Renæssancekunstnere kategori. Store italienske renæssancekunstnere

Renæssancen er et fænomenalt fænomen i menneskehedens historie. Aldrig mere har der været et så strålende glimt inden for kunst. Billedhuggere, arkitekter og kunstnere fra renæssancen (listen er lang, men vi vil berøre de mest berømte), hvis navne er kendt af alle, gav verden uvurderlig. Unikke og exceptionelle mennesker viste sig ikke på ét felt, men på flere på en gang.

Tidlig renæssance maleri

Renæssancen har en relativ tidsramme. Det begyndte først i Italien - 1420-1500. På dette tidspunkt er maleri og al kunst generelt ikke meget anderledes end den seneste tid. Elementer lånt fra den klassiske oldtid begynder dog at dukke op for første gang. Og først i de efterfølgende år blev billedhuggere, arkitekter og kunstnere fra renæssancen (hvis listen er meget lang) påvirket af moderne forhold livet og progressive tendenser opgiver endelig middelalderlige grundlag. De tager modigt de bedste eksempler på gammel kunst i brug for deres værker, både generelt og i individuelle detaljer. Deres navne er kendt af mange, lad os fokusere på de lyseste personligheder.

Masaccio - det europæiske maleris geni

Det var ham, der ydede et stort bidrag til udviklingen af ​​maleriet og blev en stor reformator. Den florentinske mester blev født i 1401 i en familie af kunstneriske kunsthåndværkere, så smagssansen og lysten til at skabe var i hans blod. I en alder af 16-17 flyttede han til Firenze, hvor han arbejdede på værksteder. Donatello og Brunelleschi, de store billedhuggere og arkitekter, anses for at være hans lærere. Kommunikation med dem og de erhvervede færdigheder kunne ikke andet end at påvirke ung maler. Fra først af lånte Masaccio en ny forståelse af den menneskelige personlighed, karakteristisk for skulptur. Ved den anden mester - grundlaget Forskerne anser "Triptykonen fra San Giovenale" (på det første billede), som blev opdaget i en lille kirke ikke langt fra byen, hvor Masaccio blev født, for at være det første pålidelige værk. Hovedværket er kalkmalerierne dedikeret til historien om St. Peters liv. Kunstneren deltog i skabelsen af ​​seks af dem, nemlig: "Miraklet med stateren", "Fordrivelsen fra Paradiset", "Neofyternes dåb", "Ejendomsfordelingen og Ananias' død", "The Theophilus' Søns opstandelse", "Skt. Peter helbreder de syge med sin skygge" og "Sankt Peter på prædikestolen".

Italienske kunstnere fra renæssancen er mennesker, der helligede sig kunst, uden at være opmærksomme på almindelige hverdagsproblemer, hvilket nogle gange førte dem til en dårlig tilværelse. Masaccio er ingen undtagelse: den geniale mester døde meget tidligt, i en alder af 27-28 år, og efterlod sig store værker og et stort antal af gæld.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Dette er en repræsentant for Paduas malerskole. Han modtog de grundlæggende færdigheder fra sin adoptivfar. Stilen blev dannet under indflydelse af værker af Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello og venetiansk maleri. Dette afgjorde Andrea Mantegnas noget hårde og barske måde i forhold til florentinerne. Han var en samler og kender af kulturværker fra den antikke periode. Takket være hans stil, i modsætning til nogen anden, blev han berømt som en innovatør. Hans mest berømte værker er: "Den døde Kristus", "Cæsars triumf", "Judith", "Slaget om havguderne", "Parnassus" (billedet) osv. Fra 1460 til sin død arbejdede han som hofmaler i familien til hertugerne af Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli er et pseudonym rigtige navn- Filipepi. Han valgte ikke umiddelbart en kunstners vej, men studerede oprindeligt smykkefremstilling. I de første selvstændige værker (flere Madonnaer) mærkes Masaccios og Lippis indflydelse. I fremtiden glorificerede han sig selv som portrætmaler, hovedparten af ​​ordrerne kom fra Firenze. Den raffinerede og raffinerede karakter af hans arbejde med elementer af stilisering (generalisering af billeder ved hjælp af konventionelle teknikker - enkelhed i form, farve, volumen) adskiller ham fra andre mestre på den tid. En samtidig af Leonardo da Vinci og den unge Michelangelo satte et lysende præg på verdenskunsten ("Venus' fødsel" (foto), "Forår", "Tilbedelse af Magi", "Venus og Mars", "Jul" osv. .). Hans maleri er oprigtigt og følsomt, og hans livsbane er kompleks og tragisk. Den romantiske opfattelse af verden i en ung alder blev erstattet af mystik og religiøs ophøjelse i modenhed. De sidste år af sit liv levede Sandro Botticelli i fattigdom og glemsel.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

En italiensk maler og en anden repræsentant for den tidlige renæssance, oprindeligt fra Toscana. Forfatterens stil blev dannet under indflydelse af den florentinske malerskole. Ud over kunstnerens talent havde Piero della Francesca fremragende evner inden for matematik, og de sidste år viede sit liv til hende og forsøgte at forbinde hende med høj kunst. Resultatet blev to videnskabelige afhandlinger: "On Perspective in Painting" og "The Book of Five Correct Solids". Hans stil er kendetegnet ved højtidelighed, harmoni og ædel af billeder, kompositorisk balance, præcise linjer og konstruktion, blødt udvalg af farver. Piero della Francesca besad en forbløffende viden om den tekniske side af maleriet og det særlige ved perspektivet for den tid, hvilket gav ham høj prestige blandt hans samtidige. De mest berømte værker: "The History of the Queen of Sheba", "The flagellation of Christ" (billedet), "Alteret fra Montefeltro" osv.

Højrenæssancemaleri

Hvis proto-renæssance og tidlig æra varede næsten halvandet århundrede og et århundrede, så dækker denne periode kun nogle få årtier (i Italien fra 1500 til 1527). Det var et lyst, blændende glimt, der gav verden en hel galakse af store, alsidige og strålende mennesker. Alle grene af kunst gik hånd i hånd, så mange mestre er også videnskabsmænd, billedhuggere, opfindere og ikke kun renæssancekunstnere. Listen er lang, men renæssancens højdepunkt var præget af L. da Vincis, M. Buanarottis og R. Santis arbejde.

Da Vincis ekstraordinære geni

Måske er dette den mest ekstraordinære og enestående personlighed i verdenshistorien kunstnerisk kultur. Han var en universel person i ordets fulde betydning og besad den mest alsidige viden og talenter. Kunstner, billedhugger, kunstteoretiker, matematiker, arkitekt, anatom, astronom, fysiker og ingeniør – alt dette handler om ham. Desuden viste Leonardo da Vinci (1452-1519) sig i hvert af områderne som en innovatør. Indtil videre har kun 15 af hans malerier, samt mange skitser, overlevet. Han besad en enorm vitalitet og en tørst efter viden, han var utålmodig, han var fascineret af selve vidensprocessen. I en meget ung alder (20 år) kvalificerede han sig som mester i St. Lukas-lauget. Hans mest de vigtigste værker blev fresken "Den sidste nadver", malerierne "Mona Lisa", " Madonna Benois"(billedet ovenfor), "Dame med en hermelin" osv.

Portrætter af renæssancekunstnere er sjældne. De foretrak at efterlade deres billeder i malerier med mange ansigter. Så omkring selvportrættet af da Vinci (billedet) aftager stridigheder ikke den dag i dag. Der fremføres versioner, som han lavede i en alder af 60. Ifølge biografen, kunstneren og forfatteren Vasari var den store mester ved at dø i armene på sin nære ven kong Frans I i hans Clos Luce-slot.

Raphael Santi (1483-1520)

Kunstner og arkitekt oprindeligt fra Urbino. Hans navn i kunsten er uvægerligt forbundet med ideen om sublim skønhed og naturlig harmoni. I et ret kort liv (37 år) skabte han mange verdensberømte malerier, fresker og portrætter. De plot, han portrætterede, er meget forskellige, men han var altid tiltrukket af billedet af Guds Moder. Helt berettiget kaldes Raphael "Madonnaernes mester", især dem, han malede i Rom, er berømte. I Vatikanet arbejdede han fra 1508 til slutningen af ​​sit liv som officiel kunstner ved det pavelige hof.

