Teatterin historia juontaa juurensa antiikin Kreikkaan yli kaksituhatta vuotta sitten. Vanhin taide sai alkunsa näyttävänä viihteenä yleisölle, pukeutuneiden näyttelijöiden juhlakohtauksina. Esitykset ajoitettiin alun perin samaan aikaan Suuren Dionysioksen, suuren uskonnollisen juhlan, kanssa.

Nyt teatteri on epäilemättä jotain enemmän kuin laulavien vuohennahkaisten miesten kulkue kaupungin halki. Hän tuli korkea taide, tapa korkean yhteiskunnan virkistykseen, kulttuurisen valaistumisen paikka. Teatterin historia on kiehtova kehitysprosessi, joka jatkuu tähän päivään asti. Kerromme lukijalle artikkelissamme. Löydät myös monia mielenkiintoisia faktoja esitetystä materiaalista. Joten aloitetaan.

alkaa

Ateena 500-luvulla eKr. e. teatteriesitykset olivat olennainen osa uskonnollisia vapaapäiviä. Kulkueita Dionysoksen patsaan kanssa seurasivat iloiset laulut ja dramaattiset pelit. Voimme sanoa, että Ateenan teatterin historia alkoi amatööriesityksenä pieni määrä katsojia. Aluksi lavastettiin vain tragedioita, komediaa alettiin näyttää myöhemmin. On huomionarvoista, että näytelmät esitettiin yleensä vain kerran. Tämä innosti tekijöitä luomaan merkityksellisiä, mielenkiintoisia teoksia. Näytelmäkirjailija ei vain kirjoittanut näytelmää, hän oli täysivaltainen osallistuja esitykseen, toimien ohjaajana, säveltäjänä, koreografina ja jopa näyttelijänä. Luonnollisesti nämä olivat poikkeuksellisen lahjakkaita ihmisiä.

Mutta tullakseen choregiksi (kuoron johtajaksi) suurta lahjakkuutta ei vaadittu. He tarvitsivat vain rahaa ja yhteyksiä valtion virkamiehiin. Koregin päätehtävä oli maksaa laskut valmiina aineellista tukea ja teatterituki. Se oli siihen aikaan kilpailupaikka, jonka voittivat koreg, runoilija ja päähenkilö. Voittajat kruunattiin muratilla ja palkittiin palkinnoilla. Voitto annettiin heille tuomariston päätöksellä.

Mielenkiintoinen tosiasia on, että muinaiset roomalaiset olivat todellisia realismin faneja. Tuotantoa pidettiin ihanteellisena, jossa näyttelijä tottui rooliin 100-prosenttisesti - tarvittaessa hänen oli oltava valmis jopa kuolemaan.

Kreikkalaisessa teatterissa ei ollut kattoa, yleisö ja näyttelijät olivat itse asiassa kadulla. Muinaisten teattereiden koko oli valtava, niihin mahtui 17-44 tuhatta ihmistä. Aluksi yleisö istui puisilla tasanteilla, sitten luonnonkivirinteet mukautettiin teatteriin. Ja vasta sitten, IV vuosisadalla eKr. e. rakennettiin kiviteatteri.

Olet luultavasti kiinnostunut tietämään, että hallitus Perikleestä alkaen mahdollisti myös taloudellisesti heikossa asemassa oleville kansalaisille vierailla teatterissa ja liittyä kauniiseen. Tätä varten kullekin myönnettiin tukea yhdelle teatterikäynnille ja jatkossa kolmelle käynnille.

Tarina antiikin teatteri on yksi näkyvä ominaisuus: näyttelijät esittivät roolinsa ilman omien ilmeensä apua. Se korvattiin kaikenlaisilla naamioilla, usein hyvin groteskeilla. Näyttelijä kiinnitti paljon huomiota kehon liikkeisiin, vaatteisiin. Näyttelijät olivat jopa miehiä naisrooleja. Heillä oli etuoikeutettu asema yhteiskunnassa ja he olivat vapautettuja veroista.

Mielenkiintoinen tosiasia on, että Livy Andronicuksesta, muinaisesta roomalaisesta näytelmäkirjailijasta, tuli maailman ensimmäisen "äänitteen" isä. Hän jäi ilman ääntä, mutta selvisi tilanteesta etsimällä pojan, joka puhui hänen puolestaan.

Jotkut antiikin teatterin termit

Monet muinaisissa teattereissa käytetyt määritelmät ovat säilyneet nykypäivään. Alla esitellään pieni muinaisten aikojen termien sanakirja:

• Orkesteri - teatterin pyöreä osa, jossa on kaksi sisäänkäyntiä, suunniteltu dramaattisten ja lyyristen kuorojen esittämiseen. Ateenalaisessa teatterissa sen halkaisija oli 24 metriä.
• Skene on vaatteiden vaihtopaikka. Se oli alun perin yksinkertainen teltta, joka yhdistettiin sitten sirpaleilla koriste kohtauksia esimerkiksi taustalla.
• Proskenium - pylväikkö skenen edessä.
• Paraskenium - sivurakennukset kivistä.
• Stage - kukkula orkesterin yläpuolella, jossa näyttelijät alkoivat soittaa myöhään antiikin aikana.
• Ekkiklema on puusta valmistettu mobiilialusta, jonka avulla voit muuttaa kohtausta ja liikuttaa näyttelijöitä lavalla.
• Koturny - korkeapohjaiset kengät, jotka muistuttavat puujaloja. Tällaisten kenkien avulla näyttelijöistä tuli pidempiä, vaikuttavampia ja myyttisten olentojen kaltaisia.

Merkittävä tosiasia on, että sana "Finita la commedia" lausuttiin ensimmäisen kerran Roomassa.

Nuket teatterimaailmassa

Nukketeatterin historia juontaa juurensa Egyptistä, jossa papit käyttivät jumalan Osiriksen nukkea rituaalisten toimien suorittamiseen. Aluksi nukketeatteri oli vain rituaalia ja rituaalia, mutta nyt uskonnollinen konnotaatio on haalistunut. Tunnettuja rituaali- ja rituaalinukketeattereita on monissa maissa: Japanissa (Bunraku), Indonesiassa (Wayang), Kataloniassa (El Pastores), Valko-Venäjällä (Batleika) ja muissa maissa.

Amerikan nukketeatterin historiasta erottuu vuonna 1962 perustettu teatteri nimellä "Bread and the Doll". Siinä on jättimäisiä papier-mâché-nukkeja, ilmeisiä poliittisia sävyjä ja herkullisia leipäherkkuja sisäänkäynnillä. Tällainen toimijoiden ja katsojien välinen vuorovaikutus on symbolista: teatteritaiteen tulee olla mahdollisimman lähellä ihmistä.

Nuket vaihtelevat kooltaan ja ulkonäöltään. Siellä on sormi ja hanska, keppi ja tabletti, nukkeja ja jättiläisnukkeja. Nukketeatterissa näyttelijänä oleminen ei ole niin helppoa, koska sinun on kyettävä herättämään henkiin eloton esine, varustaa se luonteella ja äänellä.

Minkä tahansa nukketeatterin tyypillinen piirre on jonkin pilkkaaminen, moraalin läsnäolo, opettava elementti kohtauksissa. Huolimatta siitä, kuinka vanha nukketeatterin katsoja on, hän löytää sieltä paitsi nauramisen, myös ajattelemisen aihetta. Usein nukketeatterin sankarit ovat epämiellyttäviä, jopa rumia hahmoja, esimerkiksi French Open koukussa nenä.

Olet todennäköisesti kiinnostunut tietämään, että näyttelijät eivät aina ole rikkaita ihmisiä. Amerikan nukketeatterin historiassa on faktoja, että teatterivieraat saattoivat nähdä tuotannon vastineeksi ruuasta.

Draama

Draamateatterin historia juontaa juurensa muinaisiin ajoiin. Tämä on yksi taiteen muodoista nukketeatterin, pantomiimin, oopperan ja baletin ohella. Draamateatterin tärkein erottuva piirre on, että näyttelijän toimet yhdistetään hänen lausumiinsa sanoihin. Lavapuheeseen kiinnitetään erityistä huomiota tässä genren vaihtelussa. Draamaesityksen perusta on näytelmä. Näyttelijäprosessissa improvisaatio on mahdollista, toimintaan voi sisältyä tanssia, laulua. Näytelmä perustuu kirjallinen työ. Näytelmän tai käsikirjoituksen päätulkki on ohjaaja.

Merkittävää on se, että teatterityöntekijät uskovat, ettei käsikirjoituksen luopuminen ole hyvästä. Jos tämä ongelma tapahtui, sinun on ehdottomasti istuttava sen päällä.

Kotimaisten teatteriperinteiden synty

Venäjän teatterin historia on jaettu vaiheisiin:

• Alkuperäinen ("leikkisä").
• Keskiverto.
• Kypsä.

Leikkisä lava

Kuten muinaisessa Roomassa, teatterin historia Venäjällä alkoi ei aivan vakavana ammattina. Teatteriesityksiä kutsuttiin "hauskoiksi" ja esityksiä "peleiksi". Ensimmäinen maininta puhveista juontaa juurensa vuodelta 1068. Itse asiassa kenestä tahansa voi tulla niin viihdyttävä näyttelijä. Uskonnon näkökulmasta äijän toiminta oli häpeällistä. Aikakirjoissa heitä kutsutaan paholaisen palvelijoiksi, ja pilkkaaminen, satiiri ja naamiointi ovat syntejä. Kirkko ei ottanut terävää satiiria tervetulleeksi, mutta se ei kuitenkaan estänyt ketään erityisesti.

Huijausta ei myöskään pidetty viranomaisia ​​miellyttävänä taiteena, päinvastoin sketsien terävät sosiaaliset teemat, nykyajan puutteiden pilkkaaminen teki näyttelijöistä vaarallisia ja haitallisia. Mutta ihmiset rakastivat katsomaan ja nauramaan äijän esityksiä. On kuitenkin ymmärrettävä, että klassinen teatteri, sellaisena kuin me sen nyt tunnemme, ei ole kasvanut näistä ällöttävästä kohtauksesta, vaan niistä riippumattomasti, jopa pikemminkin niistä huolimatta.

keskivaihe

Seuraava vaihe venäläisen teatterin historiassa on leikkisän ja kypsän välivaihe. Tässä vaiheessa hovimies ja koulun teatterit. Tuolloin hallitsi tsaari Aleksei Mihailovitš, hoviteatterin näyttelijät olivat ulkomaalaisia, kouluteatteri oli opiskelijoita. Aleksei Mihailovitšin kuoleman jälkeen hoviteatterin toiminta pysähtyi, kunnes Pietari I nousi valtaan. Hän suhtautui positiivisesti "spektaakkeleihin", mutta viihteen ohella hän sai myös propagandatehtävän. Vuonna 1702 ilmestyi teatteri massoille - julkinen. Sen rakennusta kutsuttiin "Komediatemppeliksi", jossa saksalainen ryhmä piti esityksiä. Kansa ei hyväksynyt tätä teatteria. Vaikka Pietari I ei saavuttanut tavoitettaan, ei tehnyt teatterista ihmisten suosikkipaikkaa, julkista ja suosittua, mutta hän asetti kaikki tarvittavat edellytykset tälle.

Kypsä vaihe teatteritaiteen historiassa

Tämä ajanjakso Venäjän teatterin luomisen historiassa on tärkein. Tässä vaiheessa teatteri alkoi hankkia nykyajan ihmiselle tuttuja piirteitä ja muotoutui vakavassa ammattiyhteisössä. 30. elokuuta 1756 aloitettiin, nimittäin keisarillinen teatteri avattiin. Sama päivämäärä on Pietarin Aleksandrinski-teatterin perustamispäivä. Se tapahtui Elizabeth Petrovnan johdolla.

