Poikkeuksellinen kuva. Maalauksia polttohaudattujen ihmisten tuhkasta

Maalaus, jos ei ota realisteja huomioon, on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa. Mutta jotkut kuvat ovat oudompia kuin toiset.
Jotkut taideteokset näyttävät osuvan katsojaa päähän mykistyneenä ja hämmästyttävänä. Jotkut niistä vetävät sinut ajatuksiin ja etsimään semanttisia kerroksia, salaista symboliikkaa. Jotkut maalaukset ovat salaisuuksien ja mystisten mysteereiden peitossa, ja jotkut yllättävät kohtuuttomalla hinnalla.

Bright Side on tarkastellut huolellisesti kaikki maailmantaiteen tärkeimmät saavutukset ja valinnut niistä kaksi tusinaa. outoja kuvia. Valikoima ei sisällä Salvador Dalin maalauksia, joiden teokset kuuluvat täysin tämän materiaalin muotoon ja tulevat ensimmäisenä mieleen.

"Huutaa"

Edvard Munch. 1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli
kansallisgalleria, Oslo

The Screamia pidetään ekspressionistisena maamerkkinä ja yhtenä suurimmista kuuluisia maalauksia maailmassa. Kuvatusta on kaksi tulkintaa: sankari itse on kauhun vallassa ja huutaa hiljaa, painaen kätensä korvilleen; tai sankari sulkee korvansa ympärillään soivalta maailman ja luonnon itkulta. Munch kirjoitti neljä versiota The Screamista, ja on olemassa versio, jonka mukaan tämä kuva on maanis-depressiivisen psykoosin hedelmä, josta taiteilija kärsi. Klinikalla suoritetun hoitojakson jälkeen Munch ei palannut kankaalle.

"Kävelin polkua pitkin kahden ystävän kanssa - aurinko laski - yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, pysähdyin väsyneenä ja nojasin aitaa vasten - katsoin verta ja liekkejä sinimustan vuonon ja kaupunki - ystäväni jatkoivat, ja minä seisoin vapisten jännityksestä ja tunsin loputtoman huudon, joka lävistää luonnon", Edvard Munch kertoi maalauksen historiasta.

"Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"

Paul Gauguin. 1897-1898, öljy kankaalle
Museo kuvataiteet, Boston

Gauguinin itsensä ohjauksessa kuva tulee lukea oikealta vasemmalle - kolme päähahmoryhmää havainnollistavat otsikossa esitettyjä kysymyksiä. Kolme naista, joilla on lapsi, edustavat elämän alkua; keskimmäinen ryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; loppuryhmässä taiteilijan mukaan "vanha nainen, joka lähestyy kuolemaa, näyttää sovituneelta ja ajatuksiinsa antautuneelta", hänen jaloissaan "oudolta". valkoinen lintu...edustaa sanojen turhuutta."

Hän kirjoitti syvästi filosofisen kuvan postimpressionistisesta Paul Gauguinista Tahitilla, jonne hän pakeni Pariisista. Teoksen lopussa hän halusi jopa tehdä itsemurhan, koska: "Uskon, että tämä kangas ei ole vain parempi kuin kaikki aikaisemmat, enkä koskaan luo parempaa tai edes samanlaista." Hän eli vielä 5 vuotta, ja niin se tapahtui.

"Guernica"

Pablo Picasso. 1937, öljy kankaalle
Reina Sofia -museo, Madrid

"Guernica" esittää kohtauksia kuolemasta, väkivallasta, julmuudesta, kärsimyksestä ja avuttomuudesta, täsmentämättä niiden välittömiä syitä, mutta ne ovat ilmeisiä. Sanotaan, että vuonna 1940 Pablo Picasso kutsuttiin Gestapoon Pariisiin. Keskustelu kääntyi heti kuvaan. "Teitkö sinä tuon?" - "Ei, sinä teit sen."

Picasson vuonna 1937 maalaama valtava fresko "Guernica" kertoo Luftwaffen vapaaehtoisyksikön hyökkäämisestä Guernican kaupunkiin, jonka seurauksena kuudes tuhannes kaupunki tuhoutui kokonaan. Kuva maalattiin vain kuukaudessa - ensimmäiset työpäivät kuvan parissa, Picasso työskenteli 10-12 tuntia ja jo ensimmäisissä luonnoksissa näkyi pääidea. Tämä on yksi parhaat kuvat fasismin painajainen sekä inhimillinen julmuus ja suru.

"Arnolfinisten muotokuva"

Jan van Eyck. 1434, öljy puulle
Lontoon kansallisgalleria, Lontoo

Kuuluisa maalaus on täysin täynnä symboleja, allegorioita ja erilaisia ​​viittauksia - allekirjoitukseen "Jan van Eyck oli täällä", mikä teki siitä paitsi taideteoksen, myös historiallisen asiakirjan, joka vahvistaa todellisen tapahtuman, johon osallistui. taiteilijan toimesta.

Muotokuva, oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinista ja hänen vaimostaan, on yksi parhaista monimutkaisia ​​töitä läntinen maalauskoulu Pohjoinen renessanssi. Venäjällä Viime vuosina kuva sai suuren suosion, koska Arnolfini muistutti muotokuvaa Vladimir Putinin kanssa.

"Demoni istuu"

Mihail Vrubel. 1890, öljy kankaalle
Tretjakovin galleria, Moskova

Mikhail Vrubelin maalaus yllättää demonin kuvalla. Surullinen pitkätukkainen kaveri ei ole ollenkaan kuin yleismaailmalliset ajatukset siitä, miltä pahan hengen pitäisi näyttää. Tämä on kuva ihmishengen voimasta, sisäisestä taistelusta, epäilyksistä. Kädet traagisesti ristissä, Demoni istuu surulliset, suuret silmät suunnattuina kaukaisuuteen, kukkien ympäröimänä. Koostumus korostaa demonin hahmon rajoitusta, ikään kuin se olisi kehyksen ylä- ja alapalkkien välissä.

Taiteilija itse puhui tunnetuimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän kanssa hallitseva, majesteettinen henki."

"Sodan apoteoosi"

Vasili Vereshchagin. 1871, öljy kankaalle
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova

Kuva on kirjoitettu niin syvästi ja tunteellisesti, että jokaisen tässä pinossa makaavan kallon takana alat nähdä ihmisiä, heidän kohtalonsa ja niiden kohtaloita, jotka eivät enää näe näitä ihmisiä. Vereshchagin itse, surullisen sarkasmin kanssa, kutsui kangasta "asetelmaksi" - se kuvaa "kuollutta luontoa". Kaikki kuvan yksityiskohdat, mukaan lukien keltainen väri, symboloivat kuolemaa ja tuhoa. Kirkas sininen taivas korostaa kuvan kuolleisuutta. Ajatus "sodan apoteoosista" ilmaistaan ​​myös sapelien arpien ja luodinreikien kautta kalloissa.

Vereshchagin on yksi Venäjän tärkeimmistä taistelumaalareista, mutta hän maalasi sotia ja taisteluita ei siksi, että hän rakasti niitä. Päinvastoin, hän yritti välittää ihmisille omansa negatiivinen asenne sotaan. Kerran Vereshchagin huudahti tunteiden kuumuudessa: "En kirjoita enempää taistelukuvia - se riittää! Otan kirjoittamani liian lähellä sydäntäni, huudan (kirjaimellisesti) jokaisen haavoittuneen ja kuolleen surua." Todennäköisesti tämän huudahduksen tulos oli kauhea ja lumoava kuva "The Apotheosis of War", joka kuvaa peltoa, variksia ja ihmisten pääkalloja.

"amerikkalainen gootti"

Grant Wood. 1930, öljy. 74×62 cm
Chicagon taideinstituutti, Chicago

Kuva synkän isän ja tyttären kanssa on täynnä yksityiskohtia, jotka kertovat kuvattujen ihmisten ankaruudesta, puritaanisuudesta ja perääntymisestä. Vihaiset kasvot, haarukka keskellä kuvaa, vanhanaikaisia ​​vaatteita jopa 1930-luvun mittakaavassa, paljas kyynärpää, viljelijän vaatteiden saumat, jotka toistavat haarukan muotoa, ja siksi uhka, joka on osoitettu kenelle tahansa joka tunkeutuu. Kaikkia näitä yksityiskohtia voidaan katsoa loputtomiin ja tyrmistyä epämukavuudesta. "American Gothic" on yksi tunnetuimmista kuvista 1900-luvun amerikkalaisessa taiteessa, tunnetuin 1900- ja 2000-lukujen taiteellinen meemi. Mielenkiintoista on, että Chicagon taideinstituutin kilpailun tuomarit pitivät "goottilaista" "humoristisena ystävänpäivänä", ja Iowan ihmiset loukkaantuivat hirveästi Woodin esittämisestä niin epämiellyttävässä valossa.

"Rakastajat"

Rene Magritte. 1928, öljy kankaalle

Maalaus "Lovers" ("Lovers") on olemassa kahdessa versiossa. Toisella mies ja nainen, joiden päät on kääritty valkoiseen liinaan, suutelevat ja toisella "katsovat" katsojaa. Kuva yllättää ja kiehtoo. Kahdella kasvottomalla hahmolla Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta. Sokeudesta kaikessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, me emme näe heitä todellisia kasvoja ja me ja lisäksi rakastajat - mysteeri jopa toisillemme. Mutta tällä näennäisellä selkeydellä jatkamme edelleen Magritten ystävien katselemista ja heidän ajatteluaan.

