Oplysninger om renæssancens kunstnere. Tidlige renæssancekunstnere

Folkene i Europa søgte at genoplive skatte og traditioner, der var gået tabt på grund af endeløse udryddelseskrige. Krige fjernede mennesker og de store ting, som mennesker skabte fra jordens overflade. Ideen om at genoplive den høje civilisation i den antikke verden gav anledning til filosofi, litteratur, musik, fremkomsten af ​​naturvidenskaberne og - mest af alt - kunstens blomstring. Tiden krævede stærke, uddannede mennesker, der ikke var bange for noget arbejde. Det var i deres midte, at fremkomsten af ​​de få genier, der kaldes "renæssancens titaner", blev mulig. Selve dem kalder vi kun ved navn.

Renæssancen var primært italiensk. Derfor er det ikke overraskende, at det var i Italien, at kunsten nåede sin højeste stigning og blomstrede i denne periode. Det er her, der er snesevis af navne på titaner, genier, store og simpelthen talentfulde kunstnere.

MUSIK AF LEONARDO.

Hvilken heldig fyr! – vil mange sige om ham. Han var udstyret med sjældent helbred, smuk, høj og havde blå øjne. I sin ungdom bar han blonde krøller, og hans stolte udseende mindede ham om Donatells St. George. Han havde uhørt og modig styrke og maskulin tapperhed. Han sang vidunderligt og komponerede melodier og digte foran sit publikum. Spilles på evt musikinstrument Desuden skabte han dem selv.

For Leonardo da Vincis kunst har samtidige og efterkommere aldrig fundet andre definitioner end "genial", "guddommelig" og "stor". De samme ord refererer til hans videnskabelige åbenbaringer: han opfandt en tank, en gravemaskine, en helikopter, en ubåd, en faldskærm, et automatisk våben, en dykkerhjelm, en elevator, løste de mest komplekse problemer inden for akustik, botanik, medicin, kosmografi , skabte et projekt for et cirkulært teater, opfundet et århundrede tidligere, end Galileo, urpendulet, tegnede de nuværende vandski, udviklede teorien om mekanik.

Hvilken heldig fyr! - mange vil sige om ham og vil begynde at huske hans elskede prinser og konger, som søgte bekendtskab med ham, shows og ferier, som han opfandt som kunstner, dramatiker, skuespiller, arkitekt og morede sig med dem som et barn.

Men var den ukuelige hundredåring Leonardo glad, hvis hver dag gav mennesker og verden visioner og indsigter? Han forudså den forfærdelige skæbne for sine kreationer: ødelæggelsen af ​​den sidste nadver, nedskydningen af ​​monumentet til Francesca Sforza, lav handel og det modbydelige tyveri af hans dagbøger og arbejdsbøger. I alt har kun seksten malerier overlevet den dag i dag. Få skulpturer. Men der var mange tegninger, kodede tegninger: ligesom heltene i moderne science fiction ændrede han en detalje i sit design, som om det var sådan, at en anden ikke kunne bruge den.

Leonardo da Vinci arbejdede i forskellige typer og kunstgenrer, men maleriet bragte ham den største berømmelse.

Et af Leonardos tidligste malerier er Blomstens Madonna eller Benois Madonna. Allerede her optræder kunstneren som en sand fornyer. Han bryder grænser traditionel plot og giver billedet en bredere, universel betydning, som er moderlig glæde og kærlighed. I dette arbejde blev mange træk ved kunstnerens kunst tydeligt manifesteret: en klar sammensætning af figurer og volumen af ​​former, et ønske om korthed og generalisering, psykologisk udtryksfuldhed.

Fortsættelsen af ​​temaet startede var maleriet "Madonna Litta", hvor et andet træk ved kunstnerens arbejde blev tydeligt afsløret - et spil med kontraster. Afslutningen af ​​temaet var maleriet "Madonna i grotten", som bemærkede den ideelle kompositoriske løsning, takket være hvilken de afbildede figurer af Madonna, Kristus og englene smelter sammen med landskabet til en enkelt helhed, udstyret med rolig balance og harmoni .

Et af højdepunkterne i Leonardos arbejde er fresken "Den sidste nadver" i refektoriet i klostret Santa Maria Della Grazie. Dette arbejde er ikke kun fantastisk overordnet sammensætning, men også nøjagtighed. Leonardo formidler ikke kun apostlenes psykologiske tilstand, men gør det i det øjeblik, hvor det når et kritisk punkt, bliver til en psykologisk eksplosion og konflikt. Denne eksplosion er forårsaget af Kristi ord: "En af jer vil forråde mig." I dette arbejde gjorde Leonardo fuld brug af teknikken til specifik sammenligning af figurer, takket være hvilken hver karakter fremstår som en unik individualitet og personlighed.

Det andet højdepunkt i Leonards kreativitet var berømt portræt Mona Lisa eller La Gioconda. Dette værk markerede begyndelsen af ​​genren psykologisk portræt i europæisk kunst. Når du opretter det Stor mester genialt brugt hele arsenalet af kunstneriske udtryksmidler: skarpe kontraster og bløde halvtoner, frossen stilhed og generel flydende og variabilitet, subtile psykologiske nuancer og overgange. Hele Leonardos genialitet ligger i Mona Lisas forbløffende livlige udseende, hendes mystiske og mystisk smil, en mystisk dis, der dækker landskabet. Dette værk er et af de sjældneste kunstværker.

Alle, der så "La Gioconda" bragt fra Louvre i Moskva, husker øjeblikke af deres fuldstændige døvhed nær dette lille lærred, spændingen fra de bedste i sig selv. Gioconda virkede som en "Marsian", en repræsentant for det ukendte - sandsynligvis fremtiden, ikke fortiden menneskelig stamme, legemliggørelsen af ​​harmoni, om hvilken verden ikke er træt og aldrig bliver træt af at drømme.

Der kan siges meget mere om ham. Overrasket over, at dette ikke er fiktion eller fantasi. For eksempel kan du huske, hvordan han foreslog at flytte katedralen San Giovanni - sådan arbejde forbløffer os, indbyggere i det tyvende århundrede.

Leonardo sagde: " God kunstner skal kunne skrive to hovedting: en person og en repræsentation af hans sjæl. Eller siges dette om "Columbine" fra St. Petersburg Hermitage? Nogle forskere kalder hende, og ikke Louvre-lærredet, "La Gioconda."

