Yapon rəssamlığı. Müasir Yapon rəssamlığı

ev / Boşanma

Yaponiyanın monoxrom rəssamlığı Şərq sənətinin nadir hadisələrindən biridir. Ona çoxlu əsərlər və tədqiqatlar həsr olunub, lakin çox vaxt çox şərti, bəzən hətta dekorativ bir şey kimi qəbul edilir. Bu belə deyil.Yapon rəssamının mənəvi dünyası çox zəngindir və o, estetik komponentə deyil, mənəvi tərəfə çox önəm verir. Şərq sənəti zahiri və daxili, aşkar və gizlinin sintezidir.

Bu yazıda monoxrom rəssamlığın tarixinə deyil, onun mahiyyətinə diqqət yetirmək istərdim. Bu müzakirə olunacaq.

ekran "Şamlar" Hasegawa Tohaku, 1593.

Monoxrom rəsmlərdə gördüklərimiz rəssamın şam üçlüyü ilə qarşılıqlı əlaqəsinin nəticəsidir: kağız, fırça, mürəkkəb. Ona görə də əsəri düzgün başa düşmək üçün rəssamın özünü, münasibətini anlamaq lazımdır.

"Mənzərə" Sesshu, 1398

Kağız yapon ustası üçün asan deyil rahat material, onun şıltaqlığına tabe etdiyi, əksinə, “qardaş” olduğu üçün ona münasibət də buna uyğun inkişaf edib. Kağız, yaponların həmişə qorxaqlıqla yanaşdıqları və özlərinə tabe olmamağa, onunla dinc yanaşı yaşamağa çalışdıqları ətraf təbiətin bir hissəsidir. Kağız keçmişdə müəyyən bir ərazidə dayanan bir ağacdır, müəyyən vaxt, Ətrafında bir şey "gördü" və o, hamısını saxlayır. Yapon rəssamı materialı belə qəbul edir. Tez-tez işə başlamazdan əvvəl ustalar uzun müddət boş vərəqə baxdılar (bu barədə düşündülər) və yalnız bundan sonra rəsm çəkməyə başladılar. İndi də Nihon-qa texnikasını (ənənəvi Yapon rəssamlığı) tətbiq edən müasir yapon rəssamları kağızı diqqətlə seçirlər. Kağız zavodlarından sifarişlə alırlar. Müəyyən bir qalınlığa, nəm keçiriciliyə və fakturaya malik olan hər bir rəssam üçün (bir çox rəssamlar hətta bu kağızı başqa rəssamlara satmamaq üçün fabrik sahibi ilə müqavilə bağlayırlar) - buna görə də hər bir rəsm unikal və canlı bir şey kimi qəbul edilir.

"Bambuk bağında oxumaq" Syubun, 1446.

Bu materialın əhəmiyyətindən danışarkən Sei Şonaqonun “Başlıqdakı qeydlər” və Murasaki Şikibunun “Genji Monoqotari” kimi yapon ədəbiyyatının məşhur abidələrini qeyd etmək yerinə düşər: həm “Qeydlər”də, həm də “Genji”də süjetlərə rast gəlmək olar. saray əyanları və ya sevgililər mesaj mübadiləsi etdikdə ... Bu mesajların yazıldığı kağız uyğun fəsildə, kölgədə idi və mətnin yazılma tərzi onun fakturasına uyğun gəlirdi.

Kyoshen tərəfindən "Murasaki Shikibu at Ishiyama Shrine"

Fırça- ikinci komponent ustanın əlinin davamıdır (yenə də bu təbii material). Buna görə də, fırçalar da sifarişlə hazırlanırdı, lakin çox vaxt rəssamın özü tərəfindən. Lazım olan uzunluqdakı tükləri götürdü, fırçanın ölçüsünü və ən rahat tutuşunu seçdi. Usta yalnız öz fırçası ilə yazır, başqası yox. (Kimdən Şəxsi təcrübə: Mən Çinli rəssam Jiang Shilunun ustad dərsində idim, tamaşaçılardan ustad dərsində iştirak edən tələbələrinin nəyi bacardıqlarını göstərməyi xahiş etdilər və onların hər biri ustadın fırçasını götürərək dedi ki, Fırça özlərinə məxsus olmadığından, ona öyrəşmədikləri üçün gözlədiklərini həyata keçirə bilmirlər və ondan düzgün istifadə etməyi bilmirlər).

Katsushika Hokusai tərəfindən "Fuji" mürəkkəb eskizi

Tuş- üçüncü mühüm element... Tuş olur fərqli növlər: quruduqdan sonra parlaq və ya tutqun effekt verə bilər, gümüş və ya oxra çalarları ilə qarışdırıla bilər, ona görə də tuşun düzgün seçilməsi də əhəmiyyətsiz deyil.

Yamamoto Baytsu, XVIII əsrin sonu- XIX əsr.

Monoxrom rəssamlığın əsas mövzuları mənzərələrdir. Niyə onların rəngi yoxdur?

Qoşa ekran "Şamlar", Hasegawa Tohaku

Birincisi, yapon rəssamını obyektin özü deyil, onun mahiyyəti, bütün canlılar üçün ümumi olan və insanla təbiət arasında harmoniyaya səbəb olan müəyyən komponent maraqlandırır. Ona görə də obraz həmişə eyhamdır, o, görmə qabiliyyətinə deyil, hisslərimizə ünvanlanır. Aşağı ifadə dialoq üçün stimuldur, bu da əlaqə deməkdir. Şəkildə xətlər və ləkələr vacibdir - onlar əmələ gəlir bədii dil... Bu, istədiyi yerdə yağlı iz qoyan ustadın azadlığı deyil, başqa yerdə, əksinə, onu çəkməyib - şəkildəki hər şeyin öz mənası və əhəmiyyəti var və təsadüfi xarakter daşımır. .

