Nye malertyper. Akademisk maleri og realisme

Send dit gode arbejde i videnbasen er enkel. Brug formularen nedenfor

Studerende, kandidatstuderende, unge forskere, der bruger videnbasen i deres studier og arbejde, vil være dig meget taknemmelig.

opslået på http://www.allbest.ru

Træk af maleri som en form for kunst

Maleri hører til en særlig plads blandt andre kunstarter : måske er ingen anden kunstform i stand til at formidle verdens sete fænomener, menneskelige billeder med en sådan fuldstændighed, især i betragtning af det det meste af informationen får vi fra omverdenen ved hjælp af synet, de der. visuelt. kunst maleri portræt landskab stilleben

Det var malerkunsten, der formåede at skabe det umulige - at stoppe et øjeblik længe før fotografering: værker af denne art ogkunst gennem ét afbildet øjeblik formidler tidligere efterfølgende, fortid og fremtid, formodet af seeren.

Maleri - dette er et show arrangeret af kunstneren:

På trods af at maleren legemliggør virkelige billeder i synlige former, de er ikke en direkte kopi af livet;

At skabe et billede, stoler kunstneren på naturen, men på samme tid genskaber det på det materiale, der er opnået som et resultat af hans sociale og professionelle erfaring, dygtighed, dygtighed, fantasifulde tænkning.

Kan findes flere hovedtyper af oplevelse forårsaget af malerier:

· Genkendelse af kendte genstande, der forstås ved synet - på baggrund heraf fødes der visse associationer om det afbildede;

· At få en æstetisk følelse.

På denne måde maleri udfører billedlige, fortællende og dekorative funktioner.

Typer af maleri og dets udtryksfulde virkemidler

Maleri er opdelt i følgende typer:

· Monumental - dekorativ - tjener til at komplementere og designe arkitektoniske strukturer (vægmalerier, nuancer, paneler, mosaikker);

· Scenery - bruges i andre former for kunst (biograf eller teater);

· Staffeli;

· Ikonografi;

· Miniature.

Den mest uafhængige sort er en staffeli maleri.

Maleri besidder særlige udtryksmidler:

· Tegning;

· Farve;

· Sammensætning.

Tegning - et af de vigtigste udtryksmidler: det er ved hjælp af det og tegningens komponenter linjer er skabt plastik billeder. Nogle gange er disse linjer skematiske, kun skitsere strukturerne af bindene.

Farve -malerkunstens førende udtryksmiddel. Det er i farver, at en person opfatter verden omkring ham. Farve:

· Bygger form afbildede genstande;

· Simulerer plads genstande;

· Skaber humør;

Danner en bestemt rytme.

Farveorganisationssystem, farvetoneforhold, ved hjælp af hvilken opgaverne i det kunstneriske billede løses kaldes farve:

I snæver forstand er det den eneste korrekte organisering af farveskemaer for et givet billede;

i bred - fælles for de fleste lovene for farveopfattelse, da du kan sige "varm farve", "kold farve" osv.

I forskellige perioder af maleriets historie var der farvesystemer.

I de tidlige stadier, lokal smag, med undtagelse af farve- og nuancespil: farven her er sådan set ensartet og uændret.

Under renæssancen, tonal farvning, hvor farverpå grund afposition i rummet og deres belysning. Evnen til at udpege formen af ​​det afbildede objekt med lys kaldes plastik farve.

Der er to typer tonal farvning:

· Dramatisk - kontrast af lys og skygge;

· Farve - kontrast af farvetoner.

Det er meget vigtigt for en kunstner at kunne bruge teknikken. chiaroscuro, de der. opretholde den korrekte graduering af lys og mørke i billedet, fordi det er sådan volumen af ​​det afbildede objekt, omgivet af et let-luft-miljø.

Komposition i maleri i den mest generelle forstand - placering af figurer, deres forhold i billedets rum. Sammensætningen kombinerer et stort udvalg af detaljer og elementer i en enkelt helhed. Deres årsag-virkning-forhold danner et lukket system, hvor intet kan ændres eller tilføjes. Dette system afspejler en del af den virkelige verden, som opfattes og mærkes af kunstneren, han udpegede fra en række forskellige fænomener.

Samtidig er der i kompositionsområdet koncentration af ideologiske og kreative ideer, fordi det er gennem hende det skaberens holdning til sin model. Billedet bliver et kunstnerisk fænomen kun når den er underordnet den ideologiske plan, for ellers kan vi kun tale om simpel kopiering.

N.N. Volkov gør opmærksom på forskellen mellem begreberne "struktur", "konstruktion" og "sammensætning":

· Struktur fast besluttet en forenet natur af forbindelser mellem elementer, en samlet lov om formning. Strukturbegrebet i forhold til et kunstværk er forbundet med et kunstværks flerlagsnatur, det vil sige, at vi i processen med at opfatte et billede kan trænge ind i dybere lag af dets struktur;

· Konstruktion - det er en type struktur, hvor elementer er funktionelt forbundet, fordi dens integritet afhænger af funktionens enhed. Med hensyn til et billede kan vi sige, at funktionen af ​​konstruktive forbindelser i et billede er skabelsen og styrkelsen af ​​semantiske bånd, da det konstruktive centrum oftest er den semantiske node;

· Sammensætning af kunstværk der er en lukket struktur med faste elementer forbundet af betydningens enhed.

En af de vigtigste love for sammensætninger begrænsningen Billeder, som giver muligheder for det vigtigste i udtrykket af billedets idé.

Form for begrænsning spiller også en væsentlig rolle - i kunstnerisk praksis f.eks grundlæggende former:

· Rektangel.

Begrænsningen gælder også for hvad kan afbildes, dvs. finde ydre ligheder i maling, linjer på et plan genstande, personer, synligt rum mv.

I udøvelse af kunst er følgende typer kompositioner kendt:

· Stabil (statisk) - de vigtigste kompositoriske akser skærer hinanden i rette vinkler i midten af ​​stykket;

· Dynamisk - med dominerende diagonaler, cirkler og ovaler;

Åben - kompositionslinjer ser ud til at afvige fra midten4

· Lukket - linjerne tegnes til midten.

Stabile og lukkede sammensætningsordninger typisk for kunstnerisk praksis Renæssance,dynamisk og åben - til baroktiden.

Teknikker og hovedgenrer af maleri

Maleriets udtryksevne og legemliggørelsen af ​​den kunstneriske intention afhænger af, hvilken maleteknik kunstneren bruger.

De vigtigste typer maleteknikker:

· Oliemaleri;

· Akvarel;

· Tempera;

· Pastel;

· Fresco.

Oliemaleri kendetegnet ved, at det med deres hjælp er muligt at opnå komplekse farveløsninger - oliemalingers viskositet og lange tørretid gør det muligt at blande maling og opnå deres forskellige kombinationer.

Det sædvanlige grundlag for oliemaleri er et linned lærred dækket semi-olie jord.

Andre overflader er også mulige.

Akvarel adskiller sig fra andre teknikker i særlig grad gennemsigtighed og friskhed af farver. Det bruger ikke hvidt og bruges på ugrundet hvidt papir, der tjener som deres rolle.

Interessant akvarel, lavet på råpapir.

Tempera, tilberedt med kaseinolie, æg eller syntetisk bindemiddel er det en af ​​de ældste maleteknikker.

Tempera komplicerer kunstnerens arbejde ved, at det tørrer hurtigt nok og ikke egner sig til at blande, og skifter også farve, når det er tørt, men på den anden side farve i tempera især smuk - rolig, fløjlsagtig, endda.

Pastel - male med farveblyanter.

Giver bløde, sarte toner. Udført på råpapir eller ruskind.

Desværre er pastelværker svære at bevare på grund af deres flydeevne.

Akvarel, pastel og gouache nogle gange henvist til grafik, da disse malinger påføres på ikke-grundet papir, har de dog mere af de vigtigste specifikke egenskaber ved at male - farve.

Fresco maleri udføres på følgende måde: pulveret af malingpigmentet fortyndes med vand og påføres det våde puds, som fast holder malingslaget.

Det har en lang historie.

Denne teknik bruges især ofte ved udsmykning af bygningers vægge.

På trods af at maleri er i stand til at afspejle næsten alle fænomener i det virkelige liv, repræsenterer det oftest billeder af mennesker, levende og livløs natur.

Så de vigtigste genrer af maleri kan overvejes:

· Portræt;

· Landskab;

· Stilleben.

Portræt

Portræt i den mest generelle betydning defineres som billedet af en person eller gruppe af mennesker, der eksisterer eller eksisterer i virkeligheden.

Normalt sådan portrætskilte i billedkunst:

· Lighed med modellen;

· Refleksion af sociale og etiske træk gennem det.

Men portrættet afspejler uden tvivl ikke kun dette, men også kunstnerens særlige holdning til den portrætterede.

Forveksle aldrig portrætterne af Rembrandt med værkerne af Velazquez, Repin med Serov eller Tropinin, da portrættet repræsenterer to karakterer - kunstneren og hans model.

Uudtømmelig hovedtemaet for portrættet erHuman. Men afhængigt af karakteristika for kunstnerens opfattelse af den portrætterede, opstår der en idé, som kunstneren søger at formidle.

Afhængigt af ideen om portrættet bestemmes følgende:

· Sammensætningsløsning;

· Maleteknik;

· Farvelægning mv.

Ideen om værket giver anledning til billedet af portrættet:

· Dokumentarisk og fortælling;

· Følelsesmæssig og sensuel;

· Psykologisk;

· Filosofisk.

Til narrativ løsning billedet er præget af en gravitation mod pålidelig specifikation af portrættet.

Ønsket om dokumentarisk lighed råder her over forfatterens vision.

Følelsesmæssig fantasifuld løsning opnået dekorative malemidler og dokumentarisk ægthed er ikke påkrævet her.

Det er ikke så vigtigt, hvor ens Rubens-kvinderne er deres prototyper. Det vigtigste er beundring for deres skønhed, sundhed, sensualitet, overført fra kunstner til seer.

Til variation filosofisk portræt omfatte "Portræt af en gammel mand i rødt" af Rembrandt (ca. 1654). I perioden med hans kreative modenhed var sådanne portrætter-biografier af ældre meget almindelige, som er kunstnerens filosofiske refleksioner om den periode menneskeliv, når de oprindelige resultater af et langt og vanskeligt liv opsummeres.

Kunstnere vælger ret ofte som en model af dig selv, det er derfor det er så almindeligt selvportræt.

I den søger kunstneren at vurdere sig selv udefra som person, at bestemme sin plads i samfundet, blot at fange sig selv for eftertiden.

Durer, Rembrandt, Velasquez, Van Gogh har en intern samtale med sig selv og samtidig med seeren.

Det tager en særlig plads i maleriet gruppeportræt.

Det er interessant for, hvad det præcist er generelt portræt, og ikke portrætter af flere specifikke personligheder afbildet på ét lærred.

I et sådant portræt er der selvfølgelig en særskilt karakteristik af hver karakter, men samtidig skabes indtrykket af fællesskab, enhed af det kunstneriske billede ("Regenshi af et krisecenter for ældre i Haarlem" af F. Hals).

Nogle gange er det meget svært at trække en grænse mellem gruppeportræt og andre genrer, da de gamle mestre skildrede grupper af mennesker ofte i aktion.

Landskab

Landskabsgenrens hovedemne er natur -enten naturligt eller transformeret af mennesket.

Denne genre meget yngre end andre. Hvis de skulpturelle portrætter blev skabt så tidligt som 3 tusind f.Kr., og de billedlige har en historie på omkring 2 tusind år, så går begyndelsen af ​​landskabets biografi tilbage til det 6. århundrede. AD, og ​​de var udbredt i Østen, især i Kina.

Fødslen af ​​det europæiske landskab skete i 1500-tallet, og den fik først genrens selvstændighed fra begyndelsen af ​​1600-tallet.

Landskabsgenren blev dannet, der gik fra et dekorativt og hjælpeelement i kompositionen af ​​andre værker til et selvstændigt kunstnerisk fænomen, der portrætterer det naturlige miljø.

Det kan være ægte eller indbildte naturtyper. Nogle af dem har sat deres navne fast:

Byens arkitektoniske landskab kaldes fortvivle ("Operapassage" af C. Pissarro;

· Marine arter - Marina ( landskaber af I. Aivazovsky).

Landskabsgenre bliver ikke kun en afspejling af naturen, men også et middel til at udtrykke en særlig kunstnerisk idé.

Desuden kan man af arten af ​​hans yndlingsemner til en vis grad bedømme kunstnerens følelsesmæssige struktur og de stilistiske træk ved hans arbejde.

Den figurative betydning af værket afhænger af valget af en naturlig art:

· Episk start indeholdt i billedet af skovafstande, bjergpanoramaer, endeløse sletter ("Kama" af A. Vasnetsov).

Stormfuldt hav eller uigennemtrængeligt vildnis legemliggør noget mystisk undertiden barsk (J. Michel "Tordenvejret");

· Lyrisk typer snedækkede stier, skovbryn, små vandområder;

Solrig morgen eller middag kan sende følelse af glæde og ro ("White Water Lilies" af K. Monet, "Moscow Courtyard" af V. Polenov).

Da den uberørte natur gradvist bliver aktivt interveneret af mennesker, landskabet antager træk fra et seriøst historisk dokument.

Landskabet er i stand til at legemliggøre selv nogle sociale fornemmelser fra æraen, den sociale tankegang: så i midten af ​​1800-tallet er æstetikken i det romantiske og klassiske landskab gradvist ved at vige for det nationale landskab, som ofte får en social betydning; optaget i landskabet og begyndelsen af ​​en ny teknisk æra ("New Moscow af Y. Pimenov," Berlin-Potsdam Railway "af A. Menzel).

Landskab er ikke kun et genstand for erkendelse af naturen, et kunstmonument, men også en afspejling af en bestemt tidsalders kulturtilstand.

Stilleben

Stilleben skildrer tingenes verden omkring en person, som er placeret og organiseret i en solid komposition i et ægte hverdagsmiljø.

Præcis sådan organisering af tingene er en del af genrens figurative system.

Stilleben kan have selvstændig betydning, måske blive del af en komposition af en anden genre, for mere fyldestgørende at afsløre værkets semantiske indhold, som for eksempel i malerierne "Købmandens hustru" af B. Kustodiev, "Den syge" af V. Polenov, "Pige med ferskner" af V. Serov.

I plottematiske malerier har stilleben, selv om det er vigtigt, men dog underordnet, hvordan selvstændig genre kunsten besidder store udtryksmuligheder. Den præsenterer ikke kun den ydre, materielle essens af objekter, men i en figurativ form de væsentlige aspekter af livet overføres, æraen og endda vigtige historiske begivenheder afspejles.

Stilleben tjener godt kreativt laboratorium, hvor kunstneren forbedrer sine færdigheder, individuelle håndskrift,

Stillebenet oplevede perioder med tilbagegang og udvikling.

Af stor betydning for dens dannelse blev spillet af Hollandske malere fra det 16. - 17. århundrede

De har arbejdet ud vigtigste, kunstneriske principper:

· Realisme;

· Subtile observationer af livet;

· En særlig gave til at formidle den æstetiske værdi af velkendte ting.

I yndlings "morgenmaden" og "butikkerne" blev genstandenes materiale formidlet med stor dygtighed; tekstur af overflader af frugt, grøntsager, vildt, fisk.

Det er især vigtigt at i et stilleben understreges en persons uløselige forbindelse med tingenes verden.

impressionistiske malere de løste det kreative problem med stillebenmaling noget anderledes.

Det vigtigste her var ikke en afspejling af objekters egenskaber, deres håndgribelighed. EN spil af lys, farve, friskhed af farver (stilleben af ​​C. Monet, mestre i den russiske gren fransk impressionisme K. Korovin og I. Grabar).

Ikke enhver indfangning af tingenes verden på papir eller lærred vil blive betragtet som et stilleben. Da hvert objekt har sit eget naturlige habitat og formål, kan placeringen af ​​det under forskellige forhold forårsage dissonans i lyden af ​​billedet.

Det vigtigste er, at ting kombineret i en stilleben-komposition skaber harmonisk følelsesmæssigt - rigt kunstnerisk billede.

Andre genrer af maleri

Genrer indtager en betydelig plads i malerkunsten:

· Husstand;

· Historisk;

· Kamp;

· Animalistisk.

Husholdningsgenre portrætterer hverdagens private og offentlige liv, som regel, samtidskunstner.

Billederne af denne genre repræsenterer folks arbejdsaktivitet ("Spinners" af D. Velazquez, "At the Harvest" af A. Venetsianov), helligdage ("Peasant Dance" af P. Bruegel), minutter af hvile, fritid (" Young Couple in the Park" af T. Geisborough, "Chess Players" af O. Domier), national smag ("Algerian women in their chambers" af E. Delacroix).

Historisk genre - at fange vigtigt historiske begivenheder. Denne genre omfatter legendariske og religiøse historier.

Blandt malerierne historisk genre kan kaldes "Cæsars død" af K.T. von Piloti, "Delirium Surrender" af D. Velazquez, "Hector's Farewell to Andromache" af A. Losenko, "Sbinyanka" af J.L. David, "Liberty Leading the People" af E Delacroix og andre.

Billedets emnekampgenre er militære kampagner, herlige kampe, våbenbragder, fjendtligheder ("Battle of Angyari" af Leonardo da Vinci, "Tachanka" af M. Grekov, "Defense of Sevastopol" af A. Deineka). Nogle gange er det inkluderet i kompositionen af ​​historisk maleri.

I billederdyrisk genre vises dyreverden (" Fjerkræ "af M. de Hondecuter", Gule Heste "af F. Mark).

Udgivet på Allbest.ru

Lignende dokumenter

Oprindelsen og udviklingen af ​​hollandsk kunst i det 17. århundrede. Studie af kreativiteten hos de største mestre i den hollandske og hollandske genre og landskabsmaleri. Undersøgelse specifikke funktioner genrer som genre, portræt, landskab og stilleben.

test, tilføjet 12/04/2014


Historien om udviklingen af ​​oliemaleriteknikker i udlandet og i Rusland siden det 18. århundrede. Stadier af udvikling af landskabet som en genre af kunst. State of the art oliemaleri i Bashkortostan. Teknologien til at udføre landskaber med oliemalingsteknikker.

afhandling, tilføjet 09/05/2015


Portræt som genre i maleriet. Portrætmaleriets historie. Portræt i russisk maleri. Opbygning af kompositionen af ​​portrættet. Oliemaling teknik. Grundlaget for maling. Olie kunstneriske malinger og børster. Farvepalet og malingsblanding.

afhandling, tilføjet 25/05/2015


Konceptet med staffeli maleri som en selvstændig kunstform. Koreansk maleri fra Goguryeo-kongerigets periode. Silla kunst og arkitektur. Fremragende kunstnere og deres kreationer. Funktioner af indholdet af koreansk folkemaleri.

abstrakt, tilføjet 06/04/2012


Stilleben som en af ​​genrerne inden for kunst, bekendtskab med maleriets færdigheder og evner. Funktioner ved at bruge flydende akrylmaling. Kendskab til maleropgaverne. Analyse af den intenst asketiske kunst i Byzans.

semesteropgave tilføjet 09/09/2013


Tendenser i udviklingen af ​​russisk maleri, mestring af lineært perspektiv af kunstnere. Udbredelsen af ​​oliemaleriteknikker, fremkomsten af ​​nye genrer. Det særlige sted for portrætter, udviklingen af ​​den realistiske tendens i russisk maleri i det 18. århundrede.

præsentation tilføjet den 30/11/2011


Generelle karakteristika, klassificering og landskabstyper som en af ​​de nuværende kunstgenrer. Afsløring af træk, sammenkoblinger af landskabsgenren i maleri, fotografi, film og tv. Historien om fotografiets fremkomst ved begyndelsen af ​​det nittende og tyvende århundrede.

abstrakt, tilføjet 26.01.2014


Kunstnerisk og historisk grundlag for landskabsmaleriet. Historien om det russiske landskab. Træk, måder, midler til landskab som genre. Kompositionelle funktioner og farve. Udstyr og materialer til oliemaling som en af ​​de almindelige malertyper.

afhandling, tilføjet 14-10-2013


Stillebens fremkomst og undervisningen i stillebenmaling i kunst og pædagogiske uddannelsesinstitutioner. Stillebens selvstændige betydning som genre for maleri. Stilleben i russisk kunst. Undervisning i farvevidenskab baseret på maleri af blomster.

afhandling, tilføjet 17.02.2015


Historien om udviklingen af ​​stilleben, berømte malere. Udførelsesmodel, afbildede objekter, kompositoriske træk ved genren. Oliemaleriets farve, midler, teknikker og teknologi. Grundlæggende regler for arbejde med maling. Valg af tema, arbejde med lærred og pap.

