Hvor mange dele har en klassisk symfoni? Symfoni

Symfoni(fra det græske "konsonans") - et stykke for orkester, der består af flere dele. Symfoni er den mest musikalske form blandt koncertorkestermusik.

Klassisk struktur

På grund af strukturens relative lighed med sonaten kan symfonien kaldes en storsonate for orkester. Sonate og symfoni samt trio, kvartet osv. hører til den "sonate-symfoniske cyklus" - en cyklisk musikalsk form af et værk, hvor det er sædvanligt at præsentere mindst en af ​​delene (som regel den første) i sonateform. Den sonate-symfoniske cyklus er den største cykliske form blandt de rent instrumentale former.

Som i sonaten har den klassiske symfoni fire satser:
- første sats, i et hurtigt tempo, er skrevet i sonateform;
- anden sats, i slowmotion, er skrevet i form af en rondo, sjældnere i form af en sonate eller variationsform;
- tredje sats, scherzo eller menuet i trestemmigt form;
- fjerde sats, i hurtigt tempo, i sonateform eller i form af rondo, rondosonate.
Hvis første sats er skrevet i et moderat tempo, så kan den tværtimod efterfølges af en hurtig anden og en langsom tredje sats (f.eks. Beethovens 9. symfoni).

I betragtning af at symfonien er designet til orkestrets store styrke, er hver del i den skrevet på en bredere og mere detaljeret måde end f.eks. klaversonate, da rigdommen af ​​et symfoniorkesters udtryksmidler giver en detaljeret præsentation af musikalsk tankegang.

Symfoni historie

Udtrykket symfoni blev brugt i Det gamle Grækenland, i middelalderen og hovedsageligt for at beskrive forskellige instrumenter, især dem der er i stand til at frembringe mere end én lyd ad gangen. Så i Tyskland var symfonien indtil midten af ​​1700-tallet generel udtryk for sorterne af cembalo - spinetter og jomfruer, i Frankrig de såkaldte tøndeorgler, cembalo, tohovedede trommer mv.

Ordet symfoni for at betegne musikstykker som "lyder sammen" begyndte at dukke op i titlerne på nogle værker fra det 16. og 17. århundrede, såsom Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 og Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) og Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Symfonien, der udviklede sig under Domenico Scarlatti i sent XVIIårhundrede. Denne form blev allerede dengang kaldt en symfoni og bestod af tre modstridende dele: allegro, andante og allegro, som smeltede sammen til én helhed. Det er denne form, der ofte ses som den direkte forløber for orkestersymfonien. Udtrykkene "ouverture" og "symfoni" blev brugt i flæng i det meste af det 18. århundrede.

Andre vigtige forfædre til symfonien var orkestersuiten, der bestod af flere stemmer i de simpleste former og for det meste i samme toneart, og ripieno-koncerten, en form, der minder om en koncert for strygere og continuo, men uden soloinstrumenter. I denne form blev værkerne af Giuseppe Torelli skabt, og måske er den mest berømte ripieno-koncert "Brandenburg Concerto No. 3" af Johann Sebastian Bach.

Grundlæggeren af ​​den klassiske model af symfonien betragtes. I en klassisk symfoni er det kun første og sidste sats, der har samme toneart, mens midtersatsen er skrevet i tonearter beslægtet med den vigtigste, som bestemmer tonearten for hele symfonien. Fremragende repræsentanter for den klassiske symfoni er Wolfgang Amadeus Mozart og Ludwig van Beethoven. Beethoven udvidede symfonien dramatisk. Hans symfoni nr. 3 ("Heroic") har en skala og følelsesmæssig rækkevidde, der overgår mere og mere tidlige arbejder, hans symfoni nr. 5 er uden tvivl den mest berømte symfoni, der nogensinde er skrevet. Hans symfoni nr. 9 bliver en af ​​de første "korsymfonier", der inkluderer partier for solister og kor i sidste sats.

Den romantiske symfoni blev en forbindelse klassisk form med romantisk udtryk. Tendensen til programmaticitet er også under udvikling. Komme til syne. Det vigtigste kendetegn ved romantikken var væksten af ​​form, sammensætning af orkestret og lydtæthed. De mest fremtrædende symfonikomponister i denne æra omfatter Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, PI Tchaikovsky, A. Bruckner og Gustav Mahler.

Siden anden halvdel af 1800-tallet og især i det 20. århundrede er der sket en yderligere forvandling af symfonien. Den firestemmige struktur er blevet valgfri: symfonier kan indeholde fra én (7. symfoni) til elleve (14. symfoni af D. Shostakovich) dele eller flere. Mange komponister eksperimenterede med størrelsen af ​​symfonierne, så Gustav Mahler skabte sin 8. symfoni kaldet De tusinde deltageres symfoni (på grund af styrken af ​​det orkester og kor, der kræves for at udføre den). Brugen af ​​sonateformen bliver valgfri.
Efter Beethovens 9. symfoni begyndte komponister at introducere oftere til symfonier vokale dele... Skalaen og indholdet af det musikalske materiale forbliver dog konstant.

Liste over fremtrædende symfonikomponister
Joseph Haydn- 108 symfonier
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) symfonier
Ludwig van Beethoven - 9 symfonier
Franz Schubert - 9 symfonier
Robert Schumann - 4 symfonier
Felix Mendelssohn - 5 symfonier
Hector Berlioz - flere programsymfonier
Antonín Dvořák - 9 symfonier
Johannes Brahms - 4 symfonier
Pyotr Tchaikovsky - 6 symfonier (samt "Manfred"-symfonien)
Anton Bruckner - 10 symfonier
Gustav Mahler - 10 symfonier
- 7 symfonier
Sergei Rachmaninoff - 3 symfonier
Igor Stravinsky - 5 symfonier
Sergei Prokofiev - 7 symfonier
Dmitry Shostakovich - 15 symfonier (også flere kammersymfonier)
Alfred Schnittke - 9 symfonier

Blandt de talrige musikalske genrer og former hører et af de mest hæderlige steder til symfonien. Efter at være opstået som en underholdningsgenre, fra begyndelsen af ​​det 19. århundrede til i dag, afspejler den mest følsomt og fuldt ud, som ingen anden form for musikkunst, sin tid. Symfonier af Beethoven og Berlioz, Schubert og Brahms, Mahler og Tjajkovskij, Prokofjev og Sjostakovitj er storstilede refleksioner over æraen og personligheden, over menneskehedens historie og verdens gang.

Den symfoniske cyklus, som vi kender den fra mange klassiske og moderne eksempler, tog form for omkring to hundrede og halvtreds år siden. Men i løbet af denne historisk korte periode er symfoniens genre kommet en gigantisk vej. Længden og betydningen af ​​denne vej blev netop bestemt af det faktum, at symfonien absorberede alle sin tids problemer, var i stand til at afspejle æraens komplekse, modstridende, fuld af kolossale omvæltninger, for at legemliggøre følelserne, lidelsen og kampene af folk. Det er nok at forestille sig samfundslivet i midten af ​​1700-tallet og minde om Haydns symfonier; store omvæltninger sent XVIII- begyndelsen af ​​det 19. århundrede - og Beethovens symfonier, der afspejlede dem; reaktion i samfundet, skuffelse - og romantiske symfonier; endelig alle de rædsler, som menneskeheden måtte udstå i det 20. århundrede – og sammenlign Beethovens symfonier med Shostakovichs symfonier for tydeligt at se denne enorme, til tider tragiske vej. I dag er det få mennesker, der husker, hvad begyndelsen var, hvad der er oprindelsen til denne mest komplekse af de rent musikalske genrer, der ikke er relateret til andre kunstarter.

Lad os tage et hurtigt blik på det musikalske Europa i midten af ​​det 18. århundrede.

