Musikalsk form af 1. del af symfonien. At lytte og forstå symfonien

Ord "symfoni" oversat fra græsk som "konsonans". Faktisk kan lyden af ​​mange instrumenter i et orkester kun kaldes musik, når de stemmer, og de laver ikke lyde hver for sig.

I det antikke Grækenland var dette navnet givet til en behagelig kombination af lyde, fællessang i kor. I Det gamle Rom så ensemblet, orkestret begyndte at blive kaldt. I middelalderen blev verdslig musik i almindelighed og nogle musikinstrumenter kaldt symfonier.

Ordet har andre betydninger, men de bærer alle betydningen af ​​forbindelse, deltagelse, harmonisk kombination; for eksempel kaldes princippet om forholdet mellem kirke og verdslig magt, dannet i det byzantinske rige, også en symfoni.

Men i dag vil vi kun tale om den musikalske symfoni.

Varianter af symfonien

Klassisk symfoni er et stykke musik i cyklisk sonateform, beregnet til at blive opført af et symfoniorkester.

I en symfoni (udover symfoniorkester) kan omfatte kor og vokal. Der er symfonier-suiter, symfonier-rhapsodier, symfonier-fantasier, symfonier-ballader, symfonier-legender, symfonier-digte, symfonier-requiem, symfonier-balletter, symfonier-dramaer og operaer som en slags.

En klassisk symfoni har normalt 4 satser:

første del er inde hurtigt tempo(allegro ) , i sonateform;

anden del i langsomt tempo, sædvanligvis i form af variationer, rondo, rondo-sonate, kompleks trestemmig, sjældnere i form af en sonate;

tredje del - scherzo eller menuet- i en tredelt da capo-form med en trio (det vil sige ifølge A-trio-A-skemaet);

fjerde del i hurtigt tempo, i sonateform, i rondo- eller rondosonateform.

Men der er symfonier med færre (eller flere) stemmer. Der er også en-sats symfonier.

Software symfoni er en symfoni med et bestemt indhold, som er anført i programmet eller udtrykt i titlen. Hvis der er en titel i symfonien, så er denne titel minimumsprogrammet, for eksempel G. Berlioz' Fantastiske symfoni.

Fra symfoniens historie

Skaber klassisk form symfonier og orkestrationer tages i betragtning Haydn.

Og prototypen på symfonien er den italienske ouverture(et instrumentalt orkesterstykke opført før starten af ​​enhver forestilling: opera, ballet), som tog form i slutningen af ​​det 17. århundrede. Et væsentligt bidrag til udviklingen af ​​symfonien blev ydet af Mozart Og Beethoven. Disse tre komponister kaldet "Wienske klassikere". Wienerklassikere skabte en høj type instrumental musik, hvori al rigdommen af ​​figurativt indhold er legemliggjort i et perfekt kunstform. Processen med dannelsen af ​​symfoniorkestret - dets faste sammensætning, orkestergrupper - faldt også sammen med denne tid.

V.A. Mozart

Mozart skrev i alle de former og genrer, der fandtes i hans tid, lagde særlig vægt på opera, men stor opmærksomhed viet til symfonisk musik. På grund af det faktum, at han gennem hele sit liv arbejdede sideløbende med operaer og symfonier, er hans instrumentalmusik kendetegnet ved melodiøsitet. opera arie og dramatisk konflikt. Mozart skabte over 50 symfonier. De mest populære var de sidste tre symfonier - nr. 39, nr. 40 og nr. 41 ("Jupiter").

K. Schlosser "Beethoven på arbejde"

Beethoven skabte 9 symfonier, men med hensyn til udviklingen af ​​symfonisk form og orkestrering kan han kaldes den klassiske periodes største symfoniske komponist. I hans niende symfoni, den mest berømte, er alle dens dele smeltet sammen til en enkelt helhed af et gennemgående tema. I denne symfoni introducerede Beethoven vokalpartier, hvorefter andre komponister begyndte at gøre dette. I form af en symfoni sagde et nyt ord R. Schuman.

Men allerede i anden halvdel af XIX århundrede. de strenge former for symfonien begyndte at ændre sig. Firedelt blev valgfrit: dukkede op en-delt symfoni (Myaskovsky, Boris Tchaikovsky), symfoni fra 11 dele(Shostakovich) og endda fra 24 dele(Hovaness). klassisk slutning i hurtigt tempo blev erstattet af en langsom finale (Sjette symfoni af P.I. Tjajkovskij, tredje og niende symfoni af Mahler).

Forfatterne til symfonierne var F. Schubert, F. Mendelssohn, I. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jan Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tchaikovsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, N. Myaskovsky, A. Skryabin, S. Prokofiev, D. Shostakovich og andre.

Dens sammensætning, som vi allerede har sagt, blev dannet i æraen wienerklassikere.

Grundlaget for symfoniorkestret er fire grupper af instrumenter: buede strenge(violiner, bratscher, celloer, kontrabasser) træblæsere(fløjte, obo, klarinet, fagot, saxofon med alle deres varianter - gammel blokfløjte, shalmy, chalumeau osv., samt en række af folkelige instrumenter- balaban, duduk, zhaleyka, fløjte, zurna), messing(horn, trompet, kornet, flugelhorn, trombone, tuba) trommer(pauker, xylofon, vibrafon, klokker, trommer, trekant, bækkener, tamburin, kastanjetter, tam-tam og andre).

Nogle gange er andre instrumenter inkluderet i orkestret: harpe, klaver, organ(keyboard og blæseinstrument, den største type musikinstrumenter), celesta(et lille keyboard-percussion musikinstrument, der ligner et klaver, lyder som klokker), cembalo.

Cembalo

Stor et symfoniorkester kan omfatte op til 110 musikere , lille- ikke mere end 50.

Dirigenten bestemmer, hvordan orkestret skal sidde. Placeringen af ​​de optrædende i et moderne symfoniorkester er rettet mod at opnå en sammenhængende klang. I 50-70'erne. 20. århundrede spredning "American Seating": første og anden violin er placeret til venstre for dirigenten; til højre - bratscher og celloer; i dybet - træblæsere og messing, kontrabasser; venstre - trommer.

Siddearrangementer for symfoniorkestrets musikere

Blandt de talrige musikalske genrer og former hører et af de mest hæderlige steder til symfonien. Oprindelse som en underholdningsgenre, fra begyndelsen af ​​det 19. århundrede til i dag, afspejler den mest følsomt og fuldt ud, som ingen anden form for musikkunst, sin tid. Symfonierne af Beethoven og Berlioz, Schubert og Brahms, Mahler og Tjajkovskij, Prokofjev og Sjostakovitj er storstilede refleksioner over æraen og personligheden, over menneskehedens historie og verdens gang.

Den symfoniske cyklus, som vi kender den fra mange klassiske og nutidige eksempler, tog form for cirka to hundrede og halvtreds år siden. Men i denne historisk korte periode er symfonigenren nået langt. Længden og betydningen af ​​denne vej blev bestemt af det faktum, at symfonien absorberede alle sin tids problemer, var i stand til at afspejle æraens komplekse, modstridende, fuld af kolossale omvæltninger, at legemliggøre følelser, lidelse, kampe mennesker. Det er nok at forestille sig samfundslivet i midten af ​​1700-tallet – og huske Haydns symfonier; store omvæltninger sent XVIII- begyndelsen af ​​det 19. århundrede - og Beethovens symfonier, der afspejlede dem; reaktion i samfundet, skuffelse - og romantiske symfonier; endelig alle de rædsler, som menneskeheden måtte udstå i det 20. århundrede - og sammenlign Beethovens symfonier med Sjostakovitjs symfonier for tydeligt at se denne enorme, til tider tragiske vej. Nu kan få mennesker huske, hvordan begyndelsen var, hvad var oprindelsen til denne mest komplekse af rent musikalske genrer, der ikke var relateret til andre kunstarter.

Lad os tage et hurtigt kig musikalsk Europa midten af ​​det 18. århundrede.

I Italien, det klassiske kunstland, trendsætteren i alle europæiske lande, regerer operaen. Den såkaldte opera seria ("seriøs") dominerer. Der er ingen lyse individuelle billeder i den, der er ingen ægte dramatisk handling. Operaserier er en afveksling af forskellige mentale tilstande legemliggjort i betingede tegn. Dens vigtigste del er aria, hvor disse tilstande overføres. Der er arier af vrede og hævn, arier-klager (lamento), sorgfulde langsomme arier og glade bravour. Disse arier var så generaliserede, at de kunne overføres fra en opera til en anden, uden at forestillingen skades. Faktisk gjorde komponister ofte dette, især når de skulle skrive flere operaer om sæsonen.

Melodi blev elementet i operaserien. Den berømte italienske bel canto-kunst er her på sit højeste niveau. I arier har komponister nået de sande højder af legemliggørelsen af ​​en bestemt tilstand. Kærlighed og had, glæde og fortvivlelse, vrede og sorg blev formidlet af musikken så levende og overbevisende, at det ikke var nødvendigt at høre teksten for at forstå, hvad sangeren sang om. Derved blev grunden endelig forberedt for tekstløs musik, designet til at legemliggøre menneskelige følelser og lidenskaber.

Fra mellemspillene - indsæt scener udført mellem operaseriens handlinger og indholdet, der ikke er relateret til det - opstod dens muntre søster, den komiske buff opera. Med demokratisk indhold (dets skuespillere var ikke mytologiske helte, konger og riddere, men almindelige mennesker fra folket), modsatte hun sig bevidst hofkunst. Opera-buff var kendetegnet ved naturlighed, livlighed i handling, umiddelbarhed af det musikalske sprog, ofte direkte relateret til folklore. Den indeholdt vokale tongue twisters, komisk parodisk koloratur, livlige og lette dansemelodier. Finalerne i akterne udfoldede sig som ensembler, hvori tegn de sang alle på samme tid. Nogle gange blev sådanne finaler kaldt "tangle" eller "forvirring", handlingen rullede ind i dem så hurtigt, og intrigen viste sig at være forvirrende.

