पुनर्जागरण का संगीत, ललित कला और साहित्य की तरह, प्राचीन संस्कृति के मूल्यों पर लौट आया। उसने न केवल कानों को प्रसन्न किया, बल्कि श्रोताओं पर आध्यात्मिक और भावनात्मक प्रभाव भी डाला।

XIV-XVI सदियों में कला और विज्ञान का पुनरुद्धार। महान परिवर्तन का युग था, जो मध्ययुगीन जीवन शैली से वर्तमान में संक्रमण का प्रतीक था। इस अवधि के दौरान संगीत की रचना और प्रदर्शन ने एक विशेष महत्व प्राप्त किया। ग्रीस और रोम की प्राचीन संस्कृतियों का अध्ययन करने वाले मानवतावादियों ने संगीत के लेखन को एक उपयोगी और महान व्यवसाय घोषित किया। यह माना जाता था कि हर बच्चे को गाना सीखना चाहिए और संगीत वाद्ययंत्र बजाना सीखना चाहिए। इसके लिए प्रख्यात परिवारों ने संगीतकारों को अपने घरों में अपने बच्चों को शिक्षा देने और मेहमानों का मनोरंजन करने के लिए स्वीकार किया।

लोकप्रिय उपकरण। XVI सदी में। नए संगीत वाद्ययंत्र दिखाई दिए। उनमें से सबसे लोकप्रिय खेल थे, जिस पर विशेष कौशल की आवश्यकता के बिना संगीत प्रेमियों को आसानी से और सरलता से दिया गया था। उल्लंघन और संबंधित लूटे गए उल्लंघन सबसे आम हो गए। वायोला वायलिन का अग्रदूत था और फ्रेट्स (फ्रेटबोर्ड पर लकड़ी की पट्टियों) के लिए धन्यवाद बजाना आसान था जिसने आपको सही नोट्स हिट करने में मदद की। वायोला की आवाज शांत थी, लेकिन अच्छी लग रही थी छोटे हॉल. एक और झल्लाहट से भरे वाद्य यंत्र की संगत में - ल्यूट - उन्होंने गाया, जैसे अब एक गिटार के साथ।

उस समय कई लोग रिकॉर्डर, बांसुरी और हॉर्न बजाना पसंद करते थे। सबसे जटिल संगीत नव निर्मित - हार्पसीकोर्ड, वर्जिन (अंग्रेजी हार्पसीकोर्ड, जो आकार में छोटा है) और अंग के लिए लिखा गया था। उसी समय, संगीतकार सरल संगीत की रचना करना नहीं भूले, जिसमें उच्च प्रदर्शन कौशल की आवश्यकता नहीं थी। उसी समय, संगीत लेखन में परिवर्तन हुए: भारी लकड़ी के मुद्रण ब्लॉकों को इतालवी ओटावियानो पेट्रुची द्वारा आविष्कार किए गए मोबाइल धातु अक्षरों से बदल दिया गया। प्रकाशित संगीत रचनाएँ जल्दी बिक गईं, अधिक से अधिक लोग संगीत में शामिल होने लगे।

संगीत निर्देश।

नए उपकरणों, शीट संगीत मुद्रण और संगीत की व्यापक लोकप्रियता ने चैम्बर संगीत के विकास में योगदान दिया। जैसा कि इसके नाम का तात्पर्य है, इसे छोटे दर्शकों के सामने छोटे हॉल में खेला जाना था। कई कलाकार थे, मुखर प्रदर्शन प्रबल थे, क्योंकि उस समय गायन की कला संगीत बजाने की तुलना में बहुत अधिक विकसित थी। इसके अलावा, मानवतावादियों ने तर्क दिया कि श्रोता दो कलाओं - संगीत और कविता के "अद्भुत संलयन" से सबसे अधिक प्रभावित होता है। तो, फ्रांस में, एक चैनसन (एक पॉलीफोनिक गीत) एक शैली के रूप में सामने आया, और इटली में - एक मैड्रिगल।

चांसन और मैड्रिगल।

उन वर्षों के मंत्रों को कई स्वरों में एक विस्तृत विषयगत श्रेणी के साथ स्पर्श करने वाली कविताओं में प्रदर्शित किया गया था - प्रेम के उदात्त विषय से लेकर रोजमर्रा के ग्रामीण जीवन तक। संगीतकारों ने छंदों के लिए बहुत ही सरल धुनों की रचना की। इसके बाद, इस परंपरा से मैड्रिगल का जन्म हुआ - एक मुक्त काव्य विषय पर 4 या 5 आवाजों के लिए एक काम।

बाद में, पहले से ही 16 वीं शताब्दी में, संगीतकार इस निष्कर्ष पर पहुंचे कि मैड्रिगल में ध्वनि की गहराई और शक्ति की कमी थी, जो हमेशा प्राचीन ग्रीस और रोम में मांगी जाती थी, और प्राचीन संगीत मीटर को पुनर्जीवित करना शुरू कर दिया। उसी समय, तेज और सुचारू गति में तेज बदलाव मूड और भावनात्मक स्थिति में बदलाव को दर्शाता है।

इस प्रकार, संगीत ने "शब्दों को रंगना" शुरू किया और भावनाओं को प्रतिबिंबित किया। उदाहरण के लिए, एक आरोही स्वर का मतलब एक शिखर (ऊंचाई) हो सकता है, एक अवरोही का मतलब एक घाटी (उदासी की घाटी) हो सकता है, एक धीमी गति का मतलब उदासी, गति का त्वरण और कान के लिए सुखद मधुर धुन हो सकता है - खुशी, और जानबूझकर लंबी और तीखी असंगति का अर्थ था दुःख और पीड़ा। पहले संगीत में सामंजस्य और सुसंगतता प्रबल थी। अब यह पॉलीफोनी और कंट्रास्ट पर आधारित था, जो मनुष्य की समृद्ध आंतरिक दुनिया को दर्शाता है। संगीत गहरा हो गया है, उसने एक व्यक्तिगत चरित्र प्राप्त कर लिया है।

संगीत संगत।

उत्सव और उत्सव पुनर्जागरण की पहचान थे। संतों के दिनों से लेकर ग्रीष्म ऋतु के आगमन तक - उस युग के लोगों ने सब कुछ मनाया। सड़क जुलूसों के दौरान, संगीतकारों और गायकों ने पहियों पर समृद्ध रूप से सजाए गए चरणों से गाथागीत सुनाए, सबसे जटिल मैड्रिगल का प्रदर्शन किया, और नाटकीय प्रदर्शन किया। दर्शकों को विशेष रूप से एक यांत्रिक बादल के रूप में संगीतमय संगत और दृश्यों के साथ "लाइव पिक्चर्स" की प्रतीक्षा थी, जिसमें से परिदृश्य द्वारा प्रदान किए गए देवता उतरे।

उसी समय, चर्च के लिए सबसे राजसी संगीत की रचना की गई थी। आज के मानकों के अनुसार, गायक मंडली इतने बड़े नहीं थे - 20 से 30 लोगों तक, लेकिन उनकी आवाज़ें ऑर्केस्ट्रा में पेश किए गए ट्रॉम्बोन और कॉर्नेट पाइप की आवाज़ से बढ़ गईं, और बड़ी छुट्टियों (उदाहरण के लिए, क्रिसमस) पर गायकों को सभी से इकट्ठा किया गया। एक विशाल गाना बजानेवालों में क्षेत्र पर। केवल कैथोलिक चर्च का मानना ​​​​था कि संगीत सरल और समझने योग्य होना चाहिए, और इसलिए एक उदाहरण के रूप में जियोवानी फिलिस्तीन के पवित्र संगीत को स्थापित किया, जिन्होंने आध्यात्मिक ग्रंथों पर लघु रचनाएँ लिखीं। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि बाद में उस्ताद खुद अभिव्यंजक और शक्तिशाली "नए" संगीत के प्रभाव में आ गए और स्मारकीय और रंगीन रचनाएँ लिखना शुरू कर दिया, जिन्हें कोरल गायन में काफी कौशल की आवश्यकता थी।

पुनर्जागरण के दौरान, वाद्य संगीत व्यापक रूप से विकसित हुआ था। मुख्य संगीत वाद्ययंत्रों में ल्यूट, वीणा, बांसुरी, ओबाउ, तुरही, अंग हैं विभिन्न प्रकार के(सकारात्मक, पोर्टेबल), हार्पसीकोर्ड की किस्में; वायलिन था लोक वाद्य, लेकिन वायोला जैसे नए कड़े झुके हुए वाद्ययंत्रों के विकास के साथ, यह वायलिन है जो प्रमुख संगीत वाद्ययंत्रों में से एक बन जाता है।

अगर मानसिकता नया युगपहले कविता में जागता है, वास्तुकला और चित्रकला में एक शानदार विकास प्राप्त करता है, फिर संगीत, से शुरू होता है लोक - गीतजीवन के सभी क्षेत्रों में व्याप्त है। यहां तक ​​कि चर्च संगीत भी अब काफी हद तक माना जाता है, जैसे कि बाइबिल के विषयों पर कलाकारों द्वारा पेंटिंग, कुछ पवित्र नहीं, बल्कि कुछ ऐसा जो आनंद और आनंद देता है, जिसे संगीतकारों, संगीतकारों और गायक मंडलियों ने स्वयं ध्यान रखा।

एक शब्द में, कविता के रूप में, चित्रकला में, वास्तुकला में, संगीत के विकास में एक महत्वपूर्ण मोड़ था, संगीत सौंदर्यशास्त्र और सिद्धांत के विकास के साथ, नई शैलियों के निर्माण के साथ, विशेष रूप से कला के सिंथेटिक रूपों, जैसे ओपेरा और बैले, जिसे पुनर्जागरण के रूप में माना जाना चाहिए, सदियों से प्रेषित।

15 वीं - 16 वीं शताब्दी में नीदरलैंड का संगीत महान संगीतकारों के नाम से समृद्ध है, उनमें से जोस्किन डेस्प्रेस (1440 - 1524), जिनके बारे में ज़ारलिनो ने लिखा था और जिन्होंने फ्रांसीसी अदालत में सेवा की थी, जहां फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल विकसित हुआ था। ऐसा माना जाता है कि डच संगीतकारों की सर्वोच्च उपलब्धि कोरल मास ए कैपेला थी, जो गॉथिक कैथेड्रल की ऊर्ध्व आकांक्षा के अनुरूप थी।

जर्मनी में, अंग कला विकसित हो रही है। फ्रांस में, दरबार में चैपल बनाए गए, और संगीत समारोह आयोजित किए गए। 1581 में, हेनरी III ने अदालत में "संगीत के मुख्य अभिप्राय" की स्थिति को मंजूरी दी। पहले "संगीत के प्रमुख निर्देशक" इतालवी वायलिन वादक बाल्टाज़ारिनी डी बेलगियोसो थे, जिन्होंने "क्वीन के हास्य बैले" का मंचन किया, एक ऐसा प्रदर्शन जिसमें पहली बार संगीत और नृत्य को एक मंचीय क्रिया के रूप में दिया जाता है। इस तरह कोर्ट बैले का उदय हुआ।

क्लेमेंट जेनक्विन (सी। 1475 - सी। 1560), फ्रांसीसी पुनर्जागरण के एक उत्कृष्ट संगीतकार, पॉलीफोनिक गीत शैली के संस्थापकों में से एक हैं। ये 4-5-आवाज वाले काम हैं, जैसे फंतासी गाने। धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चांसन - फ्रांस के बाहर व्यापक हो गया है।

16वीं शताब्दी में पहली बार संगीत मुद्रण का प्रसार हुआ। 1516 में, रोमन विनीशियन प्रिंटर एंड्रिया एंटिको ने कीबोर्ड के लिए फ्रोटोल्स का एक संग्रह प्रकाशित किया। इटली हार्पसीकोर्ड और वायलिन के निर्माण का केंद्र बन गया। कई वायलिन कार्यशालाएं खुलती हैं। पहले मास्टर्स में से एक थे प्रसिद्ध एंड्रियाक्रेमोना के अमती, जिन्होंने वायलिन निर्माताओं के एक राजवंश की नींव रखी। उन्होंने मौजूदा वायलिन के डिजाइन में महत्वपूर्ण बदलाव किए, जिससे ध्वनि में सुधार हुआ और इसे आधुनिक रूप के करीब लाया गया।

फ्रांसेस्को कैनोवा दा मिलानो (1497 - 1543) - एक उत्कृष्ट इतालवी वादक और पुनर्जागरण के संगीतकार, ने एक देश के रूप में इटली की प्रतिष्ठा बनाई कलाप्रवीण व्यक्ति संगीतकार. उन्हें आज भी सर्वकालिक सर्वश्रेष्ठ लुटेरा वादक माना जाता है। मध्य युग के अंत के बाद, संगीत बन गया महत्वपूर्ण तत्वसंस्कृति।

1537 में, नेपल्स में, स्पेनिश पुजारी जियोवानी तापिया ने पहली संगीत संरक्षिका "सांता मारिया डि लोरेटो" का निर्माण किया, जो बाद के लोगों के लिए एक मॉडल के रूप में काम करती थी।

एड्रियन विलार्ट (c.1490-1562) - डच संगीतकार और शिक्षक, इटली में काम करते थे, फ्रेंको-फ्लेमिश (डच) पॉलीफोनिक स्कूल के प्रतिनिधि, वेनिस स्कूल के संस्थापक। विलार्ट ने डबल गाना बजानेवालों के लिए संगीत विकसित किया, यह परंपरा बहुत है कोरल संगीतजियोवानी गेब्रियल के काम में बैरोक युग की शुरुआत में अपने चरम पर पहुंच जाता है।

पुनर्जागरण के दौरान, मद्रिगल अपने चरम पर पहुंच गया और उस युग की सबसे लोकप्रिय संगीत शैली बन गई। ट्रेसेंटो अवधि के पहले और सरल मैड्रिगल के विपरीत, पुनर्जागरण मैड्रिगल कई (4-6) आवाजों के लिए लिखे गए थे, अक्सर विदेशियों द्वारा जो प्रभावशाली उत्तरी परिवारों के दरबार में सेवा करते थे। मैड्रिगैलिस्ट्स ने उच्च कला बनाने की मांग की, अक्सर मध्य युग के महान इतालवी कवियों की पुनरीक्षित कविता का उपयोग करते हुए: फ्रांसेस्को पेट्रार्का, जियोवानी बोकासियो और अन्य। मैड्रिगल की सबसे विशिष्ट विशेषता सख्त संरचनात्मक सिद्धांतों की अनुपस्थिति थी, मुख्य सिद्धांत विचारों और भावनाओं की मुक्त अभिव्यक्ति थी।

विनीशियन स्कूल सिप्रियानो डी रोरे के प्रतिनिधि और फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के प्रतिनिधि रोलैंड डी लासु (अपने इतालवी रचनात्मक जीवन के दौरान ऑरलैंडो डि लासो) जैसे संगीतकारों ने बढ़ते वर्णवाद, सामंजस्य, ताल, बनावट और संगीत अभिव्यक्ति के अन्य साधनों के साथ प्रयोग किया। . उनका अनुभव जारी रहेगा और कार्लो गेसुल्डो के मैननेरिस्ट युग में समाप्त होगा।

एक अन्य महत्वपूर्ण पॉलीफोनिक गीत रूप विलानेला था। नेपल्स में लोकप्रिय गीतों के आधार पर, यह जल्दी से पूरे इटली में फैल गया और बाद में फ्रांस, इंग्लैंड, जर्मनी में चला गया। 16वीं शताब्दी के इटालियन विलनेला ने कॉर्ड स्टेप्स के विकास के लिए एक मजबूत प्रोत्साहन दिया और इसके परिणामस्वरूप, हार्मोनिक tonality।

ओपेरा का जन्म (फ्लोरेंटाइन कैमराटा)।

पुनर्जागरण के अंत को संगीत इतिहास की सबसे महत्वपूर्ण घटना - ओपेरा के जन्म द्वारा चिह्नित किया गया था।

मानवतावादियों, संगीतकारों और कवियों का एक समूह अपने नेता, काउंट जियोवानी डी बर्दी (1534 - 1612) के तत्वावधान में फ्लोरेंस में एकत्रित हुआ। समूह को "कामेराटा" कहा जाता था, इसके मुख्य सदस्य गिउलिओ कैकिनी, पिएत्रो स्ट्रोज़ी, विन्सेन्ज़ो गैलीली (खगोलविद गैलीलियो गैलीली के पिता), गिलोरोमो मेई, एमिलियो डी कैवलियरी और ओटावियो रिनुकिनी अपने छोटे वर्षों में थे।

समूह की पहली प्रलेखित बैठक 1573 में हुई थी, और "फ्लोरेंस कैमराटा" के सबसे सक्रिय वर्ष 1577 - 1582 थे।

उनका मानना ​​​​था कि संगीत "खराब हो गया" और रूप और शैली में लौटने की मांग की। प्राचीन ग्रीसयह मानते हुए कि संगीत की कला में सुधार किया जा सकता है और उसी के अनुसार समाज में भी सुधार होगा। कैमराटा ने पाठ की सुगमता और काम के काव्यात्मक घटक के नुकसान की कीमत पर पॉलीफोनी के अत्यधिक उपयोग के लिए मौजूदा संगीत की आलोचना की, और एक नई संगीत शैली के निर्माण का प्रस्ताव रखा जिसमें मोनोडिक पाठ वाद्य संगीत के साथ था . उनके प्रयोगों ने एक नए मुखर-संगीत रूप का निर्माण किया - सस्वर पाठ, जिसे पहले एमिलियो डी कैवलियरी द्वारा इस्तेमाल किया गया था, बाद में सीधे ओपेरा के विकास से संबंधित था।

आधुनिक मानकों को पूरा करने वाला पहला आधिकारिक रूप से मान्यता प्राप्त ओपेरा ओपेरा डैफने था, जिसे पहली बार 1598 में प्रस्तुत किया गया था। डैफने के लेखक जैकोपो पेरी और जैकोपो कोर्सी थे, ओटावियो रिनुकिनी द्वारा लिब्रेटो। यह ओपेरा नहीं बचा है। पहला जीवित ओपेरा एक ही लेखक - जैकोपो पेरी और ओटावियो रिनुकिनी द्वारा "यूरीडाइस" (1600) है। इस रचनात्मक संघ ने अभी भी कई काम किए हैं, जिनमें से अधिकांश खो गए हैं।

उत्तरी पुनरुद्धार.