Omrids - lineære konturer af den afbildede figur, dens kontur.

Abstrakt kunst - en af ​​de formalistiske tendenser i billedkunsten, som opstod i slutningen af ​​det 19. - begyndelsen af ​​det 20. århundrede. Abstraktionister nægtede at skildre objekter og fænomener i den objektive verden (deraf et andet navn for abstraktionisme - ikke-objektiv kunst). Deres arbejde er et forsøg på at udtrykke deres følelser og tanker gennem farvekombinationer af pletter eller linjer alene, uden at afbilde virkelige objekter og objekter. Abstraktionister forlod tegning, perspektiv, farve og alle andre midler til malerkunstens billedsprog. Ved at gøre dette krænkede de maleriets professionelle grundlag, ødelagde dets sande kunstneriske potentiale. Abstrakt kunst skæmmer den æstetiske smag af mennesker, fjerner dem fra at forstå skønheden i naturen og livet.

Tilpasning - øjets egenskab til at tilpasse sig bestemte lysforhold. Der er tilpasninger til lys, mørke og også til farve. Det ejendommelige ved sidstnævnte ligger i øjets tilpasningsevne til ikke at bemærke belysningsfarven på genstande.

Under skumringsforhold og generelt i svagt lys er nerveender (fotoreceptorer) kaldet stave mest følsomme over for lys i øjet. Med deres hjælp opfatter øjet sorte og hvide gradueringer. Under stærkt lys i dagtimerne er andre fotoreceptorer mere følsomme - kegler, ved hjælp af hvilke farve opfattes. Når man tilpasser sig lyset, falder synets følsomhed, og når man tilpasser sig mørket, øges den. Når øjet tilpasser sig mørket, begynder vi godt at skelne landskabets detaljer. På grund af øjets øgede følsomhed over for mørke på en overskyet dag og i skumringen mister nybegynderkunstneren ideen om niveauet af generel belysning, som under disse forhold er meget svagere end på en solrig eller lysegrå dag . I skumringen synes lyse genstande ikke for ham at være reduceret i lysstyrke så meget, som belysningen er blevet lavere end den tidligere dagslysbelysning. Han bemærker også dårligt de mere intime toneforhold, der er karakteristiske for tusmørke og grå dag. Derudover, på trods af mørkningen, skelner nybegynderkunstneren i naturen (eller skyggerne) meget subtile gradueringer af chiaroscuro på objekter og giver mulighed for overdreven variation og fraktionalitet. Han er således i første omgang ikke i stand til præcist at vurdere og formidle de faktiske ændringer i lyshed og farve, der sker i naturen.

Tilpasningen er baseret på forskellige ændringer opstår i vores øje med en ændring i belysningsstyrken. For eksempel falder pupillen i løbet af dagen med 1-2 mm, hvilket betyder, at der kommer lidt lys ind i øjet. I mørke udvider den sig med 8-10 mm og slipper meget lys ind. Ved at vide, at arealet af pupillen er proportional med kvadratet af diameteren, kan det fastslås, at hvis pupillen fordobles, firdobles mængden af ​​lys, der transmitteres af den; hvis pupillen firdobles, øges mængden af ​​lys, den passerer igennem 16 gange. Dette er til dels grunden til, at vi skelner mellem de vigtigste lysforhold i skumringen. Pupilrefleksen over for lys og mørke kompenserer således til en vis grad for faldet i belysning.

Akademiisme - et vurderende udtryk, der refererer til de tendenser inden for kunst, hvis repræsentanter udelukkende er styret af etablerede kunstneriske autoriteter, mener, at samtidskunstens fremskridt ikke er i en levende forbindelse med livet, men i den tættest mulige tilnærmelse til fortidens idealer og kunstformer epoker, og forsvare absolutte, uafhængige af sted og tid, normen for det smukke. Historisk set er akademisismen forbundet med akademiernes aktiviteter, som uddannede unge kunstnere i en ånd af ikke-dømmende tilslutning til antikkens kunst og den italienske renæssance. Denne tendens, der for første gang stammer fra Bologna-akademiet i det 16. århundrede, blev bredt udviklet i den efterfølgende tids akademier; det var også karakteristisk for det russiske kunstakademi i det 19. århundrede, hvilket forårsagede en kamp med akademiet af avancerede realistiske kunstnere. Ved at kanonisere klassicistiske metoder og emner afskærmede akademisk kunsten fra moderniteten og erklærede den "lav", "base", uværdig til "høj" kunst.

Begrebet akademiisme kan ikke sidestilles med alle fortidens kunstakademiers aktiviteter. Der var mange dyder i det akademiske uddannelsessystem. Især baseret på en lang tradition, en høj tegnekultur, som var en af ​​de stærkeste sider af den akademiske uddannelse.

Akvarel maling - vandbaseret lim fremstillet af fint formalede pigmenter blandet med tyggegummi, dextrin, glycerin, nogle gange med honning eller sukkersirup; fås tørt - i form af fliser, halvbagt - i porcelænskopper eller semi-flydende - i rør.

Akvareller kan males på tørt eller fugtigt papir på én gang, i fuld farvestyrke, og du kan arbejde med glasurer, der gradvist tydeliggør naturens farveforhold. Du skal vide, at akvarel ikke tolererer rettelser, tortur, talrige gentagne registreringer med blandede malinger.

Ofte bruger malere akvarelteknikken i kombination med andre materialer: gouache, tempera, trækul. Men i dette tilfælde går hovedkvaliteterne ved akvarelmaleri tabt - mætning, gennemsigtighed, renhed og friskhed, det vil sige præcis, hvad der adskiller akvarel fra enhver anden teknik.

Accent - teknikken til at understrege med en streg, tone eller farve af et ekspressivt objekt, billeddetaljer, som beskuerens opmærksomhed skal rettes mod.

Alle prima - en teknik i akvarel- eller oliemaling, der består i, at en skitse eller et billede males uden foreløbig registrering og undermaling, nogle gange i ét trin, i én session.

Dyremaler - en kunstner, der hovedsageligt helligede sit arbejde til afbildning af dyr.

Akromatiske farver - hvid, grå, sort; adskiller sig kun i lyshed og mangler farvetone. I modsætning til dem er der kromatiske farver, som har en farvenuance af forskellig lyshed og mætning.

Blænding - elementet chiaroscuro, det letteste sted på objektets oplyste (hovedsageligt skinnende) overflade. Med en ændring i synsvinkel ændrer flaren sin placering på objektets form.

Valere - udtrykket for kunstnerisk praksis, der definerer det kvalitative aspekt af en separat, hovedsagelig sort/hvid tone, i dens forhold til de omgivende toner. I realistisk maleri overføres den objektive verdens materielle egenskaber hovedsageligt gennem objektivt regelmæssige toneforhold. Men for levende, holistisk at gengive et objekts materialitet, plasticitet, farve under en bestemt belysningstilstand og i en bestemt setting, skal kunstneren opnå en meget høj nøjagtighed og udtryksfuldhed i toneforholdene; rigdom, subtilitet af overgange, der fører til maleriets udtryksfuldhed, er hovedtræk ved valeur. De største mestre i det 17.-19. århundrede. - såsom Ve-lazquez, Rembrandt, Chardin, Repin - maleri er altid rig på valeurs.

Visionen er naturskøn - vision og forståelse af naturens farveforhold, under hensyntagen til miljøets indflydelse og den generelle belysningstilstand, som er karakteristisk for naturen på tidspunktet for dens billede. Som et resultat af en sådan vision, i skitsen, vises sandheden af ​​lys og farveforhold, et væld af varme-kolde nuancer, deres farveenhed og harmoni, der formidler naturen med al livets ængstelse. I dette tilfælde taler de om det maleriske af en skitse eller maleri.

Kunstnerisk vision - Evnen til at give den nødvendige æstetiske vurdering af naturens egenskaber. Før han afbilder naturen, ser kunstneren allerede i sine grundtræk sin figurative billedløsning under hensyntagen til et bestemt materiale.

Farvet glas - maleri på glas med gennemsigtige malinger eller et ornament bestående af stykker af flerfarvet glas, fastgjort med en metalbinding, tjener til at fylde vindues- og døråbninger. Lysstrålerne, der trænger gennem glasset, får en øget lysstyrke og danner et spil af farvede refleksioner i interiøret.

Luftperspektiv - tilsyneladende ændringer i nogle tegn på genstande under påvirkning af luft og rum. Alle nærliggende objekter opfattes klart, med mange detaljer og tekstur, og fjerne - generelt uden detaljer. Omridserne af nærliggende genstande ser skarpe ud, og de fjerne ser bløde ud. På stor afstand ser lyse genstande mørkere ud, og mørke genstande ser lysere ud. Alle tætte genstande har en kontrasterende chiaroscuro og virker volumetriske, alle fjerne har en svagt udtrykt chiaroscuro og virker flade. På grund af luftdisen bliver farverne på alle fjerne objekter mindre mættede og får farven på denne dis - blå, mælkebleg eller lilla. Alle nærliggende objekter ser ud til at være flerfarvede, og fjerne objekter ser ud til at have samme farve. Kunstneren tager højde for alle disse ændringer for at formidle rummet og belysningens tilstand - vigtige kvaliteter ved plein air maleri.

Visuel perception - processen med afspejling af objekter og virkelighedsfænomener i alle de forskellige egenskaber, der direkte påvirker synsorganerne. Sammen med visuelle fornemmelser deltager tidligere erfaringer med viden og ideer om et bestemt emne også i opfattelsen. Det er kun muligt at forstå og forstå essensen af ​​det opfattede, hvis de observerede objekter og fænomener sammenlignes med dem, der tidligere er set (konstant og konstant visuel perception). Hertil skal tilføjes, at visuel perception er ledsaget af associative følelser, en følelse af skønhed, som er forbundet med personlig erfaring sanseoplevelser fra omgivelsernes påvirkning.

Gamma farve - de farver, der er fremherskende i et givet værk og bestemmer arten af ​​dets farvesystem. De siger: en række kolde, varme, blege farvenuancer osv.

Harmoni - sammenhæng, proportionalitet, sammenhæng. I billedkunsten, en kombination af former, sammenkoblingen af ​​dele eller farver. I maleri er dette korrespondancen af ​​detaljer til helheden, ikke kun i størrelse, men også i farve (farveenhed, en række relaterede nuancer). Kilden til harmoni er mønstrene af farveændringer i naturlige genstande under påvirkning af belysningens styrke og spektrale sammensætning. Harmonien i farvesystemet i en skitse eller et maleri afhænger også af fysiologien og psykologien af ​​visuel opfattelse af lys- og farvekvaliteterne i den objektive verden (kontrasterende interaktion mellem farver, fænomenet med en halo osv.).

Gravering- trykt gengivelse af en tegning skåret eller ætset på træplade(træsnit), linoleum (linoleumsgravering), metalplade (ætsning), sten (litografi) osv. Det særlige ved graveringen er muligheden for dens replikering: et stort antal flerfarvede tryk (tryk) kan udskrives fra en tavle indgraveret af kunstneren. Ved arten af ​​behandlingen af ​​trykpladen (plade eller plade) og trykmetoden skelnes konveks og dybdegående gravering.

Grafik - en af ​​de former for billedkunst, der er tæt på maleriet hvad angår indhold og form, men med sine egne opgaver og kunstneriske evner. I modsætning til maleri er det vigtigste grafiske middel til grafik en monokromatisk tegning (det vil sige linje, chiaroscuro); farvens rolle i den forbliver relativt begrænset. Fra siden af ​​tekniske midler inkluderer grafik tegning i ordets sande betydning i alle dets varianter. Som regel udføres grafiske værker på papir, lejlighedsvis bruges også andre materialer.

Afhængigt af formålet og indholdet opdeles grafikken i staffeligrafik, som omfatter værker af selvstændig betydning (som ikke kræver en uundværlig forbindelse med den litterære tekst for at afsløre deres indhold og ikke er begrænset til et indsnævret, strengt defineret praktisk formål). boggrafik, som danner en ideologisk og kunstnerisk enhed med litterær eller ledsagende tekst og samtidig er beregnet til dekorativ og kunstnerisk udformning af bogen, plakat, som er den mest udbredte form for billedkunst, designet til at udføre politisk, agitation, kunstnerisk produktion eller anvendte opgaver (etiketter, breve, frimærker osv.) med kunstneriske midler.

Grisaille - billedet er i sort/hvid maling (eller monokrom, for eksempel brun); Det bruges ofte til hjælpearbejde, når der udføres undermaling eller skitsering, såvel som til uddannelsesformål med at mestre teknikkerne til tonebillede udført med akvareller eller oliemaling. Billedet er skabt på basis af kun de tonale (lyse) relationer mellem objekterne i fuldskalaproduktionen.

Grunding - et tyndt lag af en speciel sammensætning (klæbemiddel, olie, emulsion), påført over lærred eller pap for at give deres overflade de ønskede farve- og teksturegenskaber og begrænse overdreven absorption af bindemidlet (olien). Arbejder du med oliefarver på ugrundet basis (f.eks. lærred), ligger malingerne ikke ned, de tørrer ud, olien fra malingen absorberes i stoffet og ødelægger lærredet og malingslaget. I henhold til sammensætningen af ​​bindemidlet skelnes jord: olie, klæbemiddel, emulsion, syntetisk. Efter farve - tonet og farvet. Primeren består normalt af 3 elementer: et tyndt lag lim, der dækker hele overfladen af ​​lærredet med en film (dvs. dimensionering), og flere lag primermaling, inklusive et tyndt finishlag. Dimensionering - et tyndt lag lim (tømrerarbejde, kasein eller gelatine) - beskytter lærredet mod indtrængning af primermaling eller olie i stoffet eller på bagsiden af ​​lærredet, binder de efterfølgende lag jord fast til lærredet. Primermalingen udjævner overfladen af ​​lærredet, skaber den nødvendige (normalt hvide) farve og sikrer en stærk forbindelse af malingslaget med primeren.

Primer - i malerteknologi: processen med at påføre en primer på en overflade beregnet til maling.

Gouache - vandbaseret maling med stor dækkeevne. Efter tørring falmer maling hurtigt, og der kræves betydelig erfaring for at forudsige graden af ​​ændring i deres tone og farve. De maler med gouache maling på papir, pap, krydsfiner. Værkerne har en mat fløjlsblød overflade.

Detaljering - omhyggelig undersøgelse af detaljerne i formen af ​​objekter i billedet. Afhængig af den opgave, kunstneren stiller sig selv, kan detaljeringsgraden være forskellig.

Komplementære farver - to farver, der giver hvid, når de er optisk blandet (rød og blålig grøn, orange og cyan, gul og blå, violet og grønlig gul, grøn og magenta). Når disse par komplementære farver blandes mekanisk, opnås nuancer med reduceret mætning. Komplementærfarver kaldes ofte kontrastfarver.

genre - en historisk etableret intern underopdeling i alle typer kunst; typen af ​​et kunstværk i enhed af de specifikke egenskaber ved dets form og indhold. Begrebet "genre" opsummerer de funktioner, der er iboende i en stor gruppe af værker fra enhver æra, nation eller verdenskunst generelt. I hver kunstart er genresystemet sammensat på sin egen måde. I billedkunsten - på baggrund af billedets emne (portræt, stilleben, landskab, historisk og kampmaleri), og nogle gange billedets karakter (karikatur, tegneserie).

Maleri - en af ​​hovedtyperne af billedkunst. Sandfærdig overførsel af objektets ydre udseende, dets ydre tegn Det er også muligt med grafiske midler - efter streg og tone. Men kun maleri kan formidle al den usædvanligt mangfoldige flerfarve i den omgivende verden.

Ifølge udførelsesteknikken er maleriet opdelt i olie, tempera, fresco, voks, mosaik, farvet glas, akvarel, gouache, pastel. Disse navne kom fra et bindemiddel eller fra de anvendte materialer og tekniske midler. Formålet med og indholdet af et billedværk kræver valget af sådanne billedmidler, ved hjælp af hvilke det er muligt fuldt ud at udtrykke kunstnerens ideologiske og kreative hensigt.

Efter genre er maleriet opdelt i staffeli, monumental, dekorativ, teatralsk og dekorativ, miniature.

Dekorativt maleri har ingen selvstændig betydning og tjener som en udsmykning af bygningers ydre og indre i form af farverige paneler, som med et realistisk billede skaber illusionen af ​​et væg-"gennembrud", en forøgelse af rummets størrelse, eller på tværtimod indsnævrer bevidst flade former visuelt og lukker rummet. Mønstre, kranse, guirlander og andre typer indretning, udsmykning af monumentale malerier og skulpturer, binder alle elementerne i interiøret sammen og understreger deres skønhed, deres sammenhæng med arkitektur. Tingene er også dekoreret med dekorativt maleri: skrin, skrin, bakker, kister osv. Dens temaer og former er underordnet tingenes formål.

Maleri miniature fik stor udvikling i middelalderen, før bogtrykkerkunstens opfindelse. Håndskrevne bøger blev dekoreret med de fineste hovedbeklædninger, afslutninger, detaljerede illustrationer, miniaturer. Maleteknik Russiske kunstnere fra første halvdel af det 19. århundrede brugte dygtigt miniaturer til at skabe små (for det meste akvarel) portrætter. Ren dybe farver akvareller, deres udsøgte kombinationer, smykker subtilitet af skrift adskiller disse portrætter.

Monumentalt maleri - en speciel type malerier i stor målestok, der pryder vægge og lofter i arkitektoniske strukturer (fresker, mosaikker, paneler). Den afslører indholdet af store sociale fænomener, der har haft en positiv indvirkning på samfundsudviklingen, forherliger og fastholder dem. Sublimitationen af ​​indholdet af monumentalt maleri, den betydelige størrelse af dets værker, forbindelsen med arkitektur kræver store farvemasser, streng enkelhed og lakonisk sammensætning, klarhed af silhuetter og generalisering af plastisk form.

Staffeli maleri - navnet kommer fra maskinen (easel), som billedet er lavet på. Træ, pap, papir bruges som materialegrundlag, men oftest lærred udspændt på båre. Billedet er sat ind i rammen og opfattes som et selvstændigt kunstværk, uafhængigt af omgivelserne. I denne henseende, for at skabe værker af staffeli-maleri, bruges lidt forskellige kunstneriske midler, mere subtile og detaljerede farve- og tonale relationer gives, og en mere kompleks og detaljeret psykologisk karakterisering af karaktererne gives.

Teatermaleri og dekorativt maleri - kulisser, kostumer, make-up, rekvisitter, lavet i henhold til kunstnerens skitser; være med til at afsløre forestillingens indhold dybere. De særlige teatralske forhold for opfattelsen af ​​maleri kræver, at der tages hensyn til offentlighedens mange synspunkter, deres større afsides beliggenhed, virkningen af ​​kunstig belysning og farvehøjdepunkter. Landskabet giver en idé om stedet og tidspunktet for handlingen, aktiverer seerens opfattelse af, hvad der sker på scenen. I skitser af kostumer og make-up stræber teaterkunstneren efter skarpt at udtrykke karakterernes individuelle karakter, deres sociale status, epokens stil og meget mere.

Akademisk maleri - maleri lavet til ethvert undervisningsformål.

Maler over råt - teknikken til olie- og akvarelmaling. Når du arbejder med olie, er det nødvendigt at afslutte arbejdet, før malingen tørrer, og udelukke sådanne stadier som undermaling, glasering og omregistrering. Maling på vådt har velkendte fordele - friskhed af malingslaget, god bevaring, komparativ enkelhed af udførelsesteknikken.

I akvarel, før arbejdet med råpapir påbegyndes, fugtes papiret jævnt med vand. Når vandet er absorberet i papiret og tørrer lidt ud (efter 2-3 minutter), begynder de at skrive; udtværinger af maling, liggende på en våd overflade, slør, smelter sammen med hinanden, skaber glatte overgange. Så du kan opnå blødhed i overførslen af ​​konturerne af objekter med luftighed og rumlighed af billedet.