Tuon ajan teatterin piirre oli samanaikainen osallistuminen sekä venäläisten että venäläisten tuotantoihin ulkomaisia ​​taiteilijoita. Tässä vaiheessa roolien suorittaminen uskottiin ensin paitsi miehille, myös naisille. Katariina II piti teatteria erittäin tärkeänä, hänen alaisuudessaan Pietarissa oli kolme ryhmää, ja tämän alan kehittämiseen käytettiin upea määrä rahaa.

Valtion kehityksen lisäksi Katariina kiinnitti huomiota aateliston yksityisiin teattereihin, siellä oli esimerkiksi Šeremetjevin, Volkonskyn, Rumjantsevin teatteri. Jopa maakuntiin perustettiin omat isäntäryhmänsä. Venäläistä teatteria rakennettiin, nimittäin itse tuotannot ranskalaisten kollegoidensa mallien pohjalta. Ranskalaisen näyttelijäkoulun johdossa oli I. A. Dmitrevsky, joka kasvatti useamman kuin yhden sukupolven erinomaisia ​​näyttelijöitä.

Tiesitkö?

Esittelemme lukijalle lisää hauskoja faktoja teatteritaiteen historiasta.

Puškinin eläessä Venäjän teatterit eivät olleet täysin istuvia. Takariveissä seisoivat ihmiset jaloillaan koko esityksen ajan.

Venäjän teatteritaiteen historian maamerkkinäytelmä on D. I. Fonvizinin "Undergrowth", josta tuli ensimmäinen yritys pilata virkamiehiä, aatelisia, tyypillisiä 1700-luvun hahmoja. Staroduma ( positiivinen luonne) oli ensimmäinen, joka soitti vain edellä mainittua Dmitrevskyä.

Vuonna 1803 keisarilliset teatterit jaettiin. Dramaattinen ja musiikkiryhmä, ooppera ja baletti musikaalin osana. Ranskalaisen soittokoulun dominanssi venäläisellä näyttämöllä kesti 1800-luvulle asti. Silloin venäläinen teatteri nousi vihdoin jaloilleen ja kulki omaa tietä. Hyväksytystä kokemuksesta tuli hyvä perusta, ja uusien lahjakkaiden venäläisten säveltäjien, näyttelijöiden ja tanssijoiden löytäminen nosti teatterin korkealle tasolle.

P. N. Arapov kuvasi ensimmäisenä koko venäläisen teatterin historian yhdessä tietosanakirjassa - "Venäjän teatterin kronikat". Teatterilehtiä ja ammattikriitikkoja ilmestyy. Siten teatterin kehitys antoi sysäyksen muun muassa venäläiselle kirjallisuudelle.

Moskovan kuuluisin teatteri

Bolshoi-teatterin historia alkaa 28. maaliskuuta 1776. Tänä päivänä keisarinna Katariina II allekirjoitti Moskovassa prinssi Peter Urusoville "etuoikeuden", jonka ansiosta hän voi ylläpitää teatteria kymmenen vuoden ajan. Sitä kutsuttiin aluksi Petrovsky-teatteriksi (sisäänkäynnin kadun kunniaksi). Vuonna 1805 rakennus paloi kokonaan, arkkitehti Osip Bove loi uusi projekti. Vuonna 1820 aloitettiin rakentaminen, joka kesti 5 vuotta.

Rakennetusta teatterista tuli suurempi, mistä se sai nimensä. Tämä kaunis, harmoninen, rikas rakennus miellytti Moskovan asukkaita vuoteen 1853 asti, jolloin toinen tulipalo syttyi. Tällä kertaa jälleenrakennus uskottiin arkkitehti Albert Kavosin tehtäväksi. Teatteri kunnostettiin jo vuonna 1856. Keisarillinen Bolshoi-teatteri tuli tunnetuksi paitsi Venäjällä, myös maailmassa: sillä oli erinomainen akustiikka. Vuonna 1917, vallankumouksen jälkeen, nimi muutettiin valtion Bolshoi-teatteriksi. Sisustus täydennettiin Neuvostoliiton symboleilla.

Hän loukkaantui vakavasti suuren isänmaallisen sodan aikana tarttuessaan pommiin. Rakennus kunnostettiin uudelleen. Vuoteen 1987 asti rakennuksessa tehtiin vain pieniä kosmeettisia korjauksia. Nyt Bolshoi-teatteri on rakennus uusi kohtaus jossa voit käyttää moderneja tehosteita. Samalla se on säilyttänyt klassisen arkkitehtuurin hengen, "allekirjoitetun" akustiikkansa, mikä antaa sille oikeuden pitää yhtenä maailman parhaista teattereista. Tämä on Bolshoi-teatterin historia.

Ja lopuksi vielä yksi, ei vähemmän mielenkiintoinen tosiasia. Elokuvat, jotka sijoitetaan kokonaan tai osittain teatteriin: Birdman, Katastrofiartisti, La La Land, Oopperan kummitus, Tarinan burleski, Knockout, Bumping Broadway, Musta joutsen, "Nukketeatteri", "Kauhean suuri seikkailu" , "Rakastunut Shakespeare", "Murha pikkukaupungissa", "Orfevre Quay".

Teatterin historia (draama ja muut tämän taiteen genret) kehittyy edelleen, sillä kiinnostus sitä kohtaan on pysynyt muuttumattomana yli kaksituhatta vuotta.

Kenelle tahansa moderni mies teattereista on tullut olennainen osa suunniteltua kulttuuritoimintaa. Ja monet ovat kiinnostuneita teatterin syntyhistoriasta, koska oli aika, jolloin teattereita ei ollut? On vaikea muistaa, milloin se oli, koska ensimmäiset teatterit ilmestyivät primitiivisissä yhteisöissä.

Noina kaukaisina aikoina ihmiset eivät vieläkään ymmärtäneet, miksi satoi, miksi yhtäkkiä kylmeni ja kuinka he olivat syyllisiä Kaikkivaltiaan edessä, että hän lähetti lunta tai rankkasadetta. Jotta mikään ei uhannut heitä, he yrittivät pitää teatteriseremonian ennen jokaista tärkeää tapahtumaa. Tieto tällaisista tapahtumista antoi meille mahdollisuuden ymmärtää, miten teatteri ilmestyi ja miksi siihen kiinnitettiin niin paljon huomiota.

Primitiivistä moderniin

Alkukantainen teatteri ei tietenkään ollut sellainen nykytuotannot. Tässä ei ollut kysymys ammattitaidosta tai lahjakkuudesta - ihmiset yrittivät teatralisoida tapahtumat sellaiseksi kuin he kokivat, panivat sielunsa ja kaikki kokemuksensa jokaiseen tapahtumaan. He uskoivat vilpittömästi, että mitä tunteellisemmin he pystyivät esittämään omistautumisensa, sitä parempi sato olisi esimerkiksi. Kaikkea tätä seurasi improvisoitu musiikki ja laulut.

Myöhemmin, jossain kolmannella vuosituhannella eKr. Egyptissä pidettiin jo järjestäytyneempiä teatteriesityksiä käsityöläisten ja maanviljelijöiden suojelijasta. Kreikasta tuli karnevaaliesityksiä, jotka järjestettiin pääasiassa ulkoilmassa. Kansanteatterit olivat suosittuja täällä. Näyttelijöiden piti melkein aina käyttää naamioita.

Renessanssi - tänä aikana lavastettiin pääasiassa komediaesityksiä. Ne järjestettiin kaupungin aukioilla, ja paljon ihmisiä kokoontui katsomaan spektaakkelia.

Jossain 1500-luvun lopulla. - 1600-luvun alussa maailma tunnusti oopperan, ja vasta myöhemmin, 1700-luvun puoliväliin mennessä, baletti ilmestyi, ensimmäiset operetit ilmestyivät vasta 1800-luvun puolivälissä.

Viime vuosien tuotanto tänään

Puhuessamme 1700- ja 1800-luvun teatterista, puhumme jo esityksistä ja tuotannoista, joissa lahjakkaat näyttelijät osallistuivat. Ne lavastettiin ja teatterit itsessään erosivat radikaalisti primitiivisistä ja renessanssista. Joten 1800-luvun lopusta lähtien meille tuli upea Pähkinänsärkijä-baletin tuotanto. Ja niinä päivinä ja nyt eivät olleet kaikkien saatavilla. Tämä johtuu tietysti tuotannon suuresta ja jatkuvasti kasvavasta suosiosta. Jos aiemmin vain eliittillä, jaloilla naisilla ja herroilla oli varaa sellaiseen ylellisyyteen kuin teatteri, nyt ne ovat kaikkien saatavilla. Lipuista huolimatta ihmiset etsivät edelleen vaihtoehtoisia tapoja ostaa lippuja. Voit siis tilata niitä esimerkiksi nettisivuiltamme. Tämä säästää sinut jonoilta ja odottamattomilta epämiellyttäviltä tilanteilta.

Nykyään teatteri on saanut toisenlaisen ilmeen. Siitä on tullut symboli ja ylpeys jokaisessa maassa. Arkkitehtoniset kokoonpanot, koristeellinen suunnittelu ja tilavat salit, muotokuvia kuuluisista runoilijoista, ohjaajista ja teatterintekijöistä koristavat yleensä aina salia. Käytössä nykyaikainen kohtaus näemme usein esityksiä, jotka lavastettiin ensimmäistä kertaa tsaarin aikana. Kyllä, niitä on muokattu, ehkä joitain on tehty enemmän todellisia tapahtumia, ja jossain taiteelliset johtajat päättivät lisätä musiikillisen säestyksen yhdistämällä oopperan balettiin. Mutta silti tämä vahvistaa, että teatteri on aina ollut olemassa menneisyydessä, ja tulevaisuudessa se kiinnittää yleisön huomion, vaikka lavalla esitetään viime vuosisadan esitys - tämä on historiamme ja monille se on tärkeä osa kulttuurin ja perinteiden muodostumista.

Nykyihminen aliarvioi joskus teatteria ja tekee valintansa elokuvan hyväksi. Teatteritaiteeseen voi kuitenkin verrata vähän. Venäläinen teatteri on kulkenut pitkän tien perustamisestaan ​​yhden maailman parhaiden tittelin saamiseen. Kutsumme sinut muistelemaan sen syntyhistoriaa yhdessä kanssamme.

Venäjällä teatteritaide alkoi kehittyä paljon myöhemmin kuin useimmissa Euroopan ja Aasian maissa. Mutta samaan aikaan esityksiä pitäneet buffoonit sekä katumuusikot, jotka kertoivat eeposista ja legendoista, kiersivät modernin Venäjän alueella.

Luoja ensimmäinen, voidaan sanoa ammattiteatterista nimeltä "Komediakartano" pidettiin yhtenä dynastian ensimmäisistä kuninkaista Romanov Aleksei Mihailovitš. Kuitenkin hänen kuolemansa jälkeen kirkkomiehet, jotka olivat tyytymättömiä kuoroon, tuhosivat teatterin.

Samaan aikaan varakkaat maanomistajat alkoivat perustaa omia teattereitaan, joissa maaorjat pelasivat. Teatterin vakava suojelija oli Pietari I. Jossa Venäjän keisari vaati, että esitykset ovat venäjän kielellä ja "ei liian vakavia, eivät liian hauskoja, joilla ei ole rakkaussuhteita ja että ne eivät olisi liian surullisia".