Instrumentalmusik udviklede sig også i Italien, og frem for alt den genre, der er tættest forbundet med opera - ouverturen. Da hun var en orkestral introduktion til en operaforestilling, lånte hun fra operaen lyse, udtryksfulde musikalske temaer ligner melodier af arier.

Datidens italienske ouverture bestod af tre afsnit - hurtig (Allegro), langsom (Adagio eller Andante) og hurtig igen, oftest Menuetten. De kaldte det sinfonia - oversat fra græsk - konsonans. Over tid begyndte ouverturer at blive opført ikke kun i teatret før gardinets åbning, men også separat, som uafhængige orkesterkompositioner.

I slutningen af ​​det 17. og begyndelsen af ​​det 18. århundrede dukkede en strålende galakse af virtuose violinister op i Italien, som på samme tid var begavede komponister. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli og andre, der perfekt mestrede violinen - et musikinstrument, der i sin udtryksevne kan sammenlignes med menneskelig stemme, - skabte et omfattende violinrepertoire, hovedsageligt fra stykker kaldet sonater (fra den italienske sonare - til lyd). I dem, som i klaversonater af Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello og andre komponister, udviklede der sig nogle fælles strukturelle træk, som så gik over i symfonien.

Dannet anderledes musiklivet Frankrig. Musik forbundet med ord og handling har længe været elsket der. Balletkunsten var højt udviklet; der blev dyrket en særlig type opera - en lyrisk tragedie, beslægtet med Corneilles og Racines tragedier, som havde præg af kongsgårdens specifikke liv, dets etikette, dets festligheder.

De franske komponister tiltrak plottet, programmet, den verbale definition af musik, når de skabte instrumentale skuespil. "Flying Cap", "Reapers", "Tambourine" - de såkaldte cembalostykker, som enten var genreskitser eller musikalske portrætter - "Graceful", "Gentle", "Hardworking", "Flirty".

Mere større værker, der består af flere dele, stammer fra dans. Den strenge tyske allemande, den bevægende, som en glidende fransk klokke, den majestætiske spanske sarabande og den hurtige gigue - engelske sømænds brændende dans - har længe været kendt i Europa. De var grundlaget for instrumentalsuitegenren (fra den franske suite - sekvens). Ofte var andre danse inkluderet i suiten: menuet, gavotte, polonaise. Før allemande kunne en indledende optakt lyde, midt i suiten en afmålt dansebevægelse nogle gange afbrudt af en fri arie. Men rygraden i suiten er fire forskellige danse forskellige folkeslag- var bestemt tilstede i en uændret rækkefølge, der skitserede fire forskellige stemninger, der førte lytteren fra begyndelsens rolige bevægelse til den spændende, heftige finale.

Suiter blev skrevet af mange komponister, og ikke kun i Frankrig. Den store Johann Sebastian Bach gav dem også en betydelig hyldest, med hvis navn, såvel som med datidens tyske musikkultur som helhed, mange musikgenrer er forbundet.

I det tyske sprogs lande, det vil sige talrige tyske riger, fyrstendømmer og bispedømmer (preussisk, bayersk, saksisk osv.), samt i forskellige områder Det multinationale østrigske imperium, som dengang omfattede "musikernes folk" - Tjekkiet slaveret af habsburgerne - har længe dyrket instrumentalmusik. I enhver lille by, by eller endda landsby var der violinister og cellister, om aftenen lød solo- og ensemblestykker spillet med entusiasme af amatører. Musikcentre blev normalt kirker og skoler knyttet til dem. Læreren var i reglen også kirkeorganist, der efter bedste evne udførte musikalske fantasier på helligdage. I store tyske protestantiske centre, såsom Hamborg eller Leipzig, var nye former for musik også ved at tage form: orgelkoncerter i katedraler. I disse koncerter lød præludier, fantasier, variationer, korarrangementer og, vigtigst af alt, fugaer.

Fugue er den mest komplekse type polyfonisk musik, der når sit højdepunkt i J.S. Bach og Händel. Dens navn kommer fra det latinske fuga - løb. Det er et polyfonisk stykke baseret på et enkelt tema, der bevæger sig (løber!) fra stemme til stemme. I dette tilfælde kaldes hver melodisk linje en stemme. Afhængigt af antallet af sådanne linjer kan fugaen være tre-, fire-, fem-stemmig osv. I fugaens midterste del, efter at temaet har lydt helt i alle stemmer, begynder den at blive udviklet: enten dens begyndelsen vises og forsvinder igen, så udvider den sig (hver af tonerne, der udgør den, bliver dobbelt så lang), derefter vil den krympe - det kaldes temaet i stigning og temaet i fald. Det kan ske, at inden for et tema bliver faldende melodiske bevægelser stigende og omvendt (et tema i omløb). Melodisk bevægelse bevæger sig fra en toneart til en anden. Og i det sidste afsnit af fugaen - Gentagelsen - lyder temaet igen uændret, som i begyndelsen, og vender tilbage til hovedtonen i stykket.

Husk igen: vi taler omkring midten af ​​1700-tallet. En eksplosion er under opsejling i det aristokratiske Frankrigs indvolde, som meget snart vil feje det absolutte monarki væk. En ny tid kommer. I mellemtiden forberedes revolutionære stemninger kun implicit, franske tænkere modsætter sig den eksisterende orden. De kræver alle menneskers lighed for loven, proklamerer ideerne om frihed og broderskab.

Kunst, der afspejler skift i det sociale liv, er følsom over for ændringer i den politiske atmosfære i Europa. Et eksempel på dette er de udødelige komedier af Beaumarchais. Det gælder også for musik. Lige nu, i den komplekse, begivenhedsrige kolossale historisk betydning periode i dybet af gamle, veletablerede musikalske genrer og former, er en ny, virkelig revolutionerende genre, symfonien, født. Det bliver kvalitativt, fundamentalt anderledes, fordi det legemliggør og ny type tænker.

Man må tro, at det ikke er tilfældigt, at genren for symfonien, med forudsætninger i forskellige regioner i Europa, endelig blev dannet i det tyske sprogs lande. I Italien var opera den nationale kunst. I England blev ånden og betydningen af ​​de historiske processer, der fandt sted dér, mest fuldt ud afspejlet i oratorierne af Georg Händels, en tysk af fødsel, som blev en national engelsk komponist. I Frankrig kom andre kunstarter frem, især litteratur og teater, mere konkrete, direkte og forståeligt udtrykte nye ideer, der begejstrede verden. Voltaires værker, Rousseaus "Nye Eloise", Montesquieus "Persiske breve" i en tilsløret, men ganske forståelig form præsenterede læserne for ætsende kritik af den eksisterende orden, tilbød deres egne versioner af samfundsstrukturen.

Da det efter flere årtier kom til musikken, trådte sangen ind i de revolutionære troppers rækker. Mest et godt eksempel til det - Sangen om Rhinens Hær, skabt på én nat af officer Rouger de Lisle, som blev verdensberømt under navnet Marseillaise. Efter sangen dukkede musikken af ​​massefestligheder og sørgeceremonier op. Og endelig den såkaldte "frelsens opera", der havde som indhold en tyranns forfølgelse af en helt eller heltinde og deres frelse i operaens finale.

Symfonien krævede derimod helt andre betingelser både for sin dannelse og for fuld perception. Den filosofiske tankes "tyngdepunkt", som mest fuldt ud afspejlede den dybe essens af den tids sociale skift, viste sig at være i Tyskland, langt fra sociale storme.

Der skabte de deres nye filosofiske systemer, først Kant og senere Hegel. Ligesom filosofiske systemer er symfonien den mest filosofiske, dialektisk-processuelle genre. musikalsk kreativitet, - endelig dannet, hvor kun de fjerne ekkoer af de kommende tordenvejr nåede. Hvor der i øvrigt er udviklet stabile traditioner for instrumentalmusik.

Mannheim, hovedstaden for de bayerske vælgere i Pfalz, blev et af hovedcentrene for fremkomsten af ​​en ny genre. Her ved kurfyrst Karl Theodors strålende hof holdt man i 40-50'erne af 1700-tallet et fremragende, måske det bedste orkester i Europa på den tid.

På det tidspunkt var symfoniorkestret bare ved at tage form. Og i hofkapellerne og i domkirkerne fandtes ikke orkestergrupper med en stabil sammensætning. Alt afhang af de midler, som herskeren eller magistraten havde til rådighed, af smagen hos dem, der kunne befale. Orkestret spillede i begyndelsen kun en anvendt rolle og akkompagnerede enten hofforestillinger eller festligheder og højtidelige ceremonier. Og det blev først og fremmest betragtet som et opera- eller kirkeensemble. Oprindeligt omfattede orkestret violer, lutter, harper, fløjter, oboer, horn og trommer. Efterhånden udvidedes kompositionen, antallet af strengeinstrumenter steg. Med tiden fortrængte violiner den gamle viol og indtog snart en ledende position i orkestret. Træblæseinstrumenter - fløjter, oboer, fagotter - forenet i separat gruppe, dukkede op og kobber - piber, tromboner. Cembaloen, som skaber det harmoniske grundlag for klangen, var et obligatorisk instrument i orkestret. Han blev som regel fulgt af orkestrets leder, som, mens han spillede, samtidig gav instrukser til indgangen.

I slutningen af ​​det 17. århundrede instrumentale ensembler, som fandtes ved adelshofene, blev udbredt. Hver af de talrige småfyrster i det fragmenterede Tyskland ønskede at have sit eget kapel. Den hurtige udvikling af orkestre begyndte, nye metoder til orkesterspil opstod.