İkincisi, rəng həmişə bir növ emosional məna daşıyır və fərqli şəkildə qəbul edilir. müxtəlif insanlar tərəfindən müxtəlif dövlətlərdə, buna görə də emosional neytrallıq izləyiciyə dialoqa ən adekvat şəkildə girməyə, onu qavrayışa, təfəkkürə, düşüncəyə yönəltməyə imkan verir.

Üçüncüsü, bu, yin və yangın qarşılıqlı təsiridir, hər hansı bir monoxrom rəsm, mürəkkəbin nisbəti və içindəki kağızın toxunulmamış sahəsi baxımından ahəngdardır.

Niyə kağız sahəsinin çox hissəsi istifadə edilmir?

"Landşaft" Syubun, 15-ci əsrin ortaları.

Birincisi, boş yer izləyicini təsvirə batırır; ikincisi, obraz sanki bir anlıq səthə qalxıb və yox olmaq üzrədir - bu dünyagörüşü və dünyagörüşü ilə bağlıdır; üçüncüsü, mürəkkəb olmayan yerlərdə kağızın teksturası və kölgəsi ön plana çıxır (bu, reproduksiyalarda həmişə görünmür, amma əslində bu, həmişə iki materialın - kağız və mürəkkəbin qarşılıqlı təsiridir).

Sesshu, 1446

Niyə mənzərə?

Geiami tərəfindən "Şəlalələrin təfəkkürü", 1478.

Yaponların dünyagörüşünə görə, təbiət insandan daha mükəmməldir, ona görə də o, ondan dərs almalı, ona hər cür qayğı göstərməli, onu məhv etməməli, özünə tabe etməməlidir. Buna görə də, bir çox mənzərələrdə insanların kiçik şəkillərini görə bilərsiniz, lakin onlar həmişə əhəmiyyətsizdir, mənzərənin özünə nisbətən kiçikdir və ya ətrafdakı məkanda yazılmış və hətta həmişə nəzərə çarpmayan daxmaların təsvirləridir - bunlar hamısı simvollardır. dünyagörüşünün.

"Mövsümlər: Payız və Qış" Sesshu. "Mənzərə" Sesshu, 1481

Sonda demək istəyirəm ki, monoxrom yapon rəssamlığı xaotik şəkildə sıçrayan mürəkkəb deyil, bu rəssamın daxili eqosunun şıltaqlığı deyil - bu bütün sistem təsvirlər və simvollar, bu, fəlsəfi fikrin anbarıdır və ən əsası, özünü və ətrafımızdakı dünya ilə ünsiyyət və uyğunlaşma yoludur.

Burada, məncə, monoxrom Yapon rəssamlığı ilə qarşılaşdıqda tamaşaçıda yaranan əsas suallara cavablar var. Ümid edirəm ki, onlar sizə bunu ən düzgün başa düşməyinizə və görüşəndə qavramağınıza kömək edəcəklər.

yapon klassik rəsm uzun və maraqlı hekayə... Yaponiyanın təsviri incəsənəti təmsil olunur müxtəlif üslublar və hər biri özünəməxsus şəkildə unikal olan janrlar. Tunc dotaku zəngləri və saxsı qəlpələrində tapılan qədim boyalı heykəlciklər və həndəsi motivlər eramızın 300-cü illərinə aiddir.

Buddist sənət oriyentasiyası

Yaponiyada divar rəsm sənəti kifayət qədər inkişaf etmişdi, 6-cı əsrdə Buddizm fəlsəfəsi mövzusunda təsvirlər xüsusilə məşhur idi. Həmin dövrdə ölkədə böyük məbədlər tikilirdi və onların divarları hər yerdə Buddist mif və əfsanələrinin mövzularına çəkilmiş freskalarla bəzədilmişdir. İndiyədək Yaponiyanın Nara şəhəri yaxınlığındakı Horyuji məbədində divar rəsmlərinin qədim nümunələri qorunub saxlanılıb. Horyujinin freskalarında Buddanın və digər tanrıların həyatından səhnələr təsvir edilmişdir. Bu divar rəsmlərinin bədii üslubu Çinin Song Dynasty dövründə məşhur olan şəkil konsepsiyasına çox yaxındır.

Tan sülaləsinin rəsm üslubu Nara dövrünün ortalarında xüsusi populyarlıq qazandı. Takamatsuzuka məqbərəsində tapılan freskalar bu dövrə, təxminən eramızın 7-ci əsrinə aiddir. Tan sülaləsinin təsiri altında formalaşan bədii texnika sonralar kara-e rəngkarlıq janrının əsasını təşkil etmişdir. Yamato-e üslubunda ilk əsərlər görünənə qədər bu janr populyar olaraq qaldı. Freskaların və rəsm şah əsərlərinin əksəriyyəti naməlum müəlliflərin fırçasına aiddir, bu gün o dövrün bir çox əsərləri Sesoin xəzinəsində saxlanılır.

Tendai kimi yeni Buddist məktəblərinin artan təsiri geniş dini oriyentasiyaya təsir etdi. vizual incəsənət 8-9-cu əsrlərdə Yaponiya. Yapon buddizmində xüsusi tərəqqinin müşahidə olunduğu 10-cu əsrdə Buddanın Qərb Cənnətinə gəlişini əks etdirən rayqodzu janrı “xoş gəldin rəsmlər” meydana çıxdı. 1053-cü ilə aid raiqodzunun ilk nümunələrini Kioto prefekturasının Uji şəhərində qorunan Bedo-in məbədində görmək olar.

Üslubların dəyişdirilməsi

Heian dövrünün ortalarında dəyişdirildi çin üslubu kara-e uzun müddət Yapon rəssamlığının ən populyar və tələb olunan janrlarından birinə çevrilən yamato-e janrına gəlir. Yeni rəsm üslubu əsasən qatlanan ekranların və sürüşmə qapıların rənglənməsinə tətbiq edilmişdir. Vaxt keçdikcə yamato-e üfüqi ekimono rulonlarına keçdi. Emaki janrında çalışan rəssamlar öz əsərlərində seçilmiş süjetin bütün emosionallığını çatdırmağa çalışıblar. Genji Monogatari Scroll bir-birinə yapışdırılmış çoxlu epizodlardan ibarət idi, dövrün rəssamları sürətli vuruşlardan və parlaq, ifadəli rənglərdən istifadə edirdilər.