Alsidigt begavet, ligesom mange andre store kunstnere fra renæssancen, var Raphael også arkitekt og studerede også arkæologiske udgravninger. Ifølge en version er den sidste hobby i direkte forbindelse med alt for tidlig død. Formentlig fik han romersk feber under udgravningerne. Den store mester er begravet i Pantheon. Billedet er af hans selvportræt.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Den lange 70-årige af denne mand var lys, han overlod til sine efterkommere uforgængelige kreationer ikke kun af maleri, men også af skulptur. Som andre store renæssancekunstnere levede Michelangelo i en tid fuld af historiske begivenheder og stød. Hans kunst er en smuk slutnote af hele renæssancen.

Mesteren satte skulpturen over al anden kunst, men ved skæbnens vilje blev han fremragende maler og en arkitekt. Hans mest ambitiøse og usædvanlige arbejde er maleriet (billedet) i paladset i Vatikanet. Freskens areal overstiger 600 kvadratmeter og indeholder 300 menneskelige figurer. Det mest imponerende og velkendte er scenen for den sidste dom.

Italienske renæssancekunstnere havde mangefacetterede talenter. Så få mennesker ved, at Michelangelo også var en stor digter. Denne facet af hans geni blev fuldt ud manifesteret i slutningen af ​​hans liv. Omkring 300 digte har overlevet den dag i dag.

Senrenæssancemaleri

Den sidste periode dækker tidsperioden fra 1530 til 1590-1620. Ifølge Encyclopædia Britannica, renæssancen historisk periode endte med Roms fald i 1527. Omtrent samtidig i Sydeuropa Modreformationen vandt. Den katolske bevægelse så med ængstelse på enhver fritænkning, herunder sangen af ​​skønheden i den menneskelige krop og genopstandelsen af ​​kunsten fra oldtiden - altså alt, hvad der var renæssancens søjler. Dette resulterede i en særlig tendens - manerisme, karakteriseret ved tab af harmoni mellem det åndelige og det fysiske, mennesket og naturen. Men selv i denne vanskelige periode skabte nogle berømte renæssancekunstnere deres mesterværker. Blandt dem er Antonio da Correggio, (betragtet som grundlæggeren af ​​klassicismen og palladianismen) og Tizian.

Titian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Han betragtes med rette som en titan fra renæssancen sammen med Michelangelo, Raphael og da Vinci. Allerede før han var 30 år gammel, var Tizian kendt som "malernes konge og kongers maler." Grundlæggende malede kunstneren billeder på mytologiske og bibelske temaer, desuden blev han berømt som en storslået portrætmaler. Samtidige mente, at det at blive præget med en stor mesters pensel betyder at opnå udødelighed. Og det er det faktisk. Ordrer til Tizian kom fra de mest ærede og ædle personer: paver, konger, kardinaler og hertuger. Her er blot nogle få, de mest berømte, af hans værker: "Venus of Urbino", "The Abduction of Europe" (billedet), "Carrying the Cross", "Coronation with Thorns", "Madonna Pesaro", "Woman with et spejl" osv.

Intet gentages to gange. Renæssancens æra gav menneskeheden strålende, ekstraordinære personligheder. Deres navne er indskrevet i verdenshistorie kunst guld bogstaver. Arkitekter og billedhuggere, forfattere og kunstnere fra renæssancen - deres liste er meget lang. Vi berørte kun titanerne, der lavede historie, bragte ideerne om oplysning og humanisme til verden.

Folkene i Europa søgte at genoplive de skatte og traditioner, der gik tabt på grund af endeløse udryddelseskrige. Krige fjernede mennesker fra jordens overflade, og de store ting, som mennesker skabte. Ideen om at genoplive høj civilisation oldtidens verden levendegjort filosofi, litteratur, musik, naturvidenskabernes fremgang og frem for alt kunstens opblomstring. Tiden krævede stærke, uddannede mennesker, der ikke var bange for noget arbejde. Det var i deres midte, at fremkomsten af ​​de få genier, der kaldes "renæssancens titaner", blev mulig. Dem kalder vi kun ved deres fornavne.

Renæssancen var primært italiensk. Derfor er det ikke overraskende, at det var i Italien, at kunsten i denne periode nåede sin højeste fremgang og blomstrede. Det er her, der er snesevis af navne på titaner, genier, store og simpelthen talentfulde kunstnere.

MUSIK LEONARDO.

Hvilken heldig mand! mange vil sige om ham. Han var udstyret med sjældent helbred, smuk, høj, blåøjet. I sin ungdom bar han blonde krøller med en stolt statur, der minder om Donatellas St. George. Han besad uhørt og modig styrke, maskulin dygtighed. Han sang vidunderligt, foran publikum komponerede han melodier og digte. Han spillede et hvilket som helst musikinstrument, desuden skabte han dem selv.

For Leonardo da Vincis kunst har samtidige og efterkommere aldrig fundet andre definitioner end "genial", "guddommelig", "stor". De samme ord gælder for hans videnskabelige åbenbaringer: han opfandt en tank, en gravemaskine, en helikopter, en ubåd, en faldskærm, et automatisk våben, en dykkerhjelm, en elevator, løste de vanskeligste problemer inden for akustik, botanik, medicin, kosmografi , skabte et projekt for et rundt teater, kom op med et århundrede tidligere end Galileo, urpendulet, tegnede den nuværende vandski, udviklede teorien om mekanik.

Hvilken heldig mand! - mange vil sige om ham og begynde at huske hans elskede prinser og konger, som ledte efter bekendtskaber med ham, briller og ferier, som han opfandt som kunstner, dramatiker, skuespiller, arkitekt og havde det sjovt med dem som et barn.

Men var den utrættelige langlever Leonardo glad, hvis hver dag gav mennesker og verden forsyn og indsigt? Han forudså den forfærdelige skæbne for sine kreationer: ødelæggelsen af ​​"den sidste nadver", nedskydningen af ​​monumentet til Francesca Sforza, lav handel og modbydeligt tyveri af hans dagbøger, arbejdsbøger. I alt har kun seksten malerier overlevet den dag i dag. Få skulpturer. Men en masse tegninger, kodede tegninger: ligesom heltene i moderne science fiction ændrede han detaljerne i sit design, som om så den anden ikke kunne bruge det.

Leonardo da Vinci arbejdede dog inden for forskellige typer og genrer af kunst største berømmelse bragte ham et maleri.

Et af Leonardos tidligste malerier er Madonna med en blomst eller Benois Madonna. Allerede her fremstår kunstneren som en sand fornyer. Han overvinder grænserne for det traditionelle plot og giver billedet en bredere, universel betydning, som er moderlig glæde og kærlighed. I dette arbejde blev mange træk ved kunstnerens kunst tydeligt manifesteret: en klar sammensætning af figurer og volumen af ​​former, ønsket om kortfattethed og generalisering, psykologisk udtryksevne.

Maleriet "Madonna Litta" var en fortsættelse af det påbegyndte emne, hvor et andet træk ved kunstnerens arbejde blev tydeligt manifesteret - spillet om kontraster. Temaet blev afsluttet med maleriet "Madonna i grotten", som markerer den ideelle kompositoriske løsning, takket være hvilken de afbildede figurer af Madonna, Kristus og engle smelter sammen med landskabet til en enkelt helhed, udstyret med rolig balance og harmoni.

Et af højdepunkterne i Leonardos arbejde er den sidste nadver fresco i refektoriet i klostret Santa Maria Della Grazie. Dette arbejde imponerer ikke kun generel sammensætning men også nøjagtighed. Leonardo formidler ikke kun apostlenes psykologiske tilstand, men gør det i det øjeblik, hvor det når et kritisk punkt, bliver til en psykologisk eksplosion og konflikt. Denne eksplosion er forårsaget af Kristi ord: "En af jer vil forråde mig." I dette arbejde gjorde Leonardo fuld brug af metoden til konkret sidestilling af figurer, takket være hvilken hver karakter fremstår som en unik individualitet og personlighed.