Pietarin kuoleman jälkeen hallitsijat eivät enää tukeneet teatteritaidetta ja vasta valtaan tullessaan Anna Ioannovna se sai jälleen valtion tukea.

Luomisen historia valtion teatteri Venäjällä useimpien asiantuntijoiden mukaan alkoi aatelin perustamisesta kadettijoukot, jossa perustettiin ensimmäiset teatteristudiot ja aatelisten lapsille opetettiin näyttelemistä. Samaan aikaan ilmestyi ensimmäinen ammattiteatteri Venäjällä Jaroslavl kauppias Fjodor Volkovin ryhmän pohjalta.

Ajan kanssa venäläinen teatteri parantunut ja saanut faneja eri väestöryhmistä.

Bolshoi-teatteri: luomisen historia

Bolshoi-teatteri, joka sijaitsee aivan Moskovan keskustassa, kantaa oikeutetusti taiteen temppelin ja maailmankuulun ooppera- ja balettiteatterin nimeä. On huomionarvoista, että Bolshoi-teatterilla on kaksi "syntymäpäivää" - maaliskuu 1776 ja tammikuu 1852. Mutta silti ensimmäistä treffia pidetään yleisesti hyväksyttynä päivämääränä.

Aluksi Bolshoi-teatteri rakennettiin Petrovsky-aukiolle, ja sen vuoksi sitä kutsuttiin Petrovskiksi. Teatterin perustaja on ruhtinas Pjotr ​​Vasilyevich Urusov, joka sai Katariina II:lta korkeimman luvan konserttien, teatteriesitysten ja naamiaisten sisältöön.

Valitettavasti Petrovsky-teatteri paloi maan tasalle jo ennen sen avaamista, mikä pahensi huomattavasti Urusovin asemaa. Prinssi luovutti asiat englantilaiselle Michaelille Medox joka on ollut hänen kumppaninsa pitkään. Medoxin Petrovski-teatteri seisoi 25 vuotta, jonka aikana se myös poltti toistuvasti ja koki tulvia.

Sitten, vuonna 1821, Bolshoi-teatterin perusrakennuksen rakentaminen aloitettiin Andrein suunnittelun mukaan. Mihailova ja Osip beauvais joka kesti neljä vuotta.

Siitä lähtien kaikista sodista, tulipaloista ja muista kataklysmeistä huolimatta pääkaupungin sydämeen on noussut kahdeksanpylväinen teatteri Apollon vaunuineen, joka symboloi elämän ja taiteen ikuista liikettä.

Bolshoi-teatterin rakennus sisällä ei ole yhtä upea kuin ulkopuolella. Viisikerroksinen auditorio, iso lava, uskomaton akustiikka, seinämaalaukset katossa, kullattu stukko, monikerroksinen kristallikruunu valtava koko Bolshoi-teatterin sisustuksen muut loistot hämmästyttivät useaan otteeseen mielikuvitusta ja inspiroivat näytelmäkirjailijoita, näyttelijöitä, tanssijoita, laulajia, säveltäjiä ja muusikoita.

Bolshoi-teatterin lavalla syttyivät suurten venäläisten baleriinien, laulajien, koreografien, muusikoiden, säveltäjien, näyttelijöiden ja muiden luovien ammattien edustajien tähdet. Lisäksi suuret ulkomaiset taiteilijat kohtelivat erityisellä jännityksellä ehdotuksia esiintyä Bolshoi-teatterissa.

Ensimmäisenä näyttelijänä pidetään kreikkalaista Thesipusa, joka voitti runollisen kilpailun Dionysoksen kunniaksi.

III vuosisadalla eKr. Kreikkalaisen teatterin innoittamana roomalaiset loivat omia versioitaan antiikin kreikkalaisista näytelmistä ja esittivät ne improvisoiduilla näyttämöillä. Näissä esityksissä näyttelijät olivat orjia. Naiset saivat vain leikkiä pienet roolit. Kun roomalaisten teattereiden piti kilpailla gladiaattoritaisteluihin, julkisiin teloituksiin ja vaunukilpailuihin tottuneiden yleisöjen huomiosta, näytelmissä oli yhä enemmän väkivaltaisia ​​kohtauksia ja karkeaa huumoria. Kristinuskon leviämisen myötä tällaiset ajatukset loppuivat.

Keskiajan teatterin syntyminen

Myöhemmin mysteerit alkoivat esiintyä muiden uskonnollisten juhlapyhien aikana esittäen erilaisia ​​​​raamatullisia tarinoita.

Renessanssin teatteri

Vuonna 1576 Lontooseen rakennettiin ensimmäinen teatterirakennus, sitä ennen kaikki näytelmät esitettiin hotelleissa, messulavalla tai linnan ja aatelistalojen hallien keskellä. Englannin kuningatar Elisabet I holhosi teatteritaidetta, hänen nimeään kantavalla aikakaudella ilmestyivät ensimmäiset ammattinäytelmäkirjailijat, joista tunnetuin on mahtava Shakespeare, näyttelijät, perinne käyttää rekvisiittaa ja vaihtaa pukua esityksen aikana. Klassinen teatteri muodostui lopulta 1700-luvun puolivälissä.

Matryoshka-nukkeja pidetään alun perin venäläisenä matkamuistona ja siksi ne ovat niin suosittuja matkailijoiden keskuudessa, jotka tulevat Venäjän federaatioon eri maat. Sitäkin mielenkiintoisempaa on se, että näillä puisilla maalatuilla tyylikkäiden kaunokaisten hahmoilla, jotka investoivat toisiinsa, on kaukana venäläisistä juurista.

Ensimmäinen venäläinen matryoshka

Iloisen, pyöreänaamaisen venäläisen tytön prototyyppi klassisissa pesänukeissa ruumiillistuneena tuotiin Venäjälle Japanista 1800-luvun alussa. Matkamuisto auringon maasta oli japanilaisen viisaan Fukurumin puinen pesähahmo. Ne oli kauniisti maalattu ja tyylitelty modernin matryoshkan kotimaan perinteiden hengessä.

Kerran Moskovan lelupajassa japanilainen matkamuisto inspiroi paikallista sorvaaja Vasily Zvezdochkinia ja taiteilija Sergei Maljutinia luomaan samanlaisia ​​leluja. Käsityöläiset koneistivat ja maalasivat samanlaisia ​​sisäkkäin pesiviä hahmoja. Japanilaisen matkamuiston ensimmäinen analogi oli tyttö huivissa ja aurinkomekossa, myöhemmät pesimänuket kuvasivat söpöjä hauskoja lapsia - poikia ja tyttöjä, viimeiseen, kahdeksanteen pesimänukkeun piirrettiin kapaloitu vauva. Todennäköisesti se sai nimensä tuolloin laajalle levinneen naisnimen Matryona kunniaksi.

Sergiev Posad pesiviä nukkeja

Moskovan työpajan sulkemisen jälkeen vuonna 1900 Sergiev Posadissa harjoitus- ja esittelytyöpajassa käsityöläiset ryhtyivät valmistamaan matryoshkoja. Tämän tyyppinen kansankäsityö on yleistynyt, Moskovasta Posadiin muuttaneiden Bogoyavlenskyjen, Ivanovien, Vasily Zvezdochkinin työpajat ilmestyivät lähellä pääkaupunkia.

Ajan myötä tämä matkamuistolelu saavutti niin suuren suosion, että ulkomaalaiset alkoivat tilata sitä venäläisiltä mestarilta: ranskalaisilta, saksalaisilta jne. Tällaiset pesimänuket eivät olleet halpoja, mutta ihailtavaa oli! Näiden puisten lelujen maalauksesta tuli värikäs, koristeellinen ja monipuolinen. Taiteilijat kuvasivat venäläisiä kauniita tyttöjä pitkissä sundresseissä ja maalatuissa huiveissa kukkakimpuilla, koreilla ja solmuilla. 1900-luvun alussa aloitettiin matryoshka-nukkejen massatuotanto ulkomaille.

Myöhemmin ilmestyi maskuliinisia pesänukkeja, jotka kuvaavat paimentyttärejä huilun kanssa, viiksiisiä sulhasia, parrakkaita vanhuksia kepeillä jne. Puiset lelut järjestettiin useiden periaatteiden mukaan, mutta kuvio oli yleensä väistämättä jäljitetty - esimerkiksi pesivien nukke-sulhanen pariksi pesivien nukke-morsiamen ja sukulaisten kanssa.

Pesiviä nukkeja Nižni Novgorodin maakunnasta

Lähempänä 1900-luvun puoliväliä matryoshka levisi kauas Sergiev Posadista. Niinpä Nižni Novgorodin maakunnassa ilmestyi käsityöläisiä, jotka tekivät pesänukkeja hoikkien pitkien tyttöjen muodossa kirkkaissa puolihuiveissa. Ja Sergiev Posadin käsityöläiset tekivät nämä lelut kyykkympien ja rehevien nuorten naisten muodossa.

Nykyaikaiset pesimänuket

Matryoshkaa pidetään edelleen yhtenä venäläisen kulttuurin symboleista. Nykyaikaisia ​​pesimänukkeja valmistetaan useissa genreissä: klassisten piirustusten lisäksi niihin on sijoitettu muotokuvia kuuluisista poliittisista henkilöistä, TV-juontajista, elokuva- ja poptähdistä.

Sergiev Posadissa, Lelumuseossa, on 1900-luvun alun ja puolivälin eri mestareiden matryoshka-nukkekokoelmia sekä ensimmäinen maalattu matryoshka-nukke. kuuluisa taiteilija Sergei Maljutin.

Liittyvät videot

Konflikti on vastakkaisten mielipiteiden, etujen ja näkemysten yhteentörmäys. Se on suunniteltu vastaamaan tarpeisiin. AT konfliktitilanne kumpikin osapuoli pyrkii saavuttamaan tavoitteensa ja ratkaisemaan ongelmansa.

Perhekonfliktin tärkeimmät syyt: - tyydyttämätön itsetunnon tarve; - puolisoiden halu toteuttaa henkilökohtaiset tarpeet avioliitossa; - kyvyttömyys kommunikoida keskenään; - liialliset aineelliset kunnianhimot; - paisunut itsetunto; - koulutusta koskevien näkemysten ristiriita; - ristiriita ajatuksissa aviomiehen, vaimon, isän, äidin ja niin edelleen roolista;- eri tyyppejä temperamentti; - haluttomuus käydä vuoropuhelua; - toisen puolison seksuaalinen kylmyys; - kateus toista puolisoista kohtaan - aviorikos; - huonot tavat. Johdon asiantuntijat tunnistavat seuraavat konfliktien syyt ryhmissä: 1. Rajalliset resurssit. Aineelliset, taloudelliset ja työvoimaresurssit ovat aina rajalliset. Esimiehen tehtävänä on jakaa ne optimaalisesti organisaation eri rakenneosien kesken. Mutta koska tämä on melko vaikeaa tehdä jakelukriteerien ehdollisuuden vuoksi, niin rajalliset resurssit johtavat väistämättä monenlaisiin konflikteihin.2. Tehtävien keskinäinen riippuvuus. Kaikki yritykset koostuvat toisistaan ​​riippuvaisista elementeistä, eli yhden työntekijän työ riippuu toisen työstä. Jos yksittäinen työntekijä tai yksi yksikkö toimii sopimattomalla tavalla, tämä keskinäinen riippuvuus voi muodostua konfliktin syyksi.3. Erot käsityksissä, tavoitteissa ja arvoissa. Yleensä organisaatiorakenteissa tapahtuu ajan mittaan erikoistumisprosessia eli toimintaa kapealla alueella. Tämän seurauksena entiset rakennejaostot alkavat jakautua pienempiin erikoisyksiköihin. Tällaiset rakenteet muotoilevat uusia tavoitteita ja alkavat keskittyä niiden saavuttamiseen, mikä lisää konfliktien todennäköisyyttä.4. Erot sisällä elämänkokemusta ja käytös. Ihmiset ovat erilaisia. On liian aggressiivisia, autoritaarisia persoonallisuuksia, jotka ovat välinpitämättömiä muita kohtaan. Nämä ovat niitä, jotka useimmiten provosoivat konflikteja. Erot kokemuksessa, koulutuksessa, palveluksessa, iässä lisäävät yhteenottojen mahdollisuutta.5. Huono viestintä. Konflikteja voi ruokkia informaatiotulva, huono Palaute, viestien vääristyminen. Juorut tiimissä tekevät konfliktista erityisen kiireellisen. Ne voivat toimia katalysaattorina ja häiritä yksittäisiä työntekijöitä ymmärtää todellista tilannetta. Muita yleisiä tiedonsiirron ongelmia ovat työntekijöiden riittämättömästi selkeästi muotoillut työvelvollisuudet, toisensa poissulkevien työn vaatimusten esittäminen.