Lähes kaikki Magritten maalaukset ovat arvoituksia, joita ei voida täysin ratkaista, koska ne herättävät kysymyksiä olemisen olemuksesta. Magritte puhuu koko ajan näkyvän petoksesta, sen piilotetusta mysteeristä, jota emme yleensä huomaa.

"Kävellä"

Marc Chagall. 1917, öljy kankaalle
Valtion Tretjakovin galleria

"Walk" on omakuva hänen vaimonsa Bellan kanssa. Hänen rakkaansa kohoaa taivaalla ja näyttää vetäytyvän lentoon ja Chagallille, joka seisoo maassa epävarmana, ikään kuin koskettaisi häntä vain kenkien varpailla. Chagallin toisessa kädessään on tissi - hän on onnellinen, hänellä on tiainen käsissään (luultavasti hänen maalauksensa) ja nosturi taivaalla. Yleensä äärimmäisen vakava maalauksessaan Marc Chagall kirjoitti ihastuttavan manifestin omasta onnellisuudestaan, täynnä allegorioita ja rakkautta.

"Maallisten ilojen puutarha"

Hieronymus Bosch. 1500-1510, öljy puulle
Prado, Espanja

"Maallisten nautintojen puutarha" - Hieronymus Boschin kuuluisin triptyykki, joka sai nimensä keskusosan teemasta, on omistettu herkkyyden synnille. Kuva on täynnä läpinäkyviä hahmoja, fantastisia rakenteita, hallusinaatioiksi muuttuneita hirviöitä, helvetin todellisuuden karikatyyrejä, joita hän katsoo tutkivalla, äärimmäisen terävällä katseella.

Jotkut tiedemiehet halusivat nähdä triptyykissä kuvan ihmiselämästä sen turhamaisuuden ja kuvien prisman kautta maallinen rakkaus, toiset - herkkyyden voitto. Yksittäisten hahmojen tulkinnan syyttömyys ja jonkinlainen irrallisuus sekä kirkon viranomaisten myönteinen asenne tähän työhön saavat kuitenkin epäilemään, voisiko ruumiillisten nautintojen ylistäminen olla sen sisältöä. Tähän mennessä yhtäkään kuvan käytettävissä olevista tulkinnoista ei ole tunnistettu ainoaksi oikeaksi.

"Naisen kolme aikaa"

Gustav Klimt. 1905, öljy kankaalle
kansallisgalleria nykytaide, Rooma

"Three Ages of Woman" on sekä iloinen että surullinen. Siinä tarina naisen elämästä on kirjoitettu kolmessa hahmossa: huolimattomuus, rauha ja epätoivo. Nuori nainen on orgaanisesti kudottu elämän koristeeksi, vanha nainen erottuu hänestä. Kontrasti nuoren naisen tyylitellyn kuvan ja naturalistisen vanhan naisen kuvan välillä muodostuu symbolinen merkitys: elämän ensimmäinen vaihe tuo mukanaan loputtomia mahdollisuuksia ja muodonmuutoksia, viimeinen - muuttumatonta pysyvyyttä ja ristiriitaa todellisuuden kanssa. Kangas ei päästä irti, se tunkeutuu sieluun ja saa ajattelemaan taiteilijan viestin syvyyttä sekä elämän syvyyttä ja väistämättömyyttä.

"Perhe"

Egon Schiele. 1918, öljy kankaalle
Belvedere Gallery, Wien

Schiele oli Klimtin oppilas, mutta, kuten kuka tahansa erinomainen opiskelija, hän ei kopioinut opettajaansa, vaan etsi jotain uutta. Schiele on paljon traagisempi, outo ja pelottavampi kuin Gustav Klimt. Hänen teoksissaan on paljon pornografiaksi kutsuttavaa, erilaisia ​​perversioita, naturalismia ja samalla kipeää epätoivoa. "Perhe" - hänen uusin työ, jossa epätoivo viedään äärimmilleen, huolimatta siitä, että tämä on vähiten oudon näköinen kuva hänestä. Hän maalasi sen juuri ennen kuolemaansa, kun hänen raskaana oleva vaimonsa Edith kuoli espanjantautiin. Hän kuoli 28-vuotiaana, vain kolme päivää Edithin jälkeen, onnistuessaan piirtämään hänet, itsensä ja heidät syntynyt lapsi.

"Kaksi Fridaa"

Frida Kahlo. 1939

Tarina vaikea elämä Meksikolainen taiteilija Frida Kahlo tuli laajalti tunnetuksi sen jälkeen, kun elokuva "Frida" julkaistiin Salma Hayekin kanssa johtavassa asemassa. Kahlo maalasi enimmäkseen omakuvia ja selitti sen yksinkertaisesti: "Maalaan itseni, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten." Frida Kahlo ei hymyile missään omakuvassa: vakavat, jopa surulliset kasvot sulaneena paksut kulmakarvat, hieman havaittavissa olevat viikset tiukasti puristettujen huulten yläpuolella. Hänen maalaustensa ideat ovat salattuja yksityiskohtiin, taustaan, Fridan viereen ilmestyviin hahmoihin. Kahlon symboliikka perustuu kansallisia perinteitä ja liittyy läheisesti intialaiseen mytologiaan esilatinalaisamerikkalaisesta ajasta. Yhdessä niistä parhaat kuvat- "Kaksi Fridaa" - hän ilmaisi maskuliiniset ja feminiiniset periaatteet, jotka hänessä yhdistää yksi verenkiertojärjestelmä, osoittaen hänen koskemattomuuttaan.

"Waterloon silta. Sumuefekti"

Claude Monet. 1899, öljy kankaalle
Valtion Eremitaaši, Pietari

Kun katsot kuvaa lähietäisyydeltä, katsoja ei näe muuta kuin kankaan, jolle levitetään usein paksuja öljyjä. Teoksen kaikki taika paljastuu, kun alamme vähitellen siirtyä kauas kankaasta. Ensin edessämme alkaa ilmestyä käsittämättömiä puoliympyröitä, jotka kulkevat kuvan keskeltä, sitten näemme veneiden selkeät ääriviivat ja siirryttyään noin kahden metrin etäisyydelle kaikki yhdistävät teokset piirretään jyrkästi edessämme ja riviin loogiseen ketjuun.

"Numero 5, 1948"

Jackson Pollock. 1948, kuitulevy, öljy

Tämän kuvan omituisuus on, että amerikkalaisen abstraktin ekspressionismin johtajan kangas, jonka hän maalasi kaatamalla maalia lattialle levitetyn kuitulevyn päälle, on kaikkein eniten. kallis kuva maailmassa. Vuonna 2006 Sotheby'sin huutokaupassa he maksoivat siitä 140 miljoonaa dollaria. David Giffen, elokuvatuottaja ja keräilijä, myi sen meksikolaiselle rahoittajalle David Martinezille. "Olen edelleen luopumassa taiteilijan tavanomaisista työkaluista, kuten maalausteline, paletti ja siveltimet. Pidän mieluummin tikkuista, kauhoista, veitseistä ja kaatomaalasta tai maalin seoksesta hiekan, lasinsirujen tai vastaavan kanssa. Kun olen sisällä maalaus, en ole tietoinen "mitä teen. Ymmärrys tulee myöhemmin. Minulla ei ole pelkoa muuttaa tai tuhota kuvaa, koska kuvalla on oma elämä. Autan vain sen tulemaan esiin. Mutta jos menetän kosketus kuvaan, likaa ja sotkua tulee ulos. Jos ei, niin se on puhdasta harmoniaa, keveyttä, miten otat ja annat."

"Mies ja nainen ulostekasan edessä"

Joan Miro. 1935, kupari, öljy
Joan Miron säätiö, Espanja

Hyvä otsikko. Ja kuka olisi uskonut, että tämä kuva kertoo meille sisällissotien kauhuista. Maalaus tehtiin kuparilevylle viikolla 15.-22.10.1935. Miron mukaan tämä on seurausta yrityksestä kuvata tragediaa sisällissota Espanjassa. Miro sanoi, että tämä on kuva levottomuudesta. Maalauksessa mies ja nainen ojentautuvat toistensa käsivarsiin, mutta eivät liiku. Laajentuneita sukuelimiä ja pahaenteisiä värejä on kuvattu "täynnä inhoa ​​ja inhottavaa seksuaalisuutta".

"Eroosio"

Jacek Yerka

Puolalainen uussurrealisti tunnetaan maailmanlaajuisesti hänen upeita kuvia jossa todellisuudet yhdistyvät luoden uusia. Hänen äärimmäisen yksityiskohtaisia ​​ja jossain määrin koskettavia teoksia on vaikea tarkastella yksitellen, mutta tällainen on materiaalimme muoto, ja meidän piti valita yksi - havainnollistaakseen hänen mielikuvitustaan ​​ja taitojaan. Suosittelemme lukemaan lisää.

