Kuinka monta osaa klassisessa sinfoniassa on? Sinfonia

Sinfonia(kreikan sanasta "konsonanssi") - kappale orkesterille, joka koostuu useista osista. Sinfonia on konserttiorkesterimusiikin musiikillisin muoto.

Klassinen rakenne

Koska rakenne on suhteellisen samankaltainen sonaatin kanssa, sinfoniaa voidaan kutsua suureksi sonaattiksi orkesterille. Sonaatti ja sinfonia sekä trio, kvartetti jne. kuuluvat "sonaatti-sinfoniseen sykliin" - teoksen sykliseen musiikilliseen muotoon, jossa on tapana esittää ainakin yksi osista (yleensä ensimmäinen) sonaattimuoto. Sonaatti-sinfoninen sykli on suurin syklinen muoto puhtaasti instrumentaalisista muodoista.

Kuten sonaatissa, klassisessa sinfoniassa on neljä osaa:
- ensimmäinen osa kirjoitetaan nopeaan tahtiin sonaattimuotoon;
- toinen osa, hidastettuna, on kirjoitettu rondon muodossa, harvemmin sonaatin tai muunnelman muodossa;
- kolmas osa, scherzo tai menuetti kolmiosaisessa muodossa;
- neljäs osa, nopealla tahdilla, sonaattimuodossa tai rondon, rondosonaatin muodossa.
Jos ensimmäinen osa on kirjoitettu maltillisesti, sitä voi päinvastoin seurata nopea toinen ja hidas kolmas osa (esim. Beethovenin 9. sinfonia).

Ottaen huomioon, että sinfonia on suunniteltu orkesterin suurille voimille, jokainen osa siinä on kirjoitettu laajemmin ja yksityiskohtaisemmin kuin esimerkiksi tavallisessa. pianosonaatti, koska sinfoniaorkesterin ilmaisuvälineiden runsaus mahdollistaa musiikillisen ajattelun yksityiskohtaisen esityksen.

Sinfonian historia

Termiä sinfonia käytettiin vuonna Muinainen Kreikka, keskiajalla ja lähinnä kuvaamaan erilaisia ​​soittimia, erityisesti sellaisia, jotka pystyvät tuottamaan useamman kuin yhden äänen kerrallaan. Joten Saksassa sinfonia oli 1700-luvun puoliväliin asti yleinen termi cembalon lajikkeille - spinetit ja neitsyt, Ranskassa he kutsuivat piipun urkuja, cembaloa, kaksipäisiä rumpuja jne.

Sana sinfonia, joka tarkoittaa "yhdessä soivaa" musiikkikappaletta, alkoi esiintyä joidenkin 1500- ja 1600-luvun teosten nimissä, kuten Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 ja Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) ja Heinrich Schutz (Symphoniae sacrae, 1629).

Sinfonia, joka kehittyi Domenico Scarlattin johdolla vuonna myöhään XVII vuosisadalla. Tätä muotoa kutsuttiin jo tuolloin sinfoniaksi ja se koostui kolmesta vastakkaisesta osasta: allegrosta, andantesta ja allegrosta, jotka sulautuivat yhdeksi kokonaisuudeksi. Juuri tätä muotoa pidetään usein orkesterisinfonian suorana edeltäjänä. Termejä "alkusoitto" ja "sinfonia" käytettiin vaihtokelpoisina suurimman osan 1700-luvulta.

Muita sinfonian tärkeitä esivanhuksia olivat orkesterisarja, joka koostui useista osista yksinkertaisimmissa muodoissa ja pääosin samassa sävelsävyssä, sekä ripieno-konsertto, muoto, joka muistutti konserttoa jousisille ja continuolle, mutta ilman soolosoittimia. Tässä muodossa syntyi Giuseppe Torellin teoksia ja ehkä tunnetuin ripieno-konsertti on Johann Sebastian Bachin "Brandenburg Concerto nro 3".

