Japanilainen maalaus. Nykyaikainen japanilainen maalaus

Japanin yksivärinen maalaus on yksi idän taiteen ainutlaatuisista ilmiöistä. Sille on omistettu paljon töitä ja tutkimuksia, mutta se nähdään usein hyvin ehdollisena asiana ja joskus jopa koristeena. Japanilaisen taiteilijan henkinen maailma on hyvin rikas, eikä hän välitä niinkään esteettisestä kuin henkisestä. Idän taide on synteesi ulkoisesta ja sisäisestä, eksplisiittisestä ja implisiittisestä.

Tässä postauksessa haluan kiinnittää huomiota ei yksivärisen maalauksen historiaan, vaan sen olemukseen. Tästä keskustellaan.

näyttö "Pines" Hasegawa Tohaku, 1593

Se, mitä näemme yksivärisissä maalauksissa, on tulosta taiteilijan vuorovaikutuksesta mäntykolmikon kanssa: paperi, sivellin, muste. Siksi työn ymmärtämiseksi oikein täytyy ymmärtää taiteilija itse ja hänen asenne.

"Maisema" Sesshu, 1398

Paperi ei ole helppoa japanilaiselle mestarille kätevä materiaali, jonka hän alistaa mielijohteensa, mutta päinvastoin on "veli", siksi asenne häntä kohtaan on kehittynyt vastaavasti. Paperi on osa ympäröivää luontoa, jota japanilaiset ovat aina kohdelleet peloissaan ja yrittäneet olla alistamatta itseään, vaan elävät sen kanssa rauhanomaisesti. Paperi on menneisyydessä puu, joka seisoi tietyllä alueella, tietty aika, "näki" jotain hänen ympärillään, ja hän pitää sen kaiken. Näin japanilainen taiteilija näkee materiaalin. Usein ennen työn aloittamista mestarit katsoivat tyhjää arkkia pitkään (harkivat sitä) ja vasta sitten alkoivat maalata. Nykyäänkin japanilaiset nykytaiteilijat, jotka harjoittavat Nihon-ga-tekniikkaa (perinteinen japanilainen maalaus) valitsevat paperin huolellisesti. He ostavat sen tilauksesta paperitehtailta. Jokaiselle taiteilijalle, jolla on tietty paksuus, kosteuden läpäisevyys ja rakenne (monet taiteilijat tekevät jopa sopimuksen tehtaan omistajan kanssa olla myymättä tätä paperia muille taiteilijoille) - siksi jokainen maalaus nähdään jotain ainutlaatuista ja elävää.

"Lukeminen bambulehdossa" Syubun, 1446.

Tämän materiaalin merkityksestä puhuttaessa on syytä mainita sellaiset kuuluisat japanilaisen kirjallisuuden muistomerkit, kuten Sei Shonagonin "Notes at the headboard" ja Murasaki Shikibun "Genji Monogotari": sekä "Notes"- että "Genji"-kirjoista löytyy juoni. kun hovimiehet tai rakastavaiset vaihtavat viestejä... Paperi, jolle nämä viestit kirjoitettiin, oli asianmukaista vuodenaikaa, sävyä ja tekstin kirjoitustapa vastasi sen tekstuuria.

Kyoshenin "Murasaki Shikibu Ishiyaman pyhäkössä".

Harjata- toinen komponentti on mestarin käden jatko (jälleen tämä on luonnollinen materiaali). Siksi siveltimet valmistettiin myös tilauksesta, mutta useimmiten taiteilija itse. Hän poimi tarvittavan pituiset karvat, valitsi harjan koon ja mukavimman otteen. Mestari kirjoittaa vain omalla siveltimellään eikä millään muulla. (Alkaen henkilökohtainen kokemus: Olin kiinalaisen taiteilijan Jiang Shilunin mestarikurssilla, yleisöä pyydettiin näyttämään, mitä hänen mestarikurssilla olleet oppilaansa pystyivät tekemään, ja jokainen heistä otti mestarin siveltimen käteensä, että se eivät tee sitä, mitä he odottivat, koska harja ei ole heidän, he eivät ole tottuneet siihen eivätkä osaa käyttää sitä oikein).

Katsushika Hokusain "Fuji"-musteluonnos

Ripsiväri-kolmas tärkeä elementti... Ripsiväriä tapahtuu eri tyyppejä: kuivumisen jälkeen se voi antaa kiiltävän tai mattapintaisen vaikutelman, se voidaan sekoittaa hopean tai okran sävyihin, joten ripsivärin oikea valinta ei ole myöskään merkityksetön.

Yamamoto Baytsu, XVIII loppu- XIX vuosisadalla.

Yksivärisen maalauksen pääaiheet ovat maisemat. Miksi niissä ei ole väriä?

Twin screen "Pines", Hasegawa Tohaku

Ensinnäkin japanilaista taiteilijaa ei kiinnosta itse esine, vaan sen olemus, tietty komponentti, joka on yhteinen kaikille eläville ja johtaa harmoniaan ihmisen ja luonnon välille. Siksi kuva on aina vihje, se on osoitettu aisteillemme, ei näkölle. Aliarviointi kannustaa dialogiin, mikä tarkoittaa yhteyttä. Viivat ja täplät ovat tärkeitä kuvassa - ne muodostuvat taiteellista kieltä... Tämä ei ole mestarin vapaus, joka jätti rasvan jäljen minne halusi, mutta toisessa paikassa, päinvastoin, ei maalannut sitä - kaikella kuvassa on oma merkitys ja merkitys, eikä sillä ole satunnaista luonnetta .