Mannheim Orchestra omfattede 30 strengeinstrumenter, 2 fløjter, 2 oboer, klarinet, 2 fagotter, 2 trompeter, 4 horn, pauker. Dette er rygraden i det moderne orkester, den komposition, som mange komponister fra den efterfølgende æra skabte deres værker til. Orkestret blev ledet af den fremragende tjekkiske musiker, komponist og virtuose violinist Jan Vaclav Stamitz. Blandt orkestrets kunstnere var også deres tids største musikere, ikke blot virtuose instrumentalister, men også talentfulde komponister Franz Xaver Richter, Anton Filz m.fl. De fastslog orkestrets fremragende mesterskabsniveau, som blev berømt for dets fantastiske kvaliteter - tidligere uopnåelige jævnhed af violinslag, de fineste gradueringer dynamiske nuancer tidligere slet ikke brugt.

Ifølge en nutidig kritiker af Bossler, "den nøjagtige overholdelse af klaveret, forte, rinforzando, den gradvise vækst og intensivering af lyden og så igen faldet i dens styrke ned til en knap hørbar lyd - alt dette kunne kun høres i Mannheim." En engelsk musikelsker, der rejste til Europa i midten af ​​det 18. århundrede, Bernie, gentager ham: "Dette ekstraordinære orkester har plads nok og facetter til at vise alle sine evner og frembringe en fantastisk effekt. Det var her, at Stamitz, inspireret af Yomellis værker, for første gang gik ud over de sædvanlige operaouverturer ... alle de effekter, som sådan en masse af lyde kan frembringe, blev prøvet. Det var her, crescendo og diminuendo blev født, og klaveret, som tidligere blev brugt hovedsageligt som et ekko og normalt var dets synonym, og forte blev anerkendt musikalske farver have deres egne nuancer ... "

Det var i dette orkester, firestemmige symfonier for første gang lød – værker, der var bygget efter én type og havde fælles mønstre, der optog mange træk ved allerede eksisterende musikalske genrer og former og smeltede dem sammen til en kvalitativt anderledes; ny enhed.

De første akkorder er resolutte, fyldige, som om de kalder på opmærksomhed. Derefter brede, fejende bevægelser. Igen akkorder, erstattet af arpeggierede bevægelser, og så - en livlig, elastisk, som en udfoldende fjeder, melodi. Det ser ud til, at hun kan udfolde sig i det uendelige, men går hurtigere, end rygtet ønsker det: som en gæst, der præsenteres for husets ejere under stor modtagelse, bevæger sig væk fra dem og giver efter for andre, der følger dem. Efter et øjebliks generel bevægelse dukker et nyt tema op – blødere, feminint, lyrisk. Men det lyder ikke langt, opløses i passager. Efter noget tid har vi igen det første tema, lidt ændret, i en ny nøgle. Den musikalske strøm flyder hurtigt og vender tilbage til den originale hovedtoneart i symfonien; det andet tema smelter organisk ind i dette flow, og nærmer sig nu det første i karakter og stemning. Første del af symfonien afsluttes med fuldklingende glædelige akkorder.

Den anden del, andante, udfolder sig langsomt, melodisk og afslører strengeinstrumenternes udtryksfuldhed. Dette er en slags arie for orkester, hvor lyrik og elegisk meditation dominerer.

Tredje sats er en elegant galant menuet. Det skaber en følelse af afslapning, afslapning. Og så, som en brændende hvirvelvind, brister den brandende finale. Sådan er i generelle vendinger datidens symfoni. Dens oprindelse spores meget tydeligt. Første del minder mest om en operaouverture. Men hvis ouverturen kun er tærsklen til forestillingen, så udfolder selve handlingen sig her i lyde. Typiske operamusikalske billeder af ouverturen - heroiske fanfarer, rørende lamentoer, vild lystighed af buffons - er ikke forbundet med specifikke scenesituationer og har ikke karakteristiske individuelle træk (husk, at selv den berømte ouverture til Rossinis "Barberen fra Sevilla" ikke har noget at gøre med operaens indhold og i det hele taget blev den oprindeligt skrevet til en anden opera!), brød op fra operaforestillingen og begyndte et selvstændigt liv. De er let genkendelige i den tidlige symfoni - de afgørende modige intonationer af heroiske arier i de første temaer, kaldet de vigtigste, de lyriske ariers blide suk i det andet - de såkaldte sidetemaer.

Operaprincipper påvirker også symfoniens tekstur. Hvis tidligere i instrumentalmusikken polyfoni dominerede, det vil sige polyfoni, hvor flere selvstændige melodier, flettet sammen, lød samtidigt, så begyndte polyfoni af en anden type at udvikle sig her: en hovedmelodi (oftest violin), udtryksfuld, betydningsfuld, akkompagneret af et akkompagnement, der sætter den i gang, understreger hendes individualitet. Denne type polyfoni, kaldet homofoni, dominerer fuldstændig den tidlige symfoni. Senere optræder teknikker lånt fra fugaen i symfonien. Den kunne dog i midten af ​​1700-tallet snarere sættes i kontrast til fugaen. Der var som regel ét tema (der er dobbelte, tredobbelte og flere fugaer, men i dem er temaerne ikke modsat, men sammenlignes). Hun gentog sig selv mange gange, men intet modsagde hende. Det var i bund og grund et aksiom, en tese, der gentagne gange blev hævdet uden at kræve bevis. Det modsatte er i symfonien: tvister og modsætninger høres i udseendet og yderligere ændringer af forskellige musikalske temaer og billeder. Måske er dette tidens mest slående tegn. Sandheden er ikke længere givet. Det skal søges, bevises, underbygges ved at sammenligne forskellige meninger, afklare forskellige synspunkter. Det er, hvad encyklopædisterne gør i Frankrig. Tysk filosofi bygger på denne, især Hegels dialektiske metode. Og selve ånden fra søgetiden afspejles i musikken.

Så symfonien tog meget fra operaouverturen. Især princippet om vekslende kontrastafsnit blev skitseret i ouverturen, som blev til selvstændige partier i symfonien. I sin første del - forskellige sider, forskellige følelser hos en person, livet i dets bevægelse, udvikling, ændringer, kontraster og konflikter. I anden del - refleksion, koncentration, nogle gange - tekster. I den tredje - afslapning, underholdning. Og endelig finalen - billeder af sjov, jubel og på samme tid - resultatet musikalsk udvikling, afslutningen af ​​den symfoniske cyklus.

Sådan en symfoni vil vise sig tidlig XIXårhundrede, sådan vil det i de mest generelle vendinger være f.eks. hos Brahms eller Bruckner. Og ved sin fødsel lånte hun tilsyneladende de mange dele fra suiten.

Allemande, courante, sarabande og gigue er fire obligatoriske danse, fire forskellige stemninger, som let spores i de tidlige symfonier. Dansbarheden i dem kommer meget tydeligt til udtryk, især i finalerne, der ofte minder om en jig i form af melodiens, tempoet, selv taktarten. Ganske vist er finalen af ​​en symfoni nogle gange tættere på den funklende finale af en opera-buffa, men selv da er dens slægtskab med en dans, for eksempel en tarantella, ubestridelig. Hvad angår den tredje del, kaldes den menuetten. Kun i Beethovens værk vil scherzoen komme til at erstatte dansen - den galante hofmand eller den uhøflige almindelige folkemusik.

Den nyfødte symfoni optog således træk fra mange musikgenrer, desuden genrer født i forskellige landeÅh. Og dannelsen af ​​symfonien fandt sted ikke kun i Mannheim. Der var Wienerskolen, repræsenteret, især ved Wagenseil. I Italien skrev Giovanni Battista Sammartini orkesterværker, som han kaldte symfonier og tiltænkte koncertforestilling ikke relateret til operaforestillingen. I Frankrig vendte en ung komponist, en belgier af fødsel, François-Joseph Gossec, sig til den nye genre. Hans symfonier mødte ikke respons og anerkendelse, da fransk musik var domineret af programmering, men hans arbejde spillede en rolle i udviklingen af ​​fransk symfoni, i fornyelsen og udvidelsen af ​​symfoniorkestret. Den tjekkiske komponist Frantisek Micha, som på et tidspunkt tjente i Wien, eksperimenterede meget og med succes på jagt efter en symfonisk form. Interessante oplevelser var sammen med sin berømte landsmand Josef Myslevichka. Alle disse komponister var dog enspændere, og der blev dannet en hel skole i Mannheim, som i øvrigt rådede over et førsteklasses "instrument" - det berømte orkester. Takket være den glædelige lejlighed, at kurfyrsten i Pfalz var en stor elsker af musik og havde midler nok til at betale de enorme udgifter til det, samledes store musikere fra forskellige lande i hovedstaden i Pfalz - østrigere og tjekkere, italienere og preussere - som hver bidrog med sit eget bidrag til skabelsen af ​​en ny genre. I værker af Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz og andre mestre opstod symfonien i sine hovedtræk, som derefter gik over i wienerklassikernes værk - Haydn, Mozart, Beethoven.

Så i løbet af det første halve århundredes eksistens af den nye genre er der udviklet en klar strukturel og dramatisk model, der er i stand til at rumme et mangfoldigt og meget væsentligt indhold. Grundlaget for denne model var den form, der blev kaldt sonaten, eller sonata allegro, da den oftest blev skrevet i dette tempo, og senere var typisk for både symfonien og de instrumentale sonater og koncerter. Dens ejendommelighed er sammenstillingen af ​​forskellige, ofte modstridende musikalske temaer. Sonateformens tre hovedafsnit - udlægning, udvikling og gentagelse - ligner plottet, handlingens udvikling og afslutningen. klassisk drama. Efter en kort introduktion eller direkte i begyndelsen af ​​udstillingen passerer stykkets "karakterer" foran tilhørerne.