"Kädet vastustavat häntä"

Bill Stoneham. 1972

Tätä teosta ei tietenkään voida luokitella maailman taiteen mestariteoksiin, mutta se, että se on outo, on tosiasia. Kuvan ympärillä, jossa on poika, nukke ja kämmenet painettuina lasia vasten, on legendoja. "Tämän kuvan takia he kuolevat" ja "lapset siinä ovat elossa". Kuva näyttää todella kammottavalta, mikä saa aikaan ihmisiä, joilla on heikko psyyke paljon pelkoja ja arvauksia. Taiteilija puolestaan ​​vakuutti, että kuva kuvaa itseään viisivuotiaana, että ovi on esitys jakolinjasta oikea maailma ja unelmamaailma, ja nukke on opas, joka voi johtaa pojan läpi tämän maailman. Kädet edustavat vaihtoehtoisia elämiä tai mahdollisuuksia. Maalaus sai tunnetuksi helmikuussa 2000, kun se listattiin myyntiin eBayssa taustatarinalla, jonka mukaan maalaus oli "kummiteltu". "Hands Resist Him" ​​osti 1 025 dollarilla Kim Smith, joka tulvii kirjeitä pelottavia tarinoita ja vaatii polttamaan maalauksen.

Kuvataide voi antaa monenlaisia ​​tunteita. Jotkut kuvat saavat sinut katsomaan niitä tuntikausia, kun taas toiset kirjaimellisesti järkyttävät, hämmästyttävät ja räjäyttävät maailmankuvasi. On mestariteoksia, jotka saavat sinut ajattelemaan ja etsimään salainen merkitys. Jotkut maalaukset ovat mystisten mysteerien peitossa, kun taas toisissa pääasia on niiden kohtuuttoman korkea hinta.

Maailman maalauksen historiassa on monia outoja maalauksia. Luokituksessamme emme tarkoituksella mainitse Salvador Dalia, joka oli tämän genren mestari ja jonka nimi tulee ensimmäisenä mieleen. Ja vaikka itse omituisuuden käsite on subjektiivinen, voidaan nostaa esiin ne tunnetut teokset, jotka ovat selvästi poikkeavia tavallisista.

Edvard Munch "The Scream" Teos, jonka mitat ovat 91x73,5 cm, on luotu vuonna 1893. Munch maalasi sen öljy-, pastelli- ja temperaväreillä, nykyään maalausta säilytetään Oslon kansallisgalleriassa. Taiteilijan luomuksista on tullut impressionismin maamerkki, se on yleensä yksi kuuluisimmista maalauksista tällä hetkellä maailmassa. Munch itse kertoi sen luomisesta näin: "Kävelin polkua pitkin kahden ystäväni kanssa. Tällä hetkellä aurinko oli laskemassa. Yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, pysähdyin väsyneenä ja nojauduin aitaa vasten. Katsoin verta ja liekkejä sinertävän "mustan vuonon ja kaupungin yllä. Ystäväni jatkoivat matkaa, ja minä seisoin siellä, vapisten jännityksestä ja tunsin loputtoman itkua tunkeutuvan luontoon." Merkityksen tulkinnasta on piirretty kaksi versiota. Voidaan katsoa, ​​että kuvattu hahmo on kauhuissaan ja äänettömästi huutaa painaen kätensä korvilleen. Toinen versio kertoo, että mies sulki korvansa ympärillään olevasta huutamisesta. Kaiken kaikkiaan Munch loi jopa 4 versiota "The Screamista". Jotkut asiantuntijat uskovat, että tämä kuva on klassinen ilmentymä maanis-depressiivisestä psykoosista, josta taiteilija kärsi. Kun Munchia hoidettiin klinikalla, hän ei palannut tälle kankaalle.

Paul Gauguin "Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?". Bostonin taidemuseosta löytyy tämä impressionistinen teos, jonka mitat ovat 139,1 x 374,6 cm. Se on maalattu öljyllä kankaalle vuosina 1897-1898. Gauguin kirjoitti tämän syvällisen teoksen Tahitilla, missä hän vetäytyi hälinästä pariisilaista elämää. Kuvasta tuli taiteilijalle niin tärkeä, että sen lopussa hän halusi jopa tehdä itsemurhan. Gauguin uskoi, että hän oli pää ja hartiat paras, mitä hän oli aiemmin luonut. Taiteilija uskoi, ettei hän voinut enää luoda jotain parempaa tai vastaavaa, hänellä ei yksinkertaisesti ollut enää mitään tavoiteltavaa. Gauguin eli vielä viisi vuotta todistaen tuomionsa totuuden. Hän itse sanoi, että hänen pääkuva on katsottava oikealta vasemmalle. Siinä on kolme pääryhmää hahmoja, jotka persoonallistavat ne kysymykset, joilla kankaalle on oikeus. Kolme naista lapsen kanssa näyttävät elämän alkua, keskellä ihmiset symboloivat kypsyyttä, kun taas vanhuutta edustaa iäkäs nainen, joka odottaa kuolemaansa. Näyttää siltä, ​​että hän on sopeutunut tähän ja ajattelee jotain omaa. Hänen jaloissaan on valkoinen lintu, joka symboloi sanojen merkityksettömyyttä.

Pablo Picasso "Guernica" Picasson luomuksia säilytetään Reina Sofia -museossa Madridissa. iso kuva koko 349 x 776 cm maalattu öljyvärillä kankaalle. Tämä kangas-fresko luotiin vuonna 1937. Kuva kertoo fasististen vapaaehtoisten lentäjien hyökkäyksestä Guernican kaupunkiin. Näiden tapahtumien seurauksena 6 tuhannen asukkaan kaupunki pyyhittiin kokonaan pois maan päältä. Taiteilija loi tämän kuvan vain kuukaudessa. Alkuaikoina Picasso työskenteli 10-12 tuntia, hänen ensimmäisissä luonnoksissaan pääidea oli jo näkyvissä. Tämän seurauksena kuvasta tuli yksi parhaista kuvista kaikista fasismin, julmuuden ja inhimillisen surun kauhuista. "Guernicassa" voidaan ajatella julmuuden, väkivallan, kuoleman, kärsimyksen ja avuttomuuden kohtauksia. Vaikka syitä tähän ei ole nimenomaisesti kerrottu, ne ovat selviä historiasta. Sanotaan, että vuonna 1940 Pablo Picasso jopa kutsuttiin Gestapoon Pariisiin. Häneltä kysyttiin heti: "Teitkö sen?". Mihin taiteilija vastasi: "Ei, sinä teit sen."

Jan van Eyck "Arnolfiinien muotokuva". Tämä maalaus on maalattu vuonna 1434 öljyllä puulle. Mestariteoksen mitat ovat 81,8x59,7 cm, ja sitä on säilytetty Lontoon kansallisgalleriassa. Oletettavasti maalaus kuvaa Giovanni di Nicolao Arnolfiniä vaimonsa kanssa. Teos on yksi vaikeimmista pohjoisen renessanssin länsimaisessa maalauskoulussa. Tässä kuuluisa maalaus valtava määrä symboleja, allegorioita ja erilaisia ​​vihjeitä. Mikä on vain taiteilijan allekirjoitus "Jan van Eyck oli täällä." Tämän seurauksena kuva ei ole vain taideteos, vaan todellinen historiallinen dokumentti. Loppujen lopuksi se kuvaa todellinen tapahtuma, jonka van Eyck vangitsi. Tämä kuva sisään Viime aikoina tuli erittäin suosituksi Venäjällä, koska paljaalla silmällä Arnolfinin samankaltaisuus Vladimir Putinin kanssa on havaittavissa.

Mikhail Vrubel "Istuva demoni". Tretjakovin galleriassa on esillä Mihail Vrubelin mestariteos, joka on maalattu öljyillä vuonna 1890. Kankaan mitat ovat 114x211 cm Tässä kuvattu demoni on yllättävä. Hän näyttää surulliselta nuorelta mieheltä pitkät hiukset. Yleensä ihmiset eivät kuvittele pahoja henkiä tällä tavalla. Vrubel itse sanoi tunnetuimmasta kankaastaan, että demoni ei hänen ymmärryksensä mukaan ole niinkään paha henki kuin kärsivä henki. Samalla ei voida kieltää häneltä auktoriteettia ja majesteettia. Vrubelin demoni on kuva ennen kaikkea ihmishengestä, joka hallitsee sisällämme jatkuvaa taistelua itsemme ja epäilyksiä vastaan. Tämä kukkien ympäröimä olento puristi traagisesti kätensä, sen valtavat silmät katsovat surullisesti kaukaisuuteen. Koko sävellys ilmaisee demonin hahmon rajoituksen. Tuntuu kuin hän olisi tässä kuvassa kuvakehyksen ylä- ja alaosan välissä.

Vasily Vereshchagin "Sodan apoteoosi". Kuva on maalattu vuonna 1871, mutta siinä tekijä näytti ennakoivan tulevien maailmansotien kauhuja. Kankaan koko 127x197 cm on tallennettu Tretjakovin galleriaan. Vereshchaginia pidetään yhtenä Venäjän maalaustaiteen parhaista taistelumaalareista. Hän ei kuitenkaan kirjoittanut sotia ja taisteluita, koska hän rakasti niitä. Taiteilija tarkoittaa Kuvataide Hän yritti välittää ihmisille kielteisen asenteensa sotaa kohtaan. Kerran Vereshchagin jopa lupasi olla kirjoittamatta taistelukuvia enää. Loppujen lopuksi taiteilija otti jokaisen haavoittuneen ja tapetun sotilaan surun liian lähelle sydäntään. Tällaisen sydämellisen asenteen tulos tähän aiheeseen oli "sodan apoteoosi". Kauhea ja lumoava kuva kuvaa ihmisen pääkalloja pellolla korppien ympärillä. Vereshchagin loi tunnekankaan, jokaisen kallon takana valtavassa kasassa, persoonallisuuksien ja heidän läheisten ihmisten historia ja kohtalo voidaan jäljittää. Taiteilija itse kutsui tätä maalausta sarkastisesti asetelmaksi, koska se kuvaa kuollutta luontoa. Kaikki "Apoteoosin sodan" yksityiskohdat huutavat kuolemasta ja tyhjyydestä, tämä näkyy jopa maan keltaisella taustalla. Ja taivaan sininen korostaa vain kuolemaa. Ajatusta sodan kauhuista korostavat luodinreiät ja sapelijäljet ​​kalloissa.