Toiseksi väreillä on aina jonkinlainen tunnevärjäys ja se havaitaan eri tavalla. eri ihmisten toimesta Siksi eri tiloissa emotionaalinen neutraalisuus sallii katsojan riittävän osallistua dialogiin, asettaa hänet havainnointiin, mietiskelyyn, ajatteluun.

Kolmanneksi, tämä on yinin ja yangin vuorovaikutus, mikä tahansa yksivärinen maalaus on harmoninen musteen ja paperin koskemattoman alueen suhteen suhteen.

Miksi suurin osa paperitilasta on käyttämättä?

"Maisema" Syubun, 1400-luvun puoliväli.

Ensinnäkin tyhjä tila upottaa katsojan kuvaan; toiseksi, kuva luodaan ikään kuin se olisi hetkellisesti kellunut pintaan ja olemaan katoamassa - tämä johtuu maailmankuvasta ja maailmankuvasta; Kolmanneksi alueilla, joilla ei ole mustetta, paperin rakenne ja sävy tulevat esiin (tämä ei aina näy jäljennöksissä, mutta itse asiassa se on aina kahden materiaalin - paperin ja musteen - vuorovaikutusta).

Sesshu, 1446

Miksi maisema?

"Contemplation of the Falls", Geiami, 1478.

Japanilaisen maailmankuvan mukaan luonto on täydellisempi kuin ihminen, joten hänen on otettava siitä opiksi, huolehdittava siitä kaikin mahdollisin tavoin, ei tuhottava tai alistamatta sitä. Siksi monissa maisemissa voit nähdä pieniä kuvia ihmisistä, mutta ne ovat aina merkityksettömiä, pieniä suhteessa itse maisemaan, tai kuvia majoista, jotka on kaiverrettu ympäröivään tilaan eivätkä ole edes aina näkyvissä - nämä ovat kaikki symboleja maailmankuvaa.

"Vuodenajat: Syksy ja Talvi" Sesshu. "Maisema" Sesshu, 1481

Lopuksi haluan sanoa, että yksivärinen japanilainen maalaus ei ole kaoottisesti roiskuvaa mustetta, tämä ei ole taiteilijan sisäisen egon päähänpisto - se on koko järjestelmä kuvat ja symbolit, tämä on filosofisen ajattelun arkisto, ja mikä tärkeintä, tapa kommunikoida ja harmonisoida itseä ja ympäröivää maailmaa.

Tässä on mielestäni vastauksia tärkeimpiin kysymyksiin, joita katsojassa herää, kun hän kohtaa yksivärisen japanilaisen maalauksen. Toivon, että he auttavat sinua ymmärtämään sen oikein ja havaitsemaan sen, kun tapaat.

japanilainen klassinen maalaus on pitkä ja mielenkiintoinen tarina... Japanin kuvataide on edustettuna erilaisia ​​tyylejä ja genrejä, joista jokainen on ainutlaatuinen omalla tavallaan. Muinaiset maalatut hahmot ja geometriset aiheet, jotka löytyivät pronssisista dotaku-kelloista ja keramiikkasirpaleista, ovat peräisin vuodelta 300 jKr.

Buddhalainen taiteen suuntautuminen

Japanissa seinämaalaustaide oli hyvin kehittynyt, 600-luvulla kuvat buddhalaisuuden filosofian teemasta olivat erityisen suosittuja. Tuolloin maahan rakennettiin suuria temppeleitä, joiden seinät olivat kaikkialla koristeltu freskoilla, jotka on maalattu buddhalaisten myyttien ja legendojen perusteella. Japanilaisen Naran kaupungin lähellä sijaitsevassa Horyuji-temppelissä on edelleen muinaisia ​​esimerkkejä seinämaalauksesta. Horyujin freskot kuvaavat kohtauksia Buddhan ja muiden jumalien elämästä. Näiden seinämaalausten taiteellinen tyyli on hyvin lähellä Song-dynastian aikana Kiinassa suosittua kuvakäsitystä.

Tang-dynastian maalaustyyli saavutti erityisen suosion Nara-kauden puolivälissä. Takamatsuzukan haudasta löydetyt freskot ovat peräisin tältä ajalta, ja ne ovat peräisin noin 700-luvulta jKr. Tang-dynastian vaikutuksesta muodostunut taiteellinen tekniikka muodosti myöhemmin kara-e-maalausgenren perustan. Tämä genre pysyi suosittuna, kunnes ensimmäiset Yamato-e-tyyliset teokset ilmestyivät. Suurin osa freskoista ja maalauksen mestariteoksesta kuuluu tuntemattomien kirjailijoiden siveltimeen, ja nykyään monet sen aikakauden teokset ovat Sesoinin aarrekammiossa.

Uusien buddhalaisten koulujen, kuten Tendain, kasvava vaikutus on vaikuttanut laajaan uskonnolliseen suuntautumiseen. Kuvataide Japani 8. ja 9. vuosisadalla. 10. vuosisadalla, jolloin japanilainen buddhalaisuus edistyi erityisellä tavalla, ilmestyi raigozu-genre, "tervetulomaalaukset", jotka kuvaavat Buddhan saapumista Länsi-Paratiisiin. Varhaisia ​​esimerkkejä raigozusta vuodelta 1053 voidaan nähdä Bedo-in-temppelissä, joka on säilytetty Ujin kaupungissa Kioton prefektuurissa.