उत्तरी पुनर्जागरण का संगीत भी दिलचस्प है। 16वीं शताब्दी तक एक समृद्ध लोककथा थी, मुख्य रूप से मुखर। जर्मनी में हर जगह संगीत बजता था: उत्सवों में, चर्च में, at सामाजिक घटनाओंऔर एक सैन्य शिविर में। किसान युद्ध और सुधार ने लोक गीत कला में एक नया उभार पैदा किया। कई अभिव्यंजक लूथरन भजन हैं जिनके लेखक अज्ञात हैं। कोरल गायन लूथरन पूजा का एक अभिन्न रूप बन गया है। प्रोटेस्टेंट मंत्र ने सभी यूरोपीय संगीत के बाद के विकास को प्रभावित किया।

16वीं शताब्दी में जर्मनी में संगीत के विभिन्न रूप। यह आश्चर्यजनक है: श्रोवटाइड में बैले और ओपेरा का मंचन किया गया था। के। पॉमैन, पी। हॉफहाइमर जैसे नामों का नाम देना असंभव नहीं है। ये संगीतकार हैं जिन्होंने धर्मनिरपेक्ष और की रचना की चर्च संगीत, मुख्य रूप से अंग के लिए। वे उत्कृष्ट फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार, डच स्कूल ओ। लासो के प्रतिनिधि से जुड़े हुए हैं। उन्होंने कई में काम किया है यूरोपीय देश. संक्षेप में और विभिन्न यूरोपीय की उपलब्धियों को नवीन रूप से विकसित किया संगीत विद्यालयनवजागरण। पंथ और धर्मनिरपेक्ष कोरल संगीत के मास्टर (2000 से अधिक रचनाएँ।)।

लेकिन जर्मन संगीत में वास्तविक क्रांति हेनरिक शुट्ज़ (1585-1672), संगीतकार, बैंडमास्टर, ऑर्गेनिस्ट और शिक्षक द्वारा की गई थी। राष्ट्रीय संगीतकार स्कूल के संस्थापक, आई.एस. के पूर्ववर्तियों में सबसे बड़ा। बाख। शुट्ज़ ने सबसे पहले लिखा था जर्मन ओपेराडाफ्ने (1627), ओपेरा-बैले ऑर्फियस और यूरीडाइस (1638); मैड्रिगल्स, आध्यात्मिक कैंटटा-ऑरेटोरियो रचनाएँ ("जुनून", संगीत कार्यक्रम, मोटेट्स, भजन, आदि)।

रूसी संघ के शिक्षा मंत्रालय

मॉस्को स्टेट ओपन पेडागोगिकल यूनिवर्सिटी

उन्हें। एम.ए. शोलोखोवा

सौंदर्य शिक्षा विभाग

निबंध

"पुनर्जागरण का संगीत"

5वीं कक्षा के छात्र

पूर्णकालिक - पत्राचार विभाग

पोलेगेवा हुसोव पावलोवना

शिक्षक:

ज़त्सेपिना मारिया बोरिसोव्ना

मास्को 2005

पुनर्जागरण - मध्य युग से नए समय (XV-XVII सदियों) में संक्रमण की अवधि में पश्चिमी और मध्य यूरोप के देशों की संस्कृति के सुनहरे दिनों का युग। पुनर्जागरण की संस्कृति में एक संकीर्ण वर्ग चरित्र नहीं है और अक्सर लोगों की व्यापक जनता के मूड को दर्शाता है; संगीत संस्कृति में यह कई नए प्रभावशाली रचनात्मक स्कूलों का प्रतिनिधित्व करता है। इस अवधि की संपूर्ण संस्कृति का मुख्य वैचारिक मूल मानवतावाद था - एक स्वतंत्र और व्यापक रूप से विकसित व्यक्ति के रूप में एक नया, अभूतपूर्व विचार, असीमित प्रगति में सक्षम। मनुष्य कला और साहित्य का मुख्य विषय है, पुनर्जागरण संस्कृति के महानतम प्रतिनिधियों का काम - एफ। पेट्रार्क और डी। बोकासियो, लियोनार्डो दा विंची और माइकल एंजेलो, राफेल और टिटियन। इस युग की अधिकांश सांस्कृतिक हस्तियां स्वयं बहु-प्रतिभाशाली व्यक्ति थीं। तो, लियोनार्डो दा विंची न केवल एक उत्कृष्ट कलाकार थे, बल्कि एक मूर्तिकार, वैज्ञानिक, लेखक, वास्तुकार, संगीतकार भी थे; माइकल एंजेलो को न केवल एक मूर्तिकार के रूप में जाना जाता है, बल्कि एक चित्रकार, कवि और संगीतकार के रूप में भी जाना जाता है।

विश्वदृष्टि का विकास और इस अवधि की पूरी संस्कृति प्राचीन मॉडलों के पालन से प्रभावित थी। संगीत में, नई सामग्री के साथ, नए रूप और विधाएं भी विकसित हो रही हैं (गीत, मैड्रिगल्स, गाथागीत, ओपेरा, कैंटटास, ऑरेटोरियो)।

मुख्य रूप से पुनर्जागरण की संस्कृति की सभी अखंडता और पूर्णता के साथ, यह पुरानी के साथ नई संस्कृति के तत्वों के अंतर्विरोध से जुड़ी असंगति की विशेषताओं की विशेषता है। इस काल की कला में धार्मिक विषय न केवल अस्तित्व में हैं, बल्कि विकसित भी हैं। साथ ही, यह इतना रूपांतरित हो जाता है कि इसके आधार पर निर्मित कार्यों को माना जाता है शैली के दृश्यकुलीन और सामान्य लोगों के जीवन से।

पुनर्जागरण की इतालवी संस्कृति विकास के कुछ चरणों से गुज़री: 14 वीं शताब्दी के अंत में उत्पन्न होने के बाद, यह 15 वीं शताब्दी के मध्य में - 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में अपने चरम पर पहुंच गई। XVI सदी के उत्तरार्ध में। देश के आर्थिक और राजनीतिक पतन के कारण एक लंबी सामंती प्रतिक्रिया आती है। मानवतावाद संकट में है। हालांकि, कला में गिरावट का तुरंत संकेत नहीं दिया गया है: दशकों से, इतालवी कलाकारों और कवियों, मूर्तिकारों और वास्तुकारों ने उच्चतम कलात्मक मूल्य के कार्यों का निर्माण किया, विभिन्न रचनात्मक स्कूलों के बीच संबंधों का विकास, देश से जाने वाले संगीतकारों के बीच अनुभव का आदान-प्रदान किया। देश के लिए, विभिन्न चैपल में काम करना, एक संकेत समय बन जाता है और हमें पूरे युग के लिए सामान्य प्रवृत्तियों के बारे में बात करने की अनुमति देता है।

पुनर्जागरण यूरोपीय संगीत संस्कृति के इतिहास में सबसे शानदार पृष्ठों में से एक है। जोस्किन, ओब्रेक्ट, फिलिस्तीन, ओ। लासो, गेसुल्डो के महान नामों का नक्षत्र, जिन्होंने अभिव्यक्ति के माध्यम से संगीत रचनात्मकता के लिए नए क्षितिज खोले, पॉलीफोनी की समृद्धि, रूपों का पैमाना; पारंपरिक शैलियों का उत्कर्ष और गुणात्मक नवीनीकरण - मोटेट्स, जनसमूह; नई कल्पना का दावा, पॉलीफोनिक गीत रचनाओं के क्षेत्र में नए स्वर, वाद्य संगीत का तेजी से विकास, जो लगभग पांच शताब्दियों की अधीनता के बाद सामने आया: संगीत-निर्माण के अन्य रूप, सभी क्षेत्रों में व्यावसायिकता का विकास संगीत रचनात्मकता: संगीत कला की भूमिका और संभावनाओं पर विचारों में बदलाव, सौंदर्य के नए मानदंडों का निर्माण: मानवतावाद कला के सभी क्षेत्रों में वास्तव में उभरती प्रवृत्ति के रूप में - यह सब पुनर्जागरण के बारे में हमारे विचारों से जुड़ा है। पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत शुरुआत है। 15वीं-16वीं शताब्दी के पॉलीफ़ोनिस्टों का असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी कलाप्रवीणता तकनीक रोज़मर्रा के नृत्यों की उज्ज्वल कला, धर्मनिरपेक्ष शैलियों के परिष्कार के साथ सह-अस्तित्व में थी। उनके कार्यों में गीतात्मक-नाटकीयता अधिक से अधिक अभिव्यक्ति प्राप्त कर रही है। इसके अलावा, वे लेखक के व्यक्तित्व, कलाकार की रचनात्मक व्यक्तित्व (यह न केवल संगीत कला के लिए विशिष्ट है) के व्यक्तित्व को अधिक स्पष्ट रूप से प्रकट करते हैं, जो हमें पुनर्जागरण कला के प्रमुख सिद्धांत के रूप में मानवीकरण की बात करने की अनुमति देता है। उसी समय, चर्च संगीत, जिसे बड़े पैमाने पर और मोटे तौर पर इस तरह के बड़े शैलियों द्वारा दर्शाया जाता है, कुछ हद तक पुनर्जागरण की कला में "गॉथिक" लाइन जारी रखता है, जिसका उद्देश्य मुख्य रूप से पहले से मौजूद कैनन को फिर से बनाना है और इसके माध्यम से परमात्मा की स्तुति।

लगभग सभी प्रमुख शैलियों की कृतियाँ, दोनों धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक, कुछ पहले से ज्ञात संगीत सामग्री के आधार पर बनाई गई हैं। यह मोटेट्स और विभिन्न धर्मनिरपेक्ष शैलियों, वाद्य अनुकूलन में एक मोनोफोनिक स्रोत हो सकता है; यह तीन-आवाज़ वाली रचना से उधार ली गई दो आवाज़ें हो सकती हैं और उसी या किसी अन्य शैली के नए काम में शामिल हो सकती हैं और अंत में, एक पूर्ण तीन- या चार-आवाज़ (मोटेट, मैड्रिगल, एक तरह की प्रारंभिक भूमिका निभा रही हैं) एक बड़े रूप (द्रव्यमान) के काम का मॉडल"।

प्राथमिक स्रोत समान रूप से एक लोकप्रिय, व्यापक रूप से ज्ञात धुन (कोरल या धर्मनिरपेक्ष गीत) और किसी भी लेखक की रचना (या उससे आवाजें) है, जो अन्य संगीतकारों द्वारा संसाधित होती है और तदनुसार, विभिन्न ध्वनि विशेषताओं के साथ संपन्न होती है, एक अलग कलात्मक विचार।

मोटेट शैली में, उदाहरण के लिए, लगभग कोई काम नहीं है जिसमें कोई मूल मूल नहीं है। 15वीं-16वीं शताब्दी के अधिकांश संगीतकारों के पास प्राथमिक स्रोत भी हैं: उदाहरण के लिए, पलिस्ट्रिना में, कुल सौ से अधिक लोगों में से, हम उधार से मुक्त आधार पर लिखे गए केवल छह पाते हैं। ओ लासो ने लेखक की सामग्री पर एक भी द्रव्यमान (58 में से) नहीं लिखा।

उसी समय, कोई यह देख सकता है कि प्राथमिक स्रोतों का चक्र जिस सामग्री पर लेखक भरोसा करते हैं, वह काफी स्पष्ट रूप से इंगित किया गया है। G. Dufay, I. Okgem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso और अन्य एक-दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा करते दिखते हैं, बार-बार उन्हीं धुनों का जिक्र करते हैं, हर बार उनसे आकर्षित होते हैं, उनके कार्यों के लिए नए कलात्मक आवेग, धुनों पर पुनर्विचार करते हैं पॉलीफोनिक रूपों के लिए प्रारंभिक अन्तर्राष्ट्रीय प्रोटोटाइप के रूप में।

काम करते समय, एक तकनीक का इस्तेमाल किया गया था - पॉलीफोनी। पॉलीफोनी पॉलीफोनी है जिसमें सभी आवाजें समान होती हैं। सभी स्वर एक ही राग को दोहराते हैं, लेकिन अलग-अलग समय पर, एक प्रतिध्वनि की तरह। इस तकनीक को नकली पॉलीफोनी कहा जाता है।

15वीं शताब्दी तक, "सख्त लेखन" की तथाकथित पॉलीफोनी आकार ले रही थी, नियम (आवाज अग्रणी, आकार देने, आदि के मानदंड) उस समय के सैद्धांतिक ग्रंथों में दर्ज किए गए थे और एक अपरिवर्तनीय कानून थे। चर्च संगीत का निर्माण।

एक और कनेक्शन, जब कलाकारों ने एक ही समय में अलग-अलग धुनों का उच्चारण किया और विभिन्न ग्रंथकंट्रास्ट पॉलीफोनी कहा जाता है। सामान्य तौर पर, "सख्त" शैली अनिवार्य रूप से दो प्रकारों में से एक की पॉलीफोनी का अर्थ है: नकल या इसके विपरीत। यह वास्तव में नकल और विषम पॉलीफोनी थी जिसने चर्च सेवाओं के लिए पॉलीफोनिक मोटेट्स और जनता की रचना करना संभव बना दिया।

मोटेट एक छोटा कोरल गीत है जो आमतौर पर कुछ लोकप्रिय रागों से बना होता है, जो अक्सर पुराने चर्च की धुनों ("ग्रेगोरियन मंत्र" और अन्य विहित स्रोतों, साथ ही लोक संगीत) में से एक होता है।

15वीं शताब्दी की शुरुआत के साथ, कई यूरोपीय देशों की संगीत संस्कृति में, पुनर्जागरण युग में निहित विशेषताएं अधिक से अधिक विशिष्ट होती जा रही हैं। नीदरलैंड के पुनर्जागरण के शुरुआती पॉलीफोनिस्टों में प्रमुख, गिलाउम डुफे (डुफे) का जन्म 1400 के आसपास फ्लैंडर्स में हुआ था। उनकी रचनाएँ, वास्तव में, डच संगीत विद्यालय के इतिहास की आधी सदी से भी अधिक हैं, जिसने 15वीं शताब्दी की दूसरी तिमाही में आकार लिया।

डुफे ने रोम में पोप चैपल सहित कई चैपल का नेतृत्व किया, फ्लोरेंस और बोलोग्ना में काम किया, और अपने जीवन के अंतिम वर्ष अपने मूल कंबराई में बिताए। ड्यूफे की विरासत समृद्ध और भरपूर है: इसमें लगभग 80 गाने (चैम्बर शैलियों - वीरल्स, गाथागीत, रोंडो), लगभग 30 मोट्स (आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष दोनों, "गीत"), 9 पूर्ण जनता और उनके अलग-अलग हिस्से शामिल हैं।