I Italien, det klassiske kunstland, trendsætteren af ​​alle europæiske lande, operaen regerer. Den såkaldte opera-seria ("seriøs") dominerer. Der er ingen levende individuelle billeder i den, der er ingen ægte dramatisk handling... Opera Seria er en afveksling af forskellige sindstilstande, legemliggjort i konventionelle tegn. Dens vigtigste del er aria, hvor disse tilstande overføres. Der er arier af vrede og hævn, arier af klager (lamento), sorgfulde langsomme arier og glædelig bravour. Disse arier var så generaliserede, at de kunne overføres fra en opera til en anden, uden at forestillingen skades. Det gjorde komponister faktisk ofte, især når de skulle skrive flere operaer pr. sæson.

Melodien blev elementet i opera-serien. Den berømte italienske bel canto-kunst fandt sit højeste udtryk her. I arier har komponister nået de sande højder af legemliggørelsen af ​​denne eller hin tilstand. Kærlighed og had, glæde og fortvivlelse, vrede og sorg blev formidlet af musikken så levende og overbevisende, at man ikke behøvede at høre teksten for at forstå, hvad sangeren sang om. Dette banede i det væsentlige vejen for tekstløs musik designet til at legemliggøre menneskelige følelser og lidenskab.

Fra mellemspil - indskudte scener opført mellem akter af opera-serien og ikke relateret til den - opstod dens muntre søster, den komiske opera-glade. Demokratisk i indhold (dets karakterer var ikke mytologiske helte, konger og riddere, og simple mennesker fra folket), modsatte hun sig bevidst hofkunsten. Opera buff var bemærkelsesværdig for sin naturlighed, livlige handling og spontaniteten af ​​det musikalske sprog, ofte direkte relateret til folklore. Den indeholdt vokale tongue twisters, komisk parodikoloratur, livlige og lette dansemelodier. Akternes finale udfoldede sig som ensembler, hvor karaktererne nogle gange sang på én gang. Nogle gange blev sådanne finaler kaldt en "bold" eller "forvirring", så hurtigt rullede handlingen ind i dem, og intrigen viste sig at være forvirrende.

Instrumentalmusik udviklede sig også i Italien, og frem for alt den genre, der er tættest forbundet med opera - ouverturen. Som en orkestral introduktion til en operaforestilling lånte hun fra operaen lyse, udtryksfulde musikalske temaer, der ligner ariernes melodier.

Datidens italienske ouverture bestod af tre afsnit - hurtig (Allegro), langsom (Adagio eller Andante) og igen hurtig, oftest en menuet. De kaldte det sinfonia - i oversættelse fra græsk - konsonans. Over tid begyndte ouverturer at blive udført ikke kun i teatret før gardinets åbning, men også separat som selvstændige orkesterværker.

I slutningen af ​​det 17. og begyndelsen af ​​det 18. århundrede dukkede en strålende galakse af violinvirtuoser, som samtidig var begavede komponister, op i Italien. Vivaldi, Iomelli, Locatelli, Tartini, Corelli og andre, der perfekt mestrede violinen - et musikinstrument, der i sin udtryksevne kan sammenlignes med den menneskelige stemme - skabte et omfattende violinrepertoire, hovedsageligt af stykker kaldet sonater (fra den italienske sonare - lyd). I dem, som i klaversonaterne af Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello og andre komponister, dannedes nogle fælles strukturelle træk, som så gik over i symfonien.

Frankrigs musikliv blev formet anderledes. De har længe elsket musik forbundet med ord og handlinger. Balletkunsten var højt udviklet; en særlig type opera blev dyrket - en lyrisk tragedie, beslægtet med Corneilles og Racines tragedier, som havde præg af det særlige liv i det kongelige hof, dets etikette, dets festligheder.

De franske komponister tiltrak plottet, programmet, den verbale definition af musik og når de skabte instrumentale stykker... "Waving Cap", "Reapers", "Tambourine" - dette var navnet på cembalo-stykkerne, som enten var genresketches eller musikalske portrætter- "Graceful", "Gentle", "Hårdtarbejdende", "Koket".

Større værker, bestående af flere dele, stammer fra dansen. Den strenge tyske allemand, mobile, som en glidende fransk klokke, den statelige spanske sarabanda og den hurtige gigue - engelske sømænds brændende dans - har længe været kendt i Europa. De dannede grundlaget for genren af ​​instrumentalsuiten (fra den franske suite - sekvens). Andre danse var ofte inkluderet i suiten: menuet, gavotte, polonaise. En indledende optakt kunne lyde foran allemand, midt i suiten en afmålt dansebevægelse til tider blev den afbrudt af en fri arie. Men rygraden i suiten er fire forskellige typer dans forskellige nationer- var bestemt til stede i samme rækkefølge, idet de skitserede fire forskellige stemninger guider lytteren fra begyndelsens rolige bevægelse til den spændende farende slutning.

Suiterne er skrevet af mange komponister, og ikke kun i Frankrig. Den store Johann Sebastian Bach, hvis navn, såvel som tyskeren musikalsk kultur dengang generelt hænger mange musikalske genrer sammen.

I lande tysk, det vil sige talrige tyske kongeriger, fyrstendømmer og bispedømmer (preussiske, bayerske, saksiske osv.), samt i forskellige områder det multinationale østrigske imperium, som dengang omfattede "musikernes folk" - Tjekkiet slaveret af habsburgerne - instrumentalmusik har længe været dyrket. I enhver lille by, by eller endda landsby var der violinister og cellister, om aftenen lød solo- og ensemblestykker spillet med entusiasme af amatører. Centrene for at lave musik var normalt kirker og skoler knyttet til dem. Læreren var i reglen kirkens organist, der optrådte på helligdage musikalske fantasier efter bedste evne. I store tyske protestantiske centre, som for eksempel Hamborg eller Leipzig, tog nye former for musikfremstilling form: orgelkoncerter i katedraler. Disse koncerter bød på præludier, fantasier, variationer, korarrangementer og, vigtigst af alt, fugaer.

Fuge er den mest kompleks udsigt polyfonisk musik, som nåede sit højdepunkt i I.S. Bach og Handel. Dens navn kommer fra det latinske fuga - løb. Det er et polyfonisk stykke baseret på et enkelt tema, der går (løber!) fra stemme til stemme. Samtidig kaldes hver en stemme melodilinje... Afhængig af antallet af sådanne linjer kan fugaen være tre-, fire-, femstemmig osv. I fugaens midterste del, efter at temaet har lydt helt i alle stemmer, begynder den at blive udviklet: derefter begyndelsen vises og forsvinder igen, så udvider den sig (hver af tonerne, der udgør den, bliver dobbelt så lang), formindskes derefter - dette kaldes et emne i en stigning og et emne i et fald. Det kan ske, at de faldende melodiske træk inden for temaet bliver stigende og omvendt (temaet er i omløb). Melodisk bevægelse bevæger sig fra en toneart til en anden. Og i det sidste afsnit af fugaen - Reprise - lyder temaet igen uændret, som i begyndelsen, og vender tilbage til stykkets hovedtonalitet.

Lad os huske igen: vi taler om midten af ​​det 18. århundrede. En eksplosion er under opsejling i det aristokratiske Frankrigs indvolde, som meget snart vil feje det absolutte monarki væk. En ny tid kommer. Og mens revolutionære følelser stadig kun latent forberedes, modarbejder franske tænkere den eksisterende orden. De kræver alle menneskers lighed for loven, proklamerer ideerne om frihed og broderskab.