E-maki kişi portretləri janrı olan otoko-e-nin ən qədim və ən görkəmli nümunələrindən biridir. Qadın portretləri onna-e ayrıca janr kimi seçilir. Bu janrlar arasında, əslində, kişilər və qadınlar arasında da kifayət qədər ciddi fərqlər var. Onna-e üslubu “Gənci nağılı”nın dizaynında rəngarəng təqdim olunub, burada rəsmlərin əsas mövzularına romantik süjetlər, saray həyatından səhnələr daxildir. Kişi otoko-e üslubu əsasən tarixi döyüşlərin və digərlərinin bədii təsviridir mühüm hadisələr imperiyanın həyatında.

Klassik Yapon incəsənət məktəbi ideyaların inkişafı və təbliği üçün münbit zəmin olmuşdur müasir incəsənət Pop mədəniyyətinin və animenin təsirinin olduqca aydın şəkildə izləndiyi Yaponiya. Ən məşhurlarından biri Yapon rəssamları müasirliyi Takashi Murakami adlandırmaq olar, onun işi Yapon həyatından səhnələrin təsvirinə həsr edilmişdir. müharibədən sonrakı dövr və maksimum birləşmə konsepsiyaları təsviri incəsənət və əsas.

Klassik məktəbin məşhur yapon rəssamları arasında aşağıdakıları qeyd etmək olar.

Gərgin Şubun

Şubun 15-ci əsrin əvvəllərində işləmiş, Song sülaləsi dövrünün Çin ustalarının əsərlərini öyrənməyə çox vaxt sərf edərək, bu adam yaponların mənşəyində dayanmışdı. gözəl janr... Şubun sumi-e üslubunun, monoxrom mürəkkəblə rəsmin banisi hesab olunur. O, yeni janrı yapon rəssamlığının aparıcı istiqamətlərindən birinə çevirərək populyarlaşdırmaq üçün çox səy göstərdi. Syubun tələbələri çox idi ki, sonradan onlar oldu məşhur rəssamlar, o cümlədən Sesshu və məşhur sənət məktəbinin banisi Kano Masanobu. Bir çox mənzərə Syubun müəllifliyinə aid edilmişdir, lakin onun ən məşhur əsəri ənənəvi olaraq Bambuk bağında oxumaq hesab olunur.

Ogata Korin (1658-1716)

Oqata Korin Yapon rəssamlığı tarixinin ən böyük rəssamlarından biri, rimp sənəti üslubunun banisi və ən parlaq nümayəndələrindən biridir. Əsərlərində Korin cəsarətlə ənənəvi stereotiplərdən uzaqlaşaraq öz üslubunu formalaşdırdı, onun əsas xüsusiyyətləri kiçik formalar və süjetin canlı impressionizmi idi. Korin təbiəti təsvir etmək və abstrakt rəng kompozisiyaları ilə işləməkdə xüsusi məharəti ilə tanınır. "Qırmızı və ağda gavalı çiçəyi" Oqata Korinin ən məşhur əsərlərindən biridir, onun "Xrizantema", "Matsushimanın dalğaları" və bir sıra başqa rəsmləri də məlumdur.

Haseqava Tohaku (1539-1610)

Tohaku Yaponiyanın Haseqava incəsənət məktəbinin yaradıcısıdır. üçün erkən dövr Tohaku yaradıcılığı məşhur Yapon rəssamlıq məktəbinin təsiri ilə xarakterizə olunur Kano, lakin zaman keçdikcə sənətçi özünəməxsus üslubunu formalaşdırdı. Tohakunun işinə bir çox cəhətdən tanınmış usta Sesşunun əsərlərindən təsirlənmişdir, Hoseqava hətta özünü bu böyük ustadın beşinci varisi hesab edirdi. Haseqava Tohakunun "Şamlar" adlı tablosu alınıb dünya şöhrəti, həmçinin "Ağcaqayın", "Şamlar və çiçəkli bitkilər" və s. əsərləri ilə məşhurdur.

Kano Eitoku (1543-1590)

Kano məktəbinin üslubu təxminən dörd əsrdir ki, Yaponiyada təsviri sənətdə üstünlük təşkil edir və Kano Eitoku bəlkə də bu sənət məktəbinin ən məşhur və görkəmli nümayəndələrindən biridir. Eytoku hakimiyyət tərəfindən mehriban rəftar etdi, aristokratların və varlı himayədarların himayəsi onun məktəbinin möhkəmlənməsinə və bu, şübhəsiz ki, çox istedadlı bir sənətkarın əsərlərinin populyarlaşmasına kömək etməyə bilməzdi. Eitoku Kano tərəfindən çəkilmiş "Sərv" sürüşən səkkiz panelli ekran əsl şah əsərdir və Monoyama üslubunun əhatə dairəsi və gücünün parlaq nümunəsidir. Ustadın digər əsərləri, məsələn, "Dörd fəslin quşları və ağacları", "Çin şirləri", "Zahidlər və pərilər" və bir çox başqa əsərləri də az maraqlı görünür.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai - ən böyük ustad ukiyo-e janrı (Yapon ağacı). Hokusai yaradıcılığını aldı dünya tanınması, onun digər ölkələrdəki şöhrəti əksər Asiya rəssamlarının populyarlığı ilə müqayisə oluna bilməz, onun işi “ Böyük dalğa Kanaqavada "bənzər bir şeyə çevrildi vizit kartı Yapon təsviri sənəti dünya incəsənət səhnəsində. Onun üzərində yaradıcı yol Hokusai otuzdan çox təxəllüsdən istifadə edib, altmışdan sonra rəssam özünü bütünlüklə sənətə həsr edib və məhz bu dəfə onun yaradıcılığının ən məhsuldar dövrü hesab olunur. Hokusainin işi Qərb impressionist və post-impressionist ustadlarının, o cümlədən Renoir, Monet və van Qoqun yaradıcılığına təsir göstərmişdir.