Boy Nardo, det var hans navn i Vinci: den uægte søn af en litterær notar, der anså fugle og heste for at være de bedste skabninger på jorden. Elsket af alle og ensomme, som bøjede stålsværd og malede hængte mennesker. Han opfandt en bro over Bosporus og en ideel by, smukkere end Corbusiers og Niemeyers. Han sang i en blød baryton og fik Mona Lisa til at smile. I en af nyeste notesbøger denne heldige mand skrev: "Det forekom mig, at jeg lærte at leve, men jeg lærte at dø." Men han opsummerede det så: "Et liv, der leves godt, er et langt liv."

Er det muligt at være uenig med Leonardo?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli blev født i Firenze i 1445 i familien af ​​en lædergarver.

Botticellis første originale værk anses for at være "The Adoration of the Magi" (ca. 1740), hvor hovedegenskaberne ved hans originale måde - drømmende og subtil poesi - allerede var fuldt afspejlet. Han var begavet med en medfødt sans for poesi, men et tydeligt strejf af kontemplativ tristhed løb gennem ham bogstaveligt talt i alt. Selv Sankt Sebastian, der er plaget af sine plageånders pile, ser eftertænksom og løs fra ham.

I slutningen af ​​1470'erne kom Botticelli tæt på kredsen af ​​den de facto hersker i Firenze, Lorenzo Medici, med tilnavnet den storslåede. I Lorenzos luksuriøse haver samledes et samfund af mennesker, sandsynligvis de mest oplyste og talentfulde i Firenze. Der var filosoffer, digtere og musikere der. En atmosfære af beundring for skønhed herskede, og ikke kun kunstens skønhed blev værdsat, men også livets skønhed. Som en prototype perfekt kunst og antikken blev betragtet som det ideelle liv, dog opfattet gennem prisme af senere filosofiske lag. Uden tvivl, under indflydelse af denne atmosfære, blev Botticellis første store maleri, "Primavera (Forår)," skabt. Dette er en drømmeagtig, udsøgt, forunderligt smuk allegori om den evige cyklus, naturens konstante fornyelse. Det er gennemsyret af det mest komplekse og finurlige musikalsk rytme. Flora-skikkelsen, prydet med blomster, og de dansende ynder i Edens Have repræsenterede skønhedsbilleder, som endnu ikke var set på det tidspunkt, og derfor frembragte et særligt fængslende indtryk. Den unge Botticelli indtog straks en fremtrædende plads blandt sin tids mestre.

Det var den unge malers høje anseelse, der sikrede ham en kommission for bibelske fresker til Vatikanets Sixtinske Kapel, som han skabte i begyndelsen af ​​1480'erne i Rom. Han skrev "Scener fra Moses' liv", "Straffen for Korah, Dathan og Abiron", hvilket demonstrerede en fantastisk kompositorisk færdighed. Den klassiske ro i de gamle bygninger, som Botticelli satte handlingen op imod, står i skarp kontrast til den dramatiske rytme i de afbildede karakterer og lidenskaber; bevægelsen af ​​menneskekroppe er kompleks, forvirrende, mættet med eksplosiv kraft; skaber indtryk af rystende harmoni, forsvarsløshed synlig verden før det hurtige pres af tid og menneskelig vilje. Freskoerne i Det Sixtinske Kapel udtrykte for første gang den dybe angst, der boede i Botticellis sjæl, som blev stærkere med tiden. De samme fresker afspejlede Botticellis fantastiske talent som portrætmaler: Hvert af de mange malede ansigter er fuldstændig originale, unikke og uforglemmelige...

I 1480'erne, da han vendte tilbage til Firenze, fortsatte Botticelli med at arbejde utrætteligt, men den fredelige klarhed i Primera var allerede langt bag ham. I midten af ​​årtiet skrev han sin berømte "Birth of Venus". Forskere bemærker i masterens senere værker en tidligere usædvanlig moralisme og religiøs ophøjelse.

Måske mere betydningsfuldt end sent maleri er Botticellis tegninger fra 90'erne - illustrationer til " guddommelig komedie» Dante. Han malede med åbenlys og utilsløret glæde; den store digters visioner formidles kærligt og omhyggeligt af de perfekte proportioner af talrige figurer, tankevækkende organisering af rummet, uudtømmelig opfindsomhed i at søge efter visuelle ækvivalenter til det poetiske ord...

På trods af mentale storme og kriser forblev Botticelli en stor kunstner, mester i sin kunst, indtil det sidste (han døde i 1510). Dette er tydeligt bevist af den ædle skulptur af ansigtet i "Portræt ung mand», udtryksfuld karakteristik en model, der ikke efterlader tvivl om hendes høje menneskelige fortjenester, en solid tegning af mesteren og hans velvillige blik.

Sandro Botticelli(1. marts 1445 - 17. maj 1510) - en dybt religiøs mand, arbejdede i alle de store kirker i Firenze og i Vatikanets Sixtinske Kapel, men forblev i kunsthistorien primært som forfatter til poetisk i stort format lærreder om emner inspireret af den klassiske oldtid - "Forår" og "Venus fødsel". .

I lang tid stod Botticelli i skyggen af ​​renæssancegiganterne, der arbejdede efter ham, indtil han var i midten af ​​19århundrede blev genopdaget af de britiske prærafaelitter, som ærede den skrøbelige linearitet og forårsfriskhed i sine modne lærreder som det højeste punkt i udviklingen af ​​verdenskunst.

Født ind i familien til en velhavende byboer, Mariano di Vanni Filipepi. Modtaget en god uddannelse. Han studerede maleri hos munken Filippo Lippi og overtog den passion fra ham i at skildre rørende motiver, der kendetegner historiske malerier Lippi. Så arbejdede han for berømt billedhugger Verrocchio. I 1470 organiserede han sit eget værksted..

Han overtog linjernes subtilitet og præcision fra sin anden bror, som var guldsmed. Han studerede i nogen tid hos Leonardo da Vinci i Verrocchios værksted. Det originale træk ved Botticellis eget talent er hans tilbøjelighed til det fantastiske. Han var en af ​​de første, der introducerede sin tids kunst gammel myte og allegori og arbejdede med særlig kærlighed på mytologiske emner. Særligt imponerende er hans Venus, der svæver nøgen på havet i en skal, og vindens guder overøser hende med regn af roser og driver skallen til kysten.