Hævelse - uønskede ændringer i det tørrende malingslag, hvorved maleriet mister sin friskhed, mister sin glans, klang af farver, bliver mørkere, bliver sort. Årsagen til hævelser er en overdreven reduktion af malingen af ​​den bindeolie, der optages af grunderen eller det underliggende malingslag, samt påføring af maling på det ikke helt tørrede tidligere lag oliefarver.

Fuldstændighed .- sådan et trin i arbejdet med en skitse eller maleri, når den maksimale fuldstændighed af legemliggørelsen af ​​den kreative intention er opnået, eller når en vis visuel opgave er afsluttet.

"Blandinger" af grundmaling - foreløbig forberedelse på paletten af ​​en blanding af maling, der svarer til grundtonen og farveforholdet mellem naturgenstande (landskab). Under arbejdet introduceres forskellige variationer af nuancer i disse grundlæggende blandinger, nye farver hældes ind. Imidlertid tillader malingen af ​​de vigtigste genstande, der er forberedt på paletten, ikke at falde i overdreven farvning, tillader ikke karakteren af ​​de vigtigste farveforhold at gå tabt. I akvarel er disse reference "blandinger" lavet i separate kopper.

Skitse - en tegning fra livet, lavet hovedsageligt uden for værkstedet for at indsamle materiale til mere betydningsfuldt arbejde, for motionens skyld, nogle gange til nogle særlige formål (f.eks. efter instruktioner fra en avis, et blad). I modsætning til en skitse, der ligner teknisk set, kan udførelsen af ​​en skitse være meget detaljeret.

Idealisering i kunsten - afvigelse fra livets sandhed som følge af kunstnerens bevidste eller utilsigtede udsmykning af billedets emne. Idealisering viser sig sædvanligvis i overdrivelse og absolutisering af det positive princip som en slags ultimativ, angiveligt allerede opnået fuldkommenhed; i at udjævne livsmodsigelser og konflikter; i legemliggørelsen af ​​et abstrakt, overlivsideal osv. Idealisering betyder altid et brud med realismens principper og viser sig på den ene eller anden måde at være forbundet med reaktionære klassers ideologi, der er tilbøjelige til at komme væk fra det sandfærdige billede af livet og erstatte studiet af virkeligheden med subjektivt udsmykkede ideer om det.

Idealisering bør adskilles fra refleksionen i realistisk kunst af et bestemt socialt progressivt livsideal, som, som et vigtigt aspekt af det ideologiske indhold af ethvert realistisk kunstnerisk billede, nogle gange kan være det afgørende princip i den kunstneriske løsning af billedet.

Ideen med maleriet - værkets hovedidé, som bestemmer dets indhold og figurative struktur, udtrykt i den passende form.

Illusorisk - billedets lighed med naturen; grænser til optisk illusion. Som et resultat af illusion kan værkets kunstneriske udtryksevne og dybden af ​​dets indhold gå tabt, hvis ønsket om ekstern lighed i billedet skjuler det vigtigste - dets hensigt.

impressionisme - en trend inden for kunst i den sidste tredjedel af det 19. og begyndelsen af ​​det 20. århundrede, hvis repræsentanter søgte mest naturligt og upartisk at fange den virkelige verden i dens mobilitet og variation, for at formidle deres flygtige indtryk. Impressionismen opstod i 1860'erne. i fransk maleri. E. Manet, O. Renoir, E. Degas introducerede friskhed og umiddelbarhed af livsopfattelse i kunsten, billedet af øjeblikkelige, som om tilfældige bevægelser og situationer, tilsyneladende ubalance, fragmenteret komposition, uventede synspunkter, forkortelser, nedskæringer af figurer . I årene 1870-80. dannede impressionisme i det franske landskab. C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley udviklede et konsekvent plein air system. Ud over malere interesserede billedhuggere (O. Rodin, M. Rosso, P.P. Trubetskoy) sig for øjeblikkelig bevægelse, en flydende form.

Impressionismen udviklede kunstens realistiske principper, men dens tilhængeres arbejde blev ofte påvirket af en afvigelse fra studiet af de grundlæggende fænomener i den sociale virkelighed, permanente stabile kvaliteter i den materielle verden. Denne kreativitetsretning førte de sene impressionister til formalisme.

Interiør - indvendig udsigt over værelset. At skildre et interiør kræver en grundig viden om perspektiv. Samtidig er det vigtigt at finde et sted, hvorfra du mere interessant kan komponere billedet. Det færdige billede af interiøret, ud over en interessant komposition, korrekt perspektivkonstruktion, placering af objekter i rummet, bør give en idé om belysning.

Maleri - et værk af staffeli-maleri, der virkelig legemliggør kunstnerens hensigt, kendetegnet ved betydningen af ​​indholdet, sandheden og fuldstændigheden af ​​den kunstneriske form. Maleriet er resultatet af kunstnerens lange iagttagelser og refleksioner over livet. Det er forudgået af skitser, skitser, skitser, skitser, hvor kunstneren fikser individuelle fænomener i livet, samler materiale til et fremtidigt billede, leder efter grundlaget for dets sammensætning og farve. Ved at skabe et billede, stoler kunstneren på naturen, går ud fra det både i det generelle koncept og i individuelle detaljer. Observation, fantasi og design spiller en vigtig rolle i denne proces. Billedet bærer på sin egen måde et vist ideologisk-figurativt begreb, og udtryksformerne er visuelt pålidelige. Hver detalje, del er korreleret med helheden, hvert element udtrykker et billede. De faldende formalistiske tendenser er præget af en krise i det plottematiske billede, afvisning af væsentlige ideologiske problemer og psykologisme. Ikke kun plottet er udelukket fra billederne, men der er også et brud med motivbilledet generelt. I billedets form bliver billedet meningsløst, abstrakt.

Klæbende maling - tørre malinger, fremstillet i pulvere og blandet af kunstneren selv med limvand. Godt bankede, de bruges nogle gange af kunstnere i udformningen af ​​reproduktions originaler som en erstatning for gouache maling. Oftest bruges de til teatralske kulisser.

Nag - en slags blødt tyggegummi, der bruges, når du vil lette skyggetonen i blyantstegninger. Natten er blød og nem at ælte med fingrene; den sletter ikke en blyant, men den presses let mod de dele af tegningen, der lysner: grafitten klæber sig til nagen og holdes fast af den, efter at den er taget væk fra papiret. Hvis områderne, der skal afklares, er meget små, får naget udseendet af en spids kegle.

Natten kan laves som følger. Almindelig tyggegummi lægges i benzin i to til tre dage (evt. i petroleum), derefter opbevares det i yderligere to dage. Derefter æltes det blødgjorte gummi med kartoffelmel (stivelse), melet skal tages med knivspidser, og dets mængde skal justeres til nagens viskositet.

Farve (skitse eller billede) - arten af ​​forholdet mellem alle farveelementer i billedet, dets farvesystem. Dens største fordel er rigdommen og konsistensen af ​​farver, der svarer til naturen selv, og transmitterer, i enhed med chiaroscuro, objektegenskaberne og belysningstilstanden i det afbildede øjeblik. Etudens farve bestemmes af: 1) konsistensen af ​​farverelationer proportionalt med naturen, under hensyntagen til den generelle tone og farvetilstand af belysning, 2) rigdommen og variationen af ​​reflekser i lys-luft- og objektmiljøet, 3 ) den kontrasterende vekselvirkning af varme og kolde nuancer, 4) indflydelsen af ​​belysningens farve, som forener naturens farver, gør dem underordnede og beslægtede.

En sand afspejling af tilstanden af ​​virkelige lysforhold påvirker beskuerens følelser, skaber en stemning og forårsager tilsvarende æstetiske oplevelser.

Børster ... Børster er kolonkovy, egern, børster. Børster er designet til at blive brugt med oliemaling, men kan bruges i tempera og gua sha maling. Egern og kolinsky børster bruges i akvareller. De er flade og runde i formen. Børstens størrelse er angivet med et tal. Antallet af flade børster og flade børster svarer til deres bredde i millimeter, og antallet af runde børster svarer til deres diameter (også udtrykt i millimeter).

Efter at have arbejdet med oliemaling vaskes børster med varmt vand og sæbe. Vask ikke dine børster i acetone: dette vil skade dit hår. Efter arbejde vaskes akvarelpensler i rent vand. Børsterne må under ingen omstændigheder have lov til at tørre ud, især efter arbejde med oliefarver, og børsterne bør placeres i krukken med håret nedad, da håret er deformeret. Den vaskede børste skal pakkes ind i papir, så bevarer den sin form.

Sammensætning - konstruktion af en skitse eller et billede, koordinering af dets dele. Med et billede i fuld skala: udvælgelse og iscenesættelse af objekter, valg af det bedste synspunkt, belysning, bestemmelse af lærredets format og størrelse, identifikation af kompositionscentret, underordnet de sekundære dele af værket. Når du laver et billede: valg af et tema, udvikling af et plot, find værkets format og størrelse, karakterisering af karaktererne, deres forhold til hinanden, positurer, bevægelser og gestus, ansigternes udtryksevne, brugen af ​​kontraster og rytmer - alt sammen disse er de konstituerende elementer i billedets kompositoriske konstruktion, der tjener bedst til legemliggørelsen af ​​kunstnerens hensigt. I en sådan komposition tages alt i betragtning: massen af ​​objekter og deres silhuetter, rytmen, hvormed de er placeret på lærredet, perspektiv, en imaginær horisontlinje og synsvinkel på det afbildede, farven på billedet , grupperingen af ​​karaktererne, retningen af ​​deres synspunkter, retningen af ​​perspektivlinjens reduktion af objekter, distribution chiaroscuro, kropsholdning og gestus osv.

Konstant visuel perception - tilbøjeligheden til at opfatte et objekt, dets størrelse, form, lyshed, farve som stabilt og uændret, uanset de ændringer, der sker i det (afstand fra beskueren, ændring i belysning, påvirkning fra omgivelserne osv.) - Størrelseskonstans - tendensen til at opfatte størrelsen af ​​et objekt konstant, på trods af ændringsafstanden til det. Som regel bemærker nybegyndere ikke perspektivændringer.

Formkonstans - tilbøjeligheden til at opfatte den faktiske form, selvom objektet er roteret, så dets billede på nethinden adskiller sig fra den faktiske form. (For eksempel ser et firkantet stykke papir, der ligger på et bord, ud til at være firkantet, selvom dets projektion på nethinden ikke er firkantet.)

Konstant lysstyrke - Tendensen til at opfatte letheden af ​​en genstandskonstant på trods af ændringer i belysningen; afhænger hovedsageligt af det konstante forhold mellem intensiteten af ​​lys, der reflekteres både fra objektet og fra dets omgivelser.

Farvekonstans - Tendensen til at opfatte objektets farve (dets lokale farve) uanset skiftende lysforhold, dets styrke og spektrale sammensætning (dagtid, aften, kunstig).

På grund af fænomenet konstanthed giver opfattelsen og transmissionen af ​​objekter og fænomener i maleri, præcis som de ser ud for øjet under specifikke lysforhold, i et bestemt miljø og på en vis afstand, en vis vanskelighed i begyndelsen af ​​træningen. Begynderkunstneren, selvom han ved, at farven skifter afhængigt af lysforholdene, ser den uændret og tør for eksempel ikke male grønne træer i den nedgående sols stråler rødlige eller male den blå himmel med en kompleks pink-oker , som det sker ved solnedgang.

Det forekommer en uerfaren maler, at en hvid genstand er hvid i alle dens dele, en mørk genstand er mørk. I mellemtiden vil overfladen af ​​en mørk genstand, der vender mod lyset, i en fuldskala-indstilling reflektere flere lysstråler end skyggedelen af ​​en hvid genstand, og derfor vil skyggen af ​​en hvid genstand være mørkere end den lyse del af en mørk genstand. objekt.

Mens han arbejder på en skitse af et landskab, bemærker en uerfaren maler ikke, hvordan skumringen falder på, selvom belysningen er faldet betydeligt.

De omgivende objekter kan belyses med lys af forskellig spektral sammensætning, hvilket ændrer den spektrale sammensætning af lyset, der reflekteres fra objekter. En nybegynder kunstners øje bemærker dog heller ikke denne farveændring.

Perceptionens konstanthed kan øges og intensiveres af mange årsager. Jo stærkere den kromatiske belysning, og jo større afstanden, hvorfra objektet observeres, jo svagere er manifestationen af ​​konstanthed. Evnen af ​​en genstands overflade til kraftigt at reflektere lysstråler bidrager også til en konstant opfattelse: objekter med lysfarve viser mere mærkbart indflydelsen af ​​lysets farve. Lys- og farvetilpasninger øger perceptionens konstanthed. Når du observerer et vinterlandskab i overskyet vejr, kan du kun bemærke komplekse grålige nuancer. Hvis man ser på det samme vintermotiv fra vinduet i et rum oplyst af elektricitet, så vil landskabet uden for vinduet blive opfattet som intenst blåligt. Hvis du forlader rummet under åben himmel, så forsvinder landskabets blå tone om få minutter. På samme måde opstår nul konstans i publikum, når scenen farves med lys; efter at den varme elektriske belysning i hallen er slukket, åbner gardinet sig, og beskueren beundrer scenen med vinter, måneskin eller andre belysningstilstande.

Som et resultat af praksis opnår kunstneren evnen til i naturen at bemærke ændringerne i farven på et objekt forårsaget af miljøet og belysningen, han ser og formidler al rigdommen og variationen i den ydre verden, en stor variation af farveovergange . Som et resultat vises overbevisende belysning på lærredet, farven ser kompliceret ud og beriget af miljøet og belysningen. Mange kunstnere og undervisere udførte specielle øvelser med at skabe visuelle modeller for at forstå de koloristiske egenskaber ved forskellige lysforhold. Til .. Monet skrev for eksempel en række skitser, der forestillede det samme objekt (høstak), og studerede således farveændringen under forskellige lysforhold i naturen. For at udvikle en konstant opfattelse opstillede N. N. Krymov en hvid terning, malet på den ene side med sort maling, og oplyste den fra denne side med en kraftig lampe, hvilket efterlod den hvide side i skyggen. Samtidig var hans elever overbevist om, at den sorte, oplyste side af terningen er lysere end den hvide i skyggen. Krymov foreslog eleverne at skrive en lille papharmonikaskærm, hvis fly var malet i forskellige farver og oplyst fra to sider: på den ene side med en elektrisk lampe, på den anden med dagslys. Strålerne fra lampen blev rettet mod områder med kølige farver, mens varme farver blev vendt mod dagslys. Eleverne blev overbevist om, at lysforholdene ændrer fagets farver væsentligt og dermed blev frigjort fra den konstante opfattelse af farver.

En nybegyndermaler skal slippe af med perceptionens konstanthed og være i stand til at opfatte et objekts form, dets lethed og farve på grund af lysmiljøet, belysningen og rummet.

Design - i billedkunsten, essensen, et karakteristisk træk ved formens struktur, som forudsætter det naturlige forhold mellem formens dele, dens proportioner.

Kontrast - 1) en skarp forskel, det modsatte af to mængder: størrelse, farve (lys og mørk, varm og kold, mættet og neutral), bevægelse osv.; 2) kontrasten er lys og kromatisk - et fænomen, hvor den opfattede forskel er meget større end det fysiske grundlag. På en lys baggrund virker motivets farve mørkere, på en mørk baggrund - lysere. Lyskontrasten ses tydeligst ved grænsen mellem de mørke og lyse flader. Kromatisk kontrast er en ændring i nuance og mætning påvirket af omgivende farver (samtidig kontrast) eller af tidligere observerede farver (konsistent kontrast). For eksempel: grøn ud for rød øger dens mætning. Grå farve får en grønlig farvetone mod en rød baggrund. Kromatisk kontrast er mere udtalt, når de interagerende farver er omtrent lige store i lyshed.

Kopiering - processen med at opnå kopier af en tegning eller tegning; kan gøres på forskellige måder: ved at gentegne, spore, klemme, gentegne i lyset, gentegne på gitteret, samt bruge strømaftager og epidiaskop.

Perekalyvanie - en metode til kopiering uden at ændre skalaen: originalen anbringes på et blankt ark papir, og ved hjælp af en tynd nål punkteres alle de karakteristiske punkter på billedet eller tegningen, gennem hvilke blyantstreg derefter tegnes på det fastgjorte papir .

Sporing - en måde at kopiere på uden at ændre skalaen. Kalkerpapir lægges oven på originalen, hvorpå et billede er tegnet med en blyant eller blæk; kalkerpapirets arbejdsflade skal først affedtes - tør den af ​​med kridt eller kuldioxidpulver.

Klemmer - kopieringsmetode uden at ændre skalaen: tørt transferpapir anbringes under originalen eller kopien på kalkerpapir; en skærpet nål drives langs linjerne i det originale billede, på grund af hvilket det oversatte billede er præget på et blankt ark papir. Bagsiden af ​​originalen (kalkerpapir) kan gnides med en blød blyant, i dette tilfælde er det overførte billede klarere.

Gentegning til lyset - en måde at kopiere på uden at ændre skalaen. Originalen lægges på glas og dækkes med rent papir eller kalkerpapir; der er en lyskilde (dagslys eller elektrisk) bag glasset; linjerne i originalen, der vises gennem papiret, er omridset med en blyant. Der findes specielle kopimaskiner tilpasset til dette formål.

Gentegning på et gitter - en metode til kopiering med en mulig skalaændring (forstørrelse eller formindskelse af et billede) ved hjælp af et koordinatgitter lavet på originalen og på et blankt ark papir. Billedet er tegnet "af celler". Cellerne er bygget firkantede eller rektangulære. Gentegning med celler er meget besværligt og kan ikke gengive originalens linjer med upåklagelig nøjagtighed, da det udføres med øje og i hånden.

Krop (dejagtig) strimmel af maling - udførelse af en skitse eller et maleri med et tæt, uigennemsigtigt, relativt tykt lag oliemaling, ofte med en relieftekstur.

Kroki - en hurtig skitse fra naturen, sjældnere en flydende fiksering af den kompositoriske idé i form af en tegning. Udtrykket "kroki" er af ringe nytte; i generel forstand er det tæt på det bredere begreb "skitse".

Træsnit - trægravering, den vigtigste tekniske variant af konveks gravering, den ældste graveringsteknik generelt. Træsnit udføres ved udskæring på et bræt, normalt pære-, bøgetræ, de dele af graveringen ovenpå det, der skal forblive hvide. I langsgående eller kantet gravering er brættets fibre parallelle med overfladen, og arbejdet udføres hovedsageligt med skarpe knive. Mulighederne for denne teknik er relativt snævre, men vanskelighederne er betydelige (da fibermaterialets modstand mod kniven er ujævn i forskellige retninger). Endegravering udføres på et bræt med fiber vinkelret på overfladen; hendes vigtigste værktøj er en shtikhel, som giver mulighed for en meget subtil og varieret teknik.

I modsætning til enhver form for dybdegravering kan træsnit trykkes sammen med et sæt på en konventionel typografisk maskine, og bruges derfor ofte i bogillustrationer.

Heldig ... Kunstnere lakerer primere for at beskytte dem mod indtrængning af olie fra maling, tilføjer lakker til malingsbindemidlet, påfører dem på det hærdede malingslag til videre arbejde (for bedre limning af lag) og til sidst lak de færdige værker. I dette tilfælde forbedrer lakken farvemætningen. Lakfilmen beskytter billedet mod direkte kontakt med skadelige atmosfæriske gasser, støv og sod i luften. Lakker i sammensætningen af ​​oliemaling bidrager til dens mere ensartede og hurtigere tørring, og de farverige lag binder sig bedre til jorden og til hinanden. Det er bedre at dække malerier med terpentinlakker end olielakker (så bliver de mindre mørke). Den fikserende lak fikser arbejdet udført med kul, sanguine, pasteller, akvareller.

Modellering af formen med farve - processen med at modellere et objekt, identificere dets volumen og materiale farvenuancer under hensyntagen til deres ændringer i lethed og mætning.