Lähteet:

• Konfliktit tiimissä: hyvä tai huono

Vinkki 4: Sukunimesi alkuperä: kuinka saada selville historia

Jokainen arvostaa sukunimeään. Jokainen ihminen haluaa ennemmin tai myöhemmin paljastaa alkuperänsä salaisuuden. Selvitämme, mitä asiantuntijat tekevät paljastaakseen sukunimen alkuperän salaisuuden.

Teatterin historia on ihmiskunnan maailma

Muinaisen Kreikan teatteri

Muinaisen kreikkalaisen draaman ja teatterin alkuperä.

Draaman ilmestymistä Kreikassa edelsi pitkä jakso, jonka aikana eepos ja sitten lyriikka olivat ensin hallitsevassa asemassa. Me kaikki tunnemme Iliaksen ja Odysseian runsaat sankarieepiset runot, Hesiodoksen (7. vuosisata eKr.) didaktiset (opettavat) eeppiset runot; Nämä ovat 6. vuosisadan lyyristen runoilijoiden teoksia. eKr.

Kreikkalaisen draaman ja teatterin synty liittyy rituaalipeleihin, jotka oli omistettu maatalouden suojelusjumalille: Demeterille, hänen tyttärelleen Korelle ja Dionysokselle. Kolme muinaisen kreikkalaisen draaman genreä syntyi rituaalipeleistä ja lauluista Dionysoksen kunniaksi: tragedia, komedia ja satyrikomedia (nimetty satyyreista koostuvan kuoron mukaan).

• Tragedia heijasti dionysolaisen kultin vakavaa puolta.
• Komedia - karnevaali-satiirinen.
• Satiiridraama esitettiin keskimääräisenä genrenä. Iloinen pelihahmo ja onnellinen loppu määräsi paikkansa juhlapyhinä Dionysoksen kunniaksi: satyridraama lavastettiin tragedioiden esittelyn päätteeksi.

Traagisten ideoiden rooli yhteiskuntapoliittisessa ja eettisessä koulutuksessa oli valtava. Jo VI vuosisadan toisella puoliskolla eKr. tragedia on saavuttanut merkittävän kehityksen. Muinaisen historian mukaan ensimmäinen ateenalainen traaginen runoilija oli Thespis (VI vuosisadalla eKr.). Hänen tragediansa (sen nimeä ei tunneta) ensimmäinen tuotanto tapahtui keväällä 534 eaa. Suuren Dionysioksen juhlana. Tätä vuotta pidetään maailmanteatterin syntymävuotena.

Komediassa paljon enemmän kuin tragedioissa maalliset motiivit sekoitettiin mytologisiin motiiveihin, joista tuli vähitellen vallitsevia tai jopa ainoa, vaikka yleisesti komedian katsottiin edelleen olevan omistettu Dionysokselle. Improvisoidut kohtaukset olivat kansanfarssiteatterin perusmuoto ja niitä kutsuttiin miimeiksi (käännöksessä se tarkoittaa "jäljitelmää", "jäljennystä"; näiden kohtausten esiintyjiä kutsuttiin myös mimeiksi). Miimien sankareita olivat kansanteatterin perinteiset naamiot: soturi-ehdokas, markkinavaras, huijari tiedemies, kaikkia huijaava yksinkertaisuus jne.

Ateenan teatteri.

Muinaisen Kreikan teatteritaide saavutti huippunsa kolmen suuren tragedian 5. vuosisadalla eKr. - Aischyloksen, Sofokleen, Euripideksen ja koomikko Aristophanesin - töissä, joiden toiminta kuvaa 4. vuosisadan alkua eaa. eKr. Muut näytelmäkirjailijat kirjoittivat samaan aikaan, mutta heidän teoksistaan ​​on meille päässyt vain pieniä katkelmia, joskus vain nimiä ja niukkaa tietoa.

Hellenistinen teatteri.

Hellenismin aikakaudella (VI-I vuosisatoja eKr.) klassisen aikakauden kreikkalainen teatteri koki merkittäviä muutoksia sekä dramaturgiassa ja näyttelemisen että teatterirakennuksen arkkitehtuurissa. Nämä muutokset liittyvät uusiin historiallisiin olosuhteisiin. Hellenistisen aikakauden teatterissa esitetään edelleen komedioita ja tragedioita. Mutta IV vuosisadan tragedioista. eKr. vain pienet fragmentit säilyvät, ja ilmeisesti taiteellisia ansioita Hellenistiset tragediat olivat pieniä. Komedian arvioimiseen on saatavilla paljon enemmän tietoa, sillä vain yksi näytelmä ja useita otteita muista näytelmistä tuon ajan suurimmalta koomikon Menanderilta on tullut meille.

Hellenistisen aikakauden komediaa kutsutaan uudeksi attikaksi (tai uusattikaksi) komediaksi. Rakkauden motiivilla on iso rooli uudessa komediassa. Uuden Attic-komedian kirjoittajat käyttivät laajalti Aristoteleen oppilaan Theophrastuksen psykologista teoriaa, jonka mukaan kaikki luonteenpiirteet ilmenevät ihmisen ulkonäössä ja hänen toimissaan. Theophrastuksen fysiognomiset kuvaukset vaikuttivat epäilemättä naamioiden suunnitteluun, mikä auttoi yleisöä tunnistamaan tämän tai toisen hahmon. Uudessa komediassa Euripideksen vaikutus on havaittavissa. Monien hänen sankareidensa läheisyys elämään, heidän emotionaalisten kokemusten paljastaminen - näin uusi komedia otti Euripideseltä.

Muinaisen kreikkalaisen teatterin arkkitehtuuri.

Aluksi esityspaikka järjestettiin hyvin yksinkertaisesti: kuoro lauluineen ja tansseineen esiintyi pyöreällä rampatulla tasoorkesterilla (verbistä orheomai - "tanssin"), jonka ympärille yleisö kokoontui. Mutta koska teatteritaiteen merkitys sosiaalisissa ja kulttuurielämään Kreikka, ja kun draama muuttui monimutkaisemmaksi, parannuksia tarvittiin. Kreikan mäkinen maisema sai näyttämön järkevimmän järjestelyn ja katsojan istuimet: orkesteri alkoi sijoittua mäen juurelle ja yleisö sijoitettiin rinteeseen.

Kaikki antiikin kreikkalaiset teatterit olivat avoinna ja niihin mahtui valtava määrä katsojia. Esimerkiksi Ateenan Dionysoksen teatteriin mahtui jopa 17 000 ihmistä, Epidauruksen teatteriin jopa 10 000 henkeä. 5-luvulla eKr. Kreikassa kehittyi vakaa teatterirakenne, joka on ominaista koko antiikin aikakaudelle. Teatterissa oli kolme pääosaa: orkesteri, theatron (katsojapaikat, verbistä teaomai - "näen") ja skene (skene - "teltta", myöhemmin puu- tai kivirakenne).

Teatterin koko määräytyi orkesterin halkaisijan mukaan (11-30 m) Skene sijaitsi tangentiaalisesti orkesterin ympärysmitan suhteen. Skene-proskenian etuseinä, joka oli tavallisesti pylväikkönä, kuvasi temppelin tai palatsin julkisivua. Skeenin vieressä oli kaksi lateraalista rakennetta, joita kutsuttiin paraskenioksi. Paraskenii toimi maisemien ja muiden teatteriesineiden säilytyspaikkana. Näytelmän ja hieman yli puolet ympyrästä valtaaneiden katsojaistuinten välissä oli käytävät-parodia, jonka kautta katsojat pääsivät teatteriin ennen esityksen alkua ja sitten kuoro ja näyttelijät orkesteriin. Klassisen aikakauden teatterissa yleisön huomio keskittyi toiminnan kehitykseen, hahmojen kohtaloon, ei ulkoisiin vaikutuksiin. Kreikkalaisen teatterin ulkoasu tarjosi hyvän kuuluvuuden. Lisäksi joissakin teattereissa yleisön istuimien joukkoon sijoitettiin resonoivia aluksia äänen vahvistamiseksi. Antiikin kreikkalaisessa teatterissa ei ollut esirippua, vaikka on mahdollista, että joissakin näytelmissä jotkut prosceniumin osat olivat tilapäisesti suljettuja yleisöltä.

Roomalainen teatteri

Roomalaisen teatterin alkuperä.

Roomalaisen teatterin ja draaman alkuperä juontaa juurensa, kuten Kreikassakin, rituaalipeleihin, joissa on runsaasti karnevaalielementtejä. Tällainen on esimerkiksi Saturnalia-juhla italialaisen Saturnuksen jumaluuden kunniaksi. Tämän loman erikoisuus oli tavallisten sosiaalisten suhteiden "käänteinen": isännistä tuli hetkeksi "orjia" ja orjista "mestareiksi".

Yksi roomalaisen teatterin ja draaman alkuperästä oli maaseudun sadonkorjuujuhlat. Jopa syrjäisinä aikoina, kun Rooma oli pieni Latiumin yhteisö, kylissä juhlittiin juhlapyhiä sadonkorjuun päättymisen yhteydessä. Näinä pyhäpäivinä laulettiin iloisia töykeitä lauluja-feskenniiniä. Kuten Kreikassa, esiintyi yleensä kaksi puolikuoroa, jotka vaihtoivat vitsejä, joskus syövyttävää sisältöä.

Heimojärjestelmän aikana syntyneet feskenniinit olivat olemassa myös seuraavina vuosisatoina, ja Horatian mukaan plebeioiden ja patriisilaisten välinen sosiaalinen taistelu heijastui heihin. Näin saturat syntyivät (käännöksessä se tarkoittaa "seosta"). Saturat olivat dramaattisia kotimaisia ​​ja koomisia kohtauksia, jotka sisälsivät dialogia, laulua, musiikkia ja tanssia.

Toinen luonteeltaan koominen dramaattinen esitys oli Atellanit, jotka lainattiin muilta Apenniinien niemimaalla asuneilta heimoilta, joiden kanssa Rooma kävi jatkuvia sotia. Nuoret kiinnostuivat näistä peleistä ja alkoivat järjestää niitä lomilla. Atellanissa oli neljä toistuvaa sarjakuvahahmoa: Mack, Bukkon, Papp ja Dossen. Atellanilla ei ollut kiinteää tekstiä, joten niitä esitettäessä avautui laajat mahdollisuudet improvisaatioon. Mime palaa myös kansandraamaan. Kuten Kreikassa, miimi toisti kohtauksia kansanelämästä ja parodioi toisinaan myyttejä päätellen jumalia ja sankareita klovnimaisessa muodossa. Näin ollen Roomassa oli suunnilleen samat rituaalipelit kuin muinakin Muinainen Kreikka. Mutta kansanteatterin kehitys ei ylittänyt draaman heikkoja alkuja. Tämä johtuu roomalaisen elämän konservatiivisesta tavasta ja pappien voimakkaasta vastustuksesta. Siksi Roomassa ei kehittynyt itsenäistä mytologiaa, joka Kreikassa toimi taiteen, mukaan lukien draaman, "maaperänä ja arsenaalina".