Grant Wood "American Gothic". Tämä pieni kuva sen koko on 74 x 62 cm. Se luotiin vuonna 1930, ja sitä säilytetään nykyään Chicagon taideinstituutissa. Maalaus on yksi eniten kuuluisia esimerkkejä Amerikkalainen taide viime vuosisadalta. Jo meidän aikanamme "amerikkalaisen gootiikan" nimi mainitaan usein tiedotusvälineissä. Kuvassa on melko synkkä isä ja hänen tyttärensä. Lukuisat yksityiskohdat kertovat näiden ihmisten vakavuudesta, puritaanisuudesta ja jäykkyydestä. Heillä on tyytymättömät kasvot, kuvan keskelle ilmestyy aggressiivisia haarukoita ja pariskunnan vaatteet ovat vanhanaikaisia ​​silloistenkin standardien mukaan. Jopa viljelijän vaatteiden sauma seuraa haarukalla muotoa, mikä kaksinkertaistaa uhan niille, jotka loukkaavat hänen elämäntapaansa. Kuvan yksityiskohtia voi tutkia loputtomasti, fyysisesti tunteen epämukavuutta. Mielenkiintoista on, että kerran Chicagon Art Instituten kilpailussa tuomarit hyväksyivät kuvan humoristisena. Mutta Iowan asukkaat loukkasivat taiteilijaa, koska hän asetti heidät niin rumaiseen perspektiiviin. Naisen mallina oli Woodin sisar, mutta maalarin hammaslääkäristä tuli vihaisen miehen prototyyppi.

Rene Magritten rakastajat. Maalaus on maalattu vuonna 1928 öljyllä kankaalle. Tässä tapauksessa on kaksi vaihtoehtoa. Yhdellä heistä mies ja nainen suutelevat, vain heidän päänsä on kääritty valkoiseen liinaan. Toisessa maalauksen versiossa rakastajat katsovat katsojaa. Piirtää ja yllättää ja kiehtoo. Figuurit ilman kasvoja symboloivat rakkauden sokeutta. Tiedetään, että rakastajat eivät näe ketään ympärillä, mutta me emme näe heitä. oikeita tunteita. Jopa toisilleen nämä tunteiden sokaistuneet ihmiset ovat itse asiassa mysteeri. Ja vaikka kuvan pääviesti näyttää selvältä, "Lovers" saa silti katsomaan heitä ja ajattelemaan rakkautta. Magrittessa yleensä lähes kaikki maalaukset ovat arvoituksia, joita on täysin mahdotonta ratkaista. Loppujen lopuksi nämä kankaat herättävät tärkeimmät kysymykset elämämme tarkoituksesta. Niissä taiteilija puhuu näkemämme illusorisuudesta, siitä, että ympärillämme on monia mystisiä asioita, joita yritämme olla huomaamatta.

Marc Chagall "Kävely". Maalaus maalattiin öljyllä kankaalle vuonna 1917, ja sitä säilytetään nykyään Tretjakovin osavaltion galleriassa. Marc Chagall on teoksissaan yleensä vakava, mutta tässä hän salli itsensä näyttää tunteita. Kuva ilmaisee taiteilijan henkilökohtaista onnea, se on täynnä rakkautta ja allegorioita. Hänen "Walk" on omakuva, jossa Chagall kuvasi vaimonsa Bellan vieressään. Hänen valittunsa kohoaa taivaalla, hän aikoo vetää sinne taiteilijan, joka on jo melkein irti maasta, koskettaen sitä vain kenkien kärjillä. Miehen toisessa kädessä on tiainen. Voimme sanoa, että näin Chagall kuvasi onneaan. Hänellä on taivaalla nosturi rakkaan naisen muodossa ja tiainen käsissään, millä hän tarkoitti työtään.

Hieronymus Bosch "Maallisten ilojen puutarha". Tämä 389x220 cm kokoinen kangas säilytetään Espanjan museo Oikein. Bosch maalasi öljymaalauksen puulle vuosina 1500-1510. Tämä on Boschin tunnetuin triptyykki, vaikka maalauksessa on kolme osaa, mutta se on nimetty keskiosan mukaan, joka on omistettu herkullisuudelle. Kummallisen kuvan merkityksestä keskustellaan jatkuvasti, siitä ei ole sellaista tulkintaa, joka tunnustettaisiin ainoaksi oikeaksi. Kiinnostus triptyykkiin näkyy monien takia pieniä osia joka ilmaisee pääajatuksen. Siellä on läpikuultavia hahmoja, epätavallisia rakenteita, hirviöitä, painajaisia ​​ja toteutuneita visioita sekä helvetin todellisuuden muunnelmia. Taiteilija pystyi katsomaan tätä kaikkea terävällä ja etsivällä ilmeellä, kun hän onnistui yhdistämään erilaisia ​​elementtejä yhdeksi kankaaksi. Jotkut tutkijat yrittivät nähdä kuvassa heijastuksen ihmiselämä jonka kirjoittaja on osoittanut turhaksi. Toiset löysivät kuvia rakkaudesta, joku löysi herkkyyden voiton. On kuitenkin kyseenalaista, että kirjoittaja yritti ylistää lihallisia nautintoja. Loppujen lopuksi ihmisten hahmot on kuvattu kylmällä irrallaan ja viattomuudella. Kyllä, ja kirkon viranomaiset reagoivat varsin myönteisesti tähän Boschin maalaukseen.

Gustav Klimt "Naisen kolme aikaa" Tämä maalaus sijaitsee Rooman kansallisessa modernin taiteen galleriassa. Neliön muotoinen 180 cm leveä kangas maalattiin öljyllä kankaalle vuonna 1905. Tämä kuva ilmaisee sekä iloa että surua samanaikaisesti. Taiteilija kolmessa hahmossa pystyi näyttämään naisen koko elämän. Ensimmäinen, vielä lapsi, on erittäin huoleton. Kypsä nainen ilmaisee rauhaa, ja viimeinen ikä symboloi epätoivoa. Jossa keskimääräinen ikä orgaanisesti kudottu elämänkoristeeseen, ja vanha erottuu selvästi taustallaan. Selkeä kontrasti nuoren naisen ja vanhusten välillä on symbolinen. Jos elämän kukoistamiseen liittyy lukuisia mahdollisuuksia ja muutoksia, niin viimeinen vaihe on juurtunutta pysyvyyttä ja ristiriitaa todellisuuden kanssa. Tällainen kuva herättää huomiota ja saa sinut ajattelemaan taiteilijan tarkoitusta, sen syvyyttä. Se sisältää kaiken elämän väistämättömyyteineen ja muodonmuutoksineen.

Egon Schiele "Perhe". Tämä 152,5x162,5 cm:n kangas maalattiin öljyllä vuonna 1918. Nyt sitä säilytetään Wienin Belvederessä. Schielen opettaja oli Klimt itse, mutta opiskelija ei ahkerasti yrittänyt jäljitellä häntä etsiessään omia ilmaisutapojaan. Voimme turvallisesti sanoa, että Schielen työ on vielä paljon traagisempaa, pelottavampaa ja oudompaa kuin Klimtin. Joitakin elementtejä kutsuttaisiin nykyään pornografisiksi, täällä on monia erilaisia ​​perversioita, naturalismi on läsnä kaikessa kauneudessaan. Samalla kuvat ovat kirjaimellisesti jonkinlaisen kipeän epätoivon läpäiseviä. Luovuuden huippu Schiele ja hän itse viimeinen kuva on "perhe". Tässä kankaassa epätoivo saatetaan maksimiin, kun taas itse teos osoittautui tekijän kannalta vähiten oudoksi. Kun Schielen raskaana oleva vaimo kuoli espanjainfluenssaan, ja vähän ennen hänen kuolemaansa, tämä mestariteos luotiin. Vain 3 päivää kului kahden kuoleman välillä, ne riittivät taiteilijalle kuvaamaan itsensä vaimonsa ja syntymättömän lapsensa kanssa. Tuolloin Schiele oli vain 28-vuotias.

Frida Kahlo "Kaksi Fridaa" Maalaus syntyi vuonna 1939. Meksikolainen taiteilija Frida Kahlo tuli kuuluisaksi hänestä kertovan elokuvan julkaisun jälkeen Salma Hayekin nimiroolissa. Taiteilijan työn perustana olivat hänen omakuvansa. Hän itse selitti tämän tosiasian seuraavasti: "Kirjoitan itse, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten." On mielenkiintoista, että Frida ei hymyile millään kankaallaan. Hänen kasvonsa ovat vakavat, jopa hieman surulliset. Sulatut paksut kulmakarvat ja tuskin havaittavat viikset puristettujen huulten yläpuolella ilmaisevat maksimaalista vakavuutta. Maalausten ideat piilevät hahmoissa, taustassa ja yksityiskohdissa Fridaa ympäröivistä asioista. Maalausten symboliikka perustuu Meksikon kansallisiin perinteisiin, jotka ovat kiinteästi kietoutuneet vanhaan intialaiseen mytologiaan. "Kaksi Fridaa" on yksi meksikolaisen parhaista kuvista. Hänessä alkuperäisellä tavalla maskuliiniset ja feminiiniset periaatteet näytetään, ja niillä on yksi verenkiertojärjestelmä. Siten taiteilija osoitti näiden kahden vastakohdan yhtenäisyyden ja eheyden.