Det andet højdepunkt af Leonards arbejde var det berømte portræt af Mona Lisa, eller "La Gioconda". Dette værk lagde grundlaget for genren psykologisk portræt i europæisk kunst. Da den store mester skabte det, brugte den glimrende hele arsenalet af kunstneriske udtryksmidler: skarpe kontraster og bløde undertoner, frossen ubevægelighed og generel fluiditet og variation, de mest subtile psykologiske nuancer og overgange. Hele Leonardos genialitet ligger i Mona Lisas utroligt livlige udseende, hendes mystiske og gådefuldt smil, mystisk dis, der dækker landskabet. Dette værk er et af de sjældneste kunstværker.

Alle, der så Gioconda bragt fra Louvre i Moskva, husker minutterne af deres fuldstændige døvhed nær dette lille lærred, spændingen af ​​alt det bedste i sig selv. Gioconda så ud til at være en "marsboer", en repræsentant for det ukendte - det skal være fremtiden og ikke den menneskelige stammes fortid, legemliggørelsen af ​​harmoni, som verden ikke er træt af og aldrig vil blive træt af at drømme om .

Der er meget mere at sige om ham. Overrasket over, at dette ikke er fiktion eller fantasi. Her kan vi for eksempel huske, hvordan han foreslog at flytte katedralen San Giovanni - et sådant arbejde forbløffer os, indbyggerne i det tyvende århundrede.

Leonardo sagde: "En god kunstner skal være i stand til at male to hovedting: en person og en repræsentation af hans sjæl. Eller siges der om "Columbine" fra St. Petersburg Eremitage? Nogle forskere kalder det, og ikke Louvre-lærredet, "La Gioconda".

Drengen Nardo, det var hans navn i Vinci: den uægte søn af en notarekspedient, som anså fugle og heste for at være de bedste skabninger på jorden. Elsket af alle og ensomme, bøjede stålsværd og tegnede hængte mænd. Opfundet en bro over Bosporus og en ideel by, smukkere end Corbusier og Niemeyers. Synger med en blød barytonstemme og får Mona Lisa til at smile. I en af ​​de sidste notesbøger skrev denne heldige mand: "Det forekom mig, at jeg lærte at leve, men jeg lærte at dø." Men han opsummerede det så: "Et liv, der leves godt, er et langt liv."

Er det muligt at være uenig med Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli blev født i Firenze i 1445 i familien af ​​en lædergarver.

Det første originale værk af Botticelli anses for at være The Adoration of the Magi (ca. 1740), hvor hovedegenskaben ved hans originale måde, drømmende og subtil poesi, allerede er fuldt ud påvirket. Han var begavet med en medfødt sans for poesi, men et tydeligt strejf af kontemplativ tristhed skinnede gennem ham bogstaveligt talt i alt. Selv Sankt Sebastian, der er plaget af sine plageånders pile, ser eftertænksomt og løsrevet på ham.

I slutningen af ​​1470'erne kom Botticelli tæt på kredsen af ​​Firenzes de facto hersker. Lorenzo Medici kaldet den storslåede. I Lorenzos luksuriøse haver samledes et samfund af mennesker, nok de mest oplyste og talentfulde i Firenze. Der var filosoffer, digtere, musikere. En atmosfære af beundring for skønhed herskede, og ikke kun kunstens skønhed, men også livets skønhed blev værdsat. prototype perfekt kunst og det ideelle liv blev betragtet som antikken, dog opfattet gennem prisme af senere filosofiske lag. Uden tvivl, under indflydelse af denne atmosfære, blev det første store maleri af Botticelli "Primavera (Forår)" skabt. Dette er en drømmeagtig, raffineret, forunderligt smuk allegori om den evige cyklus, naturens konstante fornyelse. Den er gennemsyret af den mest komplekse og finurlige musikalske rytme. Flora-skikkelsen, prydet med blomster, dansende ynder i Edens Have, var skønhedsbilleder, som endnu ikke var set på det tidspunkt og derfor gjorde et særligt fængslende indtryk. Den unge Botticelli indtog straks en fremtrædende plads blandt sin tids mestre.

Det var den unge malers høje omdømme, der sikrede ham en ordre på bibelske fresker til Vatikanets Sixtinske Kapel, som han skabte i begyndelsen af ​​1480'erne i Rom. Han malede "Scener fra Moses' liv", "Straffen af ​​Korah, Dathan og Aviron", og viste en forbløffende kompositionsevne. Den klassiske ro i de gamle bygninger, som Botticelli udfoldede handlingen imod, står i skarp kontrast til den dramatiske rytme i de afbildede karakterer og lidenskaber; bevægelsen af ​​menneskekroppe er kompleks, indviklet, mættet med eksplosiv kraft; man får indtryk af rystende harmoni, forsvarsløshed af den synlige verden før tidens og den menneskelige viljes hurtige stormløb. Freskoerne i Det Sixtinske Kapel udtrykte for første gang den dybe angst, der boede i Botticellis sjæl, som blev stærkere med tiden. Botticellis fantastiske talent som portrætmaler blev afspejlet i disse fresker: hver af de mange malede ansigter er helt originale, unikke og uforglemmelige ...

I 1480'erne, da han vendte tilbage til Firenze, fortsatte Botticelli med at arbejde utrætteligt, men den fredfyldte klarhed af "Eksempler" var allerede langt bagud. I midten af ​​årtiet skrev han sin berømte The Birth of Venus. Forskere bemærker i mesterens senere værker en moralisme, en religiøs ophøjelse, der var usædvanlig for ham før.

Måske mere betydningsfuldt end sent maleri, Botticellis tegninger fra 90'erne er illustrationer til " guddommelig komedie» Dante. Han malede med åbenlys og utilsløret glæde; den store digters visioner formidles kærligt og omhyggeligt af fuldkommenheden af ​​proportionerne af talrige figurer, den tankevækkende organisering af rummet, den uudtømmelige opfindsomhed i søgen efter visuelle ækvivalenter til det poetiske ord...

På trods af mentale storme og kriser forblev Botticelli indtil det sidste (han døde i 1510) en stor kunstner, mester i hans kunst. Dette er tydeligt bevist af den ædle skulptur af ansigtet i "Portrættet ung mand», udtryksfuld karakteristik model, der ikke efterlader nogen tvivl om hendes høje menneskelig værdighed, mesterens solide tegning og hans velvillige blik.

Italien er et land, der altid har været berømt for sine kunstnere. De store mestre, der engang boede i Italien, glorificerede kunst i hele verden. Vi kan med sikkerhed sige, at hvis det ikke var for de italienske kunstnere, billedhuggere og arkitekter, ville verden se meget anderledes ud i dag. Den mest betydningsfulde i italiensk kunst betragtes selvfølgelig. Italien i renæssancen eller renæssancen nåede en hidtil uset stigning og velstand. Talentfulde kunstnere, billedhuggere, opfindere, rigtige genier, der dukkede op i de dage, er stadig kendt for ethvert skolebarn. Deres kunst, kreativitet, ideer, udvikling i dag betragtes som klassikere, den kerne, som de er bygget på verdens kunst og kultur.

Et af den italienske renæssances mest berømte genier er selvfølgelig den store Leonardo Da Vinci(1452-1519). Da Vinci var så begavet, at han opnåede stor succes inden for mange aktivitetsområder, herunder billedkunst og videnskab. en til kendt kunstner, der er en anerkendt mester, er Sandro Botticelli(1445-1510). Botticellis malerier er en ægte gave til menneskeheden. I dag er dens tætte i de fleste berømte museer verden og er virkelig uvurderlige. Ikke mindre berømt end Leonardo da Vinci og Botticelli er Rafael Santi(1483-1520), som levede i 38 år, og i løbet af denne tid formåede at skabe et helt lag af betagende maleri, som blev et af de lyseste eksempler på den tidlige renæssance. Et andet stort geni fra den italienske renæssance er der ingen tvivl om Michelangelo Buonarotti(1475-1564). Ud over at male var Michelangelo engageret i skulptur, arkitektur og poesi og opnåede store resultater inden for disse kunstarter. Statuen af ​​Michelangelo kaldet "David" betragtes som et uovertruffen mesterværk, et eksempel på den højeste præstation af skulpturkunsten.