Hər bir ölkənin öz müasir incəsənət qəhrəmanları var, onların adları məşhurdur, onların sərgiləri pərəstişkarları və maraqlı izdihamı toplayır, əsərləri şəxsi kolleksiyalarda səpələnir.

Bu yazıda sizi ən məşhurları ilə tanış edəcəyik müasir rəssamlar Yaponiya.

Keiko Tanabe

Kyotoda anadan olan Keiko uşaq ikən çox qazandı incəsənət müsabiqələri, Amma Ali təhsil incəsənət sahəsində heç də alınmayıb. şöbəsində işləyib Beynəlxalq əlaqələr Tokioda böyük bir Yapon özünüidarə ticarət təşkilatında hüquq firması San-Fransiskoda və San Dieqoda özəl konsaltinq firmasında çoxlu səyahətlər etdi. 2003-cü ildə işini tərk etdi və San Dieqoda akvarel rəssamlığının əsaslarını öyrənərək özünü yalnız sənətə həsr etdi.

İkenağa Yasunari

Yapon rəssamı İkenaga Yasunari portretlər çəkir müasir qadınlar qədimdə Yapon ənənəsiəsas olaraq Menso fırçası, mineral piqmentlər, karbon qarası, mürəkkəb və kətandan istifadə edərək rəsm. Onun personajları zəmanəmizin qadınlarıdır, lakin Nihonqa üslubu sayəsində insanda elə bir hiss yaranır ki, onlar bizə qədimdən gəliblər.

Abe Toshiyuki

Abe Toşiyuki akvarel texnikasını mükəmməl mənimsəmiş realist rəssamdır. Abeni rəssam-filosof adlandırmaq olar: o, əsas etibarı ilə tanınmış yerləri çəkmir, əks etdirən subyektiv kompozisiyalara üstünlük verir. daxili dövlətlər onlara baxan adam.

Hiroko Sakai

Hiroko Sakainin rəssam kimi karyerası 90-cı illərin əvvəllərində Fukuoka şəhərində başlayıb. Seinan Gakuin Universitetini və Nihon Fransız İnteryer Dizayn Məktəbini Dizayn və Vizuallaşdırma üzrə bitirdikdən sonra Atelier Yume-Tsumugi Ltd şirkətini qurdu. və 5 il ərzində bu studiyanı uğurla idarə etdi. Onun əsərlərinin çoxu Yaponiyada xəstəxanaların foyelərini, böyük korporasiyaların ofislərini və bəzi bələdiyyə binalarını bəzəyir. ABŞ-a köçdükdən sonra Hiroko yağlı boyalarla rəsm çəkməyə başladı.

Riusuke Fukahori

Riusuki Fukahorinin üçölçülü işi holoqram kimidir. Onlar yerinə yetirilir akril boya, bir neçə təbəqə ilə üst-üstə qoyulmuş və şəffaf maye qatran - bütün bunlar kölgələrin çəkilməsi, kənarların yumşaldılması, şəffaflığa nəzarət kimi ənənəvi üsulları istisna etmir, Riusukiyə heykəltəraşlıq rəsmləri yaratmağa imkan verir və əsərlərinə dərinlik və realizm verir.

Natsuki Otani

Natsuki Otani İngiltərədə yaşayan və işləyən istedadlı yapon illüstratorudur.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu sənəti üçün əsas kimi qalib-qazan mövzusunu seçdi - o, pişikləri çəkir. Onun şəkilləri bütün dünyada məşhurdur, xüsusən də tapmacalar şəklində.

Tetsuya Mishima

Müasir yapon rəssamı Mişimanın rəsmlərinin əksəriyyəti yağlı boya ilə işlənib. 90-cı illərdən peşəkar şəkildə rəssamlıqla məşğuldur, bir neçəsi var fərdi sərgilər həm yapon, həm də xarici çoxlu sayda kollektiv sərgilər.

Salam, əziz oxucular- elm və həqiqət axtaranlar!

Yapon rəssamları öz unikal üslubu ilə seçilir, nəsillər tərəfindən seçilir. Bu gün sizə yapon rəssamlığının ən görkəmli nümayəndələri və onların qədim zamanlardan müasir dövrlərə qədər olan rəsmləri haqqında məlumat verəcəyik.

Yaxşı, Doğan Günəş ölkəsinin sənətinə qərq edək.

Sənətin doğulması

Yaponiyada qədim rəssamlıq sənəti ilk növbədə yazının özünəməxsus xüsusiyyətləri ilə bağlıdır və buna görə də xəttatlığın əsasları üzərində qurulmuşdur. İlk nümunələrə qazıntılar zamanı tapılmış tunc zənglərin parçaları, qab-qacaq, məişət əşyaları daxildir. Onların bir çoxu təbii boyalarla boyanmışdır və araşdırmalar məhsulların eramızdan əvvəl 300-cü ildən əvvəl hazırlandığını göstərir.

Yaponiyaya gəlişi ilə incəsənətin inkişafında yeni dövr başladı. Emakimonoda - kağızdan hazırlanmış xüsusi tumarlar - Buddizm panteonunun tanrılarının təsvirləri, Müəllimin və onun davamçılarının həyatından səhnələr tətbiq edilmişdir.

Rəssamlıqda dini mövzuların üstünlük təşkil etməsini orta əsrlər Yaponiyasında, yəni 10-15-ci əsrlərdə müşahidə etmək olar. Təəssüf ki, o dövrün sənətkarlarının adları günümüzə qədər gəlib çatmamışdır.

