Kuuluisat renessanssin taiteilijat. Upeita italialaisia ​​taiteilijoita

ANGELICO Fra Beato
Giotto di Bondone
Andrea MANTENA
BELLINI Giovani
BOTTICHELLI Sandro
VERONESE Paolo
da Vinci Leonardo
GIORDONE
CARPACCIO Vittore
Michelangelo Buonarroti
RAFAEL Santi
TITIAN

Renessanssi tai renessanssi -
(ranskalainen renessanssi, italialainen Rinascimento) -
aikakausi eurooppalaisen kulttuurin historiassa,
joka korvasi keskiajan kulttuurin ja
esimodernia kulttuuria.
Aikakauden likimääräinen kronologinen kehys - XIV-XVI vuosisadat.
Renessanssin erottuva piirre on kulttuurin maallinen luonne
ja sen antroposentrismi (eli kiinnostus ennen kaikkea
henkilölle ja hänen toiminnalleen).
Muinaista kulttuuria kiinnostaa,
siellä on ikään kuin sen "herätys" - ja näin termi ilmestyi.

Klassisella täyteydellä renessanssi toteutui Italiassa,
renessanssikulttuurissa, jossa on esirenessanssin kausia
ilmiöt 1200- ja 1300-luvun vaihteessa. (proto-renessanssi), varhainen renessanssi (1400-luku),
Korkea renessanssi (1400-luvun loppu - 1500-luvun ensimmäinen neljännes),
Myöhäisrenessanssi (1500-luku).
Varhaisessa renessanssissa innovaation painopiste
kaikissa taiteen muodoissa on tullut firenzeläinen koulukunta,
arkkitehdit (F. Brunelleschi, L.B. Alberti, B. Rossellino jne.),
kuvanveistäjät (L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, A. Rossellino,
Desiderio da Settignano ym.), maalarit (Masaccio, Filippo Lippi,
Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico,
Sandro Botticelli ja muut), jotka loivat plastisen integraalin,
käsitys maailmasta sisäisen yhtenäisyyden kanssa,
levisi vähitellen kaikkialle Italiaan
(Piero della Francescan luovuus Urbinossa, Vittore Carpaccio,
F. Cossa Ferrarassa, A. Mantegna Mantovassa, Antonello da Messina
ja veljet Gentile ja Giovanni Bellini Venetsiassa).
Korkean renessanssin aikana, kun taistelu humanistista
Renessanssin ihanteet saivat jännittyneen ja sankarillisen luonteen,
arkkitehtuuri ja taide oli merkitty leveydellä
julkinen ääni, synteettinen yleistys ja kuvien voima,
täynnä henkistä ja fyysistä toimintaa.
Rakennuksissa D. Bramante, Raphael, Antonio da Sangallo saavutti
sen apogee täydellinen harmonia, monumentaalisuus ja selkeä mittasuhteet;
humanistinen täyteys, taiteellisen mielikuvituksen rohkea lento,
todellisuuden kattavuus on ominaista suurimman luovuudelle
tämän aikakauden kuvataiteen mestarit - Leonardo da Vinci,
Rafael, Michelangelo, Giorgione, Tizian.
1500-luvun toiselta neljännekseltä, jolloin Italia tuli poliittisen kriisin aikaan
ja pettymys humanismin ideoihin, monien mestareiden työhön
siitä tuli monimutkainen ja dramaattinen.
Myöhäisrenessanssin arkkitehtuurissa (Michelangelo, G. da Vignola,
Giulio Romano, V. Peruzzi) lisäsi kiinnostusta aluekehitykseen
koostumus, rakennuksen alistaminen laajalle kaupunkisuunnittelulle;
julkisten rakennusten, temppelien rikkaassa ja monimutkaisessa kehittämisessä,
huviloita, palazzo selkeä varhaisen renessanssin tektoniikka muuttui
tektonisten voimien kireä konflikti (J. Sansovinon rakennukset,
G. Alessi, M. Sanmicheli, A. Palladio).
Myöhäisrenessanssin maalauksia ja veistoksia rikastettu
ymmärrys maailman epäjohdonmukaisuudesta, kiinnostus kuvaa kohtaan
dramaattinen massatoiminta tiladynamiikkaan
(Paolo Veronese, J. Tintoretto, J. Bassano);
ennennäkemätön syvyys, monimutkaisuus, sisäinen tragedia on saavuttanut
kuvien psykologiset ominaisuudet myöhemmissä teoksissa
Michelangelo ja Titian.

Venetsialainen koulu

Venetsialainen koulu, yksi Italian tärkeimmistä maalauskouluista
Keskitetty Venetsian kaupunkiin (osittain myös Terraferman pienemmissä kaupungeissa)
mantereen alueet Venetsian vieressä).
Venetsialaiselle koululle on ominaista maalauksellisen alun vallitseminen,
erityistä huomiota väriongelmiin, haluun ruumiillistua
olemisen aistillinen täyteys ja värikkyys.
Venetsialainen koulu saavutti aikakauden suurimman vaurautensa
Varhainen ja korkea renessanssi Antonello da Messinan teoksessa,
joka avasi aikalaisilleen öljymaalauksen ilmeikkäät mahdollisuudet,
Giovanni Bellinin ja Giorgionen ihanteellisen harmonisten kuvien luojat,
suurin koloristi Titian, joka ruumiillistui kankailleen
luontainen Venetsialainen maalaus iloisuus ja värikäs runsaus.
1500-luvun 2. puolen venetsialaisen koulukunnan mestareiden teoksissa.
virtuositeetti maailman monivärisyyden siirtämisessä, rakkaus juhlallisiin spektaakkeleihin
ja monipuolinen joukko rinnakkain selkeän ja piilotetun draaman kanssa,
häiritsevä tunne maailmankaikkeuden dynamiikasta ja äärettömyydestä
(maalaus Paolo Veronese ja J. Tintoretto).
17-vuotiaana, perinteinen venetsialaiselle koululle, kiinnostus väriongelmista
D. Fettin, B. Strozzin ja muiden teoksissa esiintyy rinnakkain barokkimaalauksen tekniikoiden kanssa,
sekä realistisia suuntauksia karavaggismin hengessä.
1700-luvun venetsialaiseen maalaukseen. kukoistava
monumentaali- ja koristemaalaus (J. B. Tiepolo),
kotimainen genre (J. B. Piazzetta, P. Longhi),
dokumentti - tarkka arkkitehtoninen maisema - veduta
(G. A. Canaletto, B. Belotto) ja lyyrinen,
välittää hienovaraisesti arjen runollista tunnelmaa
Venetsian kaupunkikuva (F. Guardi).

firenzelainen koulu

Firenzen koulu, yksi Italian johtavista taidekouluista
renessanssin kauden keskipisteenä Firenzen kaupunki.
Firenzen koulukunnan muodostuminen, joka lopulta muotoutui 1400-luvulla,
edistänyt humanistisen ajattelun kukoistamista
(F. Petrarch, J. Boccaccio, Lico della Mirandola ja muut),
kääntyi antiikin perinnön puoleen.
Firenzen koulukunnan esi-isä protorenessanssin aikakaudella oli Giotto,
antaa sävellyksilleen plastista vakuuttavuutta ja
elämän uskottavuus.
1400-luvulla renessanssitaiteen perustaja Firenzessä
arkkitehti F. Brunelleschi, kuvanveistäjä Donatello,
taidemaalari Masaccio, jota seurasi arkkitehti L.B. Alberti,
kuvanveistäjät L. Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano,
Benedetto da Maiano ja muut.
Firenzen koulukunnan arkkitehtuurissa 1400-luvulla. luotiin uusi tyyppi
Renessanssipalatso, ihanteellinen temppelirakennuksen etsiminen aloitettiin,
vastaavat aikakauden humanistisia ihanteita.
1400-luvun firenzeläisen koulukunnan kuvataiteelle. ominaisuus
intohimo näkökulmaongelmiin, halu plastisen selkeään
ihmishahmon rakentaminen
(A. del Verrocchion, P. Uccellon, A. del Castagnon ja muiden teoksia),
ja monille sen mestareista - erityinen henkisyys ja intiimi lyyrisyys
mietiskely (maalaus B. Gozzoli, Sandro Botticelli,
Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo ja muut).
1400-luvun mestareiden etsintä. valmistuneet suuret renessanssin taiteilijat
Leonardo da Vinci ja Michelangelo, jotka nostivat taiteellisen etsinnän
Firenzen koulu uudelle laadulliselle tasolle. 1520-luvulla
koulun asteittainen rappeutuminen alkaa siitä huolimatta
että monet suuret taiteilijat jatkoivat työskentelyä Firenzessä
(maalarit Fra Bartolommeo ja Andrea del Sarto, kuvanveistäjä A. Sansovino);
1530-luvulta Firenzen koulusta tulee yksi tärkeimmistä keskuksista
manierismin taide (arkkitehti ja taidemaalari G. Vasari,
maalarit A. Bronzino, J. Pontormo).
1600-luvulla firenzeläinen koulu rapistuu.

Varhainen renessanssi

Niin kutsutun "varhaisen renessanssin" ajanjakso kattaa
Italiassa aika on 1420-1500.
Näiden kahdeksankymmenen vuoden aikana taide ei ole vielä täysin hylännyt
lähimenneisyyden perinteistä, mutta yrittää sekoittaa niihin elementtejä
lainattu klassisesta antiikista.
Vasta myöhemmin, ja vain pikkuhiljaa, yhä vahvemman vaikutuksen alaisena
ja vahvempi kuin elämän ja kulttuurin muuttuvat olosuhteet,
taiteilijat hylkäävät kokonaan keskiaikaiset perustukset ja käyttävät niitä rohkeasti
esimerkkejä muinaisesta taiteesta, kuten heidän teostensa yleisessä käsitteessä,
sekä niiden yksityiskohdissa.

Kun taas taide Italiassa kulki jo päättäväisesti jäljittelyn polkua
klassinen antiikin aika, muissa maissa se kesti pitkään
Goottilaiset perinteet. Alppien pohjoispuolella ja myös Espanjassa,
Herätys tulee vasta 1400-luvun lopulla,
ja sen alkuvaihe kestää noin seuraavan vuosisadan puoliväliin,
tuottamatta kuitenkaan mitään erityisen merkittävää.

Korkea renessanssi

Renessanssin toinen ajanjakso - hänen tyylinsä upeimman kehityksen aika -
kutsutaan yleisesti "korkea renessanssiksi"
se ulottuu Italiassa noin vuodesta 1500 vuoteen 1580.
Tällä hetkellä Italian taiteen painopiste Firenzestä
muuttaa Roomaan, kiitos Julius II:n nousemisen paavin valtaistuimelle,
kunnianhimoinen, rohkea ja yritteliäs henkilö,
houkutteli hänen pihaansa parhaat taiteilijat Italia,
miehittämällä heidät lukuisilla ja tärkeillä teoilla ja antamisella
toiset ovat esimerkki rakkaudesta taiteeseen. Samaan aikaan paavi ja hänen välittömät seuraajansa,
Roomasta tulee ikään kuin Perikleen ajan uusi Ateena:
se luo paljon monumentaalisia rakennuksia,
tehdään upeita veistoksia,
maalataan freskoja ja maalauksia, joita pidetään edelleen maalauksen helminä;
samaan aikaan kaikki kolme taiteenalaa kulkevat harmonisesti käsi kädessä,
auttamaan toisiaan ja toimimaan toistensa hyväksi.
Antiikkia tutkitaan nyt perusteellisemmin,
toistettu tiukemmin ja johdonmukaisemmin;
rauhallisuus ja arvokkuus asettuvat leikkisän kauneuden sijasta,
joka muodosti edellisen ajanjakson pyrkimyksen;
keskiajan muistot katoavat kokonaan, ja melko klassinen
jälki laskeutuu kaikkiin taiteen luomuksiin.
Mutta muinaisten jäljittely ei peitä heidän itsenäisyyttään taiteilijoissa,
ja he suurella kekseliäisyydellä ja mielikuvituksen eloisalla,
vapaasti käsitellä ja soveltaa tapaukseen mitä
mitä he pitävät sopivana lainata hänelle kreikkalais-roomalaisesta taiteesta.

Myöhäisrenessanssi

renessanssin kolmas ajanjakso
niin sanottu "myöhäisrenessanssin" aika,
tunnusomaista on taiteilijoiden intohimoinen, levoton pyrkimys
melko mielivaltaisesti, ilman järkevää järjestystä, kehittää
ja yhdistää antiikkiaiheita, saavuttaa kuvitteellinen maalauksellinen
muotojen liioittelua ja uteliaisuutta.
Merkkejä tästä halusta, joka synnytti barokkityylin,
ja sitten 1700-luvulla rokokootyyli esiteltiin takaisin
edellisen ajanjakson aikana suurelta osin tahattomasta tuottamuksesta
suuri Michelangelo, hänen nerokas, mutta liian subjektiivinen
luovuus, joka antoi vaarallisen esimerkin erittäin vapaasta asenteesta
muinaisen taiteen periaatteisiin ja muotoihin; mutta nyt suunta
siitä on tehty yleismaailmallinen.

****************************************************

ANGELICO, FRA BEATO -
(Fra Giovanni da Fiesole) (Angelico, fra Beato; fra Giovanni da Fiesole)
(n. 1400–1455), italialainen firenzeläisen koulukunnan taidemaalari.
Hänen teoksissaan yhdistyi syvä uskonnollinen sisältö ja tyylin hienostuneisuus;
Goottilainen kuvaperinne ja renessanssin uuden taiteen piirteet.
Fra Angelico, maailmassa, joka kantaa nimeä Guido di Piero (Guido di Piero),
syntynyt Vicchiossa Toscanassa noin vuonna 1400. Vuodelta 1417 peräisin olevassa asiakirjassa
hänet mainitaan jo taiteilijana; se on myös tiedossa
että ennen vuotta 1423 Fiesolessa hän astui dominikaaniseen ritarikuntaan ja sai nimen Fra Giovanni da Fiesole,
ja myöhemmin oli apotti San Marcon luostarissa Firenzessä.
Monet teokset johtuvat Fra Angelicon työn alkukaudesta,
Nykyään pidetään hänen opiskelijoidensa töitä, muunnelmia hänen sävellyksiensä teemoista.
Yksi taiteilijan ensimmäisistä suurista teoksista on Linaiuoli-triptyykki luostarista
San Marco Firenzessä (1433-1435), jonka keskiosassa on Neitsyt ja lapsi
valtaistuimella ja sivusiivellä on kaksi pyhää. Jumalanäidin hahmo esitetään perinteisesti,
ja seisovien pyhimysten kuvauksessa on havaittavissa Masaccion maalauksen vaikutus raskaalla ja jäykällä kasvojen mallinnusllaan.
Fra Angelico oli 1430- ja 1440-luvuilla yksi ensimmäisistä, joka ryhtyi käyttämään uudentyyppistä alttaritaulua.
josta tuli erittäin suosittu renessanssin aikana, - sacra conversazione (pyhä keskustelu).
Vuosina 1438–1445 taiteilija maalasi firenzeläisen San Marcon luostarin freskoilla.
Arkkitehti rakensi uudelleen tämän luostarin, jonka paavi Eugenius IV antoi dominikaaniselle veljeskunnalle.
Michelozzo herttua Cosimo de' Medicin toimesta. Seinämaalausten teema liittyy Dominikaaniseen järjestykseen,
sen historia, peruskirja, erityisesti kunnioitetut pyhät.
Esimerkkinä ovat luostarin freskot (Kuollut Kristus; Kristus vaeltajan muodossa,
jonka vastaanottaa kaksi dominikaanista munkkia; Pyhä Pietari marttyyri (dominikaanien pääpyhimys);
Pyhä Dominic polvistumassa krusifiksin luona).
Kaptuaalisalissa Fra Angelico maalasi suuren teoksen Ristiinnaulitseminen kahdella varkaalla
Kristuksen puolella ja joukko pyhiä kaikilta kristinuskon aikakausilta, kokoontuneena ristin juurelle.
Heidän surulliset kasvonsa ovat kääntyneet maahan, eikä yksikään heistä katso ylös Kristukseen;
taiteilija kuvasi ristiinnaulitsemista ei niin historiallinen tapahtuma mutta mystisenä kuvana,
elää ihmisen mielessä.
San Marcon luostarin freskot ovat täynnä Kristuksen jäljittelyn henkeä - mystistä uskonnollista tutkielmaa,
kirjoittanut augustinolainen kaanoni Tuomas Kempis.
Jokainen selli oli myös koristeltu freskoilla, jotka oli tarkoitettu veljien rakentamiseen,
esimerkiksi sävellys The Mocking of Christ. Näiden freskojen tunnelma vastaa yksinkertaisuutta ja
maalaamisen rauhallinen hillitseminen.
Fra Angelico vietti elämänsä viimeiset kymmenen vuotta Roomassa, jossa hän koristeli kappelin freskoilla.
Paavi Nikolai V (1445-1448). Seinämaalausten aiheet ovat katkelmia St. Lawrence ja St. Stephen.
Suunnittelun mukaan nämä olivat pikemminkin kerrontakohtauksia kuin rukouskuvia.
He käyttävät monimutkaisia ​​arkkitehtonisia taustoja, jotka tuntevat olevansa tietoisia rakentamisestaan.
antiikin taiteen mestari, ja tarkasti tarkastetuissa perspektiivirakenteissa näkyy vaikutus
Masaccio ja Brunelleschi.

Neitsyt Marian kruunaus

Pyhän kidutus. Cosmas ja Damian

*********************************************

Giotto di Bondone - syntynyt 1266 tai 1267
Vespignanon kylässä Firenzen lähellä pienen maanomistajan perheessä.
Oletettavasti 10-vuotiaana Giotto alkoi opiskella maalausta.
kuuluisan firenzeläisen taidemaalarin Cimabuen työpajassa.
Giotto oli Firenzen kansalainen, vaikka hän työskenteli myös Assisissa, Roomassa, Padovassa,
Napoli ja Milano. Hänen lahjakkuutensa taiteilijana ja käytännöllinen bisnestaito varmistivat
hän on hyvässä kunnossa. Huolimatta siitä, että Giotton työpaja menestyi,
historia on säilyttänyt vain muutamia hänen nimellään allekirjoitettuja maalauksia,
ja jopa ne kuuluvat asiantuntijoiden mukaan todennäköisesti hänen avustajiensa harjaan.
Giotton kirkas persoonallisuus erottuu joukosta italialaiset mestarit Proto-renessanssi,
ensinnäkin taipumus uudistua, luoda uutta taiteellista tapaa,
määritti tulevan renessanssin klassisen tyylin.
Hänen maalauksensa ilmentää ajatusta ihmisyydestä ja kantaa humanismin ensimmäisiä alkeita.
Vuosina 1290-99. Giotto maalasi San Francescon ylemmän kirkon Assisissa
25 frescoa, jotka kuvaavat kohtauksia Vanhasta testamentista sekä jaksoja Franciscus Assisilaisen elämästä
("Lähteen ihme"). Freskot erottuvat selkeydestä, yksinkertaisesta kerronnasta,
arkisten yksityiskohtien läsnäolo, jotka antavat kuvattuihin kohtauksiin elinvoimaa ja luonnollisuutta.
Hylkäämällä kirkon kaanonin, joka hallitsi sen ajan taidetta,
Giotto esittää hahmonsa oikeiksi ihmisiksi:
oikeasuhteiset, kyykkyvartalot, pyöreät (eikä pitkänomaiset) kasvot,
oikea silmien leikkaus jne. Hänen pyhimyksensä eivät leiju maan päällä, vaan seisovat lujasti sen päällä molemmin jaloin.
He ajattelevat enemmän maallista kuin taivaallista ja kokevat täysin inhimillisiä tunteita ja tunteita.
Ensimmäistä kertaa italialaisen maalauksen historiassa maalauksen sankarien mielentila
välittää ilmeet, eleet, asennon.
Perinteisen kultaisen taustan sijaan Giotton freskot kuvaavat maisemaa,
sisätilat tai veistosryhmät basilikojen julkisivuissa.
Jokaisessa sävellyksessä taiteilija kuvaa vain yhden toiminnan hetken,
pikemminkin kuin peräkkäin erilaisia ​​kohtauksia, kuten monet hänen aikalaisensa tekivät.
1300-luvun alussa. taiteilija vieraili Roomassa.
Tutustuminen myöhään antiikkimaalaukseen ja P. Cavallinin teoksiin
myötävaikutti hänen luovan menetelmänsä kehittämiseen.
Luovia saavutuksia Giottoa kehitettiin edelleen Scrovegnin kappelin seinämaalauksissa
(chapels del Arena) Padovassa, hänen tekemänsä vuosina 1304-06.
Sijaitsee kappelin seinillä 3 kerroksessa,
freskot kuvaavat kohtauksia Joachimin ja Annan elämästä
("Joachim paimenten joukossa", "Joachimin uhri", "Joachimin unelma", "Kokous Kultaisella portilla"),
Neitsyt Maria ja Kristus ("Syntymä", "Magien palvonta", "Lento Egyptiin",
"Syyttömien verilöyly", "Kristuksen kaste", "Lasaruksen ylösnousemus",
"Judas saa palkkaa pettämisestä", "Judas Kiss",
"Ristin kantaminen", "Ristiinnaulitseminen", "Kristuksen valitus", "Ylösnousemus"),
sekä kohtauksia viimeisestä tuomiosta.
Nämä maalaukset ovat pääteos ja taiteilijan työn huippu.
Vuonna 1300-02. Giotto maalaa Badian kirkossa Firenzessä.
1310-20 mennessä. tutkijat omistavat kuuluisan alttaritaulun "Ognissanti Madonna".
Sävellystä ei ole allekirjoitettu, mutta tutkijat yksimielisesti antavat sen Giottolle.
1320-luvulla. Giotto luo freskoja Peruzzin ja Bardin kappeleihin
Firenzessä Santa Crocen kirkossa Johannes Kastajan elämän teemoista,
Johannes evankelista ja Franciscus Assisilainen
("Stigmatization of St. Francis", "The Death and Ascension of St. Francis").
Vuosina 1328-33. Giotto teki lukuisten opiskelijoiden avulla maalauksia
Anjoun kuningas Robertin napolilainen hovi, joka myönsi taiteilijalle "tuomioistuimen" tittelin.
Vuodesta 1334 lähtien Giotto johti Santa Maria del Fioren katedraalin rakentamista
ja Firenzen kaupungin linnoitukset, jotka saivat laajan tunnustuksen keskuudessa
aikalaiset ja Firenzen kansalaiset. Giotto on tunnustettu campanile-projektista
(kellotorni) Firenzen katedraalista (aloitettu vuonna 1334, rakentaminen jatkui).
vuosina 1337-43 Andrea Pisano, valmistunut noin 1359 F. Talentin toimesta).
Giotto oli naimisissa kahdesti ja hänellä oli kahdeksan lasta.
Vuonna 1337 Giotto kuoli.