Kunst, der afspejler skift i det offentlige liv, er følsom over for ændringer i den politiske atmosfære i Europa. Et eksempel på dette er udødelige komedier Beaumarchais. Det gælder også for musik. Det er nu, i en svær periode fyldt med begivenheder af kolossal historisk betydning, i dybet af gamle, veletablerede musikgenrer og former, en ny, virkelig revolutionerende genre er ved at blive født - symfonien. Det bliver kvalitativt, grundlæggende anderledes, for det rummer også en ny type tænkning.

Formentlig er det ikke tilfældigt, at symfoniens genre, med forudsætninger i forskellige områder af Europa, endelig blev dannet i det tyske sprogs lande. I Italien national kunst der var en opera. I England, ånden og meningen med det, der skete der historiske processer mest fuldt ud afspejlede Georg Händels oratorier - en tysk af fødsel, som blev den nationale engelske komponist. I Frankrig kom andre kunstarter frem, især litteratur og teater, mere konkrete, direkte og forståeligt udtrykte nye ideer, der begejstrede verden. Voltaires værker, "New Eloise" af Rousseau, "Persiske bogstaver" af Montesquieu i en tilsløret, men ret forståelig form præsenterede læserne for ætsende kritik af den eksisterende orden, tilbød deres egne versioner af samfundsstrukturen.

Da det efter et par årtier kom til musikken, dukkede en sang op i de revolutionære troppers rækker. Det mest slående eksempel på dette er Sang om Rheinlandshæren af ​​officer Rouge de Lisle, skabt over natten, som blev verdensberømt under navnet Marseillaise. Sangen blev efterfulgt af musik af massefester og sørgeceremonier. Og endelig den såkaldte "frelsens opera", der havde som indhold tyrannens jagt på helten eller heltinden og deres frelse i operaens finale.

Symfonien krævede dog helt andre betingelser både for dens dannelse og for fuldgyldig opfattelse. Den filosofiske tankes "tyngdepunkt", som fuldt ud afspejlede den dybe essens af den tids sociale forandringer, endte i Tyskland, langt fra sociale storme.

Der skabte først Kant og senere Hegel deres nye filosofiske systemer. Ligesom filosofiske systemer blev symfonien - den mest filosofiske, dialektisk-proceduremæssige genre af musikalsk kreativitet - endelig dannet, hvor kun de fjerne ekkoer af de nærgående tordenvejr nåede. Hvor der i øvrigt er udviklet en stabil tradition for instrumentalmusik.

Et af hovedcentrene for fremkomsten af ​​en ny genre var Mannheim - hovedstaden i den bayerske kurfyrste Pfalz. Her i kurfyrst Karl Theodors strålende hof holdt man i 40-50'erne af 1700-tallet et fremragende orkester, måske det bedste i Europa på den tid.

På det tidspunkt var symfoniorkestret stadig i sin vorden. Og i hofkapellerne og i katedraler fandtes ikke orkestergrupper med en stabil sammensætning. Alt afhang af de midler, som herskeren eller magistraten havde til rådighed, af smagen hos dem, der kunne give ordrer. Til at begynde med spillede orkestret kun en anvendt rolle, idet det akkompagnerede enten hofoptrædener eller festligheder og højtidelige ceremonier. Og det blev først og fremmest betragtet som et opera- eller kirkeensemble. I starten bestod orkestret af violer, luter, harper, fløjter, oboer, franske horn, trommer. Efterhånden udvidede line-up'et sig, antallet af strengeinstrumenter steg. Med tiden fortrængte violiner den gamle bratsch og tog hurtigt en ledende position i orkestret. Træblæseinstrumenter - fløjter, oboer, fagotter - forenet i en separat gruppe, der var også kobber - piber, tromboner. Et obligatorisk instrument i orkestret var cembaloen, som skaber et harmonisk grundlag for klangen. Bag ham fandt sædvanligvis lederen af ​​orkestret sted, som spillede samtidig gav instrukser til introduktionen.

I slutningen af ​​det 17. århundrede blev instrumentalensembler, der fandtes ved Adelsgårdene, udbredt. Hver af de mange små fyrster i det fragmenterede Tyskland ønskede at have sit eget kapel. Den hurtige udvikling af orkestre begyndte, nye metoder til orkesterspil dukkede op.

Mannheim Orchestra bestod af 30 strygere, 2 fløjter, 2 oboer, klarinet, 2 fagotter, 2 trompeter, 4 horn, pauker. Dette er rygraden i det moderne orkester, den komposition, som mange komponister fra den efterfølgende æra skabte deres værker til. Orkestret blev ledet af en fremragende musiker, komponist og violinvirtuos tjekkiske Jan Vaclav Stamitz. Blandt orkestrets kunstnere var også deres tids største musikere, ikke kun instrumentale virtuoser, men også talentfulde komponister Franz Xaver Richter, Anton Filz m.fl. De bestemte det fremragende niveau af orkestrets optrædende færdigheder, som blev berømt for sine fantastiske kvaliteter - den uopnåelige jævnhed af violinslag, de fineste gradueringer dynamiske nuancer, tidligere slet ikke brugt.

Ifølge en nutidig kritiker Bossler, "den nøjagtige overholdelse af klaveret, forte, rinforzando, den gradvise vækst og forstærkning af lyden og så igen et fald i dens styrke ned til en knap hørbar lyd - alt dette kunne kun høres i Mannheim ." Bernie, en engelsk elsker af musik, som tog en tur til Europa i midten af ​​det 18. århundrede, gentager ham: "Dette ekstraordinære orkester har plads nok og facetter til at vise alle sine evner og gøre en stor indflydelse. Det var her, at Stamitz, inspireret af Yomellis værker, for første gang gik ud over de sædvanlige operaouverturer ... alle de effekter, som sådan en masse af lyde kan frembringe, blev prøvet. Det var her, crescendos og diminuendos blev født, og klaveret, som tidligere hovedsageligt blev brugt som et ekko og normalt var synonymt med det, og forte blev anerkendt som musikalske farver, der har deres egne nuancer ... "

Det var i dette orkester, firestemmige symfonier for første gang lød – kompositioner, der var bygget efter samme type og havde generelle love, der absorberede mange træk ved tidligere eksisterende musikalske genrer og former og smeltede dem sammen til en kvalitativt anderledes; ny enhed.

De første akkorder er afgørende, fyldige, som om de kalder på opmærksomhed. Derefter brede, fejende passager. Igen, akkorder, erstattet af en arpeggieret bevægelse, og så - en livlig, elastisk, som om udfoldende forår, melodi. Det ser ud til, at det kan udfolde sig i det uendelige, men det går hurtigere, end rygtet ønsker det: som en gæst præsenteret for husets ejere under stor modtagelse, bevæger sig væk fra dem og giver plads til andre, der følger efter. Efter et øjebliks generel bevægelse dukker et nyt tema op – blødere, feminint, lyrisk. Men det lyder ikke langt, opløses i passager. Efter noget tid har vi igen det første tema, lidt ændret, i en ny nøgle. En strøm af musik flyder hurtigt og vender tilbage til symfoniens originale, grundlæggende tonalitet; det andet tema flyder organisk ind i denne strøm, og nærmer sig nu det første i karakter og stemning. Symfoniens første sats slutter med fuldklingende glædelige akkorder.

Den anden sats, andante, udfolder sig langsomt, melodisk og afslører strengeinstrumenternes udtryksfuldhed. Dette er en slags arie for orkester, domineret af tekster, elegisk meditation.