Claude Monet "Waterloon silta. Sumuefekti". Pietarin Eremitaašista löydät tämän Monetin maalauksen. Se maalattiin öljyllä kankaalle vuonna 1899. Kuvaa tarkasti tarkasteltaessa se näyttää purppuranpunaiselta täplältä, johon on kohdistettu paksuja viivoja. Kuitenkin poistuessaan kankaasta katsoja ymmärtää kaiken taikuutensa. Aluksi tulee näkyviin kuvan keskellä kulkevia epämääräisiä puoliympyröitä, veneiden ääriviivat tulevat näkyviin. Ja muutaman metrin etäisyydeltä näet jo kaikki kuvan elementit, jotka on yhdistetty loogiseen ketjuun.

Jackson Pollock "Numero 5, 1948". Pollock on abstraktin ekspressionistisen genren klassikko. Hänen kuuluisin maalauksensa on ylivoimaisesti maailman kallein. Ja taiteilija maalasi sen vuonna 1948, vain kaatamalla öljyvärimaalaus kuitulevylle, jonka mitat ovat 240x120 cm lattiaan. Vuonna 2006 tämä maalaus myytiin Sotheby'sissa 140 miljoonalla dollarilla. Edellinen omistaja, keräilijä ja elokuvatuottaja David Giffen myi sen meksikolaiselle rahoittajalle David Martinezille. Pollock kertoi päättäneensä luopua sellaisista tutuista taiteilijatyökaluista kuin maalausteline, maalit ja siveltimet. Hänen työkalujaan olivat kepit, veitset, lapiot ja maalin kaataminen. Hän käytti myös sen seosta hiekan tai jopa lasinsirujen kanssa. Aloittaa luomisen. Pollock antaa itsensä inspiraatiolle edes tajuamatta mitä tekee. Vasta sitten tulee täydellisen oivallus. Samalla taiteilijalla ei ole pelkoa kuvan tuhoamisesta tai muuttamisesta vahingossa - kuva alkaa elää omaa elämäänsä. Pollockin tehtävänä on auttaa häntä syntymään, tulemaan ulos. Mutta jos mestari menettää yhteyden luomaansa, seurauksena on kaaos ja lika. Jos kuva onnistuu, se ilmentää puhdasta harmoniaa, inspiraation vastaanottamisen ja ilmentämisen helppoutta.

Joan Miro "Mies ja nainen ulostekasan edessä". Tätä maalausta säilytetään nyt taiteilijan rahastossa Espanjassa. Se maalattiin öljyllä kuparilevylle vuonna 1935 vain viikossa 15.–22. lokakuuta. Luomuksen koko on vain 23x32 cm. Tällaisesta provosoivasta nimestä huolimatta kuva puhuu sisällissotien kauhuista. Kirjoittaja itse kuvasi näin noiden vuosien tapahtumia Espanjassa. Miro yritti näyttää levottomuutta. Kuvassa näet liikkumattoman miehen ja naisen, jotka kuitenkin vetäytyvät toisiinsa. Kangas on kyllästetty pahaenteisillä myrkyllisillä kukilla, yhdessä laajentuneiden sukuelinten kanssa se näyttää tarkoituksella inhottavalta ja inhottavan seksikkäältä.

Jacek Yerka "Eroosio". Tämän puolalaisen uussurrealistin teoksissa syntyy kuvia todellisuudesta toisiinsa kietoutuneina uutta todellisuutta. Jollain tapaa koskettavatkin kuvat ovat erittäin yksityiskohtaisia. He tuntevat menneisyyden surrealistien kaiut Boschista Daliin. Yerka varttui keskiaikaisen arkkitehtuurin ilmapiirissä, joka selviytyi ihmeellisesti toisen maailmansodan pommituksista. Hän alkoi piirtää jo ennen yliopistoon tuloaan. Siellä he yrittivät muuttaa hänen tyyliään nykyaikaisemmaksi ja vähemmän yksityiskohtaiseksi, mutta Yerka itse säilytti yksilöllisyytensä. Tänään se epätavallisia maalauksia näyttelyssä ei vain Puolassa, vaan myös Saksassa, Ranskassa, Monacossa, Yhdysvalloissa. Niitä on useissa kokoelmissa ympäri maailmaa.

Bill Stoneham "Kädet vastustavat häntä" Vuonna 1972 maalattua maalausta on vaikea kutsua maalauksen klassikoksi. Ei ole kuitenkaan epäilystäkään siitä, että se kuuluu taiteilijoiden omituisimpiin luomuksiin. Kuvassa on poika, nukke seisoo hänen vieressään ja lukuisat kämmenet painautuvat lasia vasten takaapäin. Tämä kangas on outo, salaperäinen ja jossain määrin mystinen. Siitä on tullut jo legendaarinen. He sanovat, että tämän kuvan takia joku kuoli ja siinä olevat lapset ovat elossa. Hän näyttää todella pelottavalta. Ei ole yllättävää, että kuva herättää pelkoja ja kauheita fantasioita ihmisissä, joilla on sairas psyyke. Stoneham itse vakuutti maalanneensa itsensä 5-vuotiaana. Pojan takana oleva ovi on este todellisuuden ja unelmamaailman välillä. Nukke on opas, joka voi johdattaa lapsen maailmasta toiseen. Kädet ovat vaihtoehtoisia elämiä tai ihmisen mahdollisuuksia. Maalauksesta tuli kuuluisa helmikuussa 2000. Se laitettiin myyntiin eBayssa sanoen, että sitä kummittelee. Lopulta Kim Smith osti Hands Resist Himin 1 025 dollarilla. Pian ostaja oli kirjaimellisesti täynnä kirjeitä pelottavia tarinoita liittyvät maalaukseen ja vaatimukset tämän kankaan tuhoamiseksi.

Niistä jaloista taideteoksista, jotka miellyttävät silmää ja aiheuttavat vain positiivisia tunteita, on kankaita, lievästi sanottuna outoja ja järkyttäviä. Esittelemme huomionne 20 maalausta, siveltimeen kuuluvaa maailmankuuluja taiteilijoita, jotka saavat sinut kauhistumaan...

"Menetä mielensä aineesta"

Kuva maalattu 1973 itävaltalainen taiteilija Otto Rapp. Hän kuvasi hajoavaa ihmisen päätä, puettua lintuhäkkiin, jossa on pala lihaa.

"Keskeytetty elävä neekeri"

"Dante ja Virgil helvetissä"

"Helvetti"

"Suuri punainen lohikäärme ja merihirviö"

"Veden henki"

"Necronom IV"

"Lyyttävät Marsyat"

"Pyhän Anthonyn kiusaus"

"Katkaistut päät"

"Huutaa"

"Maratin kuolema"

"Naamarien asetelma"

"Gallowgaten laardi"

"Saturnus syö poikansa"

"Judith Killing Holofernes"

"Painajainen"

"Syyttömien verilöyly"

"Tutkimus Innocentius X Velasquezin muotokuvasta"

"Maallisten ilojen puutarha"

Maalaus, jos ei ota realisteja huomioon, on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa. Metaforinen, etsii uusia muotoja ja ilmaisukeinoja. Mutta jotkut oudot kuvat ovat oudompia kuin toiset.

Jotkut taideteokset näyttävät osuvan katsojaa päähän mykistyneenä ja hämmästyttävänä. Jotkut niistä vetävät sinut ajatuksiin ja etsimään semanttisia kerroksia, salaista symboliikkaa. Jotkut maalaukset ovat salaisuuksien ja mystisten mysteereiden peitossa, ja jotkut yllättävät kohtuuttomalla hinnalla.

On selvää, että "outollisuus" on melko subjektiivinen käsite, ja jokaiselle on hämmästyttäviä maalauksia, jotka erottuvat useista muista taideteoksista. Esimerkiksi Salvador Dalin teoksia ei ole tarkoituksella sisällytetty tähän valikoimaan, jotka kuuluvat täysin tämän materiaalin muotoon ja tulevat ensimmäisenä mieleen.

Salvador Dali

"Nuori neitsyt, joka harjoittaa sodomiaa oman siveytensä sarvilla"

1954

Edvard Munch "Scream"
1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli. 91x73,5 cm
Kansallisgalleria, Oslo

The Screamia pidetään ekspressionistisena maamerkkinä ja yhtenä maailman kuuluisimmista maalauksista.

"Kävelin polkua pitkin kahden ystävän kanssa - aurinko oli laskemassa - yhtäkkiä taivas muuttui verenpunaiseksi, pysähdyin väsyneenä ja nojasin aitaa vasten - katsoin verta ja liekkejä sinimustan vuodon yli ja kaupunki - ystäväni jatkoivat, ja minä seisoin vapisten jännityksestä ja tunsin loputtoman itkun, joka tunkeutuu luontoon", Edvard Munch kertoi maalauksen historiasta.

Kuvatusta on kaksi tulkintaa: sankari itse on kauhun vallassa ja huutaa hiljaa, painaen kätensä korvilleen; tai sankari sulkee korvansa ympärillään soivalta maailman ja luonnon itkulta. Munch kirjoitti 4 versiota "The Screamista", ja on olemassa versio, että tämä kuva on maanis-depressiivisen psykoosin hedelmä, josta taiteilija kärsi. Klinikalla suoritetun hoitojakson jälkeen Munch ei palannut kankaalle.