Tyylien vaihtaminen

Heian-kauden puolivälissä vaihdettiin kiinalaiseen tyyliin kara-e tulee yamato-e:n genrestä, josta on pitkään tullut yksi suosituimmista ja kysytyimmistä japanilaisen maalauksen genreistä. Uutta maalaustyyliä sovellettiin pääasiassa taittoseinämien ja liukuovien maalaukseen. Ajan myötä yamato-e siirtyi vaakasuuntaisiin emakimono-kääröihin. Emaki-genressä työskentelevät taiteilijat yrittivät välittää teoksissaan valitun juonen kaiken emotionaalisuuden. Genji Monogatari Scroll koostui useista toisiinsa linkitetyistä jaksoista, ja aikakauden taiteilijat käyttivät nopeita vetoja ja kirkkaita, ilmeikkäitä värejä.

E-maki on yksi vanhimmista ja näkyvimmistä esimerkkeistä otoko-e:stä, miesten muotokuvien genrestä. Naisten muotokuvat erotetaan omana genrenä onna-e. Itse asiassa näiden genrejen, samoin kuin miesten ja naisten välillä on melko merkittäviä eroja. Onna-e-tyyli on värikkäästi esitetty Tale of Genjin suunnittelussa, jossa piirustusten pääteemoja ovat romanttiset juonet, kohtaukset hovielämästä. Miesten otoko-e -tyyli on pääasiassa taiteellista kuvausta historiallisista taisteluista ja muista tärkeät tapahtumat valtakunnan elämässä.

Klassisesta japanilaisesta taidekoulusta on tullut hedelmällinen maaperä ideoiden kehittämiselle ja edistämiselle nykytaide Japani, jossa popkulttuurin ja animen vaikutus on varsin selkeästi jäljitetty. Yksi tunnetuimmista Japanilaiset taiteilijat nykyaikaisuutta voidaan kutsua Takashi Murakamiksi, jonka työ on omistettu japanilaisen elämän kohtausten kuvaamiselle sodan jälkeinen aika ja maksimaaliset yhdistämiskonseptit kuvataiteet ja valtavirtaa.

Klassisen koulukunnan kuuluisien japanilaisten taiteilijoiden joukossa voidaan mainita seuraavat.

Jännittynyt Shubun

Shubun työskenteli 1400-luvun alussa, kun hän oli omistanut paljon aikaa Song-dynastian aikakauden kiinalaisten mestareiden teosten tutkimiseen, tämä mies oli japanilaisten alkuperä. hieno genre... Shubunia pidetään sumi-e-tyylin, yksivärisen mustemaalauksen perustajana. Hän teki paljon ponnisteluja uuden genren popularisoimiseksi ja muutti siitä yhdeksi japanilaisen maalauksen johtavista suunnista. Syubunin oppilaita oli monia, joista tuli myöhemmin kuuluisia taiteilijoita, mukaan lukien Sesshu ja kuuluisan taidekoulun Kano Masanobu perustaja. Monet maisemat on liitetty Syubunin kirjoittajaksi, mutta hänen kuuluisimpia teoksiaan pidetään perinteisesti Reading in a Bamboo Grove.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin on yksi japanilaisen maalauksen historian suurimmista taiteilijoista, rimp-taidetyylin perustaja ja yksi kirkkaimmista edustajista. Teoksissaan Korin siirtyi rohkeasti pois perinteisistä stereotypioista muodostaen oman tyylinsä, jonka pääpiirteet olivat pienet muodot ja juonen elävä impressionismi. Corinne tunnetaan erityisestä taitostaan ​​kuvata luontoa ja työskennellä abstraktien värikoostumusten parissa. "Plum Blossom in Red and White" on yksi Ogata Korinin tunnetuimmista teoksista, hänen maalauksensa "Krysanteemit", "Matsushiman aallot" ja monet muut ovat myös tunnettuja.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku on japanilaisen taidekoulun Hasegawan perustaja. varten varhainen ajanjakso luovuus Tohakulle on ominaista kuuluisan japanilaisen maalauksen koulukunnan vaikutus Kano, mutta ajan myötä taiteilija on muodostanut oman ainutlaatuisen tyylinsä. Tohakun työhön vaikuttivat monin tavoin tunnustetun mestarin Sesshun työt, Hosegawa piti itseään jopa tämän suuren mestarin viidentenä seuraajana. Hasegawa Tohakun maalaus "The Pines" vastaanotti maailmankuulu, joka tunnetaan myös teoksistaan ​​"Vahtera", "Männyt ja kukkivat kasvit" ja muut.

Kano Eitoku (1543-1590)

Kanon koulukunnan tyyli on hallinnut Japanin kuvataidetta noin neljän vuosisadan ajan, ja Kano Eitoku on ehkä yksi tämän taidekoulun tunnetuimmista ja merkittävimmistä edustajista. Viranomaiset kohtelivat Eitokua ystävällisesti, aristokraattien ja varakkaiden suojelijoiden suojelus ei voinut muuta kuin edistää hänen koulunsa vahvistumista ja tämän, epäilemättä erittäin lahjakkaan taiteilijan teosten suosiota. Eitoku Kanon maalaama "Cypress" liukuva kahdeksan paneelin näyttö on todellinen mestariteos ja elävä esimerkki Monoyama-tyylin laajuudesta ja voimasta. Muut mestarin teokset näyttävät yhtä mielenkiintoisilta, kuten "Neljän vuodenajan linnut ja puut", "Kiinan leijonat", "Erakot ja keiju" ja monet muut.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai - suurin mestari ukiyo-e genre (japanilainen puupiirros). Hokusain luovuus vastaanotettiin maailman tunnustusta, hänen maineensa muissa maissa ei ole verrattavissa useimpien aasialaisten taiteilijoiden suosioon, hänen työnsä " Iso aalto Kanagawassa "tuli jotain sellaista käyntikortti Japanilainen kuvataide maailman taiteen näyttämöllä. Hänen luova tapa Hokusai käytti yli kolmeakymmentä salanimeä, kuudenkymmenen jälkeen taiteilija omistautui kokonaan taiteelle ja tätä aikaa pidetään hänen työnsä hedelmällisimpana ajanjaksona. Hokusain työ vaikutti länsimaisten impressionististen ja post-impressionististen mestareiden työhön, mukaan lukien Renoirin, Monetin ja van Goghin työhön.