Tredje sats er en elegant galant menuet. Det skaber en følelse af afslapning, afslapning. Og så, som en brændende hvirvelvind, bryder en brandende finale ind. Sådan er generel oversigt, en symfoni fra den tid. Dens oprindelse kan spores meget tydeligt. Førstesatsen minder mest af alt om en operaouverture. Men hvis ouverturen kun er forestillingens tærskel, så udfolder selve handlingen sig her i lyde. Typisk operamusikalske billeder af ouverturen - heroisk fanfare, rørende lamentoer, stormende bøvler - er ikke forbundet med specifikke scenesituationer og har ikke karakteristiske individuelle træk (husk, at selv den berømte ouverture til Rossinis Barber af Sevilla ikke har noget med indholdet at gøre af operaen og i det hele taget blev den oprindeligt skrevet til en anden opera!), brød op fra operaforestillingen og begyndte et selvstændigt liv. De er let genkendelige i den tidlige symfoni - de afgørende modige intonationer af de heroiske arier i de første temaer, kaldet de vigtigste, de lyriske ariernes ømme suk i det andet - de såkaldte sekundære - temaer.

De operatiske principper afspejles også i symfoniens tekstur. Hvis tidligere polyfoni herskede i instrumentalmusikken, det vil sige polyfoni, hvor flere selvstændige melodier, der flettede sammen, lød samtidigt, begyndte her at udvikle polyfoni af en anden type: én hovedmelodi (oftest violin), udtryksfuld, betydningsfuld, akkompagneret af en akkompagnement, der sætter den i gang, understreger hendes individualitet. Denne type polyfoni, kaldet homofoni, dominerer den tidlige symfoni. Senere dukker apparater lånt fra fugaen op i symfonien. Men i midten af ​​det 18. århundrede er det mere sandsynligt, at den er modstander af en fuga. Der var som regel ét tema (der er dobbelte, tredobbelte og flere fugaer, men i dem er temaerne ikke modsatte, men sidestillede). Det blev gentaget mange gange, men intet modsagde det. Det var i bund og grund et aksiom, en tese, der gentagne gange er blevet hævdet uden at kræve bevis. Det modsatte i symfonien: i udseendet og yderligere ændringer af div musikalske temaer og billederne høres tvister, modsætninger. Måske er det i dette, at tidens tegn afspejles mest levende. Sandheden er ikke længere en selvfølge. Det skal søges, bevises, underbygges ved at sammenligne forskellige meninger spørger forskellige synspunkter. Det er, hvad encyklopædister gør i Frankrig. Dette er grundlaget for tysk filosofi, især Hegels dialektiske metode. Og selve ånden fra søgetidens æra afspejles i musikken.

Så symfonien tog meget fra operaouverturen. Især ouverturen skitserede også princippet om vekslende kontrastafsnit, som i symfonien blev til selvstændige partier. I sin første del - forskellige sider, forskellige følelser af en person, livet i dets bevægelse, udvikling, ændringer, kontraster og konflikter. I anden del - refleksion, koncentration, nogle gange - tekster. I den tredje - afslapning, underholdning. Og endelig finalen - billeder af sjov, jubel og på samme tid - resultatet musikalsk udvikling, afslutning af den symfoniske cyklus.

En sådan symfoni vil være dannet i begyndelsen af ​​det 19. århundrede, sådan vil den i de mest generelle vendinger for eksempel være af Brahms eller Bruckner. Og ved sin fødsel lånte hun tilsyneladende de mange dele fra suiten.

Allemande, Couranta, Sarabande og Gigue - fire obligatoriske danse, fire forskellige stemninger, som let spores i de tidlige symfonier. Dans i dem kommer meget tydeligt til udtryk, især i finalerne, som i forhold til melodisk karakter, tempo, ja endda taktens takt, ofte minder om en gigue. Ganske vist er finalen af ​​en symfoni nogle gange tættere på den funklende finale af en opera buffa, men selv da er dens forhold til dans, for eksempel tarantellaen, utvivlsomt. Hvad angår den tredje del, kaldes den menuetten. Kun i Beethovens værk vil scherzoen erstatte dansen - den galante hofmand eller den uforskammede almue -.

Således har den nyfødte symfoni absorberet træk fra mange musikalske genrer og genrer, født i forskellige lande. Og dannelsen af ​​symfonien fandt sted ikke kun i Mannheim. Der var Wienerskolen, repræsenteret, især ved Wagenzeil. I Italien skrev Giovanni Battista Sammartini orkesterværker, som han kaldte symfonier og tiltænkte koncertforestilling ikke relateret til operaforestilling... I Frankrig vendte en ung komponist, belgisk af oprindelse, François-Joseph Gossek, sig til den nye genre. Hans symfonier mødte ikke respons og anerkendelse, siden under Fransk musik Programmeringen sejrede, men hans arbejde spillede en rolle i dannelsen af ​​fransk symfoni, i fornyelsen og udvidelsen af ​​symfoniorkestret. Den tjekkiske komponist Frantisek Micha, der på et tidspunkt tjente i Wien, eksperimenterede meget og med succes i sin søgen efter symfonisk form. Hans berømte landsmand Josef Myslevichka havde interessante eksperimenter. Alle disse komponister var dog enspændere, og der blev dannet en hel skole i Mannheim, som også rådede over et førsteklasses "instrument" - det berømte orkester. Takket være den heldige lejlighed, at kurfyrsten i Pfalz var en stor musikelsker og havde midler nok til at betale de enorme udgifter til den, samledes store musikere fra forskellige lande - østrigere og tjekkere, italienere og preussere - i hovedstaden i Pfalz, hver især af hvem bidrog med sit eget bidrag til skabelsen af ​​en ny genre. I værker af Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeski, Anton Filz og andre mestre opstod symfonien i de grundlæggende træk, som derefter gik over i wienerklassikernes værk - Haydn, Mozart, Beethoven.

Så i løbet af det første halve århundrede af den nye genres eksistens er der udviklet en klar strukturel og dramatisk model, der er i stand til at rumme et varieret og meget væsentligt indhold. Grundlaget for denne model var den form, der blev kaldt sonaten, eller sonata allegro, da den oftest blev skrevet i dette tempo, og senere typisk for både symfoni og instrumental sonate og koncert. Dens ejendommelighed er sammenstillingen af ​​forskellige, ofte modstridende musikalske temaer. De tre hovedafsnit af sonateformen - udlægning, udvikling og rekapitulation - ligner åbningen, udviklingen af ​​handlingen og afslutningen af ​​et klassisk drama. Efter en kort introduktion eller umiddelbart i begyndelsen af ​​udstillingen passerer stykkets "karakterer" foran publikum.

Det første musikalske tema, der lyder i værkets hovedtoneart, kaldes det vigtigste. Oftere - hovedtemaet, men mere korrekt - hovedpartiet, da inden for hovedpartiet, det vil sige et bestemt segment musikalsk form, forenet af én tonalitet og fantasifuldt fællestræk, begyndte med tiden ikke at dukke én, men flere forskellige temaer-melodier op. Efter hovedbatchen, i de tidlige prøver ved direkte sammenligning, og i de senere gennem et lille koblingsparti, begynder en sidebatch. Hendes tema eller to eller tre forskellige emner i kontrast til den vigtigste. Oftest er sidedelen mere lyrisk, blød, feminin. Det lyder i en anden toneart end den primære, sekundære (deraf navnet på delen) toneart. En følelse af ustabilitet og nogle gange konflikt er født. Udstillingen afsluttes med den sidste del, som i tidlige symfonier enten er fraværende, eller spiller en ren servicerolle som en slags pointe, et gardin efter stykkets første akt, og senere, begyndende med Mozart, får betydningen af ​​en uafhængigt tredje billede, sammen med hoved- og sekundærbilledet.

Den midterste del af sonateformen er udvikling. Som navnet viser, udvikles de musikalske temaer, som lytterne har stiftet bekendtskab med i udstillingen (det vil sige dem, der er udstillet tidligere) i den, undergår ændringer og udvikling. Samtidig vises de fra nye, nogle gange uventede sider, de modificeres, separate motiver er isoleret fra dem - de mest aktive, som senere støder sammen. Udvikling er et dramatisk effektivt afsnit. Til sidst kommer kulminationen, som fører til en gentagelse - formens tredje afsnit, en slags afslutning af dramaet.