15-18 əsrlər dövründə inkişaf etmiş sənətkarların meydana çıxması ilə xarakterizə olunan yeni bir dövr başlayır. fərdi üslub... Onlar vektor təyin etdilər gələcək inkişaf vizual incəsənət.

Keçmişin parlaq nümayəndələri

Gərgin Şubun (XV əsrin əvvəlləri)

Olmaq görkəmli ustad Xiubun Çinin Mahnı sənətçilərinin yazı texnikasını və onların işlərini öyrəndi. Sonradan o, Yaponiyada rəssamlığın yaradıcılarından biri və sumi-e-nin yaradıcısı oldu.

Sumi-e - sənət üslubu, bir rəng mənasını verən mürəkkəb boyama əsasında qurulmuşdur.

Shubun çox şey etdi yeni stil sənət dərnəklərində kök salmışdır.O, sənəti başqa istedadlara, o cümlədən gələcəyə öyrədir məşhur rəssamlar məsələn, Sesshu.

Ən çox məşhur rəsmŞubuna "Bambuk bağında oxumaq" adlanır.

Gərgin Şubun tərəfindən "Bambuk bağında oxumaq"

Haseqava Tohaku (1539-1610)

O, özünün adını daşıyan məktəbin - Haseqavanın yaradıcısı oldu. Əvvəlcə o, Kano məktəbinin qanunlarına əməl etməyə çalışsa da, getdikcə onun fərdi “əl yazısı” əsərlərində izlənməyə başladı. Tohaku, Sesshu qrafikasını rəhbər tutdu.

Əsər sadə, lakonik, lakin üzərində qurulmuşdu realist mənzərələr sadə adlarla:

"Şamlar";
"Ağcaqayın";
"Şamlar və çiçəkli bitkilər".

"Şamlar", Haseqava Tohaku

Qardaşlar Ogata Korin (1658-1716) və Ogata Kenzan (1663-1743)

Qardaşlar idi əla sənətkarlar 18-ci əsr. Ən böyüyü Oqata Korin özünü tamamilə rəssamlığa həsr etdi və rimp janrının əsasını qoydu. O, stereotip obrazlardan qaçıb, impressionist janra üstünlük verib.

Oqata Korin ümumiyyətlə təbiəti, xüsusən də abstraksiyaların parlaqlığı kimi çiçəkləri rənglədi. Onun fırçaları rəsmlərə aiddir:

"Qırmızı və ağ gavalı çiçəyi";
"Matsuşima dalğaları";
"Xrizantema".

Oqata Korinin "Matsushimanın dalğaları"

Kiçik qardaş Oqata Kenzanın çoxlu təxəllüsü var idi. Rəssamlıqla məşğul olsa da, daha çox gözəl keramika ustası kimi məşhur idi.

Oqata Kenzan keramika yaratmaq üçün bir çox texnikada mahir idi. O, qeyri-standart yanaşma ilə fərqlənirdi, məsələn, kvadrat şəklində plitələr yaratdı.

Öz rəsm əsəri əzəmətlə seçilmirdi - bu həm də onun xüsusiyyəti idi. O, tumar və ya şeirdən parçalar kimi məhsullara xəttatlıq tətbiq etməyi sevirdi. Bəzən qardaşları ilə birlikdə işləyirdilər.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

O, ukiyo-e üslubunda - bir növ ağac oyma, başqa sözlə, oyma ilə işləyirdi. Bütün yaradıcılıq dövründə 30-a yaxın adı dəyişdirdi. Məşhur əsər- "Kanaqavadakı Böyük Dalğa", onun sayəsində vətənindən kənarda məşhurlaşdı.

Hokusai Katsushika tərəfindən Kanaqavadakı Böyük Dalğa

Hokusai 60 ildən sonra xüsusilə gərgin işləməyə başladı ki, bu da yaxşı nəticələr verdi. Van Qoq, Monet, Renuar onun yaradıcılığı ilə tanış idilər və bu, müəyyən dərəcədə Avropa ustalarının yaradıcılığına təsir göstərmişdir.

Ando Hiroşige (1791-1858)

Biri ən böyük sənətkarlar 19-cu əsr. Edoda doğulmuş, yaşamış, işləmiş, Hokusai işini davam etdirmiş, əsərlərindən ilham almışdır. Onun təbiəti təsvir etmə tərzi, demək olar ki, əsərlərin sayı qədər təəccüblüdür.

Edo - keçmiş adı Tokio.

Onun yaradıcılığı ilə bağlı rəsm silsiləsi ilə təmsil olunan bəzi rəqəmləri təqdim edirik:

5,5 min - bütün oymaların sayı;
“Edoya 100 baxış;
"Fujiyə 36 baxış";
"69 Kisokaydo stansiyası";
"Tokaydo'nun 53 stansiyası".

Ando Hiroshige tərəfindən rəsm

Maraqlıdır ki, görkəmli Van Qoq öz qravüralarının bir neçə nüsxəsini çəkib.

Müasirlik

Takashi Murakami

Rəssam, heykəltəraş, modelyer, 20-ci əsrin sonlarında bir ad qazandı. O, yaradıcılığında klassik elementləri ilə moda meyllərinə sadiq qalır, anime və manqa cizgi filmlərindən ilham alır.

Takashi Murakami tərəfindən rəsm

Takashi Murakaminin əsərləri subkultura hesab edilir, lakin inanılmaz dərəcədə populyardır. Məsələn, 2008-ci ildə onun əsərlərindən biri hərracda 15 milyon dollardan çox qiymətə alınıb. Bir vaxtlar müasir yaradıcı "Marc Jacobs" və "Louis Vuitton" moda evləri ilə birlikdə işləyirdi.