De kalkmalerier, han påbegyndte i 1474 i Vatikanets Sixtinske Kapel, betragtes som Botticellis bedste skabelse. Han færdiggjorde mange malerier bestilt af Medici. Især malede han banneret af Giuliano de' Medici, bror til Lorenzo den Storslåede. I 1470-1480'erne blev portrættet til en selvstændig genre i Botticellis værker ("Man with a Medal", ca. 1474; "Ung mand", 1480'erne). Botticelli blev berømt for sin subtile æstetisk smag og sådanne værker som "Bebudelsen" (1489-1490), "Forladt" (1495-1500) osv. I de sidste år af sit liv opgav Botticelli tilsyneladende maleriet.

Sandro Botticelli er begravet i familiens grav i kirken Ognisanti i Firenze. Ifølge hans testamente blev han begravet nær graven af ​​Simonetta Vespucci, som inspirerede mest smukke billeder mestre

Leonardo di Ser Piero da Vinci(15. april 1452, landsbyen Anchiano, nær byen Vinci, nær Firenze - 2. maj 1519 - fantastisk italiensk kunstner(maler, billedhugger, arkitekt) og videnskabsmand (anatom, naturforsker), opfinder, forfatter, en af største repræsentanter Højrenæssancekunst, lysende eksempel"universelt menneske". .

Vores samtid kender Leonardo primært som kunstner. Derudover er det muligt, at da Vinci også kunne have været en billedhugger: Forskere fra University of Perugia - Giancarlo Gentilini og Carlo Sisi - hævder, at terrakottahovedet, de fandt i 1990, er det eneste skulpturelle værk af Leonardo da Vinci, der er kommet ned til os. Dog da Vinci selv forskellige perioder I sit liv betragtede han sig selv primært som ingeniør eller videnskabsmand. Han brugte ikke meget tid på kunst og arbejdede ret langsomt. Derfor kunstnerisk arv Leonardo er ikke talrig i antal, og en række af hans værker er gået tabt eller alvorligt beskadiget. Men hans bidrag til verden kunstnerisk kultur er ekstremt vigtig selv på baggrund af den kohorte af genier, som den italienske renæssance frembragte. Takket være hans værker flyttede malerkunsten sig til høj kvalitet ny scene af dens udvikling. Renæssancekunstnerne, der gik forud for Leonardo, afviste på afgørende vis mange af middelalderkunstens konventioner. Dette var en bevægelse mod realisme, og meget var allerede opnået i studiet af perspektiv, anatomi og større frihed i kompositoriske løsninger. Men med hensyn til at male, arbejde med maling, var kunstnerne stadig ret konventionelle og indskrænkede. Linjen i billedet skitserede tydeligt objektet, og billedet havde udseende af en malet tegning. Det mest konventionelle var landskabet, som spillede en sekundær rolle. .

Leonardo indså og legemliggjorde en ny maleteknik. Hans linje har ret til at være sløret, for det er sådan, vi ser det. Han indså fænomenet med lysspredning i luften og udseendet af sfumato - en tåge mellem beskueren og det afbildede objekt, som blødgør farvekontraster og linjer. Som et resultat flyttede realismen i maleriet til et kvalitativt nyt niveau. . renæssance maleri Botticelli renæssance

Rafael Santi(28. marts 1483 - 6. april 1520) - stor italiensk maler, grafiker og arkitekt, repræsentant for den umbriske skole.

Søn af maleren Giovanni Santi gennemgik en indledende kunstnerisk uddannelse i Urbino med sin far Giovanni Santi, men allerede i en ung alder befandt han sig i atelieret fremragende kunstner Pietro Perugino. Nemlig kunstnerisk sprog og billedsproget i Peruginos malerier, med deres tendens til en symmetrisk, afbalanceret komposition, klarhed i rumlige løsninger og blødhed i farver og belysning, havde en primær indflydelse på den unge Rafaels stil.

Det er også nødvendigt at fastslå, at Raphaels kreative stil inkluderede en syntese af andre mestres teknikker og resultater. Først stolede Raphael på Peruginos erfaringer, og senere til gengæld på resultaterne af Leonardo da Vinci, Fra Bartolomeo, Michelangelo. .

Tidlige værker("Madonna Conestabile" 1502-1503) er gennemsyret af ynde og blød lyrik. Han glorificerede menneskets jordiske eksistens, harmonien af ​​åndelige og fysiske kræfter i malerierne i Vatikanets værelser (1509-1517), og opnåede en upåklagelig følelse af proportioner, rytme, proportioner, farves vellyd, enhed af figurer og majestætisk. arkitektonisk baggrund..

I Firenze, efter at være kommet i kontakt med Michelangelos og Leonardos værker, lærte Raphael af dem den anatomisk korrekte afbildning af menneskekroppen. I en alder af 25 ender kunstneren i Rom, og fra det øjeblik begynder perioden med den højeste blomstring af hans kreativitet: han udfører monumentale malerier i Vatikanets palads (1509-1511), blandt hvilke mesterens ubestridte mesterværk - fresken" Athen skole", skriver alterkompositioner og staffelemalerier, kendetegnet ved harmonien mellem koncept og udførelse, arbejder som arkitekt (i nogen tid ledede Raphael endda byggeriet af Peterskirken). I en utrættelig søgen efter sit ideal, legemliggjort for kunstneren i billedet af Madonnaen, skaber han sin mest perfekte skabelse - den "sixtinske madonna" (1513), et symbol på moderskab og selvfornægtelse. Raphaels malerier og vægmalerier blev anerkendt af hans samtidige, og det blev Santi snart central figur kunstnerisk liv Rom. Mange mennesker ønskede at blive i familie med kunstneren ædle mennesker Italien, herunder tæt ven Raphael kardinal Bibbiena. Kunstneren døde i en alder af syvogtredive af hjertesvigt. De ufærdige malerier af Villa Farnesina, Vatikanets loggiaer og andre værker blev færdiggjort af Rafaels elever i overensstemmelse med hans skitser og tegninger.

En af de største repræsentanter for kunsten i højrenæssancen, hvis malerier er kendetegnet ved en understreget balance og harmoni af hele, afbalanceret komposition, målt rytme og delikat brug af farveevner. Upåklagelig kommando over linjen og evnen til at generalisere og fremhæve det vigtigste gjorde Raphael til en af ​​de mest fremragende mestre alle tiders tegninger. Raphaels arv tjente som en af ​​søjlerne i dannelsen af ​​europæisk akademiskisme. Tilhængere af klassicismen - Carracci-brødrene, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov og mange andre kunstnere - hyldede Raphaels arv som det mest perfekte fænomen i verdenskunsten...