Ud over de ovenfor nævnte kunstnere var de største kunstnere i renæssancens Italien sådanne mestre som Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi og andre.. Det var de alle sammen et godt eksempel dejlig venetiansk malerskole. Til den florentinske skole italiensk maleri tilhører sådanne kunstnere som: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

For at opregne alle de kunstnere, der arbejdede under renæssancen, såvel som under senrenæssancen og århundreder senere, som blev kendt af hele verden og glorificerede malerkunsten, udviklede de grundlæggende principper og love, der ligger til grund for alle typer og genrer af kunst, måske vil det tage flere bind at skrive, men denne liste er nok til at forstå, at de store italienske kunstnere er netop den kunst, vi kender, som vi elsker, og som vi vil værdsætte for evigt!

Malerier af store italienske kunstnere

Andrea Mantegna - Fresco i Camera degli Sposi

Giorgione - Tre filosoffer

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Scipios storsind

Paolo Veronese - Slaget ved Lepanto

I vanskelige tider for Italien begynder den korte "guldalder" i den italienske renæssance - den såkaldte højrenæssance, det højeste punkt i blomstringen af ​​italiensk kunst. Højrenæssancen faldt således sammen med perioden med de italienske byers indædte kamp for selvstændighed. Denne tids kunst var gennemsyret af humanisme, tro på menneskets skabende kræfter, på dets ubegrænsede muligheder, på verdens rationelle indretning, på fremskridtets triumf. I kunsten, problemerne med borgerpligt, høje moralske kvaliteter, heltemod, billedet af det smukke, harmonisk udviklede, stærk i ånden og kroppen af ​​en menneskelig helt, der formåede at hæve sig over hverdagens niveau. Søgen efter et sådant ideal førte kunsten til syntese, generalisering, til afsløringen af ​​fænomenernes generelle mønstre, til identifikation af deres logiske sammenhæng. kunst høj renæssance giver afkald på detaljer, mindre detaljer i navnet på et generaliseret billede, i navnet på at stræbe efter en harmonisk syntese af livets smukke aspekter. Dette er en af ​​de vigtigste forskelle Højrenæssance fra tidligt.

Leonardo da Vinci (1452-1519) var den første kunstner, der visuelt legemliggjorde denne forskel. Leonardos første lærer var Andrea Verrocchio. Figuren af ​​en engel på billedet af læreren "Dåb" viser allerede tydeligt forskellen i opfattelsen af ​​verden af ​​kunstneren fra den tidligere æra og den nye æra: ingen frontal fladhed af Verrocchio, den fineste lys- og skyggemodellering af volumen og billedets ekstraordinære spiritualitet. . Da de forlod Verrocchios værksted, tilskriver forskere "Madonna med en blomst" ("Madonna Benois", som det blev kaldt før, ved ejernes navn). I denne periode var Leonardo uden tvivl påvirket af Botticelli i nogen tid. Fra 80'erne af det XV århundrede. to ufærdige kompositioner af Leonardo er blevet bevaret: "The Adoration of the Magi" og "St. Jerome." Sandsynligvis i midten af ​​80'erne blev "Madonna Litta" skabt i den gamle temperateknik, i billedet af hvilken typen Leonards kvindelig skønhed: Tunge halvt hængende øjenlåg og et knapt mærkbart smil giver Madonnaens ansigt en særlig spiritualitet.

Ved at kombinere videnskabelige og kreative principper, med både logisk og kunstnerisk tænkning, var Leonardo engageret i videnskabelig forskning hele sit liv sammen med kunst; distraheret virkede han langsom og efterlod få kunstværker. Ved det Milanesiske hof arbejdede Leonardo som kunstner, videnskabelig tekniker, opfinder, matematiker og anatom. Det første større værk, han udførte i Milano, var Madonna of the Rocks (eller Madonna in the Grotte). Dette er den første monumentale altertavle i højrenæssancen, hvilket også er interessant, fordi det fuldt ud udtrykte træk ved Leonards malestil.

mest godt arbejde Leonardo i Milano, den højeste præstation af hans kunst var at male væggen i refektoriet i klostret Santa Maria della Grazie på plottet af Den sidste nadver (1495-1498). Kristus ind sidste gang mødes til middag med sine elever for at fortælle dem om forræderiet mod en af ​​dem. For Leonardo eksisterede kunst og videnskab uadskilleligt. Da han var engageret i kunst, lavede han videnskabelig forskning, eksperimenter, observationer, han gik gennem perspektivet ind i optik og fysik, gennem proportionsproblemer - ind i anatomi og matematik osv. Den sidste nadver fuldender en hel fase i kunstnerens videnskabelig undersøgelse. Det er også en ny fase i kunsten.

Fra at studere anatomi, geometri, befæstning, melioration, lingvistik, versifikation, musik, brød Leonardo væk for at arbejde på "Hest" - Francesco Sforzas ridemonument, som han først og fremmest kom til Milano, og som han optrådte for i fuld størrelse i begyndelsen af ​​90'erne i ler. Monumentet var ikke bestemt til at blive legemliggjort i bronze: i 1499 invaderede franskmændene Milano og Gascon armbrøstskytter skød ryttermonumentet ned. Siden 1499 begynder årene med Leonardos vandringer: Mantua, Venedig og endelig kunstnerens hjemby - Firenze, hvor han maler pap "St. Anna med Mary på knæ”, ifølge hvilken han skaber et oliemaleri i Milano (hvor han vendte tilbage i 1506)

I Firenze startede Leonardo en anden malerarbejde: portræt af købmanden del Giocondo Mona Lisas hustru, som blev en af ​​de mest berømte malerier i verden.

Portræt af Mona Lisa Gioconda er et afgørende skridt i udviklingen af ​​renæssancekunst

For første gang kom portrætgenren på niveau med kompositioner om religiøse og mytologisk tema. Med alle de indiskutable fysiognomiske ligheder var portrætterne af Quattrocento kendetegnet ved, om ikke af ydre, så af indre begrænsninger. Majestæten af ​​Monet Lisa kommunikeres allerede ved en sammenligning af hendes stærkt fremskredne til kanten af ​​lærredet, fremhævet tredimensionel figur med et landskab med klipper og vandløb synlige som om de var på afstand, smeltende, dragende, undvigende og derfor med alle motivets virkelighed, fantastisk.

Leonardo i 1515, efter forslag fra den franske kong Frans I, rejser til Frankrig for altid.

Leonardo var sin tids største kunstner, et geni, der åbnede kunstens nye horisonter. Han efterlod sig få værker, men hver af dem var en scene i kulturhistorien. Leonardo er også kendt som en alsidig videnskabsmand. Hans videnskabelige opdagelser, for eksempel er hans forskning inden for flyområdet af interesse i vores tidsalder for astronautik. Tusindvis af sider af Leonardos manuskripter, der dækker bogstaveligt talt alle vidensområder, vidner om universaliteten af ​​hans geni.

Idéerne om renæssancens monumentale kunst, hvor antikkens traditioner og kristendommens ånd smeltede sammen, fandt deres mest levende udtryk i Rafaels værk (1483-1520). I hans kunst fandt to hovedopgaver en moden løsning: den menneskelige krops plastiske perfektion, der udtrykker den indre harmoni af en omfattende udviklet personlighed, hvor Raphael fulgte antikken, og en kompleks multi-figur komposition, der formidler hele mangfoldigheden af verden. Raphael berigede disse muligheder og opnåede en fantastisk frihed til at skildre rummet og en menneskelig figurs bevægelse i det, upåklagelig harmoni mellem miljøet og mennesket.

Ingen af ​​renæssancens mestre opfattede antikkens hedenske væsen så dybt og naturligt som Rafael; Ikke underligt, at han betragtes som den kunstner, der mest fuldt ud forbandt de gamle traditioner med den nye tids vesteuropæiske kunst.