Sinfonian klassisen mallin perustajaa pidetään. Klassisessa sinfoniassa vain ensimmäisellä ja viimeisellä osalla on sama sävelsävel, kun taas keskimmäiset kirjoitetaan pääsävelsävelten kanssa, mikä määrää koko sinfonian sävelen. Klassisen sinfonian merkittäviä edustajia ovat Wolfgang Amadeus Mozart ja Ludwig van Beethoven. Beethoven laajensi sinfoniaa dramaattisesti. Hänen sinfoniansa nro 3 ("Heroic") on mittakaava ja tunnealue, joka ylittää yhä enemmän varhaisia ​​töitä, hänen sinfonia nro 5 on kiistatta kuuluisin koskaan kirjoitettu sinfonia. Hänen sinfoniansa nro 9 on yksi ensimmäisistä "kuorosinfonioista", jonka viimeisessä osassa on osia solisteille ja kuorolle.

Romanttisesta sinfoniasta tuli yhteys klassinen muoto romanttisella ilmeellä. Myös ohjelmallisuuden suuntaus on kehittymässä. Näytä. Romantismin tärkein erottuva piirre oli muodon kasvu, orkesterin kokoonpano ja äänitiheys. Tämän aikakauden huomattavimpia sinfonisäveltäjiä ovat Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, PI Tšaikovski, A. Bruckner ja Gustav Mahler.

1800-luvun jälkipuoliskolta ja erityisesti 1900-luvulta lähtien sinfonia on muuttunut edelleen. Neliosaisesta rakenteesta on tullut valinnainen: sinfoniat voivat sisältää yhdestä (7. sinfonia) yhteentoista (D. Šostakovitšin 14. sinfonia) osaa tai enemmän. Monet säveltäjät kokeilivat sinfonioiden kokoa, joten Gustav Mahler loi kahdeksannen sinfonian nimeltä Tuhannen osallistujan sinfonia (johtuen sen esittämiseen tarvittavan orkesterin ja kuorojen vahvuudesta). Sonaattimuodon käyttö tulee valinnaiseksi.
Beethovenin 9. sinfonian jälkeen säveltäjät alkoivat sisällyttää sinfonioihin useammin lauluosat... Musiikkimateriaalin mittakaava ja sisältö pysyvät kuitenkin vakiona.

Luettelo tunnetuista sinfonisäveltäjistä
Joseph Haydn- 108 sinfoniaa
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) sinfoniaa
Ludwig van Beethoven - 9 sinfoniaa
Franz Schubert - 9 sinfoniaa
Robert Schumann - 4 sinfoniaa
Felix Mendelssohn - 5 sinfoniaa
Hector Berlioz - useita ohjelmasinfonia
Antonín Dvořák - 9 sinfoniaa
Johannes Brahms - 4 sinfoniaa
Pjotr ​​Tšaikovski - 6 sinfoniaa (sekä "Manfred"-sinfonia)
Anton Bruckner - 10 sinfoniaa
Gustav Mahler - 10 sinfoniaa
- 7 sinfoniaa
Sergei Rahmaninov - 3 sinfoniaa
Igor Stravinsky - 5 sinfoniaa
Sergei Prokofjev - 7 sinfoniaa
Dmitri Šostakovitš - 15 sinfoniaa (myös useita kamarisinfonia)
Alfred Schnittke - 9 sinfoniaa

Lukuisten musiikin lajien ja muotojen joukossa yksi kunniallisimmista paikoista kuuluu sinfonialle. Viihdelajiksi 1800-luvun alusta nykypäivään noussut se heijastelee herkimmin ja täydellisimmin aikaansa, kuten mikään muu musiikkitaiteen muoto. Beethovenin ja Berliozin, Schubertin ja Brahmsin, Mahlerin ja Tšaikovskin, Prokofjevin ja Šostakovitšin sinfoniat ovat laajamittaisia ​​pohdintoja aikakaudesta ja persoonasta, ihmiskunnan historiasta ja maailman tavoista.

