijastavan suuren teoksen, joka välitti neuvostosotilaiden urotyön kaiken suuruuden, säveltäjä sai valmiiksi joulukuussa 1941 evakuoituna Samaraan, ja Bolshoi-teatterin orkesteri esitti sen Samuil Samosudin johdolla 5. maaliskuuta. , 1942. Teatteri elää intensiivistä elämää. Jälleenrakennus valmistuu, julisteeseen ilmestyy uusia nimiä, laulajat ja tanssijat voittavat arvostettuja kansainvälisiä ja koko venäläisiä kilpailuja, uusia luovia voimia virtaa ryhmään. Teatteritiimi voi olla ylpeä lahjakkaiden, valoisten luovien yksilöiden keskittymisestä. Venäjän kunniataiteilijat Mihail Gubsky ja Vasily Svyatkin ovat Samara-teatterin, mutta myös Venäjän Bolshoi-teatterin ja Moskovan Novaja-oopperateatterin solisteja. Anatoli Nevdakh osallistuu Bolshoi-teatterin esityksiin, Andrey Antonov esiintyy menestyksekkäästi venäläisten ja ulkomaisten teattereiden näyttämöillä. Oopperaryhmän tason todistaa myös se, että siinä on suuri määrä "tittelin" laulajia: 5 kansantaiteilijat, 8 arvostettua taiteilijaa, 10 kansainvälisten ja koko venäläisten kilpailujen voittajaa. Ryhmässä on paljon lahjakkaita nuoria, joiden kanssa vanhempi taiteilijasukupolvi jakaa mielellään mestaruuden salaisuuksia. Vuodesta 2008 lähtien teatterin balettiryhmä on nostanut rimaa merkittävästi. Teatteriryhmää johti Venäjän kunniataiteilija Kirill Shmorgoner, joka oli pitkään toiminut Permin teatterin balettiryhmässä. K. Shmorgoner kutsui teatteriin suuren joukon opiskelijoitaan, jotka ovat valmistuneet yhdestä maan parhaista oppilaitoksista - Permin koreografisesta koulusta. Nuoret balettitanssijat Ekaterina Pervushina ja Viktor Malygin palkittiin arvostetussa kansainvälisessä Arabesque-kilpailussa, koko ryhmä Samara-tanssijoita esiintyi menestyksekkäästi koko venäläinen festivaali Delphic Games. Teatterissa on viime vuosina ollut useita ensi-ilta, jotka ovat saaneet suurta palautetta yleisöltä: Rimski-Korsakovin oopperat Mozart ja Salieri, Stravinskin Moor, Pergolesin piika, Tšaikovskin Jevgeni Onegin, Verdin Rigoletto, Madama. Puccinin Butterfly, Stravinskyn koreografinen kantaatti "The Wedding", Hertelin baletti "Vain Precaution". Teatteri tekee aktiivisesti yhteistyötä näissä tuotannossa Moskovan mestareiden kanssa Bolshoi-teatterista, Novaja-oopperasta ja muista Venäjän teattereista. Lapsille suunnattujen musiikkisatujen näyttämiseen kiinnitetään paljon huomiota. Konserttilavalla esiintyvät myös ooppera- ja balettitaiteilijat. Teatterin kiertuereittejä ovat Bulgaria, Saksa, Italia, Espanja, Kiina, Venäjän kaupungit. Teatterin intensiivinen kiertuetoiminta mahdollisti uusimpien teosten ja Samaran alueen asukkaiden tutustumisen. Valoisa sivu teatterin elämässä ovat festivaalit. Niitä ovat Alla Shelest Classical Ballet Festival, kansainvälinen festivaali Basses of the 21st Century, Five Evenings in Togliatti ja Samaran Spring Opera Festival. Teatterin festivaalialoitteiden ansiosta Samaran yleisö pääsi tutustumaan kymmenien kotimaisen ja ulkomaisen ooppera- ja balettitaiteen suurimpien mestareiden taiteeseen. Teatterin luoviin suunnitelmiin kuuluvat oopperan "Prinssi Igor", balettien "Don Quijote", "Prinsessa Ruusunen" tuotanto. 80-vuotisjuhlaan mennessä teatteri aikoo esittää Mussorgskin oopperan Boris Godunov ja palata siten juurille historiallisen kehityksensä uudessa vaiheessa. Kaupungin keskusaukiolle kohoaa massiivinen harmaa rakennus - taidekriitikkojen mukaan "myöhäisen" pilonadityylisen suurenmoinen monumentti "johon on lisätty brutaaleja klassikoita", "eloisa esimerkki 30-luvun arkkitehtuurista". Projektin kirjoittajat ovat Leningradin arkkitehdit N.A. Trotski ja N.D. Katseleneggbogen, joka voitti kilpailun Kulttuuripalatsin perustamisesta vuonna 1935. Teatteri sijaitsi rakennuksen keskiosassa. Vasemmassa siivessä oli jonkin aikaa aluekirjasto, oikeassa siivessä - urheilukoulu ja taidemuseo. Vuonna 2006 aloitettiin rakennuksen jälleenrakennustyöt, jotka vaativat urheilukoulun ja museon häätöä. Vuoteen 2010 mennessä, teatterin juhlakauteen mennessä, jälleenrakennus valmistui.