Titian Vecellio(1476/1477 eller 1480'erne-1576) - italiensk renæssancemaler. Titians navn rangerer med sådanne renæssancekunstnere som Michelangelo, Leonardo da Vinci og Raphael. Tizian malede malerier baseret på bibelske og mytologiske historier, blev han også berømt som portrætmaler. Han modtog ordrer fra konger og paver, kardinaler, hertuger og fyrster. Titian var ikke engang tredive år gammel, da han blev anerkendt som den bedste maler i Venedig.

Ifølge hans fødested (Pieve di Cadore i provinsen Belluno) kaldes han undertiden da Cadore; også kendt som Tizian den guddommelige...

Titian blev født ind i familien til Gregorio Vecellio, en statsmand og militærleder. I en alder af ti blev han sammen med sin bror sendt til Venedig for at studere hos den berømte mosaikkunstner Sebastian Zuccato. Et par år senere kom han ind på Giovanni Bellinis værksted som lærling. Han studerede hos Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) og en række andre kunstnere, som senere blev berømte.

I 1518 malede Titian maleriet "The Ascension of Our Lady", i 1515 - Salome med hovedet af Johannes Døberen. Fra 1519 til 1526 malede han en række altre, herunder Pesaro-familiens altertavle.

Tizian levede et langt liv. Indtil sine sidste dage holdt han ikke op med at arbejde. Tizian malede sit sidste maleri, Kristi klagesang, til sin egen gravsten. Kunstneren døde af pesten i Venedig den 27. august 1576, da han blev smittet fra sin søn, mens han passede ham.

Kejser Karl V tilkaldte Tizian til sin plads og omringede ham med ære og respekt og sagde mere end én gang: "Jeg kan skabe en hertug, men hvor kan jeg få en anden Tizian?" Da kunstneren en dag tabte sin pensel, tog Charles V den op og sagde: "Det er en ære selv for kejseren at tjene Tizian." Både de spanske og franske konger inviterede Tizian til at bo ved deres hof, men kunstneren, efter at have fuldført sine ordrer, vendte altid tilbage til sit hjemland Venedig.Et krater på Merkur blev navngivet til ære for Tizian. .

For europæerne sluttede perioden med den mørke middelalder og gav plads til renæssancen. Det gjorde det muligt at genoplive antikkens næsten uddøde arv og skabe store kunstværker. Forskere fra renæssancen spillede også en vigtig rolle i menneskehedens udvikling.

Paradigme

Krisen og ødelæggelsen af ​​Byzans førte til, at tusindvis af kristne emigranter dukkede op i Europa, som bragte bøger med sig. Disse manuskripter indeholdt viden om den antikke periode, halvt glemt i den vestlige del af kontinentet. De blev grundlaget for humanismen, som satte mennesket, dets ideer og ønsket om frihed i højsædet. Med tiden begyndte der at opstå sekulære centre for videnskab og uddannelse i byer, hvor rollen som bankfolk, håndværkere, handlende og håndværkere blev øget, som ikke blot ikke var under den katolske kirkes autoritet, men ofte kæmpede mod dens diktater.

Maleri af Giotto (renæssance)

Kunstnere i middelalderen skabte værker af overvejende religiøst indhold. I særdeleshed, i lang tid Den vigtigste genre af maleri var ikonografi. Den første, der besluttede at skildre på sine lærreder almindelige mennesker, ud over at opgive den kanoniske skrivestil, der var iboende i den byzantinske skole, var Giotto di Bondone, som anses for at være en pioner inden for proto-renæssancen. På freskoerne af San Francesco-kirken, der ligger i byen Assisi, brugte han spillet med chiaroscuro og gik fra den almindeligt accepterede kompositionsstruktur. Giottos hovedmesterværk var imidlertid maleriet af Arena-kapellet i Padua. Det er interessant, at kunstneren umiddelbart efter denne ordre blev kaldt til at dekorere rådhuset. Mens han arbejdede på et af malerierne, rådførte Giotto sig med astronomen Pietro d'Abano for at opnå den største autenticitet i skildringen af ​​"det himmelske tegn". Takket være denne kunstner stoppede maleriet således med at skildre mennesker, genstande og naturfænomener ifølge visse kanoner og blev mere realistisk.

Leonardo Da Vinci

Mange figurer fra renæssancen havde alsidigt talent. Ingen af ​​dem kan dog måle sig med Leonardo da Vinci i hans alsidighed. Han viste sig som fremragende maler, arkitekt, billedhugger, anatom, naturforsker og ingeniør.

I 1466 tog Leonardo da Vinci til at studere i Firenze, hvor han udover at male studerede kemi og tegning og også tilegnede sig færdigheder i at arbejde med metal, læder og gips.

Allerede den første malerier kunstneren blev fremhævet blandt sine medarbejder. I løbet af sit lange, på det tidspunkt, 68-årige liv skabte Leonardo da Vinci sådanne mesterværker som "Mona Lisa", "John Døberen", "Dame med en hermelin", " sidste aftensmad"etc.

Som andre fremtrædende skikkelser fra renæssancen var kunstneren interesseret i videnskab og teknik. Især ved man, at den hjulpistollås, han opfandt, blev brugt indtil 1800-tallet. Derudover lavede Leonardo da Vinci tegninger af en faldskærm, en flyvende maskine, et søgelys, et teleskop med to linser osv.

Michelangelo

Når spørgsmålet om, hvad renæssancefigurerne gav til verden diskuteres, indeholder listen over deres præstationer nødvendigvis værkerne af denne fremragende arkitekt, kunstner og billedhugger.

Blandt de mest berømte kreationer af Michelangelo Buonarroti er kalkmalerierne af loftet i Det Sixtinske Kapel, statuen af ​​David, skulpturen af ​​Bacchus, marmorstatuen af ​​Madonnaen af ​​Brugge, maleriet "The Torment of St. Anthony" og mange andre mesterværker af verdenskunst.

Rafael Santi

Kunstneren blev født i 1483 og levede kun 37 år. Imidlertid placerer den store arv fra Raphael Santi ham i toppen af ​​enhver symbolsk vurdering af "Outstanding Figures of the Renaissance."

