Japanilainen klassinen maalaus: tunnetuimmat nimet. Hokusai - Japanin maailma

Japanilainen maalaus on ehdottoman ainutlaatuinen suuntaus maailman taiteessa. Se on ollut olemassa muinaisista ajoista lähtien, mutta perinteenä se ei ole menettänyt suosiotaan ja yllätyskykyä.

Huomio perinteeseen

Itä ei ole vain maisemia, vuoria ja nouseva aurinko... Ihmiset ovat myös luoneet sen historian. Nämä ihmiset ovat ylläpitäneet japanilaisen maalauksen perinteitä vuosisatojen ajan kehittäen ja lisäämällä taiteitaan. Ne, jotka ovat antaneet merkittävän panoksen japanilaisten taiteilijoiden historiaan. Niiden ansiosta modernit ovat säilyttäneet kaikki perinteisen japanilaisen maalauksen kaanonit.

Maalaustapa

Toisin kuin Euroopassa, japanilaiset taiteilijat halusivat maalata lähemmäksi grafiikkaa kuin maalaamista. Tällaisista maalauksista ei löydy raakoja, huolimattomia öljyiskuja, jotka ovat niin ominaisia \u200b\u200bimpressionisteille. Mikä on japanilaisten puiden, kivien, eläinten ja lintujen graafinen luonne - kaikki näissä maalauksissa on piirretty mahdollisimman selkeästi, tukevilla ja luottavaisilla musteilla. Kaikilla sävellyksen esineillä on oltava ääriviivat. Polun sisällä täytetään yleensä vesiväreillä. Väri pestään pois, lisätään muita sävyjä ja paperin väri jätetään jonnekin. Koristeellisuus on juuri se, mikä erottaa japanilaiset maalaukset koko maailman taiteesta.

Kontrastit maalauksessa

Kontrasti on toinen yleinen tekniikka, jota japanilaiset taiteilijat käyttävät. Se voi olla ero sävyssä, värissä tai kontrastissa lämpimien ja kylmien sävyjen välillä.

Taiteilija turvautuu tekniikkaan, kun hän haluaa korostaa jotakin kohteen elementtiä. Se voi olla kasvin suone, erillinen terälehti tai puunrunko taivasta vasten. Sitten kuvataan kohteen valo, valaistu osa ja sen alla oleva varjo (tai päinvastoin).

Siirtymät ja värimallit

Japanilaisia \u200b\u200bmaalauksia maalattaessa käytetään usein siirtymiä. Ne ovat erilaisia: esimerkiksi väristä toiseen. Vesililjojen ja pionien terälehdillä näet siirtymisen vaaleasta varjosta rikkaaseen, kirkkaaseen väriin.

Myös veden pinnan, taivaan kuvassa käytetään siirtymiä. Sujuva siirtyminen auringonlaskusta pimeään, syvenevä hämärä näyttää erittäin kauniilta. Piirrettäessä pilviä he käyttävät myös siirtymiä eri sävyistä ja reflekseistä.

Japanilaisen maalauksen päämotiivit

Taiteessa kaikki on yhteydessä toisiinsa oikea elämä, siihen liittyvien tunteiden ja tunteiden kanssa. Kuten kirjallisuudessa, musiikissa ja muussa luovuudessa, maalauksessa on useita ikuisia teemoja. se historialliset tontit, kuvia ihmisistä ja luonnosta.

Japanin maisemat ovat vaihtelevia. Usein maalauksissa on kuvia lampista - suosikki pala japanilaisia \u200b\u200bhuonekaluja. Koristeellinen lampi, muutama vesililja ja bambu lähellä - näin näyttää yleinen kuva 17-18-luvulta.

Eläimet japanilaisessa maalauksessa

Eläimet ovat myös toistuva elementti aasialaisessa maalauksessa. Perinteisesti tämä on hiipivä tiikeri tai kotikissa. Yleensä aasialaiset ovat hyvin kiinnostuneita, ja siksi heidän edustajiaan löytyy kaikesta itämaisen taiteen muodosta.

Eläimet ovat toinen teema, jota japanilainen maalaus seuraa. Linnut - nosturit, koristeelliset papukaijat, ylelliset riikinkukot, pääskyset, huomaamattomat varput ja jopa kukot - ne kaikki löytyvät itämaisten mestareiden piirustuksista.

Kala on yhtä tärkeä aihe japanilaisille taiteilijoille. Koi-karpit ovat japanilainen versio kultakalasta. Nämä olennot elävät Aasiassa kaikissa lampeissa, jopa pienissä puistoissa ja puutarhoissa. Koi-karppi on eräänlainen perinne, joka kuuluu Japaniin. Nämä kalat symboloivat taistelua, päättäväisyyttä ja tavoitteen saavuttamista. Ei ole mikään, että ne kuvataan kelluvina virtauksen mukana, aina koristeellisilla aaltoharjoilla.

Japanilaiset maalaukset: kuvaavat ihmisiä

Japanilaisen maalauksen ihmiset ovat erityinen aihe. Taiteilijat kuvasivat geishaa, keisareita, sotureita ja vanhimpia.

Geishat on maalattu kukkien ympäröimänä, aina vaatteissa, joissa on paljon taitoksia ja elementtejä.

Viisaat maalataan istuen tai selittäen jotain opetuslapsilleen. Vanhan tutkijan kuva on symboli Aasian historiasta, kulttuurista ja filosofiasta.

Soturi kuvattiin pelottavaksi, joskus pelottavaksi. Pitkät olivat yksityiskohtaisia \u200b\u200bja langankaltaisia.

Yleensä kaikki panssarin yksityiskohdat puhdistetaan musteella. Alastomia sotureita koristavat usein itämaista lohikäärmettä kuvaavat tatuoinnit. Se on voiman ja sotilaallinen voima Japani.

Hallitsijoita kuvattiin keisarillisten perheiden puolesta. Kauniit kylpytakit, koristeet miesten hiuksissa ovat sellaisia \u200b\u200btaideteoksia, joista on runsaasti.