Sinfoninen sykli, sellaisena kuin sen tunnemme monista klassisista ja moderneista näytteistä, muotoutui noin kaksisataaviisikymmentä vuotta sitten. Tämän historiallisen lyhyen ajanjakson aikana sinfonian genre on kuitenkin kehittynyt jättimäiseksi. Tämän polun pituuden ja merkityksen määräsi juuri se, että sinfonia imeytyi kaikki aikansa ongelmat, pystyi heijastamaan aikakauden monimutkaisia, ristiriitaisia, täynnä kolossaalisia mullistuksia, ilmentämään tunteita, kärsimystä ja kamppailua. ihmisistä. Riittää, kun kuvittelee yhteiskunnan elämää 1700-luvun puolivälissä ja muistelee Haydnin sinfoniaa; suuria mullistuksia myöhään XVIII- 1800-luvun alku - ja niitä heijastavat Beethovenin sinfoniat; reaktio yhteiskunnassa, pettymys - ja romanttiset sinfoniat; lopuksi kaikki kauhut, joita ihmiskunnan täytyi kestää 1900-luvulla - ja vertailla Beethovenin sinfoniaa Šostakovitšin sinfonioihin nähdäkseen selvästi tämän valtavan, joskus traagisen polun. Nykyään harvat muistavat, mikä oli alku, mikä on tämän monimutkaisimman puhtaasti musiikillisen genren alkuperä, joka ei liity muihin taiteisiin.

Katsotaanpa lyhyesti 1700-luvun puolivälin musiikillista Eurooppaa.

Italiassa, klassisessa taiteen maassa, kaiken suunnannäyttäjänä eurooppalaiset maat, ooppera hallitsee. Niin kutsuttu opera-seria ("vakava") hallitsee. Siinä ei ole eläviä yksittäisiä kuvia, ei ole aitoa dramaattista toimintaa... Opera Seria on vuorottelu erilaisista mielen tilat, tavanomaisten merkkien muodossa. Sen tärkein osa on aaria, jossa nämä tilat välittyvät. On vihan ja koston aarioita, valituksen aaria (lamento), surullisia hitaita aarioita ja iloisia bravuuria. Nämä aariat olivat niin yleisiä, että ne voitiin siirtää oopperasta toiseen ilman, että esitys vahingoittuisi. Itse asiassa säveltäjät tekivät niin usein, varsinkin kun heidän piti kirjoittaa useita oopperoita kauden aikana.

Melodiasta tuli oopperasarjan elementti. Italian bel canton tunnettu taide sai korkeimman ilmeen täällä. Aariassa säveltäjät ovat saavuttaneet tämän tai tuon tilan ruumiillistuksen todelliset korkeudet. Rakkaus ja viha, ilo ja epätoivo, viha ja suru välitettiin musiikilla niin elävästi ja vakuuttavasti, että ei tarvinnut kuulla sanoituksia ymmärtääkseen, mistä laulaja lauloi. Tämä pohjimmiltaan tasoitti tietä tekstittömälle musiikille, joka on suunniteltu ilmentymään inhimillisiä tunteita ja intohimo.

Välikappaleista - oopperasarjan esitysten välissä esitetyistä ja siihen liittymättömistä kohtauksista - nousi sen iloinen sisar, koominen ooppera-fani. Demokraattinen sisällöltään (sen hahmot eivät olleet mytologiset sankarit, kuninkaat ja ritarit ja yksinkertaisia ​​ihmisiä ihmisiltä), hän vastusti tietoisesti itseään hovitaidetta vastaan. Oopperaharrastaja erottui luonnollisuudestaan, toiminnan eloisuudestaan ​​ja musiikillisen kielen spontaanisuudesta, joka liittyy usein suoraan kansanperinteeseen. Se sisälsi laulukieliä, koominen parodiakoloratuuria, eloisia ja kevyitä tanssimelodioita. Näytelmien finaalit etenivät kuin yhtyeitä, joissa hahmot lauloivat joskus kerralla. Joskus tällaisia ​​finaaleja kutsuttiin "palloksi" tai "sekoitukseksi", toiminta rullasi niihin niin nopeasti ja juonittelu osoittautui hämmentäväksi.