Kunstnerens mesterværker inkluderer "The Coronation of Mary" til Oddi-alteret, "Portrait of Pietro Bembo", "Lady with a Unicorn", adskillige fresker bestilt til Stanza della Segnatura osv.

Toppen af ​​Raphaels kreativitet betragtes som " Sixtinske Madonna", skabt til alteret i kirken i klosteret St. Sixta i Piacenza. Dette billede gør et uforglemmeligt indtryk på enhver, der ser det, da Maria, der er afbildet på det på en uforståelig måde, kombinerer Guds Moders jordiske og himmelske essenser.

Albrecht Durer

Berømte personer fra renæssancen var ikke kun italienske. Disse omfatter den tyske maler og gravør Albrecht Dürer, der blev født i Nürnberg i 1471. Hans mest betydningsfulde værker er "Landauer-alteret", et selvportræt (1500), maleriet "Feast of Rose Wreaths" og tre "Workshop-graveringer". Sidstnævnte betragtes som mesterværker grafisk kunst af alle tider og folk.

Tizian

Renæssancens store skikkelser inden for maleri efterlod os billeder af deres mest berømte samtidige. En af de fremragende portrætmalere i denne periode europæisk kunst der var Titian, som kom fra kendt familie Vecellio. Han udødeliggjorde på lærred Federico Gonzaga, Charles V, Clarissa Strozzi, Pietro Aretino, arkitekten Giulio Romano og mange andre. Derudover omfatter hans pensler lærreder om emner fra gammel mytologi. Hvor højt kunstneren blev værdsat af sine samtidige, fremgår af det faktum, at kejser Karl V en dag skyndte sig at samle en børste op, der var faldet fra Titians hænder.Monarken forklarede sin handling ved at sige, at det er en ære for enhver at tjene sådan en mester. .

Sandro Botticelli

Kunstneren blev født i 1445. I første omgang skulle han blive guldsmed, men så endte han i værkstedet hos Andrea Verrocchio, som engang studerede hos Leonardo da Vinci. Sammen med værker af religiøse temaer skabte kunstneren flere malerier med sekulært indhold. Botticellis mesterværker omfatter malerierne "Venus' fødsel", "Forår", "Pallas og Kentauren" og mange andre.

Dante Alighieri

Renæssancens store skikkelser satte deres uudslettelige præg på verdenslitteraturen. En af de mest fremtrædende digtere i denne periode er Dante Alighieri, født i 1265 i Firenze. I en alder af 37 blev han bortvist fra hjemby på grund af deres Politiske synspunkter og vandrede indtil seneste år eget liv.

Allerede som barn blev Dante forelsket i sin jævnaldrende Beatrice Portinari. Efter at være blevet modnet giftede pigen sig med en anden mand og døde i en alder af 24. Beatrice blev digterens muse, og det var hende, han dedikerede sine værker, inklusive historien " Nyt liv" I 1306 begyndte Dante at skabe sin "Divine Comedy", som han arbejdede på i næsten 15 år. I den afslører han det italienske samfunds laster, pavernes og kardinalernes forbrydelser og placerer sin Beatrice i "paradis".

william Shakespeare

Selvom renæssancens ideer ankom noget sent til de britiske øer, blev der også skabt fremragende kunstværker.

Især en af ​​de mest berømte dramatikere i menneskehedens historie, William Shakespeare, arbejdede i England. Hans skuespil er blevet opført på teaterscener i alle verdenshjørner i mere end 500 år. Hans pen omfatter tragedierne "Othello", "Romeo og Julie", "Hamlet", "Macbeth", såvel som komedierne "Twelfth Night", "Much Ado About Nothing" og mange andre. Derudover er Shakespeare berømt for sine sonetter dedikeret til den mystiske Dark Lady.

Leon Battista Alberti

Renæssancen bidrog også til at ændre udseendet af europæiske byer. Store arkitektoniske mesterværker blev skabt i denne periode, herunder den romerske katedral St. Peter's, Laurentian-trappen, Firenze-katedralen osv. Sammen med Michelangelo er den berømte videnskabsmand Leon Battista Alberti en af ​​renæssancens berømte arkitekter. Han ydede enorme bidrag til arkitektur, kunstteori og litteratur. Hans interesseområder omfattede også problemer med pædagogik og etik, matematik og kartografi. Han skabte et af de første videnskabelige værker om arkitektur, med titlen "Ti bøger om arkitektur." Dette arbejde havde en enorm indflydelse på de efterfølgende generationer af hans kolleger.

Nu ved du det meste kendte figurer renæssancens kulturer, takket være hvilken den menneskelige civilisation nåede ny runde af dens udvikling.

7. august 2014

Studerende fra kunstuniversiteter og kunsthistorieinteresserede ved, at der ved overgangen til det 14.-15. århundrede skete en skarp ændring i maleriet - renæssancen. Omkring 1420'erne blev alle pludselig meget bedre til at tegne. Hvorfor blev billederne pludselig så realistiske og detaljerede, og hvorfor opstod der lys og volumen i malerierne? Ingen har tænkt over dette i lang tid. Indtil David Hockney tog et forstørrelsesglas.

Lad os finde ud af, hvad han opdagede...

En dag så han på tegningerne af Jean Auguste Dominique Ingres, lederen af ​​den franske akademiske skole i det 19. århundrede. Hockney blev interesseret i at se sine små tegninger i større skala, og han forstørrede dem på en kopimaskine. Det var sådan, han faldt over den hemmelige side af maleriets historie siden renæssancen.

Efter at have lavet fotokopier af Ingres' små (ca. 30 centimeter) tegninger blev Hockney overrasket over, hvor realistiske de var. Og det forekom ham også, at Ingres replikker var noget for ham
minde om. Det viste sig, at de mindede ham om Warhols værker. Og Warhol gjorde dette - han projicerede et foto på et lærred og skitserede det.

Til venstre: detalje af Ingres tegning. Til højre: Warhol-tegning af Mao Zedong

Interessante ting, siger Hockney. Tilsyneladende brugte Ingres Camera Lucida - et apparat, der er en struktur med et prisme, der for eksempel er monteret på et stativ til en tablet. Således ser kunstneren, der ser på sin tegning med det ene øje, det virkelige billede, og med det andet - den faktiske tegning og hans hånd. Det viser sig optisk illusion, hvilket giver dig mulighed for nøjagtigt at overføre rigtige proportioner til papir. Og dette er netop "garantien" for billedets realisme.