Glasur - en af ​​maleteknikkens teknikker, der består i påføring af meget tynde lag af holdbare og gennemskinnelige malinger over et tørret tæt lag af andre malinger. Samtidig opnås en særlig lethed, sonoritet af farver, som er resultatet af deres optiske blanding.

Linoskæring - gravering på linoleum, en slags konveks gravering. Med hensyn til teknik og kunstneriske virkemidler ligner linosnit træsnit og i trykket adskiller det sig ofte kun fra det i mangel af subtile detaljer.

Litografi - i billedkunsten, en udbredt form for grafisk teknik forbundet med at arbejde på sten (tæt kalksten) eller erstatte den med en metalplade (zink, aluminium).

Kunstneren udfører litografien ved at tegne på stenens kornede eller glatte overflade med en fed litografisk blyant og speciel blæk. Efter ætsningen af ​​stenen med syre (virker på overfladen, der ikke er dækket af fedt), vaskes tegningen af: i stedet påføres trykfarve, som kun klæber til stenens uafkrydsede partikler, som nøjagtigt svarer til tegningen. Malingen rulles hen over en fugtet sten; udskrivning sker på en speciel maskine.

Lokal farve - en farve, der er karakteristisk for en given vare (dens farve) og har ikke undergået nogen ændringer. I virkeligheden sker dette ikke. Objektfarven ændrer sig konstant noget under indflydelse af belysningens styrke og farve, miljøet, rumlig afstand, og det kaldes ikke længere lokalt, men betinget. Nogle gange betyder lokal farve ikke en objektfarve, men en homogen plet af en betinget farve, taget i grundlæggende relationer til nabofarver, uden at afsløre en mosaik af farvereflekser, uden at nuancere disse grundpletter.

Måde - i relation til kunstnerisk praksis: præstationens karakter eller metode som et rent teknisk træk (f.eks. "bred måde").

I kunsthistorien betegner udtrykket "måde" nogle gange de generelle egenskaber ved præstation, karakteristisk for en kunstner eller kunstskole i en vis periode med kreativ udvikling (for eksempel "tizians sene stil").

Maneritet - i kunstnerisk praksis: egenskaberne ved tilgang og udførelse, blottet for enkelhed og naturlighed, hvilket fører til prætentiøse, langt ude eller betingede resultater. Manérisme kaldes oftest en afhængighed af enhver udadtil spektakulær, tillært måde og alle former for forudindtaget kunstneriske teknikker, en tiltrækning mod stilisering. Samtidens borgerlige kunsts formalistiske praksis giver et ekstremt udtryk for manierisme.

Olie maling - farvestoffer blandet med vegetabilsk olie: hørfrø (hovedsagelig), valmuefrø eller valnød; oliemaling hærder gradvist fra eksponering for lys og luft. Mange baser (lærred, træ, pap) er grundet på forhånd til at arbejde på dem med oliemaling. Den mest brugte primer er som følger: Materialet er beklædt med flydende trælim, og når det tørrer, tørres det af med en pimpsten, hvorefter det dækkes med fint kridtpulver blandet med limvand til konsistens som creme fraiche . For at rense børsterne vaskes de i petroleum, terpentin eller benzin og til sidst i varmt vand med sæbe, hvorved malingen presses ud af penslens rod og derefter skylles i rent vand.

Væsentlighed af de afbildede genstande formidles primært af arten af ​​chiaroscuro. Objekter bestående af forskellige materialer har gradueringer af lys og skygge, der er karakteristiske for dem. Et cylindrisk gipsobjekt har jævne overgange fra lys til delvis skygge, skygge og refleks. En cylindrisk glasbeholder har ikke udtalte nuancer af lys og skygge. Der er kun blænding og reflekser på dens form. Metalgenstande er også hovedsageligt kendetegnet ved blænding og reflekser. Hvis du formidler arten af ​​chiaroscuro i figuren, vil genstandene se materiale ud. En anden, endnu vigtigere betingelse, som skildringen af ​​genstandes materielle kvaliteter afhænger af, er konsistens i en tegning eller billedskitse af tone- og farveforhold mellem genstande proportionalt med naturen. Når vi opfatter genstandes materielle kvaliteter, er vores bevidsthed hovedsageligt afhængig af deres tonale og farveforhold (forskelle). Derfor, hvis karakteren af ​​chiaroscuro, tone- og farveforhold formidles i overensstemmelse med det visuelle billede af naturen, får vi et sandt billede af de materielle kvaliteter af stillebensobjekter eller landskabsobjekter.

Lagdelt maleri - den vigtigste tekniske type oliemaling, som kræver opdeling af arbejdet i en række på hinanden følgende faser (undermaling, registrering, glasering), adskilt af pauser for fuldstændig tørring af malingen. Når du udfører en stor tematisk sammensætning, såvel som under langsigtet arbejde generelt, er flerlagsmaling den eneste fuldgyldige teknik til oliemaleri. Indtil midten af ​​XIX århundrede. alle de store førende kunstnere fra fortiden brugte denne teknik som deres grundpille. Senere opgav impressionisterne og deres tilhængere det.

Fra et snævert teknologisk synspunkt, ikke relateret til de gamle mestres teknik, kan begrebet flerlagsmaling kun svare til registrering på et tørret malingslag (uden undermaling og glasering).

Modellering - i billedkunsten: overførslen af ​​den objektive verdens volumetrisk-plastiske og rumlige egenskaber ved hjælp af lys- og skyggegrader (maleri, grafik) eller den tilsvarende plasticitet af tredimensionelle former (skulptur, især relief). Modellering udføres normalt under hensyntagen til perspektiv, i maleriet desuden ved hjælp af farvegraderinger, der er uløseligt forbundet med chiaroscuro. Modelleringens opgaver er ikke begrænset til simpel gengivelse af den objektive verden: Ved at deltage i objektets ideologisk-figurative karakteristika generaliserer, forstærker og afslører den det mest væsentlige, karakteristika.

Modernisme - en generel betegnelse af retningerne for kunst og litteratur i de sene XIX-XX århundreder. (Kubisme, dadaisme, surrealisme, futurisme, ekspressionisme, abstrakt kunst osv.). Modernismens hovedtræk: benægtelsen af ​​kunstens kognitive og sociale rolle, dens ideologiske karakter, nationalitet, udskiftning af kunst med alle mulige tricks, en fuldstændig forvrængning eller tilsidesættelse af de professionelle traditioner i den realistiske kunstneriske arv.

Mosaik - en speciel teknisk variation af monumentale malerier, baseret på brugen af ​​flerfarvede faste stoffer - smalt, naturfarvede sten, farvede emaljeringer over brændt ler osv. som de vigtigste kunstnerisk materiale... Billedet er sammensat af stykker af sådanne materialer, godt tilpasset hinanden, fastgjort på cement eller speciel mastik og derefter slibet. Ifølge metoden til det såkaldte direkte sæt er mosaikken lavet fra forsiden - på det sted, der er beregnet til det (væg, hvælving osv.) eller på en separat plade, som derefter er indlejret i væggen. Med det omvendte sæt er de farvede stykker kun synlige for kunstneren bagfra, da de er limet med frontfladen på en midlertidig tynd foring (fjernes efter mosaikken er overført til væggen). Den første af disse metoder er relativt vanskelig og tidskrævende, men mere perfekt fra et kunstnerisk synspunkt.

Staffeli - maskine (deraf definitionen af ​​"easel maleri"), nødvendig for kunstneren at understøtte den ønskede hældning af billedet under arbejdet. Hovedkravet til et staffeli er stabilitet.

Monotype - en speciel type grafisk teknik forbundet med trykprocessen, men skarpt forskellig fra enhver form for gravering i fuldstændig fravær af mekaniske eller tekniske effekter på overfladen af ​​brættet. Maling påføres i hånden på en glat overflade, efterfulgt af tryk på maskine. Det resulterende print er det eneste

og unikke.

Momumentalitet i værker af staffeli maleri skyldes den sociale betydning af billedets emne, dets heroiske patos, dybden og kraften i legemliggørelsen af ​​ideer i de tilsvarende billeder - enkel, streng, majestætisk og udtryksfuld.

Skitse i farver - en skitse af lille størrelse, flydende og hurtigt udført. Hovedformålet med en sådan skitse er at erhverve evnen til at opfatte naturen som helhed, at finde og formidle de korrekte farveforhold for dens hovedobjekter. Det er kendt, at en fuldgyldig billedstruktur af et billede bestemmes af den proportionale overførsel af forskelle mellem naturens vigtigste farvepletter. Uden dette vil ingen omhyggelig undersøgelse af detaljer, reflekser, mosaikker af farvenuancer føre til et fuldgyldigt billedbillede.

Nationalitet - kunstens forbindelse med menneskene, betingelsen af ​​kunstneriske fænomener efter liv, kamp, ​​ideer, følelser og forhåbninger folkemasser, udtryk i kunsten af ​​deres interesser og psykologi. Et af de grundlæggende principper for socialistisk realisme.

Natur - i udøvelse af billedkunst er disse evt naturfænomener, genstande og genstande, som kunstneren skildrer, og observerer som en direkte model. Fra naturen udføres som regel kun en skitse, en skitse, en skitse, et portræt og nogle gange et landskab.

Naturalisme - i billedkunsten kommer det til udtryk isoleret fra brede generaliseringer, fra ideologi og fører til en metode til rent ekstern kopiering af alt, hvad der er i synsfeltet. Nye malere tror også nogle gange, at en pålidelig skildring af naturen i overførsel af dens volumetriske, materielle og rumlige kvaliteter er kunstens absolutte mål. Selvfølgelig er det nødvendigt at have en visuel læsefærdighed, teknikker til billedmesterskab. Det er dog lige så vigtigt sideløbende hermed at udvikle evnen til at se virkeligheden gennem en kunstners øjne. Maleriet er ikke et spejlbillede af naturen. "Maleri," sagde I. I. Levitan, "er ikke en protokol, men en forklaring af naturen med billedlige midler." Maleren udvælger og sammenfatter i naturens farverige variation de elementer, der ekspressivt kan formidle et ideologisk og figurativt begreb. Han forsøger at afsløre essensen af ​​det afbildede, viser, hvad der ophidsede ham. Dette afspejler kunstnerens personlighed, hans verdenssyn samt smag og praktisk erfaring i brugen af ​​farverige materialer og teknikker.

Stilleben - en af ​​genrerne inden for kunst, dedikeret til reproduktion af husholdningsartikler, frugter, grøntsager, blomster osv. ... Billedet af et stilleben er især nyttigt i pædagogisk praksis for at mestre malefærdigheder. I stilleben forstår kunstneren lovene for farveharmoni, erhverver den tekniske færdighed til at male formmodellering.

Kunstnerisk generalisering - kunstnerens evne til at erkende den objektive virkelighed, afsløre det væsentligste i objekter og fænomener ved hjælp af sammenligning, analyse og syntese. Et kunstværk er resultatet af det almenes udtryksfuldhed, samtidig med at hele det unikke ved det konkrete visuelle billede bibeholdes.

I en snæver faglig forstand er generalisering det sidste trin i processen med at lave en tegning eller maleri fra livet, efter den detaljerede udarbejdelse af formularen. På dette stadie af arbejdet er detaljerne generaliseret for at skabe holistisk billede naturen på grundlag af dens integrerede visuelle perception.

Kunstnerisk billede - en bestemt form for refleksion af virkeligheden i en konkret-sanselig, visuelt opfattet form. Skabelsen af ​​et kunstnerisk billede er tæt forbundet med udvælgelsen af ​​de mest karakteristiske, med vægten på de væsentlige aspekter af en genstand eller et fænomen inden for grænserne af disse objekters og fænomeners individuelle unikke natur. Det er kendt, at menneskelig bevidsthed ikke kun afspejler det objektive visuelle billede af et objekt eller fænomen, men også de følelsesmæssige kvaliteter af deres opfattelse. Derfor indeholder det kunstneriske billede i maleriet ikke kun de virkelige træk ved det afbildede objekt, men også dets sensoriske og følelsesmæssige betydning. Hvert billede er både en sand afspejling af den objektive virkelighed og et udtryk for kunstnerens æstetiske følelser, hans individuelle, følelsesmæssige holdning til det afbildede, smag og stil.

Omvendt perspektiv - en fejlagtig teknik til at tegne perspektiv, hvis essens er, at linjer parallelle og vandrette i rummet i billedet er afbildet ikke konvergerende, men divergerende; forekommer ret ofte i oldtidens ikonmaleri, som følge af kunstnernes uvidenhed om de elementære regler for perspektivkonstruktion (i nogle tilfælde er en bevidst overtrædelse af reglerne for perspektivkonstruktion tilladt).

Generel tone og farvetilstand i naturen - resultatet af forskellige lysintensiteter. For at formidle tilstanden af ​​forskellig belysning (om morgenen, om eftermiddagen, om aftenen eller på en grå dag), når man bygger etudens farvesystem, bruges lyse og lyse farver på paletten ikke altid. I nogle tilfælde opbygger kunstneren et forhold i et reduceret område af lyshed og farvestyrke (grå dag, mørkt rum), i andre tilfælde med lyse og lyse farver (for eksempel en solskinsdag). Således fastholder kunstneren etudens tone- og farveforhold i forskellige tone- og farveområder (skalaer). Dette bidrager til overførslen af ​​belysningstilstanden, hvilket er særligt vigtigt i landskabsmaleriet, da det er denne tilstand, der bestemmer dens følelsesmæssige påvirkning (se billedets tone- og farveskala).

Bind - et billede af tredimensionaliteten af ​​formen på planet. Det udføres primært ved den korrekte konstruktive og perspektiviske opbygning af emnet. Et andet vigtigt middel til at formidle volumen på et fly er gradueringerne af lys og skygge, udtrykt i farve: flare, lys, penumbra, egen og faldende skygge, refleks. Billedet af volumen på billedplanet lettes også af slagets eller skyggeretningen, deres bevægelse i formens retning (på flade overflader er de lige og parallelle, på cylindriske og sfæriske - bueformede).

glorie - et fænomen også kendt som "bestråling"; opstår ved spredning af skarpt lys i en klar væske, der fylder øjeæblet. På grund af øjets øgede følsomhed i mørke reagerer det kraftigt, når det observerer kilder til skarpt lys (ild eller tændt lampe). Om dagen virker de ikke lyse, i skumringen eller om natten kan de blænde øjnene. Øjet opfatter næsten ikke farven på klare lyskilder, men glorie omkring lysende kroppe eller stærkt oplyste genstande har en mere udtalt farve. Stearinlysets flamme ser næsten hvid ud, og glorien omkring den er gul. Et stærkt highlight på en skinnende overflade fremstår hvidt, og glorien omkring det får lyskildens farveegenskab. Tynde stammer af træer mod himlens baggrund er fuldstændig indhyllet i en glorie, det vil sige, de ser blå ud og på baggrund af en gul solnedgang - orange eller rød. Når en glorie transmitteres i et billede, opfatter øjet objekter som lysende (et stearinlys, lyse vinduer dag og nat, stjerner på himlen osv.). Afbildet uden en glorie, en uundværlig ledsager af stærkt lys, træstammen og dens krone ligner en hård påføring mod baggrunden af ​​en lys himmel, stjerner uden en glorie giver indtryk af pletter af maling sprøjtet på en mørk baggrund, lys blænding uden en glorie på baggrund af en kande ligner lette pletter.

Fonden - i malerteknologi: det materiale, som primeren og malingslaget på maleriet er påført. Den mest almindelige base er lærred, træ (det var den mest almindelige base i antikken, i middelalderen og i renæssancen), mindre almindeligt anvendte pap, papir, metal, glas, linoleum osv. I nogle typer maleri (f.eks. fresco, akvarel osv.) basen bruges uden særlig forberedelse.

Vask - 1) akvarel teknik ved hjælp af meget flydende maling eller mascara. For at male over et relativt stort område med en lys tone, ton ca. '/ * glas vand med maling, lad malingen bundfælde sig (det er bedre at filtrere det senere) og tag" opløsningen "fra oven med en pensel uden at røre bunden af ​​glasset; 2) modtagelsen af ​​at lette malingen eller fjerne den fra papiret med en pensel dyppet i rent vand og opsamle den gennemblødte maling med strøpapir (proceduren gentages flere gange).

Forholdet tone-farve - forskelle mellem objekter i lyshed og farve: hvad er lysere i naturen, hvad er mørkere, plus forskelle i farve og dens mætning.

Skygge (nuance) - En lille, ofte subtil forskel i farve, lyshed eller farvemætning.

Ætsning - nåle- eller stregætsning, en udbredt teknisk række af dybdegående gravering på metal. Arbejd på ætsningen ved at ridse graveringsjorden ud med specielle nåle, normalt i den frie teknik med stregtegning. Forskelle i slagets styrke og rigdom opnås ved den ujævne varighed af ætsning af detaljerne i billedet med syrer. Ætseteknikken udmærker sig ved dens komparative enkelhed og store fleksibilitet.

Visuel fornemmelse - resultatet af vekselvirkningen af ​​strålingsenergi med synsorganet og bevidsthedens opfattelse af denne vekselvirkning. Som et resultat modtager en person en række forskellige fornemmelser af lys og farve, rige farvegraderinger, der karakteriserer formen på genstande og naturfænomener i en række lysforhold, miljø og rum.

Palette - 1) et lille tyndt bræt af rektangulær eller oval form, hvorpå kunstneren blander maling under arbejdet; 2) en nøjagtig liste over malinger brugt af denne eller den kunstner i sin kreative praksis.

Panorama - et malerisk lærred i form af et lukket cirkulært bånd. Foran billedbilledet på lærred placeres forskellige ægte falske objekter, som skaber illusionen af ​​en direkte overgang af forgrundens virkelige rum til billedets billedrum. Panoramaet er placeret i en specialbygget billedhal med en central, normalt mørklagt, observationsdæk... I modsætning til et panorama er et diorama et malerisk maleri i form af et buet halvcirkelformet bånd.

Stadig uovertrufne eksempler er panoramaerne skabt af kunstneren F. A. Roubaud "Defense of Sevastopol" (1902-1904) og "Battle of Borodino" (1911).

Pastel - kantløse farveblyanter lavet af pulvermaling. De opnås ved at blande malingspulver med et klæbemiddel (kirsebærlim, dextrin, gelatine, kasein). De arbejder med pasteller på papir, pap eller lærred. Maling påføres med strøg, som på tegningen, eller gnides med fingre med skygge, som giver dig mulighed for at opnå de fineste farverige nuancer og sarte farveovergange, en mat fløjlsblød overflade. Når du arbejder med pasteller, kan du nemt fjerne eller overlappe farverige lag, da det frit skrabes af jorden. Pastelværker fikseres normalt med en speciel løsning.

Pastiness - 1) i teknikken til oliemaleri: en betydelig tykkelse af malingslaget, brugt som et kunstnerisk medium. Udtaler sig teknisk funktion, pasty forbliver altid mærkbar for øjet og viser sig i en vis ujævnhed i malingslaget, i en "relief-udtværing" osv. I en snæver, rent teknologisk forstand kaldes tyklagsmaling med en flad overflade undertiden pasty, hvor det pastøse kan være usynligt (korpusmaling); 2) en særlig egenskab ved malingsmaterialets plasticitet, som gør det muligt for den ufortyndede oliemaling helt at bevare den form, som penslen giver den.

Landskab - visning, billede af ethvert område; i maleri og grafik, en genre og et separat værk, hvor billedets hovedmotiv er naturen. Udsigt over byer og arkitektoniske komplekser (arkitektonisk landskab) er ofte afbildet, marine arter(marina).

Variegation (fraktionalitet) af billedet - ulemper ved en tegning eller undersøgelse, som opnås i tilfælde af, at en nybegynder tegner eller skriver naturen i dele, "point-blank". Som et resultat er formen af ​​objekter overbelastet med detaljer, deres konturer er skarpe, mange objekter og deres overflader ser ens ud i tone og farvestyrke. Dette sker, fordi en uerfaren kunstner, selvom han sammenlignede objekter i tone og farve, så på dem skiftevis, hver for sig. Når kunstneren udvikler evnen til samtidig (integral) vision og sammenligning af objekter med tre egenskaber af farve (farve, lyshed, mætning), forsvinder den tonale variation af billedet.