Navnet på dette afsnit kommer fra det franske ord reprendre - at genoptage. Det er en fornyelse, en gentagelse af udlægningen, men ændret: begge dele lyder nu i symfoniens hovedtoneart, som om de var bragt til enighed af udviklingsbegivenhederne. Nogle gange er der andre ændringer i reprisen. For eksempel kan den afkortes (uden nogen af ​​de temaer, der lød i udstillingen), spejles (først lyder sidedelen, og først derefter hoveddelen). Symfoniens første sats slutter som regel med en coda - en konklusion, der hævder grundtonaliteten og grundbilledet af sonatens allegro. I de tidlige symfonier er codaen ikke stor og er i bund og grund en noget udviklet afsluttende del. Senere, for eksempel i Beethoven, får det betydelige proportioner og bliver til en slags anden udvikling, hvor der igen i kampen opnås en påstand.

Denne form viste sig at være virkelig universel. Fra dagene for symfoniens begyndelse til i dag, rummer den med succes det dybeste indhold, formidler et uudtømmeligt væld af billeder, ideer, problemer.

Anden sats af symfonien er langsom. Dette er normalt det lyriske centrum af cyklussen. Dens form er anderledes. Oftest er den tredelt, det vil sige, den har lignende ekstreme sektioner og en midterkontrasterende, men den kan skrives i form af variationer eller en hvilken som helst anden, op til en sonate, som kun adskiller sig strukturelt fra den første allegro i et langsommere tempo og mindre effektiv udvikling.

Tredje sats - i menuettens tidlige symfonier og fra Beethoven til nutiden - scherzoen - er normalt en kompleks trestemmig form. Indholdet af denne del er blevet ændret og kompliceret gennem årtier fra hverdags- eller hofdans til monumentale kraftfulde scherzoer. 19. århundrede og videre, til de formidable billeder af ondskab, vold i de symfoniske cyklusser af Shostakovich, Honegger og andre symfonister i det 20. århundrede. Siden den anden halvdelen af ​​XIXårhundrede skifter scherzoen i stigende grad plads med den langsomme del, som i overensstemmelse med det nye koncept for symfonien bliver en slags følelsesmæssig reaktion ikke kun på begivenhederne i første sats, men også på scherzoens figurative verden. (især i Mahlers symfonier).

Finalen, som er resultatet af cyklussen, i tidlige symfonier er ofte skrevet i form af en rondosonate. Vekslingen af ​​muntre, funklende med sjove episoder med et ufravigeligt danserefræn - sådan en struktur fulgte naturligvis af karakteren af ​​finalens billeder, fra dens semantik. Over tid, med uddybningen af ​​symfoniens problemer, begyndte mønstrene i strukturen af ​​dens finale at ændre sig. Finaler begyndte at dukke op i sonateform, i form af variationer, i fri form og endelig - med træk af oratorium (med inklusion af et omkvæd). Hans billeder har også ændret sig: ikke kun livsbekræftelse, men nogle gange et tragisk udfald (Tjajkovskijs sjette symfoni), forsoning med den grusomme virkelighed eller tilbagetrækning fra den til drømmenes verden, illusioner er blevet indholdet af finalen i den symfoniske cyklus i sidste hundrede år.

Men tilbage til begyndelsen af ​​denne genres glorværdige vej. Efter at være opstået i midten af ​​det 18. århundrede nåede den sin klassiske fuldstændighed i den store Haydns værk.

fra det græske. symfoni - konsonans

Et stykke musik for orkester, hovedsageligt symfonisk, normalt i sonate-cyklisk form. Består normalt af 4 dele; der er S. med flere og færre dele, op til enstemmige. Nogle gange indføres i S. foruden orkestret kor og solovok. stemmer (deraf vejen til S.-kantate). Der er partiturer til stryger-, kammer-, blæser- og andre orkesterkompositioner, for orkester med soloinstrument (S.-koncert), orgel, kor (kor S.) n vok. ensemble (station C). Koncertsymfoni - S. med koncert (solo)instrumenter (fra 2 til 9), strukturelt relateret til koncerten. S. nærmer sig ofte andre genrer: S.-suite, S.-rapsodi, S.-fantasy, S.-ballade, S.-legende, S.-digt, S.-kantate, S.-requiem, S.- ballet, S.-drama (en slags kantate), teater. S. (slægt honer). Af S.s natur kan også sammenlignes med tragedie, dramatik, lyrisk poesi. digt, heroisk. episk, kom tættere på genremusernes cyklus. skuespil, vil skildre en serie. muser. billeder. Typisk hun kombinerer delenes kontrast med designens enhed, mangfoldigheden af ​​forskelligartede billeder med musernes integritet. drama. S. indtager samme plads i musikken som et drama eller en roman i litteraturen. Som den højeste type værktøj. musik den overgår alle andre af dens typer i de bredeste muligheder for at legemliggøre midler. ideer og et væld af følelsesmæssige tilstande.

Oprindeligt i dr. Grækenland, ordet "S." betød en harmonisk kombination af toner (fjerde, kvint, oktav), samt fællessang (ensemble, omkvæd) unisont. Senere, i Dr. Rom, blev det navnet på instr. ensemble, orkester. På onsdag. århundrede S. blev forstået som en verdslig instr. musik (i denne betydning blev udtrykket brugt i Frankrig allerede i det 18. århundrede), nogle gange musik generelt; desuden blev nogle muser kaldt det. værktøjer (f.eks. hjullyre). I det 16. århundrede. dette ord bruges i titlen. samling af motetter (1538), madrigaler (1585), sang-instruktør. kompositioner ("Sacrae symphoniae" - "Sacred symphonies" G. Gabrieli, 1597, 1615) og derefter instr. polyfonisk skuespil (begyndelsen af ​​1600-tallet). Det er tildelt polygonalisme. (ofte akkordale) episoder såsom en wok-intro eller mellemspil. og instr. værker, især til introerne (ouverturerne) til suiter, kantater og operaer. Blandt opera S. (ouverturer) blev to typer skitseret: venetiansk - af to sektioner (langsom, højtidelig og hurtig, fuga), udviklet senere på fransk. ouverture, og den napolitanske - af tre sektioner (hurtig - langsom - hurtig), indført i 1681 af A. Scarlatti, som dog brugte andre sammensætninger af dele. Sonata cyklisk formen bliver efterhånden dominerende i S. og får deri en særlig mangesidet udvikling.

Står fra hinanden ca. 1730 fra operaen, hvor orken. indledningen blev bevaret i form af en ouverture, siden blev selvstændig. slags ork. musik. I det 18. århundrede. vil opfylde det som grundlag. komposition var strenge. instrumenter, oboer og franske horn. S.s udvikling var præget af dekomp. typer af orker. og kammermusik - en koncert, en suite, en triosonate, en sonate osv., samt en opera med dens ensembler, kor og arier, hvis indflydelse på melodi, harmoni, struktur og billedsprog er ret mærkbar. Hvor specifik. genre S. modnes efterhånden som den blev løsrevet fra andre musikgenrer, især teatralsk, opnåede selvstændighed i indhold, form, udvikling af temaer og skabelsen af ​​den kompositionsmetode, som senere blev kaldt symfonisk musik og til gengæld havde en enorm indvirkning på mange områder muser. kreativitet.