Raphael Santi blev født i 1483 i byen Urbino, et af centrene for kunstnerisk kultur i Italien, ved hertugen af ​​Urbinos hof, i familien til en hofmaler og digter, som var den fremtidige mesters første lærer

Den tidlige periode af Raphaels værk er perfekt kendetegnet ved et lille maleri i form af en tondo "Madonna Conestabile", med sin enkelhed og kortfattethed af strengt udvalgte detaljer (på trods af kompositionens frygtsomhed) og det særlige, der ligger i alle Raphaels værker. værker, subtil lyrik og en følelse af fred. I 1500 forlod Raphael Urbino til Perugia for at studere i den berømte umbriske kunstner Peruginos værksted, under hvis indflydelse The Trolovelse of Mary (1504) blev skrevet. En følelse af rytme, proportionalitet af plastiske masser, rumlige intervaller, forholdet mellem figurer og baggrunden, koordinationen af ​​hovedtonerne (i "Forlovelsen" er disse gyldne, røde og grønne i kombination med den lyseblå baggrund på himlen ) og skabe den harmoni, der allerede optræder i Raphaels tidlige værker og adskiller ham fra tidligere tiders kunstnere.

Gennem hele sit liv leder Raphael efter dette billede i Madonnaen, hans talrige værker, der fortolker billedet af Madonnaen, har givet ham verdensomspændende berømmelse. Kunstnerens fortjeneste er først og fremmest, at han formåede at legemliggøre alle de mest subtile nuancer af følelser i ideen om moderskab, at kombinere lyrik og dyb følelsesmæssighed med monumental storhed. Dette kan ses i alle hans Madonnaer, begyndende med den ungdommeligt frygtsomme Conestabile Madonna: i Madonnaen i det grønne, Madonnaen med guldfinken, Madonnaen i lænestolen, og især på højden af ​​Raphael-ånden og dygtigheden - i Sixtinske Madonna.

"Den Sixtinske Madonna" er et af Raphaels mest perfekte værker med hensyn til sprog: Marias figur med babyen, der strengt taget truer mod himlen, forenes af en fælles bevægelsesrytme med figurerne af St. Barbarians og pave Sixtus II, hvis fagter er vendt til Madonnaen, samt synspunkter fra to engle (mere som putti, som er så karakteristisk for renæssancen), er i bunden af ​​kompositionen. Figurerne er forenet af en fælles gylden farve, som om de personificerede den guddommelige udstråling. Men det vigtigste er typen af ​​Madonnaens ansigt, som legemliggør syntesen af ​​det gamle skønhedsideal med spiritualiteten af ​​det kristne ideal, som er så karakteristisk for højrenæssancens verdensbillede.

Den sixtinske madonna er et senere værk af Raphael.

I begyndelsen af ​​det XVI århundrede. Rom tager over kulturcenter Italien. Højrenæssancens kunst når sit højdepunkt i denne by, hvor kunstnere som Bramante, Michelangelo og Raphael efter de formynderiske paver Julius II og Leo X's vilje arbejder samtidigt.

Rafael maler de to første strofer. I Stanza della Senyatura (rummet for signaturer, segl) malede han fire allegorifresker af hovedområderne for menneskelig åndelig aktivitet: filosofi, poesi, teologi og retspraksis. (“ athenske skole”, ”Parnassus”, ”Tvist”, ”Mål, visdom og styrke”. I det andet rum, kaldet "Elodors strofe", malede Raphael fresker om historiske og legendariske emner, der glorificerede paverne: "Uddrivelsen af ​​Eliodor"

For middelalderens og den tidlige renæssances kunst var det almindeligt at skildre videnskaber og kunstarter i form af individuelle allegoriske figurer. Rafael løste disse emner i formularen flerfigurede kompositioner nogle gange repræsenterer ægte gruppeportrætter, interessante både for deres individualisering og typiske karakter

Eleverne hjalp også Raphael med at male Vatikanets loggiaer ved siden af ​​pavens værelser, malet efter hans skitser og under hans opsyn med motiver af antikke ornamenter, hovedsagelig hentet fra de nyopdagede antikke grotter (deraf navnet "grotesker" ).

Rafael udførte værker af forskellige genrer. Hans gave som dekoratør, såvel som instruktør, historiefortæller manifesterede sig fuldt ud i en serie på otte paptapeter til Det Sixtinske Kapel på scener fra apostlene Peter og Pauls liv ("En vidunderlig fangst af fisk", f.eks. ). Disse malerier i løbet af XVI-XVIII århundreder. fungerede som en slags standard for klassicisterne.

Raphael var også den største portrætmaler i sin æra. ("Pave Julius II", "Leo X", kunstnerens ven forfatteren Castiglione, den smukke "Donna Velata" osv.). Og i hans portrætbilleder dominerer som regel indre balance og harmoni.

I slutningen af ​​sit liv var Raphael overbebyrdet med en række værker og ordrer. Det er endda svært at forestille sig, at alt dette kunne gøres af én person. Han var central figur kunstnerisk liv Rom blev efter Bramantes død (1514) hovedarkitekten for katedralen St. Peter, var ansvarlig for arkæologiske udgravninger i Rom og dets omegn og beskyttelse af oldtidsminder.

Rafael døde i 1520; hans for tidlig død var uventet for samtidige. Hans aske er begravet i Pantheon.

Tredje største mester Højrenæssancen - Michelangelo - overlevede langt Leonardo og Raphael. Den første halvdel af hans karriere falder på højrenæssancens kunsts storhedstid, og den anden - på tidspunktet for modreformationen og begyndelsen af ​​dannelsen af ​​barokkunst. Af den geniale konstellation af kunstnere fra højrenæssancen overgik Michelangelo dem alle med rigdom af billeder, civil patos og følsomhed over for ændringer i offentlig stemning. Derfor den kreative legemliggørelse af renæssancens ideers sammenbrud.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) I 1488 begyndte han i Firenze omhyggeligt at studere gammel plastik. Hans relief "Kentaurernes kamp" af indre harmoni allerede et værk fra højrenæssancen. I 1496 rejser den unge kunstner til Rom, hvor han skaber sine første værker, der bragte ham berømmelse: "Bacchus" og "Pieta". Bogstaveligt talt fanget af antikkens billeder. "Pieta" - åbner en række værker af mesteren om dette emne og placerer ham blandt de første billedhuggere i Italien.

Da Michelangelo vendte tilbage til Firenze i 1501, påtog sig Michelangelo på vegne af Signoria at skulpturere Davids skikkelse fra en marmorblok, der blev forkælet foran ham af en uheldig billedhugger. I 1504 færdiggjorde Michelangelo den berømte statue, kaldet "Kæmpen" af florentinerne og placeret af dem foran Palazzo Vecchia, rådhuset. Åbningen af ​​monumentet blev til en national fest. Billedet af David inspirerede mange Quattrocento-kunstnere. Men ikke som en dreng, som i Donatello og Verrocchio, skildrer Michelangelo ham, men som en ung mand i livets bedste alder, og ikke efter slaget, med hovedet af en kæmpe ved sine fødder, men før slaget, ved øjeblik med den højeste spænding. V smukt billede David, i sit strenge ansigt, formidlede billedhuggeren lidenskabens titaniske kraft, ufleksible vilje, civilkurage, en fri mands grænseløse kraft.

I 1504 begynder Michelangelo (som allerede nævnt i forbindelse med Leonardo) at arbejde på maleriet af "Hall of Five Hundred" i Palazzo Signoria

I 1505 inviterede pave Julius II Michelangelo til Rom for at bygge en grav til sig selv, men afviste derefter ordren og beordrede et mindre grandiost maleri af loftet i Det Sixtinske Kapel ved Vatikanpaladset.

Michelangelo arbejdede alene på at male loftet i Det Sixtinske Kapel, fra 1508 til 1512, og malede et område på omkring 600 kvadratmeter. m (48x13 m) i en højde på 18 m.