Paul Gauguin "Mistä me tulimme? Keitä me olemme? Minne olemme menossa?"
1897-1898, öljy kankaalle. 139,1x374,6 cm
Museum of Fine Arts, Boston

Hän kirjoitti syvästi filosofisen kuvan postimpressionistisesta Paul Gauguinista Tahitilla, jonne hän pakeni Pariisista. Teoksen lopussa hän halusi jopa tehdä itsemurhan, koska "Uskon, että tämä kangas ei ole vain parempi kuin kaikki aikaisemmat, enkä koskaan luo parempaa tai edes samanlaista." Hän eli vielä 5 vuotta, ja niin se tapahtui.

Gauguinin itsensä ohjauksessa kuva tulee lukea oikealta vasemmalle - kolme päähahmoryhmää havainnollistavat otsikossa esitettyjä kysymyksiä. Kolme naista, joilla on lapsi, edustavat elämän alkua; keskimmäinen ryhmä symboloi kypsyyden päivittäistä olemassaoloa; viimeisessä ryhmässä taiteilijan mukaan "vanha nainen, joka lähestyy kuolemaa, näyttää sovituneelta ja antautuneen ajatuksiinsa", hänen jaloissaan "outo valkoinen lintu ... edustaa sanojen turhaa".

Pablo Picasso "Guernica"
1937, öljy kankaalle. 349x776 cm
Reina Sofia -museo, Madrid

Picasson vuonna 1937 maalaama valtava fresko "Guernica" kertoo Luftwaffen vapaaehtoisyksikön hyökkäämisestä Guernican kaupunkiin, jonka seurauksena kuudes tuhannes kaupunki tuhoutui kokonaan. Kuva maalattiin vain kuukaudessa - ensimmäisinä työpäivinä kuvan parissa Picasso työskenteli 10-12 tuntia ja jo ensimmäisissä luonnoksissa näkyi pääidea. Tämä on yksi parhaista kuvista fasismin painajaisesta sekä ihmisten julmuudesta ja surusta.

"Guernica" esittää kohtauksia kuolemasta, väkivallasta, julmuudesta, kärsimyksestä ja avuttomuudesta, täsmentämättä niiden välittömiä syitä, mutta ne ovat ilmeisiä. Sanotaan, että vuonna 1940 Pablo Picasso kutsuttiin Gestapoon Pariisiin. Keskustelu kääntyi heti kuvaan. "Teitkö sinä tuon?" - "Ei, sinä teit sen."

Jan van Eyck "Arnolfinin muotokuva"
1434, öljy puulle. 81,8x59,7 cm
Lontoon kansallisgalleria, Lontoo

Muotokuva, oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinista ja hänen vaimostaan, on yksi pohjoisen renessanssin läntisen maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista.

Kuuluisa maalaus on täysin täynnä symboleja, allegorioita ja erilaisia ​​viittauksia - allekirjoitukseen "Jan van Eyck oli täällä", mikä teki siitä paitsi taideteoksen, myös historiallisen asiakirjan, joka vahvistaa todellisen tapahtuman, johon osallistui. taiteilijan toimesta.

Venäjällä kuva on viime vuosina saavuttanut suuren suosion, koska Arnolfini muistuttaa muotokuvaa Vladimir Putinin kanssa.

Mikhail Vrubel "Istuva demoni"
1890, öljy kankaalle. 114x211 cm
Tretjakovin galleria, Moskova

Mikhail Vrubelin maalaus yllättää demonin kuvalla. Surullinen pitkätukkainen kaveri ei ole ollenkaan kuin yleismaailmalliset ajatukset siitä, miltä pahan hengen pitäisi näyttää. Taiteilija itse puhui tunnetuimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän kanssa hallitseva, majesteettinen henki."

Tämä on kuva ihmishengen voimasta, sisäisestä taistelusta, epäilyksistä. Kädet traagisesti ristissä, Demoni istuu surulliset, suuret silmät suunnattuina kaukaisuuteen, kukkien ympäröimänä. Koostumus korostaa demonin hahmon rajoitusta, ikään kuin se olisi kehyksen ylä- ja alapalkkien välissä.

Vasily Vereshchagin "Sodan apoteoosi"
1871, öljy kankaalle. 127x197 cm
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova

Vereshchagin on yksi Venäjän tärkeimmistä taistelumaalareista, mutta hän maalasi sotia ja taisteluita ei siksi, että hän rakasti niitä. Päinvastoin, hän yritti välittää ihmisille kielteisen asenteensa sotaa kohtaan. Kerran Vereshchagin huudahti tunteiden kuumuudessa: "En kirjoita enempää taistelukuvia - se riittää! Otan kirjoittamani liian lähellä sydäntäni, huudan (kirjaimellisesti) jokaisen haavoittuneen ja kuolleen surua." Todennäköisesti tämän huudahduksen tulos oli kauhea ja lumoava kuva "The Apotheosis of War", joka kuvaa peltoa, variksia ja ihmisten pääkalloja.

Kuva on kirjoitettu niin syvästi ja tunteellisesti, että jokaisen tässä pinossa makaavan kallon takana alat nähdä ihmisiä, heidän kohtalonsa ja niiden kohtaloita, jotka eivät enää näe näitä ihmisiä. Vereshchagin itse, surullisen sarkasmin kanssa, kutsui kangasta "asetelmaksi" - se kuvaa "kuollutta luontoa".

Kaikki kuvan yksityiskohdat, mukaan lukien keltainen väri, symboloivat kuolemaa ja tuhoa. Kirkas sininen taivas korostaa kuvan kuolleisuutta. Ajatus "sodan apoteoosista" ilmaistaan ​​myös sapelien arpien ja luodinreikien kautta kalloissa.

Grant Wood "American Gothic"
1930, öljy. 74x62 cm
Chicagon taideinstituutti, Chicago

"American Gothic" on yksi tunnetuimmista kuvista 1900-luvun amerikkalaisessa taiteessa, tunnetuin 1900- ja 2000-lukujen taiteellinen meemi.

Kuva synkän isän ja tyttären kanssa on täynnä yksityiskohtia, jotka kertovat kuvattujen ihmisten ankaruudesta, puritaanisuudesta ja perääntymisestä. Vihaiset kasvot, haarukka keskellä kuvaa, vanhanaikaisia ​​vaatteita jopa 1930-luvun mittakaavassa, paljas kyynärpää, viljelijän vaatteiden saumat, jotka toistavat haarukan muotoa, ja siksi uhka, joka on osoitettu kenelle tahansa joka tunkeutuu. Kaikkia näitä yksityiskohtia voidaan katsoa loputtomiin ja tyrmistyä epämukavuudesta.

Mielenkiintoista on, että Chicagon taideinstituutin kilpailun tuomarit pitivät "goottilaista" "humoristisena ystävänpäivänä", ja Iowan ihmiset loukkaantuivat hirveästi Woodin esittämisestä niin epämiellyttävässä valossa.

Rene Magritte "Rakastajat"
1928, öljy kankaalle

Maalaus "Lovers" ("Lovers") on olemassa kahdessa versiossa. Toisella mies ja nainen, joiden päät on kääritty valkoiseen liinaan, suutelevat ja toisella "katsovat" katsojaa. Kuva yllättää ja kiehtoo. Kahdella kasvottomalla hahmolla Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta. Sokeudesta kaikessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, me emme näe heidän todellisia kasvojaan, ja lisäksi rakastajat ovat mysteeri jopa toisilleen. Mutta tällä näennäisellä selkeydellä jatkamme edelleen Magritten ystävien katselemista ja heidän ajatteluaan.

Lähes kaikki Magritten maalaukset ovat arvoituksia, joita ei voida täysin ratkaista, koska ne herättävät kysymyksiä olemisen olemuksesta. Magritte puhuu koko ajan näkyvän petoksesta, sen piilotetusta mysteeristä, jota emme yleensä huomaa.

Marc Chagall "Kävely"
1917, öljy kankaalle
Valtion Tretjakovin galleria

Yleensä äärimmäisen vakava maalauksessaan Marc Chagall kirjoitti ihastuttavan manifestin omasta onnellisuudestaan, täynnä allegorioita ja rakkautta.

"Walk" on omakuva hänen vaimonsa Bellan kanssa. Hänen rakkaansa kohoaa taivaalla ja näyttää vetäytyvän lentoon ja Chagallille, joka seisoo maassa epävarmana, ikään kuin koskettaisi häntä vain kenkien varpailla. Chagallin toisessa kädessään on tissi - hän on onnellinen, hänellä on tiainen käsissään (luultavasti hänen maalauksensa) ja nosturi taivaalla.

Hieronymus Bosch "Maallisten ilojen puutarha"
1500-1510, öljy puulle. 389x220 cm
Prado, Espanja

"Maallisten nautintojen puutarha" - Hieronymus Boschin kuuluisin triptyykki, joka sai nimensä keskusosan teemasta, on omistettu herkkyyden synnille. Tähän mennessä yhtäkään kuvan käytettävissä olevista tulkinnoista ei ole tunnistettu ainoaksi oikeaksi.