1. Joachim vetäytyy autiomaahan

2.Madonna ja lapsi

3. Sureva enkeli 1

4. St. Clara Assisilainen

5. Stigmatisointi St. Francis

6. St. Stephen

7. Joulu

8. Neitsyt syntymä

9. Marian tuominen temppeliin

10. Pieta, fragmentti

11. Neitsyt ja lapsi valtaistuimelle

12. Evankelista Johannes Patmosella

ANDREA MANTENA -
(Mantegna, Andrea) (n. 1431–1506),
yksi Pohjois-Italian suurimmista renessanssin maalareista.
Mantegna yhdisti 1400-luvun renessanssimestarien tärkeimmät taiteelliset pyrkimykset:
intohimo antiikkiin, kiinnostus tarkkuuteen ja perusteelliseen, pienimpiä yksityiskohtia myöten,
siirtää luonnolliset ilmiöt ja epäitsekäs usko lineaariseen perspektiiviin
keinona luoda illuusion tilasta tasossa.
Hänen työstään tuli tärkein linkki varhainen renessanssi Firenzessä
ja myöhempi taiteen kukoistus Pohjois-Italiassa.
Mantegna syntyi n. 1431; vuosina 1441-1445 hän oli ilmoittautunut Padovan taidemaalarikiltaan
paikallisen taiteilijan ja antiikkimiehen Francesco Squarcionen adoptiopoikana,
jonka työpajassa hän työskenteli vuoteen 1448 asti.
Vuonna 1449 Mantegna alkoi luoda freskokoristeita Eremitani-kirkolle Padovassa.
Vuonna 1454 Mantegna meni naimisiin Nicolosan, venetsialaisen taidemaalarin Jacopo Bellinin tyttären kanssa.
kahden merkittävän 1400-luvun mestarin sisar. - Gentile ja Giovanni Bellini.
Vuosina 1456-1459 hän maalasi alttaritaulun Veronan San Zenon kirkolle. Vuonna 1460,
Hyväksyessään Mantovan markiisin Lodovico Gonzagan kutsun Mantegna asettui hänen hoviinsa.
Vuosina 1466-1467 hän vieraili Toscanassa ja 1488-1490 Roomassa,
jossa hän paavi Innocentius VIII:n pyynnöstä koristeli kappelinsa freskoilla.
Korotettu ritariarvoon, korkeassa asemassa hovissa,
Mantegna palveli Gonzagan perhettä elämänsä loppuun asti. Mantegna kuoli 13. syyskuuta 1506.
16. toukokuuta 1446 Mantegna ja kolme muuta taiteilijaa saivat tehtäväkseen maalata Ovetari-kappelin.
Padovan Eremitani-kirkossa (tuhoutui toisen maailmansodan aikana).
Mantegna omistaa suurimman osan freskojen luomisesta (1449-1455),
ja hänen taiteellinen tyylinsä hallitsee yhtyettä.
Pyhän Jaakobin kohtaus Herodes Agrippan edessä Ovetari-kappelissa on esimerkki tyylistä
Mantegnan työn alkuvaiheessa.
Muissa tämän ajan Mantegnan maalauksissa, kuten Rukous kupin puolesta
(Lontoo, National Gallery), ei vain ihmishahmoja toteuteta jäykällä lineaarisella tavalla,
mutta myös maisema, jossa jokainen kivi ja ruohonkorsi on taiteilijan huolella tutkittu ja maalaama,
ja kivet ovat täynnä murtumia ja halkeamia.
Veronan San Zenon kirkon (1457–1459) alttaritaulu on kuvallinen tulkinta
kuuluisa veistoksellinen alttari St. Anthony, jonka on luonut Donatello
Sant Antonion (Santo) basilikalle Padovassa. Mantegnan triptyykillä on kehys,
valmistettu korkeasta kohokuviosta ja jäljittelevät klassisen arkkitehtuurin elementtejä.
Yksi merkittävimmistä esimerkeistä tilaillusionistisesta maalauksesta
Mantegna on vuonna 1474 valmistunut maalaus Camera degli Sposista Mantovan Palazzo Ducalessa.
Freskot muuttavat neliön huoneen visuaalisesti kevyeksi, ilmavaksi paviljongiksi,
ikään kuin seiniin kirjoitetuilla verhoilla kahdelta puolelta suljettu ja kahdelta muulta puolelta avautuva
kuva Gonzagan hovista ja maisemapanoraama taustalla.
Mantegnan holvi jaettiin osastoihin ja sijoitettiin niihin runsaalla antiikkiesineellä
koristekuvia Rooman keisarien rintakuvista ja klassisen mytologian kohtauksista.
Holvin yläosassa on pyöreä ikkuna, josta näkyy taivas;
rikkaasti pukeutuneet hahmot katsovat alas kaiteelta voimakkaan perspektiivin pienennyksenä.
Tämä freskokokonaisuus ei ole vain yksi ensimmäisistä uudessa eurooppalaisessa taiteessa
esimerkkejä illusorisen tilan luomisesta tasolle, mutta myös erittäin terävänä ja täsmällisenä kokoelmana
tulkita muotokuvia (Gonzaga-perheen jäseniä).
Yksiväristen maalausten sykli Caesarin voitto (1482–1492) tilasi Francesco Gonzaga
ja se oli tarkoitettu koristamaan Mantovan palatsiteatteria; nämä maalaukset ovat huonosti säilyneet
ja ovat tällä hetkellä Hampton Court Palacessa Lontoossa.
Yhdeksässä suuressa kankaassa on pitkä kulkue, jossa on valtava määrä muinaisia ​​veistoksia,
panssari, palkinnot. Hänen liikkeensä huipentuu juhlalliseen vaiheeseen voittajan keisarin edessä. Maalaukset heijastavat Mantegnan laajaa tietämystä muinaisesta taiteesta ja klassisesta kirjallisuudesta.
Tässä syklissä ja Madonna della Vittoriassa (1496, Pariisi, Louvre), joka on kirjoitettu Gonzagan sotilaallisen voiton muistoksi,
Mantegnan taide saavutti suurimman monumentaalisuuden. Niiden muodot ovat tilavia, eleet vakuuttavia ja selkeitä,
tilaa tulkitaan laajasti ja vapaasti.
Francesco Gonzagan vaimon Isabella d "Esten studiolle (kabinetille) Mantegna kirjoitti kaksi sävellystä
mytologisista teemoista (kolmas jäi kesken): Parnassus (1497) ja Minerva,
paheiden karkoittaminen (1502, molemmat Louvressa). Ne osoittavat jonkin verran Mantegnan tyylin pehmenemistä,
liittyy uuteen ymmärrykseen maisemasta. Belvederen kappelin freskokoriste,
Mantegna teloitti paavi Innocentius VIII:lle vuonna 1488, valitettavasti katosi aikana
Vatikaanin palatsin laajennus Pius VI:n paavin aikana.
Huolimatta siitä, että vain seitsemän kaiverrusta voidaan epäilemättä katsoa kuuluvan Mantegnan käsiin,
mestarin vaikutus tämän taiteen kehitykseen on valtava. Hänen kaiverrus Madonna ja lapsi -näyttelyistä
kuinka orgaanisesti taiteilijan tyyli voi esiintyä graafisessa tekniikassa,
sen luontainen joustavuus ja linjan terävyys, joka kiinnittää kaivertajan leikkurin liikkeen.
Muita Mantegnaan liittyviä kaiverruksia ovat merijumalien taistelu (Lontoo, British Museum)
ja Judith (Firenze, Uffizi-galleria).

1. Ristiinnaulitseminen, 1457-1460.

2. Madonna ja lapsi.
1457-59. Kappale

3. Rukous kupista.
Noin 1460

4. Kardinaali Carlo Medicin muotokuva.
Vuosien 1450 ja 1466 välillä

5. Kamera degli Sposi.
Oculus. 1471-74

6. Kamera degli Sposi. Fragmentti pohjoisesta muurista.

7. Kamera degli Sposi. Fragmentti itämaasta.

8. Merijumalien taistelu.
1470-luku

9.St. Sebastian.
Noin 1480

10. Madonna kivissä.
1489-90

12. Madonna della Vittoria.
1496

13. Parnassus.
1497, Louvre, Pariisi

14. Simson ja Delila. Noin 1500
National Gallery, Lontoo

****************************

BELLINI Giovanni -
Bellini, italialaisten taiteilijoiden perhe,
renessanssin taiteen perustaja Venetsiassa.
Perheen pää on Jacopo Bellini (noin 1400-1470/71)
pehmeällä kuvien lyyrisyydellä hän piti yhteyttä gootiikan perinteisiin
("Madonna ja lapsi", 1448, Brera Gallery, Milano).
Hänen piirustuksissaan, täynnä eläviä havaintoja
(luonnoksia muinaisista monumenteista, arkkitehtonisia fantasioita),
heijasteli kiinnostusta perspektiiviongelmiin, A. Mantegnan ja P. Uccellon vaikutuksiin.
Gentile Bellinin (noin 1429–1507), Jacopo Bellinin pojan, nimellä
liittyy venetsialaisen genren syntymään - historiallinen maalaus,
("Procession in Piazza San Marco", 1496, "Pyhän Ristin ihme", 1500, -
molemmat Accademia Galleryssä, Venetsiassa). Giovanni Bellini (noin 1430-1516),
Venetsian koulun suurimman mestarin Jacopo Bellinin toinen poika, joka laski
korkean renessanssin taiteen perusta Venetsiassa.
Dramaattisen teräviä, kylmiä värejä varhaisia ​​Giovanni Bellinin teoksia
("Kristuksen valitus", noin 1470, Brera Gallery, Milano) 1470-luvun lopulla
muuttua harmonisesti selkeitä kuvia jossa majesteettisia ihmiskuvia
henkistetty maisema on konsonantti (ns. "Järven Madonna", 1490-luku, Uffizi;
"Feast of the Gods", National Gallery of Art, Washington).
Giovanni Bellinin teoksia, mukaan lukien hänen monet madonnansa
("Madonna puiden kanssa", 1487, Accademia Gallery, Venetsia; "Madonna", 1488,
Accademia Carrara, Bergamo), erottuu sointuvien,
kuin aurinko, kylläiset värit ja chiaroscuron sävyjen hienovaraisuus,
rauhallinen juhlallisuus, lyyrinen mietiskely ja selkeä kuvien runous.
Giovanni Bellinin teoksessa, yhdessä klassisesti järjestetyn sävellyksen kanssa
Renessanssialttaritaulu ("Madonna istui pyhien ympäröimänä", 1505,
San Zaccarian kirkko, Venetsia) muodosti täyden kiinnostuksen ihmiseen
(Doge L. Loredanin muotokuva, 1502, National Gallery, Lontoo;
muotokuva condottieresta, 1480, National Gallery, Washington).

1. "Pyhä Yrjö ja lohikäärme" alttarin yksityiskohta, 1470

2. "Kreikkalainen Madonna"
1460

3. "Condottiere-muotokuva"
1480

4. "Jumalien juhla"
1514

5. "Ristiinnaulitseminen"
1501-1503

6. "Madonna ja lapsi"
1480

7. "Hyve"
1500

8. "Pyhä Hieronymus lukemassa luonnossa"
1460

9. "Muutos"
1485

10. "Rukous kupin puolesta"
(Agony in the garden) noin 1470

11. "Madonna ja lapsi siunauksella"
1510, Brera Collection, Milano

12. "Kiirastulen allegooria" (vas. ranska)
1490-1500, Uffizi-galleria

13."Neljä allegoriaa
Sinnikkyys ja kohtalo", 1490

14. "Allegoria Kiirastulista" (oikealla fr)
1490-1500, Uffizi-galleria

15." Neljä allegoriaa
Varovaisuutta ja valhetta", 1490

16. "Alasti nuori nainen peilin kanssa"
1505-1510, Kunsthistorisches Museum, Wien

****************************

Botticelli Sandro -
[oikeastaan ​​Alesandro di Mariano Filipepi, Alessandro di Mariano Filipepi]
(1445–1510), italialainen varhaisrenessanssin maalari.
Kuului firenzeläiseen kouluun, noin 1465-1466 hän opiskeli Filippo Lipin johdolla;
vuosina 1481–1482 hän työskenteli Roomassa. Botticellin varhaisille teoksille on ominaista
selkeä tilanrakentaminen, selkeä valo- ja varjostusmuovaus, kiinnostus arjen yksityiskohtiin
("The Adoration of the Magi", noin 1476-1471,). 1470-luvun lopusta, Botticellin lähentymisen jälkeen
Firenzen Medici-hallitsijoiden hovin ja firenzeläisten humanistien piirin kanssa,
hänen työssään aristokratian ja hienostuneisuuden piirteet korostuvat, maalauksia ilmestyy
antiikki- ja allegorisista teemoista, joihin on upotettu aistillisia pakanallisia kuvia
ylevä ja samalla runollinen, lyyrinen henkisyys
("Kevät", noin 1477-1478, "Venuksen syntymä", noin 1483-1485, molemmat Uffizissa).
Maiseman animaatio, hahmojen hauras kauneus, valon musikaalisuus, värisevät linjat,
hienojen värien läpinäkyvyys, ikään kuin reflekseistä kudottu, luo niihin tunnelman
unelmointia ja lievää surua.
Botticellin vuosina 1481-1482 tekemissä freskoissa Sikstuksen kappelissa Vatikaanissa
("Kohtauksia Mooseksen elämästä", "Korahin, Datanin ja Abironin rangaistus" jne.)
maiseman ja muinaisen arkkitehtuurin majesteettinen harmonia yhdistyy
juonen sisäinen jännitys, terävyys muotokuvan ominaisuudet, luontainen,
sekä hienovaraisten vivahteiden etsiminen sisäinen tila ihmisen sielu,
ja maalausteline muotokuvia mestarista (Giuliano Medicin muotokuva, 1470-luku, Bergamo;
nuoren miehen muotokuva mitalilla, 1474, Uffizi Gallery, Firenze).
1490-luvulla sosiaalisten levottomuuksien ja mystis-askeettisen aikakauden aikana
munkin Savonarolan saarnat, draaman nuotit ilmestyvät Botticellin taiteeseen
ja uskonnollinen korotus ("Slander", vuoden 1495 jälkeen, Uffizi), mutta hänen piirustuksensa
Danten jumalalliseen komediaan (1492–1497, Kaiverruskabinetti, Berliini ja Vatikaanin kirjasto)
emotionaalisen ilmeisyyden terävyyden ansiosta ne säilyttävät viivan keveyden ja renessanssin kuvien selkeyden.

1. "Simoneta Vespuccin muotokuva" noin vuodelta 1480

2. "Allegoria hyveestä"
1495

3. "Lucretian historia"
noin 1500

4. "Nuoren miehen muotokuva mitalilla"

5. "Mystinen joulu"
noin 1500

6. "Korahin, Datanin ja Abironin rangaistus"

7. "Pyhä Augustinus Siunattu"
noin 1480

8. "Julistus"
noin 1490

9. "Madonna Magnificat"
1486

10. "Madonna granaattiomenalla"
1487

11. "Magien palvonta"
Zanobin alttari 1475

12. "Panjaus"
1495

13. "Venus ja Mars"
1482-1483

14. "Kevät" 1477-1478
Uffizi-galleria, Firenze

15. "Madonna kirjan kanssa" 1485
Poldi Pezzoli -museo, Milano

16 "Athena Pallas ja Kentauri" 1482
Uffizi-galleria, Firenze

17. "Venuksen syntymä" noin 1482
Uffizi-galleria, Firenze

18. Sikstuksen kappelin fresko
(yksityiskohta) 1482 Rooma, Vatikaani

19. "Nastagio degli Onestin tarina"
noin 1485 Prado, Madrid

****************************

VERONESE Paolo -(Veronese; Cagliari, Caliari) Paolo (1528–1588),
Italialainen myöhäisrenessanssin maalari.
Hän opiskeli veronalaisen taidemaalarin A. Badilen johdolla; työskenteli pääasiassa Venetsiassa sekä Veronassa, Mantovassa, Vicenzassa, Padovassa, vuonna 1560, mahdollisesti vieraili Roomassa. Veronesen 1550-luvun puoliväliin mennessä kehittynyt taiteellinen tyyli ilmensi venetsialaisen maalauskoulun parhaita piirteitä: kevyt, taiteellisesti hienostunut piirustus ja muodon plastisuus yhdistyvät hienoon väripalettiin, joka perustuu puhtaiden värien monimutkaisiin yhdistelmiin. jota yhdistää hohtava hopeanhohtoinen sävy.

1. "Mooseksen löytäminen"
1580

2. "Pyhän Antoniuksen kiusaus"
1567

3. "Pyhän Justinian uhri"
1573

4. "Daniele Barbaron muotokuva"
1569

5. "Kristus ja samarialainen nainen" (yksityiskohta)
1582

6. Golgata
1570-luku

7. "Mars ja Venus"
1570-luku

8. "Allegoria rakkaudesta. Petos"
1570

9. "Pyhä Lucia"
1580

10. "Kristus Emmauksessa"
1570-luku

11. "Pyhien Markuksen ja Marcilianuksen teloitus"
1578

12. "juhla Simonin talossa"
noin 1581

13. "Enkelit"
(fragmentti. "Nainen Sebediasta ja Kristuksesta")

14. "Uiva Susanna"
1570-luku, Louvre, Pariisi

15. "Älä koske minuun!" 1570-luku
Grenoblen taidemuseo

16 "Bathsheban kylpeminen" 1570-luku
Museum of Fine Arts, Lyon

****************************

LEONARDO DA VINCI -
(Leonardo da Vinci) (1452-1519),
Italialainen taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti, tiedemies ja insinööri.
Korkean renessanssin taiteellisen kulttuurin perustaja,
Leonardo da Vinci kehittyi mestariksi,
opiskelee Firenzessä A. del Verrocchion johdolla.
Työskentelymenetelmät Verrocchion työpajassa, jossa taiteellista harjoittelua
yhdistettynä teknisiin kokeiluihin,
sekä ystävyys tähtitieteilijä P. Toscanellin kanssa vaikutti
nuoren da Vincin tieteellisten etujen ilmaantuminen.

1. "Madonna pyörivällä pyörällä" 1501

2. "Neitsyt ja lapsi Pyhän Annan kanssa"
noin 1507

3. "Bacchus"
1510-1513

4. "Johannes Kastaja"
1513-1517

5. "Leda ja joutsen"
1490-1500 luvulla

6 "Madonna neilikka kanssa" 1473

7."Beatrice d"Esten muotokuva"
1490-luku

8 "Ginevra Bencin muotokuva"
1476

9. "Julistus"
1472-1475

10. "Viimeinen ehtoollinen"
(keskifragmentti) 1495-1497, Milano

11. Freskon "Viimeinen ehtoollinen" restaurointiversio
(keskipala)

12. "Madonna Litta"
noin 1491, Eremitaaši, Pietari

13. "Nainen hermellin kanssa" 1485-1490
Kansallismuseo, Krakova

14. "Muusikon muotokuva" 1490
Pinacoteca Ambrosiana, Milano

15. "Mona Lisa" (La Gioconda)
1503-1506, Louvre, Pariisi

16 "Madonna Benois" 1478
Eremitaaši, Pietari

17. "Tuntemattoman muotokuva"
1490, Louvre, Pariisi

18. "Madonna in the Rocks" n. 1511
National Gallery, Lontoo

****************************

GEORGIONE -
(Giorgione; itse asiassa Giorgio Barbarelli da Castelfranco,
Barbarelli da Castelfranco) (1476 tai 1477–1510),
Italialainen taidemaalari, yksi perustajista
korkean renessanssin taidetta.
Luultavasti opiskeli Giovanni Bellinin johdolla
oli lähellä venetsialaisten humanistien piiriä,
Hän oli myös kuuluisa laulajana ja muusikkona.
Yhdessä uskonnollisten aiheiden sävellyksistä
("The Adoration of the Shepherds", National Gallery of Art, Washington).
Giorgione loi maalauksia maallisista, mytologisista aiheista,
juuri hänen työssään ne saivat hallitsevan merkityksen.

1. Ukkosmyrsky
1505

2. "Soturi orjansa kanssa"
1509

3."Madonna nousi valtaistuimelle
ja pyhät" 1505

4. "Madonna maisemassa"
1503

5. "Kolme elämänaikaa"
1510

6. "Madonna kirjan kanssa"
1509-1510

7. "Mooseksen löytäminen"
1505

8. "Paimenten palvonta"
noin 1505

9. "Antonio Broccardon muotokuva"

10. "Maakonsertti"
1510

11. "Vanhan naisen muotokuva"
noin 1510

12. "Ceres"
noin 1508

13. "Nuoren miehen muotokuva"
noin 1506

14. "Auringonlaskun aikaan"
1506

15. "Madonna ja lapsi pyhien kanssa"
1510

16. "Judith" noin 1504
Eremitaaši, Pietari

17 "Laura" 1506
Kunsthistorisches Museum, Wien

18. "Nukkuva Venus"
noin 1510, Dresdenin galleria

19. "Kolme filosofia" 1508
Kunsthistorisches Museum, Wien

****************************

CARPACCIO Vittore -
(Carpaccio) Vittore
(noin 1455 tai 1456 - noin 1526),
Italialainen varhaisrenessanssin maalari.
Opiskeli Gentile Bellinin kanssa; työskennellyt Venetsiassa.
Carpaccio tulkitsi legendaariset pyhät tapahtumat todellisiksi kohtauksiksi,
käytetty nykyajan Venetsian tilassa,
niihin sisältyy kaupunkimaisemia ja sisätiloja, lukuisia genre-yksityiskohtia,
toistaa elävästi kaupunkilaisten elämää (maalausjaksot Pyhän Ursulan elämästä, 1490-1495,
Academy Gallery, Venetsia ja St. George ja St. Hieronymus, 1502-1507,
Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venetsia).
Teoksissa on mukana halu luoda kokonaisvaltainen kuva universumista
Carpaccio kiehtovalla kertomuksella,
runollinen ja hieman naiivi yksityiskohtien tuoreus.
Hienovaraisesti välittää valo-ilmaympäristön pehmentävän vaikutuksen
paikallisten väripisteiden ääniä,
Carpaccio valmisteli 1500-luvun venetsialaisen maalauskoulun koloristiset löydöt.

1. "Pyhiinvaeltajien saapuminen
Kölniin"
1490

2. "Madonna, Johannes Kastaja ja pyhät"
1498

3. "Pyhän Markuksen leijona"
(kappale)
1516

4. "Pyhän Stephenin kiista"
Pyhän Stefanoksen elämä
1514

5. "Vapahtaja ja neljä apostolia"
1480

6. "Pyhä Yrjö surmaa lohikäärmeen"
1502-1508

7. "Pyhän Ursulan apoteoosi"
1491

8. "Kymmenen tuhannen tappaminen"
1515

9. "Seleniittien kaste Pyhän Yrjön toimesta"
1507

10. "Nuori ritari" 1510,
Thyssen-Bornemisza Collection, Madrid

11. "Allegoria. Kristuksen kärsimys"
1506 Metropolitan, New York

12. "Pyhiinvaeltajien tapaaminen paavin kanssa"
1493, Accademia Gallery, Venetsia

13. "Pyhän ristin ihme"
1494, Accademia Gallery, Venetsia

****************************

Michelangelo Buonarotti -
(Michelangelo Buonarroti; alias Michelangelo di Lodovico di Lionardo di Buonarroti Simoni)
(1475-1564), italialainen kuvanveistäjä, taidemaalari, arkkitehti ja runoilija
Michelangelon taiteessa suurella ilmaisuvoimalla he ilmenivät syvästi ihmisinä,
täynnä sankarillista patosta, korkean renessanssin ihanteita ja traagista kriisin tunnetta
humanistinen maailmankuva, joka on tyypillistä myöhäisrenessanssin ajalle.
Michelangelo opiskeli Firenzessä D. Ghirlandaion (1488-1489) työpajassa ja
kuvanveistäjä Bertoldo di Giovanni (1489-1490),
Michelangelon luovan kehityksen ratkaiseva tekijä oli kuitenkin hänen tuttavuutensa
Giotton, Donatellon, Masaccion, Jacopo della Quercian teoksilla,
muinaisten muovien monumenttien tutkimus.
Michelangelon työ
josta tuli Italian renessanssin loistava viimeinen vaihe,
sillä oli valtava rooli eurooppalaisen taiteen kehityksessä,
suurelta osin valmisteli manierismin muodostumista,
oli suuri vaikutus barokin periaatteiden lisäämiseen.