Strukturen af ​​S. har gennemgået evolution. S. var baseret på den 3-delte cyklus af den napolitanske type. Følger ofte venetianske og franskmænds eksempel. Ouverturer i S. omfattede en langsom introduktion til første sats. Senere trådte en menuet ind i S. - først som afslutning på en 3-delt cyklus, derefter som en af ​​delene (normalt den tredje) i en 4-delt cyklus, i hvis finale som regel rondoen. eller rondosonateform blev brugt. Siden L. Beethovens tid er menuetten erstattet af scherzo (3., nogle gange 2. sats), siden G. Berlioz' tid - og valsen. Sonateformen, som er vigtigst for S., bruges først og fremmest i første sats, nogle gange også i langsomme og sidste satser. I det 18. århundrede. S. dyrkede mange. mestre. Blandt dem er italieneren J. B. Sammartini (85 C., ca. 1730-70, hvoraf 7 er tabt), komponister af Mannheim-skolen, hvor tjekkerne indtog en ledende position (F.K. Richter, J. Stamitz, etc. . ), repræsentanter for de såkaldte. præklassisk (eller tidligt) wienerskole(M. Monn, G.K. Wagenzeil m.fl.), belgieren F.J. Gossek, der arbejdede i Paris, grundlæggeren af ​​franskmændene. S. (29 s., 1754-1809, herunder "Jagt", 1766; desuden 3 s. For messingorkester). Klassisk type C. blev skabt af Austr. komp. J. Haydn og W.A. Mozart. I værket af "symfoniens fader" Haydn (104 S., 1759-95) fuldførtes dannelsen af ​​C. Fra genren underholdende hverdagsmusik blev den til den dominerende form for seriøs instrumental. musik. Etableret og etableret. funktioner i dens struktur. S. har udviklet sig som en sekvens af internt kontrasterende, målrettet udviklende og forenet generel idé dele. Mozart introducerede drama i S. spænding og lidenskabelig lyrik, storhed og ynde, gav hende en endnu større stilistisk enhed (ca. 50 C, 1764 / 65-1788). Hans sidste S.- Es-dur, g-mol og C-dur ("Jupiter") - symfoniens højeste præstation. retssag 1700-tallet Mozarts kreative erfaring afspejlede sig i senere værker. Haydn. Rollen som L. Beethoven, der fuldførte den klassiske wienerskole (9 s., 1800-24), er særlig stor i S.s historie. Hans 3. ("Heroisk", 1804), 5. (1808) og 9. (med vokalkvartet og omkvæd i finalen, 1824) S. er eksempler på heroisk. symfoni henvendt til masserne, der legemliggør revolutionen. patos køje kæmpe. Hans 6. S. ("Pastoral", 1808) er et eksempel på programmeret symfoni (se Programmeret musik), og 7. S. (1812), med R. Wagners ord, er "dansens apoteose." Beethoven udvidede omfanget af S., dynamiserede dets drama og uddybede tematikkens dialektik. udvikling, beriget int. bygge og ideologisk betydning MED.

For Austr. og det. romantiske komponister 1. sal. 19. århundrede typiske genrer er lyrisk ("Ufærdig" Schuberts symfoni, 1822) og episk (den sidste - Schuberts 8. symfoni) C, samt landskabs- og hverdagsmusik med farverig nat. farvelægning ("italiensk", 1833 og "skotsk", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdi). Psykologien er også vokset. S.s rigdom (4 symfonier af R. Schumann, 1841-51, hvor de langsomme satser og scherzoen er mest udtryksfulde). Tendensen til spontanitet, som allerede er dukket op blandt klassikerne. overgang fra den ene del til den anden og etablering af tematisk. forbindelsen mellem satserne (f.eks. i Beethovens 5. symfoni) forstærkedes blandt romantikerne, og C optrådte, hvor satserne følger efter hinanden uden pauser ("Skotsk" symfoni af Mendelssohn-Bartholdi, Schumanns 4. symfoni).

Franskmændenes storhedstid. S. henviser til 1830-40, hvor der er nyskabende værker. G. Berlioz, romantikerens skaber. software C baseret på lys. plot (5-delt "Fantastisk" C, 1830), S.-koncert ("Harold i Italien", for bratsch og orkester, af J. Byron, 1834), S.-oratorium ("Romeo og Julie", dram. S. i 6 dele, med solister og kor, efter W. Shakespeare, 1839), "Begravelses- og triumfsymfoni" (begravelsesmarch, "oratorisk" trombonesolo og apoteose - for et åndeorkester eller symf. Orkester, efter behag - og kor, 1840). Berlioz er kendetegnet ved en storslået produktion, en kolossal sammensætning af orkestret, farverig instrumentering med subtile nuancer. Filosofisk og etisk. problemet afspejlede sig i F. Liszts symfonier ("Faust-symfoni", men af ​​J. V. Goethe, 1854, med et afsluttende omkvæd, 1857; "S. k." guddommelig komedie Dante, 1856). Som en antipode til Berlioz og Liszts programmatiske retning handlede han. komi. I. Brahms, der arbejdede i Wien. I hans 4 S. (1876-85), udviklede traditioner fra Beethoven og romantisk. symfoni, kombineret klassisk. harmoni og variation følelsesmæssige tilstande... Lignende i stilen. aspirationer og samtidig individuelt fransk. S. af samme periode - 3. S. (med orgel) af C. Saint-Saens (1887) og S. d-mol af S. Frank (1888). I S. "Fra den nye verden" af A. Dvořák (sidste, kronologisk 9. 1893), blev ikke kun tjekkiske, men også neger- og indiske muser brudt. elementer. Væsentlige ideologiske begreber i Austr. symfonisterne A. Bruckner og G. Mahler. Monumentale værker Bruckner (8 s., 1865-1894, 9. ikke færdig, 1896) rigdom af polyfon er iboende. stoffer (påvirkningen af ​​organisatorisk kunst, såvel som muligvis musikdramaer af R. Wagner), varigheden og kraften af ​​følelsesmæssige opbygninger. Til Mahlers symfoni (9 C., 1838-1909, hvoraf 4 med sang, inklusive den 8. - "symfoni af tusinde deltagere", 1907; den 10. er ikke færdig, forsøgte D at færdiggøre den efter skitser. Cook 1960, S.-kantate "Song of the Earth" med 2 solosangere, 1908) karakteriseret ved konflikternes skarphed, sublim patos og tragedie, der udtrykker nyhed. midler. Som om i modsætning til deres store kompositioner ved hjælp af de rige udføre. apparat, en kammersymfoni og en symfoni optræder.

Fremtrædende forfattere i det 20. århundrede i Frankrig - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (schweizer efter nationalitet, 5 S., 1930-50, herunder 3. - "Liturgisk", 1946, 5. - S. "three re", 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", i 10 dele, 1948); i Tyskland - R. Strauss ("Hjem", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, inklusive 1. - "Kunstner Matis", 1934, 3- I - "Harmony of verden", 1951), KA Hartman (8 S., 1940-62) m.fl. Bidrag til udviklingen af ​​S. blev ydet af schweizeren H. Huber (8 S., 1881-1920, inkl. . 7. - "Schweiziske", 1917), nordmændene K. Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, inklusive antifascist af design 5-7-i, 1941-1945) , K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), rumænsk J. Enescu (3 S. ., 1905-19), hollandske B. Peiper (3 S., 1917-27) og H. Badings (10 S., 1930-1961), svenskeren H. Rosenberg (7 S., 1919- 69, og S. for spiritus- og slagtøjsinstrumenter, 1968), den italienske JF Malipiero (11 S., 1933-69), den engelske R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S. Requiem, 1940, " Spring" S. for solosangere, blandet kor, drengekor og symfoniorkester, 1949), amerikanerne C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) og R. Harris (12 C, 1933-69), braz Ilets E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) m.fl. En bred vifte af typer C. 20. århundrede. på grund af mangfoldigheden af ​​kreative. retninger, nat. skoler, folkelige forbindelser. Moderne S. er også forskellige i struktur, form, karakter: tendens til intimitet og tværtimod mod monumentalitet; ikke opdelt i dele og bestående af flertal. dele; trad. lager og fri sammensætning; til den sædvanlige symfoni. orkester og til usædvanlige kompositioner mv. En af tendenserne i det 20. århundredes musik. forbundet med modifikationen af ​​de gamle - før-klassiske og tidlige klassiske - muser. genrer og former. Han blev hyldet til SS Prokofiev i sin "Klassiske symfoni" (1907) og I. F. Stravinsky i symfonien i C og "Symfoni i tre satser" (1940-45). I en række af S. 20. århundrede. en afvigelse fra tidligere normer afsløres under indflydelse af atonalisme, atematisme og andre nye kompositionsprincipper. A. Webern byggede S. (1928) på en 12-tonet serie. Blandt repræsentanterne for "avantgarden" er S. fortrængt af dekomp. nye eksperimentelle genrer og former.