Italiassa kehittyi myös instrumentaalimusiikki ja ennen kaikkea oopperaan läheisimmin liittyvä genre - alkusoitto. Oopperaesityksen orkesterijohdoksi hän lainasi oopperasta kirkkaita, ilmeikkäitä musiikillisia teemoja, jotka muistuttavat aarioiden melodiat.

Tuon ajan italialainen alkusoitto koostui kolmesta osasta - nopea (Allegro), hidas (Adagio tai Andante) ja jälleen nopea, useimmiten menuetti. He kutsuivat sitä sinfoniaksi - käännettynä kreikasta - konsonanssiksi. Ajan myötä alkusoittoja alettiin esittää paitsi teatterissa ennen verhon avaamista, myös erikseen, itsenäisinä orkesteriteoksina.

1600-luvun lopulla ja 1700-luvun alussa Italiaan ilmestyi loistava galaksi viuluvirtuoosia, jotka olivat samanaikaisesti lahjakkaita säveltäjiä. Vivaldi, Iomelli, Locatelli, Tartini, Corelli ja muut, jotka hallitsivat täydellisesti viulun - soittimen, jota ilmeisyydessään voidaan verrata ihmisääneen - loivat laajan viuluohjelmiston, pääasiassa kappaleista, joita kutsutaan sonaatiksi (italialaista sonaarista - ääni). Niissä, kuten Domenico Scarlattin, Benedetto Marcellon ja muiden säveltäjien klaviersonaateissa, muodostui joitain yhteisiä rakenteellisia piirteitä, jotka sitten siirtyivät sinfoniaan.

Ranskan musiikkielämä muotoutui eri tavalla. He ovat pitkään rakastaneet musiikkia, joka liittyy sanoihin ja tekoihin. Baletin taito oli pitkälle kehittynyt; viljeltiin erikoislaatuista oopperaa - lyyristä tragediaa, joka muistuttaa Corneillen ja Racinen tragedioita ja jossa oli jälki kuninkaallisen hovin erityisestä elämästä, sen etiketistä ja juhlallisuuksista.

Ranskalaiset säveltäjät painottivat juonetta, ohjelmistoa, musiikin sanallista määritelmää ja luomista instrumentaalikappaleita... "Waving Cap", "Reapers", "Tambourine" - tämä oli cembalokappaleiden nimi, jotka olivat joko genren luonnoksia tai musiikillisia muotokuvia- "Sirmoinen", "Lempeä", "Ahkera", "Kokettimainen".

Suuremmat, useista osista koostuvat kappaleet syntyivät tanssista. Tiukka saksalainen allemand, joka liikkuu kuin liukuva ranskalainen kello, komea espanjalainen sarabanda ja nopea gigue - englantilaisten merimiesten tulitanssi - ovat olleet Euroopassa jo pitkään tunnettuja. Ne muodostivat instrumentaalisarjan genren perustan (ranskalaisesta sarjasta - sekvenssi). Sarjaan sisältyi usein muitakin tansseja: menuetti, gavotti, poloneesi. Alemandin edessä saattoi kuulua johdantoalku, sarjan keskellä mitattu tanssi liike sen keskeytti joskus vapaa aaria. Mutta sarjan selkäranka on neljä eri hahmojen tanssia eri kansakunnat- oli varmasti läsnä samassa järjestyksessä, hahmottaen neljä erilaisia ​​tunnelmia, joka johtaa kuuntelijan alun rauhallisesta liikkeestä jännittävään kiirehtivään lopputulokseen.

Sarjat ovat kirjoittaneet monet säveltäjät, eivät vain Ranskassa. Myös suuri Johann Sebastian Bach antoi heille merkittävän kunnianosoituksen, jonka nimellä, samoin kuin saksalaisen kanssa musiikillista kulttuuria tuohon aikaan yleensä monet musiikin genret liittyvät toisiinsa.