1. Sikstuksen kappelin holvin maalaus

2.Lunettet (profeetat ja paavit)

3. Yksityiskohta maalauksesta "Adatamin luominen"

4. Yksityiskohta "Profeetat Jeremia ja Jesaja"

5. Yksityiskohta maalauksesta "Eevan luominen"

6. "Pyhä perhe" 1506

7. Sikstuksen kappeli
"Tulva"

8. Sikstuksen kappeli
"Libyan Sibyl"

9. Sikstuksen kappeli
"Valon erottaminen pimeydestä"

10. Sikstuksen kappeli
"Syksy"

11. Sikstuksen kappeli
"Eritrealainen Sibyl"

12. Sikstuksen kappeli
"Profeetta Sakarja"

****************************

RAFAEL Santi -
(oikeastaan ​​Raffaello Santi tai Sanzio, Raffaello Santi, Sanzio)
(1483-1520), italialainen taidemaalari ja arkkitehti.
Hänen työssään, suurimmalla selkeydellä, ruumiillistuneena
humanistiset esitykset korkeasta renessanssista
kauniista ja täydellisestä ihmisestä, joka elää sopusoinnussa maailman kanssa,
aikakaudelle ominaisia ​​elämänvakistavan kauneuden ihanteita.
Taidemaalari Giovanni Santin poika Raphael vietti varhaisvuodet Urbinossa,
vuosina 1500-1504 hän opiskeli Peruginon johdolla Perugiassa.
Tämän ajanjakson teoksia leimaa hienovarainen runous
ja pehmeää lyriikkaa maisemataustoista.
Rafaelin taide, jolla oli valtava vaikutus eurooppalaiseen maalaukseen XVI-XIX
ja osittain 1900-luvulta, vuosisatojen ajan säilytetty taiteilijoille ja katsojille
kiistattoman taiteellisen auktoriteetin ja mallin arvo.

1 "Madonna Granduk"
1504

2. "Madonna dell'Impannata"
1504

3. "Madonna vihreässä"
noin 1508

4. "Pyhä perhe tammen alla"
1518

5. "Pyhän Nikolauksen alttari"
(fragm.) 1501

6. "Pyhän Yrjön taistelu lohikäärmeen kanssa"
1502

7. "Kolme armoa"
1502

8. "Unelma ritarista"
1502

9. "Galatean voitto"
1514

10. "Ansidein madonna"
noin 1504

11. "Ristin kantaminen"
1516

12. "Pyhä Mikael ja lohikäärme"
1514

13. "Aadam ja Eeva"
1509-1511

14. "John of Aragon"
1518

15. "Nainen yksisarvisen kanssa"
noin 1502

16. "Margarita Lutin muotokuva"
1519

17. "Baltasar Castiglionen muotokuva" 1515

18 "Madonna Kanidzhani" 1508
Alte Pinakothek, München

19 "Madonna Conestabile" 1502-1504
Eremitaaši, Pietari

20 "Näky Hesekielistä" 1515
Palazzo Pitti, Firenze

21 "Siktuksen Madonna" 1514
Taidegalleria, Dresden

****************************

TITIAN -
(oikeastaan ​​Tiziano Vecellio, Tiziano Veccellio),
(1476/77 tai 1480-1576),
Aikakauden italialainen taidemaalari
Korkea ja myöhäisrenessanssi.
Opiskeli Venetsiassa Giovanni Bellinin johdolla
jonka työpajassa hänestä tuli läheinen Giorgione;
työskenteli Venetsiassa sekä Padovassa, Ferrarassa, Mantovassa, Urbinossa, Roomassa ja Augsburgissa.
Läheisesti yhteydessä venetsialaisiin taidepiireihin
(Giorgione, J. Sansovino, kirjailija P. Aretino ja muut),
Venetsian maalauskoulun erinomainen mestari,
Titian ilmensi teoksissaan renessanssin humanistisia ihanteita.
Hänen elämää vahvistava taiteensa on monipuolinen,
todellisuuden kattavuus, aikakauden syvien dramaattisten konfliktien paljastaminen.
Tizianin maalaustekniikalla oli poikkeuksellinen vaikutus tulevaisuuteen,
1900-luvulle asti, maailman kuvataiteen kehitys.

1. "Maallinen rakkaus"
(Turhamaisuus) 1515

2. "Diana ja Callisto"
1556 - 1559

3. "Bacchus ja Ariadne"
1523-1524

4. "Euroopan sieppaus"
1559 - 1562

5. "Syksy"
1570

6. "Flora"
1515

7 "Iolanta"
(La Bella Gatta)

8 "Federigo Gonzaga of Mantova"
1525

9. "Venus peilillä" 1555

10. "Danae ja Cupid"
1546

11. "Rakkaus maallista ja taivaallista"
1510

12. "Nuoren naisen muotokuva"
noin 1530, Eremitaaši, Pietari

13. "Katuva Maria Magdaleena"
1560-luku, Eremitaaši, Pietari

14 "Diana ja Actaeon" 1556
kansallinen Skotlannin galleria, Edinburgh

15. "Bacchanalia"
1525, Louvre-museo, Pariisi

16. "Urbinon Venus"
1538, Uffizi, Firenze

17. "Venus ja Adonis"
1554, Prado, Madrid

****************************

Renessanssi alkoi Italiassa. Se sai nimensä 1300-luvulla alkaneen voimakkaan älyllisen ja taiteellisen kukoistuksen ansiosta, joka vaikutti suuresti eurooppalaiseen yhteiskuntaan ja kulttuuriin. Renessanssi ilmaantui paitsi maalauksissa, myös arkkitehtuurissa, kuvanveistossa ja kirjallisuudessa. Renessanssin näkyvimmät edustajat ovat Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo ja Raphael.

Näinä aikoina maalareiden päätavoitteena oli realistinen ihmiskehon kuvaus, joten he maalasivat pääasiassa ihmisiä, kuvasivat erilaisia ​​uskonnollisia aiheita. Myös perspektiiviperiaate keksittiin, mikä avasi uusia mahdollisuuksia taiteilijoille.

Firenzestä tuli renessanssin keskus, jota seurasi Venetsia ja myöhemmin, lähempänä 1500-lukua, Rooma.

Leonardo tunnetaan renessanssin lahjakkaana maalarina, kuvanveistäjänä, tiedemiehenä, insinöörinä ja arkkitehtina. Suurimman osan elämästään Leonardo työskenteli Firenzessä, missä hän loi monia kaikkialla maailmassa tunnettuja mestariteoksia. Heidän joukossaan: "Mona Lisa" (muuten - "La Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benois", "John the Baptist" ja "St. Anna Marian ja Kristuslapsen kanssa.

Tämä taiteilija on tunnistettavissa hänen vuosien varrella kehittämänsä ainutlaatuisen tyylin ansiosta. Hän maalasi myös Sikstuksen kappelin seinät paavi Sixtus IV:n henkilökohtaisesta pyynnöstä. Botticelli maalasi kuuluisia maalauksia mytologisista aiheista. Tällaisia ​​maalauksia ovat "Kevät", "Pallas ja kentaur", "Venuksen syntymä".

Titian oli firenzeläisen taiteilijakoulun johtaja. Opettajansa Bellinin kuoleman jälkeen Titianista tuli Venetsian tasavallan virallinen, yleisesti tunnustettu taiteilija. Tämä taidemaalari tunnetaan muotokuvistaan ​​uskonnollisista aiheista: "Marian taivaaseenastuminen", "Danae", "Maallinen rakkaus ja taivaallinen rakkaus".

Italialainen runoilija, kuvanveistäjä, arkkitehti ja taiteilija kuvasi monia mestariteoksia, joista - kuuluisa patsas"David" marmorista. Tästä patsaasta on tullut Firenzen tärkein nähtävyys. Michelangelo maalasi Sikstuksen kappelin holvin Vatikaanissa, mikä oli suuri tilaus paavi Julius II:lta. Työnsä aikana hän kiinnitti enemmän huomiota arkkitehtuuriin, mutta antoi meille "Pyhän Pietarin ristiinnaulitsemisen", "Hautaus", "Aadamin luominen", "Ennustaja".

Hänen työnsä syntyi Leonardo da Vincin ja Michelangelon suuren vaikutuksen alaisena, joiden ansiosta hän sai korvaamatonta kokemusta ja taitoa. Hän maalasi Vatikaanin valtiohuoneita, jotka edustavat ihmisen toimintaa ja kuvasivat erilaisia ​​kohtauksia Raamatusta. Rafaelin kuuluisien maalausten joukossa ovat "Siktuksen Madonna", "Kolme armoa", "Pyhä Mikael ja paholainen".

Ivan Sergeevich Tseregorodtsev

Korkean renessanssin aikakausi (1400-luvun loppu - 1500-luvun ensimmäinen neljännes) on täydellisyyden ja vapauden aikaa. Muiden tämän aikakauden taiteen muotojen tavoin maalausta leimaa syvä usko ihmiseen, hänen luoviin voimiinsa ja hänen mielensä voimaan. Korkean renessanssin mestareiden maalauksissa kauneuden, humanismin ja harmonian ihanteet hallitsevat, niissä oleva henkilö on maailmankaikkeuden perusta.

Tämän ajan maalarit käyttävät helposti kaikkia esittämiskeinoja: värejä, ilmalla, valolla ja varjolla rikastettuja ja piirustuksia, vapaata ja terävää; heillä on täysin oma näkökulma ja volyymit. Ihmiset hengittävät ja liikkuvat taiteilijoiden kankailla, heidän tunteensa ja kokemuksensa vaikuttavat syvästi tunnepitoisilta.

Tämä aikakausi antoi maailmalle neljä neroa - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titian. Heidän maalauksessaan korkearenessanssin piirteet - ihanteet ja harmonia yhdistettynä kuvien syvyyteen ja elinvoimaisuuteen - ilmenivät selkeimmin.

Leonardo da Vinci

Piero da Vinci syntyi notaarille 15. huhtikuuta 1452 pienessä italialaisessa Vincin kaupungissa, joka sijaitsee Firenzen lähellä. avioton poika. Hänet nimettiin Leonardo di ser Piero d'Antonioksi. Pojan äiti, tietty Katerina, meni naimisiin talonpojan kanssa vähän myöhemmin. Isä ei hylännyt aviotonta vauvaa, hän otti hänet ylös ja antoi hänelle hyvän koulutuksen. Vuosi Leonardon isoisän Antonion kuoleman jälkeen vuonna 1469 notaari lähtee perheensä kanssa Firenzeen.

Jo kanssa Alkuvuosina Leonardo kehittää intohimoa piirtämiseen. Tämän huomattuaan isä lähettää pojan opiskelemaan yhden tuon ajan tunnetuimman kuvanveiston, maalauksen ja korujen mestarin, Andrea Verrocchion (1435-1488) luo. Verrocchion työpajan loisto oli epätavallisen suuri. Kaupungin jaloilta asukkailta saatiin jatkuvasti monia tilauksia maalausten ja veistosten toteuttamisesta. Ei ollut sattumaa, että Andrea Verrocchio nautti suuresta arvovallasta oppilaidensa keskuudessa. Aikalaiset pitivät häntä lahjakkaimpana Firenzen renessanssin ideoiden seuraajana maalauksessa ja kuvanveistossa.

Verrocchion innovaatio taiteilijana liittyy ensisijaisesti kuvan uudelleenajatteluun, joka saa taiteilijalta naturalistisia piirteitä. Verrocchion työpajasta on säilynyt hyvin vähän teoksia tähän päivään asti. Tutkijat uskovat, että kuuluisa "Kristuksen kaste" luotiin tässä työpajassa. Lisäksi on todettu, että maalauksen taustalla oleva maisema ja sen vasemmassa osassa olevat enkelit kuuluvat Leonardon siveltimeen.

Jo tässä varhaisessa työssä tulevan kuuluisan taiteilijan luova yksilöllisyys ja kypsyys ilmeni. Leonardon käsin maalaama maisema eroaa huomattavasti Verrocchion itsensä luontomaalauksista. Nuorelle taiteilijalle kuuluvana se on ikään kuin kevyen sumun peitossa ja symboloi tilan äärettömyyttä ja äärettömyyttä.

Leonardon luomat kuvat ovat myös alkuperäisiä. Syvä tuntemus ihmiskehon ja sen sielun anatomiasta antoi taiteilijalle mahdollisuuden luoda epätavallisen ilmeikkäitä kuvia enkeleistä. Valon ja varjon leikin hallinta auttoi taiteilijaa kuvaamaan eloisia, dynaamisia hahmoja. Näyttää siltä, ​​​​että enkelit jäätyivät vain hetkeksi. Kuluu vielä muutama minuutti - ja he heräävät henkiin, liikkuvat, puhuvat ...

Taidekriitikot ja da Vincin elämäkerran kirjoittajat väittävät, että vuoteen 1472 mennessä Leonardo lähtee Verrocchion työpajasta ja tulee taidemaalarien työpajan mestari. Vuodesta 1480 lähtien hän kääntyi kuvanveiston puoleen, joka Leonardon mukaan oli yksinkertaisin tapa ilmaista ihmiskehon liikkeiden dynamiikkaa. Siitä lähtien hän on työskennellyt Taideakatemiassa - se oli Pyhän Markuksen aukion puutarhassa sijaitsevan työpajan nimi, joka perustettiin Lorenzo the Magnificentin aloitteesta.

Vuonna 1480 Leonardo sai tilauksen San Donato Scopeton kirkosta taiteellisesta sävellyksestä "The Adoration of the Magi".

Leonardo ei asunut kauan Firenzessä. Vuonna 1482 hän lähtee Milanoon. Luultavasti tähän päätökseen vaikutti suuresti se, että taiteilijaa ei kutsuttu Roomaan työskentelemään Sikstuksen kappelin maalaamisen parissa. Tavalla tai toisella, pian mestari ilmestyi kuuluisan italialaisen kaupungin herttua Ludovico Sforzan eteen. Milanolaiset toivottivat Leonardon lämpimästi tervetulleeksi. Hän asettui ja asui pitkään Porta Ticinesen kaupunginosassa. Ja seuraavana vuonna 1483 hän kirjoitti alttaritaulun, joka tilattiin Immacolata-kappelille San Francesco Granden kirkossa. Tämä mestariteos tunnettiin myöhemmin nimellä Madonna of the Rocks.

Samoihin aikoihin Leonardo työskentelee Francesco Sforzan pronssisen monumentin parissa. Luonnokset, testiluonnokset ja valukappaleet eivät kuitenkaan voineet ilmaista taiteilijan tarkoitusta. Työ jäi kesken.

Vuosina 1489–1490 Leonardo da Vinci maalasi Castello Sforzescon Gian Galeazzo Sforzan avioliittopäivänä.

Melkein koko vuoden 1494 Leonardo da Vinci omistautuu uudelle ammatille - hydrauliikalle. Saman Sforzan aloitteesta Leonardo kehittää ja toteuttaa hankkeen Lombard-tasangon alueen tyhjentämiseksi. Kuitenkin jo vuonna 1495 kuvataiteen suurin mestari palasi maalaamiseen. Tästä vuodesta on tulossa alkuvaiheessa kuuluisan "Viimeinen ehtoollinen" -freskon luomisen historiassa, joka koristi Santa Maria delle Grazie -kirkon lähellä sijaitsevan luostarin ruokasalin seiniä.

Vuonna 1496, kun Ranskan kuningas Ludvig XII hyökkäsi Milanon herttuakuntaan, Leonardo lähti kaupungista. Hän muuttaa ensin Mantovaan ja asettuu sitten Venetsiaan.

Vuodesta 1503 lähtien taiteilija on asunut Firenzessä ja työskennellyt yhdessä Michelangelon kanssa Palazzo Signorian Suuren neuvoston salin maalaamisessa. Leonardon piti kuvata "Anghiarin taistelua". Jatkuvasti luovassa etsinnässä oleva mestari kuitenkin usein hylkää aloittamansa työn. Niin tapahtui "Anghiarin taistelun" kanssa - fresko jäi kesken. Taidehistorioitsijat ehdottavat, että kuuluisa Gioconda luotiin silloin.

Vuodesta 1506 vuoteen 1507 Leonardo asui jälleen Milanossa. Vuodesta 1512 lähtien herttua Maximilian Sforza on hallinnut siellä. 24. syyskuuta 1512 Leonardo päättää lähteä Milanosta ja asettua opiskelijoidensa kanssa Roomaan. Täällä hän ei vain maalaa, vaan myös kääntyy matematiikan ja muiden tieteiden tutkimiseen.

Saatuaan kutsun Ranskan kuningas Francis I:ltä toukokuussa 1513 Leonardo da Vinci muutti Amboiseen. Täällä hän asuu kuolemaansa asti: hän maalaa, sisustaa juhlapäiviä ja työskentelee Ranskan jokien hyödyntämiseen tähtäävien hankkeiden käytännön sovellusten parissa.

2. toukokuuta 1519 suuri taiteilija kuolee. Leonardo da Vinci on haudattu San Fiorentinon Amboisen kirkkoon. Uskonnollisten sotien huipulla (XVI vuosisadalla) taiteilijan hauta kuitenkin tuhoutui ja tuhoutui kokonaan. Hänen mestariteoksensa, joita pidettiin kuvataiteen huippuna 1400-1500-luvuilla, ovat sellaisia ​​tähän päivään asti.

Da Vincin maalausten joukossa Viimeisen ehtoollisen freskolla on erityinen paikka. Kuuluisan freskon historia on mielenkiintoinen ja hämmästyttävä. Sen luominen juontaa juurensa 1495-1497. Sen tilasivat dominikaanisen ritarikunnan munkit, jotka halusivat koristella ruokasalin seinät luostarissaan, joka sijaitsee lähellä Santa Maria delle Grazie -kirkkoa Milanossa. Fresko kuvasi melko tunnettua evankeliumikertomusta: Jeesuksen Kristuksen viimeistä ateriaa kahdentoista apostolin kanssa.

Tämä mestariteos tunnustetaan taiteilijan kaiken työn huipuksi. Mestarin luomat kuvat Kristuksesta ja apostoleista ovat epätavallisen kirkkaita, ilmeikkäitä ja eläviä. Kuvatun tilanteen konkreettisuudesta ja todellisuudesta huolimatta freskon sisältö on täynnä syvää filosofista järkeä. Tässä ruumiillistui ikuinen teema hyvän ja pahan välisestä konfliktista, omahyväisyydestä ja hengellisestä tunteettomuudesta, totuudesta ja valheesta. Johdetut kuvat eivät ole vain joukko yksittäisiä luonteenpiirteitä (jokainen yksilö kaikessa temperamenttinsa monimuotoisuudessa), vaan myös eräänlainen psykologinen yleistys.

Kuva on erittäin dynaaminen. Katsojat todella tuntevat jännityksen, joka valtasi kaikki aterialla läsnä olleet Kristuksen lausumien profeetallisten sanojen jälkeen lähestyvästä petoksesta, jonka yksi apostoleista joutuisi tekemään. Kangas osoittautuu eräänlaiseksi tietosanakirjaksi hienovaraisimmista sävyistä. inhimillisiä tunteita ja tunnelmia.

Leonardo da Vinci sai työn valmiiksi yllättävän nopeasti: vain kahden vuoden kuluttua kuva oli täysin valmis. Munkit eivät kuitenkaan pitäneet siitä: sen toteutustapa poikkesi liikaa aiemmin hyväksytystä kuvakirjoituksesta. Mestarin innovaatio ei koostunut pelkästään eikä niinkään uuden koostumuksen maalien käytöstä. Erityistä huomiota kiinnitetään tapaan esittää perspektiiviä kuvassa. Erikoistekniikalla tehty fresko ikään kuin laajentaa ja suurentaa todellista tilaa. Näyttää siltä, ​​että kuvassa esitetyn huoneen seinät ovat jatkoa luostarin ruokasalin seinille.

Munkit eivät arvostaneet eivätkä ymmärtäneet taiteilijan luovaa tarkoitusta ja saavutuksia, joten he eivät välittäneet liikaa maalauksen säilyttämisestä. Jo kaksi vuotta freskon maalauksen jälkeen sen maalit alkoivat huonontua ja haalistua, seinän pinta, johon oli kiinnitetty kuva, näytti olevan ohuimman aineen peitossa. Tämä johtui toisaalta uusien maalien huonosta laadusta ja toisaalta jatkuvasta altistumisesta kosteudelle, kylmälle ilmalle ja höyrylle, joka tunkeutui luostarin keittiöstä. Maalauksen ulkonäkö tuhoutui täysin, kun munkit päättivät leikata seinään freskolla lisäsisäänkäynnin ruokasaliin. Tämän seurauksena kuva leikattiin pois alareunasta.

Mestariteosta on yritetty restauroida 1200-luvulta lähtien. Ne kaikki osoittautuivat kuitenkin turhiksi, maali heikkenee edelleen. Syynä tähän on tällä hetkellä ympäristötilanteen heikkeneminen. Freskon laatuun vaikuttavat pakokaasujen lisääntynyt pitoisuus ilmassa sekä tehtaiden ja tehtaiden ilmakehään päästämät haihtuvat aineet.

Nyt voidaan jopa sanoa, että maalauksen entisöintityö ei osoittautunut vain tarpeettomaksi ja merkityksettömäksi, vaan sillä oli myös omansa. negatiivinen puoli. Restauroinnin aikana taiteilijat lisäsivät usein freskoon muuttaen kankaalle esitettyjen hahmojen ulkonäköä ja kuvattua sisustusta. Joten äskettäin tuli tiedoksi, että yhdellä apostoleista ei alun perin ollut pitkää, taivutettua partaa. Lisäksi ruokasalin seinillä kuvatut mustat kankaat osoittautuivat vain pieniksi matoiksi. Vain
1900-luvulla onnistuivat selvittämään ja osittain palauttamaan koristeensa.

Nykyaikaiset restauroijat, joiden joukossa Carlo Bertelin johdolla työskennellyt ryhmä erottui selvästi, päättivät palauttaa freskon alkuperäisen ulkonäön vapauttamalla sen myöhemmin käytetyistä elementeistä.

Äitiysteema, kuvat nuoresta äidistä, joka ihailee lastaan, pysyi suuren mestarin työssä avainasemassa pitkään. Todellisia mestariteoksia ovat hänen maalauksensa "Madonna Litta" ja "Madonna kukka" ("Madonna Benois"). Tällä hetkellä "Madonna Litta" on säilytetty Pietarin Eremitaaši-museossa. Venäjän keisari Aleksanteri II osti maalauksen vuonna 1865 italialaisen herttua Antonio Littan suvulta, jolle se oli aiemmin ollut Viscontin herttuoiden lahja. Venäjän tsaarin käskystä maalaus siirrettiin puusta kankaalle ja ripustettiin yhteen kuuluisan Pietarin museon salista.

Taidetieteilijät uskovat (ja tieteellinen tutkimus on osoittanut tämän), että kuvan luomista koskevaa työtä ei kirjoittanut itse. Sen valmisti yksi Leonardon oppilaista, Boltraffio.

Kangas on silmiinpistävin ilmaus äitiyden teemasta renessanssin aikakauden maalauksessa. Madonnaäidin kuva on kirkas ja henkinen. Vauvan katse on epätavallisen lempeä, se ilmentää samalla
surua ja rauhaa ja sisäistä rauhaa. Täällä äiti ja lapsi näyttävät muodostavan oman, ainutlaatuisen maailmansa, muodostavan yhtenäisen harmonisen kokonaisuuden. Kuvan läpinäkyvä ajatus voidaan ilmaista seuraavin sanoin: kaksi elävää olentoa, äiti ja lapsi, sisältävät elämän perustan ja tarkoituksen.

Kuva Madonnasta lapsen kanssa sylissään on monumentaalinen. Viimeistely ja viimeistely antavat sille erityisen, tasaisen valon ja varjon siirtymän. Figuurin herkkyyttä ja haurautta korostavat naisen harteille heitetyn viikun verhot. Taustalla kuvatut ikkunamaalaukset tasapainottavat ja täydentävät sommittelua korostaen kahden läheisen ihmisen eroa muusta maailmasta.

Kankaan "Madonna kukka" ("Madonna Benois"), noin 1478, osti viimeisiltä venäläisiltä omistajiltaan tsaari Nikolai II vuonna 1914 erityisesti Eremitaašia varten. Sen varhaiset omistajat ovat edelleen tuntemattomia. On vain legenda, joka kertoo, että italialainen kiertonäyttelijä toi maalauksen Venäjälle, minkä jälkeen kauppias Sapožnikov osti sen Samarasta vuonna 1824. Myöhemmin kangas periytyi isältä tyttärelle M. A. Sapozhnikovalle (miehensä Benois), jolta keisari osti sen. Siitä lähtien maalauksella on ollut kaksi nimeä: "Madonna kukka" (tekijän) ja "Madonna Benois" (viimeisen omistajan nimen mukaan).