एक उत्कृष्ट राग, जिसने गेय गर्मजोशी और मेलो की अभिव्यक्ति हासिल की, सख्त शैली के युग में दुर्लभ, उन्होंने स्वेच्छा से लोक धुनों की ओर रुख किया, उन्हें सबसे कुशल प्रसंस्करण के अधीन किया। ड्यूफे बहुत सी नई चीजों को बड़े पैमाने पर लाता है: वह पूरी तरह से अधिक व्यापक रूप से रचना का विस्तार करता है, कोरल ध्वनि के विरोधाभासों का अधिक स्वतंत्र रूप से उपयोग करता है। उनकी सबसे अच्छी रचनाओं में से एक है "पीला चेहरा", "सशस्त्र आदमी", जो गीत मूल के समान नाम की उधार की धुनों का उपयोग करते हैं। विभिन्न संस्करणों में ये गीत व्यापक रूप से विस्तारित स्वर-विषयक आधार बनाते हैं जो बड़े कोरल चक्रों की एकता को एक साथ रखता है। उल्लेखनीय काउंटरपॉइंट प्लेयर के पॉलीफोनिक विस्तार में, वे पहले की अज्ञात सुंदरता और उनकी गहराई में छिपी अभिव्यक्तिपूर्ण संभावनाओं को प्रकट करते हैं। ड्यूफे का माधुर्य सामंजस्यपूर्ण रूप से डच गीत की तीखी ताजगी को इसके नरम इतालवी मधुरता और फ्रेंच अनुग्रह के साथ जोड़ता है। इसकी नकली पॉलीफोनी कृत्रिमता और ढेर से रहित है। कभी-कभी विरलता अत्यधिक हो जाती है, रिक्तियां दिखाई देती हैं। यह न केवल कला के युवाओं को प्रभावित करता है, जिसने अभी तक संरचना का आदर्श संतुलन नहीं पाया है, बल्कि सबसे मामूली साधनों के साथ एक कलात्मक और अभिव्यंजक परिणाम प्राप्त करने के लिए कुम्ब्रियन मास्टर की इच्छा विशेषता भी है।

ड्यूफे के युवा समकालीनों, जोहान्स ओकेघेम और जैकब ओब्रेक्ट का काम पहले से ही तथाकथित दूसरे नीदरलैंड स्कूल के लिए जिम्मेदार है। दोनों संगीतकार अपने समय के प्रमुख व्यक्ति हैं, जिन्होंने 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में डच पॉलीफोनी के विकास को निर्धारित किया।

जोहान्स ओकेगेम (1425 - 1497) ने अपना अधिकांश जीवन फ्रांसीसी राजाओं के चैपल में काम किया। ओकेघेम के सामने, यूरोप के सामने, ड्यूफे के नरम, मधुर गीत गीतवाद से मोहित, उनके जनसमूह और गतियों की भोलेपन से नम्र और पुरातन रूप से उज्ज्वल व्यंजना, एक पूरी तरह से अलग कलाकार दिखाई दिया - एक "एक जुनूनी आंख वाला तर्कवादी" और एक परिष्कृत और तकनीकी कलम, कभी-कभी गीतवाद से बचने और संगीत में जितनी जल्दी हो सके कब्जा करने का प्रयास करने के लिए उद्देश्य अस्तित्व के कुछ बेहद सामान्य कानून हैं। उन्होंने पॉलीफोनिक पहनावा में मेलोडिक लाइनों के विकास की एक अद्भुत महारत की खोज की। उनके संगीत में कुछ गॉथिक विशेषताएं निहित हैं: आलंकारिकता, अभिव्यक्ति की गैर-व्यक्तिगत प्रकृति, आदि। उन्होंने "सशस्त्र आदमी", 13 मोटेट्स और 22 गाने सहित 11 पूर्ण जनसमूह (और उनके कई हिस्से) बनाए। यह बड़ी पॉलीफोनिक विधाएं हैं जो उसके लिए पहले स्थान पर हैं। ओकेघम के कुछ गीतों ने समकालीनों के बीच लोकप्रियता हासिल की और बार-बार बड़े रूपों में पॉलीफोनिक व्यवस्था के प्राथमिक आधार के रूप में कार्य किया।

महानतम गुरु और शुद्ध पॉलीफोनिस्ट के रूप में ओकेगेम के रचनात्मक उदाहरण का उनके समकालीनों और अनुयायियों के लिए बहुत महत्व था: पॉलीफोनी की विशेष समस्याओं पर उनके अडिग ध्यान ने सम्मान को प्रेरित किया, यदि प्रशंसा नहीं, तो इसने एक किंवदंती को जन्म दिया और उनके नाम को एक प्रभामंडल से घेर लिया।

15वीं शताब्दी को अगले के साथ जोड़ने वालों में, न केवल कालानुक्रमिक रूप से, बल्कि रचनात्मक विकास के सार के संदर्भ में, पहला स्थान, निस्संदेह, जैकब ओब्रेच का है। उनका जन्म 1450 में बर्गन ऑप जूम में हुआ था। ओब्रेक्ट ने एंटवर्प, कंबराई, ब्रुग्स और अन्य के चैपल में काम किया और इटली में भी सेवा की।

ओब्रेक्ट की रचनात्मक विरासत में 25 जनसमूह, लगभग 20 मोटेट्स, 30 पॉलीफोनिक गाने शामिल हैं। अपने पूर्ववर्तियों और पुराने समकालीनों से, उन्हें एक अत्यधिक विकसित, यहां तक ​​कि कलाप्रवीण व्यक्ति पॉलीफोनिक तकनीक, पॉलीफोनी की नकल-विहित विधियाँ विरासत में मिलीं। ओब्रेक्ट के संगीत में, जो पूरी तरह से पॉलीफोनिक है, हम कभी-कभी कम से कम गैर-व्यक्तिगत भावनाओं की एक विशेष ताकत सुनते हैं, बड़ी और छोटी सीमाओं में विरोधाभासों का साहस, काफी "सांसारिक", ध्वनियों की प्रकृति और आकार देने के विवरण में लगभग हर रोज कनेक्शन। उनका विश्वदृष्टि गॉथिक होना बंद कर देता है। वह संगीत की कला में पुनर्जागरण के सच्चे प्रतिनिधि जोस्किन डेस्प्रेस की ओर बढ़ता है।

ओब्रेक्ट की शैली को व्यक्तिगत विशेषताओं की विशेषता है, जिसमें गॉथिक टुकड़ी से प्रस्थान, विरोध, भावनाओं की ताकत और रोजमर्रा की शैलियों के साथ संबंध शामिल हैं।

इटली में 16 वीं शताब्दी का पहला तीसरा उच्च पुनर्जागरण की अवधि है, रचनात्मक उत्थान और अभूतपूर्व पूर्णता का समय है, जो लियोनार्डो दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो के महान कार्यों में सन्निहित है। एक निश्चित सामाजिक स्तर का गठन किया जा रहा है, जिसकी ताकतों द्वारा नाट्य प्रदर्शन और संगीत की छुट्टियों की व्यवस्था की जाती है। कला की विभिन्न अकादमियों की गतिविधियाँ विकसित हो रही हैं।

थोड़ी देर बाद, न केवल इटली में, बल्कि जर्मनी, फ्रांस और अन्य देशों में भी संगीत की कला में उच्च समृद्धि का दौर शुरू होता है। संगीत कार्यों के प्रसार के लिए संगीत संकेतन के आविष्कार का बहुत महत्व है।

पॉलीफोनिक स्कूल की परंपराएं पहले की तरह मजबूत रहती हैं (विशेष रूप से, नमूने पर निर्भरता समान महत्व की है), लेकिन विषयों की पसंद के प्रति दृष्टिकोण बदल रहा है, कार्यों की भावनात्मक और आलंकारिक समृद्धि बढ़ रही है, व्यक्तिगत , आधिकारिक सिद्धांत तेज हो रहा है। ये सभी विशेषताएं इतालवी संगीतकार जोस्किन डेस्प्रेस के काम में पहले से ही स्पष्ट हैं, जो बरगंडी में 1450 के आसपास पैदा हुए थे और 15 वीं सदी के अंत और 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में डच स्कूल के महानतम संगीतकारों में से एक थे। एक सुंदर आवाज और श्रवण के साथ उपहार में, उन्होंने किशोरावस्था से ही अपनी मातृभूमि और अन्य देशों में चर्च गाना बजानेवालों में एक कोरिस्टर के रूप में सेवा की। उच्च कोरल कला के साथ यह प्रारंभिक और निकट संपर्क, पंथ संगीत के महान कलात्मक खजाने की सक्रिय और व्यावहारिक आत्मसात ने उस दिशा को काफी हद तक निर्धारित किया जिसमें उस समय प्रतिभा के भविष्य के मास्टर की व्यक्तित्व, उनकी शैली और शैली के हितों का विकास हुआ।

अपने छोटे वर्षों में, डेस्प्रेस ने आई। ओकेघेम के साथ रचना की कला का अध्ययन किया, जिनसे उन्होंने विभिन्न संगीत वाद्ययंत्र बजाने में भी सुधार किया।

बाद में, जोस्किन डेस्प्रेस ने उस समय मौजूद सभी संगीत शैलियों में अपना हाथ आजमाया, जिसमें भजन, मोट्स, मास, संगीत ऑन द पैशन ऑफ द लॉर्ड, रचनाएँ सेंट मैरी और धर्मनिरपेक्ष गीतों के सम्मान में बनाई गईं।

डेस्प्रेस के कार्यों में पहली चीज जो आंख को पकड़ती है, वह है हड़ताली कॉन्ट्रापंटल तकनीक, जो लेखक को एक वास्तविक काउंटरपॉइंट कलाप्रवीण व्यक्ति के रूप में विचार करना संभव बनाती है। हालांकि, सामग्री के पूर्ण कब्जे के बावजूद, डेस्प्रेस ने बहुत धीरे-धीरे लिखा, बहुत ही गंभीर रूप से अपने कार्यों की जांच कर रहा था। रचनाओं के परीक्षण प्रदर्शन के दौरान, उन्होंने उनमें बहुत सारे बदलाव किए, एक त्रुटिहीन व्यंजना को प्राप्त करने की कोशिश की, जिसे उन्होंने कभी भी काउंटरपॉइंट प्लेक्सस के लिए बलिदान नहीं किया।

केवल पॉलीफोनिक रूपों का उपयोग करते हुए, संगीतकार कुछ मामलों में ऊपरी आवाज को एक असामान्य रूप से सुंदर बहने वाला राग देता है, जिसकी बदौलत उनका काम न केवल व्यंजना से, बल्कि माधुर्य से भी अलग होता है।

सख्त काउंटरपॉइंट से आगे जाने की इच्छा नहीं है, डेस्प्रेस, विसंगतियों को कम करने के लिए, उन्हें तैयार करता है, जैसा कि एक व्यंजन के रूप में पिछले व्यंजन में एक असंगत नोट का उपयोग कर रहा था। बहुत सफलतापूर्वक, डेस्प्रेस संगीत की अभिव्यक्ति को बढ़ाने के साधन के रूप में विसंगतियों का भी उपयोग करता है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि जे। डेस्प्रेस को न केवल एक प्रतिभाशाली काउंटरपॉइंट खिलाड़ी और एक संवेदनशील संगीतकार माना जा सकता है, बल्कि एक शानदार कलाकार भी है, जो अपने कार्यों में भावनाओं और विभिन्न मनोदशाओं के सबसे सूक्ष्म रंगों को व्यक्त करने में सक्षम है।

जोस्किन तकनीकी और सौंदर्य की दृष्टि से 15वीं शताब्दी के इतालवी और फ्रांसीसी पॉलीफोनिस्टों से श्रेष्ठ थे। इसलिए, विशुद्ध रूप से संगीत के क्षेत्र में, उन्होंने जितना उनसे प्रभावित किया, उससे कहीं अधिक उन्हें प्रभावित किया। अपनी मृत्यु तक, डेस्प्रेस ने रोम, फ्लोरेंस और पेरिस में सर्वश्रेष्ठ चैपल का नेतृत्व किया। वह संगीत के प्रसार और मान्यता में योगदान करते हुए हमेशा अपने काम के प्रति समान रूप से समर्पित रहे हैं। वह एक डचमैन बना रहा, "कॉनडे का एक मास्टर।" और कोई फर्क नहीं पड़ता कि विदेशी उपलब्धियां और सम्मान अभी भी "संगीत के मास्टर" (जैसा कि उनके समकालीनों ने उन्हें बुलाया था) को दिया गया था, उन्होंने, अप्रतिरोध्य "पृथ्वी की पुकार" का पालन करते हुए, पहले से ही अपने गिरते वर्षों में वापस लौट आए शेल्ड्ट के किनारे और मामूली रूप से एक कैनन के रूप में अपना जीवन समाप्त कर लिया।

इटली में, उच्च पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों का विकास हुआ। स्वर शैली दो मुख्य दिशाओं में विकसित होती है - उनमें से एक रोजमर्रा के गीत और नृत्य (फ्रोटोल्स, विलेनलेस, आदि) के करीब है, जबकि दूसरी पॉलीफोनिक परंपरा (मैड्रिगल) से जुड़ी है।

एक विशेष संगीत और काव्यात्मक रूप के रूप में मद्रिगल ने संगीतकार के व्यक्तित्व की अभिव्यक्ति के लिए असाधारण अवसर प्रदान किए। उनके गीत, शैली के दृश्यों की मुख्य सामग्री। विनीशियन स्कूल में शैलियों का विकास हुआ मंच संगीत(पुनर्जीवित करने का प्रयास प्राचीन त्रासदी) वाद्य रूपों ने स्वतंत्रता प्राप्त की (ल्यूट, विहुएला, अंग और अन्य उपकरणों के लिए टुकड़े)।

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पुनर्जागरण काल, या पुनर्जागरण काल(fr। पुनर्जागरण), - संस्कृति के इतिहास में एक महत्वपूर्ण मोड़ यूरोपीय राष्ट्र. इटली में, 13 वीं -14 वीं शताब्दी के मोड़ पर, अन्य यूरोपीय देशों में - 15 वीं -16 वीं शताब्दी में नए रुझान दिखाई दिए। पुनर्जागरण के आंकड़ों ने एक व्यक्ति को मान्यता दी - उसका अच्छा और व्यक्तित्व के मुक्त विकास का अधिकार - उच्चतम मूल्य के रूप में। इस विश्वदृष्टि को "मानवतावाद" (लैटिन मानव से - "मानव", "मानव") कहा जाता था। मानवतावादियों ने पुरातनता में एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति के आदर्श की खोज की, और प्राचीन यूनानी और रोमन कलाउनकी कलात्मक रचनात्मकता के लिए एक मॉडल के रूप में कार्य किया। प्राचीन संस्कृति को "पुनर्जीवित" करने की इच्छा ने दिया नाम पूरा युग- पुनर्जागरण, मध्य युग और नए युग के बीच की अवधि (17 वीं शताब्दी के मध्य से आज तक)।

पुनर्जागरण का विश्वदृष्टि संगीत सहित कला में पूरी तरह से परिलक्षित होता है। इस अवधि के दौरान, साथ ही मध्य युग में, प्रमुख स्थान मुखर चर्च संगीत का था। पॉलीफोनी के विकास से पॉलीफोनी का उदय हुआ (ग्रीक "पोलिस" से - "कई" और "पृष्ठभूमि" - "ध्वनि", "आवाज")। इस प्रकार की पॉलीफोनी के साथ, काम में सभी आवाजें समान होती हैं। पॉलीफोनी ने न केवल काम को जटिल बनाया, बल्कि लेखक को पाठ की व्यक्तिगत समझ को व्यक्त करने की अनुमति दी, संगीत को और अधिक भावुकता प्रदान की। एक पॉलीफोनिक रचना सख्त और जटिल नियमों के अनुसार बनाई गई थी, जिसके लिए संगीतकार से गहन ज्ञान और कलाप्रवीण व्यक्ति कौशल की आवश्यकता होती है। पॉलीफोनी के ढांचे के भीतर, चर्च और धर्मनिरपेक्ष शैलियों का विकास हुआ।

डच पॉलीफोनिक स्कूल। नीदरलैंड उत्तर पश्चिमी यूरोप में एक ऐतिहासिक क्षेत्र है, जिसमें आधुनिक बेल्जियम, हॉलैंड, लक्जमबर्ग और पूर्वोत्तर फ्रांस के क्षेत्र शामिल हैं। 15वीं शताब्दी तक नीदरलैंड एक उच्च आर्थिक और सांस्कृतिक स्तर पर पहुंच गया और एक समृद्ध यूरोपीय देश में बदल गया।