Tycho Asima

Əvvəlki rəssamın yoldaşı, o, müasir sürreal rəsmlər yaradır. Onlar şəhərlərin mənzərələrini, meqapolislərin küçələrini və sanki başqa bir kainatdan gələn canlıları - kabusları, şər ruhları, yadplanetli qızları təsvir edirlər. Rəsmlərin fonunda tez-tez saf, bəzən hətta qorxulu təbiəti görə bilərsiniz.

Onun rəsmləri böyük ölçülərə çatır və nadir hallarda kağız media ilə məhdudlaşır. Onlar dəri, plastik materiallara köçürülür.

2006-cı ildə Britaniyanın paytaxtında keçirilən sərgi çərçivəsində bir qadın gecə-gündüz kəndin və şəhərin gözəlliyini əks etdirən 20-yə yaxın tağlı struktur yaradıb. Onlardan biri metrostansiyanı bəzəyib.

Salam Arakawa

Gənci sözün klassik mənasında sadəcə rəssam adlandırmaq olmaz - o, 21-ci əsrin sənətində çox populyar olan qurğular yaradır. Onun sərgilərinin mövzuları həqiqətən yapondur və dostluq münasibətlərinə, eləcə də bütün komandanın işinə toxunur.

Hey Arakava tez-tez müxtəlif biennalelərdə, məsələn, Venesiyada iştirak edir, vətənində müasir incəsənət muzeyində nümayiş etdirilir və layiqincə müxtəlif növ mükafatlar alır.

İkenağa Yasunari

Müasir rəssam İkenaga Yasunari iki zahirən bir-birinə uyğun gəlməyən şeyi birləşdirə bildi: müasir qızların portret şəklində həyatı və antik dövrdən Yaponiyanın ənənəvi texnikası. Rəssam öz işində xüsusi fırçalardan, təbii piqmentli boyalardan, mürəkkəbdən, kömürdən istifadə edir. Adi kətan yerinə - kətan parça.

İkenaga Yasunari tərəfindən rəsm

Təsvir edilən dövrün oxşar kontrast texnikası və görünüş qəhrəmanlar keçmişdən bizə qayıtdıqları təəssüratını yaradır.

Populyar Son vaxtlarİnternet ictimaiyyətində timsahın həyatının mürəkkəbliyi haqqında bir sıra rəsmlər də yapon karikaturaçı rəssamı Keyqo tərəfindən yaradılmışdır.

Nəticə

Belə ki, yapon rəssamlığı eramızdan əvvəl 3-cü əsrdə yaranıb və o vaxtdan bəri çox dəyişib. İlk təsvirlər keramikaya tətbiq olundu, sonra sənətdə Buddist motivlər üstünlük təşkil etməyə başladı, lakin müəlliflərin adları bu günə qədər qalmadı.

Müasir dövrümüzdə fırça ustaları getdikcə daha çox fərdilik qazanır, yaradırdılar müxtəlif istiqamətlər, məktəblər. İndiki təsviri sənət yalnız ənənəvi rəssamlıqla məhdudlaşmır - instalyasiyalardan, cizgi filmlərindən, bədii heykəllərdən, xüsusi strukturlardan istifadə olunur.

Diqqətinizə görə çox sağ olun, əziz oxucular! Ümid edirik ki, məqaləmizi faydalı hesab etdiniz və sənətin ən parlaq nümayəndələrinin həyat və yaradıcılığı haqqında hekayələr onları daha yaxından tanımağa imkan verdi.

Təbii ki, bir məqalədə qədimdən bu günə qədər bütün sənətkarlar haqqında danışmaq çətindir. Buna görə də, bu, Yapon rəssamlığını bilmək üçün ilk addım olsun.

Və bizə qoşulun - bloqa abunə olun - gəlin Buddizmi və Şərq mədəniyyətini birlikdə öyrənək!

Bütün böyük sənətkarların keçmişdə olduğunu düşünürsənsə, nə qədər yanıldığını bilmirsən. Bu yazıda ən məşhur və haqqında məlumat əldə edəcəksiniz istedadlı rəssamlar müasirlik. Və inanın ki, onların əsərləri yaddaşınızda maestronun keçmiş dövrlərdəki əsərlərindən heç də az olmayan dərinlikdə qalacaq.

Wojciech Babski

Wojciech Babski müasir Polşa rəssamıdır. O, Sileziya Politexnik İnstitutunu bitirdi, lakin özünü onunla əlaqələndirdi. Son zamanlar o, əsasən qadınları çəkir. Duyğuların ifadəsinə diqqət yetirir, sadə vasitələrlə mümkün olan ən böyük effekti əldə etməyə çalışır.

Rəngi sevir, lakin ən yaxşı təcrübə üçün tez-tez qara və boz çalarlarından istifadə edir. Fərqli yeni texnikaları sınaqdan keçirməkdən qorxmayın. Son zamanlar xaricdə, əsasən Böyük Britaniyada getdikcə daha çox populyarlıq qazanır, burada artıq bir çox şəxsi kolleksiyalarda tapıla bilən əsərlərini uğurla satır. İncəsənətlə yanaşı, kosmologiya və fəlsəfə ilə də maraqlanır. Caz dinləyir. Hazırda Katovitsedə yaşayır və işləyir.

Warren Chanq

Warren Chung - müasir amerikalı rəssam... 1957-ci ildə anadan olub və Kaliforniyanın Monterey şəhərində böyüyüb, 1981-ci ildə Pasadena İncəsənət Mərkəzi Dizayn Kollecini bu sahədə Gözəl Sənətlər üzrə bakalavr dərəcəsi ilə yüksək qiymətlə bitirib. Sonrakı iki onillikdə o, 2009-cu ildə peşəkar rəssam kimi karyerasına başlamazdan əvvəl Kaliforniya və Nyu-Yorkda müxtəlif şirkətlərdə illüstrator kimi çalışıb.