Jokaisella maalla on omat nykytaiteen sankarit, joiden nimet ovat tuttuja, joiden näyttelyt keräävät faneja ja uteliaita ja joiden teokset ovat hajallaan yksityiskokoelmissa.

Tässä artikkelissa esittelemme sinulle suosituimmat nykytaiteilijoita Japani.

Keiko Tanabe

Kiotossa syntynyt Keiko voitti lapsena monia taidekilpailut, mutta korkeampi koulutus ei saatu lainkaan taiteen alalla. Työskenteli osastolla kansainväliset suhteet Japanin itsehallinnon kauppajärjestössä Tokiossa, suuressa Asianajotoimisto San Franciscossa ja yksityisessä konsulttiyrityksessä San Diegossa, matkusti paljon. Hän jätti työnsä vuonna 2003 ja opittuaan akvarellimaalauksen perusteet San Diegossa omistautui yksinomaan taiteelle.

Ikenaga Yasunari

Japanilainen taiteilija Ikenaga Yasunari maalaa muotokuvia nykyaikaisia ​​naisia muinaisessa Japanilainen perinne maalaus pohjana Menso-siveltimellä, mineraalipigmenteillä, hiilimustaa, mustetta ja pellavaa. Hänen hahmonsa ovat aikamme naisia, mutta Nihonga-tyylin ansiosta syntyy tunne, että he ovat tulleet meille ikimuistoisista ajoista lähtien.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki on realistinen taiteilija, joka on hallinnut akvarellitekniikan täydellisesti. Abea voidaan kutsua taiteilija-filosofiksi: hän ei periaatteessa maalaa tunnettuja maamerkkejä, vaan suosii subjektiivisia, heijastavia sävellyksiä. sisäiset tilat henkilö, joka katsoo niitä.

Hiroko Sakai

Hiroko Sakain ura taiteilijana alkoi 90-luvun alussa Fukuokan kaupungissa. Valmistuttuaan Seinan Gakuin -yliopistosta ja Nihon French School of Interior Design in Design and Visualisization, hän perusti Atelier Yume-Tsumugi Ltd. ja johti menestyksekkäästi tätä studiota 5 vuotta. Monet hänen teoksistaan ​​koristavat sairaaloiden auloja, suuryritysten toimistoja ja joitain kunnallisia rakennuksia Japanissa. Muutettuaan Yhdysvaltoihin Hiroko alkoi maalata öljyillä.

Riusuke Fukahori

Riusuki Fukahorin kolmiulotteinen työ on kuin hologrammeja. Ne täyttyvät akryylimaali, useissa kerroksissa päällekkäin, ja läpinäkyvä hartsineste - kaikki tämä, sulkematta pois perinteisiä menetelmiä, kuten varjojen piirtämistä, reunojen pehmentämistä, läpinäkyvyyden hallintaa, antaa Riusukille mahdollisuuden luoda veistoksellisia maalauksia ja antaa teoksilleen syvyyttä ja realistisuutta.

Natsuki Otani

Natsuki Otani on lahjakas japanilainen kuvittaja, joka asuu ja työskentelee Englannissa.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu valitsi taiteensa pohjaksi win-win-teeman - hän piirtää kissoja. Hänen kuvansa ovat suosittuja kaikkialla maailmassa, etenkin palapelien muodossa.

Tetsuya Mishima

Suurin osa japanilaisen nykytaiteilijan Mishiman maalauksista on tehty öljyillä. Hän on ollut ammattimaisesti maalaamassa 90-luvulta lähtien, hänen tilillään useita henkilökohtaiset näyttelyt ja suuri määrä yhteisnäyttelyitä, sekä japanilaisia ​​että ulkomaisia.

Hei, rakkaat lukijat- tiedon ja totuuden etsijät!

Japanilaiset taiteilijat erottuvat ainutlaatuisesta tyylistään, jota taiteilijasukupolvet ovat hioneet. Tänään kerromme sinulle japanilaisen maalauksen näkyvimmistä edustajista ja heidän maalauksistaan ​​muinaisista ajoista nykyaikaan.

No, sukeltakaamme nousevan auringon maan taiteeseen.

Taiteen synty

Muinainen maalaustaide Japanissa liittyy ensisijaisesti kirjoittamisen erityispiirteisiin ja on siksi rakennettu kalligrafian perustalle. Ensimmäiset näytteet sisältävät kaivauksissa löydettyjä pronssikellojen fragmentteja, astioita ja taloustavaroita. Monet niistä maalattiin luonnollisilla väriaineilla, ja tutkimukset viittaavat siihen, että tuotteet on valmistettu aikaisemmin kuin 300 eaa.

Uusi kierros taiteen kehityksessä alkoi saapuessa Japaniin. Emakimonoon - erityisiin paperikääröihin - sovellettiin kuvia buddhalaisuuden panteonin jumaluuksista, juonet Opettajan ja hänen seuraajiensa elämästä.

Uskonnollisten teemojen vallitsevuus maalauksessa voidaan jäljittää keskiaikaisessa Japanissa, nimittäin 10. - 1400-luvuilla. Valitettavasti tuon aikakauden taiteilijoiden nimet eivät ole säilyneet tähän päivään asti.