Maisemat

Perinteinen japanilainen maisema on vuoria. Aasian maalarit ovat onnistuneet kuvaamaan erilaisia \u200b\u200bmaisemia: he voivat kuvata saman huipun eri värejä, jossa on erilainen ilmapiiri. Ainoa asia, joka pysyy muuttumattomana, on pakollinen kukkien läsnäolo. Yleensä taiteilija kuvaa vuorten kanssa etualalla kasvia ja piirtää sen yksityiskohtaisesti. Vuoret ja kirsikankukat näyttävät kauniilta. Ja jos he maalavat putoavia terälehtiä, kuva herättää ihailua surulliseen kauneuteen. Kontrasti maalauksen ilmapiirissä on toinen merkittävä japanilaisen kulttuurin ominaisuus.

Hieroglyfit

Usein japanilaisen maalauksen kuvan sommittelu yhdistetään kirjoittamiseen. Hieroglyfit on sijoitettu niin, että ne näyttävät kauniilta koostumukseltaan. Yleensä ne on maalattu kuvan vasemmalle tai oikealle puolelle. Hieroglyfit voivat merkitä kuvassa kuvattua, sen tai taiteilijan nimen.

Japani on yksi historian ja kulttuurin rikkaimmista maista. Japanilaisia \u200b\u200bpidetään kaikkialla maailmassa pedanteina ihmisinä, jotka löytävät estetiikan ehdottomasti kaikista elämän ilmenemismuotoista. Siksi japanilaiset maalaukset ovat väriltään ja sävyiltään aina hyvin harmonisia: jos kirkkaita värejä on, vain merkityskeskuksissa. Aasialaisten taiteilijoiden maalausten esimerkistä voidaan tutkia väriteoriaa, muodon oikeaa siirtämistä grafiikan, sommittelun avulla. Japanilaisten maalausten toteutustekniikka on niin korkea, että se voi toimia esimerkkinä vesiväreillä työskentelystä ja graafisten teosten "pesemisestä".

Hänellä on erittäin rikas historia; sen perinne on laaja, ja Japanin ainutlaatuinen asema maailmassa vaikuttaa merkittävästi japanilaisten taiteilijoiden hallitseviin tyyleihin ja tekniikoihin. Tunnettu tosiasiaSe, että Japani on ollut erittäin eristetty vuosisatojen ajan, johtuu paitsi maantieteestä myös Japanin hallitsevasta kulttuurista taipumusta eristäytymiseen, joka on merkinnyt maan historiaa. Kulttuuria ja taidetta on kehittynyt vuosisatojen ajan siitä, mitä voimme kutsua "japanilaiseksi sivilisaatioksi", muualla kuin maailmassa. Ja tämä on jopa havaittavissa japanilaisen maalauksen käytännössä. Esimerkiksi Nihonga-maalaukset kuuluvat japanilaisen maalaustoiminnan pääteoksiin. Se perustuu yli tuhannen vuoden perinteisiin, ja maalauksia luodaan yleensä teidän (japanilainen paperi) tai eginu (silkki) -siveltimillä.

Japanilaiseen taiteeseen ja maalaukseen vaikutti kuitenkin ulkomainen taiteelliset käytännöt... Aluksi se oli kiinalaista taidetta 1500-luvulla ja kiinalainen taide ja kiinalainen taideperinne, joka on ollut erityisen vaikuttava monilta osin. 1700-luvulta lähtien länsimaiset perinteet vaikuttivat myös japanilaiseen maalaukseen. Erityisesti sotaa edeltävänä aikana, joka kesti 1868–1945, japanilaisen maalauksen vaikutteita olivat impressionismi ja eurooppalainen romantiikka... Samanaikaisesti japanilaiset vaikuttivat merkittävästi myös uusiin eurooppalaisiin taideliikkeisiin taiteelliset tekniikat... Taidehistoriassa tätä vaikutusta kutsutaan "japanilaisuudeksi", ja se on erityisen merkittävä impressionismille, kubisteille ja modernismiin liittyville taiteilijoille.

Japanilaisen maalauksen pitkä historia voidaan nähdä useiden perinteiden synteesinä, jotka luovat kappaletta vakiintuneesta japanilaisesta estetiikasta. Ensinnäkin buddhalainen taide ja maalausmenetelmät sekä uskonnollinen maalaus ovat jättäneet merkittävän jäljen japanilaisten maalausten estetiikkaan; vesimusteinen maalaus maisemista kiinalaisen kirjallisen maalauksen perinteiden mukaan - toinen tärkeä elementtitunnustettu monissa kuuluisissa japanilaisissa maalauksissa; Eläinten ja kasvien, erityisesti lintujen ja kukkien, maalaus on jotain, joka yleensä liittyy japanilaisiin sävellyksiin, samoin kuin maisemat ja kohtaukset jokapäiväisestä elämästä. Lopuksi muinaisilla filosofian ja kulttuurin kauneuden esityksillä on ollut suuri vaikutus japanilaiseen maalaukseen. Muinainen Japani... Wabi, joka tarkoittaa lyhytaikaista ja ankaraa kauneutta, sabi (luonnollisen patinan ja ikääntymisen kauneus) ja yugen (syvä armo ja hienovaraisuus) vaikuttavat edelleen ihanteisiin japanilaisessa maalauksessa.

Lopuksi, jos keskitymme valikoimaan kymmenen tunnetuinta japanilaista mestariteosta, on mainittava ukiyo-e, joka on yksi Japanin suosituimmista taidelajeista, vaikka se kuuluukin graafiseen suunnitteluun. Se hallitsi japanilaista taidetta 1600--1900-luvuilla, ja tähän lajityyppiin kuuluvat taiteilijat loivat puupiirroksia ja maalauksia aiheilla, kuten kauniita tyttöjä, Kabuki-näyttelijöitä ja sumopainijoita sekä kohtauksia historiasta ja kansantarut, matkailunäkymät ja maisemat, kasvisto ja eläimistö sekä jopa eroottinen kirjallisuus.

Aina on vaikea tehdä luetteloa parhaat maalaukset / taiteelliset perinteet... Monet hämmästyttävät kappaleet suljetaan pois; tässä luettelossa on kuitenkin kymmenen tunnetuinta japanilaista maalausta maailmassa. Tässä artikkelissa esitellään vain maalauksia, jotka on luotu 1800-luvulta nykypäivään.