Republikaanien aikakauden roomalainen teatteri.

Roomalaiset ottivat kirjallisen draaman valmiissa muodossa kreikkalaisilta ja käänsivät sen latinaksi mukauttaen sitä omiin käsitteisiinsä ja makuun. Ensimmäisen puunilaissodan voitollisen päättymisen jälkeen, vuoden 240 eKr. juhlallisissa peleissä, päätettiin järjestää dramaattinen esitys. Tuotanto uskottiin kreikkalaiselle Livius Andronicukselle, joka oli roomalaisen senaattorin orjuudessa, joka antoi hänelle latinankielisen nimen Livius. Vapauduttuaan hän jäi Roomaan ja alkoi opettaa kreikkaa ja latinan kieli Rooman aateliston pojat. Tämä opettaja esitti myös tragedian ja luultavasti myös komedian, jonka hän muokkasi kreikkalaisesta mallista tai kenties yksinkertaisesti käänsi kreikasta latinaksi. Tämä tuotanto antoi ensimmäisen sysäyksen roomalaisen teatterin kehitykselle.

Vuodesta 235 eaa näytelmäkirjailija Gnaeus Neviy alkaa lavastamaan näytelmiään. Neviuksen nuorempi aikalainen, Titus Maccius Plavt. Hänen työnsä viittaa aikakauteen, jolloin Rooma maatalousyhteisöstä muuttui vahvimmaksi valtioksi - ensin Apenniinien niemimaalla ja sitten koko Välimeren altaalla. Publius Terence Afr, joka työskenteli Plautuksen tapaan palliata-genressä, kuului seuraavaan näytelmäkirjailijoiden sukupolveen. Terenceä voidaan kutsua uuden eurooppalaisen draaman edelläkävijäksi. Eurooppalainen teatteri on toistuvasti kääntynyt hänen työhönsä. Hänen komediansa "Formion" ja "Brothers" vaikutus tuntuu Molieren työssä.

Imperiumin aikakauden roomalainen teatteri.

1. vuosisadalla eKr. Rooman tasavalta kaatui. Caesarin salamurhan ja Antoniuksen voiton jälkeen vuonna 31 eKr. Octavianuksesta tuli Rooman keisari, joka sai myöhemmin kunnianimen Augustus ("Pyhä"). Augustus tiesi hyvin teatterin yhteiskunnallisen merkityksen ja osallistui kaikin mahdollisin tavoin sen kehitykseen. Ensinnäkin Augustus halusi herättää henkiin kreikkalaisen tyypin tragedian roomalaisella näyttämöllä, näki sen keinona parantaa ja kasvattaa kansalaistensa moraalia. Näitä Augustuksen pyrkimyksiä tuki yksi merkittävimmistä roomalaisista runoilijoista Horatius, ja ne heijastuivat hänen runouden tieteeseensä. Kaikki Augustuksen yritykset elvyttää vakava genre roomalaisella näyttämöllä epäonnistuivat kuitenkin.

Imperiumin aikakauden tragedioista ei ole tullut meille mitään, paitsi filosofi Senecan tragediat. Lucius Annei Seneca oli keisari Neron opettaja, aikoinaan hänellä oli alaisensa osavaltion korkeimmat asemat, mutta sitten häntä syytettiin salaliitosta keisaria vastaan ​​ja Neron käskystä hän teki itsemurhan avaamalla suoninsa. Seneca alkoi kirjoittaa tragedioita elämänsä viimeisinä vuosina, kun Neron asenne häneen muuttui ja hänen oli pakko ilmaista huolellisemmin näkemyksensä olemassa olevasta järjestyksestä.

Teatteriesitysten järjestäminen.

Esityksiä pidettiin Roomassa eri aikana yleiset vapaapäivät. Näytelmiä pelattiin patriisilaisten juhlassa, Rooman kisoissa, jotka pidettiin syyskuussa Jupiterin, Junon ja Minervan kunniaksi; heinäkuuta Apollo Gamesissa. Roomassa ei ollut pysyvää teatterirakennusta 1. vuosisadan puoliväliin asti. eKr.; sen rakentamista vastusti konservatiivinen senaatti. Esitystä varten foorumille pystytettiin yleensä puinen lava, puolet miehen pituudesta. Lavalle johti kapeat 4-5 portaan tikkaat, joita pitkin näyttelijät nousivat lavalle.

Tragediassa toiminta tapahtui palatsin edessä. Komedioissa maisemat kuvasivat lähes aina kaupungin katua, josta oli näkymä kahden tai kolmen talon julkisivuista, ja toiminta tapahtui talon edessä. Yleisö istui penkillä lavan edessä. Mutta toisinaan senaatti kielsi paikkojen perustamisen näihin väliaikaisiin teattereihin: esityksissä istuminen oli senaatin mukaan merkki naisellisuudesta. Kaikki teatteripelejä varten rakennettu rakenne hajosi heti niiden valmistumisen jälkeen.

Rooman tapahtuma oli ensimmäisen pysyvän kivestä rakennetun teatterin ilmestyminen. Tämä teatteri rakennettiin vuonna 55 eaa. Gneem Pompey Suuri ja siihen mahtui jopa 40 tuhatta ihmistä. 1. vuosisadan lopussa eKr. Roomaan rakennettiin vielä kaksi kiviteatteria: Balban teatteri ja Marcellus-teatteri. Jälkimmäisestä kolmeen kerrokseen jaetun ulkoseinän jäänteet ovat säilyneet tähän päivään asti, mikä vastaa kolmea sisäkerrosta.

Keskiajan teatteri

Liturginen ja puoliliturginen draama.

Kirkkodraamasta tuli yksi varhaisen keskiajan teatteritaiteen muodoista. Taistellessaan muinaisen teatterin jäänteitä vastaan, maaseutupelejä vastaan, kirkko yritti käyttää teatteripropagandan tehokkuutta omiin tarkoituksiinsa.

Jo 800-luvulla messu teatralisoitiin, kehitettiin rituaali lukea jaksoja legendoista Kristuksen elämästä, hänen hautaamisestaan ​​ja ylösnousemuksestaan. Näistä dialogeista syntyy varhainen liturginen draama. Tällaista draamaa oli kaksi jaksoa - joulu, joka kertoo Kristuksen syntymästä, ja pääsiäinen, joka kertoo tarinan hänen ylösnousemuksestaan. Joulun liturgisessa näytelmässä risti asetettiin keskelle temppeliä, jonka jälkeen se käärittiin mustaan ​​kankaaseen, mikä tarkoitti Herran ruumiin hautaamista.

Ajan myötä liturginen draama monimutkaistuu, "näyttelijöiden" puvut monipuolistuvat ja "ohjaajan ohjeet" luodaan tarkalla testillä ja liikkeillä. Kaiken tämän tekivät papit itse. Liturgisten esitysten järjestäjät keräsivät näyttämökokemusta ja alkoivat taitavasti näyttää ihmisille Kristuksen taivaaseenastumista ja muita evankeliumin ihmeitä. Elämää lähestyttäessä ja lavastettuja efektejä käyttäen liturginen draama ei enää vetänyt puoleensa, vaan vei seurakuntalaisia ​​pois jumalanpalveluksesta. Genren kehitys oli täynnä sen itsensä tuhoamista. Haluamatta kieltäytyä teatterin palveluista ja selviytymättä niistä, kirkon viranomaiset vievät liturgisen draaman temppelien holvien alta kuistille. Puoliliturginen draama syntyy. Ja sitten kirkkoteatteri, joka oli muodollisesti papiston vallassa, joutui kaupungin väkijoukon vaikutuksen alle. Nyt hän sanelee jo makunsa hänelle ja pakottaa hänet antamaan esityksiä messupäivinä, ei kirkon juhlapäivinä, vaihtamaan kokonaan äidinkielelleen, joka on ymmärrettävää yleisölle. Menestyksestä huolissaan papisto alkoi pohtia arkipäiväisempiä aiheita, ja puoliliturgisen draaman materiaalia on raamatullisia tarinoita jokapäiväisen tulkinnan alla. Raamatun legendoja käsitellään runollisesti ajan myötä. Myös teknisiä innovaatioita esitellään: samanaikaisen maiseman periaate vakiintuu vihdoin, kun useita toimintakohtauksia näytetään samanaikaisesti; temppujen määrä kasvaa. Kaikesta tästä huolimatta kirkkodraama säilytti läheisen suhteen kirkkoon. Draama lavastettiin kuistilla, kirkon varoilla, sen ohjelmiston kokosivat papit (vaikka esityksiin osallistuivat papit ja maallikot). Kirkkodraama oli siis olemassa pitkään, yhdistäen oikesti toisensa poissulkevia elementtejä.

maallinen dramaturgia.

Realistisen suunnan alku

Uuden realistisen suuntauksen ensimmäiset versot liittyvät ranskalaisen Arrasin kaupungin trouveur (trubaduuri) Adam de La Hallen (noin 1238-1287) nimeen. De La Alle oli intohimoinen runoudesta, musiikista ja teatterista. Hän asui Pariisissa ja Italiassa (Anjoun Charlesin hovissa) ja tuli melko laajalti tunnetuksi runoilijana, muusikkona ja näytelmäkirjailijana.

Komedian virta oli jo 1200-luvulla tukahdutettu ihmeteatteriin, jonka teemana oli myös elämäntapahtumia, mutta joka kääntyi uskonnon puolelle.

Ihme.

Nimi Miracle tulee latinan sanasta "ihme". Ja todellakin, kaikki konfliktit, jotka toisinaan heijastavat erittäin terävästi elämän ristiriitoja, ratkesivat tässä genressä jumalallisten voimien - Pyhän Nikolauksen, Neitsyt Marian jne. - puuttumisen ansiosta. Itse aika - XIV vuosisata, täynnä sotia, kansan levottomuudet ja epäinhimilliset kostotoimet, selittää niin kiistanalaisen genren kuin ihmeen kehittymisen. Ei ole sattumaa, että ihme, joka yleensä alkoi tuomitsevalla todellisuuden kuvauksella, päättyi aina kompromissiin, parannuksen ja anteeksiantamisen tekoon, mikä käytännössä merkitsi sovintoa juuri esitettyjen julmuuksien kanssa, sillä se omaksui jokaisessa roistossa mahdollisen vanhurskaan. mies. Tämä sopi sekä porvaritietoisuuteen että kirkkoon.

Mysteeri.

Mysteeriteatterin kukoistusaika on 1400-1500-luvut, kaupunkien nopean kukoistuksen ja yhteiskunnallisten ristiriitojen pahenemisen aika. Kaupunki on pääosin voittanut feodaalisen riippuvuuden, mutta se ei ole vielä joutunut absoluuttisen monarkin vallan alle. Mysteeri oli ilmaus keskiaikaisen kaupungin ja sen kulttuurin kukoistamisesta. Se syntyi niin kutsutuista "jäljitelmämysteereistä" - kaupunkikulkueista uskonnollisten juhlapäivien kunniaksi, kuninkaiden juhlallisten lähtöjen kunniaksi. Näistä juhlallisuuksista muodostui vähitellen mysteerinäytelmä, jossa hyödynnettiin keskiaikaisen teatterin varhaista kokemusta. Mysteerien esityksiä eivät järjestäneet kirkko, vaan kaupungin työpajat ja kunnat. Kirjoittajat olivat uuden tyyppisiä hahmoja - tiedemiehiä, teologeja, lakimiehiä, lääkäreitä. Huolimatta siitä, että tuotantoja ohjasi kaupungin ylempi porvaristo, mysteerit olivat massiivinen ulkoilma-amatööritaide. Esityksiin osallistui satoja ihmisiä.