Michelangelo viede den centrale del af loftet til scenerne i den hellige historie, startende fra verdens skabelse. Disse kompositioner er indrammet af en gesims malet på samme måde, men skaber en illusion af arkitektur, og er adskilt, også af maleriske, stænger. Maleriske rektangler understreger og beriger loftets ægte arkitektur. Under den maleriske gesims malede Michelangelo profeterne og sibyllerne (hver figur er omkring tre meter), i lunetterne (buerne over vinduerne) skildrede han episoder fra Bibelen og Kristi forfædre som almindelige mennesker, der var travlt beskæftiget med dagligdags anliggender.

De ni centrale kompositioner udfolder begivenhederne i skabelsens første dage, historien om Adam og Eva, den globale syndflod, og alle disse scener er faktisk en hymne til mennesket, indlejret i det. Julius II døde kort efter afslutningen af ​​arbejdet i Sixtinske, og hans arvinger vendte tilbage til ideen om en gravsten. I 1513-1516. Michelangelo udfører figuren af ​​Moses og slaver (fanger) til denne gravsten. Billedet af Moses er et af de stærkeste i en moden mesters arbejde. Han investerede i ham drømmen om en klog, modig leder, fuld af titanisk styrke, udtryk, viljekvaliteter, så nødvendige dengang for foreningen af ​​sit hjemland. Figurerne af slaver var ikke inkluderet i den endelige version af graven.

Fra 1520 til 1534 arbejder Michelangelo på et af de mest betydningsfulde og mest tragiske skulpturelle værker - på Medici's grav (den florentinske kirke San Lorenzo), der udtrykker alle de oplevelser, der i denne periode faldt til lod for både mestre sig selv og sine hjemby og hele landet som helhed. Siden slutningen af ​​1920'erne er Italien bogstaveligt talt blevet revet fra hinanden af ​​både eksterne og interne fjender. I 1527 plyndrede lejede soldater Rom, protestanter plyndrede de katolske helligdomme i den evige by. Det florentinske bourgeoisi vælter Medici, der regerede igen fra 1510.

I stemning af den hårdeste pessimisme, i en tilstand af stigende dyb religiøsitet, arbejder Michelangelo på Medici-graven. Han bygger selv en tilbygning til den florentinske kirke San Lorenzo - et lille, men meget højt rum, dækket af en kuppel, og dekorerer to vægge i sakristiet (dets indre) med skulpturelle gravsten. Den ene væg er dekoreret med Lorenzos figur, den modsatte - Giuliano, og nederst ved deres fødder er der placeret sarkofager, dekoreret med allegoriske skulpturelle billeder - symboler på den flygtige tid: "Morgen" og "Aften" - i gravstenen af Lorenzo, "Nætter og dag" - i Giulianos gravsten.

Begge billeder - Lorenzo og Giuliano - har ikke en portræt-lighed, hvilket er, hvordan de adskiller sig fra de traditionelle beslutninger i det 15. århundrede.

Umiddelbart efter sit valg begyndte Paul III insisterende at kræve af Michelangelo opfyldelsen af ​​denne plan, og i 1534 afbrød arbejdet med graven, som han først færdiggjorde i 1545, rejste Michelangelo til Rom, hvor han begyndte sit andet arbejde i Sixtinske Kapel - til maleriet "Den sidste dom" (1535-1541) - en storslået skabelse, der udtrykte den menneskelige races tragedie. Trækkene i det nye kunstneriske system manifesterede sig endnu tydeligere i dette værk af Michelangelo. Den skabende dom, den straffende Kristus, er placeret i centrum af kompositionen, og omkring den i en roterende cirkulær bevægelse afbildes syndere, der falder i helvede, de retfærdige farer op til paradiset, de døde rejser sig fra deres grave til Guds dom. Alt er fuld af rædsel, fortvivlelse, vrede, forvirring.

Maler, billedhugger, digter, Michelangelo var også en strålende arkitekt. Han udførte trapperne til det florentinske bibliotek i Laurenziana, indrammede Capitolpladsen i Rom, rejste Pius porte (Porta Pia), siden 1546 har han arbejdet på katedralen St. Peter, begyndt af Bramante. Michelangelo ejer tegningen og tegningen af ​​kuplen, som blev udført efter mesterens død og stadig er en af ​​de vigtigste dominanter i panoramaet af byen.

Michelangelo døde i Rom i en alder af 89. Hans lig blev ført ud om natten til Firenze og begravet i den ældste kirke i hans fødeby Santa Croce. Den historiske betydning af Michelangelos kunst, dens indvirkning på samtiden og efterfølgende epoker kan næppe overvurderes. Nogle udenlandske forskere fortolker ham som barokkens første kunstner og arkitekt. Men mest af alt er han interessant som bærer af renæssancens store realistiske traditioner.

George Barbarelli da Castelfranco, med tilnavnet Giorgione (1477-1510), er en direkte tilhænger af sin lærer og en typisk kunstner fra højrenæssancen. Han var den første på venetiansk jord, der vendte sig mod litterære temaer, til mytologiske emner. Landskab, natur og den smukke nøgne menneskekrop blev for ham et kunstobjekt og et tilbedelsesobjekt.

Allerede i det første kendte værk, "Madonnaen af ​​Castelfranco" (ca. 1505), optræder Giorgione som en veletableret kunstner; billedet af Madonnaen er fuld af poesi, tankevækkende drømmende, gennemsyret af den stemning af tristhed, der er karakteristisk for alle kvindelige billeder af Giorgione. I løbet af de sidste fem år af sit liv skabte kunstneren sit de bedste virker lavet i olieteknik, den vigtigste venetiansk skole i den periode. . På maleriet "Tordenvejr" fra 1506 skildrer Giorgione mennesket som en del af naturen. En kvinde, der fodrer et barn, en ung mand med en stav (som kan forveksles med en kriger med en hellebard) er ikke forenet af nogen handling, men er forenet i dette majestætiske landskab af en fælles stemning, en fælles sindstilstand. Spiritualitet og poesi gennemsyrer billedet af den "sovende Venus" (ca. 1508-1510). Hendes krop er skrevet let, frit, yndefuldt, og det er ikke for ingenting, at forskere taler om "musikaliteten" i Giorgiones rytmer; den er ikke blottet for sensuel charme. "Landskoncert" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477?-1576) - største kunstner venetiansk renæssance. Han skabte værker om både mytologiske og kristne emner, arbejdede i portrætgenren, hans koloristiske talent er enestående, kompositorisk opfindsomhed er uudtømmelig, og hans lykkelige levetid tillod ham at efterlade en rig kreativ arv, der havde en enorm indflydelse på eftertiden.

Allerede i 1516 blev han den første maler i republikken fra 20'erne - den mest berømte kunstner i Venedig

Omkring 1520 bestilte hertugen af ​​Ferrara ham en række malerier, hvor Tizian optræder som en sanger fra antikken, der formåede at føle og, vigtigst af alt, legemliggøre hedenskabets ånd (Bacchanal, Venusfest, Bacchus og Ariadne).

Velhavende venetianske patriciere bestiller altertavler fra Tizian, og han skaber enorme ikoner: "Maria Himmelfart", "Madonna Pesaro"

"At gå ind i Maria i templet" (cirka 1538), "Venus" (ca. 1538)

(gruppeportræt af pave Paul III med nevøerne Ottavio og Alexander Farnese, 1545-1546)

Han skriver også meget antikke historier("Venus og Adonis", "Hyrden og nymfen", "Diana og Actaeon", "Jupiter og Antiope"), men vender sig oftere og oftere til kristne temaer, til scener af martyrdød, hvor hedensk munterhed, gammel harmoni erstattes af en tragisk holdning ("Kristi flagellation", "Angrende Maria Magdalena", "St. Sebastian", "Klagsang"),

Men i slutningen af ​​århundredet er træk ved en forestående ny æra i kunsten, en ny kunstnerisk retning, allerede tydelige her. Dette kan ses i to store kunstneres arbejde fra anden halvdel af dette århundrede - Paolo Veronese og Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, med tilnavnet Veronese (han var fra Verona, 1528-1588), var bestemt til at blive sidste sanger festlige, jublende Venedig i det 16. århundrede.