Japanilaisella maalauksella on erittäin rikas historia. Vuosisatojen ajan japanilaisia \u200b\u200btaiteilijoita on kehittynyt suuri määrä ainutlaatuiset tekniikat ja tyylit, jotka ovat Japanin arvokkain panos taidemaailmaan. Yksi näistä tekniikoista on sumi-e. Sumi-e tarkoittaa kirjaimellisesti "mustepiirustusta", jossa yhdistyvät kaunokirjoitus ja mustemaalaus harvinaisen kauneuden luomiseksi harjattuihin sävellyksiin. Tämä kauneus on paradoksaalista - muinainen, mutta moderni, yksinkertainen mutta monimutkainen, rohkea mutta alisteinen, heijastaa epäilemättä taiteen hengellistä perustaa zen-buddhalaisuudessa. Buddhalaiset papit toivat kiinteän mustesäiliön ja bambuharjan Japaniin Kiinasta kuudennella vuosisadalla, ja viimeisten 14 vuosisadan aikana Japani on kehittänyt rikkaan mustemaalausperinnön.

Vieritä alaspäin ja katso 10 japanilaista maalauksen mestariteosta

1. Katsushika Hokusai "Kalastajan vaimon unelma"

Yksi tunnetuimmista japanilaisista maalauksista on Kalastajan vaimon unelma. Sen maalasi vuonna 1814 kuuluisa taiteilija Hokusai. Tiukkojen määritelmien mukaan tämä upea pala Hokusaija ei pidä pitää maalauksena, koska se on puunleikkaus Kinoe no Komatsun ukiyo-e-tyylilajista, joka on kolmikirjainen shungakirja. Koostumus kuvaa nuorta sukeltajaa, amaa, joka on kietoutunut seksuaalisesti mustekalojen pariin. Tämä kuva oli erittäin vaikuttava 1800- ja 1900-luvuilla. Työ vaikutti enemmän myöhemmin taiteilijoitakuten Félicien Rops, Auguste Rodin, Luis Okok, Fernand Knopf ja Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro kirjoittaa nostalgisen runon kuun tarkkailussa"

Tessai Tomioka on tunnetun japanilaisen taiteilijan ja kaunokirjoittajan salanimi. Häntä pidetään Bunjing-perinteen viimeisenä suurimpana taidemaalarina ja yhtenä ensimmäisistä suurimmista Nihong-tyylimaalareista. Bunjing oli japanilaisen maalauksen koulu, joka kukoisti myöhään Edon aikana taiteilijoiden keskuudessa, jotka pitivät itseään kirjallisina tai älyllisinä. Jokainen näistä taiteilijoista, Tessaya mukaan lukien, kehitti oman tyylinsä ja tekniikkansa, mutta kaikki olivat suuria faneja. kiinalainen taide ja kulttuuri.

3. Fujishima Takeji "Auringonnousu itäisen meren yli"

Fujishima Takeji oli japanilainen taidemaalari, joka tunnetaan työstään romantismin ja impressionismin kehittämisessä joogan (länsimaisen tyylin) taideliikkeessä vuonna myöhään XIX - XX vuosisadan alku. Vuonna 1905 hän matkusti Ranskaan, missä hänen aikansa ranskalaiset liikkeet, erityisesti impressionismi, vaikuttivat häneen, kuten hänen 1932 maalauksestaan \u200b\u200bAuringonnousu itäisen meren yli näkyy.

4. Kitagawa Utamaro "Kymmenen tyyppistä naiskasvoa, hallitsevien kaunottarien kokoelma"

Kitagawa Utamaro oli merkittävä japanilainen taidemaalari, joka syntyi 1753 ja kuoli 1806. Hän on ylivoimaisesti tunnetuin sarjastaan \u200b\u200bKymmenen tyyppistä naiskasvoa. Kokoelma hallitsevia kauneuksia, teemoja suuri rakkaus klassinen runous "(joskus kutsutaan" rakastuneiksi naisiksi ", joka sisältää erillisiä kaiverruksia" alasti rakkaus "ja" hautava rakkaus "). Hän on yksi merkittävimmistä taiteilijoista, joka kuuluu ukiyo-e-puupiirretyyliin.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Kawanabe Kyosai oli yksi Edon aikakauden tunnetuimmista japanilaisista maalareista. Hänen taiteeseensa vaikutti 1500-luvun Kano-taidemaalari Tohaku, joka oli aikanaan ainoa taiteilija, joka maalasi näytöt kokonaan musteella hienovaraiselle jauhekullan taustalle. Vaikka Kyosai tunnetaan sarjakuvapiirtäjänä, se on kirjoittanut eniten kuuluisia maalauksia sisään japanin historia taide XIX vuosisadalla. Tiikeri on yksi niistä maalauksista, joiden luomiseen Kyosai käytti vesiväriä ja mustetta.

6. Hiroshi Yoshida "Fuji Kawaguchi-järven puolelta"

Hiroshi Yoshida tunnetaan yhtenä shin-hanga-tyylin suurimmista hahmoista (shin-hanga on Japanissa 1900-luvun alkupuolella, Taishon ja Shёwan aikakausina toiminut taideliike, joka elvytti perinteisen ukiyo-e -taiteen, joka otti juuret Edo- ja Meiji-kausilla (XVII - XIX vuosisatoja). Hän tutki länsimaisen öljymaalauksen perinnettä, joka lainattiin Japanista Meiji-aikana.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami on luultavasti aikamme suosituin japanilainen taiteilija. Hänen teoksensa myydään tähtitieteellisin hinnoin suurissa huutokaupoissa, ja hänen työnsä inspiroi jo uusia taiteilijasukupolvia paitsi Japanissa myös ulkomailla. Murakamin taide käsittää erilaisia \u200b\u200bmedioita ja sitä kuvataan yleisesti erittäin tasaiseksi. Hänen työnsä tunnetaan värinkäytöstä, joka sisältää japanilaisen perinteisen ja populaarikulttuurin aiheita. Hänen maalaustensa sisältöä kuvataan usein "söpöksi", "psykedeeliseksi" tai "satiiriseksi".