Geografiske planer - betinget opdelte områder af rummet placeret i forskellige afstande fra observatøren. Der skelnes mellem flere planer på billedet: første, anden, tredje eller foran, midt, bagpå. Rummet på lærredets eller papirets plan formidles hovedsageligt af den korrekte perspektivkonstruktion. Hvis objekter eller volumener på rumlige planer tegnes uden streng overholdelse af deres perspektivændringer, vil farveskemaet ikke gøre meget for billedet af rummet. Strøgets karakter (i tegningen - slagets karakter) bidrager også til overførslen af ​​billedets rumlige kvaliteter. Forgrundsskyggeteknikken er mere defineret, stiv og tæt. Udtværingen af ​​maling er mere dejagtig, præget, fraktioneret. Fjerne skud formidles af et blødere streg, et tyndt lag maling.

Plast - harmoni, udtryksfuldhed og fleksibilitet af former, linjer bemærket af kunstneren i den afbildede natur.

Plein luft maleri - maleri i det fri. Forandringer i naturens farver under påvirkning af lys og luft spiller en aktiv rolle i at skrive skitser i det fri. I dette tilfælde skal der lægges særlig vægt på naturens generelle tone og farvetilstand (afhængigt af belysningens styrke og farve) og fænomenet luftperspektiv... Det afgørende moment i maleri i det fri er konsistensen af ​​tone- og farveskalaen, når etudens tone- og farveforhold konstrueres (se billedets tone- og farveskala):

Undermaling - den forberedende fase af arbejdet med maleriet, udført i teknikken til oliemaleri. Undermaling udføres normalt med et tyndt lag maling og kan være monokromatisk eller flerfarvet.

Båre. Lærredet, som kunstneren maler på, er spændt ud over en båre. Dens formål er at holde lærredet stramt. Dette sikres ved den ikke-stive fastgørelse af træunderrammens strimler. Når bårens hjørner er godt fastgjort, er det vanskeligt at rette op på lærredets fald på grund af fugt. På underrammens skinner udføres affasninger rettet mod underrammens inderside. Ellers på de steder, hvor lærredet rører de indre ribber af båren, deformeres lærredet, og de indre ribber af båren vises på det. Store bårer er lavet med et kryds, som beskytter dem mod diagonale forvrængninger og afbøjninger af lamellerne.

Penumbra - en af ​​gradueringerne af lys og skygge på overfladen af ​​et volumetrisk objekt, mellem lys og skygge (både i naturen og i billedet).

Portræt - et billede, der fanger det ydre udseende af en bestemt person, hans individuelle træk. Portrætkunsten kræver, at personens udseende sammen med ydre lighed afspejler hans åndelige interesser, sociale status, typiske træk ved den æra, han tilhører. Kunstnerens personlige holdning til de afbildede mennesker, hans verdensbillede, præget af hans kreative væremåde bør også være til stede i portrættet.

Primitivisme - en af ​​de formalistiske tendenser i billedkunsten. Det er kendetegnet ved en fuldstændig afvisning af realismens præstationer for at efterligne kunstformerne fra de såkaldte primitive epoker (primitive stammer), bevidst låne funktionerne i børnetegninger osv.

Registrering - i oliemaleriets teknik, hovedstadiet i udførelsen af ​​et stort lærred, som følger undermaleriet, forud for glaseringen. Antallet af registreringer afhænger af fremdriften i kunstnerens arbejde; hver af dem ender med fuldstændig tørring af malingen. I en bred og upræcis betydning af ordet kaldes undermaling nogle gange for registrering, såvel som enhver bearbejdning af et allerede færdigt lærred eller dets detaljer.

Proportioner - forholdet mellem størrelserne af genstande eller deres dele til hinanden og til helheden. I en tegning eller maleri formidles disse relationer i proportional korrespondance, det vil sige ens, formindsket eller forstørret med det samme antal gange. At opretholde proportioner er afgørende, da de er det mest karakteristiske træk ved motivet og danner grundlaget for et sandt og udtryksfuldt billede.

Relationers proportionalitet - loven om realistisk maleri, som bestemmer forholdet mellem hver lysfarveplet i etuden med andre, proportionalt med det visuelle billede af naturen, en vigtig betingelse for en sandfærdig og holistisk skildring af virkeligheden. Vores visuelle opfattelse og genkendelse af objekters form, farve, materiale, belysningstilstanden er baseret på deres tonale og farveforhold. Funktioner af tone og farve opfattes visuelt ikke isoleret, men afhængigt af miljøet sammen med andre toner og farver. Derfor gengiver kunstneren naturens tone- og farveforskelle på skitsen, såvel som objekternes perspektivstørrelser, ved metoden med proportional overensstemmelse mellem billedet og det visuelle billede af naturen. Dette opnår tilstanden af ​​belysning af etuden, ægte modellering af den volumetriske form, materialitet, rumlig dybde og andre maleriske kvaliteter af billedet.

Maleproces fra naturen forudsætter en særlig rækkefølge af udførelse af arbejde i begyndelsen, i midten og på slutstadiet. Denne proces går fra den generelle til den detaljerede udarbejdelse af formularen og slutter med generalisering - tildelingen af ​​det vigtigste og underordningen af ​​det sekundære til det. I maleriet på disse stadier løses følgende specifikke opgaver: 1) at finde forholdet mellem de vigtigste farvepletter under hensyntagen til belysningens tonale og farvetilstand (dens styrke og spektrale sammensætning), 2) farvetone "stretch" inden for de fundne grundlæggende relationer, farvemodellering af den volumetriske form af individuelle objekter, 3) på generaliseringsstadiet - blødgøring af de skarpe konturer af objekter, dæmpning eller styrkelse af tone og farve af individuelle objekter, fremhæver det vigtigste, underordner det sekundære til det. I sidste ende bringes hele billedbilledet til integritet og enhed, til det indtryk, som synet får med et integreret natursyn.

Fortyndere ... Til akvareller og gouachemaling er den eneste fortynder vand. For at fortynde oliemaling anvendes sammensætninger af terpentinoprindelse (pinen nr. 4) eller olieraffinerede produkter blandet med alkohol eller linolie (fortynder nr. 1, 2). Tilsætning af for eksempel pinen til oliemalingen gør, at de tørrer hurtigere. For at sikre en bedre vedhæftning af malingslagene skal den hærdede overflade af malingslaget tørres af, inden der genregistreres med maling.

Forkortning - en prospektiv reduktion af et objekts form, hvilket fører til en ændring i dets sædvanlige konturer; udtalte sammentrækninger, der opstår ved observation af et objekt fra oven eller nedefra.

Ramme. Billedet skabt af kunstneren har en ramme, ramme. Hun fuldender kompositionen, giver den enhed, retter beskuerens opmærksomhed mod selve værket. Oftest er rammen rektangulær, lejlighedsvis rund eller oval. Ofte har rammelamellerne en tynd profilering, som trin, der falder ned til selve billedet. De hjælper beskuerens øje til lettere at fordybe sig i verden af ​​det, der bliver afbildet. Kunstnere behandler rammen som en væsentlig del af en malerikomposition og maler den i lyse og mørke farver. forskellige nuancer... Der er rammer med rige plastiske motiver, ornamenter af konventionelt plante- eller geometrisk indhold.

Realisme - en metode til kunstnerisk skabelse, baseret på en dyb viden om livet og en figurativ afspejling af dets essens og skønhed. Realisme i maleriet er baseret på skildringen af ​​livet i selve livets former. Kunstneren studerer konstant livet med blyant og pensel i hånden og mestrer færdigheden til perfektion ægte skildring genstande og genstande af virkeligheden. Uden på den ene side organisk viden og generalisering af livet og evnen til at legemliggøre alt dette i et konkret visuelt billede, bliver det kunstneriske billede i billedet på den anden side til et skema blottet for vital overbevisning.

Socialistisk realisme - metoden for socialistisk kunst, rettet mod en sandfærdig, historisk konkret afspejling af virkeligheden i dens revolutionære udvikling med henblik på ideologisk og æstetisk uddannelse af mennesker i socialismens og kommunismens ånd.

Refleks - lys eller farvet refleksion, der opstår på formen som følge af refleksionen af ​​lysstrålerne fra de omgivende genstande. Farverne på alle objekter er forbundet med reflekser. Jo større forskellen i lyshed og farve er mellem to tilstødende objekter, jo mere mærkbare reflekser. På ru, matte overflader er de svagere; på glatte overflader er de mere mærkbare og mere tydelige i omridset. På polerede overflader er de særligt forskellige (i dette tilfælde forstærkes de af spejlende refleksion).

Tegning -1) fuldgyldig gengivelse af den objektive verden: volumetrisk-rumlig modellering, korrekte proportioner, sandt udtryk, klart udtrykt karakter osv. Dette er grundlaget for en realistisk skildring af virkeligheden generelt - med alle tekniske midler og teknikker. Tegneuddannelsen er en væsentlig del af den faglige uddannelse af maler, grafiker og billedhugger; 2) sort kunstnerisk grafik baseret på tekniske midler og tegneevner. I modsætning til maleri udføres tegningen hovedsagelig med et solidt farvestof (blyant, trækul, sangvin, etc.), som regel ved hjælp af et streg og en streg, med farvens hjælperolle; 3) et separat værk af den tilsvarende type grafik.

Rytme og rytme - gentagelsen af ​​visse kompositoriske elementer i værket, deres særlige proportionalitet, hvilket fører til en harmonisk, naturlig sammenhæng i helheden. Rytme kan manifestere sig gennem kontraster og korrespondancer af grupperinger af figurer, objekter, linjer, bevægelser, sort-hvide og farvepletter, rumlige planer mv.

Lys - et element af lys- og skyggegrader, tjener til at angive den oplyste del af overfladen af ​​objekter.

Lethed (tone) - sammenlignende grad af forskel fra mørk: jo længere fra mørk, jo mere lyshed har farven.

Blændeforhold - graden af ​​lethed af motivet, dets tone. Blændeforholdet afhænger af tilstedeværelsen af ​​andre (nabo) toner samt af farven på objekter.

Chiaroscuro - regelmæssige gradueringer af lys og mørke på den volumetriske form af et objekt, på grund af hvilket, både i naturen og i tegningen, objektegenskaber som volumen og materiale opfattes af øjet. De vigtigste gradueringer af chiaroscuro: blænding, lys, delvis skygge, egen skygge, refleks, faldende skygge.

Farveegenskaber - nuance eller nuance: rød, blå, gul, gul-grøn, lyshed og mætning (graden af ​​dens forskel fra grå, det vil sige graden af ​​nærhed til den rene spektrale farve). I maleriprocessen sammenlignes farverne i en naturlig indstilling ifølge disse tre egenskaber, deres farveforskelle findes og overføres på skitsen i proportionale forhold.

Ringbind er et astringerende middel (lim, olie, hydreret lime, æggeblomme hønseæg), ved hjælp af hvilken pigmentpartiklerne er forbundet med hinanden og fikseret på jordens overflade og danner et malingslag. Malerityperne - fresco, oliemaleri, tempera - adskiller sig præcist i sammensætningen af ​​bindemidlet, selvom pigmentet normalt er det samme.

Silhuet - et fladt ensfarvet billede, mørkt på en lys baggrund. en person, et dyr eller en genstand. Udtrykket kommer fra efternavnet til den franske finansminister i det 18. århundrede. E. de Siluette, på hvem karikaturen var tegnet i form af en skyggeprofil.

Symbol. - et billede, der allegorisk udtrykker ethvert bredt begreb eller abstrakt idé. I tilfælde af at forbindelsen mellem symbolet og det begreb, der udtrykkes af det, følger af den indre meningsfulde lighed, forholdet mellem det afbildede objekt og dets allegoriske betydning, bliver brugen af ​​symbolet passende og mulig i realistisk billedkunst. Symbolet bruges, når de ønsker at udtrykke et bredt, mangefavnende begreb i en kortfattet og kortfattet form.

Indhold og form i kunsten - uløseligt forbundne og indbyrdes afhængige kategorier, hvoraf den ene angiver, hvad der præcist afspejles og udtrykkes i værket (indhold), og den anden - hvordan, med hvilke midler det opnås (form). Den ledende, bestemmende rolle hører til indholdet. Det bliver et vist fænomen i livet, realiseret og æstetisk forstået af kunstneren i processen med kreativt arbejde. Kategorien for en kunstnerisk form i billedkunsten omfatter: plot, komposition, type, tegning, farvesystem, volumen, rumlighed, afskæring osv. ved hjælp af udtryksformer. Uden praktisk beherskelse af farvekulturen er det umuligt at udtrykke det figurative indhold ved hjælp af maleri i et bestemt materiale.

Sammenligning - en metode til at bestemme proportioner, tone- og farveforhold osv. Egenskaber og kvaliteter opfattes af vores bevidsthed ved sammenligning. Det er muligt at forstå arten af ​​et objekts form, kun at bestemme dets tone og farve ved at sammenligne det med andre objekter. For at afbilde naturen sandfærdigt skal kunstneren skabe på en skitse proportional med naturen forskelle i størrelse, tone og farve. Det er kun ved sammenligningsmetoden (med en integreret naturopfattelse), at det er muligt i naturen at bestemme farverelationerne mellem objekter, at formidle dem på lærred eller papir.

Stilisering - 1) bevidst efterligning af en kunstnerisk stil, karakteristisk for enhver forfatter, genre, trend, for kunsten og kulturen i et bestemt socialt miljø, nationalitet, epoke. Indebærer normalt en fri fortolkning af kunstens indhold og stil, der fungerede som prototype; 2) inden for billedkunst, og hovedsagelig inden for dekorativ kunst, design, generalisering af de afbildede figurer og genstande ved hjælp af konventionelle teknikker; stilisering er især karakteristisk for ornament, hvor det forvandler billedets genstand til et motiv af mønsteret.

Stil - 1) fællesheden af ​​de ideologiske og kunstneriske træk ved kunstværker fra en bestemt æra. Fremkomsten og ændringen af ​​stilarter bestemmes af forløbet af samfundets historiske udvikling (for eksempel klassicisme, barok osv.); 2) kunstens nationale identitet (kinesisk, maurisk stil osv.). De taler også om stilen hos en gruppe kunstnere eller en kunstner, hvis deres arbejde er kendetegnet ved levende individuelle træk.

Tør børste - i maleri og grafik, en hjælpeteknik, der består i arbejdet med let mættet maling med hårde pensler. Som selvstændig teknik tør børste bruges hovedsageligt i dekorativ kunst.

Sfumato - i maleri og grafik, et udtryk, der er forbundet med maleriet fra den italienske renæssance, der starter med Leonardo da Vinci og betyder udførelsens blødhed, uhåndgribeligheden af ​​emneomrids som et resultat af en vis kunstnerisk tilgang.

Grund - 1) en bestemt begivenhed eller fænomen afbildet på billedet. Det samme emne kan dækkes i mange historier; 2) nogle gange forstås et plot som ethvert objekt af levende natur eller den objektive verden, taget for billedet. Ofte erstatter plottet konceptet om et motiv, der ligger til grund for et værk (især et landskab).

Kreativ proces (kreativitet) - processen med at skabe et kunstværk, fra begyndelsen af ​​et figurativt koncept til dets legemliggørelse, processen med at transformere observationer af virkeligheden til et kunstnerisk billede. I maleriet består kreativiteten i at skabe et værk i direkte pålidelige synlige former.

Emne - rækken af ​​fænomener valgt af kunstneren til at skildre og afsløre ideen om værket.

Tempera maling - vandbaserede limmalinger fremstillet af tørt pulver blandet med æggeblomme fortyndet med limvand. I øjeblikket produceres også halvflydende maling, lukket i rør og kogt på blomme, hele æg eller emulsion fra vegetabilsk olie med æg og lim. Tempera maling kan males tykt, ligesom olie maling, og flydende, ligesom akvareller, fortyndes med vand. De tørrer langsommere end gouache. Ulempen er forskellen i nuancer mellem våd og tør maling. Billeder malet med tempera maling har en mat overflade, så de er nogle gange dækket med en speciel lak, der fjerner denne sløvhed.

Skygge - elementet af lys og skygge, de mest svagt oplyste områder i naturen og i billedet. Skelne mellem egne og faldende skygger. Egne skygger er skygger, der hører til selve objektet. Faldende skygger er skygger, som kroppen kaster på omgivende genstande.

Varme og kolde farver ... Varme farver er konventionelt forbundet med farven på ild, sol, glødende genstande: rød, rød-orange, gul-grøn. Kolde farver er forbundet med farven på vand, is og andre kolde genstande: blå-grøn, blå, blå-blå, blå-violet. Disse farvekvaliteter er relative og afhænger af placeringen af ​​en anden farve ved siden af ​​hinanden. Ultramarin, for eksempel, er kold i sig selv, ved siden af ​​preussisk blå vil være varm, og kraplakrød vil fremstå koldere end cinnoberrød.

Både varme og kolde nuancer er altid til stede i den synlige naturs farveudseende. Denne varme af nuancer er primært baseret på naturlige farvekontraster i lys og skygge. I naturen sker det ofte, at farverne på objekter er kolde, og deres skygger er varme og omvendt. Den såkaldte kontrasterende visuelle opfattelse af farver bidrager også til fænomenet kølighed: fra tilstedeværelsen af ​​en varm farve i den opfattede natur på nethinden opstår indtrykket af en kold farve, selvom dette ikke er i naturen. Kulde i maleriet er et naturligt fænomen og en umistelig kvalitet ved en billedskildring af en skitse af en natur eller et maleri.

Teknik - inden for kunst: et sæt særlige færdigheder og teknikker, hvorigennem et kunstværk udføres. Begrebet "teknik" i ordets snævre betydning svarer normalt til det direkte, umiddelbare resultat af kunstnerens arbejde med et særligt materiale og værktøj, evnen til at bruge dette materiales kunstneriske potentiale; i bredere forstand omfatter dette begreb også de tilsvarende elementer af billedlig karakter - overførsel af genstandes materialitet, skulptur af volumetrisk form, modellering af rumlige relationer osv. Alle tekniske midler bør uden undtagelse føre til en vis, kl. mindst beskedne kunstneriske resultat.

Kunstens tekniske virkemidler forbliver ikke neutrale i forhold til indholdet. Hovedtrækkene ved realistisk teknik skyldes primært dens underordning af værkets ideologisk-figurative struktur.

Tmaleteknik - se oliemaleri, akvarel, gouache, tempera, limmaleri, pastel, encaustic, fresco, mosaik.

Tone (Uledsaget af ordet "farve") - i kunstneres terminologi svarer til begrebet farves lethed (maling). Enhver kromatisk eller akromatisk farve kan have forskellig lyshed. Man kan sige om tonen inden for samme farve, for eksempel rød: "lys tone af rød maling" eller "mørk tone af maling". Nogle gange bruges udtrykket "tone" i forhold til farve, for eksempel "panelets gyldne tone", "brun tone i billedet". Kunstnere bruger ofte udtrykket "lethed" eller "lysstyrke" af en farve i stedet for udtrykket "tone" af en farve.

Nøgle - et udtryk, der betegner de ydre træk ved farve eller chiaroscuro i malerier og grafik. Det er mere almindeligt brugt i forhold til farve og falder sammen med udtrykket "farveskala".

Billedtone og farveskala ... Overførslen af ​​tone og farveforhold proportionalt med naturen kan udføres i forskellige områder af lyshed og mætning af paletfarverne. Det afhænger af den generelle tilstand af styrken af ​​naturens belysning og af dens afstand fra maleriet. For at formidle denne tilstand finder kunstneren først, før han starter hvert værk fra naturen, ud af, hvad naturens lys og lyse pletter vil være på skitsen med hensyn til lysintensiteten og farvestyrken. Kunstneren kan tage de letteste og mest mættede i farver i naturobjekter på en skitse eller i fuld kraft af lys og lyse farver på paletten, eller kun i halvdelen af ​​deres muligheder. Sådan bibeholdes billedets tone- og farveskala, hvor de tone- og farveforhold af genstandene for naturlig produktion afspejles.

Tone billede - et billede med forskellige tonale overgange fra lys til skygge, det vil sige med områder, der har forskellig tonestyrke. Typiske eksempler på toning er fotografier, olie eller akvareller i én farve (grisaille) og skygger med blyant.