Det første musikalske tema, som lyder i værkets hovedtoneart, kaldes det vigtigste. Oftere - hovedtemaet, men mere korrekt - hoveddelen, da inden for hoveddelen, det vil sige et bestemt segment af den musikalske form, forenet af et nøgle- og figurativt fællesskab, over tid, ikke et, men flere forskellige temaer -melodier begyndte at dukke op. Efter hovedbatchen, i de tidlige prøver ved direkte sammenligning, og i de senere gennem en lille forbindelsesbatch, begynder en sidebatch. Hendes tema eller to eller tre forskellige emner i kontrast til den vigtigste. Oftest er sidedelen mere lyrisk, blød, feminin. Det lyder i en anden, end den primære, sekundære (deraf navnet på partiet) nøgle. Der er en følelse af ustabilitet og nogle gange konflikt. Udlægningen afsluttes med den sidste del, som enten er fraværende i de tidlige symfonier, eller spiller en ren hjælperolle som en slags pointe, et gardin efter stykkets første akt, og får efterfølgende, begyndende med Mozart, betydningen af et selvstændigt tredje billede, sammen med det primære og sekundære.

Den midterste del af sonateformen er udvikling. Som navnet viser, udvikles de musikalske temaer, som lytterne har stiftet bekendtskab med i udstillingen (det vil sige udstillet tidligere), i den, udsat for ændringer og udvikling. Samtidig vises de fra nye, nogle gange uventede sider, modificerede, separate motiver udskilles fra dem - de mest aktive, som senere støder sammen. Udvikling er et dramatisk effektivt afsnit. I slutningen af ​​den kommer klimakset, som fører til en gentagelse - formens tredje afsnit, en slags afslutning af dramaet.

Navnet på dette afsnit kommer fra det franske ord reprendre - at forny. Det er en fornyelse, en gentagelse af udlægningen, men modificeret: begge parter lyder nu i symfoniens hovedtoneart, som om de bringes i harmoni af udviklingens begivenheder. Nogle gange er der andre ændringer i reprisen. For eksempel kan den afkortes (uden nogen af ​​de temaer, der lød i udstillingen), spejles (først lyder sidedelen, og først derefter hoveddelen). Symfoniens første del slutter normalt med en coda - en konklusion, der bekræfter hovedtonearten og hovedbilledet af sonatens allegro. I de tidlige symfonier er codaen lille og er i bund og grund en noget udviklet afsluttende del. Senere, for eksempel hos Beethoven, får det betydelige proportioner og bliver til en slags anden udvikling, hvor bekræftelse igen opnås i kampen.

Denne form viste sig at være virkelig universel. Siden symfoniens dage og til nutiden har den med succes legemliggjort det dybeste indhold, formidler et uudtømmeligt væld af billeder, ideer, problemer.

Anden sats af symfonien er langsom. Normalt er dette det lyriske centrum i cyklussen. Dens form er anderledes. Oftest er det tredelt, det vil sige, at det har lignende ekstreme sektioner og en midtersektion i kontrast til dem, men det kan også skrives i form af variationer eller en hvilken som helst anden, op til en sonate, der strukturelt adskiller sig fra den første allegro kun i et langsommere tempo og mindre effektiv udvikling.

Tredje sats - i de tidlige symfonier - menuetten, og fra Beethoven til nutiden - scherzoen - som regel en kompleks trestemmig form. Indholdet af denne del er blevet ændret og kompliceret gennem årtierne fra hverdags- eller hofdans til monumentale kraftfulde scherzoer fra det 19. århundrede og frem, til formidable billeder af ondskab, vold i de symfoniske cyklusser af Shostakovich, Honegger og andre symfonister fra det 20. århundrede. Fra anden halvdel af 1800-tallet skiftede scherzoen i stigende grad plads med den langsomme del, som i overensstemmelse med det nye koncept for symfonien bliver en slags spirituel reaktion ikke kun på begivenhederne i første del, men også til figurative verden scherzo (især i Mahlers symfonier).

Finalen, som er resultatet af cyklussen, i de tidlige symfonier er oftere skrevet i form af en rondosonate. Vekslingen af ​​muntre episoder gnistrende af lystighed med det konstante danserefræn - en sådan struktur fulgte naturligvis af naturen af ​​billederne af finalen, fra dens semantik. Over tid, med uddybningen af ​​symfoniens problemer, begyndte regelmæssighederne i strukturen af ​​dens finale at ændre sig. Finaler begyndte at dukke op i sonateform, i form af variationer, i fri form og til sidst - med træk af oratorium (med inklusion af et kor). Hans billeder har også ændret sig: ikke kun livsbekræftelse, men nogle gange et tragisk udfald (Tjajkovskijs sjette symfoni), forsoning med den grusomme virkelighed eller flugt fra den til en drømmeverden, illusioner er blevet indholdet af finalen i den symfoniske cyklus i sidste hundrede år.

Men tilbage til begyndelsen af ​​denne genres glorværdige vej. Den dukkede op i midten af ​​det 18. århundrede og nåede klassisk perfektion i den store Haydns arbejde.

fra det græske symfoni - konsonans

Et stykke musik for orkester, for det meste symfonisk, som regel i sonatecyklisk form. Består normalt af 4 dele; der er S. med flere og færre dele, op til enstemmige. Nogle gange indføres i S. foruden orkestret et kor og solovok. stemmer (deraf vejen til S.-kantate). Der er optræden for stryge-, kammer-, blæser- og andre orkestre, for et orkester med soloinstrument (S. concerto), orgel, kor (koropførelse) og wok. ensemble (vok. C). Koncertsymfoni - S. med koncert (solo)instrumenter (fra 2 til 9), i struktur er relateret til koncerten. S. nærmer sig ofte andre genrer: S. suite, S. rhapsody, S. fantasy, S. ballade, S. legende, S. poem, S. cantata, S. requiem, S.-ballet, S.-drama (type af kantate), teater. S. (slægten Onera). Af S.s natur kan også sammenlignes med tragedie, dramatik, lyrik. digt, heroisk episk, for at nærme sig genremusernes cyklus. skuespil, en række skildringer. musik malerier. I en typisk I sine samples kombinerer hun deles kontrast med designens enhed, mangfoldigheden af ​​forskellige billeder med musernes integritet. dramaturgi. S. indtager samme plads i musikken som dramaet eller romanen i litteraturen. Som den højeste type instr. musik, den overgår alle dens andre typer med de bredeste muligheder for legemliggørelsesmidler. ideer og rigdom af følelsesmæssige tilstande.

Indledningsvis i Dr. Grækenland, ordet "S." betød en harmonisk kombination af toner (quart, kvint, oktav), samt fællessang (ensemble, kor) unisont. Senere, i Dr. Rom, blev det navnet på instr. ensemble, orkester. På onsdag. århundreder under S. forstod den verdslige instr. musik (i denne betydning blev udtrykket brugt i Frankrig allerede i det 18. århundrede), nogle gange musik generelt; desuden blev nogle muser kaldt det. værktøj (f. hård gurdy). I det 16. århundrede dette ord bruges i samlinger af motetter (1538), madrigaler (1585), wok-instr. kompositioner ("Sacrae symphoniae" - "Sacred symphonies" af G. Gabrieli, 1597, 1615) og derefter instr. polyfonisk skuespil (begyndelsen af ​​1600-tallet). Det er fast for en polygon. (ofte akkord-baserede) episoder såsom wok-introer eller mellemspil. og instr. produktioner, især til introduktioner (ouverturer) til suiter, kantater og operaer. Blandt opera S. (ouverturer) blev to typer skitseret: venetiansk - fra to afsnit (langsom, højtidelig og hurtig, fuga), senere udviklet på fransk. ouverture, og den napolitanske - fra tre afsnit (hurtig - langsom - hurtig), indført i 1681 af A. Scarlatti, som dog brugte andre sammensætninger af dele. Sonata cyklisk. formen bliver efterhånden dominerende i S. og får deri en særlig mangesidet udvikling.

Afgjort ok. 1730 fra operaen, hvor orc. indledningen blev bevaret i form af en ouverture, S. blev selvstændig. slags ork. musik. I det 18. århundrede opfylde det som grundlag. komposition var strenge. instrumenter, oboer og horn. Udviklingen af ​​S. var påvirket af dekomp. ork typer. og kammermusik - en koncert, en suite, en triosonate, en sonate osv., samt en opera med dens ensembler, kor og arier, hvis indvirkning på melodien, harmonien, strukturen og figurative struktur af S. er meget mærkbar. Hvor specifik. S.-genren modnes, da den tog afstand fra andre musikgenrer, især teater, opnåede uafhængighed i indhold, form, udviklede temaer, og skabte den kompositionsmetode, som senere blev kendt som symfonisme og til gengæld havde en enorm indflydelse på mange områder musik kreativitet.

S.s struktur har udviklet sig. Grundlaget for S. var en 3-delt cyklus af napolitansk type. Ofte efter eksemplet med venetianske og franskmænd. ouverturer i S. omfattede en langsom introduktion til 1. sats. Senere kom menuetten ind i S. - først som finalen i en 3-delt cyklus, derefter en af ​​delene (normalt den 3.) i en 4-delt cyklus, i hvis finale som regel form af en rondo eller rondo sonate blev brugt. Fra L. Beethovens tid blev menuetten erstattet af scherzoen (3., nogle gange 2. del), fra G. Berlioz' tid - og valsen. Den vigtigste sonateform for S. bruges primært i 1. del, nogle gange også i langsomme og sidste del. I det 18. århundrede C. dyrkede mange. mestre. Blandt dem er italieneren J. B. Sammartini (85 S., ca. 1730-70, hvoraf 7 er tabt), komponisterne af Mannheim-skolen, hvor tjekkerne indtog den ledende position (F. K. Richter, J. Stamitz m.fl. .), repræsentanter for de såkaldte. før-klassisk (eller tidlig) wienerskole (M. Monn, G. K. Wagenseil, etc.), belgieren F. J. Gossec, der arbejdede i Paris, var grundlæggeren af ​​franskmændene. S. (29 S., 1754-1809, deriblandt "Jagt", 1766; desuden 3 S. for Aanden. Orkester). Klassisk type S. blev skabt af østrigeren. komp. J. Haydn og W. A. ​​Mozart. I værket af "symfoniens fader" Haydn (104 s., 1759-95) blev symfoniens dannelse fuldendt. Fra genren underholdende hverdagsmusik blev den til den dominerende form for seriøs instr. musik. Godkendt og hoved. funktioner i dens struktur. S. har udviklet sig som en sekvens af internt kontrasterende, målrettet udviklende og forenet fælles idé dele. Mozart bidrog med dram til S. spænding og lidenskabelig lyrik, storhed og ynde, gav den endnu større stilistisk enhed (ca. 50 C, 1764/65-1788). Hans sidste S. - Es-dur, g-mol og C-dur ("Jupiter") - den højeste præstation af symfoni. dragt fra det 18. århundrede. Mozarts kreative erfaring afspejlede sig i senere værker. Haydn. Rollen som L. Beethoven, færdiggørelsen af ​​den klassiske wienerskole (9 S., 1800-24), er særlig stor i historien om S.. Hans 3. ("Heroisk", 1804), 5. (1808) og 9. (med vokalkvartet og kor i finalen, 1824) S. er eksempler på heroisk. symfoni henvendt til masserne, der inkarnerer det revolutionære. patos nar. kamp. Hans 6. S. ("Pastoral", 1808) er et eksempel på programsymfonisme (se Programmusik), og hans 7. S. (1812), med R. Wagners ord, er "dansens apoteose". Beethoven udvidede sekularismens skala, dynamiserede dens dramaturgi og uddybede tematikkens dialektik. udvikling, beriget det indre struktur og ideologisk betydning af S.