यह यहां था कि डच पॉलीफोनिक स्कूल का गठन किया गया था - पुनर्जागरण संगीत की सबसे बड़ी घटनाओं में से एक। 15वीं शताब्दी की कला के विकास के लिए विभिन्न देशों के संगीतकारों का संचार, रचनात्मक स्कूलों का पारस्परिक प्रभाव महत्वपूर्ण था। डच स्कूल ने खुद इटली, फ्रांस, इंग्लैंड और नीदरलैंड की परंपराओं को आत्मसात किया।

इसके प्रमुख प्रतिनिधि: गिलौम ड्यूफे (1400-1474) (डुफे) (लगभग 1400 - 11/27/1474, कंबराई), फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकार, डच स्कूल के संस्थापकों में से एक। डच संगीत में पॉलीफोनिक परंपरा की नींव गिलाउम ड्यूफे (लगभग 1400 - 1474) द्वारा रखी गई थी। उनका जन्म फ्लैंडर्स (नीदरलैंड के दक्षिण में एक प्रांत) के कंबराई शहर में हुआ था और कम उम्र से ही उन्होंने चर्च गाना बजानेवालों में गाया था। समानांतर में, भविष्य के संगीतकार ने रचना में निजी सबक लिया। अपनी युवावस्था में, ड्यूफ़े इटली गए, जहाँ उन्होंने अपनी पहली रचनाएँ - गाथागीत और मोटेट्स लिखीं। 1428-1437 में। उन्होंने रोम में पोप चैपल में एक गायक के रूप में सेवा की; इन वर्षों के दौरान उन्होंने इटली और फ्रांस की यात्रा की। 1437 में, संगीतकार ने पवित्र आदेश लिया। ड्यूक ऑफ सेवॉय (1437-1439) के दरबार में, उन्होंने गंभीर समारोहों और छुट्टियों के लिए संगीत तैयार किया। ड्यूफे को महान लोगों द्वारा बहुत सम्मान दिया जाता था - उनके प्रशंसकों में, उदाहरण के लिए, मेडिसी युगल (इतालवी शहर फ्लोरेंस के शासक) थे। [इटली और फ्रांस में काम किया। 1428-37 में वह रोम और अन्य इतालवी शहरों में पोप चैपल के गायक थे, 1437-44 में उन्होंने ड्यूक ऑफ सेवॉय के साथ सेवा की। 1445 कैनन और नेता से संगीत गतिविधिकंबराई में कैथेड्रल। आध्यात्मिक गुरु (3-, 4-आवाज जन, गति), साथ ही धर्मनिरपेक्ष (3-, 4-आवाज .) फ्रेंच चांसन्सलोक पॉलीफोनी और पुनर्जागरण की मानवतावादी संस्कृति से जुड़ी शैलियों के इतालवी गीत, गाथागीत, रोंडो)। डी की कला, जिसने यूरोपीय संगीत कला की उपलब्धियों को अवशोषित किया, का यूरोपीय पॉलीफोनिक संगीत के आगे विकास पर बहुत प्रभाव पड़ा। वह संगीत लेखन के सुधारक भी थे (डी को व्हाइट हेड्स के साथ नोट्स की शुरुआत का श्रेय दिया जाता है)। रोम में प्रकाशित डी. की पूरी रचनाएँ (6 खंड, 1951-66)।] ड्यूफे उन संगीतकारों में से पहले थे, जिन्होंने एक अभिन्न संगीत रचना के रूप में मास की रचना शुरू की। चर्च संगीत बनाने के लिए, एक असाधारण प्रतिभा की आवश्यकता होती है: अमूर्त, अमूर्त अवधारणाओं को ठोस, भौतिक साधनों के साथ व्यक्त करने की क्षमता। कठिनाई इस तथ्य में निहित है कि ऐसी रचना, एक ओर, श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ती है, और दूसरी ओर, पूजा से विचलित नहीं होती है, प्रार्थना पर अधिक गहराई से ध्यान केंद्रित करने में मदद करती है। ड्यूफे के बहुत से लोग प्रेरित हैं, से भरे हुए हैं आंतरिक जीवन; वे एक क्षण के लिए ईश्वरीय प्रकाशन के परदे को उठाने में सहायता करते प्रतीत होते हैं।

अक्सर, एक द्रव्यमान बनाते समय, ड्यूफे ने अच्छा प्रदर्शन किया प्रसिद्ध धुन, जिसमें उन्होंने अपना जोड़ा। इस तरह के उधार पुनर्जागरण की विशेषता हैं। यह बहुत महत्वपूर्ण माना जाता था कि मास एक परिचित राग पर आधारित होना चाहिए जिसे उपासक आसानी से यहां तक ​​कि पहचान सकें पॉलीफोनिक कार्य. ग्रेगोरियन मंत्र का एक टुकड़ा अक्सर इस्तेमाल किया जाता था; धर्मनिरपेक्ष कार्यों को बाहर नहीं किया गया था।

चर्च संगीत के अलावा, ड्यूफे ने धर्मनिरपेक्ष ग्रंथों पर मोटेट्स की रचना की। इनमें उन्होंने एक जटिल पॉलीफोनिक तकनीक का भी इस्तेमाल किया।

जोस्किन डेस्प्रेस (1440-1521)। 15 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के डच पॉलीफोनिक स्कूल के प्रतिनिधि। जोस्किन डेस्प्रेस (लगभग 1440-1521 या 1524) थे, जिनका अगली पीढ़ी के संगीतकारों के काम पर बहुत प्रभाव था। अपनी युवावस्था में उन्होंने कंबराई में एक चर्च गाना बजानेवालों के रूप में सेवा की; ले लिया संगीत का पाठओकेगेम में। बीस साल की उम्र में, युवा संगीतकार इटली आया, मिलान में ड्यूक ऑफ स्फोर्ज़ा (बाद में महान इतालवी कलाकारलियोनार्डो दा विंची) और रोम में पोप चैपल में। इटली में, डेस्प्रेस ने शायद संगीत रचना शुरू की। XVI सदी की शुरुआत में। वह पेरिस चले गए। उस समय तक, डेस्प्रेस पहले से ही ज्ञात थे, और उन्हें फ्रांसीसी राजा लुई XII द्वारा दरबारी संगीतकार के पद पर आमंत्रित किया गया था। 1503 के बाद से, डेस्प्रेस फिर से इटली में, फेरारा शहर में, ड्यूक डी "एस्टे के दरबार में बस गए। डेस्प्रेस ने बहुत रचना की, और उनके संगीत ने सबसे अधिक मान्यता प्राप्त की। चौड़े घेरे: वह कुलीन और आम लोगों दोनों से प्यार करती थी। संगीतकार ने न केवल चर्च के काम किए, बल्कि धर्मनिरपेक्ष भी बनाए। विशेष रूप से, उन्होंने इतालवी लोक गीत की शैली की ओर रुख किया - फ्रोटोल (यह। फ्रोटोला, फ्रोटा से - "भीड़"), जिसकी विशेषता है नृत्य तालऔर तेज गति। डेस्प्रेस ने चर्च संगीत में धर्मनिरपेक्ष कार्यों की विशेषताओं को लाया: ताजा, जीवंत स्वर ने सख्त अलगाव को तोड़ दिया और खुशी और पूर्णता की भावना पैदा की। हालांकि, अनुपात की भावना ने संगीतकार को कभी धोखा नहीं दिया। डेस्प्रेस की पॉलीफोनिक तकनीक परिष्कार से अलग नहीं है। उनकी कृतियाँ बहुत ही सरल हैं, लेकिन उनमें लेखक की शक्तिशाली बुद्धि का अनुभव होता है। यही उनकी रचनाओं की लोकप्रियता का रहस्य है।

जोहान्स ओकेगेम (1430-1495), जैकब ओब्रेक्ट (1450-1505)। गिलाउम ड्यूफे के छोटे समकालीन जोहान्स (जीन) ओकेघेम (लगभग 1425-1497) और जैकब ओब्रेक्ट थे। ड्यूफे की तरह, ओकेगेम फ़्लैंडर्स से था। जीवन भर उन्होंने कड़ी मेहनत की; संगीत रचना के अलावा, उन्होंने चैपल के प्रमुख के रूप में काम किया। संगीतकार ने पंद्रह जन, तेरह मोट, बीस से अधिक चांस बनाए। ओकेग्योम के कार्यों में कठोरता, एकाग्रता, और चिकनी मधुर रेखाओं का एक लंबा खुलासा होता है। उन्होंने पॉलीफोनिक तकनीक पर बहुत ध्यान दिया, और द्रव्यमान के सभी हिस्सों को समग्र रूप से माना जाने का प्रयास किया। संगीतकार की रचनात्मक शैली को उनके गीतों में भी देखा जा सकता है - वे लगभग धर्मनिरपेक्ष हल्केपन से रहित हैं, उनका चरित्र मोटेट्स की याद दिलाता है, और कभी-कभी जनता के टुकड़े। जोहान्स ओकेगेम का देश और विदेश में सम्मान किया जाता था (उन्हें फ्रांस के राजा का सलाहकार नियुक्त किया गया था)। जैकब ओब्रेक्ट नीदरलैंड के विभिन्न शहरों के गिरजाघरों में एक गायक थे, जिन्होंने चैपल का नेतृत्व किया; उन्होंने फेरारा (इटली) में ड्यूक डी'एस्ट के दरबार में कई वर्षों तक सेवा की। वह पच्चीस लोगों, बीस मोटेट्स, तीस चांसों के लेखक हैं। अपने पूर्ववर्तियों की उपलब्धियों का उपयोग करते हुए, ओब्रेक्ट ने बहुत सी नई चीजें लाईं पॉलीफोनिक परंपरा। उनका संगीत विरोधाभासों से भरा है, बोल्ड है, तब भी जब संगीतकार पारंपरिक चर्च शैलियों को संबोधित करता है।

रचनात्मकता की बहुमुखी प्रतिभा और गहराई ऑरलैंडो लासो। डच पुनर्जागरण संगीत का इतिहास ऑरलैंडो लासो (असली नाम और उपनाम रोलैंड डी लासो, लगभग 1532-1594) के काम से पूरा होता है, जिसे उनके समकालीन "बेल्जियम ऑर्फियस" और "संगीत के राजकुमार" कहते हैं। लासो का जन्म मॉन्स (फ़्लैंडर्स) में हुआ था। बचपन से, उन्होंने चर्च गाना बजानेवालों में गाया, एक अद्भुत आवाज के साथ पैरिशियन को मार दिया। इतालवी शहर मंटुआ के ड्यूक गोंजागा ने गलती से एक युवा गायक को सुना, उसे अपने चैपल में आमंत्रित किया। मंटुआ के बाद, लासो ने नेपल्स में थोड़े समय के लिए काम किया, और फिर रोम चले गए - जहाँ उन्हें एक गिरजाघर के चैपल के प्रमुख का पद प्राप्त हुआ। पच्चीस वर्ष की आयु तक, लासो पहले से ही एक संगीतकार के रूप में जाने जाते थे, और उनकी रचनाएँ संगीत प्रकाशकों के बीच मांग में थीं। 1555 में, कार्यों का पहला संग्रह प्रकाशित किया गया था, जिसमें मोट्स, मैड्रिगल्स और चांसन शामिल थे। लासो ने अपने पूर्ववर्तियों (डच, फ्रेंच, जर्मन और इतालवी संगीतकारों) द्वारा बनाई गई सभी बेहतरीन चीजों का अध्ययन किया और अपने काम में अपने अनुभव का इस्तेमाल किया। एक असाधारण व्यक्तित्व होने के नाते, लासो ने चर्च संगीत की अमूर्त प्रकृति को दूर करने, इसे व्यक्तित्व देने की मांग की। इसके लिए, संगीतकार ने कभी-कभी शैली और रोज़मर्रा के रूपांकनों (विषयों) का इस्तेमाल किया लोक संगीत, नृत्य), इस प्रकार चर्च और धर्मनिरपेक्ष परंपराओं को एक साथ लाते हैं। लासो ने पॉलीफोनिक तकनीक की जटिलता को बड़ी भावुकता के साथ जोड़ा। वह विशेष रूप से मैड्रिगल में सफल रहे, जिसके ग्रंथों में मनोदशापात्र, जैसे कि टियर्स ऑफ़ सेंट पीटर "(1593) इतालवी कवि लुइगी ट्रैंज़िलो के छंदों के लिए। संगीतकार अक्सर इसके लिए लिखते थे एक लंबी संख्याआवाजें (पांच - सात), इसलिए उनके काम करना मुश्किल है।

1556 से, ऑरलैंडो लासो म्यूनिख (जर्मनी) में रहते थे, जहाँ उन्होंने चैपल का नेतृत्व किया। अपने जीवन के अंत तक, संगीत और कलात्मक हलकों में उनका अधिकार बहुत अधिक था, और उनकी प्रसिद्धि पूरे यूरोप में फैल गई। यूरोप की संगीत संस्कृति के विकास पर डच पॉलीफोनिक स्कूल का बहुत प्रभाव था। डच संगीतकारों द्वारा विकसित पॉलीफोनी के सिद्धांत सार्वभौमिक हो गए हैं, और कई कलात्मक तकनीक 20 वीं शताब्दी के संगीतकारों द्वारा उनके काम में इस्तेमाल किया गया।

फ्रांस। फ्रांस के लिए, XV-XVI सदियों महत्वपूर्ण परिवर्तनों का युग बन गया: इंग्लैंड के साथ सौ साल का युद्ध (1337-1453) XV सदी के अंत तक समाप्त हो गया। राज्य का एकीकरण पूरा हो गया था; 16 वीं शताब्दी में देश ने कैथोलिक और प्रोटेस्टेंट के बीच धार्मिक युद्धों का अनुभव किया। एक पूर्ण राजशाही के साथ एक मजबूत राज्य में, अदालत के समारोहों और लोक उत्सवों की भूमिका बढ़ गई। इसने कला के विकास में योगदान दिया, विशेष रूप से संगीत में, जो इस तरह के कार्यों के साथ था। मुखर और वाद्य कलाकारों की टुकड़ी (चैपल और कंसोर्ट्स) की संख्या, जिसमें महत्वपूर्ण संख्या में कलाकार शामिल थे, में वृद्धि हुई। इटली में सैन्य अभियानों के दौरान, फ्रांसीसी उपलब्धियों से परिचित हो गए इतालवी संस्कृति. उन्होंने इतालवी पुनर्जागरण के विचारों को गहराई से महसूस किया और स्वीकार किया - मानवतावाद, बाहरी दुनिया के साथ सद्भाव की इच्छा, जीवन के आनंद के लिए।

यदि इटली में संगीत पुनर्जागरण मुख्य रूप से जन के साथ जुड़ा था, तो फ्रांसीसी संगीतकार, चर्च संगीत के साथ विशेष ध्यानधर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक गीत - चांसन को समर्पित। फ्रांस में इसकी रुचि 16 वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में पैदा हुई, जब क्लेमेंट जेनेक्विन (लगभग 1485-1558) के संगीत नाटकों का एक संग्रह प्रकाशित हुआ। यह संगीतकार है जिसे शैली के रचनाकारों में से एक माना जाता है।

क्लेमेंट जेनेक्विन (1475-1560) द्वारा प्रमुख कोरल कार्यक्रम काम करता है। एक बच्चे के रूप में, जेनेक्विन ने अपने गृहनगर चेटेलरॉल्ट (मध्य फ़्रांस) में एक चर्च गाना बजानेवालों में गाया था। भविष्य में, जैसा कि संगीत इतिहासकारों का सुझाव है, उन्होंने डच मास्टर जोस्किन डेस्प्रेस या अपने दल के एक संगीतकार के साथ अध्ययन किया। पौरोहित्य प्राप्त करने के बाद, जेनक्विन ने एक रीजेंट (गाना बजानेवालों के निदेशक) और आयोजक के रूप में काम किया; तब उन्हें ड्यूक ऑफ गुइज़ द्वारा सेवा के लिए आमंत्रित किया गया था। 1555 में, संगीतकार रॉयल चैपल के गायक बन गए, और 1556-1557 में। - शाही दरबार संगीतकार। क्लेमेंट जेनेक्विन ने दो सौ अस्सी मंत्रों का निर्माण किया (1530 और 1572 के बीच प्रकाशित); चर्च संगीत लिखा - मास, मोट्स, स्तोत्र। उनके गीत प्रायः सचित्र प्रकृति के होते थे। श्रोता के दिमाग की आंखों के सामने लड़ाई की तस्वीरें ("मैरिग्नो की लड़ाई", "किराए की लड़ाई", "मेट्ज़ की लड़ाई"), शिकार के दृश्य ("शिकार"), प्रकृति की छवियां ("बर्डसॉन्ग", "नाइटिंगेल") हैं। "," लार्क "), रोज़मर्रा के दृश्य ("महिला बकबक")। आश्चर्यजनक रूप से उज्ज्वल, संगीतकार पेरिस में रोज़मर्रा की ज़िंदगी के माहौल को "क्राइज़ ऑफ़ पेरिस" में व्यक्त करने में कामयाब रहे: उन्होंने विक्रेताओं के विस्मयादिबोधक को पाठ ("दूध!" - "पाई!" - "आर्टिचोक!" - "में पेश किया। मछली!" - "मैच!" - "कबूतर!" - "पुराने जूते!" ​​- "शराब!")। जेनक्विन ने व्यक्तिगत आवाजों और जटिल पॉलीफोनिक उपकरणों के लिए लगभग लंबी और बहने वाली थीम का उपयोग नहीं किया, रोल कॉल, दोहराव और ओनोमेटोपोइया को प्राथमिकता दी।