: "Feast in the House of Levi" "Marriage in Cana of Galilæa" for refektoriet i klostret San George Maggiore

Jacopo Robusti, kendt i kunsten som Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto"-farver: kunstnerens far var silkefarver). "The Miracle of Saint Mark" (1548)

("Salvation of Arsinoe", 1555), "Indgang til templet" (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro i Piombino, Villa Rotonda i Vicenza, færdiggjort efter hans død af studerende ifølge hans projekt, mange bygninger i Vicenza). Resultatet af hans undersøgelse af antikken var bogen "Roman Antiquities" (1554), "Fire Books on Architecture" (1570-1581), men antikken var for ham en "levende organisme", ifølge forskerens retvisende observation.

Den nederlandske renæssance i maleri begynder med "Gent-altertavlen" af brødrene Hubert (død 1426) og Jan (ca. 1390-1441) van Eyck, færdiggjort af Jan van Eyck i 1432. Van Eyck forbedret olieteknologi: olie gjorde det muligt at formidle den objektive verdens glans, dybde og rigdom mere alsidigt, hvilket tiltrak sig hollandske kunstneres opmærksomhed og dens farverige klang.

Af de talrige Madonnaer af Jan van Eyck er den mest berømte Madonna af kansler Rollin (ca. 1435)

("Mand med en nellike"; "Mand i en turban", 1433; portræt af kunstnerens kone Marguerite van Eyck, 1439

Ved at løse sådanne problemer skylder hollandsk kunst meget til Rogier van der Weyden (1400?-1464). Nedstigningen fra korset er et typisk Weydens værk.

I anden halvdel af det XV århundrede. redegør for arbejdet udført af mesteren af ​​det exceptionelle talent Hugo van der Goes (ca. 1435-1482) "Marias død").

Hieronymus Bosch (1450-1516), skaberen af ​​dystre mystiske visioner, hvori han også refererer til middelalderens allegori, "Lydernes Have"

Den hollandske renæssances højdepunkt var uden tvivl værket af Pieter Brueghel den Ældre, med tilnavnet Muzhitsky (1525 / 30-1569) ("De magre køkken", "Fedtes køkken"), "Vinterlandskabet" fra cyklussen " Årstiderne" (anden titel - "Hunters in the Snow", 1565), "Battle of Carnival and Lent" (1559).

Albrecht Dürer (1471-1528).

"Rosakransens fest" (et andet navn er "Madonna med rosenkransen", 1506), "Rytteren, Døden og Djævelen", 1513; "St. Jerome" og "Melankoli",

Hans Holbein den Yngre (1497-1543), "Dødens triumf" ("Dødsdansen") portræt af Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Renæssancen Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (ca. 1420-1481), Portræt af Charles VII

Jean Clouet (ca. 1485/88-1541), søn af Francois Clouet (ca. 1516-1572) er den vigtigste franske maler i det 16. århundrede. portræt af Elisabeth af Østrig, omkring 1571, (portræt af Henrik II, Mary Stuart, etc.)

Renæssance (renæssance). Italien. 15-16 århundreder. tidlig kapitalisme. Landet er styret af velhavende bankfolk. De er interesserede i kunst og videnskab.
De rige og magtfulde samler de talentfulde og kloge omkring sig. Digtere, filosoffer, malere og billedhuggere har daglige samtaler med deres lånere. Et øjeblik så det ud til, at folket var styret af vismænd, som Platon ønskede.
De huskede de gamle romere og grækere. Som også byggede et samfund af frie borgere. Hvor hovedværdien er en person (ikke slaver medregnet, selvfølgelig).
Renæssancen kopierer ikke kun de gamle civilisationers kunst. Dette er en blanding. Mytologi og kristendom. Naturrealisme og billeders oprigtighed. Fysisk skønhed og åndelig skønhed.
Det var bare et glimt. Perioden for højrenæssancen er omkring 30 år! Fra 1490'erne til 1527 Fra begyndelsen af ​​blomstringen af ​​Leonardos kreativitet. Før plyndringen af ​​Rom.

Mirage ideelle verden falmet hurtigt. Italien var for skrøbeligt. Hun blev hurtigt slaveret af en anden diktator.
Disse 30 år har dog identificeret hovedtrækkene europæisk maleri 500 år frem! Op til impressionister.
Billedrealisme. Antropocentrisme (når en person er hovedperson og helten). Lineært perspektiv. Olie maling. Portræt. Landskab…
Utroligt nok, i disse 30 år, flere geniernes mestre. Som i andre tider er født en om 1000 år.
Leonardo, Michelangelo, Raphael og Titian er renæssancens titaner. Men det er umuligt ikke at nævne deres to forgængere. Giotto og Masaccio. Uden hvilken der ikke ville være nogen renæssance.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment af maleriet "Fem mestre i den florentinske renæssance". Begyndelsen af ​​1500-tallet. Louvre, Paris.

14. århundrede Proto-renæssance. Dens hovedperson er Giotto. Dette er en mester, der på egen hånd revolutionerede kunsten. 200 år før højrenæssancen. Hvis ikke for ham, ville æraen, som menneskeheden er så stolt af, næppe være kommet.
Før Giotto var der ikoner og fresker. De blev skabt i henhold til de byzantinske kanoner. Ansigter i stedet for ansigter. flade figurer. Forholdsmæssigt misforhold. I stedet for et landskab - en gylden baggrund. Som for eksempel på dette ikon.

Guido da Siena. Tilbedelse af Magi. 1275-1280 Altenburg, Lindenau Museum, Tyskland.

Og pludselig dukker Giottos kalkmalerier op. De har store figurer. Ædle menneskers ansigter. Trist. Sørgeligt. Overrasket. Gamle og unge. Forskellige.

Giotto. Klagesang for Kristus. Fragment

Giotto. Kys Judas. Fragment

Giotto. Sankt Anna

Fresker af Giotto i Scrovegni-kirken i Padua (1302-1305). Til venstre: Kristi klagesang. Midten: Kiss of Judas (detalje). Til højre: Bebudelse af Sankt Anne (Marias mor), fragment.
Giottos hovedskabelse er en cyklus af hans fresker i Scrovegni-kapellet i Padua. Da denne kirke åbnede for sognebørn, strømmede skarer af mennesker ind i den. For de har aldrig set noget lignende.
Giotto gjorde trods alt noget hidtil uset. Han så ud til at oversætte bibelske fortællinger til et enkelt forståeligt sprog. Og de er blevet meget mere tilgængelige for almindelige mennesker.

Giotto. Tilbedelse af Magi. 1303-1305 Fresco i Scrovegni-kapellet i Padua, Italien.

Det er det, der vil være karakteristisk for mange renæssancemestre. Laconisme af billeder. Live følelser af karaktererne. Realisme.
Mellem ikonet og renæssancens realisme.
Giotto blev beundret. Men hans innovationer blev ikke videreudviklet. Moden til international gotik kom til Italien.
Først efter 100 år dukker en mester op, en værdig efterfølger til Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selvportræt (fragment af fresken "Sankt Peter på prædikestolen"). 1425-1427 Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine, Firenze, Italien.

Begyndelsen af ​​det 15. århundrede. Den såkaldte tidlige renæssance. En anden innovatør kommer ind på scenen.
Masaccio var den første kunstner, der brugte lineært perspektiv. Det er designet af hans ven, arkitekten Brunelleschi. Nu er den afbildede verden blevet lig den virkelige. Legetøjsarkitektur hører fortiden til.

Masaccio. Sankt Peter helbreder med sin skygge. 1425-1427 Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine, Firenze, Italien.

Han adopterede Giottos realisme. Men i modsætning til sin forgænger kendte han allerede godt anatomi.
I stedet for blokerede karakterer er Giotto smukt bygget mennesker. Ligesom de gamle grækere.

Masaccio. Dåb af neofytter. 1426-1427 Brancacci-kapellet, Santa Maria del Carmine-kirken i Firenze, Italien.