For østrigeren og tysk. Romantiske komponister af 1. halvdel. 19. århundrede genrerne lyrisk (Schuberts uafsluttede symfoni, 1822) og episke (Schuberts 8. symfoni) S., samt landskabs-hverdags-S. med en farverig nat. farvelægning ("italiensk", 1833 og "skotsk", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdy). Øget og psykologisk. S.s rigdom (4 symfonier af R. Schumann, 1841-51, hvor langsomme satser og scherzoer er mest udtryksfulde). Tendensen, der er opstået selv blandt klassikerne, er umiddelbar. overgang fra en del til en anden og etablering af tematisk. forbindelserne mellem satserne (f.eks. i Beethovens 5. symfoni) styrkede blandt romantikerne, C optrådte også, hvor satserne følger efter hinanden uden pauser ("skotsk" symfoni af Mendelssohn-Bartholdy, 4. symfoni af Schumann).

Franskmændenes opkomst S. henviser til 1830-40, hvor nyskabende produktioner opstår. G. Berlioz, romantikerens skaber. software C, baseret på lys. plot (5-delt "Fantastic" C, 1830), C. concerto ("Harold i Italien", for bratsch og orkester, efter J. Byron, 1834), C. oratorium ("Romeo og Julie", drama. S. i 6 dele, med solister og et kor, ifølge W. Shakespeare, 1839), "Funeral and Triumphal Symphony" (begravelsesmarch, "oratorisk" trombonesolo og apoteose - for spirit. orkester eller symfoniorkester, eventuelt - og kor, 1840). Berlioz er kendetegnet ved produktionens storladne skala, orkestrets kolossale sammensætning, farverig instrumentering med fine nuancer. Filosofisk og etisk. problemerne afspejlede sig i F. Liszts symfonier ("Faust-symfoni", men J. W. Goethe, 1854, med det sidste omkvæd, 1857; "S. to" guddommelig komedie"Dante", 1856). Som en modpol til Berlioz og Liszts programretning var den tysk. Komi. I. Brahms, der arbejdede i Wien. I hans 4 S. (1876-85), udviklede traditioner fra Beethoven og romantisk. symfonisme, kombineret klassisk. harmoni og variation af følelsesmæssige tilstande. Lignende i stilen. aspirationer og samtidig individuelt fransk. S. af samme periode - 3. S. (med orgel) af K. Saint-Saens (1887) og S. d-moll S. Frank (1888). I "Fra den nye verden" af A. Dvořák (den sidste, kronologisk den 9., 1893), blev ikke kun tjekkiske, men også neger- og indiske muser brudt. elementer. Væsentlige ideologiske begreber af den østrigske. symfonisterne A. Bruckner og G. Mahler. monumentalt produkt. Bruckner (8 S., 1865-1894, 9. ikke færdig, 1896) er karakteriseret ved mætning af polyfonisk. stoffer (påvirkning af org. kunst, og også, muligvis, musikdramaer af R. Wagner), varigheden og kraften af ​​følelsesmæssig opbygning. Til Mahlers symfoni (9 S., 1838-1909, 4 af dem med sang, deriblandt den 8. - "Symphony of a Thousand Participants", 1907; 10. er ikke færdig, gjorde D. Cook et forsøg på at færdiggøre den efter skitserne i 1960, S.-kantaten "Jordens sang" med 2 sangere-solister, 1908) er præget af konflikternes skarphed, sublim patos og tragedie, vil nyheden udtrykke. midler. Som om i modsætning til deres store kompositioner, ved hjælp af en rig performer. apparat, en kammersymfoni og en symfoni optræder.

De mest fremtrædende forfattere i det S. 20. århundrede. i Frankrig - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (schweizer efter nationalitet, 5 S., 1930-50, inklusive 3. - "Liturgisk", 1946, 5. - S. "three re" , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", i 10 dele, 1948); i Tyskland - R. Strauss ("Hjem", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, inklusive 1. - "Kunstner Mathis", 1934, 3- I - "Harmony of verden", 1951), KA Hartman (8 S., 1940-62) etc. Bidraget til udviklingen af ​​S. blev ydet af schweizeren X. Huber (8 S., 1881-1920, inkl. 7. - "Schweiziske", 1917), nordmændene K. Sinding (4 S., 1890-1936), X. Severud (9 S., 1920-1961, inklusive antifascist af design 5-7- I, 1941-1945), K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), rumænsk J Enescu (3 S., 1905) -19), hollænderne B. Peiper (3 S., 1917-27) og H. Badings (10 S., 1930-1961), svenskeren H. Rusenberg (7 S., 1919- 69, og S. for blæse- og percussioninstrumenter, 1968), italienske JF Malipiero (11 S., 1933-69), britiske R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, "Spring" S. for solosangere, blandet kor, drengekor og symfoniorkester, 1949), amerikanerne C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) og R. Harris ( 12 S., 1933-69), bror E. Vila Lobos (S. 12, 1916-58) m.fl. En bred vifte af C. typer. 20. århundrede. på grund af kreativitetens mangfoldighed. retninger, national skoler, folkelige forbindelser. Moderne S. er også forskellige i struktur, former og karakter: de drager mod intimitet og tværtimod mod monumentalitet; ikke opdelt i dele og bestående af mange. dele; traditionel lager og fri sammensætning; for det sædvanlige symbol. orkester og til usædvanlige kompositioner mv. En af det 20. århundredes musiktendenser. forbundet med modifikationen af ​​antikke - præklassiske og tidlige klassiske - muser. genrer og former. Han blev hyldet af S. S. Prokofiev i "Klassisk symfoni" (1907) og af I. F. Stravinsky i symfonien i C og "Symfoni i tre satser" (1940-45). I en række af S. 20 århundrede. der er en afvigelse fra de gamle normer under indflydelse af atonalisme, atematisme og andre nye kompositionsprincipper. A. Webern byggede S. (1928) på en 12-tonet serie. Repræsentanterne for "avantgarden" S. fordrevne dekomp. nye eksperimentelle genrer og former.

Den første blandt russerne komponister henvendte sig til den musikalske genre (med undtagelse af D. S. Bortnyansky, hvis koncertsymfoni, 1790, blev skrevet for et kammerensemble) Mikh. Yu. Vielgorsky (hans 2. C. opført i 1825) og AA Alyabiev (hans enkeltsats C. e-mol, 1830, og en udateret 3-delt C. Es-dur af suitetypen med 4 koncerthorn er blevet bevaret), senere A. G. Rubinshtein (6 S., 1850-86, inklusive 2. - "Ocean", 1854, 4. - "Dramatisk", 1874). M. I. Glinka, forfatter til den ufærdige S. ouverture i bunden af ​​det russiske. temaer (1834, afsluttet i 1937 af V. Ya. Shebalin), havde en afgørende indflydelse på dannelsen af ​​stilistiske. forbandet russisk. S. med alle sine symfonier. kreativitet, hvor kompositioner af andre genrer dominerer. I S. Rus. forfattere udtales nat. karakter, er billeder af mennesker fanget. liv, historisk begivenheder afspejler poesiens motiver. Blandt komponisterne af The Mighty Handful var N. A. Rimsky-Korsakov (3. s., 1865-74) den første til at skrive S.. Skaberen af ​​den russiske episk A. P. Borodin (2 S., 1867-76; ufærdig 3., 1887, delvist optaget efter hukommelsen af ​​A. K. Glazunov) dukkede op i S. I sit arbejde, især i "Bogatyrskaya" (2.) S., legemliggjorde Borodin billederne af en gigantisk planke. styrke. Blandt de højeste erobringer af verdens symfoni - produktion. P. I. Tjajkovskij (6 S., 1800-93, og program S. "Manfred", efter J. Byron, 1885). Den 4., 5. og især 6. ("Patetisk", med en langsom finale) S., lyrisk-dramatisk af karakter, når en tragisk kraft til at udtrykke livets kollisioner; de er dybt psykologiske. gennemtrængende formidle en rig række af menneskelige oplevelser. Episk linje. С. , 2 C. skrev M. A. Balakirev (1898, 1908), 3 C - R. M. Glier (1900-11, 3. - "Ilya Muromets"). Oprigtige tekster tiltrækker dig symfonier. S. Kalinnikova (2 S., 1895, 1897), dyb koncentration af tanke - S. c-mol S. I. Taneeva (1., faktisk 4., 1898), drama. patos - symfonier af S. V. Rachmaninov (3 S., 1895, 1907, 1936) og A. N. Scriabin, skaberen af ​​6-delt 1. (1900), 5. del 2. (1902) og 3-del 3. ("Det guddommelige digt") ", 1904), som udmærker sig ved en særlig dramaturgi. integritet og udtrykskraft.