फ्रांसीसी संगीत की एक और दिशा सुधार के अखिल-यूरोपीय आंदोलन से जुड़ी है।

चर्च सेवाओं में, फ्रांसीसी प्रोटेस्टेंट (ह्यूजेनॉट्स) ने लैटिन और पॉलीफोनी को छोड़ दिया। पवित्र संगीत ने एक अधिक खुला, लोकतांत्रिक चरित्र प्राप्त कर लिया। इसके प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक संगीत परंपराक्लाउड गौडीमेल (1514 और 1520-1572 के बीच) बाइबिल ग्रंथों और प्रोटेस्टेंट मंत्रों के लिए भजन के लेखक बने।

चांसन। फ्रांसीसी पुनर्जागरण की मुख्य संगीत शैलियों में से एक है चैनसन (fr। chanson - "गीत")। इसकी उत्पत्ति में हैं लोक कला(महाकाव्य कथाओं के तुकबंदी वाले छंदों को संगीत पर सेट किया गया था), मध्ययुगीन संकटमोचनों और ट्रौवेर्स की कला में। सामग्री और मनोदशा के संदर्भ में, गीत बहुत विविध हो सकते हैं - प्रेम गीत थे, रोज़, चंचल, व्यंग्य, आदि। संगीतकारों ने लोक कविताओं और आधुनिक कविता को ग्रंथों के रूप में लिया।

इटली। इटली में पुनर्जागरण की शुरुआत के साथ, विभिन्न वाद्ययंत्रों पर बजने वाला दैनिक संगीत फैल गया; संगीत प्रेमियों की मंडली उठी। पर पेशेवर क्षेत्रदो सबसे शक्तिशाली स्कूलों का गठन किया: रोमन और विनीशियन।

मेड्रिगल। पुनर्जागरण के दौरान, धर्मनिरपेक्ष शैलियों की भूमिका में वृद्धि हुई। XIV सदी में। मैड्रिगल इतालवी संगीत में दिखाई दिया (देर से लैटिन मैट्रिकेल से - "मूल भाषा में एक गीत")। यह लोक (चरवाहे) गीतों के आधार पर बनाया गया था। मैड्रिगल दो या तीन आवाज़ों के गीत थे, अक्सर बिना वाद्य संगत. वे आधुनिक इतालवी कवियों के छंदों को लिखे गए थे, जो प्रेम के बारे में बताते थे; प्रतिदिन और पौराणिक विषयों पर गीत होते थे।

15वीं शताब्दी के दौरान, संगीतकारों ने लगभग इस शैली की ओर रुख नहीं किया; इसमें रुचि केवल 16 वीं शताब्दी में पुनर्जीवित हुई थी। 16वीं शताब्दी के मद्रिगल की एक विशिष्ट विशेषता संगीत और कविता के बीच घनिष्ठ संबंध है। काव्य स्रोत में वर्णित घटनाओं को दर्शाते हुए संगीत ने लचीले ढंग से पाठ का अनुसरण किया। समय के साथ, अजीबोगरीब मधुर प्रतीकों का विकास हुआ, जो कोमल आहों, आंसुओं आदि को दर्शाते हैं। कुछ संगीतकारों के कार्यों में, प्रतीकात्मकता दार्शनिक थी, उदाहरण के लिए, गेसुल्डो डि वेनोसा के मैड्रिगल में "मैं मर रहा हूं, दुर्भाग्यपूर्ण" (1611)।

शैली का उत्तराधिकार XVI-XVII सदियों के मोड़ पर आता है। कभी-कभी, गीत के प्रदर्शन के साथ-साथ, इसके कथानक को बजाया जाता था। मैड्रिगल मैड्रिगल कॉमेडी (कॉमेडी नाटक के पाठ पर आधारित एक कोरल रचना) का आधार बन गया, जिसने ओपेरा की उपस्थिति को तैयार किया।

रोमन पॉलीफोनिक स्कूल। जियोवानी डी फिलिस्तीन (1525-1594)। रोमन स्कूल के प्रमुख जियोवानी पियरलुइगी दा फिलिस्तीन थे, जो पुनर्जागरण के महानतम संगीतकारों में से एक थे। उनका जन्म इतालवी शहर फिलिस्तीन में हुआ था, जिसके बाद उन्हें अपना उपनाम मिला। बचपन से, फिलिस्तीन ने चर्च गाना बजानेवालों में गाया, और वयस्कता तक पहुंचने पर, उन्हें रोम में सेंट पीटर की बेसिलिका में बैंडमास्टर (गाना बजानेवालों के नेता) के पद पर आमंत्रित किया गया; बाद में सेवा की सिस्टिन चैपल(पोप का कोर्ट चैपल)।

कैथोलिक धर्म के केंद्र रोम ने कई प्रमुख संगीतकारों को आकर्षित किया। अलग-अलग समय पर, डच पॉलीफोनिक मास्टर्स गिलाउम ड्यूफे और जोस्किन डेस्प्रेस ने यहां काम किया। उनकी विकसित रचना तकनीक ने कभी-कभी सेवा के पाठ की धारणा में हस्तक्षेप किया: यह आवाजों के उत्कृष्ट जाल के पीछे खो गया था और शब्द, वास्तव में, श्रव्य नहीं थे। इसलिए, चर्च के अधिकारी ऐसे कार्यों से सावधान थे और ग्रेगोरियन मंत्रों के आधार पर एकरसता की वापसी की वकालत करते थे। चर्च संगीत में पॉलीफोनी की स्वीकार्यता के सवाल पर चर्च ऑफ ट्रेंट ऑफ कैथोलिक चर्च (1545-1563) में भी चर्चा की गई थी। पोप के करीब, फिलिस्तीन ने चर्च के नेताओं को ऐसे कार्यों के निर्माण की संभावना के बारे में आश्वस्त किया जहां संगीतकार की तकनीक पाठ की समझ में हस्तक्षेप नहीं करेगी। सबूत के तौर पर, उन्होंने "मास ऑफ़ पापा मार्सेलो" (1555) की रचना की, जो प्रत्येक शब्द की स्पष्ट और अभिव्यंजक ध्वनि के साथ जटिल पॉलीफोनी को जोड़ती है। इस प्रकार, संगीतकार ने पेशेवर पॉलीफोनिक संगीत को चर्च अधिकारियों के उत्पीड़न से "बचाया"। 1577 में, संगीतकार को क्रमिक सुधार पर चर्चा करने के लिए आमंत्रित किया गया था - कैथोलिक चर्च के पवित्र भजनों का एक संग्रह। 80 के दशक में। फिलिस्तीन ने पवित्र आदेश लिया, और 1584 में वह सोसाइटी ऑफ म्यूजिक मास्टर्स के सदस्य बन गए - संगीतकारों का एक संघ जो सीधे पोप के अधीनस्थ था।

फिलिस्तीन का काम एक उज्ज्वल विश्वदृष्टि से प्रभावित है। उनके द्वारा बनाए गए कार्यों ने उनके समकालीनों को उच्चतम कौशल और मात्रा (सौ से अधिक जन, तीन सौ मोट, एक सौ मैड्रिगल) दोनों से प्रभावित किया। संगीत की जटिलता ने कभी भी इसकी धारणा में बाधा के रूप में कार्य नहीं किया है। संगीतकार जानता था कि रचनाओं के परिष्कार और श्रोता तक उनकी पहुंच के बीच सुनहरा मतलब कैसे निकाला जाता है। फिलिस्तीन ने एक अभिन्न बड़े काम को विकसित करने में मुख्य रचनात्मक कार्य देखा। उनके मंत्रों में प्रत्येक आवाज स्वतंत्र रूप से विकसित होती है, लेकिन साथ ही साथ बाकी के साथ एक ही पूरे का निर्माण होता है, और अक्सर आवाजें उन रागों के संयोजन बनाती हैं जो उनकी सुंदरता में हड़ताली होती हैं। अक्सर ऊपरी आवाज का माधुर्य पॉलीफोनी के "गुंबद" को रेखांकित करते हुए, बाकी के ऊपर चढ़ता हुआ प्रतीत होता है; सभी आवाजें चिकनी और विकसित हैं।

Giovanni da Palestrina की कला को अगली पीढ़ी के संगीतकारों द्वारा अनुकरणीय और शास्त्रीय माना जाता था। उनके लेखन से बहुतों ने सीखा है। उत्कृष्ट संगीतकार XVII-VIII सदियों

पुनर्जागरण संगीत की एक और दिशा विनीशियन स्कूल के संगीतकारों के काम से जुड़ी है, जिसके संस्थापक एड्रियन विलार्ट (लगभग 1485-1562) थे। उनके छात्र ऑर्गेनिस्ट और संगीतकार एंड्रिया गेब्रियल (1500 और 1520 के बीच - 1586 के बाद), संगीतकार साइप्रियन डी पोप (1515 या 1516-1565) और अन्य संगीतकार थे। यदि फिलिस्तीन के कार्यों में स्पष्टता और सख्त संयम की विशेषता है, तो विलार्ट और उनके अनुयायियों ने एक शानदार कोरल शैली विकसित की। सराउंड साउंड प्राप्त करने के लिए, लय के खेल में, उन्होंने मंदिर के विभिन्न स्थानों में स्थित रचनाओं में कई गायक मंडलियों का इस्तेमाल किया। गाना बजानेवालों के बीच रोल कॉल के उपयोग ने चर्च के स्थान को अभूतपूर्व प्रभावों से भरना संभव बना दिया। इस दृष्टिकोण ने पूरे युग के मानवतावादी आदर्शों को भी प्रतिबिंबित किया - अपनी प्रसन्नता, स्वतंत्रता और स्वयं विनीशियन भावना के साथ। कलात्मक परंपरा- उज्ज्वल और असामान्य सब कुछ की उसकी इच्छा के साथ। विनीशियन मास्टर्स के काम में और अधिक जटिल हो गया और संगीत की भाषा: यह जीवाओं के बोल्ड संयोजनों, अप्रत्याशित सामंजस्य से भरा था।

पुनर्जागरण का एक महत्वपूर्ण व्यक्ति कार्लो गेसुल्डो डि वेनोसा (लगभग 1560-1613) था, जो वेनोसा शहर का राजकुमार था, जो धर्मनिरपेक्ष मद्रिगल के महानतम आचार्यों में से एक था। उन्होंने एक परोपकारी, लुटेरा वादक और संगीतकार के रूप में ख्याति प्राप्त की। प्रिंस गेसुल्डो इतालवी कवि टोरक्वेटो टैसो के मित्र थे; सबसे दिलचस्प पत्र बने रहे जिसमें दोनों कलाकार साहित्य, संगीत और ललित कला के मुद्दों पर चर्चा करते हैं। Gesualdo di Venosa ने टासो की कई कविताओं को संगीत में स्थापित किया - इस तरह कई उच्च कलात्मक मैड्रिगल दिखाई दिए। देर से पुनर्जागरण के प्रतिनिधि के रूप में, संगीतकार ने एक नए प्रकार का मैड्रिगल विकसित किया, जहां भावनाएं पहले स्थान पर थीं - तूफानी और अप्रत्याशित। इसलिए, उनके कार्यों को मात्रा में उतार-चढ़ाव, आहें और यहां तक ​​​​कि सिसकने के समान स्वर, तेज-ध्वनि वाले राग और गति में विपरीत परिवर्तन की विशेषता है। इन तकनीकों ने गेसुल्डो के संगीत को एक अभिव्यंजक, कुछ हद तक विचित्र चरित्र दिया; यह मारा और साथ ही समकालीनों को आकर्षित किया। Gesualdo di Venosa की विरासत में पॉलीफोनिक मैड्रिगल्स के सात संग्रह हैं; आध्यात्मिक रचनाओं में - "पवित्र भजन"। उनका संगीत आज भी श्रोता को उदासीन नहीं छोड़ता है।

शैलियों और रूपों का विकास वाद्य संगीत. वाद्य संगीत भी नई शैलियों के उद्भव से चिह्नित है, विशेष रूप से वाद्य संगीत कार्यक्रम। वायलिन, हार्पसीकोर्ड, अंग धीरे-धीरे एकल वाद्ययंत्रों में बदल गए। उनके लिए लिखे गए संगीत ने न केवल संगीतकार के लिए, बल्कि कलाकार के लिए भी प्रतिभा दिखाना संभव बनाया। सबसे पहले, सदाचार (तकनीकी कठिनाइयों से निपटने की क्षमता) को महत्व दिया गया था, जो धीरे-धीरे कई संगीतकारों के लिए अपने आप में एक अंत और कलात्मक मूल्य बन गया। 17वीं-18वीं शताब्दी के संगीतकारों ने आमतौर पर न केवल संगीत की रचना की, बल्कि उत्कृष्ट रूप से वाद्ययंत्र भी बजाया, अध्ययन किया शैक्षणिक गतिविधि. कलाकार की भलाई काफी हद तक विशिष्ट ग्राहक पर निर्भर करती है। एक नियम के रूप में, प्रत्येक गंभीर संगीतकार ने या तो एक सम्राट या एक धनी अभिजात के दरबार में जगह पाने की मांग की (बड़प्पन के कई प्रतिनिधियों के पास अपने स्वयं के आर्केस्ट्रा या ओपेरा हाउस थे), या एक मंदिर में। इसके अलावा, अधिकांश संगीतकारों ने आसानी से चर्च संगीत-निर्माण को एक धर्मनिरपेक्ष संरक्षक की सेवा के साथ जोड़ दिया।

इंग्लैंड। पुनर्जागरण के दौरान इंग्लैंड का सांस्कृतिक जीवन सुधार के साथ निकटता से जुड़ा था। 16वीं शताब्दी में प्रोटेस्टेंटवाद पूरे देश में फैल गया। कैथोलिक चर्च ने अपना प्रमुख स्थान खो दिया, एंग्लिकन चर्च राज्य बन गया, जिसने कैथोलिक धर्म के कुछ हठधर्मिता (मूल प्रावधानों) को मान्यता देने से इनकार कर दिया; अधिकांश मठों का अस्तित्व समाप्त हो गया। इन घटनाओं का संगीत सहित अंग्रेजी संस्कृति पर प्रभाव पड़ा। ऑक्सफोर्ड और कैम्ब्रिज विश्वविद्यालयों में संगीत विभाग खोले गए। बड़प्पन के सैलून में, कीबोर्ड वाद्ययंत्र बजते थे: कुंवारी (एक प्रकार का हार्पसीकोर्ड), एक पोर्टेबल (छोटा) अंग, आदि। घरेलू संगीत बजाने के लिए बनाई गई छोटी रचनाएँ लोकप्रिय थीं। उस समय की संगीत संस्कृति के सबसे प्रमुख प्रतिनिधि विलियम बर्ड (1543 या 1544-1623) थे - संगीत प्रकाशक, आयोजक और संगीतकार। पक्षी अंग्रेजी मेड्रिगल का पूर्वज बन गया। उनके काम उनकी सादगी के लिए उल्लेखनीय हैं (उन्होंने जटिल पॉलीफोनिक उपकरणों से परहेज किया), पाठ का अनुसरण करने वाले रूप की मौलिकता और हार्मोनिक स्वतंत्रता। मध्ययुगीन कठोरता और संयम के विपरीत, सभी संगीत साधनों को जीवन की सुंदरता और आनंद की पुष्टि करने के लिए कहा जाता है। मैड्रिगल शैली में, संगीतकार के कई अनुयायी थे।