8. Yayoi Kusama "Kurpitsa"

Yaoi Kusama on myös yksi tunnetuimmista japanilaisista naisartisteista. Hän luo sisään erilaisia \u200b\u200btekniikoita, mukaan lukien maalaus, kollaasi, kuvanveisto, esitys, ympäristötaide ja installaatio, joista suurin osa esittelee hänen aihepiirinsä kiinnostusta psykedeelisiin väreihin, toistoon ja kuvioon. Yksi tämän upean taiteilijan tunnetuimmista sarjoista on Pumpkin-sarja. Verkkoa vasten tavallinen kurpitsa, joka on peitetty täplikkäillä kirkkaan keltaisilla väreillä. Yhdessä kaikki tällaiset elementit muodostavat visuaalisen kielen, joka vastaa erehdyksettä taiteilijan tyyliä, ja jota on kehitetty ja hiottu vuosikymmenien huolellisessa tuotannossa ja toistossa.

9. Temmyoya Hisashi "Japanilainen henki nro 14"

Temmyoya Hisashi on japanilainen nykytaiteilija, joka tunnetaan uusnihonga-maalauksistaan. Hän osallistui japanilaisen maalauksen vanhan perinteen elvyttämiseen täysin päinvastainen moderni japanilainen maalaus. Vuonna 2000 hän loi myös uuden butouha-tyylinsä, mikä osoittaa hänen vankan asenteensa arvovaltaiseen taidejärjestelmä hänen maalaustensa kautta. "Japanilainen henki nro 14" luotiin osana taiteellinen kaavio "BASARA", joka tulkitaan japanilaisessa kulttuurissa alemman aristokratian kapinalliseksi käytökseksi sotivien valtioiden ajanjaksona, jotta voidaan viedä vallalta mahdollisuus hakea täydellinen kuva elämän, pukeutuminen reheviin ja ylellisiin vaatteisiin ja vapaaehtoinen toiminta, joka ei vastannut heidän sosiaalista luokkaa.

10. Katsushika Hokusai "Suuri aalto Kanagawan ulkopuolella"

Lopuksi Suuri aalto Kanagawan edustalla on luultavasti kaikkien aikojen tunnetuin japanilainen maalaus. Tämä on oikeastaan \u200b\u200beniten kuuluisa työ Japanissa luotu taide. Se kuvaa valtavat aallotuhkaavia veneitä Kanagawan prefektuurin rannikolla. Vaikka aalto joskus erehdytään tsunamiksi, aalto, kuten nimestä voi päätellä, on todennäköisesti vain poikkeuksellisen korkea. Maalaus on tehty ukiyo-e -perinteen mukaan.

Rakastatko japanilaista maalausta? Kuinka paljon tiedät kuuluisista japanilaisista taiteilijoista? Harkitaan kanssasi tässä artikkelissa eniten kuuluisia taiteilijoita Japani, joka loi teoksensa ukiyo-e (浮世 絵) -tyyliin. Tämä maalaustyyli on kehittynyt Edon aikana. Hieroglyfit, joilla tämä tyyli kirjoitetaan 浮世 絵 tarkoittavat kirjaimellisesti "kuvia (kuvia) muuttuvasta maailmasta", voit lukea lisää tästä maalaussuunnasta

Hisikawa Moronobu (菱 川 師 宣, 1618-1694). Häntä pidetään ukiyo-e-genren perustajana, vaikka itse asiassa hän on vain ensimmäinen mestari, jonka elämä on säilynyt henkilötiedot... Moronobu syntyi kullanvärisen ja hopeakuitulangan ja kirjontamestarin mestarin perheessä pitkään aikaan oli mukana perhekäsityössä, joten hänen työnsä erottuva piirre on kaunottarien kauniisti sisustetut vaatteet, jotka antavat upean taiteellisen vaikutelman.

Muutettuaan Edoon hän opiskeli ensin itse maalausmenetelmiä, ja sitten taiteilija Kambun jatkoi opintojaan.

Suurin osa Moronobun albumeista on tullut meille, joissa hän kuvaa historiallista ja kirjalliset juonet ja kirjat näytteillä kuvioista kimonolle. Mestari työskenteli myös shunga-tyylilajissa ja muun muassa yksittäisiä teoksia monet ovat selviytyneet kuvaamaan kauniita naisia.

(鳥 居 清 長, 1752-1815). 1700-luvun lopulla tunnustettu mestari Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) kantoi salanimeä Torii Kiyonaga, jonka hän otti periessään Ukiyo-e Torii -koulun Torii Kiyomitsulta jälkimmäisen kuoleman jälkeen.

Kiyonaga syntyi kirjakaupan Shirakoya Ishibei perheessä. Bidzing-tyylilaji toi hänelle suurimman maineen, vaikka hän aloitti yakusha-e: llä. Bidzing-tyylin kaiverrusten aiheet otettiin jokapäiväisestä elämästä: kävelyt, juhlalliset kulkueet, luontoon meneminen. Taiteilijan monien teosten joukosta erottuu sarja "Muodikkaiden kaunottarien kilpailut iloisista kaupunginosista", joka kuvaa Minamia, joka on yksi Etelä-Edon "iloisista korttelista", "12 muotokuvaa eteläisistä kaunottarista", "10 erilaista teekauppaa". . Erottuva piirre mestari oli yksityiskohtainen tutkimus taustanäkymästä ja lännestä tulevien tekniikoiden käytöstä valon ja avaruuden kuvaamiseen.

Kiyonaga sai alkuperäisen maineensa, kun Koryusai aloitti 1770-luvulla kustantaja Nishimurai Yohachi -sarjan "Muotimallit: uudet mallit kevätlehtinä" -sarjan, jonka Koryusai aloitti 1770-luvulla.

(喜 多 川 歌 麿, 1753-1806). Tällä erinomainen mestari Tukii Kiyonaga ja kustantaja Tsutaya Juzaburo vaikuttivat ukiyo-e: hen merkittävästi. Pitkäkestoisen yhteistyön tuloksena viimeksi mainittujen kanssa julkaistiin monia albumeita, kuvitettuja kirjoja ja tulosteita.

Huolimatta siitä, että Utamaro otti juonet tavallisten käsityöläisten elämästä ja yritti kuvata luontoa ("Hyönteisten kirja"), maine tuli hänelle Yoshiwara-korttelin geishoille omistettujen teosten taiteilijana ("Yoshiwara Yearbook of Green Houses") ").