Toneforhold ... Anerkendelse af den volumetriske form af objekter, deres materiale forekommer i vores bevidsthed på grundlag af visuel opfattelse af deres lysforhold. Derfor skal kunstneren gengive tegningens lysforhold ved lighedsmetoden. Gennem graduering af lys og skygge på den volumetriske form og overførslen af ​​tonale forhold mellem farven (materialet) af objekter proportionalt med naturen, opnår kunstneren en ægte volumetrisk modellering af formen, udtrykket af materialitet, rumlig dybde og tilstanden af belysning (tonal tegning, maleri ved hjælp af grisaille-teknikken).

Struktur - karakteristiske træk ved overfladen af ​​genstande lavet af forskellige materialer, både i naturen og i billedet (relief af malingslaget af streger). Teksturen kan være glat, ru, præget. Brevets tekstur afhænger i høj grad af malingsmaterialets egenskaber, af naturobjektets karakteristika, som kunstneren skildrer, samt af opgaven og udførelsesmaterialet. I akvarel er tekstur i høj grad afhængig af papirets overflade. Kunstnerens individuelle håndskrift fremgår af brevets tekstur.

Ansigt (helt ansigt) - forside, set forfra. Dette udtryk viser, at modellen (menneskets hoved eller objekt) er placeret frontalt, parallelt med billedets plan.

Baggrund - ethvert medium eller plan bag billedobjektet.

Form - 1) udseende, omrids; antager tilstedeværelsen af ​​volumen, konstruktion, proportion; 2) i billedkunsten er den kunstneriske form det kunstneriske middel, der tjener til at skabe et billede, afsløre indholdet (se indhold og form).

Formalisme - en generel betegnelse for talrige *> 1X anti-realistiske skoler og tendenser inden for billedkunst: kubisme, futurisme, konstruktivisme, surrealisme, suprematisme, purisme, dadaisme, abstraktionisme, popkunst osv. Alle disse former for formalisme er baseret på unaturlig adskillelse af kunstformen fra indholdet, om anerkendelse af formens uafhængighed og uafhængighed, fejlagtigt foregive at skabe kunstværker gennem forskellige kombinationer af "rene" linjer eller farver. Formalistisk skildring forvrænger groft virkeligheden, mister evnen til at erkende verden billedligt, bliver nogle gange til meningsløse, charlatanske eksperimenter.

Format - formen af ​​det plan, hvorpå billedet er udført. Det skyldes naturens generelle konturer, forholdet mellem højde og bredde. Formatvalget afhænger af indholdet og passer til billedets sammensætning. For et figurativt system er format afgørende.

Fresco - den vigtigste tekniske variant af monumentale malerier, der anvender kalk som det vigtigste bindemiddel.

Farve i maleriet. Farve er generelt objekters egenskab til at forårsage en vis visuel fornemmelse i overensstemmelse med den spektrale sammensætning af de reflekterede stråler. I hverdagen tildeles hvert objekt eller objekt én bestemt farve. Denne farve kaldes emne eller lokal (græs er grønt, himlen er blå, havvand er blåt osv.). Nybegyndere malere har som regel en overvejende genstand for farvesyn, hvilket fører til et amatøragtigt maleri. Fra et billedmæssigt synspunkt er det kun muligt at afbilde et objekt korrekt, hvis det ikke er objektets farve, der formidles, men farven ændret af belysningen og omgivelserne. Motivets farve ændres med stigende og faldende lysintensitet. Det varierer også med den spektrale sammensætning af belysningen. Det miljø, som objektet befinder sig i, reflekterer også farvestråler, som, når de rammer overfladen af ​​andre objekter, danner farvede reflekser på dem. Farven ændrer sig også fra den kontrasterende interaktion. Farven på et objekt er således altid en mosaik, der består af farve og afskårne pletter (reflekser og højlys), og i dette tilfælde kaldes det ikke objektivt, men betinget. Det er denne farve, der er et af de vigtigste figurative midler til realistisk maleri.

Det er generelt accepteret, at farve i sig selv kan have en vis effekt på en person. Nogle gange tror de, at mørket og lyse nuancer skabe en munter stemning; de grå og sorte forårsager en følelse af modløshed osv. Inden for psykologi udføres forskning og eksperimenter på dette parti, men visse mønstre i denne sag er endnu ikke blevet afsløret. Kunstneren-maleren bruger ikke ovenstående betydninger af farve. Den generelle regel for farvens følelsesmæssige indvirkning på " forskellige sager"Eksisterer ikke for ham. Det er slet ikke nødvendigt at løse billedet i en mørk eller barsk farve, hvis dets tema er tragisk eller trist, og lyse farver er ikke nødvendige for glade plot. For eksempel er plottene i Surikovs malerier "Menshikov in Berezovo" og "Boyarynya Morozova" dedikeret til den tragiske skæbne for mennesker med stærk vilje og overbevisning. Farvningen af ​​det første billede er domineret af mørke toner. Det andet billede er baseret på rige farvekombinationer af plein air-maleri af et vinterlandskab, lyse tøj fra mængden, festlig "tæppe"-farvning. Naturen af ​​naturplottet, belysningstilstanden bestemte farven på disse værker. Således er farvelægningen af ​​billedet skabt af et system af farveforhold, der sigter mod at skildre virkelige livsforhold og omgivelser. Farve er et middel til at skildre den volumetriske form af et objekt, dets materialitet, rumlige kvaliteter, den koloristiske tilstand af belysning af naturen, og kun således afsløre billedets semantiske indhold, det har den nødvendige følelsesmæssige indvirkning.

Farvekonsistens og farvernes slægtskab. Farven på belysningen, dens spektrale sammensætning, påvirker derfor de forskellige farver på genstande og genstande i naturen, underordner dem til et bestemt område. Resultatet er en koloristisk enhed af farver. En sand afspejling af disse kvaliteter gør skitsen fra naturen særligt sand og harmonisk med hensyn til maleri.

Farveforhold - forskelle i naturens farver i farvetone (nuance), lyshed og mætning. I naturen opfattes farve altid i forhold til de omgivende farver, som den er i streng interaktion og afhængighed med. Derfor bør etudens farveforhold formidles i forhold til naturens farveforhold. Dette er loven om den koloristiske omsætning af farverne i den synlige natur til palettens farver, det bestemmes af psykofysiologien i vores visuelle opfattelse og tænkning.

Billedintegritet - Resultatet af at arbejde med naturen ved hjælp af metoden med relationer (sammenligninger) med en integreret vision af naturen, som et resultat af hvilken kunstneren slipper af med sådanne ulemper ved en tegning eller undersøgelse som fraktionalitet og variation.

Perceptions integritet - kunstnerens evne til at se genstande af fuldskalaproduktion på samme tid, på én gang. Kun som et resultat af integreret visuel opfattelse er det muligt korrekt at bestemme proportionerne af objekter, tone og farveforhold og opnå integriteten af ​​billedet af en fuldskala produktion. Perceptionens integritet er kunstnerens professionelle evne til at se og "sætte øjet".

Der er en række tips til, hvordan du praktisk opfatter naturen som en helhed: 1) i observationsøjeblikket, når du bestemmer farveforhold, skal du skele eller "opløse" dine øjne til hele naturen; 2) P.P.-relationer ”, 3) R Falk for integriteten af ​​synet anbefales at skære et rektangulært hul (2X1 cm) i et stykke pap og se på naturen i dette vindues plan (øjet modtager et holistisk billedsystem af naturens grundlæggende farveforhold, ligner en mosaik af ædelsten); 4) du kan også opfatte naturen som en helhed og forstå dens farveforhold ved hjælp af et "sort spejl" (hvis du maler over den ene side af gennemsigtigt glas med sort maling, får vi et spejl, hvor du i skarpt sollys kan se landskabsobjekter med lav lysstyrke. reflekteret i ét plan i en reduceret form, kan de fanges af blikket på samme tid. Dette vil give dig mulighed for mere præcist at fange naturens tone- og farveforhold).

Ydre (i modsætning til interiør) - en afbildning af en bygnings ydre.

Enkaustisk - voksmaling er en sjældent brugt type maleteknik baseret på brug af voks som bindemiddel. Den bedste metode til voksmaling med hensyn til resultater og styrke er antik enkaustisk maling. Dens fordele ligger i de ekstraordinære kvaliteter af en specialfremstillet voks, som næsten ikke egner sig til virkningerne af tid eller fugt, aldrig revner og bevarer sin farve uændret.

Skitse - en forberedende skitse af en skitse eller maleri. I processen med at arbejde fra livet bruges skitser som hjælpemateriale; de udvikler muligheder for sammensætninger af et ark papir eller lærred. Skitser udføres både i form af overfladiske blyantskitser og i materialet.

Etude - et billede af en hjælpekarakter af begrænset størrelse, lavet af naturen til en grundig undersøgelse af den. Gennem etude forbedrer kunstneren sine professionelle færdigheder. Hovedmålet med et skitseværk er altid en sand og levende udformning af en billedside, skabelsen af ​​et billede. I realistisk kunst spiller etude altid en birolle.

Etude er resultatet af en overvurdering af etudens rolle, fører det uundgåeligt til en forarmelse af det ideologisk-figurative indhold. Det er almindeligt accepteret, at skitselighed er genereret af impressionisme, som begrænser malerens aktiviteter til flydende arbejde fra naturen, der erstatter et maleri med en skitse.

Purkin effekt - en ændring i den relative lysstyrke af farver, når belysningen øges eller mindskes. For eksempel i løbet af dagen ser den relative lysstyrke af rød og gul ud til at være stærk, og i skumringen - grøn og blå blomster... Pointen her er, at i løbet af dagen, under normal belysning, ser vores øje gennem nogle celler i øjets nethinde, de såkaldte kegler, og med meget svagt lys, gennem andre - stænger. Kegler er mere følsomme over for gul og rød, mens stænger er mere følsomme over for blågrøn. Selv Leonardo da Vinci bemærkede: "Grøn og blå intensiverer deres farver i delvis skygge, og rød og gul vinder i farve på de mest oplyste steder."

Den store skikkelse, videnskabsmand og kunstner fra renæssancen, Leonardo da Vinci, sagde: "Maleri er poesi, der ses, og poesi er maleri, der bliver hørt." Og man kan ikke andet end at være enig med ham. Du opfatter virkelig ægte kunst omfattende. Vi ser og betragter, og hører, og i vores sjæl beholder vi de kunstværker, vi kan lide. Og verdensmesterværker forbliver i vores hukommelse i mange år.

Genrer og typer af maleri

Maler et billede, mesteren udfører det i en bestemt tilstand, en speciel karakter. Et værk vil ikke vise sig at være komplet, værdigt til kærlighed og opmærksomhed, hvis kun form og farve er afbildet på det. Kunstneren er forpligtet til at udstyre objekter med en sjæl, mennesker - med karisma, en gnist, måske en hemmelighed, naturen - med ejendommelige følelser og begivenheder - med virkelige oplevelser. Og i dette er skaberen hjulpet af genrer og typer af maleri. De giver dig mulighed for korrekt at formidle stemningen i en æra, begivenhed, kendsgerning for bedre at fange hovedideen, billedet, landskabet.

Blandt de vigtigste er som:

• Historisk- et billede af fakta, øjeblikke af historie i forskellige lande og epoker.
• Kamp- overfører scener af kampe.
• Indenrigs- plot af hverdagen.
• Landskab- det er billeder af levende natur. Skelne mellem hav, bjerg, fantastiske, lyriske, landlige, urbane, rumlandskaber.
• Stilleben- illustrerer livløse genstande: køkkenredskaber, våben, grøntsager, frugter, planter osv.
• Portræt er et billede af en person, en gruppe mennesker. Ofte kan kunstnere lide at male selvportrætter eller lærreder, der skildrer deres elskede.
• Animalistisk- malerier om dyr.

Separat kan vi også udskille den tematiske genre og her inkludere værker, hvis emne er myter, legender, epos samt billeder af hverdagsindhold.

Malerityper betyder også separate.De hjælper kunstneren med at opnå perfektion, når han laver et lærred, fortæller ham i hvilken retning han skal bevæge sig og arbejde. Der er følgende muligheder:

- Panorama- billede af området i storstilet format, generel visning.

- Diorama- et buet halvcirkelbillede af kampe, spektakulære begivenheder.

- Miniature- manuskripter, portrætter.

- Monumentalt dekorativt maleri- maling på vægge, paneler, skærme mv.

- Ikonografi- malerier om religiøse temaer.

- Dekoration maleri- skabelse af kunstneriske scenerier i biograf og teater.

- Staffeli maleri- med andre ord billeder.

- Dekorativ maling af hverdagens genstande af livet.

Som regel vælger hver mester i kunst for sig selv en genre og type maleri, der er tættest på ham i ånden og hovedsagelig kun arbejder i den. For eksempel arbejdede Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) i stil med et havlandskab. Sådanne kunstnere kaldes også marinemalere (fra "marina", som betyder "hav" på latin).

Teknik

Maleri er en bestemt måde for plotudførelse, dets fornemmelse gennem en verden af ​​farver og streger. Og selvfølgelig er en sådan reproduktion umulig uden brug af visse teknikker, mønstre og regler. Selve begrebet "teknik" i billedkunsten kan defineres som et sæt af teknikker, normer og praktisk viden, ved hjælp af hvilke forfatteren mest præcist, tæt på virkeligheden, formidler billedets idé og plot.

Valget af maleteknik afhænger af hvilken slags materialer, hvilken type lærred vil blive taget for at skabe et værk. Nogle gange kan en kunstner individuelt nærme sig sit arbejde, drage fordel af at blande forskellige stilarter og retninger. Denne forfatters tilgang giver dig mulighed for at skabe helt unikke kunstværker - verdensmesterværker.

Rent teknisk er der flere muligheder for at male. Lad os overveje dem mere detaljeret.

Maleri fra oldtiden

Maleriets historie begynder med helleristninger af det primitive menneske. På dette tidspunkt adskilte malerierne sig ikke i deres livlighed af plots, et oprør af farver, men der var en slags følelser i dem. Og plottene fra disse år informerer os tydeligt om eksistensen af ​​liv i en fjern fortid. Linjerne er ekstremt enkle, temaerne er forudsigelige, retningerne er entydige.

I oldtiden bliver indholdet af tegningerne mere forskelligartet, oftere skildrer de dyr, forskellige ting, laver hele livshistorier på hele væggen, især hvis billederne er skabt til faraoerne, som de troede meget på. Efter omkring yderligere to tusinde år begynder vægmalerier at få maling.

Gammelt maleri, især gammelrussisk, er godt formidlet og bevaret i gamle ikoner. De er en helligdom og det bedste eksempel, der formidler skønheden i kunst fra Gud. Deres farve er unik, og formålet er perfekt. Et sådant maleri formidler værens uvirkelighed, billeder og indgyder en person tanken om det guddommelige princip, om eksistensen perfekt kunst, som skal ses op til.

Udviklingen af ​​maleriet gik ikke uden at efterlade et spor. I lang tid har menneskeheden formået at akkumulere ægte relikvier og åndelig arv fra mange århundreder.

Akvarel

Akvarelmaleri er kendetegnet ved farvernes lysstyrke, renhed af farver og gennemsigtighed af påføring på papir. Ja, det er på en papiroverflade, at det er bedst at arbejde med denne fine art-teknik. Mønsteret tørrer hurtigt og resulterer i en lettere og mere mat tekstur.

Vandfarver tillader ikke interessante shimmers, når du bruger mørke, monokromatiske nuancer, men de simulerer perfekt farve, når de lægges oven på hinanden. I dette tilfælde viser det sig at finde helt nye, usædvanlige muligheder, som er svære at opnå med andre kunstneriske teknikker.

Vanskeligheder ved at arbejde med akvareller

Sværhedsgraden ved at arbejde i en teknik som f.eks akvarel maleri, består i, at hun ikke tilgiver fejl, tillader ikke improvisation med kardinalændringer. Hvis du ikke kunne lide den anvendte tone, eller du fik en helt forkert farve, som du ønskede, så er det usandsynligt, at du vil være i stand til at rette det. Ethvert forsøg (vask med vand, skrabning, blanding med andre farver) kan føre til både at opnå en mere interessant nuance og fuldstændig forurene billedet.

Ændring af placeringen af ​​figuren, objektet, enhver forbedring af sammensætningen i denne teknik er i det væsentlige umuligt at gøre. Men takket være den hurtige tørring af maling på maleri, er den ideel til at tegne skitser. Og med hensyn til at skildre planter, portrætter, bylandskaber, kan den konkurrere med værker lavet i olier.

Smør

Hver af de tekniske typer af maleri har sine egne specifikationer. Det gælder både opførelsesmåden og den kunstneriske formidling af billedet. Oliemaling er en af ​​mange kunstneres foretrukne teknikker. Det er svært at arbejde i det, da det kræver et vist niveau af viden og erfaring: fra forberedelsen af ​​de nødvendige genstande og materialer til den sidste fase - dækker det resulterende billede med et beskyttende lag af lak.

Hele processen med oliemaling er ret besværlig. Uanset hvilken bund du vælger: lærred, pap eller hardboard (fiberplader), skal du først dække den med primer. Det giver dig mulighed for at ligge godt ned og klæbe til malingen, for ikke at skille dig ud fra olien. Det vil også give baggrunden den ønskede tekstur og farve. Der er mange typer og opskrifter til forskellige jordarter. Og hver kunstner foretrækker sin egen, visse, som han er vant til, og som han anser for den bedste løsning.

Som nævnt ovenfor foregår arbejdet i flere faser, og det sidste er belægningen af ​​billedet med lakstoffer. Dette gøres for at beskytte lærredet mod fugt, revner (mesh) og andre mekaniske skader. Oliemaleri tåler ikke arbejde på papir, men takket være hele teknologien påføring af maling giver dig mulighed for at holde kunstværker intakte og sikre i århundreder.

Kinesisk kunst

Jeg vil gerne være særlig opmærksom på æraen af ​​kinesisk maleri, da det har en særlig side i historien om den østlige retning af maleri har udviklet sig i mere end seks tusinde år. Dens dannelse var tæt forbundet med andet håndværk, sociale forandringer og forhold, der fandt sted i menneskers liv. For eksempel efter introduktionen af ​​buddhismen i Kina stor betydning erhvervede religiøse fresker. I tiden (960-1127) blev historiske malerier populære, der blandt andet fortalte om hverdagen. Landskabsmaleriet har etableret sig som en selvstændig retning allerede i det IV århundrede e.Kr. e. Naturbilleder blev skabt i blågrønne farver og kinesisk blæk. Og i det niende århundrede begyndte kunstnere i stigende grad at male billeder, som afbildede blomster, fugle, frugter, insekter, fisk, legemliggør deres idealer og æraens karakter i dem.

Funktioner af kinesisk maleri

Traditionelt kinesisk maleri er kendetegnet ved sin særlige stil, såvel som de materialer, der bruges til at male, hvilket igen påvirker metoderne og former for orientalsk kunst. For det første bruger kinesiske malere en speciel pensel til at skabe malerier. Det ligner et akvarelmaleri og har en særlig skarp spids. Et sådant værktøj tillader skabelsen af ​​sofistikerede værker, og som du ved, er kalligrafistilen stadig meget udbredt i Kina. For det andet bruges blæk overalt som maling - kinesisk blæk (det sker, at det kombineres med andre farver, men det bruges også som en selvstændig maling). Dette har foregået i to tusinde år. Det er også værd at bemærke, at før papirets fremkomst blev det malet på silke i Kina. I dag moderne mestre kunsthåndværk udfører deres arbejde både på papirbasis og på en silkeoverflade.

Det er langt fra alle de tekniske muligheder ved at male. Ud over ovenstående er der mange andre (gouache, pastel, tempera, fresco, akryl, voks, maleri på glas, porcelæn osv.), herunder forfatterens versioner af kunst.

Maleriets epoker

Som enhver form for kunst har maleriet sin egen dannelseshistorie. Og frem for alt er det kendetegnet ved forskellige udviklingsstadier, mangefacetterede stilarter, interessante retninger. Maleriets epoker spiller her en vigtig rolle. Hver af dem påvirker ikke kun et stykke af folks liv og ikke kun tidspunktet for nogle historiske begivenheder, men et helt liv! Blandt de mest berømte perioder i malerkunsten er: renæssancen og oplysningstiden, impressionistiske maleres værker, jugendstil, surrealisme og mange, mange andre. Maleriet er med andre ord en tydelig illustration af en bestemt epoke, et billede af livet, et syn på verden gennem en kunstners øjne.