Den første blandt russerne. komponister henvendte sig til genren S. (bortset fra D.S.Bortnyansky, hvis "Concert Symphony", 1790, blev skrevet for kammerensemble) Micah. Y. Vielgorsky (hans 2. S. opført i 1825) og A. A. Alyabyev (hans enstemmige C. e-mol, 1830, og en udateret 3-delt C. Es-dur suitetype, med 4 koncerthorn er bevaret) , senere AG Rubinstein (6 S., 1850-86, inklusive 2. - "Ocean", 1854, 4. - "Dramatic", 1874). MI Glinka, forfatter til den ufærdige S.-ouverture i bunden af ​​den russiske. temaer (1834, afsluttet i 1937 af V. Ya. Shebalin), havde en afgørende indflydelse på dannelsen af ​​stilistiske. forbandet rus. S. med al sin symfoni. kreativitet, hvor kompositioner af andre genrer dominerer. I S. rus. forfattere udtales nat. karakter, er billeder af køjer fanget. liv, historiker. begivenheder afspejles poesiens motiver. Af komponisterne af Den Mægtige Håndfuld var N. A. Rimsky-Korsakov den første som forfatter til S. (3 S., 1865-74). Skaberen af ​​den russiske. episk. S. var A.P. Borodin (2 S., 1867-76; ufærdig 3., 1887, delvist optaget efter hukommelsen af ​​A.K. Glazunov). I sit arbejde, især i "Heroisk" (2.) S., legemliggjorde Borodin billederne af en gigantisk plankeseng. styrke. Blandt de højeste præstationer af verdens symfonisme - mennesket. P. I. Tchaikovsky (6 S., 1800-93, og program S. "Manfred", af J. Byron, 1885). 4., 5. og især 6. ("Patetisk", med langsom slutning) S., lyrisk-dramatisk af natur, opnå tragisk kraft i livets sammenstøds udtryk; de er dybt psykologiske. med penetration formidle et rigt spektrum af menneskelige oplevelser. Episk linje. S. blev videreført af A. K. Glazunov (8 S., 1881-1906, inklusive 1. - "Slavyanskaya"; ufærdig 9., 1910, - en del, instrumenteret af G. Ya. Yudin i 1948), 2 S. skrevet af MA Balakirev (1898, 1908), 3 S. - RM Glier (1900-11, 3. - "Ilya Muromets"). Symfonier tiltrækker dig med inderlige tekster. S. Kalinnikov (2 S., 1895, 1897), dyb koncentration af tanke - S. c-mol S. I. Taneyev (1., faktisk 4., 1898), dram. patetisk - symfonier af S. V. Rachmaninov (3 S., 1895, 1907, 1936) og A. N. Scriabin, skaberen af ​​6-delt 1. (1900), 5. del 2. (1902) og 3-del 3. ("Det guddommelige digt" , 1904), udmærket af en særlig dramatiker. integritet og udtrykskraft.

S. indtager en vigtig plads hos uglerne. musik. I uglernes arbejde. komponister fik en særlig rig og levende udvikling af den klassiske musiks høje traditioner. symfoni. Uglerne vender sig til S. komponister af alle generationer, begyndende med seniormestrene - N. Ya. 1952), og slutter med talentfulde komponistungdom. Den førende figur inden for ugler. S. - D. D. Shostakovich. På hans 15 sider (1925-71) afsløres dybden af ​​den menneskelige bevidsthed og moralens standhaftighed. kræfter (5. - 1937, 8. - 1943, 15. - 1971), der legemliggør vor tids spændende temaer (7. - den såkaldte Leningrad, 1941) og historie (11. - "1905", 1957; 12. - "1917", 1961 ), højhumanistisk. idealer er i modsætning til dystre billeder af vold og ondskab (5-del 13., på ord af E. A. Yevtushenko, for bas, kor og orkester, 1962). Udvikling af tradition. og moderne strukturtyper S., komponisten, sammen med en frit fortolket sonatecyklus (en række af hans S. er karakteriseret ved en sekvens: langsom - hurtig - langsom - hurtig), bruger andre strukturer (f.eks. i den 11. - " 1905"), tiltrækker menneskelig stemme (solister, kor). I 11. del 14. S. (1969), hvor temaet liv og død afsløres på en bred social baggrund, soleres to sangstemmer, understøttet af strygere. og blæse. værktøjer.

I regionen S. arbejder repræsentanter for adskillige mennesker produktivt. nat. grene af ugler. musik. Blandt dem er fremtrædende mestre af ugler. musik, såsom A. I. Khachaturyan - den største arm. symfonist, forfatter til farverig og temperamentsfuld S. (1. - 1935, 2. - "S. med en klokke", 1943, 3. - S.-digt, med orgel og 15 ekstra trompeter, 1947); i Aserbajdsjan - K. Karaev (hans 3. S., 1965 skiller sig ud), i Letland - J. Ivanov (15 C, 1933-72) osv. Se sovjetisk musik.

Litteratur: Glebov Igor (Asafiev B.V.), Konstruktion af en moderne symfoni, "Contemporary Music", 1925, nr. 8; Asafiev B.V., Symfoni, i bogen: Essays on Soviet musical creativity, bind 1, M.-L., 1947; 55 sovjetiske symfonier, L., 1961; Popova T., Symfoni, M.-L., 1951; Yarustovsky B., Symfonier om krig og fred, M., 1966; Sovjetisk symfoni i 50 år, (komp.), Otv. udg. G. G. Tigranov, L., 1967; Konen V., Teater og symfoni ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., Om det nationale og internationale i den sovjetiske symfoni, i bogen: Musik i et socialistisk samfund, vol. 1, L., 1969; Rytsarev S., Symphony in France before Berlioz, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchestre depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, B. 1898 . Lpz., 1926; ego, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (Russisk oversættelse - P. Weingartner, Performance of classical symphonies, vol. Tips til dirigenter, bind. 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, nr. 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le origini della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20, s. 291-346, 1914, v. 21, s. 97-121, 278-312, 1915, v 22, s. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (russisk oversættelse - Becker P., Symfoni fra Beethoven til Mahler, red. Og indledende artikel af I. Glebov, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4, H. 1, ego, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur klassis Jahrg. 1927. 8, nr. 4; eh, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., XVIII århundredes symfonier, L., 1951; Vorrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3, P., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B.S.Steinpress

Langlæst" Symfonisk musik" på Tilda-tjenesten

http://projekt134743. tilda. ws/ side621898.html

Symfonisk musik

Musikalske værker designet til at blive opført af et symfoniorkester.

Vindmessing: Trompet, Tuba, Trombone, Voltorn.

Træblæsere: obo, klarinet, fløjte, fagot.