Tegning af et portræt ved hjælp af et kamera lucida, 1807

Så blev Hockney for alvor interesseret i denne "optiske" type tegninger og malerier. I sit atelier hang han og hans team hundredvis af reproduktioner af malerier skabt gennem århundreder på væggene. Værker, der så "rigtige" ud, og dem, der ikke gjorde. Ordning efter skabelsestid og region - nord øverst, syd nederst, så Hockney og hans team en skarp ændring i maleriet ved overgangen til det 14.-15. århundrede. Generelt ved alle, der ved selv lidt om kunsthistorien dette – renæssancen.

Måske brugte de det samme kamera-lucida? Det blev patenteret i 1807 af William Hyde Wollaston. Selvom en sådan enhed faktisk blev beskrevet af Johannes Kepler tilbage i 1611 i sit værk Dioptrice. Så brugte de måske en anden optisk enhed - en camera obscura? Det har været kendt siden Aristoteles' tid og er et mørkt rum, hvor lyset trænger ind gennem et lille hul og dermed i det mørke rum opnås en projektion af det, der er foran hullet, men omvendt. Alt ville være fint, men det billede, der opnås, når det projiceres af et pinhole-kamera uden linse, for at sige det mildt, er ikke af høj kvalitet, det er ikke klart, det kræver meget skarpt lys, for ikke at nævne størrelsen af ​​projektionen. Men linser af høj kvalitet var næsten umulige at lave indtil det 16. århundrede, da der ikke var nogen måder at opnå så høj kvalitet glas på det tidspunkt. Forretning, tænkte Hockney, som på det tidspunkt allerede kæmpede med problemet med fysikeren Charles Falco.

Men der er et maleri af Jan Van Eyck, en mester fra Brugge, en flamsk maler fra tiden tidlig renæssance, - hvori hintet er gemt. Maleriet hedder "Portræt af Arnolfini-parret."

Jan Van Eyck "Portræt af Arnolfini-parret" 1434

Maleriet skinner simpelthen med en enorm mængde detaljer, hvilket er ret interessant, fordi det først blev malet i 1434. Og et fingerpeg om, hvordan forfatteren formåede at tage så stort et skridt fremad i billedets realisme, er spejlet. Og også en lysestage - utrolig kompleks og realistisk.

Hockney var sprængfyldt af nysgerrighed. Han fik en kopi af sådan en lysekrone og forsøgte at tegne den. Kunstneren stod over for det faktum, at en så kompleks ting er svær at tegne i perspektiv. Et andet vigtigt punkt var materialiteten af ​​billedet af denne metalgenstand. Ved afbildning af et stålobjekt er det meget vigtigt at placere højdepunkterne så realistisk som muligt, da det giver stor realisme. Men problemet med disse højdepunkter er, at de bevæger sig, når beskuerens eller kunstnerens øje bevæger sig, hvilket betyder, at de slet ikke er nemme at fange. Og et realistisk billede af metal og blænding er også kendetegn malerier fra renæssancen, før det havde kunstnere ikke engang prøvet at gøre dette.

Ved at genskabe en nøjagtig 3D-model af lysekronen sikrede Hockneys team, at lysekronen i Arnolfini-portrættet blev tegnet nøjagtigt i perspektiv med et enkelt forsvindingspunkt. Men problemet var, at så præcise optiske instrumenter som en camera obscura med en linse ikke eksisterede før omkring et århundrede efter, at maleriet blev skabt.

Fragment af Jan Van Eycks maleri "Portræt af Arnolfini-parret" 1434

Det forstørrede fragment viser, at spejlet i maleriet "Portræt af Arnolfini-parret" er konveks. Det betyder, at der også var spejle tværtimod - konkave. Desuden blev sådanne spejle i disse dage lavet på denne måde - en glaskugle blev taget, og dens bund var dækket af sølv, så blev alt undtagen bunden skåret af. Bagsiden af ​​spejlet var ikke mørklagt. Det betyder, at Jan Van Eycks konkave spejl kunne være det samme spejl, som er afbildet i maleriet, bare fra bagsiden. Og enhver fysiker ved, at et sådant spejl, når det reflekteres, projicerer et billede af det, der reflekteres. Det var her, hans ven fysiker Charles Falco hjalp David Hockney med beregninger og forskning.

Et konkavt spejl projicerer et billede af tårnet uden for vinduet på lærredet.

Den klare, fokuserede del af projektionen måler cirka 30 kvadratcentimeter - hvilket er præcis på størrelse med hovederne i mange renæssanceportrætter.

Hockney skitserer projektionen af ​​en mand på lærred

Dette er for eksempel størrelsen på portrættet af "Doge Leonardo Loredan" af Giovanni Bellini (1501), portrættet af en mand af Robert Campin (1430), det faktiske portræt af Jan Van Eyck "en mand i en rød turban ” og mange andre tidlige hollandske portrætter.

Renæssanceportrætter

At male var et højt lønnet job, og alle forretningshemmeligheder blev naturligvis holdt strengt fortroligt. Det var gavnligt for kunstneren, at alle uindviede troede, at hemmelighederne var i mesterens hænder og ikke kunne stjæles. Forretningen var lukket for udefrakommende - kunstnerne var medlemmer af lauget, og den omfattede også en række håndværkere - lige fra dem, der lavede sadler til dem, der lavede spejle. Og i Sankt Lukas-lauget, grundlagt i Antwerpen og første gang nævnt i 1382 (dengang åbnede lignende laug i mange nordlige byer, og et af de største var lauget i Brugge, byen hvor Van Eyck boede) var der også mestre, der lavede spejle .

Sådan genskabte Hockney, hvordan en kompleks lysekrone fra et Van Eyck-maleri kunne males. Det er slet ikke overraskende, at størrelsen af ​​den lysekrone Hockney projicerede nøjagtigt matcher størrelsen af ​​lysekronen i maleriet "Portræt af Arnolfini-parret." Og selvfølgelig højdepunkterne på metallet - på projektionen står de stille og ændrer sig ikke, når kunstneren skifter position.

Men problemet er stadig ikke helt løst, fordi fremkomsten af ​​højkvalitetsoptik, som er nødvendig for at bruge en camera obscura, var 100 år væk, og størrelsen af ​​projektionen opnået ved hjælp af et spejl er meget lille. Hvordan maler man malerier større end 30 kvadratcentimeter? De blev skabt som en collage - fra mange synsvinkler var det som et sfærisk syn med mange forsvindingspunkter. Det forstod Hockney, fordi han selv lavede sådanne billeder – han lavede mange fotocollager, der opnår præcis samme effekt.