Utamaro saavutti korkeatasoinen ilmaisussa mielentilat paperilla. Ensimmäistä kertaa japanilaisessa puupiirroksessa hän alkoi käyttää rintakuvayhdistelmiä.

Se oli Utamaron työ, joka vaikutti ranskalaisiin impressionisteihin ja vaikutti eurooppalaiseen kiinnostukseen japanilaisia \u200b\u200btulosteita kohtaan.

(葛 飾 北 斎, 1760-1849). Hokusain todellinen nimi on Tokitaro. Todennäköisesti tunnetuin ukiyo-e-mestari ympäri maailmaa. Työssään hän käytti yli kolmekymmentä salanimeä. Historioitsijat käyttävät usein salanimiä hänen työnsä jaksottamiseen.

Aluksi Hokusai työskenteli veistäjänä, jonka työ rajoittui taiteilijan tarkoitukseen. Tämä tosiasia painoi Hokusain, ja hän alkoi etsiä itseään itsenäisenä taiteilijana.

Vuonna 1778 hänestä tuli Katsukawa Shunshin studion oppipoika, joka on erikoistunut yakusha-e-tulosteisiin. Hokusai oli sekä lahjakas että erittäin ahkera opiskelija, joka aina osoitti kunnioitusta opettajalle ja nautti siksi Shunshon erityisestä suosiosta. Siten Hokusain ensimmäiset itsenäiset teokset olivat yakusha-e-tyylilajissa diptykyjen ja triptyykkien muodossa, ja opiskelijan suosio oli yhtä suuri kuin opettajan suosio. Tuolloin nuori mestari oli jo kehittänyt kykyjään niin paljon, että hän tunsi olevansa ahdas yhden koulun puitteissa, ja opettajan kuoleman jälkeen Hokusai lähti studiosta ja opiskeli muiden koulujen ohjeita: Kano, Sotatsu (muuten - Koetsu), Rimpa, Tosa.

Tänä aikana taiteilijalla on huomattavia taloudellisia vaikeuksia. Mutta samalla hänet muodostetaan mestariksi, joka kieltäytyy yhteiskunnan vaatimasta tutusta kuvasta ja etsii omaa tyyliään.

Vuonna 1795 julkaistiin runoantologian "Kaka Edo Murasaki" kuvituksia. Sitten Hokusai maalasi surimono-maalauksia, jotka alkoivat heti nauttia suosiosta, ja monet taiteilijat alkoivat jäljitellä niitä.

Tästä ajanjaksosta Tokitaro alkoi allekirjoittaa teoksiaan Hokusai-nimellä, vaikka osa hänen teoksistaan \u200b\u200bjulkaistiin salanimillä Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

Vuonna 1800 mestari alkoi kutsua itseään Gakejin Hokusaiiksi, mikä tarkoittaa "Hullun Hokusain maalaus".

Merkittäviin kuvasarjoihin kuuluu 36 näkymää Fuji-vuorelle, joista voitontuuli on näkyvin. Kirkas päivä ”tai” Punainen Fuji ”ja“ Suuri aalto Kanagawan ulkopuolella ”,“ 100 näkymää Fuji-vuorelle ”, julkaistu kolmessa albumissa,” Manga Hokusai ”(北 斎 漫画), jota kutsutaan” japanilaisten tietosanakirjaksi ” ”. Taiteilija on esittänyt "Mangaan" kaikki näkemyksensä luovuudesta, filosofiasta. Manga on tärkein lähde tutkia Japanin elämää tuolloin, koska se sisältää monia kulttuurisia näkökohtia. Taiteilijan elämän aikana julkaistiin yhteensä 12 numeroa, ja hänen kuolemansa jälkeen - vielä kolme:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (taiteilijan kuoleman jälkeen)

Hokusain taide on vaikuttanut sellaisiin eurooppalaisiin suuntauksiin kuin jugend ja ranskalainen impressionismi.

(河 鍋 暁 斎, 1831-1889). Hän käytti salanimiä Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Doujin, opiskeli Kanon koulussa.

Toisin kuin Hokusai, Kyosai oli melko röyhkeä, mikä sai hänet eroon taiteilija Tsuboyama Tozanin kanssa. Koulun jälkeen hänestä tuli itsenäinen mestari, vaikka joskus hän osallistui siihen vielä viisi vuotta. Tuolloin hän maalasi kyogaa, niin kutsuttuja "hulluja kuvia".

Erinomaisista kaiverruksista erotetaan sata Kyosain maalausta. Kuvittajana Kyosai luo kuvia novelleille ja romaaneille yhteistyössä muiden taiteilijoiden kanssa.

1800-luvun lopulla eurooppalaiset vierailivat usein Japanissa. Taiteilija tunsi joitain heistä, ja useat hänen teoksistaan \u200b\u200bovat nyt British Museumissa.

(歌 川 広 重, 1797-1858). Hän työskenteli salanimellä Ando Hiroshige (安藤 広 重) ja tunnetaan hienovaraisesta luonnontieteiden ja luonnonilmiöiden esittämisestä. Ensimmäisen maalauksen "Fuji-vuori lumessa", jota pidetään nyt Tokion Suntory-museossa, hän maalasi kymmenen vuoden iässä. Juoni varhaiset teokset perustuivat todelliset tapahtumatkaduilla. Hänen kuuluisat jaksot: "100 näkymää Edoon", "36 näkymää Fuji-vuorelle", "53 Tokaidon asemaa", "69 Kimokaidon asemaa", "100 tunnetut lajit Edo. " Monetiin ja venäläiseen taiteilijaan Bilibiniin vaikuttivat suuresti Tokaido-tien 53 asemaa, jotka oli maalattu itämeren tien varrella matkustamisen jälkeen, ja 100 Edonäkymää. Kuuluisin arkki on 25 kaiverruksen katyo-ga-tyylilajista "Sparrows over a camellia over snowed".

(歌 川 国 貞, joka tunnetaan myös nimellä Utagawa Toyokuni III (三代 歌 川 豊 国)). Yksi merkittävimmistä ukiyo-e-taiteilijoista.