Triptyykin kestävä viehätys ja samalla omituisuus piilee siinä, miten taiteilija ilmaisee pääidean monien yksityiskohtien kautta. Kuva on täynnä läpinäkyviä hahmoja, fantastisia rakenteita, hallusinaatioiksi muuttuneita hirviöitä, helvetin todellisuuden karikatyyrejä, joita hän katsoo tutkivalla, äärimmäisen terävällä katseella.

Jotkut tutkijat halusivat nähdä triptyykissä kuvan ihmiselämästä sen turhamaisuuden prisman ja maallisen rakkauden kuvien kautta, toiset - herkkyyden voiton. Yksittäisten hahmojen tulkinnan syyttömyys ja jonkinlainen irrallisuus sekä kirkon viranomaisten myönteinen asenne tähän työhön saavat kuitenkin epäilemään, voisiko ruumiillisten nautintojen ylistäminen olla sen sisältöä.

Gustav Klimt "Naisen kolme aikaa"
1905, öljy kankaalle. 180x180 cm
Modernin taiteen kansallisgalleria, Rooma

"Three Ages of Woman" on sekä iloinen että surullinen. Siinä tarina naisen elämästä on kirjoitettu kolmessa hahmossa: huolimattomuus, rauha ja epätoivo. Nuori nainen on orgaanisesti kudottu elämän koristeeksi, vanha nainen erottuu hänestä. Kontrasti tyylitellyn nuoren naisen kuvan ja naturalistisen vanhan naisen kuvan välillä saa symbolisen merkityksen: elämän ensimmäinen vaihe tuo mukanaan loputtomia mahdollisuuksia ja muodonmuutoksia, viimeinen on muuttumatonta pysyvyyttä ja ristiriitaa todellisuuden kanssa.

Kangas ei päästä irti, se tunkeutuu sieluun ja saa ajattelemaan taiteilijan viestin syvyyttä sekä elämän syvyyttä ja väistämättömyyttä.

Egon Schiele "Perhe"
1918, öljy kankaalle. 152,5x162,5 cm
Belvedere Gallery, Wien

Schiele oli Klimtin oppilas, mutta, kuten kuka tahansa erinomainen opiskelija, hän ei kopioinut opettajaansa, vaan etsi jotain uutta. Schiele on paljon traagisempi, outo ja pelottavampi kuin Gustav Klimt. Hänen teoksissaan on paljon pornografiaksi kutsuttavaa, erilaisia ​​perversioita, naturalismia ja samalla kipeää epätoivoa.

"Family" on hänen viimeisin teoksensa, jossa epätoivo saatetaan äärimmilleen, vaikka tämä on vähiten oudon näköinen kuva hänestä. Hän maalasi sen juuri ennen kuolemaansa, kun hänen raskaana oleva vaimonsa Edith kuoli espanjantautiin. Hän kuoli 28-vuotiaana vain kolme päivää Edithin jälkeen onnistuessaan piirtämään hänet, itsensä ja heidän syntymättömän lapsensa.

Frida Kahlo "Kaksi Fridaa"
1939

Tarina meksikolaisen taiteilijan Frida Kahlon vaikeasta elämästä tuli laajalti tunnetuksi elokuvan "Frida" julkaisun jälkeen, jonka nimiroolissa oli Salma Hayek. Kahlo maalasi enimmäkseen omakuvia ja selitti sen yksinkertaisesti: "Maalaan itseni, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten."

Frida Kahlo ei hymyile missään omakuvassa: vakavat, jopa surulliset kasvot, yhteensulautuneet paksut kulmakarvat, hieman havaittavissa olevat viikset tiukasti puristetuilla huulilla. Hänen maalaustensa ideat ovat salattuja yksityiskohtiin, taustaan, Fridan viereen ilmestyviin hahmoihin. Kahlon symboliikka perustuu kansallisiin perinteisiin ja liittyy läheisesti intialaiseen mytologiaan.

Yhdessä parhaista maalauksista - "Kaksi Fridaa" - hän ilmaisi maskuliinisia ja feminiinisiä periaatteita, jotka hänessä yhdistää yksi verenkiertojärjestelmä, mikä osoittaa hänen koskemattomuutensa. Lisätietoa Fridasta löydät TÄSTÄ kauniista mielenkiintoisesta postauksesta

Claude Monet "Waterloon silta. Sumuefekti"
1899, öljy kankaalle
Valtion Eremitaaši, Pietari

Kun katsot kuvaa lähietäisyydeltä, katsoja ei näe muuta kuin kankaan, jolle levitetään usein paksuja öljyjä. Teoksen kaikki taika paljastuu, kun alamme vähitellen siirtyä kankaasta kauemmas.

Ensin edessämme alkaa ilmaantua käsittämättömiä puoliympyröitä, jotka kulkevat kuvan keskeltä, sitten näemme veneiden selkeät ääriviivat ja siirrettyään noin kahden metrin etäisyyden kaikki yhdistävät teokset piirretään terävästi ja rivitetään looginen ketju edessämme.

Jackson Pollock "Numero 5, 1948"
1948, kuitulevy, öljy. 240x120 cm

Tämän kuvan omituisuus on, että amerikkalaisen abstraktin ekspressionismin johtajan kangas, jonka hän maalasi kaatamalla maalia lattialle levitetyn kuitulevypalan päälle, on maailman kallein maalaus. Vuonna 2006 Sotheby'sin huutokaupassa he maksoivat siitä 140 miljoonaa dollaria. David Giffen, elokuvatuottaja ja keräilijä, myi sen meksikolaiselle rahoittajalle David Martinezille.

"Pidän jatkuvasti pois taiteilijan tavanomaisista työkaluista, kuten maalausteline, paletti ja siveltimet. Pidän mieluummin tikkuista, kauhoista, veitseistä ja juoksevasta maalista tai maalin sekoituksesta hiekan, lasinsirujen tai minkä tahansa kanssa. Olen maalauksen sisällä, en ymmärrä mitä teen. Ymmärrys tulee myöhemmin. Minulla ei ole pelkoa muuttaa tai tuhota kuvaa, koska kuvalla on oma elämä. Autan vain sen tulemaan ulos. Mutta jos Menetän yhteyden kuvaan, siitä tulee likainen ja sotkuinen, jos ei, niin tämä on puhdasta harmoniaa, ottamisen ja antamisen helppoutta.

Joan Miro "Mies ja nainen ulostekasan edessä"
1935, kupari, öljy, 23x32 cm
Joan Miron säätiö, Espanja

Hyvä otsikko. Ja kuka olisi uskonut, että tämä kuva kertoo meille sisällissotien kauhuista. Maalaus tehtiin kuparilevylle viikolla 15.-22.10.1935.

Miron mukaan tämä on seurausta yrityksestä kuvata Espanjan sisällissodan tragediaa. Miro sanoi, että tämä on kuva levottomuudesta.

Maalaus kuvaa miestä ja naista, jotka ojentavat toistensa käsivarsia, mutta eivät liiku. Laajentuneita sukuelimiä ja pahaenteisiä värejä on kuvattu "täynnä inhoa ​​ja inhottavaa seksuaalisuutta".

Jacek Jerka "Eroosio"

Puolalainen uussurrealisti tunnetaan maailmanlaajuisesti upeista maalauksistaan, joissa realiteetit yhdistyvät luoden uusia.

Bill Stoneham "Kädet vastustavat häntä"
1972

Tätä teosta tuskin voi tietenkään pitää maailmantaiteen mestariteoksena, mutta se, että se on outo, on tosiasia.

Kuvan ympärillä, jossa on poika, nukke ja kämmenet painettuina lasia vasten, on legendoja. "Tämän kuvan takia he kuolevat" ja "lapset siinä ovat elossa". Kuva näyttää todella kammottavalta, mikä herättää paljon pelkoa ja olettamuksia heikon psyyken ihmisissä.

Taiteilija vakuutti, että kuva kuvaa itseään viisivuotiaana, että ovi on esitys todellisen maailman ja unelmamaailman välisestä rajasta ja nukke on opas, joka voi johtaa pojan läpi tämän maailman. Kädet edustavat vaihtoehtoisia elämiä tai mahdollisuuksia.

Maalaus sai tunnetuksi helmikuussa 2000, kun se listattiin myyntiin eBayssa taustatarinalla, jonka mukaan maalaus oli "kummiteltu".

"Hands Resist Him" ​​osti 1 025 dollarilla Kim Smith, joka oli sitten täynnä kirjeitä, joissa oli kammottavia tarinoita siitä, kuinka hallusinaatioita ilmaantui, ihmiset tulivat todella hulluiksi katsoessaan teosta ja vaativat maalauksen polttamista.

Maalaus, jos ei ota realisteja huomioon, on aina ollut, on ja tulee olemaan outoa. Mutta jotkut kuvat ovat oudompia kuin toiset.

On taideteoksia, jotka näyttävät osuvan katsojan päähän, mykistyneenä ja hämmästyttävänä.

Valoisa puoli tarkasti kaikki maailman maalauksen tärkeimmät saavutukset ja valitsi niistä kaksi tusinaa omituisinta maalausta. Emme tarkoituksella sisällyttäneet tähän valikoimaan Salvador Dalia, jonka teokset kuuluvat täysin tämän materiaalin muotoon ja tulevat ensimmäisenä mieleen.

On selvää, että "outollisuus" on melko subjektiivinen käsite, ja jokaiselle on hämmästyttäviä maalauksia, jotka erottuvat useista muista taideteoksista. Olemme iloisia, jos jaat ne kommenteissa ja kerrot meille vähän niistä.