Næsten et århundrede senere, i 1500-tallet, blev det endelig muligt at skaffe og behandle glas godt - store linser dukkede op. Og de kunne endelig indsættes i en camera obscura, hvis funktionsprincip havde været kendt siden oldtiden. Camera obscura med et objektiv var en utrolig revolution inden for visuel kunst, da projektionen nu kunne være enhver størrelse. Og en ting mere, nu var billedet ikke "vidvinkel", men tilnærmelsesvis af et normalt aspekt - altså nogenlunde det samme, som det er i dag, når det er fotograferet med et objektiv med en brændvidde på 35-50 mm.

Problemet med at bruge et pinhole-kamera med en linse er dog, at den fremadrettede projektion fra linsen er et spejlbillede. Dette førte til et stort antal venstrehåndede malere i de tidlige stadier af brugen af ​​optik. Som på dette maleri fra 1600-tallet fra Frans Hals-museet, hvor et venstrehåndet par danser, en venstrehåndet gammel mand ryster med fingeren af ​​dem, og en venstrehåndet abe kigger under kvindens kjole.

Alle på dette billede er venstrehåndede

Problemet løses ved at installere et spejl, som linsen er rettet ind i, og dermed opnå den korrekte projektion. Men tilsyneladende kostede et godt, glat og stort spejl mange penge, så det var det ikke alle, der havde.

Et andet problem var at fokusere. Faktum er, at nogle dele af billedet, i en position af lærredet under projektionsstrålerne, var ude af fokus og ikke klare. I Jan Vermeers værker, hvor brugen af ​​optik er helt åbenlys, ligner hans værker generelt fotografier, man kan også bemærke steder uden for "fokus". Du kan endda se det mønster, som linsen producerer - den berygtede "bokeh". Som her for eksempel på maleriet "Mælkepigen" (1658) er kurven, brødet i den og den blå vase ude af fokus. Men det menneskelige øje kan ikke se "ude af fokus".

Nogle dele af billedet er ude af fokus

Og i lyset af alt dette er det slet ikke overraskende god ven John Vermeer var Anthony Phillips van Leeuwenhoek, en videnskabsmand og mikrobiolog, samt en unik mester, der skabte sine egne mikroskoper og linser. Videnskabsmanden blev kunstnerens posthume forvalter. Dette tyder på, at Vermeer afbildede sin ven på to lærreder - "Geographer" og "Astronomer".

For at se en del i fokus, skal du ændre placeringen af ​​lærredet under projektionsstrålerne. Men i dette tilfælde dukkede fejl i proportioner op. Som du kan se her: den enorme skulder af "Anthea" af Parmigianino (ca. 1537), det lille hoved af "Lady Genovese" af Anthony Van Dyck (1626), de enorme ben af ​​en bonde i et maleri af Georges de La Tour .

Fejl i proportioner

Selvfølgelig brugte alle kunstnere linser forskelligt. Nogle til skitser, nogle kompilerede ud fra forskellige dele- nu var det trods alt muligt at lave et portræt, og afslutte alt andet med en anden model eller endda med en mannequin.

Der er næsten ingen tegninger tilbage af Velazquez. Men hans mesterværk forblev - et portræt af pave Innocentius 10. (1650). På pavens dragt - åbenbart silke - God kamp Sveta. Blikov. Og at skrive alt dette fra én synsvinkel, det krævede en stor indsats. Men hvis du laver en projektion, vil al denne skønhed ikke løbe væk nogen steder - højdepunkterne bevæger sig ikke længere, du kan male med de brede og hurtige strøg som Velasquez's.

Hockney gengiver Velazquez' maleri

Efterfølgende fik mange kunstnere råd til et camera obscura, og det holdt op med at være en stor hemmelighed. Canaletto brugte aktivt kameraet til at skabe sine syn på Venedig og skjulte det ikke. Disse malerier giver os på grund af deres nøjagtighed mulighed for at tale om Canaletto som dokumentarist. Takket være Canaletto kan du se mere end bare smukt billede, men også selve historien. Du kan se, hvordan den første Westminster Bridge i London så ud i 1746.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

Den britiske kunstner Sir Joshua Reynolds ejede en camera obscura og fortalte tilsyneladende ikke nogen om den, for hans kamera kan foldes sammen og ligner en bog. I dag er det i London Science Museum.

Camera obscura forklædt som en bog

Endelig, i begyndelsen af ​​det 19. århundrede, bandede William Henry Fox Talbot, ved hjælp af et kamera lucida - det, hvor du skal se med det ene øje og tegne med hænderne, og besluttede, at en sådan besvær skulle bringes til ophør. én gang for alle, og blev en af ​​opfinderne af kemisk fotografi, og senere en popularisator, der gjorde det masse.

Med fotografiets opfindelse forsvandt maleriets monopol på realismen i et billede, nu er fotografiet blevet en monopolist. Og her frigjorde maleriet sig endelig fra linsen og fortsatte den vej, som det drejede fra i 1400-tallet, og Van Gogh blev forløberen for al kunst i det 20. århundrede.

Venstre: Byzantinsk mosaik 12. århundrede. Til højre: Vincent Van Gogh, Portræt af Monsieur Trabuc, 1889.

Opfindelsen af ​​fotografi er det bedste, der er sket med maleriet i hele dets historie. Det var ikke længere nødvendigt udelukkende at skabe rigtige billeder, kunstneren blev fri. Selvfølgelig tog det offentligheden et århundrede at indhente kunstnere i deres forståelse af visuel musik og stoppe med at tro, at folk som Van Gogh var "skøre". Samtidig begyndte kunstnere aktivt at bruge fotografier som "referencemateriale". Så dukkede folk som Wassily Kandinsky, den russiske avantgarde, Mark Rothko, Jackson Pollock op. Efter maleriet frigjorde arkitektur, skulptur og musik sig også. Det er rigtigt, at den russiske akademiske malerskole hænger fast i tiden, og i dag betragtes det på akademier og skoler stadig som en skændsel at bruge fotografiet som et hjælpemiddel, og den højeste bedrift anses for at være den rent tekniske evne til at male så realistisk som muligt. med bare hænder.