Begrebet "maleri" betyder bogstaveligt "at skrive livet", at skildre virkeligheden levende, mesterligt, overbevisende. At formidle på dit lærred ikke kun hver eneste detalje, hver bagatel, øjeblik, men også stemningen, følelserne, farven fra en bestemt tid, stilen og genren af ​​hele kunstværket.

Maleri er en type kunst, hvis værker er skabt ved hjælp af maling påført enhver hård overflade. I kunstværker skabt af maleri, farve og mønster, anvendes chiaroscuro, udtryksevne af streger, teksturer og kompositioner, hvilket gør det muligt på et plan at gengive verdens farverige rigdom, mængden af ​​genstande, deres kvalitative, materiale originalitet, rumlig dybde og lys-luft-miljø, kan formidle en tilstand af statisk og en følelse af midlertidig udvikling, fred og følelsesmæssig og åndelig mætning, forbigående øjeblikkelig situation, virkningen af ​​bevægelse osv.; i maleriet er en detaljeret fortælling og et komplekst plot muligt. Dette giver maleri ikke kun mulighed for visuelt at legemliggøre de synlige fænomener i den virkelige verden, for at vise et bredt billede af menneskers liv, men også at stræbe efter at afsløre essensen af ​​historiske processer, den indre verden af ​​en person, for at udtrykke abstrakte ideer. På grund af dets enorme ideologiske og kunstneriske potentiale er maleri et vigtigt middel kunstnerisk refleksion og fortolkning af virkeligheden, har væsentligt socialt indhold og forskellige ideologiske funktioner.

Bredden og fuldstændigheden af ​​dækningen af ​​virkeligheden afspejles i den overflod af genrer, der ligger i maleriet (historisk genre, genre, kampgenre, portræt, landskab, stilleben). Skelne maleri: monumentalt og dekorativt (vægmalerier, nuancer, paneler), designet til at dekorere arkitektur og spiller en vigtig rolle i den ideologiske og figurative fortolkning af en arkitektonisk bygning; staffeli (malerier), normalt ikke forbundet med noget bestemt sted i det kunstneriske ensemble; dekoration (skitser af teater- og filmkulisser og kostumer); ikon maleri; miniature. Malerityperne omfatter også diorama og panorama. Af arten af ​​de stoffer, der binder pigmentet (farvestof), ved de teknologiske metoder til fastgørelse af pigmentet på overfladen, er oliemaling forskellig. maling på vand på puds - våd (fresco) og tør (a secco), tempera, limmaling, voksmaling, emaljer, keramik- og silikatmaling osv. og monumentale maleri kunstneriske opgaver. Akvareller, gouache, pasteller og blæk bruges også til at udføre malerier.

Farve er det mest specifikke udtryksmiddel for maleri. Dets udtryk, evnen til at fremkalde forskellige sanseassociationer, øger billedets følelsesmæssige karakter, bestemmer maleriets billedlige, ekspressive og dekorative muligheder. I malerier danner farve et integreret system (farvning). Typisk bruges en række indbyrdes forbundne farver og deres nuancer (skala af farverige), selvom der også er maling i nuancer af samme farve (monokrom). Farvesammensætningen giver en vis koloristisk enhed af værket, påvirker forløbet af dets opfattelse af beskueren, og er en væsentlig del af dets kunstneriske struktur. Et andet udtryksfuldt middel til at male er tegning (linje og chiaroscuro), sammen med farve organiserer billedet rytmisk og kompositorisk; linjen afgrænser mængder fra hinanden, er ofte det konstruktive grundlag for en billedform, tillader generaliseret eller detaljeret gengivelse af objekternes omrids og deres mindste elementer. Chiaroscuro tillader ikke kun at skabe illusionen af ​​tredimensionelle billeder, at formidle graden af ​​belysning eller mørke af objekter, men skaber også indtryk af bevægelsen af ​​luft, lys og skygge. En vigtig rolle i maleriet spilles også af en malerplet eller et penselstrøg af kunstneren, hvilket er hans hovedteknik og giver ham mulighed for at formidle mange aspekter. Udstrygningen bidrager til den plastiske, volumetriske skulptur af formen, overførslen af ​​dens materielle karakter og tekstur, i kombination med farve genskaber den den virkelige verdens koloristiske rigdom. Arten af ​​slagtilfældet (glat, solid eller pastaagtig, adskilt, nervøs osv.) bidrager også til skabelsen af ​​værkets følelsesmæssige atmosfære, overførslen af ​​kunstnerens umiddelbare følelser og humør, hans holdning til det afbildede.

To typer billedbilleder skelnes betinget: lineær-plan og volumen-rumlig, men der er ingen klare grænser mellem dem. Maleri i lineært plan er kendetegnet ved flade pletter af lokal farve, skitseret af udtryksfulde konturer, klare og rytmiske linjer; i oldtidens og til dels moderne maleri er der betingede metoder til rumlig konstruktion og gengivelse af objekter, som afslører for beskueren billedets semantiske logik, placeringen af ​​objekter i rummet, men som næsten ikke krænker todimensionaliteten af billedplan. Ønsket om at gengive den virkelige verden, som en person ser det, som opstod i gammel kunst, forårsagede udseendet af tredimensionelle billeder i maleriet. I maleri af denne type kan rumlige forhold gengives i farver, illusionen af ​​dybt tredimensionelt rum kan skabes, maleriplanet kan blive visuelt ødelagt ved hjælp af tonale graderinger, luft- og lineært perspektiv ved at fordele varmt og koldt farver; volumetriske former er modelleret med farve og lys og skygge. I et volumetrisk-rumligt og lineært-planbillede bruges udtryksevne af linje og farve, og effekten af ​​volumetriskhed, endda skulpturalitet, opnås ved en graduering af lyse og mørke toner fordelt i en klart begrænset farveplet; samtidig er farven ofte broget, figurer og genstande smelter ikke sammen med det omgivende rum til en enkelt helhed. Tonalt maleri, ved hjælp af kompleks og dynamisk farveudvikling, viser de mest subtile ændringer i både farve og tone, afhængigt af belysningen, såvel som af samspillet mellem tilstødende farver; den generelle tone forener objekter med deres omgivende lys-luft-miljø og rum. I maleriet af Kina, Japan, Korea er der udviklet en særlig type rumbillede, hvori der er en følelse af et uendeligt rum set fra oven, med parallelle linjer, der trækker sig tilbage i det fjerne og ikke konvergerer i dybden; figurer og genstande er næsten blottet for volumen; deres position i rummet vises hovedsageligt af forholdet mellem toner.

Et maleri består af en base (lærred, træ, papir, pap, sten, glas, metal osv.), normalt dækket med en primer og et malingslag, nogle gange beskyttet af en beskyttende lakfilm. Maleriets visuelle og udtryksmæssige muligheder, maleteknikkens ejendommeligheder afhænger i høj grad af malingens egenskaber, som er bestemt af graden af ​​slibning af pigmenter og arten af ​​bindemidlerne, fra det instrument, som kunstneren arbejder med, fra fortyndere brugt af ham; den glatte eller ru overflade af basen og primeren påvirker metoderne til overlejring af maling, teksturen af ​​malerier, og den gennemskinnelige farve på basen eller primeren påvirker farven; nogle gange kan malingsfrie dele af underlaget eller primeren spille en bestemt rolle i koloristisk konstruktion. Overfladen af ​​malingslaget på et maleri, det vil sige dets tekstur, er blank og mat, kontinuerlig eller intermitterende, glat eller ujævn. Den nødvendige farve, skygge opnås både ved at blande maling på paletten og ved glasering. Processen med at skabe et maleri eller vægmaleri kan falde i flere faser, især klar og konsistent i middelaldertempera og klassisk oliemaleri (tegning på jorden, undermaling, glasering). Der er maleri af mere impulsiv karakter, som giver kunstneren mulighed for direkte og dynamisk at legemliggøre sine livsindtryk gennem det samtidige arbejde med tegning, komposition, modellering af former og farver.

Maleri opstod i den sene palæolitiske æra (40-8 tusind år siden). Bevarede klippemalerier (i Sydfrankrig, Nordspanien osv.), fyldt med jordfarver (oker), sort sod og trækul ved hjælp af flækkede pinde, pelsstykker og fingre (billeder af enkelte dyr, og så jagtscener). I palæolitisk maleri er der både lineære silhuetbilleder og simpel modellering af volumener, men det kompositoriske princip kommer stadig dårligt til udtryk i det. Mere udviklede, abstrakt generaliserede ideer om verden blev afspejlet i neolitisk maleri, hvor billeder er forbundet til fortællende cyklusser, billedet af en person optræder.

Maleriet af det slaveejende samfund besad allerede et udviklet figurativt system, rigt på tekniske midler. V Det gamle Egypten, såvel som i det gamle Amerika, var der et monumentalt maleri, der optrådte i en syntese med arkitektur. Hovedsagelig forbundet med begravelseskulten havde den en detaljeret fortællende karakter; hovedpladsen var optaget i den af ​​en generaliseret og ofte skematisk fremstilling af en person. Den strenge kanonisering af billeder, manifesteret i kompositionens ejendommeligheder, forholdet mellem figurer og afspejler det stive hierarki, der hersker i samfundet, blev kombineret med dristige og velrettede observationer af livet og en overflod af detaljer hentet fra den omgivende verden (landskab) , husholdningsredskaber, billeder af dyr og fugle). Gammelt maleri, hvis vigtigste kunstneriske og udtryksfulde midler var en konturlinje og en farveplet, havde dekorative kvaliteter, dens fladhed understregede væggens glathed. Art Encyclopedia. M., 1997.

I den antikke æra tjente maleri, at handle i kunstnerisk enhed med arkitektur og skulptur og dekorere templer, boliger, grave og andre strukturer, ikke kun kult, men også sekulære formål. Nye, specifikke muligheder for maleri blev afsløret, hvilket giver en bred visning af virkeligheden. I antikken blev principperne for chiaroscuro, originale versioner af lineært og luftperspektiv født. Sammen med mytologiske scener blev hverdags- og historiske scener, landskaber, portrætter, stilleben skabt. Den antikke fresco (på flerlags gips med indblanding af marmorstøv i de øverste lag) havde en skinnende, blank overflade. I det antikke Grækenland opstod næsten intet overlevende staffeli-maleri (på tavler, sjældnere på lærred), hovedsageligt i den enkaustiske teknik; en idé om antikt staffeli-maleri er givet af Fayum-portrætter.

I middelalderen i Vesteuropa, Byzans, Rusland, Kaukasus og Balkan udviklede der sig maleri, der havde et religiøst indhold: fresco (både på tør og våd puds påført sten eller murværk), ikonmaleri (på grundede brædder, hovedsagelig med bl.a. ægtempera ), samt bogminiaturer (på grundet pergament eller papir; udført i tempera, akvareller, gouache, lim og andre malinger), som nogle gange omfattede historiske emner. Ikoner, vægmalerier (med forbehold for arkitektoniske opdelinger og vægplaner), samt mosaikker, farvede glasvinduer udgjorde sammen med arkitektur et samlet ensemble i kirkens interiør. Middelaldermaleri er kendetegnet ved udtryk for klangfuld, hovedsagelig lokal farve og rytmisk linje, udtryksfuldhed af konturer; formerne er normalt flade, stiliserede, baggrunden er abstrakt, ofte gylden; der er også konventionelle metoder til modellering af volumener, som om de stikker ud på et malerisk plan, der er frataget dybden. Symbolikken af ​​komposition og farve spillede en væsentlig rolle. I det 1. årtusinde e.Kr. e. Monumentalt maleri (med limmalinger på hvid gips eller kalkgrunder på ler-halmholdig jord) oplevede en høj stigning i landene i Vest- og Centralasien, i Indien, Kina og Ceylon (nu Sri Lanka). I den feudale æra i Mesopotamien, Iran, Indien, Centralasien, Aserbajdsjan, Tyrkiet udviklede miniaturekunsten sig, som er karakteriseret ved subtil glans, ynde af ornamental rytme og lysstyrken af ​​livsobservationer. Fjernøstlige blæk-, akvarel- og gouachemalerier på silke- og papirruller - i Kina, Korea, Japan - skilte sig ud for sin poesi, forbløffende årvågenhed ved at se mennesker og natur, lakonisk malestil, subtil tonal transmission af luftperspektiv.

I Vesteuropa, under renæssancen, blev principperne for en ny kunst baseret på et humanistisk verdensbillede etableret, der opdagede og erkendte den virkelige verden. Maleriets rolle øgedes, da det udviklede et system af midler til realistisk afbildning af virkeligheden. Visse præstationer af renæssancemaleri blev forventet i det XIV århundrede. af den italienske maler Giotto. Den videnskabelige undersøgelse af perspektiv, optik og anatomi, brugen af ​​oliemaleriteknikker forbedret af J. van Eyck (Holland) bidrog til afsløringen af ​​mulighederne i maleriets natur: den overbevisende gengivelse af volumetriske former i enhed med overførslen af rumlig dybde og lysmiljø, afsløringen af ​​verdens farverigdom. Fresken oplevede en ny storhedstid; staffeli-maleriet, der bevarede sin dekorative enhed med det omgivende motivmiljø, fik også stor betydning. Følelsen af ​​universets harmoni, maleriets antropocentrisme og den åndelige aktivitet af dets billeder er karakteristiske for kompositioner om religiøse og mytologiske temaer, portrætter, husholdninger og historiske scener, nøgenbilleder. Gradvist blev tempera erstattet af en kombineret teknik (glasering og bearbejdning af detaljer med olie ved hjælp af tempera undermaling), og derefter teknisk perfekt flerlags olie-og-lak maling uden tempera. Sammen med glat, detaljeret maleri på brædder med hvid bund (typisk for kunstnere fra den hollandske skole og en række skoler fra den italienske tidlige renæssance), udviklede den venetianske malerskole sig i det 16. århundrede. teknikker til fri, pastaagtig maling på lærreder med farvede underlag. Samtidig med at male med en lokal, ofte lys farve, med klart mønster tonemaleri udviklede sig også. Renæssancens store malere - Masaccio, Piero della Francesca, A. Mantegna, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Giorgione, Titian, Veronese, Tintoretto i Italien, J. van Eyck, P. Brueghel den ældre i Holland, A. Dürer, H. Holbein den Yngre, M. Niethardt (Grunewald) i Tyskland m.fl.

I XVII-XVIII århundreder. udviklingen af ​​europæisk maleri blev mere kompliceret. Nationale skoler blev dannet i Frankrig (J. de Latour, F. Champaigne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Italien (M. Caravaggio, D. Fetti, GB Tiepolo, GM Crespi, F. Guardi), Spanien (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, BE Murillo, F. Goya), Flandern (P. P Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Holland (F. Hals, Rembrandt, J. Vermeer, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Storbritannien (J. Reynolds, T. Gainsborough, W. Hogarth), Rusland (FS Rokotov, DG Levitsky, VL Borovikovsky) . proklamerede nye sociale og borgerlige idealer, vendte sig mod en mere detaljeret og præcis skildring af det virkelige liv i dets bevægelse og mangfoldighed, især det daglige menneskelige miljø (landskab, interiør, husholdningsartikler); den psykologiske problematik blev uddybet, følelsen af ​​et modstridende forhold mellem individet og omverdenen blev legemliggjort. I det XVII århundrede. genresystemet udvidede sig og tog tydeligt form. I XVII-XVIII århundreder. Sammen med det blomstrende monumentale og dekorative maleri (især i barokstilen), som eksisterede i tæt sammenhæng med skulptur og arkitektur og skabte et følelsesmæssigt miljø, der aktivt påvirker en person, spillede staffelimaleri en vigtig rolle. Der blev dannet forskellige malesystemer, som begge havde en fælles stilkarakteristik (dynamisk barokmaleri med dets karakteristiske åbne spiralformede komposition; klassicismemaleri med en klar, stram og klar tegning; rokokomaleri med et spil af raffinerede farvenuancer, lyse og falmede toner ), og passer ikke ind i nogen specifik stilramme. I deres stræben efter at gengive verdens glans, lys-luft-miljøet, forbedrede mange kunstnere systemet med tonalt maleri. Dette førte til individualiseringen af ​​flerlags oliemalingsteknikker. Væksten af ​​staffeli-maleri, det øgede behov for værker designet til intim kontemplation, førte til udviklingen af ​​intime, subtile og lette maleteknikker - pasteller, akvareller, blæk, forskellige typer portrætminiaturer.

I det XIX århundrede. dannede nye nationale skoler for det realistiske. maleri i Europa og Amerika. Maleriets bånd i Europa og andre dele af verden udvidedes, hvor oplevelsen af ​​europæisk realistisk maleri fik en særegen fortolkning, ofte baseret på lokale gamle traditioner (i Indien, Kina, Japan og andre lande); Europæisk maleri var påvirket af kunsten i de fjernøstlige lande (hovedsageligt Japan og Kina), hvilket påvirkede fornyelsen af ​​metoderne til dekorativ og rytmisk organisering af maleriet. I det XIX århundrede. maleri løste komplekse og presserende verdenssynsproblemer, spillede en aktiv rolle i det offentlige liv; skarp kritik af den sociale virkelighed har fået stor betydning i maleriet. Gennem det XIX århundrede. i maleriet dyrkede man også akademiismens kanoner langt fra livet, den abstrakte idealisering af billeder; naturalismens tendenser opstod. I kampen mod senklassicismens og salonakademimens abstrakthed udviklede det romantiske maleri sig med sin aktive interesse for historiens og modernitetens dramatiske begivenheder, billedsprogets energi, kontrasten mellem lys og skygge, farverigdommen (T. Gericault, E. Delacroix i Frankrig; FO Runge og K. D. Friedrich i Tyskland; i mange henseender O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Ivanov i Rusland). Realistisk maleri, baseret på direkte iagttagelse af virkelighedens karakteristiske fænomener, kommer til en mere fuldstændig, konkret pålidelig, visuelt overbevisende skildring af livet (J. Constable i Storbritannien; C. Corot, masters of the Barbizon school, O. Daumier i Frankrig; AG Venetsianov, P.A. Fedotov i Rusland). Under opsvinget af den revolutionære og nationale befrielsesbevægelse i Europa, maleri af demokratisk realisme (G. Courbet, J. F. Millet i Frankrig; M. Munkacci i Ungarn, N. Grigorescu og I. Andreescu i Rumænien, A. Menzel, V. Leibl i Tyskland osv.) viste folkets liv og arbejde, deres kamp for deres rettigheder, vendte sig mod de vigtigste begivenheder i den nationale historie, skabte levende billeder af almindelige mennesker og progressive offentlige personer; skoler med nationalrealistiske landskaber er opstået i mange lande. Maleriet af Wanderers og kunstnere tæt på dem - V.G. Perov, I.N. Kramskoy, I.E.Repin, V.I. I. I. Levitan.

Den kunstneriske legemliggørelse af omverdenen i dens naturlighed og konstante variation kommer i begyndelsen af ​​1870'erne. Impressionistisk maleri (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas i Frankrig), som fornyede teknikken og metoderne til at organisere en malet overflade og afslørede skønheden i ren farve og tekstur. effekter. I det XIX århundrede. i Europa sejrede staffeli oliemaleri, dets teknik fik i mange tilfælde en individuel, fri karakter, og mistede gradvist sin iboende strenge systematik (hvilket også blev lettet af udbredelsen af ​​nye fabriksfremstillede malinger); paletten udvidet (nye pigmenter og bindemidler blev skabt); i stedet for mørkfarvet jord i begyndelsen af ​​det 19. århundrede. hvid jord blev indført igen. Monumentalt og dekorativt maleri brugt i det 19. århundrede. næsten udelukkende lim eller oliemaling forfaldt. I slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​XX århundreder. der gøres forsøg på at genoplive monumentalt maleri og at fusionere forskellige typer maleri med værker af dekorativ og brugskunst og arkitektur til et enkelt ensemble (hovedsageligt i art nouveau); det monumentales tekniske midler dekorativt maleri, teknikken til silikatmaling er under udvikling.