Onun realist rəsmlərini iki əsas kateqoriyaya bölmək olar: bioqrafik interyer rəsmləri və zəhmətkeş insanları təsvir edən rəsmlər. Onun bu rəngkarlıq üslubuna marağı 16-cı əsr rəssamı Yan Vermeerin yaradıcılığından qaynaqlanır və obyektlərə, avtoportretlərə, ailə üzvlərinin, dostların, tələbələrin portretlərinə, studiyaya, sinif otağına və ev interyerlərinə qədər uzanır. Onun məqsədi realist rəsmlər işığın manipulyasiyası və səssiz rənglərin istifadəsi ilə əhval-ruhiyyə və emosiya yaratmaq.

Çanq ənənəvi vizual sənətə keçdikdən sonra məşhurlaşıb. Son 12 il ərzində o, bir çox mükafat və fəxri fərmanlar qazanıb, bunlardan ən nüfuzlusu ABŞ-da ən böyük neft rəssamları birliyi olan Amerika Neft Rəssamları Assosiasiyasının Master Signature mükafatıdır. 50 nəfərdən yalnız biri bu mükafatı almaq fürsətinə layiq görülür. Warren hazırda Montereydə yaşayır və öz studiyasında işləyir və San Fransisko İncəsənət Akademiyasında dərs deyir (istedadlı pedaqoq kimi tanınır).

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni - italyan rəssam... 15 oktyabr 1955-ci ildə Bleyerdə anadan olub. Spoleto İncəsənət İnstitutunun səhnə dizaynı ixtisası üzrə məzun olub. O, məktəbdə qoyulmuş bünövrə üzərində müstəqil şəkildə “bilik evi ucaltdığına” görə rəssam kimi özünü öyrədir. O, 19 yaşında yağlı boyalarla rəsm çəkməyə başlayıb. Hazırda Umbriyada yaşayır və işləyir.

Bruninin ilk rəsm əsərinin kökü sürrealizmdədir, lakin zaman keçdikcə o, lirik romantizm və simvolizmin yaxınlığına diqqət yetirməyə başlayır, bu birləşməni personajlarının incə incəliyi və saflığı ilə gücləndirir. Canlı və cansız obyektlər bərabər ləyaqət qazanır və demək olar ki, hiperreal görünür, lakin eyni zamanda pərdə arxasında gizlənmir, ancaq ruhunuzun mahiyyətini görməyə imkan verir. Çox yönlülük və incəlik, həssaslıq və tənhalıq, düşüncəlilik və məhsuldarlıq sənətin əzəmətindən və musiqinin harmoniyasından qidalanan Aurelio Bruni ruhudur.

Aleksandr Balos

Alkasandr Balos yağlı boya ilə rəssamlıq üzrə ixtisaslaşmış müasir polşalı rəssamdır. 1970-ci ildə Polşanın Qlivitse şəhərində anadan olub, lakin 1989-cu ildən ABŞ-da, Şasta, Kaliforniyada yaşayır və işləyir.

Uşaq ikən o, özünü öyrədən rəssam və heykəltəraş olan atası Canın rəhbərliyi altında incəsənəti öyrənmişdir. erkən yaş, bədii səylər hər iki valideynin tam dəstəyini aldı. 1989-cu ildə, on səkkiz yaşında Balos Polşadan ABŞ-a getdi və burada məktəb müəllimi və part-time rəssam Katie Gaggliardi Alkasandranı sənət məktəbinə getməyə təşviq etdi. Balos daha sonra Milwaukee Visconsin Universitetində tam təqaüd aldı və burada fəlsəfə professoru Harry Rosin ilə rəssamlıq təhsili aldı.

1995-ci ildə təhsilini başa vurduqdan və bakalavr dərəcəsini qazandıqdan sonra Balos metodları yaradıcılığa əsaslanan təsviri incəsənət məktəbində oxumaq üçün Çikaqoya köçdü. Jak-Luis David... Obrazlı realizm və portret rəsm düzəldib ən çox 90-cı və 2000-ci illərin əvvəllərində Balosun əsərləri. Bu gün Balos heç bir həll yolu təklif etmədən, insanın xüsusiyyətlərini vurğulamaq və çatışmazlıqlarını göstərmək üçün insan fiqurundan istifadə edir.

Onun rəsmlərinin süjet kompozisiyaları tamaşaçı tərəfindən müstəqil şəkildə şərh edilmək üçün nəzərdə tutulmuşdur, yalnız bundan sonra kətanlar öz həqiqi temporal və subyektiv mənasını qazanacaqdır. 2005-ci ildə rəssam Şimali Kaliforniyaya köçdü, o vaxtdan bəri onun işinin əhatə dairəsi xeyli genişləndi və indi rəssamlığın ideyalarını və ideallarını rəsm vasitəsilə ifadə etməyə kömək edən abstraksiya və müxtəlif multimedia üslubları da daxil olmaqla daha sərbəst rəsm üsullarını əhatə edir.

Alyssa rahibləri

Alyssa Monks müasir Amerika rəssamıdır. O, 1977-ci ildə Nyu Cersi ştatının Ridgewood şəhərində anadan olub. O, hələ uşaq ikən rəsm çəkməyə maraq göstərməyə başlayıb. Nyu Yorkdakı New School-da oxuyub və Dövlət Universiteti Montclair, 1999-cu ildə Boston Kollecini bitirdikdən sonra bakalavr dərəcəsi aldı. Eyni zamanda Florensiyada Lorenzo Medici Akademiyasında rəssamlıq təhsili alıb.

Sonra Nyu-York İncəsənət Akademiyasının Fiqurativ İncəsənət Departamentində magistratura proqramı üzrə təhsilini davam etdirib, 2001-ci ildə bitirib. 2006-cı ildə Fullerton Kollecini bitirib. Bir müddət universitetlərdə mühazirə oxudu və təhsil müəssisələriümummilli, Nyu-York İncəsənət Akademiyasında, eləcə də Montclair Dövlət Universitetində və Lyme İncəsənət Akademiyası Kollecində rəssamlıqdan dərs demişdir.