Sydneyn oopperatalo - Australian suurimman kaupungin symboli

(englanniksi Sydneyn oopperatalo) - yksi kuuluisimmista ja tunnistetuimmista rakennuksista maailmassa, on Australian suurimman kaupungin - Sydneyn - symboli. Purjeen muotoinen katto tekee tästä musiikkiteatterista erilaisen kuin mikään muu maailmassa.

Oopperatalo Sydneyssä tunnustettu yhdeksi modernin arkkitehtuurin suurimmista rakennuksista ja se on kaupungin ja mantereen tunnusmerkki. Sen avajaiset pidettiin 20. lokakuuta 1973 Ison-Britannian kuningatar Elizabeth II:n läsnä ollessa.

Sydneyn oopperatalo on Bennelong Pointin satamassa. Tämä nimi tulee paikallisen aboriginaalin ja Australian ensimmäisen kuvernöörin ystävän nimestä. Aiemmin tällä paikalla oli linnoitus ja vuoteen 1958 asti raitiovaunuvarikko.

Tanskalaisarkkitehti Jorn Utzonista tuli oopperatalon arkkitehti, ja vuonna 2003 hän sai projektistaan ​​Pritzker-palkinnon.

Huolimatta pallomaisten kuorien osien valmistuksen ja asennuksen helppoudesta, rakennuksen rakentaminen viivästyi, syynä oli tilojen sisustus. Suunnitelman mukaan teatterin rakentamisen piti kestää enintään neljä vuotta ja maksaa noin 7 miljoonaa Australian dollaria, mutta ooppera rakennettiin 14 vuotta ja maksoi 102 miljoonaa Australian dollaria.

Sadat maailman parhaat muusikot esiintyvät Sydneyn oopperatalossa joka vuosi. Jos rakastat musiikkia ja pidät soittimien soittamisesta, täältä voit löytää ja ostaa äänilaitteet maailman parhailta valmistajilta.

Sydneyn oopperatalo rakennettiin ekspressionistiseen tyyliin innovatiivisilla sisustuselementeillä. Se on 185 metriä pitkä ja 120 metriä leveä. Oopperatalon pinta-ala on 2,2 hehtaaria. Rakennuksen paino on noin 161 tuhatta tonnia, se perustuu 580 paaluun, jotka on ajettu veteen 25 m syvyyteen. Rakennuksen sähkönkulutus vastaa 25 tuhannen asukkaan kaupunkia.

Teatterin katto koostuu 2194 osasta, sen korkeus on 67 m ja paino noin 27 tonnia. Koko rakennetta tukee 350 km pituiset kaapelit. Oopperan katto on tehty kuorisarjan muodossa, mutta sitä kutsutaan yleensä purjeiksi tai kuoriksi, mikä ei pidä paikkaansa arkkitehtonisen suunnittelun näkökulmasta. Nämä kuoret on valmistettu kolmion muotoisista betonipaneeleista, jotka on kiinnitetty 32 esivalmistettuun ripaan.

Rakennuksen katto on peitetty 1 056 006 azulejo-tiilellä valkoisen ja mattakermanvärisenä. Kaukaa katsottuna katto näyttää puhtaan valkoiselta, mutta erilaisissa valaistusolosuhteissa näet erilaisia ​​värimaailmaa. Mekaanisen tiilien asennustavan avulla kattopinta osoittautui täydelliseksi, mikä oli mahdotonta saavuttaa käsin.

Suurimmat holvit muodostavat konserttisalin ja oopperateatterin katon. Muut salit muodostavat pienempiä holveja. Rakennuksen sisustus on valmistettu vaaleanpunaisesta graniitista, puusta ja vanerista.