Kuva, jossa on Jumalan äiti vauvan kanssa, heijastelee lapsensa kanssa leikkivän äidin tavallisia, maallisia tunteita. Koko kohtaus on rakennettu kontrastille: naurava äiti ja lapsi, joka tutkii vakavasti kukkaa. Taiteilija, joka keskittyy tähän nimenomaiseen vastakohtaan, näyttää ihmisen tiedonhalun, hänen ensimmäiset askeleensa totuuden tiellä. Tämä on kankaan pääidea.

Valon ja varjon leikki luo erityisen, intiimin sävyn koko sävellykseen. Äiti ja vauva ovat omassa maailmassaan, erotettuna maallisesta turhuudesta. Kuvattujen verhojen kulmaisuudesta ja jäykkyydestä huolimatta Leonardo da Vincin sivellin on melko helppo tunnistaa käytettyjen värien sävyjen pehmeistä siirtymistä sekä valon ja varjon yhdistelmistä. Kangas on maalattu pehmeillä, rauhallisilla väreillä, jotka on säilytetty yksivärisessä järjestelmässä, mikä antaa kuvalle pehmeän luonteen ja herättää epämaisen, kosmisen harmonian ja rauhallisuuden tunteen.

Leonardo da Vinci on muotokuvan tunnustettu mestari. Hänen tunnetuimpia maalauksiaan ovat "Lady with an Ermine" (noin 1483-1484) ja "Muusikon muotokuva".

Taidekriitikot ja historioitsijat ehdottavat, että "Lady with an Ermine" -kankaalla on Cecilia Gallerani, joka oli Milanon herttuan Ludovic Moreaun suosikki ennen avioliittoaan. Tietoa on säilynyt, että Cecilia oli erittäin koulutettu nainen, mikä oli tuolloin harvinaista. Lisäksi kuuluisan taiteilijan historioitsijat ja elämäkerrat uskovat myös, että hän tunsi tiiviisti Leonardo da Vincin, joka päätti kerran maalata muotokuvansa.

Tämä kangas on tullut meille vain uudelleenkirjoitetussa versiossa, ja siksi tutkijat ovat pitkään epäilleet Leonardon kirjoittajaa. Maalauksen hyvin säilyneet osat, joissa on hermellin ja nuoren naisen kasvot, antavat kuitenkin mahdollisuuden puhua luottavaisin mielin suuren mestari da Vincin tyyleistä. Mielenkiintoista on myös se, että tiivis tumma tausta sekä jotkut hiustyylin yksityiskohdat ovat myöhemmin tehtyjä lisäpiirroksia.

"Lady with an Ermine" on yksi kirkkaimmista psykologisista kankaista taiteilijan muotokuvagalleriassa. Koko tytön hahmo ilmaisee dynaamisuutta, pyrkimistä eteenpäin, todistaa epätavallisen vahvatahtoisesta ja vahvasta ihmisluonteesta. Oikeat kasvonpiirteet vain korostavat tätä.

Muotokuva on todella monimutkainen ja monitahoinen, kuvan harmonia ja täydellisyys saavutetaan yhdistämällä useita elementtejä: ilmeet, pään käännös, käsien asento. Naisen silmät heijastavat poikkeuksellista mieltä, energiaa, näkemystä. Tiukasti puristetut huulet, suora nenä, terävä leuka - kaikki korostaa tahtoa, päättäväisyyttä, itsenäisyyttä. Siro pään käännös, avoin kaula, käsi pitkillä sormilla silitti siroa eläintä korostaa koko hahmon haurautta ja harmoniaa. Ei ole sattumaa, että nainen pitää hermellintä sylissään. Eläimen valkoinen turkki, joka muistuttaa ensilunta, symboloi tässä nuoren naisen henkistä puhtautta.

Muotokuva on yllättävän dynaaminen. Mestari onnistui vangitsemaan tarkasti hetken, jolloin yhden liikkeen tulisi siirtyä sujuvasti toiseen. Siksi näyttää siltä, ​​​​että tyttö herää henkiin, kääntää päätään ja hänen kätensä liukuu eläimen pehmeän turkin yli ...

Sävellyksen poikkeuksellisen ilmaisuvoiman antaa hahmoja muodostavien linjojen selkeys sekä valon varjoiksi siirtymistekniikan hallinta ja käyttö, jonka avulla kankaalle luodaan muotoja.

"Muusikon muotokuva" on ainoa miesmuotokuva Leonardo da Vincin mestariteosten joukossa. Monet tutkijat tunnistavat mallin Milanon katedraalin valtionhoitajan Francino Gaffurion kanssa. Useat tiedemiehet kuitenkin kiistävät tämän mielipiteen sanomalla, että täällä ei ole kuvattu valtionhoitaja, vaan tavallinen nuori mies, muusikko. Huolimatta joistakin da Vincin kirjoitustekniikalle ominaisista yksityiskohdista, taidehistorioitsijat epäilevät edelleen Leonardon kirjoittajaa. Luultavasti nämä epäilykset liittyvät lombardialaisten muotokuvamaalaajien taiteellisille perinteille ominaisten elementtien käyttöön kankaalla.

Muotokuvan tekniikka muistuttaa monella tapaa Antonello da Messinan työtä. Rehevien kiharoiden taustaa vasten kasvojen selkeät, tiukat linjat erottuvat hieman terävästi. Näkyy yleisön edessä viisas mies luonteeltaan vahva, vaikka samalla hänen silmissään saa kiinni jotain epämaatonta, henkistynyttä. Ehkä juuri tällä hetkellä muusikon sielussa syntyy uusi, jumalallinen melodia, joka jonkin ajan kuluttua voittaa monien ihmisten sydämet.

Ei kuitenkaan voida sanoa, että taiteilija yrittää keinotekoisesti korottaa henkilöä. Mestari välittää hienovaraisesti ja taitavasti kaiken ihmissielun rikkauden ja leveyden turvautumatta hyperboleihin ja patosiin.

Yksi da Vincin kuuluisimmista maalauksista on kuuluisa Madonna of the Rocks (1483-1493). Sen teki Leonardo Milanon San Francesco Granden kirkon munkkien tilauksesta. Sävellys oli tarkoitettu koristelemaan Immacolata-kappelin alttaria.

Maalauksesta on kaksi versiota, joista toista säilytetään Pariisin Louvressa ja toista Lontoon National Galleryssa.

Se oli Louvre "Madonna in the Rocks", joka koristi kirkon alttaria. Tiedemiehet ehdottavat, että taiteilija itse antoi sen Ranskan kuninkaalle Ludvig XII. Hän teki tämän historioitsijoiden mukaan kiitoksena kuninkaan osallistumisesta maalausten asiakkaiden ja esiintyvien taiteilijoiden välillä syntyneen konfliktin ratkaisemiseen.

Lahjoitettu versio korvattiin toisella maalauksella, joka on nyt Lontoon kansallisgalleriassa. Vuonna 1785 eräs Hamilton osti sen ja toi sen Englantiin.

"Madonna in the Rocks" -elokuvan erottuva piirre on ihmishahmojen fuusio maisemaan. Tämä on ensimmäinen kuva suuresta taiteilijasta, jossa pyhien kuvat kietoutuvat harmonisesti heidän läsnäolonsa inspiroimaan luontoon. Ensimmäistä kertaa mestarin työssä hahmoja ei ole kuvattu minkään arkkitehtonisen rakenteen elementin taustalla, vaan ikään kuin ne olisivat suljettuina ankaran kivisen maiseman sisään. Tämä tunne syntyy myös sävellyksessä valon ja putoavien varjojen erikoisleikin ansiosta.

Madonnan kuva esitetään tässä epätavallisen henkisenä ja epämaisena. Pehmeä valo laskeutuu enkelien kasvoille. Taiteilija teki monia luonnoksia ja luonnoksia ennen kuin hänen hahmonsa heräsivät eloon ja heidän kuvistaan ​​tuli kirkkaita ja ilmeikkäitä. Yksi luonnoksista kuvaa enkelin päätä. Emme tiedä onko se tyttö vai poika. Mutta yksi asia voidaan sanoa varmasti: tämä on epämainen olento, täynnä hellyyttä, ystävällisyyttä, puhtautta. Koko kuva on täynnä tyyneyttä, rauhaa ja hiljaisuutta.

Mestarin myöhemmin kirjoittama versio eroaa ensimmäisestä useissa yksityiskohdissa: pyhien päiden yläpuolelle ilmestyy haloja, pikku Johannes Kastaja pitää ristiä, enkelin asento muuttuu. Ja itse toteutustekniikasta tuli yksi syy, miksi maalauksen kirjoittaja on annettu Leonardon opiskelijoille. Täällä kaikki hahmot esitetään lähempänä, suuremmassa mittakaavassa, ja lisäksi ne muodostavat viivat osoittautuvat näkyvämmiksi, jopa raskaammiksi, terävämmiksi. Tämä vaikutus saadaan aikaan paksuntamalla varjoja ja korostamalla tiettyjä paikkoja koostumuksessa.

Kuvan toinen versio on taidehistorioitsijoiden mukaan arkipäiväisempi ja arkipäiväisempi. Ehkä syynä tähän oli se, että kuvan valmistuivat Leonardon oppilaat. Tämä ei kuitenkaan vähennä kankaan arvoa. Taiteilijan tarkoitus näkyy siinä selvästi, mestarin perinne kuvien luomisessa ja ilmaisemisessa on hyvin jäljitettävissä.

Vähintään mielenkiintoinen on tarina Leonardo da Vincin kuuluisasta maalauksesta Annunciation (1470-luku). Maalauksen luominen kuuluu taiteilijan työskentelyn alkuaikaan, hänen opiskelu- ja työskentelyaikaan Andrea Verrocchion ateljeessa.

Useat kirjoitustekniikan elementit antavat mahdollisuuden todeta luottavaisesti, että kuuluisan mestariteoksen kirjoittaja on Leonardo da Vinci, ja sulkea pois Verrocchion tai hänen muiden oppilaidensa osallistuminen hänen kirjoittamiseensa. Jotkut sävellyksen yksityiskohdat ovat kuitenkin tunnusomaisia ​​Verrocchion koulukunnan taiteelliselle perinteelle. Tämä viittaa siihen, että nuori taidemaalari oli tuolloin jo ilmenevästä omaperäisyydestä ja lahjakkuudesta huolimatta edelleen jossain määrin opettajansa vaikutuksen alainen.

Kuvan koostumus on melko yksinkertainen: maisema, maalaishuvila, kaksi hahmoa - Maria ja enkeli. Taustalla
näemme laivoja, joitain rakennuksia, satama. Tällaisten yksityiskohtien läsnäolo ei ole täysin ominaista Leonardon työlle, eivätkä ne ole tärkeimmät täällä. Taiteilijalle on tärkeämpää näyttää sumuiseen sumuun piilossa olevat vuoret, jotka ovat kaukana, ja kirkas, lähes läpinäkyvä taivas. Hengellistyneet kuvat hyvää uutista odottavasta nuoresta naisesta ja enkelistä ovat epätavallisen kauniita ja helliä. Niiden muotojen linjat on suunniteltu da Vincin tapaan, mikä mahdollisti aikoinaan kankaan määrittelemisen mestariteokseksi, siveltimeen kuuluvaa varhainen Leonardo.

Perinteelle ominaista kuuluisa mestari on myös pienten yksityiskohtien toteutustekniikka: kiillotetut penkit, kivikaite, kirjateline, koristeltu upeiden kasvien taitavasti kiertyvillä oksilla. Jälkimmäisen prototyyppi on muuten Giovannin ja Piero de Medicin haudan sarkofagi, joka on asennettu San Lorenzon kirkot. Näitä Verrocchion koulukunnalle luontaisia ​​ja tämän teokselle ominaisia ​​elementtejä da Vinci pohtii jossain määrin uudelleen. Ne ovat eläviä, tilavia, harmonisesti kudottu kokonaiskoostumukseen. Näyttää siltä, ​​että kirjoittaja asetti itselleen tavoitteeksi opettajansa ohjelmiston pohjalta paljastaa lahjakkuuksiensa maailmaa käyttämällä omaa tekniikkaansa ja taiteellisia keinoja ilmaisuja.

Tällä hetkellä yksi versio maalauksesta on Uffizi-galleriassa Firenzessä. Sävellyksen toista versiota säilytetään Pariisin Louvressa.

Louvren maalaus on hieman monimutkaisempi kuin sen aikaisempi versio. Täällä näkyy selvästi kivikaiteen seinien geometrisesti oikeat linjat, joiden kuviota toistavat Maria-hahmon takana olevat penkit. Esiin nostetut kuvat sijoitetaan sommittelussa tarkoituksenmukaisesti ja loogisesti. Marian ja enkelin vaatteet on piirretty ilmeisemmin ja johdonmukaisemmin verrattuna ensimmäiseen versioon. Maria, pää kumarassa, pukeutunut tummansiniseen mekkoon ja taivaansininen viitta olkapäilleen, näyttää epämaallolta olennolta. tummat värit asu korostaa kirkkaammin ja saa hänen kasvojensa valkoisuuden esiin. Yhtä ilmeikäs on kuva enkelistä, joka toi hyvän uutisen Madonnalle. Kellertävä sametti, täyteläinen punainen viitta pehmeästi laskeutuvilla verhoilla täydentävät upean kuvan ystävällisestä enkelistä.

Myöhäisessä koostumuksessa erityisen kiinnostava on mestarin hienovaraisesti maalaama maisema: vailla mitään konventtia, lähes todella näkyviä kaukaisia ​​puita, vaaleansininen, läpinäkyvä taivas, kevyen sumun peittämät vuoret, tuoreita kukkia jalkojen alla. enkeli.

Maalaus "Saint Jerome" viittaa Leonardo da Vincin työskentelyaikaan Andrea Verrocchion työpajassa (ns. Firenzen kausi taiteilijan työ). Maalaus jäi kesken. Sävellyksen pääteema on yksinäinen sankari, katuva syntinen. Hänen ruumiinsa kuivui nälästä. Hänen katseensa, joka on täynnä päättäväisyyttä ja tahtoa, on kuitenkin elävä ilmaus ihmisen kestävyydestä ja henkisestä voimasta. Missään Leonardon luomassa kuvassa emme löydä kaksinaisuutta, näön monitulkintaisuutta.

Hänen maalaustensa hahmot ilmaisevat aina erittäin selkeän syvän intohimon ja tunteen korkeimman asteen.

Mestarillisesti maalattu erakon pää todistaa myös Leonardon tekijän. Ei aivan tavallinen käänne puhuu maalaustekniikan erinomaisesta hallitsemisesta ja mestarin tiedosta ihmiskehon anatomian monimutkaisuuksista. Vaikka on tarpeen tehdä pieni varaus: taiteilija seuraa monin tavoin Andrea del Castagnon ja Domenico Venezianon perinteitä, jotka puolestaan ​​ovat peräisin Antonio Pollaiolosta.

Jerome-hahmo on epätavallisen ilmeikäs. Näyttää siltä, ​​että polvistuva erakko on suunnattu eteenpäin. Oikealla
hän pitää kiveä kädessään, vielä hetki - ja hän lyö itseään sillä rintaan, ruoskien hänen ruumiiaan ja kiroilee sieluaan tehdyistä synneistä...

Myös maalauksen koostumus on mielenkiintoinen. Kaikki se osoittautuu ikään kuin suljettuna spiraaliin, joka alkaa kivillä, jatkuu leijonahahmolla, joka sijaitsee katuvan jalkojen juuressa, ja päättyy erakon hahmoon.

Ehkä suosituin kaikista maailman kuvataiteen mestariteoksista on Gioconda. Mielenkiintoinen tosiasia on, että saatuaan työnsä muotokuvan parissa taiteilija ei eronnut siitä kuolemaansa asti. Myöhemmin maalaus tuli Ranskan kuninkaalle Francis I:lle, joka asetti sen Louvreen.

Kaikki taidetutkijat ovat yhtä mieltä siitä, että kuva on maalattu vuonna 1503. Muotokuvassa esitetyn nuoren tytön prototyypistä on kuitenkin edelleen kiistaa. On yleisesti hyväksyttyä (perinne tulee kuuluisalta elämäkerralta Giorgio Vasarilta), että muotokuvassa on Firenzen kansalaisen Francesco di Giocondon vaimo Mona Lisa.

Kuvaa katsoessamme voimme varmuudella sanoa, että taiteilija on saavuttanut täydellisyyden ihmiskuvan luomisessa. Tässä mestari poikkeaa aiemmin hyväksytystä ja laajalle levinneestä muotokuvan esitystavasta. Gioconda on kirjoitettu vaalealle taustalle ja lisäksi käännetty kolme neljäsosaa kierrosta, hänen katseensa on suunnattu suoraan katsojaan - tämä oli uutta silloisessa muotokuvataiteessa. Tytön takana olevan avoimen maiseman ansiosta jälkimmäisen hahmo osoittautuu ikään kuin osa maisemaa, sulautuu harmonisesti siihen. Tämä saavutetaan Leonardon luoman erityisen taiteellisen ja visuaalisen tekniikan ansiosta, jota hän käytti työssään - sfumato. Sen olemus piilee siinä, että ääriviivat eivät hahmotu selkeästi, ne ovat epäselviä, mikä luo koostumukseen sulautumisen, yksittäisten osien yhteenläpäisyn tunteen.

Muotokuvassa tällaisesta tekniikasta (ihmishahmon ja suuren mittakaavan luonnonmaiseman fuusio) tulee tapa ilmaista filosofinen ajatus: ihmismaailma on yhtä valtava, laajamittainen ja monimuotoinen kuin ympäröivä luonto. Mutta toisaalta sävellyksen pääteemaa voidaan esittää myös ihmisen mielen mahdottomuutena saada täydellistä tietoa luonnosta. Juuri tähän ajatukseen monet taidehistorioitsijat yhdistävät Mona Lisan huulille jääneen ironisen hymyn. Hän näyttää sanovan: "Kaikki ihmisen pyrkimykset tuntea maailma ovat täysin turhia ja turhia."

Mona Lisan muotokuva taidehistorioitsijoiden mukaan on yksi Leonardo da Vincin korkeimmista saavutuksista. Siinä taiteilija pystyi todella ilmentämään ja täysin ilmaisemaan ajatusta harmoniasta ja maailman suunnattomuudesta, ajatusta järjen ja taiteen tärkeydestä.

Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti, italialainen taidemaalari, kuvanveistäjä, arkkitehti ja runoilija, syntyi Capresen kaupungissa Firenzen lähellä 6. maaliskuuta 1475. Michelangelon isä Lodovico Buonarroti oli Capresen kaupungin pormestari. Hän haaveili, että hänen poikansa korvaisi hänet pian virassa. Vastoin isänsä toiveita Michelangelo kuitenkin päättää omistaa elämänsä maalaukselle.

Vuonna 1488 Michelangelo meni Firenzeen ja astui siellä taidekouluun, jota sitten johti kuuluisa kuvataiteen mestari Domenico Ghirlandaio. Vuotta myöhemmin, vuonna 1489, nuori taiteilija työskentelee jo Lorenzo Medicin perustamassa työpajassa. Täällä nuori mies opiskelee maalausta toiselta aikansa kuuluisalta taiteilijalta ja kuvanveistäjältä Bertoldo di Giovannilta, joka oli Donatellon oppilas. Tässä työpajassa Michelangelo työskenteli Angelo Polizianon ja Pico della Mirandolan kanssa, jotka vaikuttivat suuresti nuoren taidemaalarin taiteellisen menetelmän kehittymiseen. Michelangelon työ ei kuitenkaan osoittautunut sulkeutuneeksi Lorenzo Medicin ympyrän tilassa. Hänen taitonsa kehittyy jatkuvasti. Taiteilijan huomio kiinnitettiin yhä enemmän suurten Giotton ja Masaccion teosten suuriin sankarillisiin kuviin.

90-luvun ensimmäisellä puoliskolla. 1400-luvulla ilmestyivät ensimmäiset Michelangelon veistokset: "Madonna portaissa" ja "Kentaurien taistelu".

"Madonnassa" voi nähdä tuon ajan taiteessa yleisesti hyväksytyn taiteellisen esitystavan vaikutuksen. Michelangelon teoksissa on samat yksityiskohdat muovisista hahmoista. Kuitenkin jo täällä näkyy nuoren kuvanveistäjän puhtaasti yksilöllinen tekniikka, joka ilmeni ylevien, sankarillisten kuvien luomisessa.

Reliefissä "Kentaurien taistelu" ei ole jälkeäkään ulkopuolisesta vaikutuksesta. Tämä teos on lahjakkaan mestarin ensimmäinen itsenäinen työ, joka osoittaa hänen yksilöllistä tyyliään. Sisällön täyteläisessä kohokuviossa katsojan edessä on mytologinen kuva lapihien taistelusta kentaurien kanssa. Kohtaus erottuu poikkeuksellisesta dramaattisuudesta ja realismista, jota ilmaistaan ​​kuvattujen hahmojen tarkasti välitetty plastisuus. Tätä veistosta voidaan pitää hymninä sankarille, ihmisvoimalle ja kauneudelle. Kaikesta juonen dramaattisuudesta huolimatta kokonaisuus sisältää syvän sisäisen harmonian.

Taidetutkijat pitävät "Kentaurien taistelua" Michelangelon työn lähtökohtana. He sanovat, että taiteilijan nero on peräisin juuri tästä työstä. Mestarin varhaisiin töihin viittaava reliefi on eräänlainen heijastus Michelangelon taiteellisen tavan rikkaudesta.

Vuosina 1495–1496 Michelangelo Buonarroti on Bolognassa. Täällä hän tutustuu Jacopo della Quercian kankaisiin, jotka herättivät nuoren taiteilijan huomion luotujen kuvien monumentaalisuudesta.

Vuonna 1496 mestari asettui Roomaan, jossa hän tutki äskettäin löydettyjen muinaisten veistosten, mukaan lukien Laocoön ja Belvedere Torso, plastisuutta ja toteutustapoja. Muinaisten kreikkalaisten kuvanveistäjien taiteellista tapaa heijasteli Michelangelo Bacchuksessa.

Vuodesta 1498 vuoteen 1501 taiteilija työskenteli Pieta-nimisen marmoriryhmän luomisessa ja toi Michelangelolle mainetta yhtenä Italian ensimmäisistä mestareista. Koko kohtaus, joka esittää nuorta äitiä, joka itkee murhatun poikansa ruumista, on täynnä poikkeuksellisen hyväntekeväisyyden ja hellyyden tunnetta. Ei ole sattumaa, että taiteilija valitsi malliksi nuoren tytön - kuvan, joka personoi henkistä puhtautta.

Tämä nuoren mestarin ihanteellisia sankareita esittävä teos eroaa merkittävästi 1400-luvulla luoduista veistoista. Michelangelon kuvat ovat syvempiä ja psykologisempia. Surun ja surun tunteet välittyvät hienovaraisesti äidin kasvojen erityisilmeen, käsien asennon, kehon kautta, jonka kaarevuutta korostavat vaatteiden pehmeät verhot. Jälkimmäisen kuvaa voidaan muuten pitää eräänlaisena askeleena taaksepäin mestarin työssä: koostumuksen elementtien (tässä tapauksessa mekon ja hupun taitokset) yksityiskohtainen yksityiskohta on ominaisuus esirenessanssin taidetta. Kokonaissävellys on epätavallisen ilmeikäs ja säälittävä, mikä on erottava piirre nuoren kuvanveistäjän luovuus.

Vuonna 1501 Michelangelo, jo kuuluisa kuvanveistomestari Italiassa, lähtee jälleen Firenzeen. Täällä on hänen marmorinsa "David". Toisin kuin edeltäjänsä (Donatello ja Verrocchio), Michelangelo kuvasi nuorta sankaria vain valmistautumassa taisteluun. Valtava patsas (sen korkeus on 5,5 m) ilmaisee ihmisen epätavallisen vahvaa tahtoa, hänen ruumiinsa fyysistä voimaa ja kauneutta. Michelangelon mielessä oleva henkilökuva on samanlainen kuin mytologisten jättiläisten titaanien hahmot. David esiintyy täällä täydellisen, vahvan ja vapaan ihmisen idean ruumiillistumana, joka on valmis voittamaan kaikki tiellään olevat esteet. Kaikki sankarin sielussa kuohuvat intohimot välittyvät vartalon käännöksen ja Davidin ilmeen kautta, joka kertoo hänen päättäväisestä ja vahvatahtoisesta luonteesta.