Masaccio. Eksil fra paradis. 1426-1427 Fresco i Brancacci-kapellet, Santa Maria del Carmine, Firenze, Italien.

Masaccio levede ikke langt liv. Han døde, ligesom sin far, uventet. 27 år gammel.
Han havde dog mange tilhængere. Mestre fra de følgende generationer tog til Brancacci-kapellet for at lære af hans fresker.
Så nyskabelserne fra Masaccio blev opfanget af alle de store titaner fra højrenæssancen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo Da Vinci. Selvportræt. 1512 Det Kongelige Bibliotek i Torino, Italien.

Leonardo da Vinci er en af ​​renæssancens titaner. Hvilket kolossalt påvirkede maleriets udvikling.
Det var ham, der hævede kunstnerens status. Takket være ham er repræsentanter for dette erhverv ikke længere kun håndværkere. Disse er åndens skabere og aristokrater.
Leonardo fik et gennembrud primært inden for portrætter.
Han mente, at intet skulle distrahere fra hovedbilledet. Øjet skal ikke vandre fra den ene detalje til den anden. Sådan fremstod hans berømte portrætter. Kortfattet. Harmonisk.

Leonardo Da Vinci. Dame med en hermelin. 1489-1490 Chertoryski Museum, Krakow.

Den vigtigste nyskabelse af Leonardo er, at han fandt en måde at gøre billeder ... levende.
Før ham lignede personerne i portrætterne mannequiner. Linjerne var klare. Alle detaljer er nøje tegnet. En malet tegning kunne umuligt være i live.
Men så opfandt Leonardo sfumato-metoden. Han slørede linjerne. Gjorde overgangen fra lys til skygge meget blød. Hans karakterer ser ud til at være dækket af en knap mærkbar tåge. Karaktererne kom til live.

Leonardo Da Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 Louvre, Paris.

Siden da vil sfumato komme ind i det aktive ordforråd for alle fremtidens store kunstnere.
Man tror ofte, at Leonardo selvfølgelig er et geni. Men han kunne ikke fuldføre noget. Og ofte blev han ikke færdig med at male. Og mange af hans projekter forblev på papiret (i øvrigt i 24 bind). Generelt blev han kastet ind i medicin, derefter i musik. Og selv kunsten at servere på et tidspunkt var glad for.
Tænk dog selv. 19 malerier. Og han er den største kunstner gennem alle tider og folk. Nogle af dem er ikke engang tæt på størrelse. Samtidig med at have skrevet 6000 lærreder i sit liv. Det er klart, hvem der har en højere effektivitet.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (detaljer). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betragtede sig selv som en billedhugger. Men det var han universel mester. Ligesom hans andre renæssancekolleger. Derfor er hans billedarv ikke mindre storladen.
Han er primært genkendelig af fysisk udviklede karakterer. Fordi han portrætterede den perfekte mand. Hvor fysisk skønhed betyder åndelig skønhed.
Derfor er alle hans karakterer så muskuløse, hårdføre. Selv kvinder og gamle mennesker.

Michelangelo. Fragment af fresken "Den sidste dom"

Michelangelo. Fragmenter af den sidste doms fresko i Det Sixtinske Kapel, Vatikanet.
Ofte malede Michelangelo karakteren nøgen. Og så tilføjede jeg tøj ovenpå. For at gøre kroppen så præget som muligt.
Han malede selv loftet i Det Sixtinske Kapel. Selvom dette er et par hundrede tal! Han lod ikke engang nogen gnide malingen. Ja, han var en ener. Besidder en stejl og stridbar karakter. Men mest af alt var han utilfreds med ... sig selv.

Michelangelo. Fragment af fresken "Adams skabelse". 1511 Det Sixtinske Kapel, Vatikanet.

Michelangelo levede et langt liv. At overleve renæssancens forfald. For ham var det en personlig tragedie. Hans senere værker er fulde af sorg og sorg.
Generelt er Michelangelos kreative vej unik. Hans tidlige værker er den menneskelige helts ros. Fri og modig. I de bedste traditioner fra det antikke Grækenland. Ligesom hans David.
I de sidste år af livet - det er tragiske billeder. En bevidst groft tilhugget sten. Som om vi har monumenter over fascismens ofre i det 20. århundrede foran os. Se på hans "Pieta".

Michelangelo. David

Michelangelo. Pieta af Palestrina

Skulpturer af Michelangelo på Kunstakademiet i Firenze. Til venstre: David. 1504 Til højre: Pieta af Palestrina. 1555
Hvordan er det muligt? En kunstner i et liv gennemgik alle kunstens stadier fra renæssancen til det 20. århundrede. Hvad vil de næste generationer gøre? Nå, gå din egen vej. Velvidende, at barren er sat meget højt.

5. Raphael (1483-1520)

Raphael. Selvportræt. 1506 Uffizi Gallery, Firenze, Italien.

Raphael er aldrig blevet glemt. Hans geni er altid blevet anerkendt. Og i løbet af livet. Og efter døden.
Hans karakterer er udstyret med sensuel, lyrisk skønhed. Det er hans Madonnaer, der med rette anses for at være de smukkeste kvindelige billeder nogensinde er skabt. Deres ydre skønhed afspejler heltindernes åndelige skønhed. Deres sagtmodighed. Deres offer.

Raphael. Sixtinske Madonna. 1513 Old Masters Gallery, Dresden, Tyskland.

De berømte ord "Skønhed vil redde verden" sagde Fjodor Dostojevskij præcist om Sixtinske Madonna. Det var hans yndlingsbillede.
Sansebilleder er dog ikke de eneste forte Raphael. Han tænkte meget nøje over kompositionen af ​​sine malerier. Han var en uovertruffen arkitekt i maleriet. Desuden fandt han altid den enkleste og mest harmoniske løsning i organiseringen af ​​rummet. Det lader til, at det ikke kan være anderledes.

Raphael. Athen skole. 1509-1511 Fresco i værelserne i det apostoliske palads, Vatikanet.

Rafael levede kun 37 år. Han døde pludseligt. Fra en forkølet og medicinsk fejl. Men hans arv kan ikke overvurderes. Mange kunstnere idoliserede denne mester. Multiplicerer hans sensuelle billeder i tusindvis af hans lærreder.

6. Tizian (1488-1576).

Tizian. Selvportræt (detalje). 1562 Prado Museum, Madrid.

Tizian var en uovertruffen kolorist. Han eksperimenterede også meget med komposition. Generelt var han en dristig og lys innovator.
For sådan en glans af talent elskede alle ham. Kaldes "Konge af malere og maler af konger".
Apropos Titian, jeg vil sætte efter hver sætning Udråbstegn. Det var trods alt ham, der bragte dynamik til maleriet. Patos. Entusiasme. Lys farve. Glans af farver.

Tizian. Maria himmelfart. 1515-1518 Santa Maria Gloriosi dei Frari-kirken, Venedig.

Mod slutningen af ​​sit liv udviklede han sig usædvanlig teknik bogstaver. Strøgene er hurtige. Tyk. dejagtig. Malingen blev påført enten med en pensel eller med fingre. Fra dette - billederne er endnu mere levende, ånde. Og plottene er endnu mere dynamiske og dramatiske.

Tizian. Tarquinius og Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

Minder det dig ikke om noget? Selvfølgelig er dette Rubens-teknikken. Og teknikken til kunstnere fra det 19. århundrede: Barbizon og impressionister. Tizian vil, ligesom Michelangelo, gennemgå 500 års maleri på én livstid. Det er derfor, han er et geni.

***
Renæssancekunstnere er kunstnere med stor viden. For at efterlade sådan en arv, skulle man vide meget. Inden for historie, astrologi, fysik og så videre.
Derfor får hvert af deres billeder os til at tænke. Hvorfor vises det? Hvad er den krypterede besked her?
Derfor tager de næsten aldrig fejl. Fordi de gennemtænkte deres fremtidige arbejde. At bruge al deres videns bagage.
De var mere end kunstnere. De var filosoffer. Forklarer verden for os gennem maleri.
Derfor vil de altid være dybt interessante for os.