Maissa Saksan kieli, eli lukuisia Saksan kuningaskuntia, ruhtinaskuntia ja piispakuntia (Preussi, Baijerin, Saksi jne.), sekä eri alueita monikansallinen Itävallan valtakunta, johon tuolloin kuului "muusikoiden kansa" - Habsburgien orjuuttama Tšekki - instrumentaalimusiikkia on viljelty pitkään. Missä tahansa pikkukaupungissa, kylässä tai jopa kylässä oli viulisteja ja sellistejä, iltaisin soi amatöörien innokkaasti soittamia soolo- ja yhtyekappaleita. Musiikin tekemisen keskukset olivat yleensä kirkot ja niihin liittyvät koulut. Opettaja oli pääsääntöisesti kirkon urkuri, joka esiintyi juhlapyhinä musiikillisia fantasioita parhaan kykynsä mukaan. Suurissa saksalaisissa protestanttisissa keskuksissa, kuten esimerkiksi Hampurissa tai Leipzigissä, syntyi uusia musiikinteon muotoja: urkukonsertteja katedraaleissa. Näissä konserteissa esitettiin preludioita, fantasioita, muunnelmia, kuorosovituksia ja mikä tärkeintä, fuugat.

Fuuga on eniten monimutkainen näkymä polyfonista musiikkia, joka saavutti huippunsa I.S. Bach ja Händel. Sen nimi tulee latinan sanasta fuga - juokseminen. Se on yhteen teemaan perustuva polyfoninen kappale, joka siirtyy (suunnittelee!) äänestä ääneen. Samanaikaisesti kutakin kutsutaan ääneksi melodia linja... Tällaisten rivien lukumäärästä riippuen fuuga voi olla kolmi-, neli-, viisiosainen jne. Fuugan keskiosassa, kun teema on soinut kokonaan kaikilla äänillä, sitä aletaan kehittää: sitten sen alku ilmestyy ja katoaa uudelleen, sitten se laajenee (jokainen sen muodostavista sävelistä tulee kaksinkertaiseksi), sitten kutistuu - tätä kutsutaan teemaksi kasvussa ja teemaksi laskussa. Saattaa käydä niin, että teeman sisällä laskevat melodiset liikkeet muuttuvat nouseviksi ja päinvastoin (teema liikkeessä). Melodinen liike siirtyy sävelestä toiseen. Ja fuugan viimeisessä osassa - Reprise - teema soi jälleen ilman muutoksia, kuten alussa, palaten näytelmän pääavaimeen.

Muistutetaan vielä kerran: puhumme 1700-luvun puolivälistä. Aristokraattisen Ranskan sisimmässä on muodostumassa räjähdys, joka lakaisee pian pois absoluuttisen monarkian. Uusi aika tulee. Ja vaikka vallankumouksellisia tunteita valmistellaan vasta piilevästi, ranskalaiset ajattelijat vastustavat olemassa olevaa järjestystä. He vaativat kaikkien ihmisten tasa-arvoa lain edessä, julistavat vapauden ja veljeyden ajatuksia.

Taide, joka heijastelee julkisen elämän muutoksia, on herkkä Euroopan poliittisen ilmapiirin muutoksille. Esimerkki tästä on kuolemattomat komediat Beaumarchais. Tämä koskee myös musiikkia. Nyt monimutkaisena ajanjaksona, joka on täynnä historiallisesti merkittäviä tapahtumia, vanhojen, vakiintuneiden musiikin genrejen ja muotojen syvyyksissä on syntymässä uusi, todella vallankumouksellinen genre - sinfonia. Siitä tulee laadullisesti, pohjimmiltaan erilainen, sillä se ilmentää myös uudenlaista ajattelua.

Oletettavasti ei ole sattumaa, että sinfonian tyylilaji muodostui lopulta saksan kielen maissa, koska sillä oli edellytyksiä eri puolilla Eurooppaa. Italiassa kansallista taidetta siellä oli ooppera. Englannissa sen henki ja merkitys, mitä siellä tapahtui historiallisia prosesseja heijastuivat parhaiten Georg Händelin oratoriot - syntyperäinen saksalainen, josta tuli kansallinen englantilainen säveltäjä. Ranskassa muut taiteet nousivat etualalle, erityisesti kirjallisuus ja teatteri, - konkreettisemmin, suoraan ja ymmärrettävästi ilmaiseen uusia, maailmaa kiihottavia ideoita. Voltairen teokset, Rousseaun "Uusi Eloise", Montesquieun "Persialaiset kirjeet" verhotussa mutta melko ymmärrettävässä muodossa esittivät lukijoille kaustista kritiikkiä olemassa olevaa järjestystä kohtaan, tarjosivat omia versioitaan yhteiskunnan rakenteesta.