Ei ole sattumaa, että Daavid-patsas koristi Palazzo Vecchion (Firenzen kaupunginhallituksen rakennus) sisäänkäynnin symbolina kaupunkivaltion vallasta, poikkeuksellisesta voimasta ja itsenäisyydestä. Koko sävellys ilmaisee vahvan ihmissielun ja yhtä vahvan ruumiin harmoniaa.

Vuonna 1501 ilmestyivät Daavidin patsaan kanssa ensimmäiset monumentaalimaalaukset ("Kashinin taistelu") ja maalausteline ("Madonna Doni", pyöreä muoto). Jälkimmäistä säilytetään tällä hetkellä Firenzen Uffizi-galleriassa.

Vuonna 1505 Michelangelo palaa Roomaan. Täällä hän työskentelee paavi Julius II:n haudan luomisen parissa. Suunnitelman mukaan haudan piti olla suurenmoinen arkkitehtoninen rakennelma, jonka ympärillä olisi 40 marmorista ja pronssista veistettyä patsasta. Jonkin ajan kuluttua paavi Julius II kuitenkin kieltäytyi käskystään, eikä Michelangelon mahtavien suunnitelmien ollut tarkoitus toteutua. Lähteet todistavat, että asiakas kohteli mestaria melko töykeästi, minkä seurauksena hän sielunsa syvyyksiin loukkaantuneena päätti lähteä pääkaupungista ja palata jälleen Firenzeen.

Firenzen viranomaiset kuitenkin suostuttelivat kuuluisan kuvanveistäjän tekemään rauhan paavin kanssa. Pian hän kääntyi Michelangelon puoleen uudella ehdotuksella - sisustaa Sikstuksen kappelin katto. Mestari, joka piti itseään ensisijaisesti kuvanveistäjänä, hyväksyi tilauksen vastahakoisesti. Tästä huolimatta hän loi kankaan, joka on edelleen tunnustettu maailmantaiteen mestariteos ja jätti taiteilijan muiston monille sukupolville.

On huomattava, että Michelangelo maalasi kattoa, jonka pinta-ala on yli 600 neliömetriä. m, täysin yksin, ilman avustajia. Neljä vuotta myöhemmin fresko valmistui kuitenkin kokonaan.

Koko katon pinta maalausta varten jaettiin useisiin osiin. Keskeisellä paikalla on yhdeksän kohtausta, jotka kuvaavat maailman luomista sekä ensimmäisten ihmisten elämää. Jokaisen sellaisen kohtauksen kulmissa on alastomien nuorten hahmoja. Tämän sävellyksen vasemmalla ja oikealla puolella on freskoja, joissa on kuvia seitsemästä profeettasta ja viidestä ennustajasta. Katto, kaarevat holvit ja raidat on koristeltu yksittäisillä raamatullisilla kohtauksilla. On huomattava, että Michelangelon hahmot ovat tässä eri mittakaavassa. Tämän erikoistekniikan ansiosta kirjailija pystyi keskittämään katsojan huomion eniten tärkeitä jaksoja ja kuvia.

Tähän asti taidehistorioitsijat ovat olleet ymmällään freskon ideologisen suunnittelun ongelmasta. Tosiasia on, että kaikki sen muodostavat juonet on kirjoitettu vastoin raamatullisen juonen kehityksen loogista järjestystä. Joten esimerkiksi maalaus "Nooan juopuminen" edeltää sävellystä "Valon erottaminen pimeydestä", vaikka sen pitäisi olla päinvastoin. Tämä tonttien hajaantuminen ei kuitenkaan vaikuttanut millään tavalla taiteellista taitoa taidemaalari. Ilmeisesti taiteilijalle oli vielä tärkeämpää olla paljastamatta kerronnan sisältöä, vaan jälleen (kuten Daavidin patsaassa) näyttää ihmisen kauniin, ylevän sielun ja voimakkaan, vahvan ruumiin harmoniaa.
Tämän vahvistaa kuva titaanimaisesta Sabaothin vanhimmasta (fresko "Auringon ja kuun luominen"), joka luo valot.

Lähes kaikissa freskoissa, jotka kertovat maailman luomisesta, yleisön eteen ilmestyy jättimäinen mies, jossa luojan pyynnöstä herää elämä, päättäväisyys, voima ja tahto. Ajatus itsenäisyydestä kulkee läpi maalauksen "Puhee", jossa Eeva, ikään kuin kohtaloa haastaen, tavoittelee kiellettyä hedelmää, ilmaisee määrätietoisen vapaudenhalun. Freskon "The Flood" kuvat ovat täynnä samaa joustamattomuutta ja elämänjanoa, jonka sankarit uskovat elämän ja ystävällisyyden jatkumiseen.

Sibylien ja profeettojen kuvia edustavat henkilöhahmot vahvoja tunteita ja hahmojen kirkas yksilöllisyys. Viisas Joel on tässä epätoivoisen Hesekielin vastakohta. Katsoja on hämmästynyt kuvista henkistyneestä Jesajasta ja kauniista, ennustushetkellä näytetystä Delphin Sibylistä suurilla kirkkailla silmillä.

Yllä Michelangelon luomien kuvien paatos ja monumentaalisuus on huomattu useammin kuin kerran. Mielenkiintoinen tosiasia on, että jopa ns. apuhahmot osoittautuvat mestarilta samoilla ominaisuuksilla kuin päähenkilöt. Nuorten miesten kuvat, jotka sijaitsevat yksittäisten maalausten kulmissa, ovat ruumiillistuma ihmisen kokemaan elämäniloon ja tietoisuuteen omasta henkisestä ja ruumiillisesta voimastaan.

Taidehistorioitsijat pitävät oikeutetusti Sikstuksen kappelin maalausta Michelangelon luovan kehityksen ajanjakson päättäneenä työnä. Täällä mestari jakoi katon niin onnistuneesti, että kaikista aiheista huolimatta fresko kokonaisuutena antaa vaikutelman taiteilijan luomien kuvien harmoniasta ja yhtenäisyydestä.

Koko Michelangelon freskon työskentelyn ajan mestarin taiteellinen menetelmä muuttui vähitellen. Myöhemmin hahmot esitetään suurempina - tämä lisäsi huomattavasti heidän monumentaalisuuttaan. Lisäksi tällainen kuvan mittakaava on johtanut siihen, että hahmojen plastisuus on muuttunut paljon monimutkaisemmaksi. Tämä ei kuitenkaan vaikuttanut kuvien ilmeisyyteen. Ehkä täällä, enemmän kuin missään muualla, ilmeni kuvanveistäjän lahjakkuus, joka onnistui välittämään hienovaraisesti ihmishahmon jokaisen liikeradan. Saa vaikutelman, että maalauksia ei ole maalattu maaleilla, vaan ne ovat taitavasti muotoiltuja kolmiulotteisia reliefejä.

Freskojen luonne eri osat katto on erilainen. Jos keskiosa ilmaisee optimistisimmat tunnelmat, kaarevissa holveissa on kuvia, jotka persoonallistavat synkien tunteiden kaikkia sävyjä: rauha, suru ja ahdistus korvataan tässä hämmennyksellä ja tunnottomuudella.

Mielenkiintoinen on myös Michelangelon esittämä tulkinta Kristuksen esi-isien kuvista. Jotkut heistä ilmaisevat tunteita sukulaisesta yhtenäisyydestä. Toiset päinvastoin ovat täynnä ilkeyttä ja vihaa toisiaan kohtaan, mikä ei ole tyypillistä raamatullisille sankareille, jotka on kutsuttu tuomaan valoa ja hyvyyttä maailmaan. Taidehistorioitsijat pitävät kappelin myöhempiä piirustuksia ilmentymänä uudesta taiteellisesta menetelmästä, laadullisesti uuden ajanjakson alkua kuuluisan taidemaalarimestari työssä.

20-luvulla. 1500-luvulla ilmestyi Michelangelon teoksia, jotka oli tarkoitettu koristelemaan paavi Julius II:n hautaa. Kuuluisa kuvanveistäjä sai tilauksen jälkimmäisen rakentamisesta paavin perillisiltä. Tässä versiossa haudan piti olla hieman pienempi koko ja pieni määrä patsaita. Pian mestari sai valmiiksi kolmen veistoksen toteuttamisen: kahden orjan ja Mooseksen patsaat.

Michelangelo on työskennellyt vankien kuvien parissa vuodesta 1513 lähtien. Tämän teoksen keskeinen teema on mies, joka kamppailee häntä vihamielisten voimien kanssa. Täällä voittaneiden sankarien monumentaaliset hahmot korvataan hahmoilla, jotka kuolevat epätasa-arvoisessa taistelussa pahaa vastaan. Lisäksi nämä kuvat eivät ole taiteilijan yhden tavoitteen ja tehtävän alaisia, vaan ne edustavat tunteiden ja tunteiden kietoutumista.

Kuvan monipuolisuus ilmaistaan ​​eräänlaisen mestarin käyttämän taiteellisen ja visuaalisen menetelmän avulla. Jos siihen asti Michelangelo pyrki näyttämään hahmoa tai veistosryhmää yhdeltä puolelta, nyt taiteilijan luomasta kuvasta tulee plastinen, muuttuva. Sen mukaan, kummalla puolella patsasta katsoja on, se saa tietyt ääriviivat, kun tämä tai toinen ongelma terävöityy.

Esimerkki yllä olevasta voi toimia "sidottuvankina". Joten jos katsoja kävelee veistoksen ympäri myötäpäivään, hän näkee helposti seuraavan: ensinnäkin sidotun vangin hahmo pää käännettynä ja avuton ruumis ilmaisee epäinhimillistä kärsimystä oman impotenssinsa tietoisuudesta, ihmisen sielun ja ruumiin heikkous. Kuitenkin, kun siirryt pidemmälle veistoksen ympärillä, kuva muuttuu merkittävästi. Vangin entinen heikkous katoaa, hänen lihaksensa täyttyvät voimalla, hänen päänsä nousee ylpeänä. Ja nyt ennen katsojaa ei ole enää uupunut marttyyri, vaan voimakas titaanisankarin hahmo, joka jostain absurdista sattumasta paljastui kahleiksi. Näyttää siltä, ​​että toinen hetki - ja kahleet katkeavat. Näin ei kuitenkaan tapahdu. Eteenpäin katsoja näkee kuinka ihmiskeho taas heikkenee, pää vajoaa alas. Ja täällä meillä on jälleen kurja vanki, joka on alistunut kohtalostaan.

Sama vaihtelu voidaan jäljittää patsaassa "Kuoleva vanki". Kun edistyt, katsoja näkee, kuinka tuskassa lyövä vartalo vähitellen rauhoittuu ja turtuu, herättäen ajatuksen ikuisesta rauhasta ja hiljaisuudesta.

Vankien veistokset ovat epätavallisen ilmeikkäitä, mikä syntyy hahmojen liikkeen plastisuuden realistisesta siirtämisestä. Ne heräävät eloon katsojan silmien edessä. Teloitusvoiman suhteen vankien patsaita voidaan verrata vain mestarin varhaisimpaan veistokseen - "Kentaurien taisteluun".

Mooseksen patsas, toisin kuin vangitut, on luonteeltaan hieman hillitympi, mutta ei vähemmän ilmeikäs. Tässä Michelangelo viittaa jälleen titaanisen ihmissankarin kuvan luomiseen. Mooseksen hahmo on johtajan, johtajan, miehen, jolla on epätavallisen vahva tahto, ruumiillistuma. Hänen olemuksensa paljastuu täydellisemmin Daavidin kanssa. Jos jälkimmäinen symboloi luottamusta omaan voimaan ja voittamattomuuteen, niin Mooses on tässä sen ajatuksen personifikaatio, että voitto vaatii valtavia ponnisteluja. Tätä sankarin hengellistä jännitystä mestari välittää paitsi valtavilla ilmeillä, myös hahmon plastisuuden avulla: vaatteiden poimujen terävästi taittuneita linjoja, Mooseksen parran säikeitä ylösalaisin. .

Vuodesta 1519 lähtien Michelangelo on työskennellyt neljän muun vankien patsaan luomisessa. Ne jäivät kuitenkin kesken. Myöhemmin he koristelivat Firenzessä sijaitsevan Boboli-puutarhan luolan. Tällä hetkellä patsaita säilytetään Firenzen akatemiassa. Näissä teoksissa Michelangelolle ilmestyy uusi teema: veistoksellisen hahmon ja lähdemateriaaliksi otetun kivipalan välinen yhteys. Kuvanveistäjä esittää tässä ajatuksen taiteilijan päätarkoituksesta: kuvan vapauttamisesta kivikahleista. Koska veistokset osoittautuivat keskeneräisiksi ja niiden alaosassa on selvästi näkyvissä raakoja kivikappaleita, katsoja näkee koko kuvan luomisprosessin. Tässä esitetään uusi taiteellinen konflikti: ihminen ja maailma hänen ympärillään. Lisäksi tätä konfliktia ei ratkaista henkilön hyväksi. Ympäristö tukahduttaa kaikki hänen tunteensa ja intohimonsa.

Firenzen Medici-kappelin maalaus oli korkean renessanssin loppua ja samalla uutta vaihetta Michelangelon työssä. Teosta tehtiin 15 vuoden ajan, vuosina 1520-1534. Taiteilija joutui joksikin aikaa keskeyttämään työnsä Italian silloisten poliittisten tapahtumien vuoksi. Vuonna 1527 Firenze julisti itsensä tasavallaksi vastauksena Rooman tappioon.

Michelangelo, tasavaltalaisen valtiojärjestelmän kannattaja, valittiin linnoitustöiden johtajaksi ja antoi suuren panoksen kaupungin puolustamiseen. Kun Firenze kaatui ja Medicit nousivat jälleen valtaan, kuuluisan taiteilijan ja nyt myös poliitikon yllä uhkasi vakava kuolemanuhka. Pelastus tuli yllättäen. Paavi Clement VII Medici ylpeänä ja turhamaisena miehenä ilmaisi halunsa jättää itsensä ja sukulaistensa muistot jälkipolville. Kukapa muu kuin Michelangelo, joka oli kuuluisa upeiden kuvien maalaamisesta ja erinomaisten patsaiden tekemisestä, voisi tehdä tämän?

Joten työ Medici-kappelin rakentamiseksi jatkui. Jälkimmäinen on pieni rakennus, jossa on korkeat seinät, jonka kruunaa yläosassa kupoli. Kappelissa on kaksi hautaa: Nemoursin herttua Giuliano ja Urbinon Lorenzo, jotka sijaitsevat seinien varrella. Kolmannella seinällä, alttaria vastapäätä, on Madonnan patsas. Hänen vasemmalla ja oikealla puolella on veistoksia, jotka edustavat pyhien Cosmaksen ja Damianuksen kuvia. On osoitettu, että ne ovat suuren mestarin oppilaat valmistaneet. Tutkijat ehdottavat, että Medici-hautaa varten tehtiin myös Apollon (toinen nimi on David) ja Hiipivän pojan patsaat.

Herttuoiden veistosten viereen, joilla ei ollut ulkoista yhtäläisyyttä prototyyppien kanssa, allegoriset hahmot asetettiin: "Aamu", "Päivä", "Ilta" ja "Yö". Ne esitetään täällä maallisen ajan ja ihmiselämän ohimenevyyden symboleina. Ahtaissa syvennyksissä sijaitsevat patsaat herättävät vaikutelman masennuksesta, jonkin kauhean ja uhkaavan välittömästä tulemisesta. Volumetriset luvut herttuat, jotka murskautuivat joka puolelta kiviseinät, ilmaisevat kuvien henkistä katkeruutta ja sisäistä tyhjyyttä.

Kaikkein harmonisin tässä kokoonpanossa on Madonnan kuva. Poikkeuksellisen ilmeikäs ja täynnä lyyryyttä, se on yksiselitteinen, eikä sitä rasita synkät linjat.

Medici-kappeli on erityisen kiinnostava arkkitehtonisten ja veistoksellisten muotojen taiteellisen yhtenäisyyden kannalta. Rakennuksen ja patsaiden linjat ovat tässä alisteisia taiteilijan yhdelle ajatukselle. Kappeli on selkein esimerkki kahden taiteen - kuvanveiston ja arkkitehtuurin - vuorovaikutuksen synteesistä ja harmoniasta, jossa toisen osat täydentävät ja kehittävät harmonisesti toisen elementtien merkitystä.

Vuodesta 1534 lähtien Michelangelo lähti Firenzestä ja asettui Roomaan, missä hän asui elämänsä loppuun asti. Roomalainen suuren mestarin työaika kului vastareformaation taistelun olosuhteissa renessanssin kirjailijoiden, maalareiden ja kuvanveistäjien laulamia ideoita vastaan. Jälkimmäisen teoksia korvataan manieristien taiteella.

Roomassa Michelangelo tulee läheiseksi ihmisille, jotka muodostivat uskonnollisen ja filosofisen piirin, jota johti tuon ajan kuuluisa italialainen runoilija Vittoria Colonna. Kuitenkin, kuten nuoruudessaan, Michelangelon ajatukset ja ideat olivat kaukana niistä, jotka leijuivat ympyrän päissä. Itse asiassa mestari asui ja työskenteli Roomassa väärinkäsitysten ja hengellisen yksinäisyyden ympäristössä.

Juuri tähän aikaan (1535-1541) ilmestyi Viimeinen tuomio -fresko, joka koristi Sikstuksen kappelin alttariseinää.

Kirjoittaja miettii tässä Raamatun tarinaa uudelleen. Katsoja ei näe Viimeisen tuomion kuvaa positiivisena alkuna, korkeimman oikeuden voittona, vaan yleismaailmallisena koko perheen kuoleman tragediana, kuten Apokalypsi. Valtavat ihmishahmot lisäävät sävellyksen dramatiikkaa.

Kuvan elementaalinen luonne vastaa täysin taiteilijan tehtävää - näyttää yleiseen massaan eksynyt henkilö. Tämän taiteellisen kuvan päätöksen ansiosta katsojalla on yksinäisyyden tunne tässä maailmassa ja voimattomuus vihamielisten voimien edessä, joiden kanssa ei ole järkeä taistella. Traagiset nuotit saavat lävistävämmän äänen myös siksi, että mestarilla ei ole tässä yhtenäistä, monoliittista kuvaa ihmisryhmästä (kuten se esitetään myöhäisrenessanssin taiteilijoiden kankailla), jokainen heistä elää omaa elämäänsä. Taiteilijan kiistattomana ansiona voidaan kuitenkin pitää jo sitä, että hän osoitti ihmismassan, vaikkakin vielä epäjohdonmukaisena, mutta ei enää persoonattomana.

Michelangelo esittelee teoksessaan The Last Judgment epätavallisen ilmeikkään koloristisen tekniikan. Vaaleiden alastomien ruumiiden ja tumman, mustansinisen taivaan kontrasti lisää sävellyksen traagisen jännityksen ja masennuksen vaikutelmaa.

Michelangelo. Kamala tuomio. Fresko Sikstuksen kappelissa Vatikaanissa. Kappale. 1535-1541

Vuosina 1542–1550 Michelangelo työskenteli Vatikaanissa sijaitsevan Paolina-kappelin seinien maalaamisessa. Suuri taidemaalari maalasi kaksi freskoa, joista toista kutsuttiin myöhemmin "Paavalin kääntymykseksi" ja toista "Pietarin ristiinnaulitsemiseksi". Jälkimmäisessä, Pietarin teloittamista seuraavissa hahmoissa, esitetään täysin ajatus henkilön hiljaisesta suostumuksesta, toimimattomuudesta ja kuuliaisuudesta kohtalolleen. Ihmisillä ei ole fyysistä eikä henkistä voimaa jotenkin vastustaa väkivaltaa ja pahaa.

1530-luvun lopulla. siellä on toinen Michelangelon veistos - Brutuksen rintakuva. Tämä teos toimi eräänlaisena vastauksena kuuluisalta mestarilta despoottisen herttua Alessandro de Medicin murhaan, jonka hänen sukulaisensa Lorenzo teki. Todellisista motiiveista huolimatta taiteilija - republikaanien kannattaja - otti jälkimmäisen teon iloisesti vastaan. Siviilipaatos on täynnä Brutuksen kuvaa, jota edustaa jalo, ylpeä, itsenäinen mestari, mies, jolla on suuri älykkyys ja lämmin sydän. Täällä Michelangelo ikään kuin palaa kuvan ihanteellisesta henkilöstä, jolla on korkeat henkiset ja älylliset ominaisuudet.

Michelangelon työn viimeiset vuodet kuluivat ystävien ja sukulaisten menettämisen ilmapiirissä ja yleisön reaktiossa vielä pahentuneessa. Vastareformistien innovaatiot eivät voineet olla vaikuttamatta mestarin teoksiin, joissa ilmenivät renessanssin edistyksellisimmät ideat: humanismi, rakkaus vapauteen, kapinallisuus kohtaloa kohtaan. Riittää, kun sanotaan, että erään vastauudistusten kiihkeän ihailijan, Paul IV Caraffan päätöksellä kuuluisan taidemaalarin Viimeinen tuomio -kokoelmaan tehtiin muutoksia. Paavi piti ihmisiä freskoissa kuvattuina rivoina alastomina hahmoina. Michelangelon oppilas Daniele da Volterra kätki käskystä joidenkin Michelangelon kuvien alastomuuden viittaverhoilla.

Yksinäisyyden synkkä ja tuskallinen tunnelma ja kaikkien toiveiden romahtaminen ovat täynnä Michelangelon viimeisiä töitä - sarja piirustuksia ja veistoksia. Juuri nämä teokset heijastavat selvimmin tunnustetun mestarin sisäisiä ristiriitoja.

Siten Jeesus Kristus Palestrinasta "Pietassa" esitetään sankarina, joka on murtunut ulkoisten voimien hyökkäyksestä. Firenzen katedraalin "Pieta" ("Hautaus") sama kuva on jo arkipäiväisempi ja inhimillisempi. Se ei ole enää titaani. Osoittautuu, että taiteilijalle on tärkeämpää näyttää hahmojen henkinen voima, tunteet ja kokemukset täällä.

Kristuksen ruumiin rikkinäiset ääriviivat, kuva äidistä, joka kumartuu poikansa kuolleen ruumiin yli, Nikodemus laskee ruumista
Jeesus hautaan - kaikki on alistettu yhdelle tehtävälle: kuvata inhimillisten kokemusten syvyyttä. Lisäksi totta
Näiden teosten etuna on mestarin voittaminen kuvien erilaisuudesta. Kuvassa olevia ihmisiä yhdistää syvän myötätunnon tunne ja menetyksen katkeruus. Tämä Michelangelon tekniikka kehitettiin Italian taiteen muodostumisen seuraavassa vaiheessa myöhäisrenessanssin taiteilijoiden ja kuvanveistäjien teoksissa.

Michelangelon työn viimeisen vaiheen huippuna voidaan pitää veistos, jota myöhemmin kutsuttiin Pieta Rondaniniksi. Tässä näkyvät kuvat esitetään hellyyden, henkisyyden, syvän surun ja surun ruumiillistumana. Täällä, enemmän kuin koskaan, teema ihmisten yksinäisyydestä maailmassa, jossa on niin paljon ihmisiä, kuulostaa akuuttilta.

Samat aiheet soivat myöhemminkin graafisia töitä ah suuresta mestarista, joka piti piirtämistä kuvanveiston, maalauksen ja arkkitehtuurin perusperiaatteena.

Michelangelon graafisten teosten kuvat eivät eroa hänen monumentaalisten sävellyksiensä sankareista: täällä esitetään samat majesteettiset titaanisankarit. V viimeinen ajanjakso Michelangelon luovuus viittaa piirtämiseen itsenäisenä taiteellisena ja visuaalisena genrenä. Siis 30-40-luvulla. Mestarin silmiinpistävimpien ja ilmeisimpien sävellysten ulkonäkö kuuluu 1500-luvulle, kuten "Phaetonin lankeemus" ja "Kristuksen ylösnousemus".