“Şüşə, vinil, su və buxar kimi filtrlərdən istifadə edərək təhrif edirəm insan bədəni... Bu filtrlər yaratmağa imkan verir böyük ərazilər mücərrəd dizayn, onların arasından keçən rəngli adalar - insan bədəninin hissələri.

Mənim rəsmlərim çimən qadınların artıq formalaşmış, ənənəvi poza və jestlərinin müasir görünüşünü dəyişdirir. Onlar diqqətli tamaşaçıya üzgüçülüyün, rəqsin və s. kimi zahirən aydın görünən şeylər haqqında çox şey deyə bilərdilər. Mənim personajlarım duş pəncərəsinin şüşəsinə sıxılır, təhrif olunur öz bədəni, onların bununla çılpaq qadına bədnam kişi baxışına təsir etdiyini başa düşərək. Qalın boya təbəqələri uzaqdan şüşə, buxar, su və əti təqlid etmək üçün qarışdırılır. Bununla belə, heyrətamiz fiziki xüsusiyyətlər yaxından aydın olur. yağlı boya... Boya və rəng qatları ilə sınaqdan keçirərək, mücərrəd vuruşların başqa bir şeyə çevrildiyi bir an tapıram.

İnsan bədənini ilk dəfə çəkməyə başlayanda dərhal heyran oldum və hətta ona aludə oldum və rəsmlərimi mümkün qədər realist etməli olduğuma inandım. Mən realizm özlüyündə ziddiyyətləri açmağa və üzə çıxarmağa başlayana qədər “etiraf etdim”. İndi mən təsviri rəngkarlıq və abstraksiyanın qovuşduğu rəssamlıq üslubunun imkanlarını və potensialını araşdırıram - əgər hər iki üslub eyni anda mövcud ola bilsə, mən edəcəm.

Antonio Finelli

İtalyan rəssam - " Zaman izləyicisi”- Antonio Finelli 23 fevral 1985-ci ildə anadan olub. Hal-hazırda İtaliyada Roma və Kampobasso arasında yaşayır və işləyir. Əsərləri İtaliyada və xaricdə bir neçə qalereyada nümayiş etdirilib: Roma, Florensiya, Novara, Genuya, Palermo, İstanbul, Ankara, Nyu-York və onlara şəxsi və ictimai kolleksiyalarda da rast gəlmək olar.

Qələm rəsmləri " Zaman izləyicisi“Antonio Finelli bizi əbədi səyahətə aparır Daxili sülh insan temporallığı və onunla əlaqəli bu dünyanın ciddi təhlili, əsas elementi zamanın keçməsi və onun dəridə qoyduğu izlərdir.

Finelli istənilən yaşda, cinsdən və millətdən olan insanların portretlərini çəkir, onların üz ifadələri zamanın keçidinə dəlalət edir, rəssam eyni zamanda öz personajlarının bədənində zamanın amansızlığına dair sübutlar tapmağa ümid edir. Antonio əsərlərini bir ümumi başlıqla təyin edir: “Avtoportret”, çünki qələmlə çəkdiyi rəsmlərdə o, təkcə bir insanı təsvir etmir, həm də izləyiciyə insanın daxilində zamanın keçməsinin real nəticələrini düşünməyə imkan verir.

Flaminia carloni

Flaminia Carloni 37 yaşlı italyan rəssam, diplomat qızıdır. Onun üç övladı var. On iki il Romada, üç il İngiltərə və Fransada yaşadı. BD İncəsənət Məktəbində sənət tarixi üzrə dərəcə almışdır. Sonra sənət əsərlərinin bərpaçısı kimi diplom aldı. Peşəsini tapmadan və özünü rəsmə tam həsr etməzdən əvvəl jurnalist, rəngkar, dizayner və aktrisa kimi çalışıb.

Flaminia uşaqlıqdan rəssamlığa həvəs yaratdı. Onun əsas mühiti yağdır, çünki o, “coiffer la pate”i sevir və həm də materialla oynayır. O, oxşar texnikanı rəssam Paskal Toruanın əsərlərində öyrənib. Flaminia Baltus, Hopper və Fransua Leqran kimi böyük rəssamlardan, eləcə də müxtəlif bədii cərəyanlardan ilham alır: küçə sənəti, Çin realizmi, sürrealizm və Renessans realizmi. Ən çox sevdiyi rəssam Caravaggiodur. Onun arzusu incəsənətin müalicəvi gücünü kəşf etməkdir.

Denis Çernov

Denis Chernov - istedadlı ukraynalı rəssam, 1978-ci ildə Ukraynanın Lvov vilayətinin Sambor şəhərində anadan olub. Xarkovu bitirdikdən sonra sənət məktəbi 1998-ci ildə Xarkovda qalıb, hazırda burada yaşayır və işləyir. O, həm də Xarkovda təhsil alıb dövlət akademiyası dizayn və incəsənət, qrafika fakültəsini 2004-cü ildə bitirmişdir.

O, müntəzəm olaraq iştirak edir sənət sərgiləri, üstündə Bu an onların altmışdan çoxu həm Ukraynada, həm də xaricdə baş verib. Denis Çernovun əsərlərinin əksəriyyəti Ukrayna, Rusiya, İtaliya, İngiltərə, İspaniya, Yunanıstan, Fransa, ABŞ, Kanada və Yaponiyada şəxsi kolleksiyalarda saxlanılır. Əsərlərin bəziləri Christie's-ə satıldı.

Denis qrafik və geniş diapazonda işləyir rəsm texnikası... Qələmlə rəsmlər onun ən çox sevdiyi rəsm üsullarından biridir, karandaşla çəkdiyi rəsmlər üçün mövzuların siyahısı da çox müxtəlifdir, o, mənzərə, portret, çılpaq, janr kompozisiyaları, kitab illüstrasiyaları, ədəbi və tarixi rekonstruksiyalar və fantaziya.