Kun muutaman vuosikymmenen kuluttua se tuli musiikkiin, vallankumouksellisten joukkojen joukkoon ilmestyi laulu. Silmiinpistävin esimerkki tästä on upseeri Rouge de Lislen yhdessä yössä syntynyt Laulu Reininmaan armeijasta, josta tuli maailmankuulu Marseillaise-nimellä. Laulua seurasi joukkojuhlien ja suruseremonioiden musiikki. Ja lopuksi niin sanottu "pelastusooppera", jonka sisältönä oli sankarin tai sankarittaren tavoittaminen tyrannilla ja heidän pelastuksensa oopperan finaalissa.

Sinfonia sen sijaan vaati täysin erilaiset olosuhteet sekä muodostumiselle että täysimittaiselle havainnolle. Filosofisen ajattelun "painopiste", joka heijasti täydellisimmin tuon aikakauden yhteiskunnallisten muutosten syvää olemusta, löysi itsensä Saksasta, kaukana yhteiskunnallisista myrskyistä.

Siellä ensin Kant ja myöhemmin Hegel loivat uudet filosofiset järjestelmänsä. Filosofisten järjestelmien tavoin sinfonia - musiikillisen luovuuden filosofisin, dialektis-proseduurillisin genre - syntyi lopulta sinne, missä vain lähestyvien ukkosmyrskyjen kaukaiset kaiut ulottuivat. Siellä on lisäksi kehittynyt vakaa instrumentaalimusiikin perinne.

Yksi tärkeimmistä uuden genren syntykeskuksista oli Mannheim - Baijerin vaaliruhtinas Pfalzin pääkaupunki. Täällä, vaaliruhtinas Karl Theodorin loistavassa hovissa pidettiin 1700-luvun 40-50-luvulla erinomainen orkesteri, ehkä Euroopan paras tuolloin.

Tuolloin sinfoniaorkesteri oli vielä lapsenkengissään. Ja hovin kappeleissa ja katedraaleissa ei ollut orkesteriryhmiä, joilla oli vakaa kokoonpano. Kaikki riippui hallitsijan tai tuomarin käytettävissä olevista keinoista, niiden mausta, jotka pystyivät antamaan käskyjä. Aluksi orkesteri toimi vain sovelletussa roolissa joko hoviesitysten tai juhlien ja juhlallisten seremonioiden mukana. Ja sitä pidettiin ennen kaikkea oopperana tai kirkkoyhtyeenä. Aluksi orkesteri koostui viuluista, luutuista, harpuista, huiluista, oboeista, käyrätorvista ja rummuista. Vähitellen kokoonpano laajeni, kielisoittimien määrä lisääntyi. Ajan myötä viulut syrjäyttivät vanhan alttoviulun ja ottivat pian johtavan aseman orkesterissa. Puupuhallinsoittimet - huilut, oboet, fagottit - yhdistyivät erillinen ryhmä, siellä oli myös kuparipiippuja, pasuunaa. Pakollinen instrumentti orkesterissa oli cembalo, joka luo harmonisen pohjan soundille. Hänen takanaan oli yleensä orkesterin johtaja, joka soittaessaan samalla antoi ohjeita esittelyyn.

1600-luvun lopulla aatelisten hovissa olleet instrumentaaliyhtyeet yleistyivät. Jokainen pirstoutuneen Saksan monista pienistä ruhtinaista halusi oman kappelinsa. Orkesterien nopea kehitys alkoi, uusia orkesterisoittomenetelmiä ilmestyi.