Mysteerit osoittivat maailman luomisen, Luciferin kapinan Jumalaa vastaan, raamatullisia ihmeitä. Mysteeri laajensi keskiaikaisen teatterin temaattista valikoimaa, keräsi valtavan näyttämökokemuksen, jota käytettiin myöhemmissä keskiajan genreissä. Mysteerin toteuttaja oli kaupunkilaiset. Erilliset jaksot valtavasta teatteriesitys esittivät kaupungin eri työpajojen edustajat. Samalla mysteeri mahdollisti jokaisen ammatin ilmaista itseään mahdollisimman täydellisesti. Mysteerit kehittivät teatteritekniikkaa, vahvistivat ihmisten keskuudessa teatterimakua ja valmistivat joitain renessanssidraaman piirteitä. Mutta vuoteen 1548 mennessä mysteeriseurat, jotka olivat erityisen laajalle levinneitä Ranskassa, kiellettiin näyttämästä mysteereitä: mysteeriteatterin kriittinen komedialinja oli tullut liian konkreettiseksi. Syynä kuolemaan on myös se, että hän ei saanut tukea yhteiskunnan uusilta, edistyksellisiltä voimilta.

uudistusliike

Antifeodaalinen luonne

Uskonpuhdistus alkoi Euroopassa 1500-luvulla. Se oli luonteeltaan feodaalisuuden vastainen ja muodosti taistelun feodalismin ideologista pilaria, katolista kirkkoa vastaan.

Uudistusliike vahvistaa periaatetta "henkilökohtainen yhteys Jumalan kanssa", henkilökohtaisen hyveen periaatetta. Varakkaiden porvarien käsissä moraalista tulee taisteluase sekä feodaaliherroja että köyhiä kaupunkijoukkoja vastaan. Halu pyhittää porvarillinen maailmankuva synnyttää moraalin teatterin.

Moraali.

Moraali vapautti moralisoinnin sekä uskonnollisista juoneista että jokapäiväisistä häiriötekijöistä ja eristyessään hankki tyylillisen yhtenäisyyden ja suuremman didaktisen suuntautumisen.

Farssi.

Aluefarssi erottuu itsenäisenä teatterin genre 1400-luvun toiselta puoliskolta. Hän oli kuitenkin kulkenut pitkän tien piilossa ennen sitä. Itse nimi tulee latinan sanasta farta ("täyte"). Todellakin, mysteerien järjestäjät kirjoittivat usein: "Lisää farssi tähän." Iloiset karnevaaliesitykset ja kansanesitykset synnyttävät "tyhmiä korporaatioita" - pikkujulkisten virkamiesten, kaupungin erilaisten boheemien, koululaisten, seminaareiden yhdistystä. 1400-luvulla klovniyhdistykset levisivät kaikkialle Eurooppaan. Pariisissa oli neljä suurta järjestöä, ja niiden farssisia esityksiä järjestettiin säännöllisesti. Näissä paraateissa pilkattiin piispojen puheita, tuomareiden sanakiistoja ja kuninkaiden saapumista kaupunkiin. Vastauksena tähän maalliset ja hengelliset viranomaiset vainosivat farsereita, karkottivat heidät kaupungista ja heittivät vankiloihin. Farssi käännetään kaikella sisällöllään ja taiteellisella rakenteellaan kohti todellisuutta. Hän pilkataan ryösteleviä sotilaita, armahdusmunkkeja, röyhkeitä aatelisia, nirsoja kauppiaita. Terävästi havaitut ja linjatut luonteenpiirteet kantavat satiirisesti terävää elämänmateriaalia. Farcereiden näyttelijätaiteen pääperiaatteet olivat parodiakarikatyyriksi tuotu karakterisointi ja dynaamisuus, joka ilmaisi esiintyjien itsensä aktiivisuutta ja iloisuutta. Monarkkiset ja kirkolliset viranomaiset hyökkäsivät yhä enemmän urbaania vapaa-ajattelua ja yhtä sen muotoa - farssiteatteria - vastaan.

Farssilla oli suuri vaikutus edelleen kehittäminen teatteri Länsi-Eurooppa. Italiassa commedia dell'arte syntyi farssista; Espanjassa - "espanjalaisen teatterin isän" Lope de Ruedan työ; ja Englannissa farssin tyypin mukaan John Heywood kirjoitti välikappaleensa, Saksassa Hans Sachs; Ranskassa farssiperinteet ruokkivat nero Molièren ja suuren Shakespearen taidetta.

Farssista tuli linkki vanhan ja uuden teatterin välillä.

Uusi teatteri

Teatteri (kreikaksi theatron - spektaakkelin, spektaakkelin paikat). Teatterin yleinen käsite on jaettu teatteritaiteen tyyppeihin: draamateatteri, ooppera, baletti, pantomiimiteatteri jne. Termin alkuperä liittyy antiikin kreikkalaiseen antiikkiteatteriin, jossa auditorion paikkoja kutsuttiin sillä tavalla. Nykyään tämän termin merkitys on kuitenkin erittäin monipuolinen.

Valaistumisen aikakaudella siirtyminen nykykulttuuria. Uusi elämäntapa ja ajattelu oli muotoutumassa, mikä tarkoittaa, että myös uudenlaisen kulttuurin taiteellinen itsetunto oli muuttumassa. Nimi "Valaistuminen" kuvaa hyvin tämän kulttuuri- ja henkisen elämän alan yleistä henkeä, joka pyrkii korvaamaan uskonnollisiin tai poliittisiin auktoriteettiin perustuvat näkemykset ihmismielen vaatimuksista seuraavilla.

1700-luvulla antoi maailman kulttuurille sellaisen upeita taiteilijoita ja teatteritaiteen teoreetikot, kuten Sheridan Englannissa, Voltaire, Diderot, Beaumarchais Ranskassa, Lessing, Goethe, Schiller Saksassa ja Goldoni Italiassa. Järjen dominointi johti siihen, että valistuksen taide kärsi rationaalisuudesta, elämän rationaalinen analyysi vaati järjestettyjä muotoja.

Valaistajat, jotka näkivät ihmisen ihanteen harmonisessa persoonallisuudessa, eivät kuitenkaan voineet sivuuttaa tunteen vaatimuksia taiteen suhteen. Valistuksen teatteri ilmaisi merkittävällä tavalla sekä sisällön että menetelmän Uusi ilme aikakaudelle sopivaan maailmaan.

Teatteri valistuksen aikakaudella Englannissa.

1700-luvun teattereiden yleisöstä tuli paljon demokraattisempi. Parteriin asennettiin yksinkertaiset penkit kaupunkilaisille. Raek oli täynnä palvelijoita, opiskelijoita ja pieniä käsityöläisiä. Esitysten aikana yleisö oli erittäin aktiivinen ja reagoi elävästi lavalla näytettävään.

Niinpä Englannissa valistuksen teatteri kritisoi nousevan porvarillisen järjestelmän paheita. Teatterissa on uusi ideologinen oppi: yleisön julkinen ja moraalinen koulutus. Tämä oppi sopi täydellisesti Englannin puritaanisiin perinteisiin - tulevaisuudessa puritaanit pehmensivät asemaansa teatteritaiteen suhteen eivätkä enää taistelleet teatteria sellaisenaan vastaan, vaan sen uudistamisen puolesta: moraalittomuuden hävittämisen ja teatterin muuttamisen puolesta. teatterista yhteiskunnallisesti hyödyllinen instituutio.

Puritaanisen teologin Jeremy Collierin tutkielma aristokraattista teatteria vastaan, Lyhyt katsaus englantilaisen näyttämön moraalittomuuteen ja moraalittomuuteen (1698), tuli teatterin uudistamisen ohjelmallinen dokumentti. Tämä tutkielma määritti englantilaisen teatterin korostetun moralisoinnin ja didaktisuuden lähes koko 1700-luvun ajan. Näytelmäkirjailijoiden, kuten Joseph Addisonin (Cato, rumpali), Richard Steelen (Valehtelija, tai Naisen ystävyys; Huoleton aviomies), Samuel Johnsonin (Irene), Collie Cibberin (Huoleton aviomies; Vaimo; ärsyyntynyt aviomies) kehittynyt tähän tapaan. ).

Vuonna 1731 näytelmänsä Lontoon kauppias eli George Barnwellin historia esipuheessa näytelmäkirjailija George Lillo julkaisi manifestin uudelle esteettiselle ohjelmalle, porvarillisen draaman realistiselle teorialle. Hän vastustaa tragedian luokkarajoituksia, jotka toivat sankareihinsa vain korkea-arvoisia henkilöitä. Salailematta vastenmielisyyttään aristokratiaa kohtaan hän vaatii, että tragedioista tulee porvariston moraalisten ideoiden ohjaaja. Kymmenen vuotta aiemmin, vuonna 1721, Englannissa ilmestyi nimetön näytelmä Fatal Madness, joka oli kirjoitettu yhdestä pikkuporvarillisen draaman suosikkiteemasta – uhkapelaamisen tuhoisista seurauksista. Sitten näytelmä jäi käytännössä huomaamatta - uuden genren aika ei ollut vielä tullut. Mutta nyt porvarillisista ongelmista on tullut suuri kysyntä yleisön keskuudessa.

Henry Fielding ("Don Quijote Englannissa"; "Grubstreet's Opera, or At the Wife's Shoe"; "Vuoden 1736 historiallinen kalenteri") kehitti menestyksekkäästi dramaturgian satiirisia suuntauksia. Satiirisen irtisanomisen terävyys johti vuonna 1737 teatterisensuuria koskevan hallituksen lain julkaisemiseen, mikä lopetti poliittisen satiirin. Näytelmäkirjailija-kasvattajien huomio kohdistui tapojen komediaan, mikä mahdollisti ainakin sosiaalisen satiirin. Tämän ajanjakson tapojen komedian mielenkiintoisimmat teokset kuuluvat Oliver Goldsmithin (Good Equal; Night of Errors) ja Richard Sheridanin (Rivals; School of Scandal) kynään.

Englannin taiteellisen taiteen paras edustaja oli kuuluisa David Garrick (1717-1779), humanisti ja näyttämöopettaja. Hän edisti menestyksekkäästi Shakespearen dramaturgiaa Hamletin, Learin ja muiden rooleissa.

1700-luvun loppu Englannissa leimasi uuden genren syntyminen - "painajaisten ja kauhujen" tragedia, joka oli uuden edelläkävijä esteettinen suunta-romantiikka. Tämän genren luoja oli Horace Walpole. Vaikka hän omistaa vain yhden näytelmän - "Salaperäinen äiti" (1768), joka kuvaa tarinaa insestiläisestä intohimosta, kirjailijalla oli suuri vaikutus esiromanttiseen ja romanttiseen dramaturgiaan.

ranskalainen teatteri XVIII vuosisadalla.

Yhteiskunnan demokratisoitumisprosessi valistuksen aikakaudella synnytti uuden dramaattisen genren - pikkuporvarillisen draaman, jonka luojat Ranskassa olivat D. Diderot, M. J. Seden, L. S. Mercier.