Maksettu erityistä huomiota kabuki-näyttelijöille ja itse teatterille - tämä on noin 60% kaikista teoksista. Tunnettuja ovat myös tarjouskilpailun lajityypit ja sumopainijoiden muotokuvat. Tiedetään, että hän loi 20-25 tuhatta juoni, joka sisälsi 35-40 tuhatta arkkia. Hän kääntyi harvoin maisemiin ja sotureihin. Utagawa Kuniyoshi (歌 川 国 芳, 1798-1861). Syntynyt silkkimaalarin perheessä. Kuniyoshi alkoi opiskella piirustusta kymmenen vuoden iässä asuessaan taiteilija Kuninaon kanssa heidän perheessään. Sitten hän jatkoi opiskelua Katsukawa Shunyei: n luona ja 13-vuotiaana hän menee Tokuyoni-työpajaan. Nuoren taiteilijan ensimmäiset vuodet eivät suju hyvin. Mutta saatuaan kustantaja Kagaya Kitibeiltä tilauksen viidestä tulosteesta 108 Suikoden Heroes -sarjasta, asiat menivät ylämäkeen. Hän luo loput tämän sarjan hahmoista ja siirtyy sitten muihin erilaisiin teoksiin, ja viidentoista vuoden kuluttua hänestä tulee tasa-arvoinen Utagawa Hiroshige ja Utagawa Kunisada.

Vuoden 1842 kuvakiellon jälkeen teatterikohtauksia, näyttelijät, geisha ja kurtisaanit Kuniyoshi kirjoittaa "kissa" -sarjansa, tekee kaiverruksia kotiäideille ja lapsille tarkoitetusta opetussarjasta, kuvaa kansalliset sankarit sarjassa "Perinteet, moraali ja antaumus", ja 1840-luvun loppuun - 1850-luvun alkuun, kieltojen lieventämisen jälkeen, taiteilija palasi kabuki-teemaan.

(渓 斎 英 泉, 1790-1848). Tunnettu teoksistaan \u200b\u200btarjouskilpailussa. Hänen parhaisiin teoksiinsa kuuluu muotokuvia, kuten okubi-e ("isot päät"), joita pidetään esimerkkeinä Bunsein aikakauden (1818-1830) taiteesta, jolloin ukiyo-e-tyylilaji oli taantumassa. Taiteilija maalasi monia lyyrisiä ja eroottisia surimonoja, samoin kuin maisemien syklin "Kuusikymmentäyhdeksän Kisokaidon asemaa", jota hän ei pystynyt toteuttamaan, ja sen valmisti Hiroshige.

Bijinga-kuvauksen uutuus oli aistillisuus, jota muut taiteilijat eivät olleet aiemmin saaneet. Hänen teoksistaan \u200b\u200bvoimme ymmärtää tuon ajan muodin. Hän julkaisi myös elämäkerroja Neljäkymmentäseitsemästä Roninista ja kirjoitti useita muita kirjoja, mukaan lukien Ukiyo-e Printsin historia (Ukiyo-e Ruiko), joka sisältää taiteilijoiden elämäkerroja. Ja julkaisussa "Nimettömän vanhimman muistiinpanot" hän kuvaili itseään turmeltuneeksi juoppoksi ja entinen omistaja bordelli Nedzussa, joka paloi 1830-luvulla.

Suzuki Harunobu (鈴木 春 信, 1724-1770). Taiteilijan oikea nimi on Hodzumi Jirobei. Hän on ukiyo-e-monikromitulostuksen löytäjä. Hän opiskeli Kanon koulussa ja opiskeli maalausta. Sitten Shigenaga Nishimuran ja Torii Kiyomitsun vaikutuksesta puuhakkuista tuli hänen harrastuksensa. Kaiverruksia kahdessa tai kolmessa värissä on tehty 1700-luvun alkupuolelta lähtien, ja Harunobu alkoi maalata kymmenessä värissä käyttäen kolmea levyä ja yhdistämällä kolme väriä - keltainen, sininen ja punainen.

Hän erottui shunga-tyylilajin katukuvista ja maalauksista. Ja 1760-luvulta lähtien hän oli yksi ensimmäisistä, joka alkoi kuvata kabuki-teatterin näyttelijöitä. Hänen työnsä vaikutti E. Manetiin ja E. Degasiin.

(小 原 古邨, 1877 - 1945). Hänen oikea nimi on Matao Ohara. Hän kuvasi kohtauksia Venäjän-Japanin ja Kiinan-Japanin sodista. Valokuvan ilmestymisen jälkeen hänen työnsä myytiin huonosti, ja hän alkoi ansaita elantonsa opettamalla koulussa. kuvataide Tokiossa. Vuonna 1926 osaston kuraattori Ernest Felloza japanilainen taide Bostonin museossa, suostutteli Oharan palaamaan maalaukseen, ja taiteilija alkoi kuvata lintuja ja kukkia, ja hänen teoksensa myytiin hyvin ulkomailla.

(伊藤 若 冲, 1716-1800). Hän erottui muiden taiteilijoiden joukosta epäkeskisyydestään ja elämäntavastaan, joka koostuu ystävyydestä monien tuolloin olevien kulttuuri- ja uskonnollisten henkilöiden kanssa. Hän kuvasi eläimiä, kukkia ja lintuja hyvin eksoottisella tavalla. Hän oli hyvin kuuluisa ja otti tilauksia seulojen ja temppelimaalausten maalaamisesta.

(鳥 居 清 信, 1664-1729). Yksi tärkeimmistä edustajista alkuvaiheessa ukiyo-e. Opettajansa Hisikawa Monorobun suuresta vaikutuksesta huolimatta hänestä tuli yakusha-e-genren perustaja julisteiden ja julisteiden kuvana ja keksi oman tyylinsä. Näyttelijöitä kuvattiin erityisissä poseissa rohkeita sankareita ja maalattiin
jalo oranssi värija roistot vedettiin sisään sinisiä kukkia... Intohimon kuvaamiseksi taiteilija keksi erityistyyppisen mimizugaki-piirustuksen - nämä ovat mutkittelevia viivoja vuorotellen ohuilla ja paksuilla viivoilla ja yhdistettynä raajojen lihasten groteskiin kuvaan.