पक्षी ने आध्यात्मिक कार्य (जनता, भजन) और वाद्य संगीत भी बनाया। कुंवारी के लिए रचनाओं में, उन्होंने लोक गीतों और नृत्यों के उद्देश्यों का इस्तेमाल किया।

संगीतकार वास्तव में वह संगीत चाहता था जिसे उसने लिखा था "खुशी से कम से कम थोड़ी कोमलता, विश्राम और मनोरंजन ले लो," विलियम बर्ड ने अपने एक संगीत संग्रह की प्रस्तावना में लिखा था।

जर्मनी। सुधार आंदोलन के साथ जर्मन संगीत संस्कृति का संबंध। 16वीं शताब्दी में, जर्मनी में सुधार शुरू हुआ, जिसने देश के धार्मिक और सांस्कृतिक जीवन को महत्वपूर्ण रूप से बदल दिया। सुधारक पूजा की संगीत सामग्री में बदलाव की आवश्यकता के प्रति आश्वस्त थे। ऐसा दो कारणों से हुआ। XV सदी के मध्य तक। चर्च संगीत की शैलियों में काम करने वाले संगीतकारों का पॉलीफोनिक कौशल असाधारण जटिलता और परिष्कार तक पहुंच गया। कभी-कभी ऐसे कार्यों का निर्माण किया जाता था, जो स्वरों की मधुर समृद्धि और लंबे मंत्रों के कारण, बहुसंख्यक पैरिशियन द्वारा अनुभव और आध्यात्मिक रूप से अनुभव नहीं किया जा सकता था। इसके अलावा, सेवा लैटिन में आयोजित की गई थी, जो इटालियंस के लिए समझ में आती है, लेकिन जर्मनों के लिए विदेशी है।

सुधार आंदोलन के संस्थापक, मार्टिन लूथर (1483-1546) का मानना ​​​​था कि चर्च संगीत में सुधार की आवश्यकता थी। संगीत, सबसे पहले, पूजा में पैरिशियन की अधिक सक्रिय भागीदारी में योगदान देना चाहिए (पॉलीफ़ोनिक रचनाओं का प्रदर्शन करते समय यह असंभव था), और दूसरी बात, बाइबिल की घटनाओं के लिए सहानुभूति को जन्म देना (जो लैटिन में सेवा के संचालन से बाधित था)। इस प्रकार, चर्च गायन पर निम्नलिखित आवश्यकताएं लगाई गईं: माधुर्य की सादगी और स्पष्टता, यहां तक ​​कि लय और जप का एक स्पष्ट रूप। इस आधार पर एक प्रोटेस्टेंट मंत्र का उदय हुआ - मुख्य शैलीजर्मन पुनर्जागरण का चर्च संगीत। 1522 में, लूथर ने न्यू टेस्टामेंट का जर्मन में अनुवाद किया - अब से देशी भाषा में पूजा करना संभव हो गया।

स्वयं लूथर, साथ ही उनके मित्र, जर्मन संगीत सिद्धांतकार जोहान वाल्टर (1490-1570) ने कोरल के लिए धुनों के चयन में सक्रिय भाग लिया। ऐसी धुनों के मुख्य स्रोत लोक आध्यात्मिक और धर्मनिरपेक्ष गीत थे - व्यापक रूप से ज्ञात और समझने में आसान। कुछ कोरलों के लिए धुन लूथर ने खुद की रचना की। उनमें से एक, "भगवान हमारी चट्टान है", 16 वीं शताब्दी के धार्मिक युद्धों के दौरान सुधार का प्रतीक बन गया।

मिस्टरसिंगर और उनकी कला। पुनर्जागरण के जर्मन संगीत का एक और उज्ज्वल पृष्ठ मिस्टरिंगर्स (जर्मन: मिस्टरसिंगर - "मास्टर गायक") - कारीगरों के परिवेश के कवियों और गायकों के काम से जुड़ा है। वे पेशेवर संगीतकार नहीं थे, लेकिन सबसे पहले स्वामी - बंदूकधारी, दर्जी, ग्लेज़ियर, शूमेकर, बेकर आदि। ऐसे संगीतकारों के शहर संघ में विभिन्न शिल्पों के प्रतिनिधि शामिल थे। 16 वीं शताब्दी में, कई जर्मन शहरों में मिस्टरिंगर संघ मौजूद थे।

मीस्टरिंगर्स ने सख्त नियमों के अनुसार अपने गीतों की रचना की, रचनात्मक पहल कई प्रतिबंधों से विवश थी। एक शुरुआत करने वाले को पहले इन नियमों में महारत हासिल करनी थी, फिर गाने गाना सीखना था, फिर दूसरे लोगों की धुनों के लिए गीत बनाना था, और उसके बाद ही वह बना सकता था अपना गीत. प्रसिद्ध मिस्टरिंगर्स और मिनिंगर्स की धुनों को नमूना धुन के रूप में माना जाता था।

16वीं शताब्दी के एक उत्कृष्ट उस्ताद गायक। हैंस सैक्स (1494-1576) एक दर्जी के परिवार से थे, लेकिन अपनी युवावस्था में उन्होंने अपने माता-पिता का घर छोड़ दिया और जर्मनी घूमने चले गए। अपने भटकने के दौरान, युवक ने एक थानेदार का शिल्प सीखा, लेकिन सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि वह लोक कला से परिचित हो गया। सैक्स अच्छी तरह से शिक्षित थे, प्राचीन और मध्यकालीन साहित्य को अच्छी तरह जानते थे, बाइबल पढ़ते थे जर्मन अनुवाद. वह सुधार के विचारों से गहराई से प्रभावित थे, इसलिए उन्होंने न केवल धर्मनिरपेक्ष गीत लिखे, बल्कि आध्यात्मिक (कुल मिलाकर लगभग छह हजार गीत) भी लिखे। हंस सैक्स एक नाटककार के रूप में भी प्रसिद्ध हुए (लेख "पुनर्जागरण की नाटकीय कला" देखें)।

पुनर्जागरण के संगीत वाद्ययंत्र। पुनर्जागरण के दौरान, संगीत वाद्ययंत्रों की संरचना में काफी विस्तार हुआ, पहले से मौजूद तारों और हवाओं में नई किस्में जोड़ी गईं। उनमें से, एक विशेष स्थान पर उल्लंघन का कब्जा है - झुके हुए तारों का एक परिवार जो ध्वनि की सुंदरता और बड़प्पन से विस्मित होता है। रूप में, वे आधुनिक वायलिन परिवार (वायलिन, वायोला, सेलो) के वाद्ययंत्रों से मिलते-जुलते हैं और यहां तक ​​​​कि उनके तत्काल पूर्ववर्ती माने जाते हैं (वे 18 वीं शताब्दी के मध्य तक संगीत अभ्यास में सह-अस्तित्व में थे)। हालांकि, एक अंतर है, और एक महत्वपूर्ण है। Violas में प्रतिध्वनित तार की एक प्रणाली होती है; एक नियम के रूप में, उनमें से कई मुख्य हैं (छह से सात)। प्रतिध्वनित तारों के कंपन वायोला की ध्वनि को नरम, मखमली बनाते हैं, लेकिन ऑर्केस्ट्रा में वाद्य यंत्र का उपयोग करना मुश्किल है, क्योंकि बड़ी संख्या में तारों के कारण यह जल्दी से धुन से बाहर हो जाता है।

लंबे समय तकवायोला की आवाज को संगीत में परिष्कार का एक मॉडल माना जाता था। वियोला परिवार में तीन मुख्य प्रकार हैं। वियोला दा गाम्बा एक बड़ा वाद्य यंत्र है जिसे कलाकार ने अपने पैरों से लंबवत रखा और पक्षों से पिन किया (इतालवी शब्द गाम्बा का अर्थ है "घुटने")। दो अन्य किस्में - वियोला दा ब्रासियो (इससे। ब्रैकियो - "प्रकोष्ठ") और उल्लंघन डी "एमोर (एफआर। वायल डी" अमौर - "प्यार का वायोला") क्षैतिज रूप से उन्मुख थे, और जब खेला जाता था तो उन्हें कंधे के खिलाफ दबाया जाता था। वायोला दा गाम्बा ध्वनि सीमा के मामले में सेलो के करीब है, वायोला दा ब्रासियो वायलिन के करीब है, और वायल डी'अमोर वायोला के करीब है।

के बीच में तोड़ दिया उपकरणपुनर्जागरण के मुख्य स्थान पर ल्यूट (पोलिश लुटनिया, अरबी "अलुद" - "पेड़") से कब्जा कर लिया गया है। यह 14वीं शताब्दी के अंत में मध्य पूर्व से यूरोप आया, और 16वीं शताब्दी की शुरुआत तक इस उपकरण के लिए एक विशाल प्रदर्शनों की सूची थी; सबसे पहले लुटेरे की संगत में गीत गाए गए। ल्यूट का शरीर छोटा है; सबसे ऊपर का हिस्सासपाट, और निचला गोलार्द्ध जैसा दिखता है। एक गर्दन चौड़ी गर्दन से जुड़ी होती है, जो फ्रेट्स से विभाजित होती है, और यंत्र का सिर लगभग एक समकोण पर मुड़ा हुआ होता है। आप चाहें तो ल्यूट के आकार के कटोरे से मिलता जुलता देख सकते हैं। बारह तारों को जोड़े में बांटा गया है, और ध्वनि को उंगलियों और एक विशेष प्लेट के साथ निकाला जाता है - एक पल्ट्रम।

XV-XVI सदियों में, विभिन्न प्रकार के कीबोर्ड उत्पन्न हुए। इस तरह के मुख्य प्रकार के वाद्ययंत्र - हार्पसीकोर्ड, क्लैविकोर्ड, सेम्बालो, वर्जिन - का पुनर्जागरण के संगीत में सक्रिय रूप से उपयोग किया गया था, लेकिन उनका असली दिन बाद में आया।

XIX सदी में इतिहासकार जूल्स मिशेलेट "पुनर्जागरण" की अवधारणा का उपयोग करने वाले पहले व्यक्ति थे। लेख में जिन संगीतकारों और संगीतकारों पर चर्चा की जाएगी, वे उस अवधि के थे जो XIV सदी में शुरू हुई थी, जब चर्च के मध्ययुगीन प्रभुत्व को बदल दिया गया था धर्मनिरपेक्ष संस्कृतिमानव व्यक्ति में उसकी रुचि के साथ।

पुनर्जागरण संगीत

अलग-अलग समय में यूरोपीय देशों ने एक नए युग में प्रवेश किया। कुछ समय पहले, वे इटली में उत्पन्न हुए थे, लेकिन डच स्कूल संगीत संस्कृति पर हावी था, जहां पहली बार कैथेड्रल में भविष्य के संगीतकारों को प्रशिक्षित करने के लिए विशेष मेट्रियस (आश्रय) बनाए गए थे। उस समय की मुख्य शैलियों को तालिका में प्रस्तुत किया गया है:

नीदरलैंड में अधिकांश पुनर्जागरण - यह गिलाउम ड्यूफे, जैकब ओब्रेक्ट, जोस्किन डेस्प्रेस है।

ग्रेट डच

जोहान्स ओकेघेमउन्होंने नोट्रे डेम मेट्रिसा (एंटवर्प) में शिक्षा प्राप्त की, और 15 वीं शताब्दी के 40 के दशक में वे ड्यूक चार्ल्स I (फ्रांस) के दरबार में एक गायक बन गए। इसके बाद, उन्होंने शाही दरबार के चैपल का नेतृत्व किया। एक परिपक्व उम्र में रहने के बाद, उन्होंने सभी शैलियों में एक महान विरासत छोड़ी, खुद को एक उत्कृष्ट पॉलीफोनिस्ट के रूप में स्थापित किया। चिगी कोडेक्स नामक उनके 13 द्रव्यमानों की पांडुलिपियां हमारे पास आई हैं, जिनमें से एक को 8 स्वरों के लिए चित्रित किया गया है। उन्होंने न केवल अन्य लोगों का, बल्कि अपनी धुनों का भी इस्तेमाल किया।

ऑरलैंडो लासो 1532 में आधुनिक बेल्जियम (मॉन्स) के क्षेत्र में पैदा हुआ था। उसका संगीत क्षमताबचपन में दिखाई दिया। एक महान संगीतकार बनाने के लिए लड़के को घर से तीन बार अपहरण कर लिया गया था। उन्होंने अपना पूरा वयस्क जीवन बवेरिया में बिताया, जहां उन्होंने ड्यूक अल्ब्रेक्ट वी के दरबार में एक कार्यकाल के रूप में प्रदर्शन किया और फिर चैपल का नेतृत्व किया। उनकी अत्यधिक पेशेवर टीम ने म्यूनिख को यूरोप के संगीत केंद्र में बदलने में योगदान दिया, जहां कई प्रसिद्ध संगीतकारनवजागरण।

जोहान एकार्ड, लियोनार्ड लेचनर, इटालियन डी. गैब्रिएली जैसी प्रतिभाएं उनके पास अध्ययन करने आई थीं . उन्होंने 1594 में म्यूनिख चर्च के क्षेत्र में अपना अंतिम विश्राम स्थान पाया, एक भव्य विरासत को छोड़कर: 750 से अधिक मोट्स, 60 जन और सैकड़ों गाने, जिनमें से सबसे लोकप्रिय सुज़ैन अन पत्रिकाएँ थीं। उनके मकसद ("सिबिल की भविष्यवाणियां") अभिनव थे, लेकिन वे अपने धर्मनिरपेक्ष संगीत के लिए भी जाने जाते हैं, जिसमें बहुत हास्य (विलानेला ओ बेला फुसा) था।

इतालवी स्कूल

इटली के उत्कृष्ट पुनर्जागरण संगीतकार, पारंपरिक शैलियों के अलावा, सक्रिय रूप से विकसित वाद्य संगीत (अंग, तार उपकरण, क्लैवियर)। ल्यूट सबसे आम वाद्य यंत्र बन गया, और 15 वीं शताब्दी के अंत में, पियानो के अग्रदूत, हार्पसीकोर्ड दिखाई दिए। लोक संगीत के तत्वों के आधार पर, दो सबसे प्रभावशाली संगीतकार स्कूल विकसित हुए: रोमन (जियोवन्नी फिलिस्तीन) और वेनिस (एंड्रिया गेब्रियल)।

जियोवानी पियरलुइगीनाम लिया फिलिस्तीनरोम के पास के शहर के नाम से, जिसमें वह पैदा हुआ था और सेवा की थी मुख्य चर्चगाना बजानेवालों और आयोजक। उनके जन्म की तारीख बहुत अनुमानित है, लेकिन 1594 में उनकी मृत्यु हो गई। अपने लंबे जीवन के दौरान उन्होंने लगभग 100 मास और 200 मोटेट्स लिखे। उनके "मास ऑफ पोप मार्सेलस" को पोप पायस IV ने सराहा और कैथोलिक पवित्र संगीत का एक मॉडल बन गया। Giovanni संगीत संगत के बिना मुखर गायन का सबसे चमकीला प्रतिनिधि है।

एंड्रिया गेब्रियलअपने छात्र और भतीजे के साथ, जियोवानी ने सेंट मार्क (XVI सदी) के चैपल में काम किया, अंग और अन्य उपकरणों की आवाज़ के साथ गाना बजानेवालों के गायन को "रंग" दिया। विनीशियन स्कूल ने धर्मनिरपेक्ष संगीत की ओर अधिक ध्यान आकर्षित किया, और एंड्रिया गेब्रियल के मंच पर सोफोकल्स के ओडिपस के निर्माण के दौरान, गाना बजानेवालों को लिखा गया था, कोरल पॉलीफोनी का एक उदाहरण और ऑपरेटिव कला के भविष्य का अग्रदूत।

जर्मन स्कूल की विशेषताएं

जर्मन भूमि आगे रखी लुडविग सेनफ्लू, 16वीं शताब्दी के सर्वश्रेष्ठ पॉलीफोनिस्ट, जो, हालांकि, डच स्वामी के स्तर तक नहीं पहुंचे। शिल्पकारों में से कवि-गायकों के गीत भी पुनर्जागरण के विशेष संगीत हैं। जर्मन संगीतकारों ने गायन निगमों का प्रतिनिधित्व किया: टिनस्मिथ, शूमेकर, बुनकर। वे पूरे क्षेत्र में एकजुट हुए। नूर्नबर्ग स्कूल ऑफ़ सिंगिंग का एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि था हंस सैक्स(जीवन के वर्ष: 1494-1576)।