P. O. Beaumarchaisin komediassa pikkuporvarillisen draaman ja "kyynelkomedian" puutteet voitettiin. sevillan parturi"(1775) ja" Figaron häät" (1784), joissa mukana uutta voimaa Molieren perinteet heräsivät henkiin ja valaistumisen estetiikan parhaat ominaisuudet ilmenivät.

Kasvatusdramaturgian sankarilliset ja kansalaispyrkimykset paljastettiin voimakkaimmin Ranskan porvarillisen vallankumouksen aikana 1700-luvun lopulla. M. J. Chenierin tragediat, jotka ovat täynnä feodaalisuuden vastaista paatosta ("Charles IX", 1789, "Henry VIII", 1791, "Jean Calas", 1791, "Kai Gracchus", 1792), olivat esimerkkejä vallankumouksellisen klassismin dramaturgiasta. .

Ranskassa filosofi-kasvattaja Voltaire, joka käsitteli dramaturgissaan polttavia sosiaalisia kysymyksiä ja tuomitsi despotismin, jatkoi tragedian genren kehittämistä.

Samaan aikaan ranskalaisella näyttämöllä ylläpidettiin komedia-satiirista perinnettä. Joten Lesage (1668-1747) arvosteli komediassa "Turcare" paitsi rappeutuvaa aatelistoa myös koronkiskonporvaristoa. Hän halusi luoda komedioita joukkokansanteatteriin.

Toinen opettaja ja näytelmäkirjailija Denis Diderot (1713-1784) puolusti totuutta ja luonnollisuutta lavalla. Useiden näytelmien ("Paha poika", "Perheen isä" jne.) lisäksi Diderot kirjoitti tutkielman "Näyttelijän paradoksi", jossa hän kehitti näyttelemisen teoriaa.

Voltairen valaisevien tragedioiden näyttämössä esille nousivat uudentyyppiset näyttelijät, jotka pystyivät ilmaisemaan sankarillisten ja syyttelevien teemojen kansalaispatoosia.

Suuren paikan valistusajan teatterin kehityksessä Ranskassa miehittivät messu- ja bulevarditeatterit. Messuteatterin genrenä olivat pantomiimi, farssit, moraali, fastachtshpils, joiden esitykset perustuivat improvisaation taiteeseen. Nämä olivat usein satiirisia esityksiä, joissa oli elementtejä groteskista ja röyhkeästä huumorista. Messuilla esiintyi myös köysitanssijat, jonglöörit ja koulutetut eläimet, sirkusnäyttelijöiden prototyypit. He käyttivät laajasti parodiaa ja satiiria. Tämän taiteen demokraattisuus aiheutti etuoikeutettujen teattereiden hyökkäyksiä sitä vastaan.

Saksalaisen teatterin muodostuminen.

Tunnetuin saksalainen kirjailija-kasvattaja Gotthold-Ephraim Lessing (1729-1781) oli saksalaisen kansallisteatterin todellinen luoja. Hän loi ensimmäisen saksalaisen kansalliskomedian "Minna von Barnholm", feodaalivastaisen tragedian "Emilia Galotti" ja joukon muita dramaattisia teoksia. Koulutustragediassa Nathan the Wise kirjailija vastusti uskonnollista fanaattisuutta.

Kuuluisassa kirjassa "Hamburg Dramaturgy" Lessing esitti mielipiteensä draaman estetiikasta ja teoriasta. G. E. Lessing on sosiaalisen draaman, kansalliskomedian ja koulutustragedian luoja, teatteriteoreetikko, realistisen suuntauksen perustaja 1700-luvun saksalaisessa teatterissa.

Valistusajatuksella oli suuri vaikutus saksalaiseen näyttelemiseen, mikä toi sen lähemmäksi realismia. Saksan merkittävin näyttelijä näinä vuosina oli Friedrich Ludwig Schroeder (1744-1816), joka liittyi "myrskyn ja stressin" ideoihin. 70-luvulla. 1700-luvulla saksalaisessa taiteessa syntyi uusi suuntaus nimellä "myrskyt ja hyökkäykset".

Se heijasti porvariston edistyneimpien, vallankumouksellisten piirien liikettä, jotka taistelivat feodalismia ja absolutismia vastaan. Suurimmat saksalaiset runoilijat ja näytelmäkirjailijat Goethe ja Schiller osallistuivat tähän virtaukseen. Vuonna 1777 avattiin Mannheimin kansallisteatteri, josta tuli yksi 80- ja 90-luvun suurimmista saksalaisista teattereista. 1700-luvulla siinä avautui näyttelijä, ohjaaja ja näytelmäkirjailija A. V. Ifflandin toiminta. Hän istutti Mannheimin näyttämölle porvarillis-filistealaista draamaa (omia näytelmiä sekä A. Kotzebuen näytelmiä), jotka määrittelivät teatterin luovat kasvot.

XVIII vuosisadan lopussa. saksalaisen teatterin kehitys liittyy suurten saksalaisten näytelmäkirjailijoiden J. W. Goethen ja F. Schillerin toimintaan Weimarin teatterissa. Täällä ensimmäistä kertaa Saksassa lavastettu suuria töitä maailman klassisen dramaturgian (Goethe, Schiller, Lessing, Voltaire ym.), ohjaamisen perusta luotiin, toteutettiin periaate yhdelle taiteelliselle ajatukselle alistetusta näyttelijäjoukosta.

Goethe omassaan teoreettinen ohjelma ja taiteellinen käytäntö, hän vahvisti periaatteet luoda monumentaalinen teatteri, joka täytti antiikin taiteen tiukat standardit. "Weimarin koulukunta" oli Mannheimin koulukunnan vastakohta ja lähestyi klassistista.

italialainen teatteri.

Taloudellisesta ja poliittisesta jälkeenjääneisyydestä huolimatta Italia erottui teatterielämän rikkaudesta ja monimuotoisuudesta. 1700-luvulle mennessä Italialla oli maailman paras musiikkiteatteri, jossa erotettiin kaksi tyyppiä - vakava ooppera ja koominen ooppera(oopperan ystävä). Siellä oli nukketeatteri, commedia dell'arte -esityksiä annettiin kaikkialla.

Draamateatterin uudistus on kuitenkin kypsynyt jo pitkään. Valaistuksen aikakaudella improvisoitu komedia ei enää vastannut ajan vaatimuksia. Tarvittiin uusi, vakava, kirjallinen teatteri. Naamiokomedia ei voinut olla olemassa entisessä muodossaan, mutta sen saavutukset oli säilytettävä ja siirrettävä huolellisesti uuteen teatteriin.

Valistuksen ideoiden tunkeutumiseen italialaiseen teatteriin liittyi pitkä taistelu formalismia ja ideapuutetta vastaan ​​teatterinäyttämöllä. Keksijä Italiassa oli merkittävä näytelmäkirjailija Carlo Goldoni (1707-1793). Hän loi uusi komedia hahmoja. Esitys perustui improvisoinnin sijaan kirjalliseen tekstiin.

1700-luvun jälkipuolisko tuli Italian historiaan teatterisotien aikana. Häntä vastusti abbe Chiari, keskinkertainen näytelmäkirjailija ja siksi ei vaarallinen, mutta hänen päävastustajansa, joka oli lahjaltaan yhtäläinen, oli Carlo Gozzi. Gozzi tuli puolustamaan naamioteatteria ja asetti tehtäväkseen elvyttää improvisoidun komedian perinnettä. Ja jossain vaiheessa näytti siltä, ​​että hän onnistui. Ja vaikka Goldoni jätti tilaa improvisaatiolle komediassaan ja Gozzi itse lopulta äänitti lähes kaikki dramaattiset teoksensa, heidän kiistansa oli julma ja tinkimätön. Koska kahden suuren venetsialaisen vastakkainasettelun päähermo on heidän yhteensopimattomuutensa. julkisia tehtäviä, erilaisissa näkemyksissä maailmasta ja ihmisestä.

Carlo Gozzi (1720-1806) oli lahjakas näytelmäkirjailija. Yrittäessään vastustaa Goldonin komedioita omalla ohjelmistollaan Gozzi kehitti teatterisadun genren. Nämä ovat hänen näytelmänsä "Rakkaus kolmeen appelsiiniin", "Peurikuningas", kuuluisa "Prinsessa Turandot", "Käärmenainen" ja muut. Rikkaan ironisen ja mehukkaan huumorin ansiosta Gozzin lahjakkaat tarinat näyttämölle ovat menestys tänäänkin.

Suurin tragedioiden kirjoittaja oli Vittorio Alfieri. Hänen nimeensä liittyy italialaisen ohjelmiston tragedian synty. Hän loi siviilisisällön tragedian lähes yksin. Intohimoinen patriootti, joka haaveili kotimaansa vapauttamisesta, Alfieri vastusti tyranniaa. Kaikki hänen tragediansa ovat täynnä vapaustaistelun sankarillista patosta.

Alfieri väitti, että ihmisten pitäisi saada vapaus aristokratian käsistä, väitti ihmispersoonan vapauden, jonka tahto on vain järjen ja velvollisuudentunteen alainen. Alfieri määritteli tutkielmassa "Suvereenista ja kirjallisuudesta" (1778-86) dramaattisen runouden tehtäväksi hyveen ja vapaudenrakkauden tunteiden heräämistä. Alfierin tragediat "Saul", "Philip", "Virginia", "Brutus I" ja "Brutus II" vaikuttivat italialaisen teatterin kehitykseen.

Tanskalainen valistuksen teatteri.

Tanskan ammattiteatteri syntyi 1700-luvulla, sen luomisen aiheutti maan taloudellinen ja kulttuurinen kehitys. 23. syyskuuta 1722 teatteri "Danish Stage" avattiin Kööpenhaminassa näytelmällä "The Miser", pian L. Holbergin ensimmäisen komedian "Pelimies-poliitikko" ensi-ilta tapahtui.

Vuonna 1728 hovipiirien edustajat sulkivat tanskalaisen näyttämön. Teatteri aloitti toimintansa uudelleen vasta vuonna 1748 (huoneessa Royal Squarella). Vuonna 1770 hän sai kuninkaallisen arvonimen ja joutui tuomioistuinministeriön lainkäyttövaltaan. XVIII vuosisadan toisella puoliskolla. teatterissa esitettiin laululaulua, J. Ewaldin komediaa, Voltairen tragedioita ja hänen tanskalaisia ​​epigonejaan, mutta Holbergin dramaturgia oli edelleen teatterin ohjelmiston perusta.

Merkittävä rooli valistuksen ajattelun edistämisessä Tanskassa oli Holbergin perinteitä jatkaneen parodiatragedian Rakkautta ilman sukkia (1772) kirjoittajan J. X. Wesselin teoksella.

Valistuksen teatteri on yksi silmiinpistävimmistä ja merkittävimmistä ilmiöistä koko maailman kulttuurin historiassa; se on voimakas eurooppalaisen teatteritaiteen lähde – ikuisesti. Uusi teatteri syntyi tarpeesta kaataa nuorta energiaa toimintaan. Ja jos kysyt itseltäsi kysymyksen, millä taiteen alueella tämän toiminnan olisi pitänyt vuotaa, tämä on hauskuuden meri, vastaus on selvä: tietysti teatterin alueella.

1700-luvulla eurooppalainen teatteri eli pitkän ja monimutkaisen elämän. Esteettiset normit, joita pidettiin absoluuttisina, ovat menettäneet entisen merkityksensä tänä aikana. Mielipiteet ja maut ovat olleet hellittämättömässä vastakkainasettelussa vuosisadan ajan, auditorioista on useammin kuin kerran tullut sosiaalisten yhteenottojen areena. Tekijät toimivat poliittisina vastustajina, jotka ensimmäistä kertaa oppivat, että heidän taiteessaan voi olla myös kovaa taistelua.