Torii Kiyonobu on Torii-maalareiden dynastian perustaja. Hänen opiskelijansa olivat Torii Kiyomasu, Torii Kiyosige I, Torii Kiyomitsu.

Kuka on suosikki ukiyo-e-taiteilijasi?

Japanin kieli eroaa muista eurooppalaisista kielistä rakenteeltaan, mikä voi aiheuttaa tiettyjä vaikeuksia oppimisessa. Älä kuitenkaan huoli! Erityisesti sinulle olet kehittänyt kurssin "", johon voit ilmoittautua juuri nyt!

Yksivärinen maalaus Japanissa on yksi idän taiteen ainutlaatuisista ilmiöistä. Sille on omistettu paljon teoksia ja tutkimuksia, mutta se koetaan usein hyvin ehdollisena ja joskus jopa koristeellisena. Japanilaisen taiteilijan henkimaailma on hyvin rikas, eikä hän välitä niinkään esteettisestä komponentista kuin hengellisestä. Itätaide on synteesi ulkoisesta ja sisäisestä, eksplisiittisestä ja implisiittisestä.

Tässä viestissä haluan kiinnittää huomiota ei yksivärisen maalauksen historiaan, vaan sen olemukseen. Tästä keskustellaan.

näyttö "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Se, mitä näemme yksivärisissä maalauksissa, on seurausta taiteilijan vuorovaikutuksesta mäntitriadin kanssa: paperi, harja, muste. Siksi, jotta voisit ymmärtää työn oikein, on ymmärrettävä taiteilija itse ja hänen asenteensa.

"Maisema" Sesshu, 1398.

Paperi japanilaiselle mestarille se ei ole vain improvisoitua materiaalia, jonka hän alistaa kapinallaan, vaan päinvastoin - se on "veli", ja siksi asenne häntä kohtaan on kehittynyt vastaavasti. Paperi on osa ympäröivää luontoa, jota japanilaiset ovat aina kohdelleet pelottavalla tavalla ja yrittäneet olla alistamatta itseään, mutta elää sen kanssa rauhanomaisesti. Paperi on aiemmin puu, joka seisoi tietyllä alueella tietyn ajan, "näki" jotain ympärillään, ja se tallentaa kaiken tämän. Näin japanilainen taiteilija havaitsee materiaalin. Käsityöläiset katsoivat usein ennen työn aloittamista kirkas arkki (miettivät sitä) ja vasta sitten he alkoivat maalata. Jopa nyt Nihon-ga (perinteinen japanilainen maalaus) -tekniikkaa harjoittavat nykyaikaiset japanilaiset taiteilijat valitsevat paperin huolellisesti. He ostavat sen paperitehtailta tilauksesta. Jokaiselle taiteilijalle, jolla on tietty paksuus, kosteuden läpäisevyys ja tekstuuri (monet taiteilijat jopa tekevät sopimuksen tehtaan omistajan kanssa siitä, ettei tätä paperia myydä muille taiteilijoille), jokaisen maalauksen koetaan olevan jotain ainutlaatuista ja elävää.

"Lukeminen bambutarhassa" Syubun, 1446.

Tämän materiaalin merkityksestä puhuen on syytä mainita sellaiset japanilaisen kirjallisuuden kuuluisat monumentit, kuten Sei Shonagonin "Huomautukset päätyssä" ja Murasaki Shikibun "Genji Monogotari": sekä "Muistiinpanoista" että "Genjistä" löytyy juontoja kun pihanpitäjät tai rakastajat vaihtavat viestejä ... Paperi, jolle nämä viestit kirjoitettiin, oli sopivaa vuodenaikaa, sävyä ja tekstin kirjoittamistapa vastasi sen rakennetta.

Kyosenin "Murasaki Shikibu Ishiyama-pyhäkössä"

Harjata - toinen komponentti on päällikön käden jatko (tämä on jälleen luonnollinen materiaali). Siksi myös harjat tehtiin tilauksesta, mutta useimmiten taiteilija itse. Hän poimi vaaditun pituiset karvat, valitsi harjan koon ja mukavimman otteen. Mestari kirjoittaa vain omalla harjalla eikä millään muulla. ( henkilökohtainen kokemus: oli kiinalaisen taiteilijan Jiang Shilunin mestarikurssilla, yleisöä pyydettiin näyttämään, mitä mestarikurssilla läsnä olleet opiskelijat voivat tehdä, ja jokainen heistä ottaessaan mestarin harjan sanoi, että se ei onnistu mitä he odottivat, koska harja ei ole heidän, he eivät ole tottuneet siihen eivätkä tiedä kuinka käyttää sitä oikein).

Katsushika Hokusain "Fuji" muste-luonnos

Ripsiväri on kolmas tärkeä tekijä. Ripsiväri on erityyppistä: se voi antaa kiiltävän tai matta-vaikutelman kuivauksen jälkeen, se voidaan sekoittaa hopea- tai okra-sävyihin, joten oikea ripsiväri ei myöskään ole merkityksetön.

Yamamoto Baytsu, loppu XVIII - XIX vuosisata.

Yksivärisen maalauksen pääaiheet ovat maisemat. Miksi niissä ei ole väriä?

Kaksoisnäyttö "Pines", Hasegawa Tohaku

Ensinnäkin japanilainen taiteilija ei ole kiinnostunut itse esineestä, vaan sen olemuksesta, tietystä komponentista, joka on yhteinen kaikille eläville ja johtaa harmoniaan ihmisen ja luonnon välillä. Siksi kuva on aina vihje, se on osoitettu aisteillemme eikä näkemälle. Aliarviointi on kannustin vuoropuheluun, mikä tarkoittaa yhteyttä. Viivat ja täplät ovat tärkeitä kuvassa - ne muodostuvat taiteellinen kieli... Tämä ei ole päällikön vapaus, joka jätti rasvan polun haluamaansa kohtaan, mutta toisessa paikassa päinvastoin ei maalannut sitä - kaikella kuvassa on oma merkitys ja merkitys, eikä sillä ole satunnaista luonnetta .