एक दर्जी के परिवार में जन्मे, उन्होंने अपना सारा जीवन एक थानेदार के रूप में काम किया, अपनी विद्वता और संगीत और साहित्यिक रुचियों से प्रभावित हुए। उन्होंने महान सुधारक लूथर की व्याख्या में बाइबल पढ़ी, प्राचीन कवियों को जानते थे और बोकाशियो की सराहना करते थे। लोक संगीतकार होने के नाते, सैक्स ने पॉलीफोनी के रूपों में महारत हासिल नहीं की, लेकिन एक गीत गोदाम की धुन तैयार की। वे नृत्य के करीब थे, याद रखने में आसान और एक निश्चित लय रखते थे। ज़्यादातर प्रसिद्ध काम"चांदी मंत्र" था।

पुनर्जागरण: फ्रांस के संगीतकार और संगीतकार

फ्रांस की संगीत संस्कृति ने वास्तव में केवल 16वीं शताब्दी में पुनर्जागरण का अनुभव किया, जब देश में सामाजिक आधार तैयार किया गया था।

सबसे अच्छे प्रतिनिधियों में से एक है क्लेमेंट जेनेक्विन. यह ज्ञात है कि उनका जन्म चेटेलेरॉल्ट (15 वीं शताब्दी के अंत) में हुआ था और एक गायन लड़के से राजा के निजी संगीतकार के पास गया था। उनकी रचनात्मक विरासत में से केवल एटेनियन द्वारा प्रकाशित धर्मनिरपेक्ष गीत ही बचे हैं। उनमें से 260 हैं, लेकिन जो समय की कसौटी पर खरे उतरे हैं, उन्होंने वास्तविक प्रसिद्धि प्राप्त की है: "बर्डसॉन्ग", "शिकार", "लार्क", "वॉर", "स्क्रीम्स ऑफ पेरिस"। उन्हें लगातार पुनर्मुद्रित किया गया और संशोधन के लिए अन्य लेखकों द्वारा उपयोग किया गया।

उनके गीत पॉलीफोनिक थे और कोरल दृश्यों से मिलते-जुलते थे, जहां, ओनोमेटोपोइया और कैंटीलेना आवाज के अलावा, काम की गतिशीलता के लिए जिम्मेदार विस्मयादिबोधक थे। यह इमेजरी के नए तरीकों को खोजने का एक साहसिक प्रयास था।

के बीच में प्रसिद्ध संगीतकारफ्रांस - गिलौम कोटेलेट, जैक्स मौडुई, जीन बेफ, क्लाउडिन लेज्यून, क्लाउड गौडीमेल , संगीत को एक सामंजस्यपूर्ण गोदाम दिया, जिसने आम जनता द्वारा संगीत को आत्मसात करने में योगदान दिया।

पुनर्जागरण संगीतकार: इंग्लैंड

इंग्लैंड में 15वीं शताब्दी किसके कार्यों से प्रभावित थी? जॉन डबस्टील, और XVI - विलियम बर्ड. दोनों उस्तादों ने पवित्र संगीत की ओर रुख किया। बर्ड ने लिंकन कैथेड्रल में एक जीव के रूप में शुरुआत की और लंदन में रॉयल चैपल में अपना करियर समाप्त किया। पहली बार वह संगीत और उद्यमिता को जोड़ने में कामयाब रहे। 1575 में, टैलिस के सहयोग से, संगीतकार संगीत कार्यों के प्रकाशन में एकाधिकार बन गए, जिससे उन्हें कोई लाभ नहीं हुआ। लेकिन अदालतों में संपत्ति के अपने अधिकार की रक्षा करने में बहुत समय लगा। चैपल के आधिकारिक दस्तावेजों में उनकी मृत्यु (1623) के बाद, उन्हें "संगीत का संस्थापक" कहा गया।

पुनर्जागरण ने क्या छोड़ा? बर्ड, प्रकाशित संग्रहों (कैंटियन्स सैक्रे, ग्रैडुआलिया) के अलावा, कई पांडुलिपियों को रखा, उन्हें केवल घरेलू पूजा के लिए उपयुक्त मानते हुए। बाद में प्रकाशित मैड्रिगल्स (म्यूजिका ट्रांसलपिना) ने इतालवी लेखकों का बहुत प्रभाव दिखाया, लेकिन पवित्र संगीत के स्वर्ण कोष में कई जन और प्रेरक शामिल थे।

स्पेन: क्रिस्टोबल डी मोरालेस

स्पैनिश स्कूल ऑफ म्यूजिक के सर्वश्रेष्ठ प्रतिनिधियों ने वेटिकन के माध्यम से यात्रा की, पोप चैपल में प्रदर्शन किया। उन्होंने डच और इतालवी लेखकों के प्रभाव को महसूस किया, इसलिए कुछ ही अपने देश के बाहर प्रसिद्ध होने में कामयाब रहे। स्पेन के पुनर्जागरण संगीतकार पॉलीफोनिस्ट थे जो बना रहे थे कोरल काम करता है. सबसे चमकीला प्रतिनिधि क्रिस्टोबल डी मोरालेस(XVI सदी), जिन्होंने टोलेडो में मेट्रिज़ का नेतृत्व किया और एक से अधिक छात्रों को प्रशिक्षित किया। जोस्किन डेस्प्रेस के अनुयायी, क्रिस्टोबाल ने कई रचनाओं के लिए एक विशेष तकनीक लाई, जिसे होमोफोनिक कहा जाता है।

लेखक की दो आवश्यकताएं (पांच आवाजों के लिए अंतिम), साथ ही साथ "सशस्त्र आदमी" के द्रव्यमान ने सबसे बड़ी प्रसिद्धि प्राप्त की। उन्होंने धर्मनिरपेक्ष कार्य (1538 में एक शांति संधि के समापन के सम्मान में एक कैंटटा) भी लिखा, लेकिन यह उनके और अधिक पर लागू होता है शुरुआती काम. अपने जीवन के अंत में मलागा में एक चैपल की अध्यक्षता करते हुए, वह पवित्र संगीत के लेखक बने रहे।

निष्कर्ष के बजाय

पुनर्जागरण संगीतकारों और उनके कार्यों ने 17 वीं शताब्दी के वाद्य संगीत के उत्कर्ष और एक नई शैली - ओपेरा के उद्भव को तैयार किया, जहां कई आवाजों की पेचीदगियों को मुख्य राग के प्रमुख की प्रधानता से बदल दिया जाता है। उन्होंने संगीत संस्कृति के विकास में एक वास्तविक सफलता हासिल की और आधुनिक कला की नींव रखी।

सार: पुनर्जागरण का संगीत

शिक्षा के लिए संघीय एजेंसी

एसईआई एचपीई "मारी स्टेट यूनिवर्सिटी"

प्राथमिक विद्यालय के संकाय

विशेषता: 050708

"शिक्षाशास्त्र और प्राथमिक शिक्षा के तरीके"

विभाग: "प्राथमिक शिक्षा की शिक्षाशास्त्र"

परीक्षण

"पुनर्जागरण का संगीत"

योशकर-ओला 2010

पुनर्जागरण (पुनर्जागरण) का युग सभी प्रकार की कलाओं के उत्थान का समय है और प्राचीन परंपराओं और रूपों के लिए उनके आंकड़ों की अपील है।

यूरोप के विभिन्न देशों में पुनर्जागरण की असमान ऐतिहासिक और कालानुक्रमिक सीमाएँ हैं। इटली में, यह 14वीं शताब्दी में शुरू होता है, नीदरलैंड में यह 15वीं शताब्दी में शुरू होता है, और फ्रांस, जर्मनी और इंग्लैंड में, इसके संकेत 16वीं शताब्दी में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट होते हैं। इसी समय, विभिन्न रचनात्मक स्कूलों के बीच संबंधों का विकास, संगीतकारों के बीच अनुभव का आदान-प्रदान जो एक देश से दूसरे देश में चले गए, जिन्होंने विभिन्न चैपल में काम किया, समय का संकेत बन रहा है और हमें सामान्य रुझानों के बारे में बात करने की अनुमति देता है। पूरे युग।

पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत शुरुआत है। 15वीं-16वीं शताब्दी के पॉलीफोनिस्टों का असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी कलाप्रवीण तकनीक के साथ मिला उज्ज्वल कलारोज़मर्रा के नृत्य, धर्मनिरपेक्ष शैलियों का परिष्कार। उनके कार्यों में गीतात्मक-नाटकीयता अधिक से अधिक अभिव्यक्ति प्राप्त कर रही है।

इसलिए, जैसा कि हम देख सकते हैं, पुनर्जागरण काल ​​​​संगीत कला के विकास के इतिहास में एक कठिन अवधि है, इसलिए व्यक्तिगत व्यक्तित्वों पर उचित ध्यान देते हुए इसे और अधिक विस्तार से विचार करना उचित लगता है।

संगीत ही विश्व की भाषा है, इसका अनुवाद करने की आवश्यकता नहीं है, इसमें आत्मा आत्मा से बात करती है।

एवरबख बर्थोल्ड।

पुनर्जागरण संगीत, या पुनर्जागरण संगीत, लगभग 1400 और 1600 के बीच यूरोपीय संगीत के विकास की अवधि को संदर्भित करता है। इटली में, XIV सदी में संगीत कला के लिए एक नए युग की शुरुआत हुई। 15 वीं शताब्दी में डच स्कूल ने आकार लिया और अपनी पहली ऊंचाइयों पर पहुंच गया, जिसके बाद इसके विकास का विस्तार हुआ, और एक तरह से या किसी अन्य प्रभाव ने अन्य राष्ट्रीय स्कूलों के स्वामी पर कब्जा कर लिया। 16वीं शताब्दी में फ्रांस में पुनर्जागरण के संकेत स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे, हालांकि इसकी रचनात्मक उपलब्धियांपिछली शताब्दियों में भी महान और निर्विवाद थे।

सेवा XVI सदीजर्मनी, इंग्लैंड और पुनर्जागरण की कक्षा में शामिल कुछ अन्य देशों में कला के उदय को संदर्भित करता है। और फिर भी, समय के साथ, नया रचनात्मक आंदोलन पूरे पश्चिमी यूरोप के लिए निर्णायक बन गया और पूर्वी यूरोप के देशों में अपने तरीके से प्रतिक्रिया दी।

पुनर्जागरण का संगीत खुरदरी और कठोर ध्वनियों के लिए पूरी तरह से अलग हो गया। सद्भाव के नियमों ने इसका मुख्य सार बनाया।

अग्रणी स्थिति अभी भी व्याप्त थी आध्यात्मिक संगीत, चर्च सेवा के दौरान लग रहा है। पुनर्जागरण में, उसने मध्ययुगीन संगीत के मुख्य विषयों को संरक्षित किया: भगवान और दुनिया के निर्माता की प्रशंसा, धार्मिक भावना की पवित्रता और पवित्रता। इस तरह के संगीत का मुख्य लक्ष्य, जैसा कि इसके एक सिद्धांतकार ने कहा, "ईश्वर को प्रसन्न करना" है।

जनसंस्कृति, मंत्र, भजन और स्तोत्र ने संगीत संस्कृति का आधार बनाया।

द्रव्यमान - संगीत रचना, जो लैटिन संस्कार के कैथोलिक लिटुरजी के कुछ हिस्सों का संग्रह है, जिनमें से ग्रंथों को मोनोफोनिक या पॉलीफोनिक गायन के लिए संगीत के साथ या बिना संगीत वाद्ययंत्र के लिए सेट किया गया है, रोमन कैथोलिक चर्च में गंभीर पूजा की संगीत संगत के लिए और उच्च- प्रोटेस्टेंट प्रोटेस्टेंट चर्च, उदाहरण के लिए, स्वीडन के चर्च में।

संगीत समारोहों में पूजा के बाहर भी संगीत के महत्व का प्रदर्शन किया जाता है; इसके अलावा, बाद के समय के कई लोगों को विशेष रूप से या तो प्रदर्शन के लिए बनाया गया था समारोह का हालया किसी उत्सव के अवसर पर।

चर्च मास, ग्रेगोरियन मंत्र की पारंपरिक धुनों पर वापस जाते हुए, सबसे स्पष्ट रूप से संगीत संस्कृति का सार व्यक्त किया। जैसा कि मध्य युग में, द्रव्यमान में पाँच भाग होते थे, लेकिन अब यह अधिक राजसी और बड़े पैमाने पर हो गया है। दुनिया अब मनुष्य को इतनी छोटी और देखने योग्य नहीं लगती थी। अपने सांसारिक सुखों के साथ साधारण जीवन पहले से ही पापी माना जाना बंद हो गया है।

मोटेट (फ़ा. मोटेसे चुटकुला- शब्द) - एक पॉलीफोनिक गोदाम का एक मुखर पॉलीफोनिक काम, पश्चिमी यूरोपीय मध्य युग और पुनर्जागरण के संगीत में केंद्रीय शैलियों में से एक।

गान (प्राचीन यूनानी ὕμνος) किसी की या किसी चीज़ (मूल रूप से एक देवता) की स्तुति और महिमामंडन करने वाला एक गंभीर गीत है।

भजन (ग्रीक ψαλμός "स्तुति का गीत"), आर.पी. भजन, pl। भजन (ग्रीक ψαλμοί) यहूदी (हिब्रू ) और ईसाई धार्मिक कविता और प्रार्थना (पुराने नियम से) के भजन हैं।

वे पुराने नियम की 19वीं पुस्तक, स्तोत्र को बनाते हैं। भजनों के लेखकत्व को परंपरागत रूप से राजा डेविड (सी। 1000 ईसा पूर्व) और अब्राहम, मूसा और अन्य महान हस्तियों सहित कई अन्य लेखकों के लिए जिम्मेदार ठहराया गया है।

कुल मिलाकर, स्तोत्र में 150 स्तोत्र शामिल हैं, जिन्हें प्रार्थना, स्तुति, गीत और शिक्षाओं में विभाजित किया गया है।

लोककथाओं पर भजनों का बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा है और कई कहावतों का स्रोत रहा है। यहूदी धर्म में, भजनों को संगत के साथ भजन के रूप में गाया जाता था। प्रत्येक भजन के साथ, एक नियम के रूप में, प्रदर्शन की विधि और "मॉडल" (ग्रेगोरियन मंत्र में शब्द इंटोनेशन कहा जाता है), यानी संबंधित धुन का संकेत दिया गया था। ईसाई धर्म में स्तोत्र का महत्वपूर्ण स्थान है। दैवीय सेवाओं, घरेलू प्रार्थनाओं, युद्ध से पहले और निर्माण में चलते समय भजन गाए जाते थे। प्रारंभ में, उन्हें चर्च में पूरे समुदाय द्वारा गाया जाता था। स्तोत्र को कैपेला गाया जाता था, केवल घर पर ही वाद्ययंत्रों के उपयोग की अनुमति थी। प्रदर्शन का प्रकार सस्वर-भजनात्मक था। संपूर्ण स्तोत्रों के अलावा, उनसे व्यक्तिगत, सबसे अधिक अभिव्यंजक छंद भी इस्तेमाल किए गए थे। इस आधार पर, स्वतंत्र मंत्रों का उदय हुआ - प्रतिध्वनि, क्रमिक, पथ और हलेलुजाह।

धीरे-धीरे, चर्च के संगीतकारों के कार्यों में धर्मनिरपेक्ष प्रवृत्तियों ने प्रवेश करना शुरू कर दिया। लोक गीतों के विषय जो सामग्री में बिल्कुल भी धार्मिक नहीं हैं, उन्हें चर्च के भजनों के पॉलीफोनिक ताने-बाने में साहसपूर्वक पेश किया गया है। लेकिन अब यह उस युग की सामान्य भावना और मनोदशा का खंडन नहीं करता था। इसके विपरीत, संगीत में परमात्मा और मानव को अद्भुत तरीके से जोड़ा गया था।

15वीं शताब्दी में पवित्र संगीत अपने चरम पर पहुंच गया। नीदरलैंड में। यहां कला के अन्य रूपों की तुलना में संगीत को अधिक सम्मानित किया गया था। डच और फ्लेमिश संगीतकारों ने नए नियमों का बीड़ा उठाया पॉलीफोनिक(पॉलीफोनिक) प्रदर्शन - क्लासिक " सख्त शैली". सबसे महत्वपूर्ण रचना तकनीकडच स्वामी बन गए नकल- अलग-अलग स्वरों में एक ही राग की पुनरावृत्ति। प्रमुख आवाज टेनर थी, जिसे मुख्य दोहरावदार राग - कैंटस फर्मस ("अपरिवर्तनीय माधुर्य") सौंपा गया था। बास टेनर के नीचे लग रहा था, और ऑल्टो ऊपर लग रहा था। सबसे ऊँचा, अर्थात् सबसे ऊँचा, आवाज को कहा जाता था सोप्रानो

गणितीय गणनाओं की मदद से, डच और फ्लेमिश संगीतकार संगीत अंतराल के संयोजन के लिए सूत्र की गणना करने में कामयाब रहे। मुख्य लक्ष्यरचना एक पतली, सममित और भव्य, आंतरिक रूप से पूर्ण ध्वनि निर्माण का निर्माण बन जाती है। इस स्कूल के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक, जोहान्स ओकेघम (सी। 1425-1497), गणितीय गणनाओं के आधार पर, 36 आवाज़ों के लिए एक नाट्य रचना की!