S. indtager en vigtig plads hos ugler. musik. I uglernes arbejde. komponister modtog en særlig rig og lys udvikling høje traditioner for klassisk symfoni. S. tiltales af ugler. komponister af alle generationer, begyndende med de ældre mestre - N. Ya. Myaskovsky, skaberen af ​​27 S. (1908-50, inklusive den 19. - for blæseorkestret, 1939), og SS Prokofiev, forfatter til 7 S. (1917) - 1952), og slutter med talentfulde unge komponister. Førende figur inden for ugler. S. - D. D. Sjostakovitj. I hans 15 S. (1925-71) afsløres dybderne af den menneskelige bevidsthed og moralens stabilitet. kræfter (5. - 1937, 8. - 1943, 15. - 1971), spændende temaer om modernitet (7. - den såkaldte Leningradskaya, 1941) og historie (11. - "1905", 1957; 12. - "1917", 1961), højhumanistisk. idealer kontrasteres med dystre billeder af vold og ondskab (5-del 13., til tekst af E. A. Yevtushenko, for bas, kor og orkester, 1962). Udvikling af traditionen og moderne strukturtyper af S., komponisten, sammen med en frit fortolket sonatecyklus (for en række af hans S. er sekvensen karakteristisk: langsomt - hurtigt - langsomt - hurtigt), bruger andre strukturer (f.eks. i 11. - "1905"), tiltrækker menneskelig stemme (solister, kor). I den 11. del 14. S. (1969), hvor temaet liv og død afsløres på en bred social baggrund, soleres to sangstemmer, understøttet af strygere. og blæse. værktøjer.

Repræsentanter for adskillige mennesker arbejder produktivt i regionen S. nat. ugle grene. musik. Blandt dem er fremtrædende mestre af ugler. musik, såsom A. I. Khachaturian - den største arm. symfonist, forfatter til farverig og temperamentsfuld S. (1. - 1935, 2. - "S. med en klokke", 1943, 3. - S.-digt, med orgel og 15 ekstra piber, 1947); i Aserbajdsjan - K. Karaev (hans 3. S., 1965 er udmærket), i Letland - Y. Ivanov (15 S., 1933-72) osv. Se sovjetisk musik.

Litteratur: Glebov Igor (Asafiev B. V.), Opbygning af en moderne symfoni, " Moderne musik", 1925, nr. 8; Asafiev B.V., Symphony, i bogen: Essays on Soviet musical creativity, bind 1, M.-L., 1947; 55 sovjetiske symfonier, L., 1961; Popova T., Symphony, M. .-L., 1951; Yarustovsky B., Symfonier om krig og fred, M., 1966; Sovjetisk symfoni i 50 år, (komp.), red. GG Tigranov, L., 1967; Konen V., Teater og symfoni ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., Om det nationale og internationale i Sovjetisk symfoni, i bogen: Musik i et socialistisk samfund, vol. 1, L., 1969; Rytsarev S., Symphony in France before Berlioz, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchestre depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, V. 1898 . Lpz., 1926; hans egen, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (russisk oversættelse - Weingartner P., Performance of classical symphonies. Advice to conductors) ... 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, No 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le origini della synfonia, "RMI", 1913, v. 20, s. 291-346, 1914, v. 21, s. 97-121, 278-312, 1915, v 22, s. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (russisk oversættelse - Becker P., Symfoni fra Beethoven til Mahler, red. og indledende artikler af I. Glebov, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4, H. 1, samme, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen zur klassischen Sinfonie, "Af 1927w". , Jahrg. 8, nr. 4; hans, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., XVIII århundredes symfonier, L., 1951; Borrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII sícle, v. 1-3, P., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B. S. Steinpress

Symfonien er den mest monumentale form for instrumental musik. Desuden gælder denne erklæring for enhver æra - og for wienerklassikernes arbejde, og for romantikerne og for komponister af senere tendenser ...

Alexander Maykapar

Musikgenrer: Symfoni

Ordet symfoni kommer fra det græske "symfoni" og har flere betydninger. Teologer kalder dette en guide til brugen af ​​ord, der findes i Bibelen. Udtrykket oversættes af dem som samtykke og aftale. Musikere oversætter dette ord som konsonans.

Temaet for dette essay er symfonien som musikgenre. Det viser sig, at i den musikalske sammenhæng rummer begrebet symfoni flere forskellige betydninger. Således kaldte Bach sine vidunderlige stykker for klaversymfonierne, hvilket betyder, at de repræsenterer en harmonisk kombination, en kombination - konsonans - af flere (i dette tilfælde tre) stemmer. Men denne brug af begrebet var en undtagelse allerede på Bachs tid - i første halvdel af 1700-tallet. Desuden betegnede han i Bachs værk musik af en helt anden stil.

Og nu kommer vi tæt på hovedtemaet i vores essay – på symfonien som et stort flerstemmigt orkesterværk. I den forstand udkom symfonien omkring 1730, hvor den orkestrale introduktion til operaen adskilte sig fra selve operaen og blev til et selvstændigt orkesterværk, der tog udgangspunkt i en tresats-ouverture af italiensk type.

Symfoniens affinitet med ouverturen viser sig ikke kun i det faktum, at hver af de tre afsnit af ouverturen: hurtig-langsom-hurtig (og nogle gange endda en langsom introduktion til den) blev til en selvstændig separat sats i symfonien, men også i det faktum, at ouverturen gav symfonien idékontrasten mellem hovedtemaerne (som regel maskuline og feminine) og dermed udstyret symfonien med den dramatiske (og dramaturgiske) spænding og intriger, der er nødvendige for musik af store former.

Konstruktive principper for symfonien

Bjerge af musikologiske bøger og artikler er viet til analysen af ​​symfoniens form, dens udvikling. Det kunstneriske materiale repræsenteret af symfonigenren er enormt både i mængde og variation af former. Her kan vi karakterisere de mest generelle principper.

1. Symfoni er den mest monumentale form for instrumental musik. Desuden gælder dette udsagn for enhver æra - og for wienerklassikernes arbejde, og for romantikerne og for komponister af senere tendenser. Den ottende symfoni (1906) af Gustav Mahler, f.eks. storladen i kunstnerisk udformning, blev skrevet til et enormt - selv efter ideerne fra begyndelsen af ​​det 20. århundrede - ensemble af performere: et stort symfoniorkester blev udvidet med 22 træblæsere og 17 messingblæsere, partituret omfatter også to blandede kor og drengekor; hertil kommer otte solister (tre sopraner, to alter, tenor, baryton og bas) og et backstage-orkester. Det omtales ofte som "Tusind deltageres symfoni". For at kunne udføre det, er man nødt til at genopbygge scenen til selv meget store koncertsale.

2. Da en symfoni er et værk i flere satser (tre-, oftere fire- og nogle gange endda femstemmigt, f.eks. Beethovens Pastoral eller Berlioz' Fantastic), er det klart, at en sådan form skal være ekstremt omstændelig for at at udelukke monotoni og monotoni. (En ensats symfoni er meget sjælden, et eksempel er N. Myaskovskys symfoni nr. 21.)

En symfoni indeholder altid mange musikalske billeder, ideer og temaer. De er på en eller anden måde fordelt mellem partierne, som til gengæld på den ene side står i kontrast til hinanden, på den anden side danner en vis højere integritet, uden hvilken symfonien ikke vil blive opfattet som et enkelt værk.

For at give en idé om sammensætningen af ​​symfoniens dele, vil vi give information om flere mesterværker ...

Mozart. Symfoni nr. 41 "Jupiter", i C-dur
I. Allegro vivace
II. Andante cantabile
III. Menuetto. Allegretto-trio
IV. Molto Allegro

Beethoven. Symfoni nr. 3 i Es-dur, op. 55 ("Heroisk")
I. Allegro conbrio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. Finale: Allegro molto, Poco Andante

Schubert. Symfoni nr. 8 i h-mol (såkaldt "Ufinished")
I. Allegro moderato
II. Andante con moto

Berlioz. Fantastisk symfoni
I. Drømme. Passioner: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. Bold: Valse. Allegro non troppo
III. Markscene: Adagio
IV. Procession til henrettelsen: Allegretto non troppo
V. Drøm om sabbattens nat: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

Borodin. Symfoni nr. 2 "Bogatyrskaya"
I. Allegro
II. Scherzo. Prestissimo
III. Andante
IV. Finale. Allegro

3. Den mest komplekse i design er den første del. I en klassisk symfoni er den normalt skrevet i den såkaldte sonateform. Allegro. Det ejendommelige ved denne form er, at den støder sammen og udvikler sig iflg i det mindste to hovedtemaer, som i de mest generelle vendinger kan omtales som udtryk for det maskuline (dette tema kaldes almindeligvis hovedparti, da det for første gang passerer i værkets hovedtone) og det feminine (dette sideparti- det lyder i en af ​​de relaterede hovedtaster). Disse to hovedtemaer hænger på en eller anden måde sammen, og overgangen fra hoved til side kaldes forbindende part. Præsentationen af ​​alt dette musikalske materiale har som regel en slutning på en bestemt måde, kaldes denne episode sidste spil.

Lytter vi til en klassisk symfoni med den opmærksomhed, der giver os mulighed for umiddelbart at skelne disse strukturelle elementer fra det første bekendtskab med en given komposition, så finder vi i løbet af første del en modifikation af disse grundtemaer. Med udviklingen af ​​sonateformen var nogle komponister - og Beethoven var den første af dem - i stand til at identificere feminine elementer i temaet om en maskulin karakter og omvendt, og i løbet af udviklingen af ​​disse temaer "belyse" dem i forskellige veje. Dette er måske den lyseste - både kunstneriske og logiske - udformning af dialektikkens princip.

Hele første del af symfonien er bygget op som en tredelt form, hvor hovedtemaerne først præsenteres for lytteren, som om de var udstillet (det er derfor dette afsnit kaldes en udstilling), derefter gennemgår de udvikling og transformation ( det andet afsnit er udvikling) og endelig vende tilbage - enten i deres oprindelige form eller i en ny kvalitet (gentagelse). Dette er det mest almindelig ordning, hvor hver af de store komponister bidrog med noget eget. Derfor vil vi ikke møde to ens konstruktioner, ikke kun fra forskellige komponister, men også fra én. (Selvfølgelig, hvis vi taler om de store skabere.)