"Huutaa"

Edvard Munch. 1893, pahvi, öljy, tempera, pastelli.

Kansallisgalleria, Oslo.

Kuuluisa maalaus on täysin täynnä symboleja, allegorioita ja erilaisia ​​viittauksia - allekirjoitukseen "Jan van Eyck oli täällä", joka teki maalauksesta paitsi taideteoksen, myös historiallisen asiakirjan, joka vahvistaa tapahtuman todellisuuden. johon taiteilija osallistui.

Muotokuva, oletettavasti Giovanni di Nicolao Arnolfinista ja hänen vaimostaan, on yksi pohjoisen renessanssin läntisen maalauskoulun monimutkaisimmista teoksista.

Venäjällä maalaus on viime vuosina saavuttanut suuren suosion, koska Arnolfini muistutti muotokuvaa Vladimir Putinin kanssa.

"Demoni istuu"

Mihail Vrubel. 1890, öljy kankaalle.

Mikhail Vrubelin maalaus yllättää demonin kuvalla. Hänen surullinen ulkonäkönsä ei ole ollenkaan samanlainen kuin yleismaailmalliset ajatukset siitä, miltä pahan hengen pitäisi näyttää.

Tämä on kuva ihmishengen voimasta, sisäisestä taistelusta, epäilyksistä. Kädet ristissä traagisesti, Demoni istuu kukkien ympäröimänä ja katsoo kaukaisuuteen. Koostumus korostaa hänen hahmonsa rajoitusta, ikään kuin se olisi kehyksen ylä- ja alapalkkien välissä.

Taiteilija itse puhui tunnetuimmasta maalauksestaan: "Demoni ei ole niinkään paha henki kuin kärsivä ja surullinen henki, kaiken tämän kanssa hallitseva, majesteettinen henki."

"Sodan apoteoosi"

Vasili Vereshchagin. 1871, öljy kankaalle.
Valtion Tretjakovin galleria, Moskova.

Kuvan sodan metafora välittyy kirjailijalta niin tarkasti ja syvästi, että jokaisen tässä kasassa makaavan kallon takana alkaa nähdä ihmisiä, heidän kohtalonsa ja niiden kohtaloita, jotka eivät enää koskaan näe näitä ihmisiä. Vereshchagin itse kutsui kangasta sarkastisesti "asetelmaksi" - se kuvaa "kuollutta luontoa". Kaikki kuvan yksityiskohdat, mukaan lukien keltainen väri, symboloivat kuolemaa ja tuhoa. Kirkas sininen taivas korostaa kuvan kuolleisuutta. Ajatus "sodan apoteoosista" ilmaistaan ​​myös sapelien arpien ja luodinreikien kautta kalloissa.

Vereshchagin on yksi Venäjän tärkeimmistä taistelumaalareista, mutta hän maalasi sotia ja taisteluita ei siksi, että hän näki niissä kauneutta ja loistoa. Päinvastoin, taiteilija yritti välittää ihmisille kielteisen asenteensa sotaa kohtaan.

Kerran Vereshchagin huudahti tunteiden kuumuudessa: "En kirjoita enempää taistelukuvia - se riittää! Otan kirjoittamani liian lähellä sydäntäni, huudan (kirjaimellisesti) jokaisen haavoittuneen ja kuolleen surua." Todennäköisesti tämän huudahduksen tulos oli kauhea ja lumoava kuva "Sodan apoteoosi".

"Amerikkalainen gootti"

Grant Wood. 1930, öljy. 74 x 62 cm.

Chicagon taideinstituutti, Chicago.

Kuvassa synkät kuvat isästä ja tyttärestä on täynnä yksityiskohtia, jotka kertovat kuvattujen ihmisten ankaruudesta, puritaanisuudesta ja perääntymisestä. Vihaiset kasvot, haarukka keskellä kuvaa, jopa 1930-luvun mittakaavassa vanhanaikainen, maanviljelijän vaatteiden saumat, jotka seuraavat haarukan muotoa, symbolina uhkasta, joka on osoitettu jokaiselle tunkeutujalle. Kangas on täynnä synkkiä yksityiskohtia, jotka saavat sinut sävähtämään epämukavuudesta.

"American Gothic" on yksi tunnetuimmista kuvista 1900-luvun amerikkalaisessa taiteessa, tunnetuin 1900- ja 2000-lukujen taiteellinen meemi.

Mielenkiintoista on, että Chicagon taideinstituutin kilpailun tuomarit pitivät "goottilaista" "humoristisena ystävänpäivänä", ja Iowan ihmiset loukkaantuivat hirveästi Woodin esittämisestä niin epämiellyttävässä valossa.

"Rakastajat"

Rene Magritte. 1928, öljy kankaalle.

Maalaus "Lovers" ("Lovers") on olemassa kahdessa versiossa. Yhdellä kankaalla mies ja nainen, joiden päät on kääritty valkoiseen liinaan, suutelevat ja toisella ”katsovat” katsojaa. Kuva yllättää ja kiehtoo.

Kahdella kasvottomalla hahmolla Magritte välitti ajatuksen rakkauden sokeudesta. Sokeudesta kaikessa mielessä: rakastajat eivät näe ketään, me emme näe heidän todellisia kasvojaan, ja lisäksi rakastajat ovat mysteeri jopa toisilleen. Mutta tällä näennäisellä selkeydellä jatkamme edelleen Magritten ystävien katselemista ja heidän ajatteluaan.

Lähes kaikki Magritten maalaukset ovat arvoituksia, joita ei voida täysin ratkaista, koska ne herättävät kysymyksiä olemisen olemuksesta. Magritte puhuu koko ajan näkyvän petoksesta, sen piilotetusta mysteeristä, jota emme yleensä huomaa.

"Kävellä"

Marc Chagall. 1917, öljy kankaalle.
Valtion Tretjakovin galleria.

Tarina meksikolaisen taiteilijan Frida Kahlon vaikeasta elämästä tuli laajalti tunnetuksi elokuvan "Frida" julkaisun jälkeen, jonka nimiroolissa oli Salma Hayek. Kahlo maalasi enimmäkseen omakuvia ja selitti sen yksinkertaisesti: "Maalaan itseni, koska vietän paljon aikaa yksin ja koska olen aihe, jonka tunnen parhaiten."

Frida Kahlo ei hymyile missään omakuvassa: vakavat, jopa surulliset kasvot, yhteensulautuneet paksut kulmakarvat, hieman havaittavissa olevat viikset tiukasti puristetuilla huulilla. Taiteilijan ideat on salattu yksityiskohtiin, taustaan, hahmoihin, jotka näkyvät kankaille tekijän kuvan vieressä. Kahlon symboliikka perustuu kansallisiin perinteisiin ja liittyy läheisesti intialaiseen mytologiaan.

Yhdessä parhaista maalauksistaan ​​"Kaksi Fridaa" hän ilmaisi maskuliinisia ja feminiinisiä periaatteita, joita hänessä yhdistää yksi ainoa verenkiertojärjestelmä ja osoittaa hänen koskemattomuutensa.

"Waterloon silta. Sumuefekti"

Claude Monet. 1899, öljy kankaalle.
Valtion Eremitaaši, Pietari.

Hyvä otsikko. Ja kuka olisi uskonut, että tämä teos kertoo meille sisällissotien kauhuista.

Maalaus tehtiin kuparilevylle viikolla 15.-22.10.1935. Miron mukaan tämä on seurausta yrityksestä kuvata Espanjan sisällissodan tragediaa, maalausta levottomuuksien ajasta. Kangas kuvaa miehen ja naisen hahmoja, jotka kurkottavat toisiaan syleissään, mutta eivät liiku. Laajentuneita sukuelimiä ja pahaenteisiä värejä kirjoittaja kuvaili "täynnä inhoa ​​ja inhottavaa seksuaalisuutta".

"Eroosio"

Puolalainen uussurrealisti tunnetaan maailmanlaajuisesti upeista maalauksistaan, joissa realiteetit yhdistyvät luoden uusia. Hänen äärimmäisen yksityiskohtaisia ​​ja jossain määrin koskettavia teoksiaan on vaikea tarkastella yksitellen, mutta sellainen on materiaalimme muoto. Suosittelemme lukemista.

"Kädet vastustavat häntä"

Bill Stoneham. 1972.

Tätä teosta ei tietenkään voida luokitella maailman taiteen mestariteoksiin, mutta se, että se on outo, on tosiasia.

Kuvan ympärillä, jossa on poika, nukke ja kämmenet painettuina lasia vasten, on legendoja. "Tämän kuvan takia he kuolevat" ja "lapset siinä ovat elossa". Kuva näyttää todella kammottavalta, mikä herättää paljon pelkoa ja olettamuksia heikon psyyken ihmisissä.

Taiteilija vakuutti, että kuva kuvaa itseään viisivuotiaana, että ovi on esitys todellisen maailman ja unelmamaailman välisestä rajasta ja nukke on opas, joka voi johtaa pojan läpi tämän maailman. Kädet edustavat vaihtoehtoisia elämiä tai mahdollisuuksia.

Maalaus sai tunnetuksi helmikuussa 2000, kun se listattiin myyntiin eBayssa taustatarinalla, jonka mukaan maalaus oli "kummiteltu". "Hands Resist Him" ​​osti 1 025 dollarilla Kim Smith, joka sitten tulvii kirjeitä, joissa oli kammottavia tarinoita ja vaatimuksia maalauksen polttamisesta.