Mestarin taiteellisen menetelmän kehitys on helposti jäljitettävissä graafisten teosten esimerkeistä. Jos ensimmäisissä kynällä tehdyissä piirustuksissa on melko tarkkoja kuvia hahmoista, joilla on melko terävät ääriviivat, niin myöhemmistä kuvista tulee epämääräisempiä ja pehmeämpiä. Tämä keveys syntyy siitä, että taiteilija käyttää joko sangviinikynää tai italialaista lyijykynää, jonka avulla luodaan ohuempia ja herkempiä linjoja.

mutta myöhempää työtä Michelangeloa ei huomioida vain traagisesti toivottomalla tavalla. Suuren mestarin tähän aikaan peräisin olevat arkkitehtoniset rakenteet näyttävät jatkavan renessanssin perinteitä. Hänen Pyhän Pietarin katedraalinsa ja Rooman Capitolin arkkitehtoninen kokonaisuus ovat korkean humanismin renessanssiajatusten ruumiillistuma.

Michelangelo Buonarroti kuoli Roomassa 18. helmikuuta 1564. Hänen ruumiinsa, luottamuksellisesti, vietiin pois pääkaupungista ja lähetettiin Firenzeen. Suuri taiteilija haudattiin Santa Crocen kirkkoon.

Maalauksen ja kuvanveiston mestarin työllä oli suuri rooli monien Michelangelon seuraajien taiteellisen menetelmän muodostumisessa ja kehittämisessä. Heidän joukossaan ovat Rafael, manieristit, jotka usein kopioivat kuuluisan taidemaalarin luomien kuvien linjoja. Michelangelon taide oli yhtä tärkeä barokin aikakauden edustajille. Olisi kuitenkin väärin väittää, että barokin kuvat (ihminen, jota eivät sisällä sisäiset impulssit, vaan ulkoiset voimat) ovat samanlaisia ​​​​kuin Michelangelon sankarit, jotka ylistävät humanismia, ihmisen tahtoa ja sisäistä voimaa. olisi väärin.

Rafael Santi

Rafael Santi syntyi Urbinon pikkukaupungissa vuonna 1483. Suuren taidemaalarin tarkkaa syntymäaikaa ei voitu määrittää. Erään lähteen mukaan hän syntyi 26. tai 28. maaliskuuta. Muut tutkijat väittävät, että Rafaelin syntymäaika oli 6. huhtikuuta 1483.

1400-luvun loppuun mennessä Urbinosta tuli yksi suurimmista kulttuurikeskuksia maa. Elämäkerrat ehdottavat, että Rafael opiskeli isänsä Giovanni Santin kanssa. Vuodesta 1495 lähtien nuori mies on työskennellyt Urbino-mestarin Timoteo della Viten taidepajassa.

Rafaelin varhaisimpia säilyneitä teoksia pidetään miniatyyreinä "The Dream of the Knight" ja "The Three Graces". Jo näissä teoksissa renessanssin mestareiden saarnaamat humanistiset ihanteet heijastuvat täysin.

"The Knight's Dream" -elokuvassa on eräänlainen Herkuleen mytologisen teeman uudelleenajattelu, jossa on valinta: Rohkeus vai nautinto? .. Rafael kuvaa Herkulesta nukkuvana nuorena ritarina. Hänen edessään on kaksi nuorta naista: yksi - kirja ja miekka käsissään (tiedon, urheuden ja aseiden uroteot), toinen - kukkivalla oksalla, joka personoi nautinnon ja nautinnon. Koko koostumus on sijoitettu kauniin maiseman taustaa vasten.

"Kolme Grace" esittelee jälleen antiikkikuvia, jotka on otettu hyvin todennäköisesti antiikin kreikkalaisesta cameosta (kuva jalo- tai puolijalokivellä).

Huolimatta siitä, että sisään varhaisia ​​töitä ah, nuorella taiteilijalla on paljon lainauksia, jo täällä tekijän luova yksilöllisyys näkyy melko selvästi. Se ilmenee kuvien lyyrisyydessä, teoksen erityisessä rytmisessä organisoinnissa, hahmoja muodostavien linjojen pehmeydessä. Korkearenessanssin taiteilijana taiteilijasta puhuvat Rafaelin varhaisille teoksille tyypillinen maalattujen kuvien poikkeuksellinen harmonia sekä sommittelullinen selkeys ja selkeys.

Vuonna 1500 Rafael jättää kotikaupunkinsa ja menee Perugiaan, pääkaupunki Umbria. Täällä hän opiskelee maalausta Pietro Peruginon työpajassa, joka oli Umbrian taidekoulun perustaja. Rafaelin aikalaiset todistavat: pätevä oppilas omaksui opettajansa kirjoitustyylin niin syvästi, että heidän kankaitaan ei voitu edes erottaa. Hyvin usein Rafael ja Perugino täyttivät tilauksen työskennellen yhdessä maalauksen parissa.

Olisi kuitenkin väärin sanoa, että nuoren taiteilijan alkuperäinen lahjakkuus ei kehittynyt ollenkaan tänä aikana. Tämän vahvistaa kuuluisa Conestabile Madonna, joka luotiin noin 1504.

Tässä kankaassa esiintyy ensimmäistä kertaa Madonnan kuva, joka tulee tulevaisuudessa olemaan taiteilijan työssä yksi johtavista paikoista. Madonna on maalattu taustaa vasten upeaan maisemaan, jossa on puita, kukkuloita ja järvi. Kuvia yhdistää se, että Madonnan ja vauvan katse on kääntynyt kirjaan, jota nuori äiti lukee ahkerasti. Koostumuksen täydellisyyttä välittävät paitsi päähenkilöiden hahmot, myös kuvan muoto - tondo (pyöreä), mikä ei rajoita lainkaan kuvien vapautta. Ne ovat isoja ja kevyitä. Luonnonmukaisuuden ja realismin vaikutelma syntyy, kun koostumuksessa käytetään kevyitä kylmiä värejä ja niiden erityisiä yhdistelmiä: Madonnan syvänsininen viitta, läpinäkyvä sininen taivas, vihreät puut ja järvivesi, lumihuippuiset vuoret valkoisilla huipuilla. Kaikki tämä, kun katsot kuvaa, luo puhtauden ja arkuuden tunteen.

Toinen yhtä kuuluisa Rafaelin teos, joka liittyy myös hänen työnsä alkuaikaan, on vuonna 1504 luotu kangas nimeltä "Marian kihla". Maalausta säilytetään tällä hetkellä Brera-galleriassa Milanossa. Erityisen kiinnostava tässä on sävellysrakenne. Taidemaalari siirsi uskonnollisen ja rituaalisen kihlauksen kirkon seinistä, jotka näkyivät kaukaa, kadulle. Sakramentti suoritetaan kirkkaan vaaleansinisen taivaan alla. Kuvan keskellä on pappi, hänen vasemmalla ja oikealla puolella Maria ja Joosef, joiden vieressä seisovat nuoret tytöt ja pojat pienissä ryhmissä. Sävellyksen näkökulmasta kirkko on eräänlainen tausta, jota vasten kihlaus tapahtuu. Hän on jumalallisen taipumuksen ja suosion symboli Marialle ja Joosefille. Kuvan loogisen täydellisyyden antaa kankaan puoliympyrän muotoinen kehys sen yläosassa, toistaen kirkon kupolin linjaa.

Kuvan hahmot ovat epätavallisen lyyrisiä ja samalla luonnollisia. Täällä liikkeet, ihmiskehon plastisuus välitetään erittäin tarkasti ja hienovaraisesti. Elävä esimerkki tästä on sävellyksen etualalla oleva poikahahmo, joka rikkoo sauvan polvellaan. Sirot, melkein eteeriset, Maria ja Joosef näyttävät katsojalle. Heidän hengellistyneet kasvonsa ovat täynnä rakkautta ja hellyyttä. Huolimatta tietystä symmetriasta hahmojen järjestelyssä, kangas ei menetä lyyristä soundiaan. Rafaelin luomat kuvat eivät ole juonitteluja, ne ovat eläviä ihmisiä kaikenlaisissa tunteissaan.

Juuri tässä työssä nuoren mestarin lahjakkuus ilmeni ensimmäistä kertaa aikaisempiin teoksiin verrattuna selvimmin kyvyssä organisoida sävellyksen rytmi hienovaraisesti. Tämän ominaisuuden ansiosta arkkitehtonisten rakenteiden kuvat sisällytetään harmonisesti kokonaiskuvaan, jotka eivät ole vain osa Rafaelin maisemaa, vaan myös tulevat samaan tasoon päähenkilöiden kanssa, paljastaen heidän olemuksensa ja luonteensa.

Halua luoda teokseen erityinen rytmi sanelee myös taiteilijan tiettyjen sävyjen maalien käyttö. Joten "Marian kihlauksen" sävellys on rakennettu vain neljälle värille.

Kullankeltaiset, vihreät ja punaiset sävyt yhdistettyinä sankarien vaatteisiin, maisemaan, arkkitehtuuriin ja asettaen tarvittavan rytmin kokonaiskoostumukselle muodostavat harmoniaa taivaan vaaleansinisten sävyjen kanssa.

Hyvin pian Peruginon taidepajasta tulee liian pieni taiteilijan lahjakkuuden kasvulle. Vuonna 1504 Rafael päättää muuttaa Firenzeen, jossa kehitetään korkean renessanssin taiteen ideoita ja estetiikkaa. Täällä Rafael tutustuu Michelangelon ja Leonardo da Vincin teoksiin. On turvallista sanoa, että he olivat nuoren taidemaalarin opettajia hänen luovan menetelmänsä muodostumisen tässä vaiheessa. Näiden mestareiden teoksista nuori taiteilija löysi jotain, mitä ei ollut Umbrian koulukunnassa: alkuperäinen kuvien luontityyli, kuvattujen hahmojen ilmeikäs plastisuus, laajempi esitys todellisuudesta.

Uudet taiteelliset ja visuaaliset ratkaisut näkyivät jo Rafaelin vuonna 1505 luomissa teoksissa. Pitti-galleriassa säilytetään tällä hetkellä muotokuvia tuolloin tunnetusta firenzeläisestä taiteen suojelijasta Angelo Donista ja hänen vaimostaan. Kuvista puuttuu sankarillinen paatos ja hyperbolisaatio. Nämä ovat tavallisia ihmisiä, joilla on kuitenkin parhaat inhimilliset ominaisuudet, joihin kuuluvat päättäväisyys ja vahva tahto.

Täällä Firenzessä Raphael maalaa Madonnalle omistetun maalaussyklin. Hänen kankaansa "Madonna vihreässä", "Madonna kultavarsilla", "Madonna puutarhuri" ilmestyvät. Nämä koostumukset ovat muunnelmia samasta kappaleesta. Kaikki kankaat kuvaavat Madonnaa ja lasta pienen Johannes Kastajan kanssa. Figuurit on sijoitettu upean kauniin maiseman taustaa vasten. Rafaelin kuvat ovat epätavallisen lyyrisiä, pehmeitä ja lempeitä. Hänen Madonnansa on kaiken anteeksiantavan, seesteisen äidinrakkauden ruumiillistuma. Näissä teoksissa on jonkin verran sentimentaalisuutta ja liiallista ihailua hahmojen ulkoista kauneutta kohtaan.

Maalarin taiteellisen menetelmän erottuva piirre tänä aikana on selkeän värinäön puute, joka on ominaista kaikille Firenzen koulun mestareille. Kankaasissa ei ole hallitsevia värejä. Kuvat ovat pastellivärisiä. Taiteilijan väri ei ole tässä pääasia. Hänelle tärkeämpää on välittää mahdollisimman tarkasti hahmon muodostavat viivat.

Firenzessä luotiin ensimmäiset esimerkit Rafaelin monumentaalisesta maalauksesta. Niistä mielenkiintoisin on luotu ajanjaksolla 1506-1507 "Madonna Johannes Kastajan ja St. Nicholas" (tai "Ansidein madonna"). Taiteilijan luovaan menetelmään vaikuttivat suurelta osin firenzeläisten maalareiden, pääasiassa Leonardo da Vincin ja Fra Bartolomeon, kankaat.

Vuonna 1507, jotka haluavat verrata parhaat käsityöläiset Firenzen koulu, he olivat Leonardo da Vinci ja Michelangelo, Raphael luo melko suuren kankaan, nimeltä "The Tombment". Sävellyksen kuvien erilliset elementit ovat kuuluisien maalareiden toistoja. Joten Kristuksen pää ja ruumis on lainattu Michelangelon veistoksesta "Pieta" (1498-1501), ja Mariaa tukevan naisen kuva on saman mestarin "Madonna Donin" kankaalta. Monet taidehistorioitsijat eivät pidä tätä Rafaelin työtä alkuperäisenä, paljastaen hänen alkuperäisen lahjakkuutensa ja taiteellisen ja visuaalisen menetelmän piirteet.

Viimeisestä epäonnistuneesta työstä huolimatta Rafaelin saavutukset taiteessa olivat merkittäviä. Pian aikalaiset huomaavat ja tunnistavat nuoren taiteilijan teokset, ja kirjailija itse asettuu renessanssin merkittävien mestareiden tasolle. Vuonna 1508 taidemaalari matkustaa kuuluisan arkkitehdin Bramanten, maanmiehensä Rafaelin suojeluksessa Roomaan, missä hänet kutsutaan paavin hoviin.

Tuolloin paavin valtaistuimella ollut Julius II tunnettiin turhana, määrätietoisena ja tahdonvoimaisena ihmisenä.
Hänen hallituskautensa aikana paavin omaisuutta laajennettiin suuresti sotien avulla. Samaa "loukkaavaa" politiikkaa harjoitettiin myös kulttuurin ja taiteen kehittämisessä. Eli eniten kuuluisia taiteilijoita, kuvanveistäjät ja arkkitehdit. Lukuisilla arkkitehtonisilla rakennuksilla koristeltu Rooma alkoi tuntuvasti muuttua: Bramante rakensi Pyhän Pietarin katedraalin; Keskeytettyään väliaikaisesti Julius II:n haudan rakentamisen Michelangelo alkoi maalata Sikstuksen kappelin kattoa. Vähitellen paavin ympärille muodostui runoilijoiden ja tiedemiesten piiri, joka saarnasi korkeita humanistisia periaatteita ja ideoita. Firenzestä saapunut Rafael Santi putosi sellaiseen ilmapiiriin.

Saapuessaan Roomaan Rafael ryhtyi maalaamaan paavin asuntoja (ns. stanzas). Freskot on luotu vuosina 1509-1517. Ne eroavat muiden mestareiden samanlaisista teoksista useiden ominaisuuksien perusteella. Ensinnäkin se on maalausten mittakaava. Jos aikaisempien maalaajien teoksissa yhdellä seinällä oli useita pieniä koostumuksia, niin Rafaelilla on jokaiselle maalaukselle erillinen seinä. Vastaavasti myös kuvatut hahmot "kasvoivat".

Lisäksi on syytä huomata Rafaelin freskojen kylläisyys erilaisilla koriste-elementeillä: keinomarmorilla ja kullauksella koristeltu katot, fresko- ja mosaiikkikoostumukset sekä hienolla kuviolla maalattu lattia. Tällainen monimuotoisuus ei kuitenkaan luo vaikutelmaa liiallisuudesta ja kaaoksesta. Paikoilleen järjestetyt ja taitavasti sovitetut koriste-elementit herättävät harmonian, järjestyksen ja mestarin asettaman rytmin. Tällaisten luovien ja teknisten innovaatioiden seurauksena taiteilijan maalauksissa luomat kuvat näkyvät selvästi katsojalle ja saavat siten tarvittavan selkeyden ja selkeyden.

Kaikkien freskojen piti totella yhteinen teema: ylistys katolinen kirkko ja sen päät. Tältä osin maalaukset perustuvat raamatullisiin kohtauksiin ja kohtauksiin paavinvallan historiasta (kuvat Julius II:sta ja hänen seuraajastaan ​​Leo X:stä). Rafaelissa tällaiset erityiset kuvat saavat kuitenkin yleistetyn allegorisen merkityksen, paljastaen renessanssin humanististen ideoiden olemuksen.

Tästä näkökulmasta erityisen kiinnostava on Stanza della Senyatura (allekirjoitushuone). Sävellyksen freskot ovat ilmentymä neljästä ihmisen henkisen toiminnan alueesta. Siten fresko "Kiista" osoittaa teologiaa, "Ateenan koulu" - filosofiaa, "Parnassus" - runoutta, "Viisaus, maltillisuus ja voima" - oikeudenmukaisuutta. Jokaisen freskon yläosan kruunaa allegorinen kuva hahmosta, joka edustaa tiettyä toimintaa. Holvien kulmissa on pieniä sävellyksiä, jotka ovat teemaltaan samanlaisia ​​kuin yksi tai toinen fresko.

Stanza della Senyaturan maalauksen koostumus perustuu raamatullisten ja antiikin kreikkalaisten aiheiden yhdistelmään (raamatullinen - "Puheutuminen", antiikki - "Apollon voitto Marsyastasta"). Jo se tosiasia, että paavinhuoneiden sisustamiseen käytettiin yhdistelmää mytologisia, pakanallisia ja maallisia teemoja, todistaa tuon ajan ihmisten asenteesta uskonnollisiin dogmeihin. Rafaelin freskot ilmaisivat maallisen alun etusijan kirkollis-uskonnolliseen nähden.

Silmiinpistävin ja täysin uskonnollista kulttifreskoa heijastava maalaus oli "Kiista". Tässä sävellys näyttää jakautuneen kahteen osaan: taivaaseen ja maahan. Alla, maassa, on hahmoja kirkkoisistä sekä pappeja, vanhimpia ja nuoria. Heidän kuvansa ovat epätavallisen luonnollisia, mikä on luotu ruumiiden, käänteiden ja hahmojen liikkeiden plastisuuden realistisen siirron avulla. Täällä olevien ihmisten joukosta tunnistaa helposti Danten, Savonarolan, taidemaalari Fra Beato Angelicon.

Ihmishahmojen yläpuolella on kuvia, jotka symboloivat pyhää kolminaisuutta: Isä Jumala, hieman häntä alempana - Jeesus Kristus Jumalanäidin ja Johannes Kastajan kanssa, niiden alapuolella - kyyhkynen - Pyhän Hengen henkilöitymä. Kokonaissävellyksen keskellä, ehtoollisen symbolina, on isäntä.

"Kiistassa" Raphael esiintyy ylittämättömänä sävellyksen mestarina. Monista symboleista huolimatta kuva erottuu kuvien poikkeuksellisesta selkeydestä ja tekijän ajatusten selkeydestä. Sävellyksen yläosan hahmojen asettelun symmetriaa pehmentää alaosan lähes kaoottisesti sijoitetut hahmot. Ja siksi jonkinlainen luonnos ensimmäisen kuvan kuvasta tulee tuskin havaittavissa. Poikkileikkaava kompositioelementti on tässä puoliympyrä: pyhimysten ja apostolien yläosassa pilvissä sijaitseva puoliympyrä ja sen kaikuna kuvan alaosassa vapaan ja luonnollisemman ihmishahmon puoliympyrä.

Yksi Rafaelin tämän työkauden parhaista freskoista ja teoksista on maalaus "Ateenan koulu". Tämä fresko on taiteeseen liittyvien korkeiden humanististen ihanteiden ruumiillistuma. Muinainen Kreikka. Taiteilija kuvasi kuuluisia antiikin filosofeja ja tiedemiehiä. Platonin ja Aristoteleen hahmot on sijoitettu teoksen keskiosaan. Platonin käsi osoittaa maahan ja Aristoteleen - taivaalle, joka symboloi muinaisten filosofien opetuksia.

Platonin vasemmalla puolella on Sokrateen hahmo, joka keskustelee ryhmän kanssa, jonka joukossa nuoren Alkibiaden kasvot erottuvat selvästi, jonka vartaloa suojaa kuori ja hänen päätään peittää kypärä. Diogenes, kyynikkojen filosofisen koulukunnan perustaja, asetetaan portaille. Häntä esitetään täällä kerjäläisenä, joka seisoo temppelin sisäänkäynnin luona ja kerjäämässä almua.

Koostumuksen alaosassa on kaksi ihmisryhmää. Vasemmalla on Pythagoraan hahmo oppilaiden ympäröimänä. Oikealla - Euclid, piirtää jotain liusketaululle, myös opiskelijoiden ympäröimänä. Viimeisen ryhmän oikealla puolella ovat Zoroaster ja kruunattu Ptolemaios palloilla käsissään. Lähelle kirjoittaja asetti omakuvansa ja taidemaalari Sodoman hahmon (hän ​​aloitti Stanza della Senyaturan maalauksen). Keskuksen vasemmalle puolelle taiteilija asetti ajattelevaisen Efesoksen Herakleitoksen.

Kiistan freskoilla oleviin kuviin verrattuna Ateenan koulun hahmot ovat paljon suurempia ja monumentaalisempia. Nämä ovat sankareita, joilla on poikkeuksellinen mieli ja suuri lujuus. Freskon pääkuvat ovat Platon ja Aristoteles. Niiden merkityksen määrää paitsi eikä niinkään paikka sävellyksessä (niillä on keskeinen paikka), vaan myös kasvojen ilme ja kehon erityinen plastisuus: näillä hahmoilla on todella kuninkaallinen asento ja kävely. Mielenkiintoinen tosiasia on, että Leonardo da Vincistä tuli Platonin kuvan prototyyppi. Eukleideen kuvan kirjoittamisen mallina oli arkkitehti Bramante. Herakleitoksen prototyyppi oli Michelangelon Sikstuksen kappelin katossa kuvaama hahmo. Jotkut tutkijat ehdottavat, että mestari kopioi Herakleitoksen kuvan itse Michelangelolta.

Teema vaihtuu myös täällä: fresko kuulostaa eräänlaiselle hymnille ihmismielelle ja ihmisen tahdolle. Siksi kaikki hahmot sijaitsevat suurenmoisten arkkitehtonisten rakennusten taustalla, jotka symboloivat ihmismielen ja luovan ajatuksen äärettömyyttä. Jos "Kiistojen" hahmot ovat passiivisia, niin "Ateenalaisessa koulussa" esitetyt kuvat ovat aktiivisia ja energisiä elämänsä rakentajia, maailman yhteiskuntajärjestyksen muuntajia.

Myös freskon kompositsiooniratkaisut ovat mielenkiintoisia. Joten taustalla sijaitsevat Platonin ja Aristoteleen hahmot, koska ne esitetään liikkeessä, ovat kuvan tärkeimmät hahmot. Lisäksi ne muodostavat sävellyksen dynaamisen keskuksen. Syvyydestä ulkonevat ne näyttävät menevän eteenpäin, kohti katsojaa, mikä luo vaikutelman dynamiikasta, sävellyksen kehittymisestä, jota kehystää puoliympyrän muotoinen kaari.

Stanza d'Eliodoron sinettihuoneen takana olevan maalauksen työskenteli Rafal vuosina 1511–1514. Tämän huoneen freskojen aiheina olivat raamatulliset legendat ja faktat paavinvallan historiasta, koristeltu tarinoilla, joissa pääpaikka annettiin jumalalliselle huolenpidolle ja ihmeelle.

Huone sai nimensä freskon "Eliodorin karkotus" koristeellisen työn valmistumisen jälkeen, jonka juoni perustui tarinaan syyrialaiskomentaja Eliodorista, joka halusi varastaa Jerusalemin linnaan varastoidut omaisuudet. Taivas ratsastaja kuitenkin esti hänet. Fresko oli muistutus siitä, kuinka paavi Julius II:n joukot voittivat ja häpeällisesti karkoittivat Ranskan armeijan paavinvaltioista.

Tämä fresko ei kuitenkaan erotu taiteilijan luovan tarkoituksen ilmaisuvoimasta. Tämä johtuu luultavasti siitä, että kokonaiskoostumus on jaettu kahteen erilliseen osaan. Vasemmalla on kaunis ratsastaja, joka yhdessä kahden enkelin kanssa yrittää lyödä Eliodoria. Freskon oikealla puolella on Julius II, joka makaa paareilla. Paareja tukeneiden joukossa taidemaalari esitti kuuluisaa saksalaista taidemaalari Albrecht Düreriä. Huolimatta juonen väitetystä sankarillisesta patosista, Rafaelin kuvat ovat täysin vailla dynamiikkaa ja draamaa.