4. Efter den sædvanligvis turbulente førstesats af en symfoni skal der bestemt være plads til lyrisk, rolig, sublim musik, kort sagt flydende i slowmotion. Først var dette anden sats af symfonien, og det blev betragtet som en ret streng regel. I Haydns og Mozarts symfonier er den langsomme sats netop den anden. Hvis der kun er tre dele i en symfoni (som i Mozarts 1770'ere), så viser den langsomme del sig virkelig at være mellem. Hvis symfonien er firstemmigt, så blev der placeret en menuet mellem den langsomme sats og den hurtige finale i de tidlige symfonier. Senere, begyndende med Beethoven, blev menuetten erstattet af en hurtig scherzo. Men på et tidspunkt besluttede komponisterne at afvige fra denne regel, og så blev den langsomme del den tredje i symfonien, og scherzoen blev anden del, som vi ser (mere præcist, vi hører) i A. Borodins " Bogatyr" symfoni.

5. Finalerne af klassiske symfonier er præget af livlig bevægelse med træk af dans og sang, ofte i folkeånd. Nogle gange bliver finalen af ​​en symfoni til en sand apoteose, som i Beethovens niende symfoni (Op. 125), hvor koret og solistsangerne blev introduceret til symfonien. Selvom dette var en nyskabelse for symfonigenren, var det ikke for Beethoven selv: endnu tidligere havde han komponeret Fantasia for klaver, kor og orkester (Op. 80). Symfonien indeholder oden "To Joy" af F. Schiller. Finalen er så dominerende i denne symfoni, at de tre satser, der går forud for den, opfattes som en kæmpe introduktion til den. Udførelsen af ​​denne slutning med dens opfordring "Kram, millioner!" ved åbningen af ​​FN's Generalforsamling - det bedste udtryk for menneskehedens etiske forhåbninger!

Store Symphony Makers

Joseph Haydn

Joseph Haydn levede et langt liv (1732–1809). Det halve århundrede af hans kreative aktivitet er skitseret af to vigtige omstændigheder: JS Bachs død (1750), som afsluttede polyfoniens æra, og uropførelsen af ​​Beethovens tredje ("heroiske") symfoni, som markerede begyndelsen af romantikkens æra. I løbet af disse halvtreds år de gamle musikalske former - messe, oratorium og concerto grosso- blev erstattet af nye: en symfoni, en sonate og en strygekvartet. Det vigtigste sted, hvor værker skrevet i disse genrer nu lød, var ikke kirker og katedraler som før, men adels- og aristokraternes paladser, hvilket igen førte til en ændring i musikalske værdier - poesi og subjektiv udtryksevne kom på mode. .

I alt dette var Haydn en pioner. Ofte - selvom det ikke er korrekt nok - bliver han kaldt "symfoniens fader". Nogle komponister, såsom Jan Stamitz og andre repræsentanter for den såkaldte Mannheim-skole (Mannheim i midten af ​​det 18. århundrede var den tidlige symfonismes citadel), var allerede meget tidligere end Haydn begyndt at komponere tresatses symfonier. Haydn tog dog denne form til et meget højere niveau og viste vejen til fremtiden. Hans tidlige værker bærer præg af indflydelse fra C. F. E. Bach, mens hans senere foregriber en helt anden stil - Beethoven.

Samtidig er det bemærkelsesværdigt, at han begyndte at skabe kompositioner, der fik en vigtig musikalsk betydning, da han passerede sin fyrreårige milepæl. Frugtbarhed, mangfoldighed, uforudsigelighed, humor, opfindsomhed – det er det, der får Haydn til at hæve sine samtidiges niveau.

Mange af Haydns symfonier har fået titler. Jeg vil give et par eksempler.

A. Abakumov. Playing Haydn (1997)

Den berømte symfoni nr. 45 blev kaldt "Farvel" (eller "Symfoni ved levende lys"): den sidste sider finalen af ​​symfonien, en efter en stopper musikerne med at spille og forlader scenen, kun to violiner tilbage, og fuldender symfonien med en spørgende akkord la - f-skarp. Haydn fortalte selv en halvhumoristisk version af symfoniens oprindelse: Prins Nikolai Esterhazy lod engang ikke orkesterspillerne fra Esterhaz til Eisenstadt, hvor deres familier boede, i meget lang tid. Da Haydn ville hjælpe sine underordnede, komponerede Haydn afslutningen på "Farvel"-symfonien i form af et subtilt hint til prinsen - udtrykt musikalske billeder forlade anmodninger. Antydningen blev forstået, og prinsen gav de passende ordrer.

I romantikkens æra blev symfoniens humoristiske karakter glemt, og de begyndte at give den en tragisk betydning. Schumann skrev i 1838 om, at musikerne slukkede deres stearinlys og forlod scenen under symfoniens finale: "Og ingen lo af dette, for der var ikke tid til latter."

Symfoni nr. 94 "With a Timpani strike, or Surprise" har fået sit navn på grund af den humoristiske effekt i den langsomme sats – dens fredfyldte stemning brydes af et skarpt paukeslag. Nr. 96 "Miracle" blev så kaldt på grund af tilfældige omstændigheder. Ved koncerten, hvor Haydn skulle dirigere denne symfoni, styrtede publikum med hans optræden fra midten af ​​salen til de frie forreste rækker, og midten var tom. I det øjeblik, lige i midten af ​​salen, kollapsede en lysekrone, kun to tilhørere blev lettere såret. Der lød udråb i salen: ”Et mirakel! Mirakel!" Haydn var selv dybt imponeret over hans ubevidste redning af mange mennesker.

Navnet på symfonien nr. 100 "Militær" er tværtimod slet ikke tilfældigt - dens ekstreme dele tegner med deres militære signaler og rytmer tydeligt et musikalsk billede af lejren; selv Menuetten her (tredje del) er af et ret flot "hær"-lager; medtagelsen af ​​tyrkiske slagtøjsinstrumenter i partituret til symfonien glædede Londons musikelskere (jf. Mozarts tyrkiske march).

Nr. 104 "Salomon": er dette ikke en hyldest til impresarioen - John Peter Salomon, der gjorde så meget for Haydn? Sandt nok blev Salomon selv, takket være Haydn, så berømt, at han blev begravet i Westminster Abbey "for at have bragt Haydn til London", som angivet på hans gravsten. Derfor bør symfonien hedde netop "Med men Lomon" og ikke "Solomon", som det nogle gange findes i koncert programmer, som forkert orienterer lytterne til den bibelske konge.

Wolfgang Amadeus Mozart

Mozart skrev sine første symfonier, da han var otte år gammel, og hans sidste som toogtredive. Deres samlede antal er mere end halvtreds, men flere unge er ikke blevet bevaret eller endnu ikke blevet opdaget.

Hvis man følger rådene fra Alfred Einstein, den største ekspert i Mozart, og sammenligner dette nummer med kun ni symfonier af Beethoven eller fire af Brahms, vil det straks stå klart, at konceptet for symfonigenren er anderledes for disse komponister. Men hvis vi fra Mozart udvælger de af hans symfonier, der virkelig, ligesom Beethovens, er henvendt til et bestemt ideelt publikum, med andre ord til hele menneskeheden ( humanitas), så viser det sig, at Mozart heller ikke har skrevet mere end ti sådanne symfonier (samme Einstein taler om "fire eller fem"!). "Prag" og triaden af ​​symfonier fra 1788 (nr. 39, 40, 41) er et fantastisk bidrag til verdenssymfoniens skatkammer.

Af disse sidste tre symfonier er den midterste, nr. 40, den mest kendte. Popularitetsmæssigt er det kun Den lille natserenade og ouverturen til operaen Le nozze di Figaro, der kan konkurrere med den. Selvom årsagerne til popularitet altid er svære at bestemme, kan en af ​​dem i dette tilfælde være valget af nøgle. Denne symfoni blev skrevet i g-mol - en sjældenhed for Mozart, der foretrak muntre og glade durtoner. Af de enogfyrre symfonier er kun to skrevet i en moltonart (dette betyder ikke, at Mozart ikke skrev molmusik i dursymfonier).

Hans klaverkoncerter har lignende statistikker: ud af syvogtyve har kun to hovedtonen i mol. I betragtning af de mørke dage, hvor denne symfoni blev til, kan det se ud til, at valget af toneart var forudbestemt. Der er dog noget mere i denne skabelse end blot en enkelt persons hverdagssorger. Man skal huske, at i den æra tyskerne og østrigske komponister flere og flere befandt sig i ideer og billeder af den æstetiske tendens i litteraturen, kaldet "Storm og Drang".

Navnet på den nye bevægelse er givet af F. M. Klingers drama Sturm und Drang (1776). Dukkede op et stort antal af dramaer med utroligt brændende og ofte inkonsekvente karakterer. Komponister var også fascineret af ideen om med lyde at udtrykke den dramatiske intensitet af lidenskaber, heroisk kamp, ​​ofte længsel efter urealiserbare idealer. Ikke overraskende vendte Mozart sig i denne atmosfære også til moltonarter.

I modsætning til Haydn, der altid var sikker på, at hans symfonier ville blive opført - enten før prins Esterhazy, eller, som de i London, før offentligheden i London - havde Mozart aldrig sådan en garanti, og på trods af dette var han forbløffende produktiv. Hvis hans tidlige symfonier ofte er underholdende eller, som vi nu ville sige, "let" musik, så er hans senere symfonier "højdepunktet på programmet" af enhver symfonikoncert.

Ludwig van Beethoven

Beethoven skrev ni symfonier. Der er sikkert flere bøger af dem, end der er noter i denne arv. De største af hans symfonier er den tredje (Es-dur, "Heroisk"), den femte (C-mol), den sjette (F-dur, "Pastoral"), den niende (D-mol).