Takket være en artikel af journalisten Lawrence Weschler, som var til stede under David Hockneys og Falcos research, afsløres en anden interessant kendsgerning: Portrættet af parret Arnolfini af Van Eyck er et portræt af en italiensk købmand i Brugge. Hr. Arnolfini er florentiner, og desuden er han repræsentant for Medici-banken (praktisk talt mestre i Firenze under renæssancen, de betragtes som mæcener for datidens kunst i Italien). Hvad betyder det? At han sagtens kunne have taget Lukas-laugets hemmelighed - spejlet - med til Firenze, hvori, som man tror, traditionel historie, og renæssancen begyndte, og kunstnerne fra Brugge (og følgelig andre mestre) betragtes som "primitivister."

Der er en masse kontroverser omkring Hockney-Falco-teorien. Men der er bestemt et gran af sandhed i det. Hvad angår kunstkritikere, kritikere og historikere, er det svært overhovedet at forestille sig, hvor mange videnskabelige værker om historie og kunst, der faktisk viste sig at være fuldstændig nonsens, men dette ændrer hele kunsthistorien, alle deres teorier og tekster.

Fakta om brugen af ​​optik forringer på ingen måde kunstnernes talenter - teknologien er trods alt et middel til at formidle, hvad kunstneren ønsker. Og omvendt, det faktum, at disse malerier rummer den mest virkelige virkelighed, tilfører dem kun tyngde – det er trods alt præcis, hvordan datidens mennesker, ting, lokaler, byer så ud. Det er de rigtige dokumenter.

Renæssancen, eller renæssancen, er en historisk milepæl i europæisk kultur. Dette er et skæbnesvangert stadium i udviklingen af ​​verdenscivilisationen, som erstattede middelalderens mørke og obskurantisme og gik forud for fremkomsten af ​​de kulturelle værdier i den nye tid. Renæssancearven er præget af antropocentrisme - med andre ord en orientering mod mennesket, dets liv og aktiviteter. Ved at tage afstand fra kirkelige dogmer og temaer fik kunsten en verdslig karakter, og epokens navn refererer til genoplivningen af ​​gamle motiver i kunsten.

Renæssancen, hvis rødder stammer fra Italien, er normalt opdelt i tre stadier: tidligt ("quattrocento"), højt og senere. Lad os overveje funktionerne i kreativiteten hos de store mestre, der arbejdede i de gamle, men betydningsfulde tider.

Først og fremmest skal det bemærkes, at skaberne af renæssancen ikke kun engagerede sig i "ren" kunst, men også viste sig at være talentfulde forskere og opdagere. For eksempel beskrev en arkitekt fra Firenze ved navn Filippo Brunelleschi et sæt regler for at konstruere lineært perspektiv. De love, han formulerede, gjorde det muligt præcist at afbilde den tredimensionelle verden på lærred. Sammen med legemliggørelsen af ​​progressive ideer i maleriet har dets ideologiske indhold ændret sig - maleriernes helte er blevet mere "jordiske" med udtalte personlige kvaliteter og karakterer. Dette gjaldt endda værker om emner relateret til religion.

Fremragende navne fra Quattrocento-perioden (anden halvdel af det 15. århundrede) - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli og andre - sikrede med rette deres æresplads i verdenskulturens skatkammer.

Under højrenæssancen (første halvdel af det 16. århundrede) blev hele kunstnernes ideologiske og kreative potentiale afsløret. Et karakteristisk træk ved denne tid er kunstens reference til antikkens æra. Kunstnere kopierer dog ikke blindt gamle emner, men bruger dem snarere til at skabe og udvikle deres egne unikke stilarter. Takket være dette får kunsten konsistens og stringens, hvilket giver plads til en vis letsindighed fra den foregående periode. Arkitektur, skulptur og maleri af denne tid komplementerede harmonisk hinanden. Bygninger, fresker og malerier skabt i renæssancens høje periode er sande mesterværker. Navnene på universelt anerkendte genier skinner: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti.

Leonardo da Vincis personlighed fortjener særlig opmærksomhed. De siger om ham, at han er en mand langt forud for sin tid. Kunstner, arkitekt, ingeniør, opfinder – langt fra fuld liste hypostaser af denne mangefacetterede personlighed.

Den moderne mand på gaden kender Leonardo da Vinci primært som maler. Hans mest berømte værk er Mona Lisa. Ved at bruge hendes eksempel kan seeren værdsætte innovationen af ​​forfatterens teknik: Takket være hans unikke mod og afslappede tænkning udviklede Leonardo fundamentalt nye måder at "revitalisere" et billede på.

Ved at bruge fænomenet lysspredning opnåede han et fald i kontrasten af ​​mindre detaljer, hvilket hævede billedets realisme til et nyt niveau. Mesteren lagde bemærkelsesværdig opmærksomhed på den anatomiske nøjagtighed af legemliggørelsen af ​​kroppen i maleri og grafik - proportionerne af den "ideelle" figur er registreret i "Vitruvian Man".

Anden halvdel af 1500- og første halvdel af 1600-tallet kaldes normalt for senrenæssancen. Denne periode var præget af meget forskellige kulturelle og kreative tendenser, så det er svært at bedømme det entydigt. Religiøse tendenser det sydlige Europa, legemliggjort i modreformationen, førte til abstraktion fra fejringen af ​​menneskelig skønhed og gamle idealer. Modsigelsen mellem sådanne følelser og renæssancens etablerede ideologi førte til fremkomsten af ​​florentinsk manérisme. Maleri i denne stil er præget af en konstrueret farvepalet og brudte linjer. Datidens venetianske mestre - Tizian og Palladio - dannede deres egne udviklingsretninger, som havde få berøringspunkter med krisens manifestationer i kunsten.

Undtagen italiensk renæssance, bør man være opmærksom på den nordlige renæssance. Kunstnere, der boede nord for Alperne, var mindre påvirket af gammel kunst. Deres arbejde viser indflydelsen af ​​gotisk stil, som varede indtil fremkomsten af ​​barokken. De store skikkelser fra den nordlige renæssance er Albrecht Durer, Lucas Cranach den Ældre, Pieter Bruegel den Ældre.

De store renæssancekunstneres kulturarv er uvurderlig. Navnet på hver af dem er ærbødigt og omhyggeligt bevaret i menneskehedens hukommelse, da den person, der bar det, var en unik diamant med mange facetter.