1400-1700-luvuilla alkaa uusi aikakausi, jolle on ominaista kehittyneiden taiteilijoiden ilmaantuminen. yksilöllinen tyyli... He nimesivät vektorin edelleen kehittäminen Kuvataide.

Kirkkaita edustajia menneisyydestä

Jännittynyt Shubun (1400-luvun alku)

Tulla joksikin erinomainen mestari Xiubun opiskeli kiinalaisten Song-taiteilijoiden kirjoitustekniikkaa ja heidän töitään. Myöhemmin hänestä tuli yksi maalauksen perustajista Japanissa ja sumi-e:n luoja.

Sumi-e - taiteen tyyli, joka perustuu mustepiirustukseen, mikä tarkoittaa yhtä väriä.

Shubun teki paljon uusi tyyli Hän opetti taidetta muille kyvyille, myös tulevaisuudelle kuuluisia maalareita, esimerkiksi Sesshu.

Eniten suosittu maalaus Shubunaa kutsutaan "Lukemiseksi bambulehdossa".

Tense Shubunin lukeminen Bamboo Grovessa

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Hänestä tuli hänen mukaansa nimetyn Hasegawan koulun perustaja. Aluksi hän yritti seurata Kanon koulukunnan kaanoneja, mutta vähitellen hänen yksilöllinen "käsikirjoitus" alkoi jäljittää hänen teoksissaan. Tohakua ohjasi Sesshun grafiikka.

Teoksen perusta oli yksinkertainen, lakoninen, mutta realistisia maisemia yksinkertaisilla nimillä:

• "Männyt";
• "Vaahtera";
• "Männyt ja kukkivat kasvit".

"Männyt", Hasegawa Tohaku

Veljet Ogata Korin (1658-1716) ja Ogata Kenzan (1663-1743)

Veljet olivat erinomaisia ​​käsityöläisiä 1700-luvulla. Vanhin, Ogata Korin, omistautui kokonaan maalaamiseen ja perusti rimp-genren. Hän vältti stereotyyppisiä kuvia ja suosi impressionistista genreä.

Ogata Korin maalasi luonnon ylipäätään ja kukkia erityisesti abstraktion kirkkauteen. Hänen siveltimensä kuuluvat maalauksiin:

• "Luumun kukka punainen ja valkoinen";
• "Matsushiman aallot";
• "Krysanteemit".

Ogata Korinin "Matsushiman aallot".

Nuoremmalla veljellä - Ogata Kenzanilla - oli monia salanimiä. Vaikka hän harjoitti maalausta, hän oli tunnetumpi upeana keraamikona.

Ogata Kenzan oli taitava monissa keramiikan luontitekniikoissa. Hänet erottui epätyypillisestä lähestymistavasta, esimerkiksi hän loi levyt neliön muodossa.

Hänen oma maalauksensa ei eronnut loistosta - tämä oli myös hänen ominaisuutensa. Hän rakasti käyttää kalligrafiaa tuotteisiin, kuten kääröihin tai otteisiin runoudesta. Joskus he työskentelivät yhdessä veljensä kanssa.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hän työskenteli ukiyo-e-tyylillä - eräänlaisella puupiirroksella, toisin sanoen kaiverrusmaalauksella. Koko luovuuden ajan hän vaihtoi noin 30 nimeä. Kuuluisa työ- "The Great Wave off Kanagawa", jonka ansiosta hänestä tuli kuuluisa kotimaansa ulkopuolella.

Suuri aalto Kanagawan edustalla, kirjoittanut Hokusai Katsushika

Hokusai alkoi työskennellä erityisen kovasti 60 vuoden jälkeen, mikä toi hyviä tuloksia. Van Gogh, Monet, Renoir tunsivat hänen työnsä, ja se vaikutti jossain määrin eurooppalaisten mestareiden teoksiin.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Yksi suurimmat taiteilijat 1800-luvulla. Syntyi, asui, työskenteli Edossa, jatkoi Hokusain työtä, inspiroitui hänen teoksistaan. Hänen tapansa kuvata luontoa on lähes yhtä silmiinpistävää kuin itse teosten määrä.

Edo - entinen nimi Tokio.

Tässä muutamia hänen työstään liittyviä lukuja, joita edustaa maalaussykli:

• 5,5 tuhatta - kaikkien kaiverrusten lukumäärä;
• "100 näkymää Edosta;
• "36 näkymää Fujiin";
• "Kisokaidon 69 asemaa";
• "53 Tokaidon asemaa".

Ando Hiroshigen maalaus

Mielenkiintoista on, että erinomainen Van Gogh maalasi pari kopiota vedoksistaan.

Nykyaikaisuus

Takashi Murakami

Taidemaalari, kuvanveistäjä, muotisuunnittelija, hän ansaitsi nimen jo 1900-luvun lopulla. Työssään hän noudattaa muotitrendejä klassikoilla ja ammentaa inspiraatiota anime- ja manga-sarjakuvista.

Takashi Murakamin maalaus

Takashi Murakamin teoksia pidetään alakulttuurina, mutta ne ovat uskomattoman suosittuja. Esimerkiksi vuonna 2008 yksi hänen teoksistaan ​​ostettiin huutokaupassa yli 15 miljoonalla dollarilla. Kerran moderni luoja työskenteli yhdessä muotitalojen "Marc Jacobs" ja "Louis Vuitton" kanssa.

Tycho Asima

Edellisen taiteilijan kumppanina hän luo moderneja surrealistisia maalauksia. Ne kuvaavat kaupunkinäkymiä, megalopolien katuja ja olentoja kuin toisesta universumista - aaveita, pahoja henkiä, ulkomaalaisia ​​tyttöjä. Maalausten taustalla näkyy usein koskematon, joskus jopa pelottava luonto.