... Wien, 7. maj 1824. Uropførelse af den niende symfoni. Efterladte dokumenter vidner om, hvad der skete dengang. Annonceringen af ​​den kommende premiere var allerede bemærkelsesværdig: "The Grand Academy of Music, arrangeret af Mr. Ludwig van Beethoven, finder sted i morgen den 7. maj.<...>Mademoiselle Sontag og Mademoiselle Unger og herrerne Heitzinger og Seipelt optræder som solister. Orkesterets koncertmester er hr. Schuppanzig, dirigent er hr. Umlauf.<...>Hr. Ludwig van Beethoven vil personligt deltage i regi af koncerten."

Denne ledelse resulterede til sidst i, at Beethoven selv dirigerede symfonien. Men hvordan kunne dette ske? På det tidspunkt var Beethoven jo allerede døv. Lad os vende os til øjenvidneberetninger.

"Beethoven dirigerede sig selv, eller rettere, han stod foran dirigentens konsol og gestikulerede som en gal," skrev Josef Böhm, orkestrets violinist, der deltog i den historiske koncert. - Han strakte sig op, så satte han sig nærmest på hug, viftede med armene og stampede med fødderne, som om han selv ville spille på alle instrumenter på samme tid og synge for hele koret. Faktisk stod Umlauf for alt, og vi, musikerne, så kun på hans stok. Beethoven var så begejstret, at han fuldstændig ikke lagde mærke til, hvad der skete omkring ham, og ikke var opmærksom på den storm af klapsalver, som næsten ikke nåede hans bevidsthed på grund af høretab. I slutningen af ​​hvert nummer skulle jeg fortælle ham præcis, hvornår han skulle vende om og takke publikum for bifaldet, hvilket han gjorde meget akavet.

I slutningen af ​​symfonien, da klapsalverne allerede tordnede, nærmede Caroline Unger sig Beethoven, stoppede forsigtigt hans hånd - han fortsatte stadig med at dirigere, uden at være klar over, at forestillingen var slut! og vendte sig mod rummet. Så blev det tydeligt for alle, at Beethoven var fuldstændig døv...

Succesen var enorm. Det krævede politiets indgriben at sætte en stopper for bifaldet.

Peter Iljitsj Tjajkovskij

I genren symfoni P.I. Tchaikovsky skabte seks værker. Sidste symfoni - sjette, i h-mol, op. 74 - af ham navngivet "Patetisk".

I februar 1893 kom Tjajkovskij med en plan for en ny symfoni, som blev til den sjette. I et af sine breve siger han: "Under rejsen fik jeg ideen om endnu en symfoni ... med sådan et program, der vil forblive et mysterium for alle ... Dette program er det mest gennemsyret af subjektivitet, og ofte under rejsen, når jeg mentalt komponerer det, er jeg meget grædt."

Den sjette symfoni blev indspillet af komponisten meget hurtigt. Bogstaveligt talt på en uge (4.-11. februar) optog han hele den første del og halvdelen af ​​den anden. Så blev arbejdet i nogen tid afbrudt af en tur fra Klin, hvor komponisten dengang boede, til Moskva. Tilbage til Klin arbejdede han på tredje del fra 17. februar til 24. februar. Så var der endnu en pause, og i anden halvdel af marts afsluttede komponisten finalen og anden del. Orkestreringen måtte udskydes noget, da Tjajkovskij havde flere ture planlagt. Den 12. august blev orkestreringen afsluttet.

Første opførelse af den sjette symfoni fandt sted i Sankt Petersborg den 16. oktober 1893 under forfatterens stafetten. Tjajkovskij skrev efter premieren: "Der sker noget mærkeligt med denne symfoni! Det var ikke fordi hun ikke kunne lide det, men det vakte en vis forvirring. Hvad mig angår, er jeg mere stolt af den end nogen anden af ​​mine kompositioner. Yderligere begivenheder var tragiske: Ni dage efter premieren på symfonien døde P. Tchaikovsky pludselig.

V. Baskin, forfatteren til den første biografi om Tchaikovsky, som var til stede både ved premieren af ​​symfonien og ved dens første opførelse efter komponistens død, da E. Napravnik dirigerede (denne forestilling blev en triumf), skrev: "Vi husker den triste stemning, der herskede i salen til den noble forsamling den 6. november, da den "patetiske" symfoni blev opført for anden gang, hvilket ikke blev fuldt ud værdsat ved den første opførelse under stafetten af ​​Tjajkovskijs selv. I denne symfoni, der desværre blev vor komponists svanesang, var han ny ikke blot i indhold, men også i form; i stedet for det sædvanlige Allegro eller Presto det begynder Adagio lamentoso efterlader lytteren i den mest triste stemning. I det Adagio komponisten siger sådan set farvel til livet; gradvist morendo(italiensk - fading) af hele orkestret mindede os om den berømte slutning af "Hamlet": " Resten er stille"(Yderligere - tavshed)".

Vi kunne kun kort tale om nogle få mesterværker symfonisk musik, desuden ser man bort fra det egentlige musikalske stof, da en sådan samtale kræver den rigtige lyd af musik. Men selv fra denne historie bliver det klart, at symfonien som genre og symfonierne som frembringelser af den menneskelige ånd er en uvurderlig kilde højeste fornøjelse. Verden af ​​symfonisk musik er enorm og uudtømmelig.

Ifølge materialerne i magasinet "Art" nr. 08/2009

På plakaten: Stor sal St. Petersborg Akademiske Filharmoniske Orkester opkaldt efter D. D. Shostakovich. Tori Huang (klaver, USA) og Philharmonic Academic Symphony Orchestra (2013)

SYMFONI

SYMFONI

1. Et stort stykke musik for orkester, normalt bestående af 4 dele, hvoraf den første og ofte den sidste er skrevet i sonateform (musik). "Symfonien kan kaldes en storslået sonate for orkester." N. Solovyov .

3. oversættelse, hvad. Én stor helhed, hvori forskellige talrige komponenter smelter sammen, forenes. Symfoni af blomster. En symfoni af dufte. "Disse lyde smeltede sammen til en øredøvende symfoni af dagens arbejde." Maksim Gorky .

4. Alfabetisk ordregister for kirkebøger (kirke, lit.). Symfoni over Det Gamle Testamente.

Ordbog Ushakov. D.N. Ushakov. 1935-1940.

Se, hvad "SYMPHONY" er i andre ordbøger:

Se samtykke ... Ordbog over russiske synonymer og udtryk lignende betydning. under. udg. N. Abramova, M.: Russiske ordbøger, 1999. symfoni, harmoni, enighed; konsonans, ordbogsindeks, symphonietta Ordbog over russiske synonymer ... Synonym ordbog

- (græsk konsonans). Et fantastisk stykke musik skrevet til orkester. Ordbog over fremmede ord inkluderet i det russiske sprog. Chudinov A.N., 1910. SYMFONI Græsk. symfoni, fra syn, sammen, og telefon, lyd, harmoni, harmoni af lyde. ... ... Ordbog over fremmede ord i det russiske sprog

Symfoni nr. 17: Symfoni nr. 17 (Weinberg). Symfoni nr. 17 (Mozart), i G-dur, KV129. Symfoni nr. 17 (Myaskovsky). Symfoni nr. 17 (Karamanov), "Amerika". Symfoni nr. 17 (Slonimsky). Symfoni nr. 17 (Hovaness), Symfoni for metalorkester, op. 203 ... ... Wikipedia

symfoni- og vel. symfoni f. , det. sinfonia lat. symfoni gr. symfoni-konsonans. Krysin 1998. 1. Et stort stykke musik for orkester, bestående af 3 4 stemmer, der adskiller sig fra hinanden i musikkens karakter og tempo. Patetisk symfoni ... ... Historisk ordbog over gallicisme af det russiske sprog

Kvinder, græsk, musik harmoni, konsonans af lyde, polyfon konsonans. | En særlig form for polyfonisk musikalsk komposition. Hayden symfoni. | Symfoni om gammel, på Nye Testamente, sæt, angivelse af steder, hvor det samme ord mindes. Forklarende ...... Dahls forklarende ordbog

- (latinsk symphonia, fra græsk symphonia consonance, overenskomst), et værk for et symfoniorkester; en af ​​instrumentalmusikkens hovedgenrer. Symfonien af ​​den klassiske type udviklede sig blandt komponisterne fra den klassiske wienerskole J. ... ... Moderne Encyklopædi

- (fra den græske symphonia consonance) et stykke musik for et symfoniorkester, skrevet i sonatecyklisk form; den højeste form for instrumentalmusik. Består normalt af 4 dele. Den klassiske type symfoni tog form i kon. 18 tidligt 19. århundrede ... Stor encyklopædisk ordbog

Symfoni- (latinsk symphonia, fra græsk symphonia - konsonans, overenskomst), et værk for et symfoniorkester; en af ​​instrumentalmusikkens hovedgenrer. Symfonien af ​​den klassiske type udviklede sig blandt komponisterne fra den klassiske wienerskole - J. ... ... Illustreret encyklopædisk ordbog

SYMFONI, og for kvinder. 1. Et stort (normalt fire satser) stykke musik for orkester. 2. trans. En harmonisk sammensætning, en kombination heraf (Bestil). C. blomster. C. farver. C. lyder. | adj. symfonisk, åh, åh (til 1 betydning). S. orkester ... ... Forklarende ordbog af Ozhegov

- (græsk konsonans) navnet på en orkesterkomposition i flere dele. S. er den mest omfattende form inden for koncert-orkestermusik. På grund af ligheden i sin konstruktion med sonaten. S. kan kaldes en stor sonate for orkester. Hvordan i … … Encyclopedia of Brockhaus og Efron

Bøger

• Symfoni. 1, A. Borodin. Symfoni. 1, Partitur, For orkester Udgavetype: Partitur Instrumenter: orkester Gengivet i den originale forfatters stavemåde fra 1862-udgaven.…