Mannheimin orkesteri koostui 30 kielisoittimesta, 2 huilusta, 2 oboesta, klarinetista, 2 fagottista, 2 trumpettista, 4 käyrätorvista ja timpaneista. Tämä on nykyaikaisen orkesterin selkäranka, jonka sävellykseen monet seuraavan aikakauden säveltäjät loivat teoksensa. Orkesteria johti erinomainen muusikko, säveltäjä ja viuluvirtuoosi tšekki Jan Vaclav Stamitz. Orkesterin taiteilijoiden joukossa oli myös aikansa suurimpia muusikoita, ei vain virtuoosi-instrumentalisteja, vaan myös lahjakkaita säveltäjiä Franz Xaver Richter, Anton Filz ja muita. He määrittelivät orkesterin esitystaitojen erinomaisen tason, joka tuli tunnetuksi hämmästyttävistä ominaisuuksistaan ​​- viulun lyöntien saavuttamattomasta tasaisuudesta, hienoimmista sävyistä dynaamisia sävyjä, ei aiemmin käytetty ollenkaan.

Nykyajan kriitikko Bosslerin mukaan "pianon, forten, rinforzandon tarkka huomioiminen, äänen asteittainen kasvu ja vahvistuminen ja sitten taas sen voimakkuuden lasku tuskin kuuluvaksi ääneksi - kaikki tämä kuului vain Mannheimissa ." Englantilainen musiikin ystävä Bernie, joka teki matkan Eurooppaan 1700-luvun puolivälissä, toistaa häntä: "Tässä poikkeuksellisessa orkesterissa on tarpeeksi tilaa ja puolta näyttääkseen kaikki kykynsä ja tehdäkseen suuren vaikutuksen. Täällä Yomellin teosten inspiroima Stamitz ylitti ensimmäistä kertaa tavanomaiset oopperaalkulaulut ... kaikkia tehosteita, joita tällainen äänimassa voi tuottaa, kokeiltiin. Täällä syntyivät crescendo ja diminuendo, ja piano, jota aiemmin käytettiin pääasiassa kaikuna ja joka oli yleensä sen synonyymi, ja forte tunnistettiin musiikillisiksi väreiksi, joilla on omat sävynsä ... "

Juuri tässä orkesterissa soittivat ensimmäistä kertaa neliosaiset sinfoniat - sävellyksiä, jotka rakennettiin saman tyypin mukaan ja joilla oli yleisiä lakeja, jotka omaksuivat monia aiemmin olemassa olevien musiikin genrejen ja muotojen piirteitä ja sulattivat ne laadullisesti erilaiseksi; uutta yhtenäisyyttä.

Ensimmäiset soinnut ovat ratkaisevia, täyteläisiä, ikäänkuin huomiota herättäviä. Sitten leveät, laajat käytävät. Jälleen sointuja, korvattu arpeggioidulla liikkeellä, ja sitten - eloisa, joustava, ikään kuin avautuva kevätmelodia. Näyttää siltä, ​​​​että se voi avautua loputtomasti, mutta se lähtee nopeammin kuin huhu sitä haluaa: kuin vieras esitelty talon omistajille iso vastaanotto, siirtyy pois heistä antaen tietä muille, jotka seuraavat. Hetken yleisliikkeen jälkeen ilmaantuu uusi teema - pehmeämpi, naisellisempi, lyyrisempi. Mutta se ei kuulosta pitkältä, liukenee kohtiin. Jonkin ajan kuluttua meillä on jälleen ensimmäinen teema, hieman muutettuna, uudessa sävyssä. Musiikkivirta virtaa nopeasti palaten sinfonian alkuperäiseen perussäveleen; toinen teema virtaa orgaanisesti tähän virtaan, lähentyen nyt luonteeltaan ja tunnelmaltaan ensimmäistä. Sinfonian ensimmäinen osa päättyy täyteläisiin iloisiin sointuihin.

Toinen osa, andante, etenee hitaasti, melodisesti ja paljastaa kielisoittimien ilmeisyyden. Tämä on eräänlainen aaria orkesterille, jota hallitsevat sanoitukset, eleginen meditaatio.