Teatteri taidemuotona ei säily sellaisissa aineellisissa monumenteissa kuin maalaus ja kuvanveisto, kirjallisuuden ja musiikin teoksina. Mutta teatterin historia kertoo menneisyyden suurista näyttelijöistä, kuinka he soittivat, mitä aikalaistensa toiveita he ilmensivät esityksessään, mihin aikavaatimuksiin he vastasivat.

Teatterielämää Venäjä XIX vuosisadalla.

1800-luvun alussa kehittyi Venäjän keisarillisten teattereiden verkosto, jota johtivat
"Hänen keisarillisen majesteetin hovin ministeriö". Oikeudella oli Pietarissa kolme teatteria - Aleksandrinski, Mariinski ja Mihailovski - ja kaksi Moskovassa - Bolshoi- ja Maly-teatterit.

A.N.:n näytelmien ilmestyessä Ostrovski, I.S. Turgenev, proosaa F.M. Dostojevskin runous Nekrasov-realismista tuli venäläiseen kulttuuriin.

Näyttelijäntyö on muuttunut dramaturgian myötä, rikkoen vanhat käsitykset siitä, mikä on totuus lavalla. 16. marraskuuta 1859 oli Ostrovskin näytelmän "Ukkosmyrsky" ensi-iltapäivä Maly-teatterissa. Esityksen ympärillä puhkesi myrsky. Katerinan roolin ensimmäinen esiintyjä oli kaunis näyttelijä L.P. Nikulina - Kositskaya. Ostrovskin näytelmillä lavalle purskahti venäläisen elämän elementti, uusi, mehukas ja moderni kieli. Ostrovskin näytelmissä Malyn näyttelijät loistivat kaikkien seuraavien vuosikymmenten ajan. G.N. Fedotova, M.N. Yermolova ovat Maly-teatterin upeita näyttelijöitä.

1800-luvun ensimmäisen puoliskon venäläiset taiteilijat M.S. Shchepkin, P.S. Mochalov, V.A. Karatygin jäi jälkipolvien muistiin legendan hahmoina. Shchepkin näytteli lähes 600 roolia Shakespearen, Molieren, Gogolin, Ostrovskin ja Turgenevin näytelmissä. Hän oli yksi ensimmäisistä, joka vakiinnutti realismin venäläisessä teatterissa, hän loi totuuden venäläiselle näyttämölle.

Mochalov on täsmälleen Shchepkinin vastakohta. Hän näytteli päärooleja venäläisen ja länsimaisen draaman näytelmissä - Shakespearen Hamletissa, Karl Moorissa Schillerin draamassa The Robbers, Chatskyssa Woe from Witissä.

Näytelmien tuotannossa venäläiset näyttelijät loivat kuvia, jotka menivät teatteritaiteen historiaan. Yleisö ihaili Ekaterina Semjonovaa, Aleksei Jakovlevia. Nämä näyttelijät reinkarnoituivat täysin edustettuun henkilöön. Vähitellen Maly-teatteri alkoi erikoistua dramaattisiin tuotantoihin ja Bolshoi oopperaan ja balettiin.

Bolshoi Petrovski -teatteri 1825-1853

Bolshoi Petrovsky -teatterin avajaiset 6. tammikuuta 1825 järjestettiin erittäin juhlallisesti. Sinä iltana uudessa teatterissa vierailleet katsojat järkyttyivät arkkitehtonisen suunnittelun ja sen ilmentymisen jaloudesta, rakennuksen ennennäkemättömästä mittakaavasta ja sen auditorion sisustuksen kauneudesta.

Kirjailija Sergei Aksakov muisteli: ”Vanhoista palaneista raunioista syntynyt Bolšoi Petrovski -teatteri ... hämmästytti ja ilahdutti minua ... Upea valtava rakennus, joka on omistettu yksinomaan lempitaiteelleni, jo pelkästään ulkonäöllään johti minut iloiseen jännitykseen. ..."

Ennen esityksen alkua yleisö kutsui teatterirakentaja Osip Boven lavalle ja palkitsi hänet aplodeilla.

Pilvisenä pakkasaamuna 11. maaliskuuta 1853 teatterissa syttyi jostain tuntemattomasta syystä tulipalo. Liekki nielaisi välittömästi koko rakennuksen, mutta suurimmalla voimalla palo riehui näyttämöllä ja katsomossa. "Oli kauheaa katsoa tätä tulessa olevaa jättiläistä", silminnäkijä kuvaili tulta. "Kun se paloi, meistä tuntui, että silmiemme edessä oli kuolemassa meille rakas henkilö, joka antoi meille kauneimpia ajatuksia ja tunteita . ..”

Muskovilaiset taistelivat liekkejä vastaan ​​kaksi päivää, ja kolmantena päivänä teatterirakennus muistutti Rooman Colosseumin raunioita. Rakennuksen jäänteet paloivat noin viikon ajan. 1700-luvun lopulta lähtien kerätyt teatteriasut, erinomaiset lavasteet, ryhmän arkisto, osa musiikkikirjastoa ja harvinaiset soittimet tuhoutuivat peruuttamattomasti tulipalossa.

Keisari Aleksanteri I hyväksyi professori A. Mihailovin laatiman uuden teatterirakennuksen vuonna 1821, ja sen rakentaminen uskottiin arkkitehti Osip Bovelle.

Yksi Euroopan suurimmista teattereista rakennettiin palaneen teatterirakennuksen paikalle, mutta julkisivu oli Teatteriaukiolle päin...

Bolshoi-teatteri (1856-1917)

20. elokuuta 1856 kunnostettu Bolshoi-teatteri avattiin kuninkaallinen perhe ja kaikkien valtioiden edustajat V. Bellinin oopperalla "The Puritani" italialaisen ryhmän esittämänä. Tämän ajanjakson Moskovan baletti on menestyksensä velkaa Pietariin asettuneen ranskalaisen Marius Petipan lahjakkuudelle. Koreografi tuli toistuvasti Moskovaan näyttämään esityksiä. Hänen Moskovan teoksistaan ​​merkittävin oli L. Minkusin "Don Quijote", joka esitettiin ensimmäisen kerran vuonna 1869. Myöhemmin Petipa siirsi tämän baletin Moskovan painoksen Pietarin näyttämölle.

Esityskulttuurin kehittämisen kannalta suuri merkitys oli P. Tšaikovskin työllä. Säveltäjän debyytit oopperamusiikissa - "Voevoda" (1869) ja baletti - " Joutsenlampi"(1877) tapahtui Bolshoi-teatterin lavalla. Täällä ooppera Eugene Onegin (1881) sai todellisen syntymänsä, ensimmäisen kokeen iso lava konservatorion tuotannon jälkeen 1879; ooppera Mazepa (1884), yksi säveltäjän oopperan huipuista, näki päivänvalon ensimmäistä kertaa; Oopperan Seppä Vakula lopullinen versio, joka vuoden 1887 esityksessä sai uuden nimen Cherevichki.

Ikimuistoinen esitys teatterin aikakirjoissa oli I. Mussorgskin kansandraaman "Boris Godunov" ensiesitys 16.12.1888. Ensimmäinen N. Rimski-Korsakovin oopperoista oli Lumityttö (1893), jota seurasi Yö ennen joulua (1898). Samana vuonna 1898 teatteri esitteli yleisölle ensimmäistä kertaa A. Borodinin oopperan "Prinssi Igor", ja kaksi vuotta myöhemmin koreografisen taiteen ystävät tutustuivat A. Glazunovin balettiin "Raymonda".

1800-luvun lopun - 1900-luvun alun teatterin oopperaryhmään kuuluu monia merkittäviä laulajia. Menneiden vuosien loistavia nimiä ovat Evlalia Kadmina, Anton Bartsal, Pavel Khokhlov, Nadezhda Salina, Ivan Gryzunov, Margarita Gunova, Vasily Petrov jne. Teatterin näyttämöllä esiintyi näinä vuosina laulajia, joiden nimet tulevat pian laajalti tunnetuiksi paitsi Venäjä, mutta ja ulkomailla - Leonid Sobinov, Fedor Chaliapin, Antonina Nezhdanova.

Hedelmällistä oli Sergei Rahmaninovin toiminta teatterissa, joka julisti itsensä kapellimestaripöydälle loistava muusikko. Rahmaninov paransi venäläisten oopperaklassikoiden äänenlaatua teatterissa. Muuten, Rahmaninovin nimi liittyy kapellimestarikonsolin siirtoon siihen paikkaan, missä se nyt on, ennen kuin kapellimestari seisoi orkesterin takana lavaa päin.

Vuonna 1899 The Sleeping Beauty sai ensi-iltansa Bolshoi-teatterissa. Tämän baletin lavastus, joka perusti musiikin ja tanssin yhteisöllisyyden venäjäksi balettiteatteri, oli alku koreografin, libretistin ja opettajan Aleksanteri Gorskin pitkälle ja onnelliselle työlle Moskovassa. Hänen kanssaan työskenteli suuri joukko lahjakkaita taiteilijoita - Ekaterina Geltser, Vera Karalli, Sofia Fedorova, Alexandra Balashova, Vasily Tikhomirov, Mihail Mordkin, kapellimestari ja säveltäjä Andrey Arende ja muut. uutta tuotantoa baletti "Don Quijote" (1900) Gorsky kutsui ensin nuoret taiteilijat Konstantin Korovinin ja Alexander Golovinin, teatterimaalauksen tulevat suuret mestarit.

1911 Teatterirakennuksen kunnostushankkeen kilpailussa voitti Albert Kavosin esittämä suunnitelma.

Kavos, säilyttäen Beauvais-rakennuksen pohjaratkaisun ja tilavuuden, nosti korkeutta, muutti mittasuhteita ja suunnitteli arkkitehtonisen sisustuksen uudelleen. Erityisesti rakennuksen sivuille rakennettiin kapeat valurautagalleriat lampuilla. Aikalaiset panivat merkille tämän pylväikön ulkonäön, erityisen kauniin iltaisin, kun sitä katsoo kaukaa, ja palavien lamppujen rivi näyttää olevan teatteria pitkin kulkeva timanttilanka.

Apollon alabasteriryhmä, joka koristi Beauvais-teatteria, menehtyi tulipalossa. Uuden Cavosin luomiseen hän kutsui kuuluisan venäläisen kuvanveistäjä Pjotr ​​Klodtin (1805-1867), joka oli kuuluisan neljän ratsastusryhmän kirjoittaja Fontankajoen ylittävällä Anichkov-sillalla Pietarissa.

Klodt loi nyt maailmankuulun veistosryhmän Apollon kanssa. Se valettiin Lichtenbergin herttuan tehtailla metalliseoksesta, joka oli galvanoitu punaisella kuparilla.

Katsomoa rakennettaessa Kavos muutti salin muotoa, kavensi sitä näyttämölle ja syvensi orkesterikuoppaa. Parterin istuimien taakse, jossa ennen oli galleria, hän järjesti amfiteatterin. Auditorion mitat olivat: lähes yhtä suuri syvyys ja leveys - noin 30 metriä, korkeus - noin 20 metriä. Auditorioon alkoi mahtua yli 2000 katsojaa.

Tässä muodossa Bolshoi-teatteri on säilynyt tähän päivään, lukuun ottamatta pieniä sisäisiä ja ulkoisia jälleenrakennuksia.

Teatteri on ihmismaailman ihme.