Luonteeltaan hieman vahvempi ja sommittelurakenteeltaan täydellinen on fresko nimeltä "Messa Bolsenassa". Sen juoni perustuu tarinaan epäuskoisesta papista, jonka vohveli tahrattiin verellä sakramentin aikana. Tämän ihmeen todistajia Rafaelin kankaalla olivat hänen takanaan sijaitseva paavi Julius II, kardinaalit ja sveitsiläiset vartiosta.

Tämän kuuluisan taiteilijan teoksen erottuva piirre oli aiempiin teoksiin verrattuna suuri luonnollisuus ja luonnollisuus hahmojen kuvauksessa. Nämä eivät ole enää abstrakteja hahmoja, jotka hämmästyttävät ulkoisella kauneudellaan, vaan aivan todellisia ihmisiä. Silmiinpistävin todiste tästä ovat paavin vartijoiden kuvat sveitsiläisistä, joiden kasvot ovat täynnä sisäistä energiaa, joka ilmaisee vahvan inhimillisen tahdon. Heidän tunteensa eivät kuitenkaan ole taiteilijan luova keksintö. Nämä ovat hyvin todellisia inhimillisiä tunteita.

Tässä teoksessa tekijä kiinnittää paljon huomiota väreihin, kankaan koloristiseen täyteläisyyteen ja kuviin. Taidemaalari ei ole nyt huolissaan vain hahmojen ääriviivojen tarkasta siirtämisestä, vaan myös kuvien värikylläisyydestä, niiden sisäisen maailman näyttämisestä tietyn sävyn kautta.

Yhtä ilmeikäs on fresko "Pietarin tuotanto", joka kuvaa kohtausta apostoli Pietarin vapauttamisesta enkelin toimesta. Taidehistorioitsijat uskovat, että tämä kuva on symboli paavin legaatin Leo X:n (josta tuli myöhemmin paavi) upea vapauttaminen Ranskan vankeudesta.

Erityisen kiinnostava tässä freskassa on tekijän löytämä koostumus ja väriratkaisu. Se toistaa yövalaistuksen, mikä korostaa kokonaissävellyksen dramaattisuutta. Myös huolella valittu arkkitehtoninen tausta edistää kuvan sisällön paljastamista ja suurempaa tunnesisältöä: massiivisista tiilistä rakennettu vankityrmä, raskas kaareva holvi ja paksut ristikkopalkit.

Stanza d'Eliodoron neljäs ja viimeinen fresko, jota myöhemmin kutsuttiin "Paavi Leo I:n tapaaminen Attilan kanssa", tehtiin hänen oppilaidensa Giulio Romanon ja Francesco Pennyn Rafaelin luonnosten mukaan. Työ tehtiin vuosina 1514-1517. Mestari itse, josta oli tuolloin tullut epätavallisen suosittu taiteilija, jonka maine levisi kaikkialle Italiaan ja sai paljon tilauksia, ei pystynyt viimeistelemään paavin kammioiden koristelua. . Lisäksi Rafael nimitettiin tuolloin Pyhän Pietarin katedraalin pääarkkitehdiksi, ja hän myös valvoi arkeologiset kaivaukset pidettiin tuolloin Rooman alueella ja sen ympäristössä.

Stanzas del Incendiota koristaneet maalaukset perustuivat tarinoihin paavinvallan historiasta. Kaikkien freskojen joukossa erityistä huomiota ansaitsee ehkä vain yhden - "Fire in Borgo". Hän kertoo tulipalosta, joka tapahtui eräässä roomalaisessa korttelissa vuonna 847. Paavi Leo IV osallistui sitten tulipalon sammuttamiseen. Tälle freskolle on ominaista liiallinen paatos ja keinotekoinen draama ihmisten kuvassa, jotka yrittävät paeta katastrofista: isäänsä kantava poika, seinän yli kiipeävä nuori mies, kannua pitelevä tyttö.

Vatikaanin säkeistöjen freskot osoittavat hyvin Rafaelin työn evoluutiota: taiteilija siirtyy vähitellen varhaisten teosten ideaalista draamaan ja samalla lähemmäs elämää myöhäiseen aikakauteen kuuluvissa teoksissa (juosommitelmat ja muotokuvat) .

Melkein heti saapuessaan Roomaan, vuonna 1509, Rafael jatkoi Madonnan teemaa, kirjoitti kankaan "Madonna Alba". Conestabile Madonnan hahmoihin verrattuna Alba Madonnan kuvat ovat paljon monimutkaisempia. Maria on kuvattu tässä nuorena naisena, jolla on vahva luonne, energinen ja itsevarma. Vauvan liikkeet ovat yhtä voimakkaita. Maalaus on tondon muotoinen. Figuurit on kuitenkin kirjoitettu tähän kokonaan, mikä ei ollut tyypillistä pyöreälle kankaalle. Tällainen hahmojen järjestely ei kuitenkaan johda staattisten kuvien syntymiseen. Ne, samoin kuin koko sävellys kokonaisuudessaan, näkyvät dynamiikassa. Tämä tunne syntyy siitä, että mestari välittää hienovaraisesti ja tarkasti ihmiskehon liikkeiden plastisuuden.

Erityisen tärkeä taiteilijan luomismenetelmän muodostumiselle oli maalaus "Madonna tuolissa" (tai "Madonna della sedia"), jonka työt valmistuivat noin 1516. Hieman idealisoitu kuva Madonnasta on maanläheinen täällä tiettyjen, todellisten elementtien tuominen koostumukseen. Joten esimerkiksi Maryn rinta on peitetty leveällä kirkkaalla huivilla, jossa on hapsut. Tällaiset huivit olivat tuolloin kaikkien italialaisten talonpoikaisten suosikkiasu.

Madonnan, Kristus-lapsen ja pienen Johannes Kastajan hahmot sijaitsevat lähellä toisiaan. Näyttää siltä, ​​että kuvat sulautuvat sulavasti toisiinsa. Koko kuva on täynnä epätavallisen kirkasta lyyristä tunnetta. Äitillisen rakkauden alati elävä teema välittyy tässä paitsi Marian katseessa, myös hänen hahmonsa plastisuudessa. Tondon muoto antaa koko koostumukselle loogisen täydellisyyden. Pyöreälle kankaalle asetetut Marian ja vauvan hahmot ovat kahden lähimmän ihmisen: äidin ja lapsen yhtenäisyyden symboli. Tämä
Hänen aikalaisensa tunnustivat Rafaelin kuvan maalaustelinemaalauksen huipuksi, ei vain kompositiorakennelman, vaan myös plastisten kuvalinjojen hienovaraisen siirron ansiosta.

10-luvulta lähtien. 16. vuosisata Raphael työstää sävellyksiä alttaritauluille. Joten vuonna 1511 Foligno Madonna ilmestyy. Ja vuonna 1515 kuuluisa taiteilija alkaa luoda kangasta, joka myöhemmin tuo taiteilijalle suuren mestarin kunnian ja voittaa useamman kuin yhden sukupolven ihmisten sydämet. "Sistuksen Madonna" on maalaus, joka merkitsi viimeistä vaihetta Rafaelin taiteellisen menetelmän muodostumisessa. Äitiysteema on saanut täällä aikaisempiin teoksiin verrattuna suurin kehitys ja täydellisin toteutus.

Katedraaliin astuessaan katsojan silmät kiinnittyvät välittömästi majesteettiseen Madonnan hahmoon, joka kantaa Jeesus-vauvaa sylissään. Tämä vaikutus saavutetaan hahmojen erityisellä sävellysjärjestelyllä. Puoliavoin verho, pyhien Sixtuksen ja Barbaran silmät kääntyivät Mariaan - kaiken tämän tarkoituksena on korostaa ja tehdä nuoresta äidistä sävellyksen keskipiste.

Paljastaessaan Madonnan kuvan Rafael erosi kaukana renessanssin taiteilijoista. Madonna puhuu täällä suoraan katsojalle. Hän ei ole kiireinen lapsen kanssa (kuten Leonardo da Vincin Madonna) eikä ole uppoutunut itseensä (kuten mestarin varhaisten teosten sankarittaret). Tämä lumivalkoisten pilvien läpi katsojaa kohti liikkuva Maria keskustelee hänen kanssaan. Hänen leveistä silmistään sen näkee äidin rakkaus, ja jonkin verran hämmennystä, toivottomuutta ja nöyryyttä ja syvää huolta poikansa tulevasta kohtalosta. Hän näkijänä tietää kaiken, mitä hänen lapselleen tapahtuu. Ihmisten pelastamisen vuoksi äiti on kuitenkin valmis uhraamaan hänet. Lapsen Kristuksen kuva on varustettu samalla vakavuudella. Hänen silmissään ikään kuin koko maailma on suljettu, hän profeetan tavoin kertoo meille ihmiskunnan ja oman kohtalonsa.

Rafael. Sikstus Madonna. 1515-1519

Marian kuva on täynnä draamaa ja epätavallisen ilmeikäs. Se on kuitenkin vailla idealisaatiota eikä sillä ole hyperbolisia piirteitä. Kuvan täydellisyyden, täydellisyyden tunne syntyy täällä koostumuksen dynaamisuuden vuoksi, joka ilmaistaan ​​​​hahmojen plastisuuden täsmällisellä ja uskollisella siirrolla ja sankarien vaatteiden verhoilla. Kaikki hahmot esitetään elävinä, liikkuvina, kirkkaina. Marian kasvot, kuten lapsettoman surullisin silmin Kristus-vauva, ilmaisevat koko kirjon tunteita, jotka muuttuvat kirjaimellisesti katsojan silmien edessä: surua, ahdistusta, nöyryyttä ja lopulta päättäväisyyttä.

Taidehistorioitsijoiden keskuudessa kysymys Sikstuksen Madonnan prototyypistä on edelleen avoin. Jotkut tutkijat tunnistavat tämän kuvan nuoren naisen kuvaan, joka on kuvattu muotokuvassa "Lady in a Veil" (1514). Taiteilijan aikalaisten todistuksen mukaan Maria kankaalla "Sixtus Madonna" on kuitenkin pikemminkin yleistetty nainen, rafaelilainen ihanne, kuin tietty kuva kenestäkään.

Rafaelin muotokuvien joukosta kiinnostaa paavi Julius II:n muotokuva, joka on maalattu vuonna 1511. Todellinen henkilö esitetään tässä eräänlaisena ihanteena, mikä oli tyypillistä taidemaalarin luomismenetelmälle.

Erityisen huomionarvoista on kreivi Baldassare Castiglionen muotokuva, joka luotiin vuonna 1515 ja joka kuvaa rauhallista, tasapainoista, harmonista kehittynyt ihminen. Rafael esiintyy täällä upeana värien mestarina. Hän käyttää monimutkaisia ​​väriyhdistelmiä ja sävysiirtymiä. Saman sävyn omistuksen erottaa myös toinen maalarin teos: naismuotokuva "Lady in a Veil" ("La donna velata", 1514), jossa hallitseva väri on valkoinen maali (naisen lumivalkoinen mekko lähtee liikkeelle kevyt peitto).

Merkittävä osa Rafaelin työstä on monumentaalisilla teoksilla. Hänen myöhemmistä vastaavista teoksistaan ​​kiinnostavin on ennen kaikkea Villa Farnesinan seiniä koristanut fresko vuonna 1515 (entinen rikkaan Chigin omaisuus) "Galatean voitto". Tämä kuva erottuu epätavallisen iloisesta tunnelmasta. Kuvat ovat kirjaimellisesti täynnä onnea. Samanlainen sävy luodaan käyttämällä erityistä kirkkaiden, kylläisten värien yhdistelmää: alasti valkoiset ruumiit yhdistyvät harmonisesti läpinäkyvän sinisen taivaan ja meren sinisten aaltojen kanssa.

Rafaelin viimeinen monumentaalinen työ oli Vatikaanin palatsin toisessa kerroksessa sijaitsevan kaarevan gallerian seinien koristelu. Hallien sisustus oli koristeltu tekomarmorista tehdyillä maalauksilla ja mosaiikeilla. Freskojen juonet on piirtänyt taiteilija raamatullisista legendoista ja ns. groteskit (muinaiskreikkalaisista haudoista löydetty maalaus - luolat). Maalauksia on kaikkiaan 52. Myöhemmin ne yhdistettiin sykliksi yleisnimellä "Rafaelin raamattu". On myös mielenkiintoista, että kuuluisa taiteilija teki töitä Vatikaanin palatsin salien sisustamiseksi yhdessä opiskelijoidensa kanssa, joiden joukossa Giulio Romano, Francesco Penny, Perino del Vaga, Giovanni da Udine sijoittuivat näkyvälle paikalle.

Rafaelin myöhemmät maalaustelinemaalaukset olivat eräänlainen heijastus ja ilmaus mestarin vähitellen kasvavasta luomiskriisistä. Seuraamalla korkean renessanssin mestareiden luomien kuvien yhä lisääntyvää dramatisointia, mutta samalla pysyen uskollisena omille, jo vakiintuneille taiteellisen esitystavan menetelmille, Rafael joutuu tyylin ristiriitaisuuksiin. Hänen keinonsa ja tavat ilmaista ajatuksia osoittautuvat liian vähäisiksi luodakseen laadullisesti uusia, täydellisempiä kuvia sisäisen maailmansa ja ulkoisen kauneutensa välittämiseksi. Eläviä esimerkkejä Rafaelin työstä tätä ajanjaksoa kuvaavat "Ristin kantaminen" (1517), sykli "Pyhät perheet" (noin 1518), alttarikompositio "Transfiguration".

On täysin mahdollista, että Rafaelin kaltainen lahjakas taidemaalari olisi löytänyt tien ulos tällaisesta luovasta umpikujasta, ellei äkillinen kuolema järkytti kaikkia mestarin aikalaisia. Rafael Santi kuoli 6. huhtikuuta 1520 37-vuotiaana. Ylelliset hautajaiset järjestettiin. Suuren taidemaalarin tuhkat on haudattu Rooman Pantheoniin.

Rafaelin teokset ovat edelleen maailman taiteen mestariteoksia. Nämä maalaukset, jotka olivat esimerkki klassisesta taiteesta, oli tarkoitettu osoittamaan ihmiskunnalle täydellinen, epämaine kauneus. He esittelivät katsojalle maailman, jossa ihmisillä on korkeat tunteet ja ajatukset. Rafaelin työ on eräänlainen hymni taiteelle, joka muuttaa ihmisen ja tekee hänestä puhtaamman, kirkkaamman, kauniimman.

Titian (Tiziano Vecellio)

Tiziano Vecellio syntyi sotilasperheeseen Pieve di Cadoren pikkukaupungissa, joka sijaitsee vuoristossa ja osa venetsialaista omaisuutta. Tutkijat eivät ole pystyneet määrittämään tarkasti Titianin syntymäpäivää ja -vuotta. Jotkut uskovat, että tämä on 1476-1477, toiset - 1485-1490.

Tiedemiehet ehdottavat, että Vecellio-perhe oli ikivanha ja melko vaikutusvaltainen kaupungissa. Nähdessään pojan varhaisen maalauskyvyn vanhemmat päättivät antaa Tizianon venetsialaisen mosaiikkimestarin taidepajalle. Jonkin aikaa myöhemmin nuori Vecellio määrättiin opiskelemaan ensin Gentile Bellinin ja sitten Giovanni Bellinin työpajaan. Tällä hetkellä nuori taiteilija tapasi Giorgionen, jonka vaikutus heijastui hänen varhaisiin teoksiinsa.

Kaikki taiteilijan työ voidaan jakaa kahteen ajanjaksoon: ensimmäinen - ns. dzhordzhonevsky - vuoteen 1515-1516 asti (kun Giorgionen vaikutus näkyy vahvimmin taidemaalarin teoksissa); toinen - 40-luvulta. 1500-luvulla (tällä hetkellä Titian on jo vakiintunut mestari, joka edustaa myöhäisrenessanssin taidetta).

Varhaisessa vaiheessa Giorgionen ja renessanssin maalareiden taiteellista menetelmää noudattaen Titian miettii uudelleen tapoja ratkaista taiteellisia ongelmia. Taiteilijan siveltimen alta tulee uusia kuvia, jotka eroavat merkittävästi ylevistä ja hienostuneista hahmoista, kuten Raphael ja Leonardo da Vinci. Tizianin sankarit ovat arkipäiväisiä, täyteläisiä, aistillisia, heillä on suurelta osin pakanallinen alku. Taiteilijan varhaiset kankaat erottuvat melko yksinkertaisesta koostumuksesta, joka on kuitenkin täynnä epätavallisen iloista tunnelmaa ja tietoisuutta pilvettömästä onnellisuudesta, maallisen elämän täyteydestä ja äärettömyydestä.

Tämän ajanjakson teoksista, jotka ilmentävät parhaiten taiteilijan luovaa menetelmää, yksi silmiinpistävimmistä on 10-luvulle päivätty maalaus "Rakkaus maan päällä ja taivaassa". 16. vuosisata. Tekijälle on tärkeää paitsi välittää juoni, myös näyttää kaunis maisema, joka herättää ajatuksia rauhasta ja olemisen onnesta sekä naisen aistillisesta kauneudesta.

Naishahmot ovat epäilemättä yleviä, mutta ne eivät ole irrotettuja elämästä eivätkä kirjailija idealisoi niitä. Pehmeillä väreillä maalattu ja taustalle sijoitettu maisema toimii erinomaisena taustana sirolle ja sirolle, mutta samalla varsin todelliselle betonille. naisten kuvia: Maallinen rakkaus ja taivaallinen rakkaus. Taitavasti sävelletty koostumus ja hienovarainen väritaju auttoivat taiteilijaa luomaan epätavallisen harmonisen teoksen, jonka jokainen elementti osoittautuu alisteiseksi tekijän halulle näyttää maallisen luonnon ja ihmisen luonnollista kauneutta.

Titianuksen myöhemmässä teoksessa Assunta (tai Ascension of Mary), joka on peräisin vuodelta 1518, ei ole sitä rauhallista mietiskelyä ja tyyneyttä, joka soi teoksessa Maallinen ja taivaallinen rakkaus. Siellä on enemmän dynamiikkaa, voimaa, energiaa. keskeinen hahmo sävellykset - Mary, esitetty nuorena naisena täynnä maallista kauneutta ja voimaa. Häneen kohdistuvat apostolien näkemykset, joiden kuvat ilmaisevat samaa sisäistä elinvoimaa ja energiaa. Eräänlainen hymni ihmisen kauneudelle ja vahvalle inhimilliselle tunteelle on sävellys "Bacchus ja Ariadne" (syklistä "Bacchanalia", 1523).

Maallisen naisen kauneuden ylistäminen tuli teemaksi toisessa Titianuksen teoksessa, nimeltään "Venus of Urbino". Se luotiin vuonna 1538. Huolimatta siitä, että kuvassa ei ole minkäänlaista ylellisyyttä ja henkisyyttä, jälkimmäinen ei silti vähennä kankaan esteettistä arvoa. Venus on todella kaunis täällä. Hänen kauneutensa on kuitenkin arkipäivää ja luonnollista, mikä erottaa Titianin luoman kuvan Botticellin Venuksesta.

Olisi kuitenkin väärin väittää, että taiteilijan työn varhaisen kehityskauden kuvat ylistivät vain ihmisen ulkoista kauneutta. Heidän koko ulkonäkönsä kuvaa harmonista henkilöä, ulkoista kauneutta joka rinnastetaan henkiseen ja on yhtä kauniin sielun kääntöpuoli.

Tästä näkökulmasta eniten kiinnostaa Jeesus Kristuksen kuva kankaalle ”Caesarin Denarius”, joka on luotu vuosina 1515-1520. Tizianuksen Jeesusta ei missään nimessä näytetä jumalallisena, ylevänä, taivaallisena olentona. Hänen kasvojensa henkinen ilme viittaa siihen, että katsojan edessä on jalo henkilö, jolla on täydellinen henkinen organisaatio.

Saman henkisyyden täyttivät kuvat, jotka on luotu vuosina 1519-1526 kirjoitetussa alttarikoostumuksessa "Pesaron Madonna". Nämä sankarit eivät ole suunnitelmia tai abstraktioita. Eloisan, todellisen kuvan luomista helpottaa suurelta osin mestarin eri värivalikoiman käyttö: Marian lumivalkoinen huntu, taivaansininen, helakanpunainen, kirkkaan punainen, kultaiset sankarivaatteet, täyteläinen vihreä matto. Tällainen sävyvalikoima ei tuo kaaosta koostumukseen, vaan päinvastoin auttaa taidemaalaria luomaan harmonisen ja harmonisen kuvajärjestelmän.

1520-luvulla Titian loi ensimmäisen dramaattisen teoksen. Tämä on kuuluisa maalaus "The Tombment". Kristuksen kuva tässä tulkitaan samalla tavalla kuin maalauksessa "Caesar's Denarius". Jeesusta ei esitetä olentona, joka laskeutui alas taivaasta pelastaakseen ihmiskunnan, vaan täysin maallisena sankarina, joka kaatui epätasaisessa taistelussa. Kaikesta juonen tragedioista ja dramaattisuudesta huolimatta kangas ei aiheuta katsojaa toivottomaksi. Päinvastoin, Titianin luoma kuva on optimismin ja sankaruuden symboli, joka personoi ihmisen sisäisen kauneuden, hänen henkensä jalouden ja voiman.

Tämä hahmo erottaa tämän taiteilijan teoksen merkittävästi hänen myöhemmästä samannimisestä teoksestaan, joka on päivätty vuonna 1559, jossa optimistiset tunnelmat korvataan toivottomalla tragedialla. Täällä, samoin kuin toisessa Titianin maalauksessa - "St. Pietari marttyyri”, jonka luominen juontaa juurensa ajalle 1528–1530, mestari käyttää uutta taiteellisen esitystavan. Kankaasille esitetyt luontokuvat ("Hautaus" -auringonlasku tummilla, synkillä väreillä ja puut, jotka taipuvat voimakkaiden tuulenpuuskien alla "Pyhän Pietarin marttyyrin salamurhassa" osoittautuvat eräänlaiseksi inhimillisten tunteiden ja intohimon ilmaisu. Suuri Luontoäiti alistuu täällä Suvereenille Miehelle. Titian edellä mainituissa sävellyksessä ikään kuin vahvistaa ajatusta, että kaikki mitä luonnossa tapahtuu on ihmisen toimien aiheuttamaa. Hän on maailman (mukaan lukien luonnon) herra ja hallitsija.

Uusi vaihe taiteilijan monihahmoisten sävellysten luomisen taitojen kehittämisessä oli kangas nimeltä "Johdatus temppeliin", päivätty 1534-1538. Huolimatta siitä, että Tizian kirjoitti tänne monia kuvia, ne kaikki osoittautuvat yhdistäväksi sävellyskokonaisuudeksi kiinnostuksen vuoksi heidän silmiensä edessä tapahtuvaan merkittävään tapahtumaan - Marian tuomiseen temppeliin. Päähenkilön hahmo on erotettu sivuhahmoista (mutta ei vähemmän merkittävistä) tilapäisillä tauoilla: hänet erottavat uteliaiden ja pappien joukosta portaiden portaat. Juhlatunnelmaa, tunnetta tapahtuman merkityksestä luovat sommittelussa eleet ja hahmojen plastisuus. Kuitenkin, kun kuvaan on sisällytetty etualalla oleva munakauppiaan hahmo, teoksen liiallinen paatos vähenee ja vaikutelma taiteilijan kuvaaman tilanteen realistisuudesta ja luonnollisuudesta vahvistuu.

Johdatus kansankuvien sommitteluun on Tizianin taiteellisen ja visuaalisen menetelmän tunnusmerkki 30-luvulta lähtien. XVI vuosisadalla. Juuri nämä kuvat auttavat mestaria luomaan elintärkeän totuudenmukaisen kuvan.