Toiseksi väreillä on aina jonkinlainen emotionaalinen väritys, ja eri tiloissa olevat ihmiset kokevat sen eri tavalla, joten emotionaalinen puolueettomuus antaa katsojalle mahdollisuuden käydä sopivimmin vuoropuhelua, sijoittaa hänet havainnointiin, mietiskelyyn, ajatukseen.

Kolmanneksi tämä on yinin ja yangin vuorovaikutus, mikä tahansa yksivärinen kuva on harmoninen siinä olevan musteen ja koskemattoman paperialueen suhteen.

Miksi suurin osa paperitilaa ei käytetä?

"Maisema" Syubun, 1400-luvun puoliväli.

Ensinnäkin tyhjä tila upottaa katsojan kuvaan; toiseksi kuva luodaan ikään kuin se olisi hetkeksi kellunut pintaan ja se on kadossa - tämä johtuu maailmankuvasta; kolmanneksi alueilla, joilla ei ole mustetta, paperin rakenne ja sävy tulevat esiin (tämä ei aina näy kopioissa, mutta itse asiassa se on aina kahden materiaalin - paperin ja musteen) vuorovaikutus.

Sesshu, 1446

Miksi maisema?

"Contemplation of the Falls", kirjoittanut Geiami, 1478.

Japanilaisen maailmankuvan mukaan luonto on täydellisempi kuin ihminen, joten hänen on opittava siitä, huolehdittava siitä kaikin mahdollisin tavoin eikä tuhottava tai alistettava sitä. Siksi monissa maisemissa voi nähdä pieniä kuvia ihmisistä, mutta ne ovat aina merkityksettömiä, pieniä itse maisemaan nähden tai kuvia mökeistä, jotka on kirjoitettu ympäröivään tilaan eivätkä edes ole aina näkyvissä - nämä kaikki ovat symboleja maailmankuvan.

"Vuodenajat: syksy ja talvi" Sesshu. "Maisema" Sesshu, 1481

Lopuksi haluan sanoa, että yksivärinen japanilainen maalaus ei ole kaoottisesti roiskunut muste, tämä ei ole taiteilijan sisäisen egon mielijohde - se on koko järjestelmä kuvia ja symboleja, tämä on filosofisen ajattelun arkisto, ja mikä tärkeintä, tapa kommunikoida ja harmonisoida itseään ja ympäröivää maailmaa.

Luulen, että tässä on vastauksia tärkeimpiin kysymyksiin, joita katsoja kohtaa mustavalkoisen edessä japanilainen maalaus... Toivon, että ne auttavat sinua ymmärtämään sen oikein ja ymmärtämään sen tapaamisen yhteydessä.

Jokaisella maalla on omat nykytaiteen sankarit, joiden nimet ovat tunnettuja, joiden näyttelyt kokoavat faneja ja uteliaita ihmisiä ja joiden teokset ovat hajallaan yksityiskokoelmissa.

Tässä artikkelissa esitämme sinulle suosituimmat nykytaiteilijoita Japani.

Keiko Tanabe

Kiotossa syntynyt Keiko voitti lapsena lukuisia taidekilpailuja, mutta ei valmistunut taiteista. Työskenteli osastolla kansainväliset suhteet Tokiossa sijaitsevassa japanilaisessa itsehallinnon kauppajärjestössä suuressa osassa asianajotoimisto San Franciscossa ja yksityisessä konsulttiyrityksessä San Diegossa, matkusti paljon. Hän lopetti työnsä vuonna 2003 ja opittuaan akvarellimaalauksen perusteet San Diegossa omistautui yksinomaan taiteeseen.

Ikenaga Yasunari

Japanilainen taiteilija Ikenaga Yasunari maalaa muotokuvia nykyaikaiset naiset muinaisessa japanilainen perinne maalaus käyttäen Menso-harjaa, mineraalipigmenttejä, hiilimustaa, mustetta ja pellavaa pohjana. Hänen hahmonsa ovat aikamme naisia, mutta Nihonga-tyylin ansiosta tuntuu siltä, \u200b\u200bettä he tulivat meille ikiajoista lähtien.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki on realistinen taiteilija, joka on oppinut täydellisesti vesiväri tekniikka... Abea voidaan kutsua taiteilijafilosofiksi: hän ei periaatteessa maalaa tunnettuja maamerkkejä, mieluummin subjektiivisia sävellyksiä, jotka heijastavat sisäiset tilat henkilö, joka seuraa niitä.

Hiroko Sakai

Hiroko Sakain taiteilijaura alkoi 90-luvun alussa Fukuokassa. Valmistuttuaan Seinan Gakuinin yliopistosta ja Nihonin ranskalaisesta sisustuskoulusta suunnittelussa ja visualisoinnissa hän perusti Atelier Yume-Tsumugi Ltd: n. ja onnistui johtamaan tätä studiota viiden vuoden ajan. Monet hänen teoksistaan \u200b\u200bkoristavat sairaaloiden auloja, suuryritysten toimistoja ja joitain kunnarakennuksia Japanissa. Muutettuaan Yhdysvaltoihin Hiroko alkoi maalata öljyissä.

Riusuke Fukahori

Riusuki Fukahorin kolmiulotteinen teos on kuin hologrammeja. Ne täyttyvät akryylimaali, päällekkäin useissa kerroksissa, ja läpinäkyvä hartsineste - kaikki tämä, sulkematta pois perinteisiä menetelmiä, kuten varjojen piirtämistä, reunojen pehmentämistä, läpinäkyvyyden hallintaa, antaa Riusukille mahdollisuuden luoda veistoksellisia maalauksia ja antaa teoksilleen syvyyttä ja realismia.

Natsuki Otani

Natsuki Otani on lahjakas japanilainen kuvittaja, joka asuu ja työskentelee Englannissa.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu valitsi luovuuden perustan win-win-teema - hän piirtää kissoja. Hänen kuvansa ovat suosittuja kaikkialla maailmassa, etenkin palapelien muodossa.

Tetsuya Mishima

Suurin osa nykyaikaisen japanilaisen taiteilijan Mishiman maalauksista on valmistettu öljyistä. Hän on ammattimaisesti harjoittanut maalausta 90-luvulta lähtien, hänellä on useita yksityisnäyttelyitä ja suuri joukko sekä Japanin että ulkomaisten yhteisnäyttelyitä.