I slutningen af ​​XIX - XX århundreder. maleriets udvikling bliver særlig kompleks og selvmodsigende; forskellige realistiske og modernistiske strømninger sameksisterer og kæmper. Inspireret af idealer oktober revolution 1917, bevæbnet med metoden socialistisk realisme, maleri intensivt udviklet i USSR og andre socialistiske lande. Nye malerskoler dukkede op i landene i Asien, Afrika, Australien, Latinamerika.

Realistisk maleri fra slutningen af ​​det 19. - 20. århundrede er kendetegnet ved ønsket om at kende og vise verden i alle dens modsætninger, at afsløre essensen af ​​de dybe processer, der finder sted i den sociale virkelighed, som nogle gange ikke har et tilstrækkeligt visuelt udseende; refleksion og fortolkning af mange virkelighedsfænomener fik ofte en subjektiv, symbolsk karakter. XX århundrede Sammen med den visuelt-synlige volumetrisk-rumlige måde at billede på, bruger han i vid udstrækning nye (såvel som dem, der går tilbage til antikken), betingede principper for fortolkning af den synlige verden. Allerede i maleriet af post-impressionismen (P. Cezanne, V. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec) og til dels i maleriet af "Art Nouveau" var der nye træk, som bestemte træk ved nogle strømninger af det XX århundrede. (et aktivt udtryk for kunstnerens personlige holdning til verden, emotionalitet og associativitet af farver, som ikke har meget at gøre med naturlige farverige forhold, overdrevne former, dekorativitet). Verden blev fortolket på en ny måde i kunsten af ​​russiske malere i slutningen af ​​XIX - begyndelsen af ​​XX århundreder - i malerierne af V. A. Serov, M. A. Vrubel, K. A. Korovin.

I det XX århundrede. Virkeligheden er selvmodsigende, og ofte dybt subjektivt realiseret og nedfældet i maleriet af de største kunstnere i de kapitalistiske lande: P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, A. Marquet, A. Derain i Frankrig; D. Rivera, J.C. Orozco, D. Siqueiros i Mexico; R. Guttuso i Italien; J. Bellows, R. Kent i USA. I billeder, vægmalerier, billedpaneler kom en sandfærdig forståelse af virkelighedens tragiske modsætninger til udtryk, som ofte blev til en afsløring af det kapitalistiske systems deformiteter. Afspejler livets industrialiserings patos, indtrængen i maleriet af geometriske, "maskiner" former, hvortil organiske former ofte reduceres, søgen efter nye former, der kan bruges i dekorativ kunst, arkitektur og industri. Udbredt i maleri, hovedsageligt i kapitalistiske lande, fra begyndelsen af ​​det XX århundrede. modtaget forskellige modernistiske strømninger, der afspejler den generelle krise i det borgerlige samfunds kultur; dog i modernistisk maleri vor tids "syge" problemer afspejles indirekte. I maleriet af mange modernistiske bevægelser (fauvisme, kubisme, futurisme, dadaisme og senere - surrealisme) er nogle mere eller mindre let genkendelige elementer i den synlige verden fragmenterede eller geometriserede, optræder i uventede, nogle gange ulogiske kombinationer, der genererer mange associationer, smelte sammen med rent abstrakte former. Den videre udvikling af mange af disse tendenser førte til en fuldstændig afvisning af afbildning, til fremkomsten af ​​abstrakt maleri (se Abstrakt kunst), som markerede opløsningen af ​​maleriet som et middel til refleksion og erkendelse af virkeligheden. Siden midten af ​​60'erne. i landene i Vesteuropa og Amerika bliver maleri nogle gange et af elementerne i popkunst.

I det XX århundrede. det monumentale og dekorative maleris rolle vokser, både billedligt (f.eks. revolutionært-demokratisk monumentalt maleri i Mexico) og ikke-billedligt, normalt fladt, i harmoni med den moderne arkitekturs geometriserede former.

I det XX århundrede. der er en stigende interesse for søgninger inden for maleteknikker (bl.a. voks og tempera; der opfindes nye malinger til monumentalmaling - silikone, på organosiliciumharpikser osv.), men oliemaling er stadig fremherskende.

Det multinationale sovjetiske maleri er tæt forbundet med den kommunistiske ideologi, med principperne om partiskhed og nationalitet for kunst, det repræsenterer et kvalitativt nyt stadie i udviklingen af ​​maleriet, som er bestemt af den socialistiske realismes triumf. I USSR udvikler maleriet sig i alle fagforeninger og autonome republikker, nye nationale malerskoler dukker op. Det sovjetiske maleri er kendetegnet ved en skarp følelse af virkeligheden, verdens materialitet og den åndelige mætning af billeder. Ønsket om at omfavne den socialistiske virkelighed i al dens kompleksitet og fuldstændighed har ført til brugen af ​​mange genreformer, som er fyldt med nyt indhold. Allerede fra 20'erne. det historisk-revolutionære tema får særlig betydning (lærreder af M.B. Grekov, A.A. Deineka, K. S. Petrov-Vodkin, B. V. Ioganson, I. I. Brodsky, A. M. Gerasimov). Yderligere vises patriotiske lærreder, der fortæller om Ruslands heroiske fortid historisk drama Den Store Fædrelandskrig 1941-45, den sovjetiske mands åndelige styrke.

Portræt spiller en vigtig rolle i udviklingen af ​​det sovjetiske maleri: kollektive billeder af mennesker fra folket, deltagere i den revolutionære omorganisering af livet (A. Ye. Arkhipov, G. G. Rizhsky, etc.); psykologiske portrætter, der viser den indre verden, den åndelige sammensætning af den sovjetiske mand (M. V. Nesterov, S. V. Malyutin, P. D. Korin, etc.).

Det sovjetiske folks typiske levevis afspejles i genremaleriet, som giver en poetisk og levende skildring af nye mennesker og en ny livsstil. Store lærreder gennemsyret af den socialistiske konstruktions patos (S.V. Gerasimov, A.A.Plastov, Yu.I. Pimenov, T.N. Yablonskaya osv.) er karakteristiske for sovjetisk maleri. Den æstetiske godkendelse af foreningens og de autonome republikkers særegne livsformer ligger til grund for de nationale skoler, der har udviklet sig i det sovjetiske maleri (MS Saryan, L. Gudiashvili, SA Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A Savitsky, A. Gudaytis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev og andre), der repræsenterer de konstituerende dele af den forenede kunstneriske kultur i det sovjetiske socialistiske samfund.

I landskabsmaleriet, som i andre genrer, nationalt kunstneriske traditioner kombineret med en søgen efter det nye, med en moderne natursans. Den lyriske linje i russisk landskabsmaleri (V.N. Baksheev, N.P. Krymov, N.M. Romadin og andre) suppleres af udviklingen af ​​det industrielle landskab med dets hurtige rytmer, med motiver af transformeret natur (B.N. Yakovlev, G.G. . Nyssa). Stillebenmaleri nåede et højt niveau (I. I Mashkov, P. P. Konchalovsky, M. S. Saryan).

Udvikling sociale funktioner maleri er ledsaget af den generelle udvikling af billedkultur. Inden for grænserne af en enkelt realistisk metode opnår sovjetisk maleri en række forskellige kunstneriske former, teknikker, individuelle stilarter... Byggeriets brede omfang, skabelsen af ​​store offentlige bygninger og mindesmærkeensembler bidrog til udviklingen af ​​monumentale og dekorative malerier (værker af V. A. Favorsky, E. E. Lancere, P. D. Korin), genoplivningen af ​​temperamaleriets teknik, fresker og mosaikker. I 60'erne - begyndelsen af ​​80'erne. øget gensidig påvirkning af monumental- og staffelimaleri, øget ønsket om at få mest muligt ud af og berige maleriets udtryksfulde midler (se også Unionen af ​​Socialistiske Sovjetrepublikker og artikler om Sovjetunionens republikker) BR Vipper Artikler om kunst. M., 1970.

Maleri er således en type visuel kunst, der er forbundet med overførsel af visuelle billeder ved at påføre maling på en solid eller fleksibel base, samt skabe et billede ved hjælp af digitale teknologier.

Maleri er en af ​​de mest almindelige former for kunst, hvorigennem kunstnere - malere formidler deres vision af verden til publikum.

Maleri er således en særskilt og meget populær form for kunst, hvor visuelle billeder formidles af mesteren ved at påføre maling på maleriets overflade.

Alle malerier, der eksisterer i dag, kan opdeles i flere separate genrer, som har deres egne karakteristika i billedets emne og teknik. Lad os overveje de vigtigste for at få en korrekt forståelse af strukturen af ​​malerier.

Så blandt de moderne genrer af maleri kan følgende kaldes:

• Portræt
• Landskab
• Marina
• Historisk maleri
• Kampmaleri
• Stilleben
• Genre maleri
• Arkitektonisk maleri
• Religiøst maleri
• Dyremaleri
• Dekorativt maleri

Skematisk vil opdelingen af ​​genrer af billedkunst se sådan ud:

Portræt

Mange af os er bekendt med sådan en genre af maleri som et portræt. Dette er en af ​​de ældste typer af fint maleri, og det kan også findes i skulptur og grafik. Tidligere var der ingen fotografier, så enhver rig eller berømt person anså det for nødvendigt at forevige hans ansigt og skikkelse for eftertiden - og heri kom portrætmalere ham til hjælp.

Desuden kan portrættet skildre både rigtige mennesker og litterære eller mytiske helte. Derudover kan der skabes både et portræt af en person, der levede i fortiden, og vores samtid, der eksisterer i dag.

Portrætgenren har ingen klare grænser, derfor kan et portræt i ét værk kombineres med elementer fra andre genrer af maleri - landskab, stilleben og så videre.

Typer af portrætter

Blandt de mest almindelige typer portrætter er følgende:

• Historisk portræt
• Retrospektivt portræt
• Portræt - maleri
• Typisk portræt
• Selvportræt
• Donators portræt
• Ceremonielt portræt
• Halv parade portræt
• Kammerportræt
• Intimt portræt
• Portræt i lille format
• Portræt - miniature

Hver af typerne af portrætmaleri har sine egne karakteristiske træk og forskelle i udførelsesteknikken. Lad os overveje dem mere detaljeret.

• Historisk portræt- indeholder et billede af enhver historisk person, politiker eller kreativ person. Et sådant portræt kan skabes ud fra samtidens erindringer eller fødes i en malers fantasi.

• Retrospektivt portræt- et posthumt billede af en person, der levede i fortiden, som blev skabt efter øjenvidners beskrivelser eller fra et livstidsbillede. Men der er også tilfælde af fuldstændig komposition af portrættet af mesteren.

• Maleri - portræt- en person er afbildet i et plotforhold med omverdenen, naturen, på baggrund af arkitektoniske bygninger eller andre menneskers aktiviteter. I portrætmalerier spores tydeligst grænsernes vagehed og kombinationen af ​​forskellige genrer - landskabs-, historisk- og kampmaleri og så videre.

• Typisk portræt- kunstner - maler skildrer et kollektivt billede, sammensat af de karakteristiske træk ved udseendet af mange mennesker, forenet af fælles ideer, typer af aktiviteter, social status eller livsstil.

• Udklædt portræt- den afbildede person præsenteres for beskueren i form af en litterær eller teatralsk karakter, en historisk figur eller en mytologisk helt. Sådanne portrætter er af særlig interesse for at studere kostumer fra andre epoker.

• Selvportræt- en særlig type portrætmaleri, hvor kunstneren skildrer sig selv. Det vil sige, at han ønsker at formidle og formidle til publikum sin indre essens.

• Donators portræt- en af ​​de forældede former for portrætmaleri. Sådan et maleri med et religiøst tema forestillede en mand, der gav en stor donation til kirken. Han dukkede op foran publikum, omgivet af helgener, ved siden af ​​Madonnaen eller på en af ​​alterdørene i knælende form. Velhavende mennesker i de dage så en særlig betydning i at skabe et donorportræt, fordi sådanne malerier altid blev opfattet positivt og æret på linje med.

Af billedets art og metode menneskelige figurer, alle portrætter er opdelt i følgende typer:

• Ceremonielt portræt- viser en person i stående stilling i fuld vækst. I dette tilfælde er alle detaljer om udseende og figur skrevet meget tydeligt.

• Halv parade portræt- en person er afbildet op til taljen, op til knæene eller i siddende stilling, når den nederste del af benene ikke er synlig. I et sådant portrætværk spiller billedet af miljøet eller tilbehør en enorm rolle.

• Kammerportræt- figuren af ​​en person udføres på en neutral baggrund, og en forkortet version af billedet af en persons figur bruges - til taljen, til brystet eller endda til niveauet af skuldrene. I dette tilfælde skriver mesteren særligt tydeligt og omhyggeligt funktionerne i en persons ansigt.

• Intimt portræt- bruges yderst sjældent og er en af ​​varianterne af et kammerportræt på grund af dets udførelse på en neutral baggrund. I hjertet af skabelsen intimt portræt ligger kunstnerens dybe følelser for den afbildede person eller tillidsforholdet mellem dem.

• Portræt i lille format- et lille stykke maleri. udføres som regel med blæk, blyant, pastel eller akvareller.

• Portræt - miniature- en af ​​de mest genkendelige og teknisk vanskelige former for portrætmaleri. Miniaturen er kendetegnet ved et lille billedformat (fra 1,5 til 20 cm), samt en ekstraordinær finesse af skrivning og en grundig, næsten smykketegning af alle linjerne. Miniatureportrætter blev indsat i medaljoner, de blev brugt til at dekorere ure, armbånd, brocher, ringe og snusdåser.

Landskab

Landskab er en separat genre af maleri, hvis hovedobjekt er naturen i sin oprindelige form eller noget ændret i processen med menneskelig aktivitet.

Landskabsmaleri-genren har været kendt siden oldtiden. Men i middelalderen mister det noget sin relevans. Men allerede i renæssancen genoplives landskabet og får betydning som en af ​​malerkunstens vigtigste genrer.

Marina

Marina (fra latinske ord"Marinus" - "hav") er en speciel genre af maleri, hvor alle afbildede begivenheder, typer af menneskelige aktiviteter og billeder af naturen er dedikeret til havet. Ofte viser lærrederne havlandskaber på forskellige tidspunkter af året og under forskellige lysforhold.

Kunstnere, der maler havrum i deres forskellige manifestationer, kaldes "marine malere". En af de mest berømte marinemalere er Ivan Aivazovsky, der skabte over 6 tusinde malerier om det marine tema.

Historisk maleri

Genren for historisk maleri opstod i renæssancen, hvor kunstnere søgte at reflektere i deres lærreder scener fra samfundslivet i forskellige perioder af historien.

Historiske lærreder kunne dog skildre ikke kun billeder fra virkelige menneskers liv, men også mytologiske emner samt illustreret gentænkning af bibelske og evangeliske historier.

Historisk maleri tjener til at vise fortidens begivenheder, de vigtigste for et bestemt folk eller hele menneskeheden som helhed.

Kampmaleri

En af varianterne af den historiske genre er kampmaleri, hvis genstand for billeder hovedsageligt er viet til militære begivenheder, de berømte kampe på land og til vands samt militære kampagner. Kampgenren dækker historien om militære sammenstød gennem historien om den menneskelige civilisations eksistens.

Samtidig er kamplærreder kendetegnet ved et stort antal og forskellige afbildede figurer samt ret nøjagtige billeder af terrænet og funktionerne i en bestemt region.

Kampmaleren står over for flere vanskelige opgaver:

1. Vis krigens heltemod og vis de modigste krigeres adfærd.
2. Fang et kritisk eller vendepunkt i en kamp.
3. Afslør i dit arbejde den fulde historiske betydning af militære begivenheder.
4. Nøjagtigt og tydeligt udtryk adfærd og følelser hos hver af deltagerne i slaget - både berømte generaler og almindelige soldater.

Det skal bemærkes, at genren af ​​kampmaleri betragtes som en af ​​de sværeste, derfor er sådanne lærreder skabt af mestre i lang tid - nogle gange i ti år. En kunstner skal ikke kun have fremragende viden detaljeret historie afbildet kamp, ​​men også evnen til at skabe flerfigurerede lærreder med en lang række hjælpedetaljer. Det er billeder af naturen og elementer af arkitektur og billedet af våben eller militære mekanismer. Derfor indtager kampgenren en særlig plads og skiller sig ud fra det historiske maleri.

Stilleben

Stilleben er skabelsen på lærreder af kompositioner fra livløse genstande i deres forskellige kombinationer. De mest populære er billederne af retter, urtepotter med buketter af blomster og frugter på et fad.

Oprindeligt opstod emnet for billeder i genren stilleben ved overgangen til det 15. - 16. århundrede, men den endelige udformning af genren til en separat retning af maleri fandt sted i det 17. århundrede. De første skabere af stilleben var hollandske og flamske kunstnere. Senere stilleben tog en vigtig plads i russiske kunstneres arbejde.

Emnet for billeder i stilleben kan være meget rigt og varieret og er ikke begrænset udelukkende til husholdningsartikler. Det kan være bøger, magasiner og aviser, flasker, figurer, en globus og mange andre genstande.

Hovedideen med kompositionerne i Vanitas-genren er ideen om den jordiske eksistens og ydmyghedens endelighed før uundgåeligheden af ​​overgangen til en anden verden. Stilleben med et kranie i midten af ​​kompositionen opnåede størst popularitet i det 16. - 17. århundrede i Flandern og Holland. Lidt senere begyndte franske og spanske kunstnere at henvende sig til ham.

Genre maleri

I billedkunsten betragtes genremaleriet som en del af genren. Siden oldtiden har kunstnere afbildet scener fra almindelige menneskers hverdagsliv - bønder, håndværkere, købmænd såvel som tjenere af ædle hofmænd i processen med arbejdet eller i hverdagen for deres familier.

De første eksempler på genremalerier i moderne forståelse dukkede op i middelalderen, og blev efterfølgende udbredt og populær. Genremaleriets temaer er præget af en misundelsesværdig variation, som vækker publikums interesse.

Arkitektonisk maleri

Arkitektonisk maleri er en speciel genre af maleri, hvis tema er afsat til billedet af bygninger, strukturer og forskellige arkitektoniske monumenter samt de mest interessante beslutninger i det historiske aspekt. Dette refererer til billedet af indretningen af ​​paladser, teater- og koncertsale og så videre.

Takket være sådanne malerier har beskueren mulighed for personligt at se arkitekturens monumenter i deres originale form gennem kunstnerens øjne. Værker af arkitektonisk maleri hjælper også med at studere det arkitektoniske landskab i byer fra svundne tider.

Dyremaleri

Den animalistiske genre er en separat genre af billedkunst, der hovedsageligt har specialiseret sig i at skildre vores planets dyreverden. I malerierne af denne genre kan vi se dyr, fugle, fisk såvel som repræsentanter for mange andre arter i deres naturlige habitat.

Det betyder dog ikke, at temaet for skildringen af ​​den dyriske genre kun er vilde dyr. Tværtimod maler kunstnere meget ofte billeder dedikeret til kæledyr - katte, hunde, heste og så videre.

Dekorativt maleri

Genren af ​​dekorativt maleri kan groft opdeles i flere typer, som har deres egne forskelle:

• Monumentalt maleri
• Teaterdekorationsmaleri
• Dekorativt maleri

Artsdiversiteten i den dekorative genre forklares af det faktum, at kunstnere til enhver tid forsøgte at dekorere ethvert objekt i den omgivende verden.

• Monumentalt maleri- genren monumental kunst, hvis værker er af ret storstilet karakter og bruges som dekorativt design af bygninger og strukturer af sekulær og religiøs karakter til forskellige formål (og kirker, kontorbygninger og kulturelle strukturer, arkitektoniske monumenter og beboelsesbygninger).

• Teatersceneri- dette er en meget populær type dekorativ genre, som inkluderer skabelse af kulisser og kostumer til karakterer teaterforestillinger og filmkarakterer, samt skitser af individuelle mise-en-scener. Kunstnere - dekoratører i teatret og på settet skaber nogle gange rigtige mesterværker, som senere bliver en af ​​de bedste scenerier til teater og biograf.

• Dekorativt maleri- repræsenterer plotkompositioner eller ornamental indretning skabt på forskellige dele af bygninger og strukturer, såvel som på prøver af dekorativ og brugskunst, som har oprindelse i folkekunst og kunsthåndværk. Hovedtyperne af malede genstande var tallerkener, husholdningsartikler, møbler og så videre.