Strygere: Violin, Bratsch, Cello, Kontrabas

Trommer: Bastromme, lilletromme, Tamtam, Pauker, Celesta, Tambourine, bækkener, Castanets, Maracas, Gong, Triangle, Bells, Xylophone

Andre instrumenter i symfoniorkestret: Orgel, Celesta, Cembalo, Harpe, Guitar, Klaver (flygel, klaver).

Instrumentets klangkarakteristika

Violin: Delikat, let, lyst, melodisk, klar, varm

Bratsch: Mat, blød

Cello: Rig, tyk

Kontrabas: Døv, barsk, dyster, tyk

Fløjte: Fløjte, koldt

Obo: Nasal, nasal

Klarinet: Mat, sløjfe

Fagot: Kvalt, tyk

Trompet: skinnende, lys, let, metallisk

Fransk horn: Afrundet, blødt

Trombone: Metallisk, skarp, kraftfuld.

Tuba: Barsk, tyk, tung

Hovedgenrer symfonisk musik:

Symfoni, suite, ouverture, symfonisk digt

Symfoni

- (fra græsk. symfoni - "Konsonans", "samtykke")
den førende genre af orkestermusik, et komplekst rigt udviklet flerstemmigt værk.

Symfonitræk

Den er stor musikalsk genre.
- Lydtid: fra 30 minutter til en time.

Det vigtigste skuespiller og performer - symfoniorkester

Symfonistruktur (klassisk form)

Består af 4 dele, der inkarnerer forskellige aspekter af menneskelivet

1 del

Den hurtigste og mest dramatiske, nogle gange efterfulgt af en langsom intro. Skrevet i sonateform, i højt tempo (allegro).

Del 2

Fredelig, grublende, dedikeret til fredelige billeder af naturen, lyriske oplevelser; sørgmodig eller tragisk i humør.
Lyde i slowmotion, er skrevet i form af en rondo, sjældnere i form af en sonate eller variationsform.

Del 3

Her er spillet, sjovt, billeder folkeliv... Det er en scherzo eller menuet i en tredelt form.

Del 4

Hurtig afslutning. Som et resultat er alle dele kendetegnet ved en sejrrig, højtidelig, festlig karakter. Det er skrevet i sonateform eller i form af rondo, rondosonate.

Men der er også symfonier med færre (eller flere) stemmer. Der er også enstemmige symfonier.

Symfoni i kreativitet udenlandske komponister

• • Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)

108 symfonier

Symfoni nr. 103 "With Tremolo Timpani"

Dens navn " med tremolo pauker»Symfonien modtaget takket være den første takt, hvor paukerne spiller en tremolo (italiensk tremolo - skælvende), der minder om fjerne bulder af torden,
på tonic-lyden i Es. Sådan starter den langsomme unisone indledning (Adagio) til første sats, som har en dybt koncentreret karakter.

• • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

56 symfonier

Symfoni nr. 40

En af de mest berømte af Mozarts sidste symfonier. Symfonien opnåede stor popularitet takket være dens usædvanligt oprigtige musik, forståelig for den bredeste kreds af lyttere.
Symfoniens første sats har ikke en introduktion, men begynder umiddelbart med præsentationen af ​​temaet for hovedpartens allegro. Dette emne er ophidset; samtidig er hun kendetegnet ved melodiøsitet og oprigtighed.

• • Ludwig van Beethoven (1770—1827)

9 symfonier

Symfoni nr. 5

Symfonien forbløffer med sin lakoniske præsentation, kompakthed af former, stræben efter udvikling, den synes født i en enkelt kreativ impuls.
"Det er sådan, skæbnen banker på vores dør," sagde Beethoven.
om de indledende takter af dette stykke. Den lyse udtryksfulde musik af symfoniens hovedmotiv gør det muligt at fortolke det som et billede af en persons kamp med skæbnens slag. Symfoniens fire satser præsenteres som stadier af denne kamp.

• • Franz Schubert(1797—1828)

9 symfonier

Symfoni nr. 8 "Ufærdig"

En af de mest poetiske sider i verdenssymfoniens skatkammer, et nyt fedt ord i denne mest komplekse af musikgenrer, som åbnede vejen for romantikken. Dette er det første lyriske og psykologiske drama i symfonisk genre.
Den har ikke 4 dele, som symfonier af klassiske komponister, men kun to. Imidlertid efterlader de to dele af denne symfoni et indtryk af fantastisk integritet, udmattelse.

Symfoni i værker af russiske komponister

• • Sergei Sergeevich Prokofiev (1891— 1953)

7 symfonier

Symfoni nr. 1 "Klassisk"

Navnet "klassiker", fordi den bevarer stringens og logikken fra den klassiske form fra det 18. århundrede, og den udmærker sig samtidig ved det moderne musiksprog.
Musikken er fuld af skarpe og "stikkende" temaer, heftige passager, der bruger dansegenrernes ejendommeligheder (polonaise, menuet, gavotte, galop). Det er ikke tilfældigt, at symfonier blev skabt til musik koreografiske kompositioner.

• • Dmitry Dmitrievich Shostakovich(1906—1975)

15 symfonier

Symfoni nr. 7 "Leningradskaya"

I 1941, med symfoni nr. 7, reagerede komponisten på frygtelige begivenheder Anden Verdenskrig dedikeret til belejringen af ​​Leningrad (Leningrad symfoni)
"Den syvende symfoni er et digt om vores kamp, ​​om vores kommende sejr," skrev Shostakovich. Symfonien modtog verdensomspændende anerkendelse som et symbol på kampen mod fascismen.
Den tørre bratte melodi af hovedtemaet, det uophørlige trommeslag skaber en følelse af årvågenhed, ængstelig forventning.

• • Vasily Sergeevich Kalinnikov (1866-1900)

2 symfonier

Symfoni nr. 1

Kalinnikov begyndte at skrive sin første symfoni i marts 1894 og sluttede præcis et år senere, i marts 1895
Symfonien legemliggjorde mest levende træk ved komponistens talent - oprigtig åbenhed, spontanitet, rigdom af lyriske følelser. I sin symfoni glorificerer komponisten naturens skønhed og storhed, det russiske liv, og personificerer billedet af Rusland, den russiske sjæl, gennem russisk musik.

• • Peter Iljitsj Tjajkovskij (1840—1893)

7 symfonier

Symfoni nr. 5

Symfoniens indledning er en begravelsesmarch. "Fuldstændig beundring for skæbnen ... for en uudgrundelig skæbne," skriver Tjajkovskij i sine udkast.
På denne måde, gennem en vanskelig vej til overvindelse og indre kamp, ​​kommer komponisten til sejr over sig selv, over sin tvivl, mentale splid og følelsesforvirring.
Bæreren af ​​hovedideen er et komprimeret, rytmisk elastisk tema med en uforanderlig tiltrækning til den originale lyd, som passerer gennem alle dele af cyklussen.

"Musikkens formål er at røre hjerter"
(Johann Sebastian Bach).

"Musik bør slå ild fra menneskelige hjerter"
(Ludwig van Beethoven).

"Musik skal, selv i de mest forfærdelige dramatiske situationer, altid fange øret, altid forblive musik."
(Wolfgang Amadeus Mozart).

”Det musikalske materiale, det vil sige melodi, harmoni og rytme, er bestemt uudtømmeligt.
Musik er et skatkammer, som enhver nationalitet bidrager med sit eget til, til fælles bedste"
(Peter Iljitsj Tjajkovskij).

Elsk og studer den store musikkunst. Det vil åbne for dig en hel verden af ​​høje følelser, lidenskaber, tanker. Det vil gøre dig åndeligt rigere. Takket være musikken vil du finde nye kræfter i dig selv, som du tidligere ikke kendte til. Du vil se livet i nye farver og farver"
(Dmitry Dmitrievich Shostakovich).