Täydellisin luova idea harmonisen ihmisen esittämiseksi, joka on kaunis sekä sielussaan että ruumiissa, sisältyi Tizianin muotokuviin. Yksi ensimmäisistä tämän tyyppisistä teoksista on "Muotokuva nuoresta miehestä hansikkaalla". Kankaan luominen viittaa ajanjaksoon 1515-1520. Nuoren miehen kuva edustaa kokonaista sen ajan ihmisten sukupolvea - renessanssia. Muotokuva ilmentää harmonian ideaa ihmisen henki ja ruumiit. Leveät olkapäät, vartalon löysä plastisuus, rennosti avattu paidan kaulus, rauhallinen itseluottamus, jonka ilmaisee nuoren miehen ilme - kaiken tarkoituksena on välittää kirjailijan pääidea ihmisen olemassaolon ilosta ja onnellisuudesta. tavallinen ihminen joka ei tunne surua eikä ole sisäisten ristiriitojen repimä.

Samantyyppinen harmonisesti järjestetty onnellinen ihminen on nähtävissä kankailla "Violante" ja "Tommaso Mostin muotokuva" (molemmat - 1515-1520).

Paljon myöhemmin syntyneissä muotokuvissa katsoja ei enää kohtaa sitä suoraviivaisuutta ja selkeää kuvien luonteen varmuutta, joka oli tyypillistä vuosien 1515-1520 vastaaville teoksille. Titianin myöhäisten hahmojen olemus on varhaisiin verrattuna paljon monimutkaisempi ja monitahoisempi. Hyvä esimerkki tekijän taiteellisen menetelmän muutos on 1540-luvun lopulla luotu maalaus "Ippolito Riminaldin muotokuva". Muotokuva kuvaa nuorta miestä, jonka kasvot, joita reunustavat pieni parta, ilmaisevat syvää sisäistä tunteiden ja tunteiden kamppailua.

Tizianin tänä aikana luomat kuvat eivät ole tyypillisiä korkean renessanssin taiteelle: ne ovat monimutkaisia, monin tavoin ristiriitaisia ​​ja dramaattisia. Nämä ovat sävellyksen, jonka nimi on "Paavi Paavali III:n muotokuva Alessandron ja Ottavio Farnesen kanssa", sankareita. Kangas luotiin vuosina 1545-1546. Paavi Paavali III esitetään ovelana ja epäluuloisena ihmisenä. Hän katselee huolestuneena ja ilkeästi Ottaviota, veljenpoikansa, hovissa tunnettua imartelijaa ja tekopyhää.

Titian osoitti olevansa merkittävä taiteellisen sävellyksen mestari. Ihmishahmojen olemus paljastuu tässä teoksessa hahmojen keskinäisen vuorovaikutuksen, eleiden ja asentojen kautta.

Kaarle V:tä (1548) kuvaava muotokuva rakennettiin majesteettisten koristeellisten ja realististen elementtien yhdistelmälle. Mallin sisäinen maailma esitetään mestarillisesti. Katsoja ymmärtää, että hänen edessään on tietty henkilö, jolla on monimutkainen luonne, jonka pääpiirteet ovat sekä suuri mieli ja lujuus, että ovela, julmuus, tekopyhyys.

Titianin luomissa, sommittelultaan yksinkertaisemmissa muotokuvissa katsojan koko huomio keskittyy kuvan sisäiseen maailmaan. Voidaan mainita esimerkiksi kangas "Aretinon muotokuva", joka on päivätty vuodelta 1545. Taiteilija valitsi mallin tuolloin Venetsiassa tunnettuna henkilönä Pietro Aretinona, joka tuli tunnetuksi poikkeuksellisesta rahanhimostaan ​​ja maallisuudestaan. nautintoja. Tästä huolimatta hän kuitenkin arvosti taidetta, hän oli itse kirjoittanut useita journalistisia artikkeleita, useita komediaa, novelleja ja runoja (tosin ei aina
kunnollinen sisältö).

Titian päätti vangita tällaisen henkilön yhteen teoksiinsa. Hänen Aretinonsa on monimutkainen realistinen kuva, joka sisältää mitä monipuolisimpia, joskus jopa ristiriitaisiakin tunteita ja luonteenpiirteitä.

Ihmisen traaginen konflikti häntä kohtaan vihamielisten voimien kanssa näkyy vuonna 1543 maalatussa maalauksessa "Katso miestä". Juoni on saanut inspiraationsa vastareformaation kannattajien kasvavasta julkisesta reaktiosta renessanssin humanistisia ajatuksia vastaan. Italiassa tuolloin. Sävellyksessä kuva Kristuksesta ylevien universaalien ihanteiden kantajana vastustaa Pilatusta, joka esitetään kyynisenä, ilkeänä ja rumana. Siinä
teoksessa esiintyy ensimmäistä kertaa aistillisten, maallisten nautintojen ja ilojen kieltämisen sävyjä.

Titian. Paavi Paavali III:n muotokuva Alessandron ja Ottavio Farnesen kanssa. 1545-1546

Sama silmiinpistävä kontrasti merkitsi vuoden 1554 tienoilla kirjoitetun kankaan "Danae" kuvia. Teokselle on ominaista korkea dramaattisuus. Siinä kirjailija, kuten ennenkin, laulaa ihmisen kauneudesta ja onnesta. Onnellisuus on kuitenkin ohimenevää ja hetkellistä. Kuvassa ei ole tunnelman muuttumattomuutta ja hahmojen rauhallista lepoa, jotka erottavat aiemmin luodut kuvat ("Rakkaus maan päällä ja taivaassa", "Urbinon Venus").

Teoksen pääteema on kauniin ja ruman, korkean ja matalan törmäys. Ja jos nuori tyttö ilmaisee kaiken ylevimmän, mitä ihmisessä on, niin vanha piika, joka yrittää saada kultaisia ​​sadekolikoita, personoi alhaisimmat inhimilliset ominaisuudet: oman edun tavoittelun, ahneuden, kyynisyyden.

Draamaa korostaa sävellyksessä tietty tummien ja vaaleiden sävyjen yhdistelmä. Maalin avulla taiteilija asettaa kuvaan semanttisia aksentteja. Joten nuori tyttö symboloi kauneutta ja kirkkaita tunteita. Ja vanha nainen, jota ympäröivät synkät tummat sävyt, sisältää ilmaisun pohja-alkusta.

Tälle Titianin työjaksolle on ominaista paitsi täyden draaman luominen ristiriitaisia ​​kuvia. Samaan aikaan taiteilija maalaa useita teoksia, joiden teemana on naisen lumoava kauneus. Silti on kuitenkin huomioitava se tosiasia, että näistä teoksista puuttuu se optimistinen ja elämää vahvistava tunnelma, joka kuulostaa esimerkiksi rakkaudesta maan päällä ja taivaassa ja Bacchanaliassa. Kiinnostavimpia maalauksia ovat "Diana ja Actaeon", "Paimen ja nymfi" (1559), "Venus Adonisin kanssa".

Yksi parhaita töitä Titian on 60-luvulla luotu maalaus nimeltä "Kayushda Mary Magdalene". 16. vuosisata. Sille raamatullinen tarina monet renessanssin taiteilijat hakivat. Titianus kuitenkin tulkitsee katuvan Maria Magdaleenan kuvan. Nuoren naisen hahmo, täynnä kauneutta ja terveyttä, ilmaisee pikemminkin kuin kristillistä katumusta, mutta ikuisesti kadonnutta surua ja onnen kaipuuta. Ihminen, kuten aina, on kaunis Tizianissa, mutta hänen hyvinvointinsa, rauhallisuutensa ja mielenrauhansa riippuvat ulkoisista voimista. Juuri he, jotka puuttuvat henkilön kohtaloon, tuhoavat hengen harmonian. Ei ole sattumaa, että murheen murtama Magdaleenan kuva näkyy synkän maiseman taustalla, joka kruunaa tumman taivaan lähestyvillä mustilla pilvillä - esimakua
ukkosmyrskyjä.

Samaa inhimillisen kärsimyksen teemaa kuullaan myös kuuluisan mestarin myöhemmissä teoksissa: "Krunaus orjantappurakruunulla" (1570) ja "St. Sebastian" (1570).

Orjantappurien kruunussa taiteilija esittelee Jeesuksen tavallisen ihmisen muodossa, fyysisesti, ja mikä tärkeintä, moraalisia ominaisuuksia ylivoimainen kiduttajiinsa nähden.

Hän on kuitenkin yksin eikä vain siksi voi olla voittaja. Kohtauksen dramaattista, emotionaalista intensiivisyyttä vahvistaa synkkä, tumma väri.

Teema yksinäisestä sankarista ristiriidassa ulkomaailman kanssa kuullaan myös teoksessa ”St. Sebastian". Päähenkilö esitetään tässä majesteettisena titaanina - kuvana, joka on luonteenomaista renessanssin taiteelle. Hän on kuitenkin edelleen voitettu.

Maisema, joka symboloi hahmolle vihamielisiä voimia, näyttelee tässä itsenäistä roolia. Juonen dramaattisuudesta huolimatta sävellys kokonaisuudessaan on elämänvakistava tunnelma.

Eräänlainen hymni ihmismielelle, viisaudelle ja uskollisuudelle hyväksytyille ihanteille on 60-luvulla luotu mestarin omakuva. 16. vuosisata

Yksi ilmeikkäimmistä Titianuksen maalauksista tunnetaan nimellä "Pieta" (tai "Kristuksen valitus"), joka on kirjoitettu noin vuonna 1576. Surun vaivaamien naisten hahmot on kuvattu tässä kiviraon ja synkän maiseman taustalla. Maria jäätyi surusta kuin patsas. Magdaleenan kuva on epätavallisen kirkas ja dynaaminen: eteenpäin pyrkivän naisen hahmo, käsi ylös, tulipunaiset hiukset heiluvat, hieman hajallaan oleva suu, josta epätoivon huuto purkautuu. Jeesusta ei näytetä jumalallisena taivaallisena olentona, vaan hyvin todellisena ihmisenä, joka on voitettu epätasa-arvoisessa taistelussa ihmismaailmaa vastaan ​​vihamielisten voimien kanssa. Kuvien tragedia ilmaistaan ​​kuvassa sävy- ja valo-varjo-siirtymien avulla. Päähenkilöt osoittautuvat ikäänkuin valonsäteiden siepatuiksi yön pimeydestä.

Tämä Titianin teos ylistää miestä, jolla on syvät tunteet. Maalaus "Pieta" oli eräänlainen jäähyväislaulu, joka oli omistettu renessanssin aikana luoduille kevyille, yleville ja majesteettisille sankareille.

Suuri taidemaalari, joka antoi maailmalle kauniita kuvia, kuoli 27. elokuuta 1576 oletettavasti ruttoon. Hän jätti jälkeensä monia kankaita, jotka edelleen hämmästyttävät yleisön suorituskyvyllään ja hienovaraisella väritajullaan. Titian esiintyy edessämme upeana psykologina, ihmissielun tuntijana. Hänen oppilaidensa joukossa olivat muun muassa Jacopo Nigreti (Palma vanhempi), Bonifacio de Pitati, Paris Bordone, Jacopo Palma nuorempi.

Ensimmäiset renessanssitaiteen edelläkävijät ilmestyivät Italiaan 1300-luvulla. Tämän ajan taiteilijat Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) ja (pääasiassa) Giotto (1267-1337), luodessaan perinteisten uskonnollisten teemojen kankaita, he alkoivat käyttää uusia taiteellisia tekniikoita: kolmiulotteisen sommitelman rakentaminen taustalla olevan maiseman avulla, jonka avulla he tekivät kuvista realistisempia ja elävämpiä. Tämä erotti heidän työnsä jyrkästi aikaisemmasta ikonografisesta perinteestä, joka oli täynnä kuvan konventioita.
Termiä käytetään viittaamaan heidän työhönsä. Proto-renessanssi (1300-luku - "Trecento") .

Giotto di Bondone (n. 1267-1337) - italialainen protorenessanssiajan taidemaalari ja arkkitehti. Yksi länsimaisen taiteen historian avainhenkilöistä. Bysantin ikonimaalauksen perinteen voitettuaan hänestä tuli italialaisen maalauskoulun todellinen perustaja, hän kehitti täysin uuden lähestymistavan tilan kuvaamiseen. Giotton teokset ovat saaneet inspiraationsa Leonardo da Vincistä, Rafaelista ja Michelangelosta.


Varhainen renessanssi (1400-luku - "Quattrocento").

1500-luvun alussa Filippo Brunelleschi (1377-1446), firenzeläinen tutkija ja arkkitehti.
Brunelleschi halusi tehdä käsitystä hänen rekonstruoimistaan ​​termeistä ja teattereista visuaalisemmin ja yritti luoda suunnitelmistaan ​​geometrisesti perspektiivikuvia tietylle näkökulmalle. Näissä hauissa suora näkökulma.

Tämän ansiosta taiteilijat saivat täydellisiä kuvia kolmiulotteisesta tilasta kuvan tasaiselle kankaalle.

Toinen tärkeä askel kohti renessanssia oli ei-uskonnollisen, maallisen taiteen ilmaantuminen. Muotokuva ja maisema vakiintuivat itsenäisinä genreinä. Jopa uskonnolliset aiheet saivat erilaisen tulkinnan - renessanssin taiteilijat alkoivat pitää hahmojaan sankareina, joilla oli selvät yksilölliset piirteet ja inhimillinen motivaatio toimia.

Tämän ajanjakson tunnetuimmat taiteilijat ovat Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - kuuluisa italialainen taidemaalari, firenzeläisen koulukunnan suurin mestari, Quattrocenton aikakauden maalauksen uudistaja.

Fresko. Ihme valtion kanssa.

Maalaus. ristiinnaulitseminen.

Fresko. Saban kuningattaren historia. San Francescon kirkko Arezzossa

Kevät.

Venuksen syntymä.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - italialainen taiteilija (maalari, kuvanveistäjä, arkkitehti) ja tiedemies (anatomi, luonnontieteilijä), keksijä, kirjailija.

omakuva

Nainen hermellin kanssa. 1490. Czartoryski-museo, Krakova

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Eremitaaši.

Madonna Benois (Madonna kukalla). 1478-1480

Madonna neilikka kanssa. 1478

Leonardo da Vinci teki elämänsä aikana tuhansia muistiinpanoja ja piirroksia anatomiasta, mutta ei julkaissut töitään. Tekemällä ruumiinavauksen ihmisten ja eläinten ruumiista hän välitti tarkasti luurangon rakenteen ja sisäelimet mukaan lukien pienet yksityiskohdat. Kliinisen anatomian professori Peter Abramsin mukaan da Vincin tieteellinen työ oli 300 vuotta aikaansa edellä ja monin tavoin ylitti kuuluisan Greyn anatomian.

Luettelo keksinnöistä, sekä todellisista että hänelle kuuluvista:

laskuvarjo, toOlescovon linna,polkupyörä, tankh, lkevyet kannettavat sillat armeijalle, sprojektoriinatapult, robot, dvohlenz-teleskooppi.

Michelangelo Buonarottin maalaukset ja veistokset ovat täynnä sankarillista paatosa ja samalla traagista tunnetta humanismin kriisistä. Hänen maalauksensa ylistävät ihmisen voimaa ja voimaa, hänen ruumiinsa kauneutta ja korostavat hänen yksinäisyyttään maailmassa.

Michelangelon nero jätti jälkensä paitsi renessanssin taiteeseen, myös koko tulevaisuuteen maailman kulttuuria. Hänen toimintansa liittyy pääasiassa kahteen Italian kaupunkiin - Firenzeen ja Roomaan.

Taiteilija pystyi kuitenkin toteuttamaan mahtavimmat suunnitelmansa juuri maalauksessa, jossa hän toimi todellisena värin ja muodon uudistajana.
Paavi Julius II:n käskystä hän maalasi Sikstuksen kappelin katon (1508-1512), joka edustaa raamatullista tarinaa maailman luomisesta vedenpaisumukseen ja sisältää yli 300 hahmoa. Vuosina 1534-1541 hän esitti samassa paavi Paavali III:n Sikstuksen kappelissa suurenmoisen, dramaattisen freskon Viimeinen tuomio.
Sikstuksen kappeli 3D.

Giorgionen ja Titianin teoksille on ominaista kiinnostus maisemaa kohtaan, juonen poetisointi. Molemmat taiteilijat saavuttivat muotokuvataiteen suuria taitoja, joiden avulla he välittivät hahmojensa luonnetta ja rikasta sisämaailmaa.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - italialainen taiteilija, venetsialaisen maalauskoulun edustaja.

Nukkuva Venus. 1510

Judith. 1504

Titian maalasi kuvia raamatullisista ja mytologisista aiheista, hän tuli tunnetuksi muotokuvamaalarina. Hänet tilasivat kuninkaat ja paavit, kardinaalit, herttuat ja ruhtinaat. Titian ei ollut edes kolmenkymmenen vuoden ikäinen, kun hänet tunnustettiin Venetsian parhaaksi maalariksi.

Omakuva. 1567

Venus Urbinskaja. 1538

Tommaso Mostin muotokuva. 1520

Myöhäisrenessanssi.
Kun keisarilliset joukot ryöstivät Rooman vuonna 1527, Italian renessanssi astui kriisin aikaan. Jo edesmenneen Rafaelin teoksessa on hahmoteltu uusi taiteellinen linja, ns manierisuus.
Tälle aikakaudelle on tunnusomaista ylivenyneet ja katkenneet linjat, pitkulaiset tai jopa epämuodostuneet hahmot, usein alasti, jännitys ja epäluonnolliset asennot, kokoon, valaistukseen tai perspektiiviin liittyvät epätavalliset tai omituiset efektit, emäksisen kromaattisen asteikon käyttö, ylikuormitettu sommittelu jne. ensin hallitsee manierismin Parmigianino , Pontormo , Bronzino- asui ja työskenteli Firenzen Medici-talon herttuoiden hovissa. Myöhemmin maniristinen muoti levisi kaikkialle Italiaan ja sen ulkopuolelle.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "Parman asukas" (1503-1540) italialainen taiteilija ja kaivertaja, manierismin edustaja.

Omakuva. 1540

Naisen muotokuva. 1530.

Jacopo Robusti, joka tunnetaan paremmin nimellä Tintoretto (1518 tai 1519-1594) - myöhään renessanssin venetsialaisen koulukunnan maalari.

Viimeinen ehtoollinen. 1592-1594. San Giorgio Maggioren kirkko, Venetsia.

Kristus ristillä. OK. 1577. Yksityinen kokoelma.

Kolminaisuus. 1579 Prado.

Revival tai renessanssi - historiallinen virstanpylväs eurooppalaisessa kulttuurissa. Tämä on kohtalokas vaihe maailman sivilisaation kehityksessä, joka korvasi keskiajan tiheyden ja hämäryyden ja edelsi uuden ajan kulttuuriarvojen syntymistä. Antroposentrismi kuuluu renessanssin perintöön – toisin sanoen suuntautuminen ihmiseen, hänen elämäänsä ja työhönsä. Kirkollisista dogmeista ja juoneista etääntyen taide saa maallisen luonteen ja aikakauden nimi viittaa muinaisten aiheiden elpymiseen taiteessa.

Renessanssi, jonka juuret ovat peräisin Italiasta, jaetaan yleensä kolmeen vaiheeseen: varhainen ("quattrocento"), korkea ja myöhempi. Harkitse muinaisina, mutta merkittävinä aikoina työskennelleiden suurten mestareiden luovuuden piirteitä.

Ensinnäkin on huomattava, että renessanssin luojat eivät harjoittaneet vain "puhdasta" taidetta, vaan osoittautuivat myös lahjakkaiksi tutkijoiksi ja pioneereiksi. Joten esimerkiksi Firenzestä kotoisin oleva arkkitehti Filippo Brunelleschi kuvaili joukon sääntöjä rakentamiselle lineaarinen perspektiivi. Hänen muotoilemansa lait mahdollistivat kolmiulotteisen maailman kuvaamisen kankaalle tarkasti. Maalauksen edistyksellisten ideoiden ilmentymisen myötä sen ideologinen sisältö on myös muuttunut - maalausten sankarit ovat tulleet "maanmaalaisemmiksi", joilla on korostuneet henkilökohtaiset ominaisuudet ja hahmot. Tämä koski jopa uskontoon liittyviä aiheita käsitteleviä töitä.

Quattrocento-kauden (1400-luvun toinen puolisko) erinomaiset nimet - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli ja muut - ovat oikeutetusti turvanneet kunniapaikan maailman kulttuurin aarrekammiossa.

Korkean renessanssin aikana (1500-luvun ensimmäinen puolisko) taiteilijoiden koko ideologinen ja luova potentiaali paljastuu täysin. ominaispiirre tästä ajasta tulee taiteen viittaus antiikin aikakauteen. Taiteilijat eivät kuitenkaan sokeasti kopioi muinaisia ​​aiheita, vaan käyttävät niitä luokseen ja kehittäessään omia ainutlaatuisia tyylejään. Tämän ansiosta kuvataide saa johdonmukaisuutta ja jyrkkyyttä antautuen edellisen ajanjakson tietylle kevytmielisyydelle. Tämän ajan arkkitehtuuri, veistos ja maalaus täydensivät harmonisesti toisiaan. rakennukset, freskot, maalaukset Renessanssin kehityksen huippukaudella luodut ovat todellisia mestariteoksia. Yleisesti tunnustettujen nerojen nimet loistavat: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti.

Leonardo da Vincin persoonallisuus ansaitsee erityistä huomiota. Hänestä sanotaan, että hän on aikaansa edellä oleva mies. Taiteilija, arkkitehti, insinööri, keksijä - tämä ei ole täydellinen luettelo tämän monitahoisen persoonallisuuden inkarnaatioista.

Leonardo da Vinci tuntee nykyajan kadun ihminen ennen kaikkea maalarina. Hänen tunnetuin teoksensa on Mona Lisa. Hänen esimerkissään katsoja voi arvostaa tekijän tekniikan innovaatiota: ainutlaatuisen rohkeuden ja ajattelun löysyyden ansiosta Leonardo kehitti pohjimmiltaan uusia tapoja "elvyttää" kuvaa.

Valonsirontailmiön avulla hän saavutti pienten yksityiskohtien kontrastin pienenemisen, mikä nosti kuvan realistisuuden uudelle tasolle. Mestari kiinnitti huomattavaa huomiota kehon ruumiillistuksen anatomiseen tarkkuuteen maalauksessa ja grafiikassa - "ihanteellisen" hahmon mittasuhteet on kiinnitetty "Vitruvian-miehessä".

1500-luvun jälkipuoliskoa ja 1600-luvun ensimmäistä puoliskoa kutsutaan yleensä myöhäisrenessanssiksi. Tälle ajanjaksolle oli ominaista hyvin monipuoliset kulttuuriset ja luovat suuntaukset, joten sitä on vaikea arvioida yksiselitteisesti. Etelä-Euroopan uskonnolliset suuntaukset, jotka ilmentyivät vastareformaatiossa, johtivat abstraktioon ihmisen kauneuden ja muinaisten ihanteiden ylistämisestä. Tällaisten tunteiden ristiriita renessanssin vakiintuneen ideologian kanssa johti firenzeläisen manierismin syntymiseen. Tämän tyylin maalaukselle on ominaista kaukaa haettu väripaletti ja katkoviivat. Tuon ajan venetsialaiset mestarit - Titian ja Palladio - muodostivat omat kehityssuuntansa, joilla oli vähän kosketuskohtia taiteen kriisin ilmenemismuotoihin.

Italian renessanssin lisäksi huomiota tulee kiinnittää pohjoiseen renessanssiin. Alppien pohjoispuolella asuneet taiteilijat olivat vähemmän vaikuttaneet muinaisesta taiteesta. Heidän työssään voidaan jäljittää gootiikan vaikutus, joka on säilynyt barokin aikakauden alkamiseen asti. Pohjoisen renessanssin suuria hahmoja ovat Albrecht Dürer, Lucas Cranach vanhempi, Pieter Brueghel vanhempi.

Renessanssin suurten taiteilijoiden kulttuuriperintö on korvaamaton. Jokaisen nimi säilyy vapina ja huolellisesti ihmiskunnan muistossa, koska se, joka käytti sitä, oli ainutlaatuinen timantti, jolla oli monia puolia.