Hänen maalauksensa saavuttavat suuria kokoja ja rajoittuvat harvoin paperiin. Ne siirretään nahka- ja muovimateriaaleihin.

Vuonna 2006 nainen loi osana näyttelyä Ison-Britannian pääkaupungissa noin 20 kaarevaa rakennetta, jotka heijastivat maaseudun ja kaupungin kauneutta päivällä ja yöllä. Yksi niistä koristi metroasemaa.

Hei Arakawa

Nuorta miestä ei voi kutsua vain taiteilijaksi sanan klassisessa merkityksessä - hän luo installaatioita, jotka ovat niin suosittuja 2000-luvun taiteessa. Hänen näyttelyiden teemat ovat aidosti japanilaisia ​​ja koskettavat ystävällisiä suhteita sekä koko tiimin työtä.

Hey Arakawa osallistuu usein erilaisiin biennaaleihin, esimerkiksi Venetsiassa, on esillä kotimaassaan modernin taiteen museossa ja saa ansaitusti erilaisia ​​palkintoja.

Ikenaga Yasunari

Moderni taidemaalari Ikenaga Yasunari onnistui yhdistämään kaksi näennäisesti yhteensopimatonta asiaa: nykypäivän tyttöjen elämän muotokuvamuodossa ja Japanin perinteiset tekniikat antiikista. Taidemaalari käyttää työssään erikoissiveltimiä, luonnonpigmenttisiä maaleja, mustetta, hiiltä. Tavallisen pellava-pellavan sijaan pellavakangas.

Ikenaga Yasunarin maalaus

Kuvatun aikakauden vastaava kontrastitekniikka ja ulkomuoto sankarittaret antavat vaikutelman, että he ovat palanneet luoksemme menneisyydestä.

Suosittu maassa viime aikoina Internet-yhteisössä japanilainen sarjakuvapiirtäjä Keigo loi myös sarjan maalauksia krokotiilin elämän monimutkaisuudesta.

Johtopäätös

Niin, japanilainen maalaus syntyi noin 3. vuosisadalla eKr. ja on muuttunut paljon sen jälkeen. Ensimmäiset kuvat sovellettiin keramiikkaan, sitten buddhalaiset motiivit alkoivat vallita taiteessa, mutta tekijöiden nimet eivät ole säilyneet tähän päivään asti.

Nykyaikana siveltimen mestarit hankkivat yhä enemmän yksilöllisyyttä, loivat eri suuntiin, koulut. Nykypäivän kuvataide ei rajoitu perinteiseen maalaukseen - käytetään installaatioita, sarjakuvia, taiteellisia veistoksia ja erikoisrakenteita.

Kiitos paljon huomiostanne, hyvät lukijat! Toivomme, että artikkelistamme oli sinulle hyötyä, ja tarinat taiteen kirkkaimpien edustajien elämästä ja työstä antoivat sinulle mahdollisuuden tutustua heihin paremmin.

Tietenkin on vaikea kertoa yhdessä artikkelissa kaikista taiteilijoista antiikista nykyaikaan. Olkoon tämä siis ensimmäinen askel kohti japanilaisen maalauksen tietämystä.

Ja tule mukaan - tilaa blogi - opiskellaan yhdessä buddhalaisuutta ja idän kulttuuria!

Jos luulet, että kaikki suuret taiteilijat ovat menneisyydessä, sinulla ei ole aavistustakaan kuinka väärässä olet. Tässä artikkelissa opit tunnetuimmista ja lahjakkaita taiteilijoita nykyaikaisuus. Ja usko minua, heidän teoksensa uppoavat muistiisi yhtä syvälle kuin menneiden aikakausien maestron teokset.

Wojciech Babski

Wojciech Babski on puolalainen nykytaiteilija. Hän valmistui Sleesian Polytechnic Institutesta, mutta yhdisti itsensä. Viime aikoina hän on piirtänyt pääasiassa naisia. Keskittyy tunteiden ilmaisemiseen, pyrkii saamaan suurimman mahdollisen vaikutuksen yksinkertaisin keinoin.

Rakastaa värejä, mutta käyttää usein mustan ja harmaan sävyjä parhaan kokemuksen saavuttamiseksi. Ei pelkää kokeilla erilaisia ​​uusia tekniikoita. Viime aikoina se on saavuttanut yhä enemmän suosiota ulkomailla, pääasiassa Isossa-Britanniassa, missä se myy menestyksekkäästi teoksiaan, joita löytyy jo monista yksityiskokoelmista. Taiteen lisäksi hän on kiinnostunut kosmologiasta ja filosofiasta. Kuuntelee jazzia. Tällä hetkellä hän asuu ja työskentelee Katowicessa.

Warren chang

Warren Chung - moderni amerikkalainen taiteilija... Syntynyt 1957 ja varttunut Montereyssä, Kaliforniassa, hän valmistui cum laude -tutkinnon Pasadena Art Center College of Designista vuonna 1981, jossa hän ansaitsi kuvataiteen kandidaatin tutkinnon alalla. Seuraavat kaksi vuosikymmentä hän työskenteli kuvittajana useissa yrityksissä Kaliforniassa ja New Yorkissa ennen kuin aloitti uran ammattitaiteilijana vuonna 2009.