ओकेघम के काम में डच स्कूल की सभी शैलियों की विशेषता का प्रतिनिधित्व किया गया है: मास, मोटेट और चांसन। उनके लिए सबसे महत्वपूर्ण शैली जनसमूह है, उन्होंने खुद को एक उत्कृष्ट पॉलीफोनिस्ट साबित किया। ओकेघेम का संगीत बहुत गतिशील है, मधुर रेखा एक विस्तृत श्रृंखला में चलती है, एक व्यापक आयाम है। इसी समय, ओकेघम को सहज स्वर, शुद्धतम डायटोनिक और प्राचीन मोडल सोच की विशेषता है। इसलिए, ओकेघम के संगीत को अक्सर "अनंत के उद्देश्य से", "फ्लोटिंग" के रूप में कुछ अलग आलंकारिक वातावरण में चित्रित किया जाता है। यह पाठ से कम संबंधित है, मंत्रों में समृद्ध है, कामचलाऊ, अभिव्यंजक है।

ओकेघम के बहुत कम लेखन जीवित हैं:

लगभग 14 द्रव्यमान (11 पूरी तरह से):

Requiem Missa pro Defunctis (दुनिया के इतिहास में पहला पॉलीफोनिक requiem) संगीत साहित्य);

9-13 (विभिन्न स्रोतों के अनुसार) गति:

20 से अधिक चांसन

ऐसे कई काम हैं जिनके ओकेगेम के स्वामित्व पर सवाल उठाया गया है, उनमें से 36 आवाजों के लिए प्रसिद्ध मोटेट "देव gratias" है। शैली में समानता के आधार पर ओकेगेम के लिए कुछ अनाम गीतों का श्रेय दिया जाता है।

ओकेघम के तेरह लोगों को 15 वीं शताब्दी की पांडुलिपि में संरक्षित किया गया है जिसे चिगी कोडेक्स कहा जाता है।

जनता के बीच, चार-भाग वाले द्रव्यमान प्रबल होते हैं, दो पाँच-भाग वाले द्रव्यमान और एक आठ-भाग वाले द्रव्यमान होते हैं। Ockeghem लोक ("L'homme armé"), अपने स्वयं के ("Ma maistresse") धुनों या अन्य लेखकों की धुनों (उदाहरण के लिए, "De plus en plus" में Benchois) को जनता के विषयों के रूप में उपयोग करता है। उधार विषयों के बिना जनता हैं ("क्विंटी टोनी", "साइन नामांकित", "कुजुस्विस टोनी")।

मोटेट्स और चांसन

ओकेघम के मोटेट्स और चांसन सीधे उसके द्रव्यमान से सटे हुए हैं और मुख्य रूप से उनके पैमाने में उनसे भिन्न हैं। मोटेट्स में शानदार, उत्सवपूर्ण कार्य, साथ ही साथ अधिक सख्त आध्यात्मिक कोरल रचनाएं हैं।

सबसे प्रसिद्ध उत्सव धन्यवाद मोटेट "देव ग्रैटियास" है, जो चार नौ-आवाज़ वाली रचनाओं के लिए लिखा गया है और इसलिए इसे 36-आवाज़ माना जाता है। वास्तव में, इसमें चार नौ-भाग वाले सिद्धांत (चार अलग-अलग विषयों पर) होते हैं, जो पिछले एक के समापन पर अगले की शुरुआत के मामूली ओवरलैप के साथ एक के बाद एक का पालन करते हैं। ओवरडब में 18 आवाजें हैं, मोटेट में असली 36 आवाजें नहीं हैं।

डच संगीतकार ऑरलैंडो लासो (सी। 1532-1594) का काम कम दिलचस्पी का नहीं है, जिन्होंने एक पंथ और धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के दो हजार से अधिक कार्यों का निर्माण किया।

लासो अपने समय के सबसे विपुल संगीतकार हैं; विरासत की विशाल मात्रा के कारण, उनके कार्यों (जिनमें से कई कमीशन किए गए थे) के कलात्मक महत्व को अभी तक पूरी तरह से सराहा नहीं गया है।

उन्होंने विशेष रूप से मुखर शैलियों में काम किया, जिसमें 60 से अधिक जनसमूह, एक अपेक्षित, जुनून के 4 चक्र (सभी प्रचारकों के अनुसार), पवित्र सप्ताह के अधिकारी (मौंडी गुरुवार, गुड फ्राइडे और गुड सैटरडे के उत्तरदायित्व विशेष रूप से महत्वपूर्ण हैं), 100 से अधिक भव्यताएं शामिल हैं। , भजन, फोबर्डन, लगभग 150 फ्रेंच। चैनसन (उनका गीत "सुज़ैन अन पत्रिका", सुज़ाना के बारे में बाइबिल की कहानी का एक पैराफ्रेश, 16 वीं शताब्दी में सबसे लोकप्रिय नाटकों में से एक था), इतालवी (विलेनलेस, मोरेस्क, कैनज़ोन) और जर्मन गाने (140 से अधिक लीडर), लगभग 250 मैड्रिगल।

लासो को विभिन्न भाषाओं में ग्रंथों के सबसे विस्तृत विकास से अलग किया जाता है, दोनों लिटर्जिकल (पवित्र शास्त्र के ग्रंथों सहित) और स्वतंत्र रूप से रचित। अवधारणा की गंभीरता और नाटक, विस्तारित मात्रा में काम "सेंट पीटर के आँसू" (1595 में प्रकाशित लुइगी ट्रैंज़िलो द्वारा कविताओं के लिए 7-आवाज वाले आध्यात्मिक मैड्रिगल का एक चक्र) और "डेविड के दंडात्मक भजन" (1571 की पांडुलिपि) को अलग करता है। फोलियो प्रारूप में जी. मिलिच द्वारा चित्रों से सजाया गया है, जो जीवन के बारे में मूल्यवान प्रतीकात्मक सामग्री प्रदान करते हैं, सहित। संगीत मनोरंजन, बवेरियन कोर्ट)।

हालांकि, धर्मनिरपेक्ष संगीत में, लासो हास्य के लिए कोई अजनबी नहीं था। उदाहरण के लिए, चांसन में "तीन व्यक्तियों में शराब पीना दावतों में वितरित किया जाता है" (फर्टुर इन कॉन्विविस वीनस, वीना, विनम), वागंटेस के जीवन का एक पुराना किस्सा है; प्रसिद्ध गीत "माटोना मिया कारा" में एक जर्मन सैनिक इतालवी शब्दों को गुनगुनाते हुए एक प्रेम सेरेनेड गाता है; "यूट क्वांट लैक्सिस" गान में अशुभ सॉलफेगिंग का अनुकरण किया गया है। लासो द्वारा कई उज्ज्वल लघु नाटक बहुत ही तुच्छ छंदों पर लिखे गए हैं, उदाहरण के लिए, चांसन "महिला ने महल में रुचि के साथ देखा / प्रकृति ने संगमरमर की मूर्ति को देखा" (एन अन चास्तौ मा डेम ...), और कुछ गीतों (विशेषकर रीति-रिवाजों) में अश्लील शब्दावली होती है।

धर्मनिरपेक्ष संगीतपुनर्जागरण को विभिन्न शैलियों द्वारा दर्शाया गया था: मैड्रिगल, गीत, कैनज़ोन। संगीत, "चर्च का सेवक" नहीं रह गया था, अब लैटिन में नहीं, बल्कि मूल भाषा में बजने लगा। धर्मनिरपेक्ष संगीत की सबसे लोकप्रिय शैली मैड्रिगल्स (इतालवी मेड्रिगल - मूल भाषा में एक गीत) थी - प्रेम सामग्री की एक गीत कविता के पाठ पर लिखी गई कई-स्वर वाली कोरल रचनाएँ। सबसे अधिक बार, प्रसिद्ध उस्तादों की कविताओं का उपयोग इस उद्देश्य के लिए किया गया था: दांते, फ्रांसेस्को पेट्रार्क और टोरक्वेटो टैसो। मैड्रिगल का प्रदर्शन पेशेवर गायकों द्वारा नहीं, बल्कि शौकीनों के पूरे समूह द्वारा किया जाता था, जहाँ प्रत्येक भाग का नेतृत्व एक गायक द्वारा किया जाता था। मेड्रिगल का मुख्य मूड उदासी, उदासी और उदासी है, लेकिन हर्षित, जीवंत रचनाएं भी थीं।

संगीत संस्कृति के आधुनिक शोधकर्ता डी.के. किरनार्स्काया नोट:

"मैड्रिगल ने पुनर्जागरण की पूरी संगीत प्रणाली को उल्टा कर दिया: द्रव्यमान की चिकनी और सामंजस्यपूर्ण मधुर प्लास्टिसिटी ढह गई ... अपरिवर्तनीय कैंटस फर्मस, संगीत पूरे की नींव भी गायब हो गई ..." सख्त लेखन "को विकसित करने के सामान्य तरीके ... एपिसोड के भावनात्मक और मधुर विरोधाभासों को रास्ता दिया, जिनमें से प्रत्येक ने पाठ में निहित काव्यात्मक विचार को यथासंभव स्पष्ट रूप से व्यक्त करने का प्रयास किया। मेड्रिगल ने अंततः "सख्त शैली" की कमजोर ताकतों को कम कर दिया।

धर्मनिरपेक्ष संगीत की कोई कम लोकप्रिय शैली संगीत वाद्ययंत्र के साथ गीत नहीं थी। चर्च में बजाए जाने वाले संगीत के विपरीत, गाने प्रदर्शन करने के लिए काफी सरल थे। उनके तुकांत पाठ को स्पष्ट रूप से 4-6 पंक्ति के छंदों में विभाजित किया गया था। गीतों में, मैड्रिगल्स की तरह, बडा महत्वपाठ मिला। प्रदर्शन करते समय, पॉलीफोनिक गायन में काव्य पंक्तियों को नहीं खोना चाहिए। गाने मशहूर थे फ्रेंच संगीतकारक्लेमेंट जेनेक्विन (सी.1485-1558)। क्लेमेंट जेनेक्विन ने पियरे रोंसर्ड, क्लेमेंट मैरोट, एम. डी सेंट-जेल, गुमनाम कवियों की कविताओं के लिए लगभग 250 चांसों, ज्यादातर 4 आवाजों के लिए लिखा था। 40 और चांसों के संबंध में, जेनकेन के लेखकत्व आधुनिक विज्ञानविवाद (जो, हालांकि, इस विवादित संगीत की गुणवत्ता को कम नहीं करता है)। घर विशिष्ठ विशेषताउनका धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक संगीत - प्रोग्रामेटिक और सचित्र। श्रोता के दिमाग की आंखों के सामने लड़ाई की तस्वीरें हैं ("मैरिग्नानो की लड़ाई", "रेंटी की लड़ाई", "मेट्ज़ की लड़ाई"), शिकार के दृश्य ("बर्डसॉन्ग", "नाइटिंगेल सिंगिंग", "लार्क"), हर रोज दृश्य ("महिला चैटिंग")। जेनेक्विन स्पष्ट रूप से पेरिस में रोज़मर्रा के माहौल को "क्राइज़ ऑफ़ पेरिस" में व्यक्त करता है, जहाँ स्ट्रीट वेंडर्स के रोने की आवाज़ सुनाई देती है ("दूध!" - "पाई!" - "आर्टिचोक!" - "मछली!" - "मिलान करता है" !" - "कबूतर!" - "पुराने जूते!" ​​- "शराब!")। बनावट और लय में सभी सरलता के साथ, जेनेक्विन का संगीत सद्भाव और प्रतिरूप के क्षेत्र में बहुत पारंपरिक है।

पुनर्जागरण ने शुरुआत को चिह्नित किया पेशेवर संगीतकार रचनात्मकता. इस नई प्रवृत्ति का एक उल्लेखनीय प्रतिनिधि निस्संदेह फिलिस्तीन (1525-1594) है। उनकी विरासत में पवित्र और धर्मनिरपेक्ष संगीत के कई कार्य शामिल हैं: 93 जनसमूह, 326 भजन और भाव। वह पेट्रार्क के शब्दों के लिए धर्मनिरपेक्ष मद्रिगल के दो खंडों के लेखक हैं। लंबे समय तक उन्होंने रोम में सेंट पीटर्स बेसिलिका में एक गाना बजानेवालों के निदेशक के रूप में काम किया। उनके द्वारा बनाया गया चर्च संगीत पवित्रता और भावनाओं की उदात्तता से प्रतिष्ठित है। संगीतकार का धर्मनिरपेक्ष संगीत असाधारण आध्यात्मिकता और सद्भाव से ओतप्रोत है।

हम गठन के लिए पुनर्जागरण का श्रेय देते हैं वाद्य संगीतजैसा स्वतंत्र प्रजातिकला। इस समय एक पंक्ति है वाद्य के टुकड़े, विविधताएं, प्रस्तावनाएं, कल्पनाएं, रोंडो, टोकाटा। संगीत वाद्ययंत्रों में, अंग, हार्पसीकोर्ड, वायोला, विभिन्न प्रकार की बांसुरी विशेष रूप से लोकप्रिय हैं, और 16 वीं शताब्दी के अंत में। - वायोलिन।

पुनर्जागरण नई संगीत शैलियों के उद्भव के साथ समाप्त होता है: एकल गीत, भाषण और ओपेरा। यदि पहले मंदिर संगीत संस्कृति का केंद्र था, तब से ओपेरा हाउस में संगीत बज रहा है। और ऐसा हुआ।

XVI सदी के अंत में इतालवी शहर फ्लोरेंस में। प्रतिभाशाली कवि, अभिनेता, वैज्ञानिक और संगीतकार इकट्ठा होने लगे। फिर उनमें से किसी ने भी किसी खोज के बारे में नहीं सोचा। और फिर भी यह वे थे जो नाटकीय और संगीत कला में एक वास्तविक क्रांति करने के लिए किस्मत में थे। प्राचीन ग्रीक नाटककारों के कार्यों की प्रस्तुतियों को फिर से शुरू करते हुए, उन्होंने अपने स्वयं के संगीत की रचना करना शुरू कर दिया, जो उनकी राय में, प्राचीन नाटक की प्रकृति के अनुरूप था।

सदस्यों कैमरों(जैसा कि इस समाज को कहा जाता था) ने पौराणिक पात्रों के मोनोलॉग और संवादों की संगीतमय संगत को ध्यान से सोचा। अभिनेताओं को बोले जाने वाले भागों का प्रदर्शन करना आवश्यक था भाषण(पाठ, गायन भाषण)। और यद्यपि यह शब्द संगीत के संबंध में एक प्रमुख भूमिका निभाता रहा, पहला कदम उनके अभिसरण और हार्मोनिक संलयन की दिशा में उठाया गया था। इस तरह के प्रदर्शन की अनुमति है अधिककिसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की समृद्धि, उसके व्यक्तिगत अनुभवों और भावनाओं को व्यक्त करें। ऐसे मुखर भागों के आधार पर उत्पन्न हुआ एरियस- पूर्ण एपिसोड in संगीत प्रदर्शनओपेरा सहित।

ओपेरा हाउस ने जल्दी ही प्यार जीत लिया और न केवल इटली में, बल्कि अन्य यूरोपीय देशों में भी लोकप्रिय हो गया।

प्रयुक्त साहित्य की सूची

1) विश्वकोश शब्दकोशयुवा संगीतकार / कॉम्प। वी.वी. मेडुशेव्स्की, ओ.ओ. ओचकोवस्काया। - एम।: शिक्षाशास्त्र, 1985।

2) विश्व कला संस्कृति. मूल से XVII सदी तक: पाठ्यपुस्तक। 10 कोशिकाओं के लिए। सामान्य शिक्षा मानवीय संस्थान / जी.आई. डेनिलोवा. - दूसरा संस्करण, स्टीरियोटाइप। - एम .: बस्टर्ड, 2005।

3) पुनर्जागरण संगीत के संग्रह से सामग्री: http://manfredina.ru/