Sydneyn oopperatalo

Maantieteellinen sijainti

| leveys- ja pituusaste (desimaali): -33.856808 , 151.215264

Australian suurimman kaupungin Sydneyn maisema on ainutlaatuisesti tunnistettavissa tuhansien muiden maailman kaupunkien joukossa vain kahdesta elementistä: kaarisillasta. Harbour Bridge ja poikkeuksellinen monitieteisen teatterin rakennus, joka tunnetaan paremmin nimellä " oopperatalo» ( Oopperatalo), yksi kaikista kuuluisia rakennuksia maailman arkkitehtuurissa.

Sydneyn oopperatalo vietti hiljattain suuressa mittakaavassa 40-vuotisjuhliaan, mutta sen historia alkaa paljon aikaisemmin. Jo vuonna 1954 Sydneyn sinfoniaorkesteri ja New South Walesin konservatorio esittivät ajatuksen Sydneyn oopperatalon perustamisesta. Osavaltion hallitus on valinnut tulevalle rakennukselle paikan ja julkaissut avoimen kansainvälisen kilpailun oopperatalon parhaasta suunnittelusta.

Sydneyn satamassa Bennelong Point kerran siellä oli linnoitus, myöhemmin raitiovaunuvarikko. Tälle paikalle päätettiin pystyttää upea rakennus, josta tulee kaupungin kasvot.

Joulukuuhun 1956 mennessä oli saapunut jo 233 hakemusta 28 maasta. Legendan mukaan tuomaristo oli jo huomattavasti kaventanut hakijapiiriä ja hylännyt suurimman osan hankkeista, kun kuuluisa suomalaistaustainen amerikkalainen arkkitehti liittyi tuomareiden joukkoon. Eero Saarinen. Hän havaitsi hylättyjen vaihtoehtojen joukossa "selkeän suosikin" - tanskalaisen projektin Jorn Utzon (Jorn Utzon), joka vaatii lähinnä voittoaan. 29. tammikuuta 1957 voittaja nimettiin - Uthonin piirtämä ilmeikäs järjestelmä joko kuorista tai purjeista.

1950-luvulla maailman arkkitehtonisissa mieltymyksissä tapahtui muutos: tylsä ​​konservatiivis-teollinen "kansainvälinen tyyli" tyypillisillä teräsbetoni-"laatikoilla" korvattiin jollakin täysin erilaisella, joka ilmaistaan ​​näyttävinä puhtaina kaarevien muotojen, jotka ovat selvästi luonnollisia, orgaanista alkuperää. Uusi tyyli kutsutaan "rakenneekspressionismiksi" tai "strukturalismiksi". Yksi hänen kannattajistaan ​​oli sama tuomariston jäsen Ero Saarinen, joka vaati strukturalismin "ikoniksi" pidetyn projektin voittoa.

Arkkitehti päätti tehdä Sydneyn oopperatalon katot pallomaisista, jatkuvasti kaarevista segmenteistä. Hieman myöhemmin Jorn Utzon sanoo, että inspiraationa oli appelsiinin kuori, joka on kuvattu kolmiomaisiksi osiksi. Ero rakennukseen on vain mittakaavassa. Oopperatalon appelsiini olisi halkaisijaltaan 150 m, ja sen kuori olisi betonia, peitetty azulejo-laatoilla. Rakennuksen pinta-ala on 2,2 hehtaaria. Sen pituus on 185 ja suurin leveys 120 metriä.

Hankkeen toteuttamisessa ilmeni lukuisia vaikeuksia, jotka johtivat viivästyksiin, alkuperäisen suunnitelman merkittäviin tarkistuksiin ja korkeisiin rahoituskustannuksiin. Suunniteltujen neljän vuoden ja seitsemän miljoonan Australian dollarin sijaan oopperan rakentaminen kesti neljätoista vuotta ja maksoi 102 miljoonaa dollaria (eli ylitti alkuperäisen budjetin yli 14,5 (!) kertaa).

Kuningatar avasi Sydneyn oopperatalon 20. lokakuuta 1973 Elizabeth II.

Sydneyn oopperatalon täysin tasaiset katot on peitetty yli miljoonalla tiilellä. Eri valaistuksessa laatat luovat erilaisen värimaailman, ja ne leikitään kauniisti vedestä heijastuvilla auringon heijastuksilla.

Kaksi suurinta holvia muodostavat katon Konserttisali (konserttisali) ja oopperatalo ( oopperateatteri). Muissa huoneissa katot muodostavat pienempiä holveja. Pienimmässä "kuoressa" pois pääsisäänkäynnistä ja pääportaista on Bennelong-ravintola.

Oopperatalo on aina houkutellut lisääntynyt huomio ammattilaisia. Vuonna 2003 arkkitehti Jorn Utzon sai Pritzker-palkinnon (hiljainen vastine arkkitehtuurin Nobelille).