Hänen realistiset maalauksensa voidaan jakaa kahteen pääkategoriaan: elämäkerrallisiin sisustusmaalauksiin ja työväkeä kuvaaviin maalauksiin. Hänen kiinnostuksensa tähän maalaustyyliin juontuu 1500-luvun taiteilija Jan Vermeerin töistä ja ulottuu esineisiin, omakuviin, muotokuviin perheenjäsenistä, ystävistä, opiskelijoista, studioista, luokkahuoneista ja kodin sisustuksista. Sen tarkoitus on realistisia maalauksia luo tunnelmaa ja tunteita manipuloimalla valoa ja käyttämällä vaimennettuja värejä.

Chang tuli tunnetuksi siirtyessään perinteiseen kuvataiteeseen. Viimeisten 12 vuoden aikana hän on ansainnut lukuisia palkintoja ja kunnianosoituksia, joista arvostetuin on Yhdysvaltain suurimman öljymaalausyhteisön Oil Painters Association of America -järjestön Master Signature. Vain yksi henkilö 50:stä saa mahdollisuuden saada tämä palkinto. Warren asuu tällä hetkellä Montereyssa ja työskentelee studiossaan ja opettaa (tunnetaan lahjakkaana kouluttajana) San Franciscon taideakatemiassa.

Aurelio bruni

Aurelio Bruni - italialainen taiteilija... Syntynyt Blairissa 15. lokakuuta 1955. Valmistunut lavastussuunnittelusta Spoleton taideinstituutista. Taiteilijana hän on itseoppinut, koska hän "rakensi itsenäisesti tiedon talon" koulun perustalle. Hän aloitti öljymaalauksen 19-vuotiaana. Tällä hetkellä hän asuu ja työskentelee Umbriassa.

Brunin varhainen maalaus juurtuu surrealismiin, mutta ajan myötä hän alkaa keskittyä lyyrisen romantiikan ja symbolismin läheisyyteen ja vahvistaa tätä yhdistelmää hahmojensa hienostuneella hienostuneisuudella ja puhtaudella. Animoidut ja elottomat esineet saavat saman arvokkuuden ja näyttävät melkein hyperrealistiselta, mutta samalla ne eivät piiloudu verhon taakse, vaan antavat sinun nähdä sielusi olemuksen. Monipuolisuus ja hienostuneisuus, aistillisuus ja yksinäisyys, huomaavaisuus ja hedelmällisyys ovat Aurelio Brunin henkeä, jota ruokkii taiteen loisto ja musiikin harmonia.

Aleksanteri Balos

Alkasandr Balos on puolalainen nykytaiteilija, joka on erikoistunut öljymaalaukseen. Syntynyt vuonna 1970 Gliwicessa Puolassa, mutta vuodesta 1989 lähtien hän on asunut ja työskennellyt Yhdysvalloissa Shastassa, Kaliforniassa.

Lapsena hän opiskeli taidetta isänsä Janin, itseoppineen taiteilijan ja kuvanveistäjän johdolla, joten jo varhainen ikä, taiteelliset pyrkimykset saivat täyden tuen molemmilta vanhemmilta. Vuonna 1989 18-vuotiaana Balos lähti Puolasta Yhdysvaltoihin, missä hän koulun opettaja ja osa-aikainen taiteilija Katie Gaggliardi sai Alkasandran menemään taidekouluun. Balos sai sitten täyden stipendin Milwaukee Wisconsinin yliopistosta, jossa hän opiskeli maalausta filosofian professori Harry Rosinin johdolla.

Valmistuttuaan vuonna 1995 ja suoritettuaan kandidaatin tutkinnon Balos muutti Chicagoon taidekouluun, jonka menetelmät perustuvat luovuuteen. Jacques-Louis David... Kuvannomainen realismi ja muotokuvamaalaus keksitty suurin osa Baloksen teoksia 90-luvulla ja 2000-luvun alussa. Nykyään Balos käyttää ihmishahmoa tuodakseen esiin ihmisen olemassaolon erityispiirteet ja puutteet, mutta ei tarjoa ratkaisuja.

Hänen maalaustensa juonikoostumukset on tarkoitettu katsojan tulkittavaksi itsenäisesti, vasta silloin kankaat saavat todellisen ajallisen ja subjektiivisen merkityksensä. Vuonna 2005 taiteilija muutti Pohjois-Kaliforniaan, jonka jälkeen hänen työnsä laajuus on laajentunut merkittävästi ja sisältää nyt vapaampia maalausmenetelmiä, mukaan lukien abstraktio ja erilaiset multimediatyylit, jotka auttavat ilmaisemaan ideoita ja olemisen ihanteita maalauksen kautta.

Alyssa munkit

Alyssa Monks on amerikkalainen nykytaiteilija. Hän syntyi vuonna 1977 Ridgewoodissa, New Jerseyssä. Hän alkoi kiinnostua maalaamisesta jo lapsena. Opiskeli New Yorkissa New Schoolissa ja valtion yliopisto Montclair, ja valmistuttuaan vuonna 1999 Boston Collegesta, sai kandidaatin tutkinnon. Samanaikaisesti hän opiskeli maalausta Firenzen Lorenzo Medici -akatemiassa.

Sen jälkeen hän jatkoi opintojaan maisteriohjelmassa New Yorkin taideakatemiassa, osastolla Kuvataide, valmistui vuonna 2001. Hän valmistui Fullerton Collegesta vuonna 2006. Jonkin aikaa hän luennoi yliopistoissa ja koulutusinstituutiot valtakunnallisesti, on opettanut maalausta New York Academy of Artissa sekä Montclair State Universityssä ja Lyme Art Academy Collegessa.

"Käyttämällä suodattimia, kuten lasia, vinyyliä, vettä ja höyryä, vääristelen ihmiskehon... Näiden suodattimien avulla voit luoda suuria alueita abstrakti kuviointi, jonka läpi kurkistaa värisaarekkeita - ihmiskehon osia.

Maalaukseni muuttavat nykyaikaista näkemystä kylpevien naisten jo vakiintuneista, perinteisistä asennoista ja eleistä. He voisivat kertoa tarkkaavaiselle katsojalle paljon sellaisista näennäisesti itsestään selvistä asioista kuten uinnin, tanssin ja niin edelleen eduista. Hahmoni painautuvat suihkuikkunan lasia vasten vääristäen oma keho ymmärtäen, että ne siten vaikuttavat pahamaineiseen miesnäkemykseen alastomasta naisesta. Paksut maalikerrokset on sekoitettu jäljittelemään lasia, höyryä, vettä ja lihaa kaukaa. Hämmästyttävät fysikaaliset ominaisuudet tulevat kuitenkin ilmi läheltä. öljyvärimaalaus... Maali- ja värikerroksia kokeilemalla löydän hetken, jolloin abstrakteista vedoista tulee jotain muuta.

Kun aloin maalata ihmiskehoa, innostuin siitä välittömästi ja jopa pakkomielle ja uskoin, että minun oli tehtävä maalauksistani mahdollisimman realistisia. "Tunnistain" realismia, kunnes se alkoi purkaa ja paljastaa ristiriitoja itsessään. Nyt tutkin maalaustyylin mahdollisuuksia ja potentiaalia, jossa edustava maalaus ja abstraktio kohtaavat – jos molemmat tyylit voivat esiintyä rinnakkain, niin minäkin.”

Antonio Finelli

italialainen taiteilija - " Ajan tarkkailija”- Antonio Finelli syntyi 23.2.1985. Tällä hetkellä hän asuu ja työskentelee Italiassa Rooman ja Campobasson välissä. Hänen teoksiaan on ollut esillä useissa gallerioissa Italiassa ja ulkomailla: Roomassa, Firenzessä, Novarassa, Genovassa, Palermossa, Istanbulissa, Ankarassa, New Yorkissa, ja niitä löytyy myös yksityisistä ja julkisista kokoelmista.

Lyijykynäpiirrokset" Ajan tarkkailija”Antonio Finelli vie meidät ikuiselle matkalle läpi sisäinen rauha inhimillinen ajallisuus ja siihen liitetty tämän maailman tarkka analyysi, jonka pääelementti on ajan kulku ja sen iholle jättämät jäljet.

Finelli maalaa muotokuvia kaiken ikäisistä, sukupuolista ja kansallisuudesta riippumatta, joiden ilmeet todistavat ajan kulusta, taiteilija toivoo myös löytävänsä todistusta ajan armottomuudesta hahmojensa ruumiista. Antonio määrittelee teoksensa yhdellä yleisellä otsikolla: "Oma muotokuva", koska lyijykynäpiirroksissaan hän ei vain kuvaa henkilöä, vaan antaa katsojan pohtia ihmisen sisällä tapahtuvan ajan kulumisen todellisia tuloksia.

Flaminia carloni

Flaminia Carloni on 37-vuotias italialainen taiteilija, diplomaatin tytär. Hänellä on kolme lasta. Hän asui Roomassa kaksitoista vuotta, Englannissa ja Ranskassa kolme vuotta. Valmistunut taidehistorian tutkinnosta BD School of Artista. Sitten hän sai taideteosten restauraattorin diplomin. Ennen kuin hän löysi kutsumuksensa ja omistautui täysin maalaamiseen, hän työskenteli toimittajana, koloristina, suunnittelijana ja näyttelijänä.

Flaminia innostui maalaamisesta jo lapsena. Hänen päämediansa on öljy, koska hän pitää "coiffer la patesta" ja leikkii myös materiaalilla. Hän oppi samanlaisen tekniikan taiteilija Pascal Toruan teoksista. Flaminia on saanut inspiraationsa upeista maalareista, kuten Balthus, Hopper ja François Legrand, sekä erilaisista taiteellisista liikkeistä: katutaide, kiinalainen realismi, surrealismi ja renessanssirealismi. Hänen suosikkitaiteilijansa on Caravaggio. Hänen unelmansa on löytää taiteen terapeuttinen voima.

Denis Tšernov

Denis Chernov - lahjakas ukrainalainen taiteilija, syntyi vuonna 1978 Samborissa, Lvivin alueella, Ukrainassa. Valmistuttuaan Harkovista taidekoulu vuonna 1998 hän asui ja työskentelee Kharkovissa. Hän opiskeli myös Kharkovissa valtion akatemia suunnittelu ja taiteet, grafiikan osasto, valmistui vuonna 2004.

Hän osallistuu säännöllisesti taidenäyttelyitä, päällä Tämä hetki yli kuusikymmentä niistä tapahtui sekä Ukrainassa että ulkomailla. Suurin osa Denis Tšernovin teoksista on säilytetty yksityisissä kokoelmissa Ukrainassa, Venäjällä, Italiassa, Englannissa, Espanjassa, Kreikassa, Ranskassa, USA:ssa, Kanadassa ja Japanissa. Osa teoksista myytiin Christie'sille.

Denis työskentelee laajan valikoiman graafisia ja maalaustekniikat... Lyijykynäpiirrokset ovat yksi hänen suosikkimaalausmenetelmistään, myös lyijykynäpiirustusten aihelista on hyvin monipuolinen, hän kirjoittaa maisemia, muotokuvia, alastonkuvia, genren sävellyksiä, kirjojen kuvituksia, kirjallinen ja historiallisia jälleenrakennuksia ja fantasiaa.