Kolmas osa on tyylikäs uljas menuetti. Se luo rentoutumisen, rentoutumisen tunteen. Ja sitten kuin tulinen pyörretuuli, syttyy finaali. Tällainen on yleinen hahmotelma, ajan sinfonia. Sen alkuperä voidaan jäljittää hyvin selvästi. Ensimmäinen osa muistuttaa ennen kaikkea oopperan alkusoittoa. Mutta jos alkusoitto on vain esityksen aatto, niin tässä itse toiminta avautuu äänissä. Tyypillisesti oopperalliset alkusoiton musiikkikuvat - sankarilliset fanfaarit, koskettavat lamentot, myrskyiset puhki - eivät liity tiettyihin näyttämötilanteisiin eivätkä ne sisällä tyypillisiä yksilöllisiä piirteitä (muistakaa, että edes kuuluisalla Rossinin Sevillan parturi -alkulaululla ei ole mitään tekemistä sisällön kanssa oopperan ja yleensäkin se oli alun perin kirjoitettu toista oopperaa varten!), irtautui oopperaesityksestä ja aloitti itsenäisen elämän. Ne ovat helposti tunnistettavissa varhaisessa sinfoniassa - sankariaalisten aarioiden ratkaisevat rohkeat intonaatiot ensimmäisissä, pääteemoissa, lyyristen aarioiden lempeät huokaukset toisissa - niin sanotuissa toissijaisissa - teemoissa.

Oopperan periaatteet heijastuvat myös sinfonian tekstuuriin. Jos instrumentaalimusiikissa vallitsi aikaisempi polyfonia, eli polyfonia, jossa useita itsenäisiä, toisiinsa kietoutuvia melodioita soi samanaikaisesti, niin täällä alkoi kehittyä erityyppistä polyfoniaa: yksi päämelodia (useimmiten viulu), ilmeikäs, merkitsevä, mukana säestys, joka saa sen käyntiin, korostaa hänen yksilöllisyyttään. Tämän tyyppinen polyfonia, jota kutsutaan homofoniseksi, hallitsee varhaista sinfoniaa. Myöhemmin fuugasta lainattuja laitteita esiintyy sinfoniassa. Kuitenkin 1700-luvun puolivälissä se voitiin pikemminkin vastustaa fuugaa. Teemoja oli pääsääntöisesti yksi (fuugaa on kaksinkertainen, kolminkertainen ja enemmän, mutta niissä teemat eivät ole vastakkaisia, vaan vastakkaisia). Se toistettiin monta kertaa, mutta mikään ei ollut ristiriidassa sen kanssa. Se oli pohjimmiltaan aksiooma, teesi, jota toistuvasti väitettiin ilman todisteita. Sinfoniassa päinvastoin: erilaisten ulkonäössä ja jatkomuutoksissa musiikillisia teemoja ja kuvat ovat kuultuja riitoja, ristiriitoja. Ehkä juuri tässä ajan merkki näkyy kirkkaimmin. Totuus ei ole enää itsestäänselvyys. Sitä on etsittävä, todistettava, perusteltava vertaamalla erilaisia ​​mielipiteitä kysyä eri näkökulmia. Tätä tietosanakirjailijat tekevät Ranskassa. Tämä on saksalaisen filosofian, erityisesti Hegelin dialektisen menetelmän, perusta. Ja etsinnän aikakauden henki heijastuu musiikissa.

Joten sinfonia otti paljon oopperan alkusoitosta. Erityisesti alkusoitto hahmotteli myös periaatetta vuorotella kontrastisia osia, jotka sinfoniassa muuttuivat itsenäisiksi osiksi. Sen ensimmäisessä osassa - ihmisen eri puolet, erilaiset tunteet, elämä sen liikkeessä, kehitys, muutokset, kontrastit ja konfliktit. Toisessa osassa - pohdintaa, keskittymistä, joskus - sanoituksia. Kolmannessa - rentoutuminen, viihde. Ja lopuksi finaali - kuvia hauskasta, riemuitsemisesta ja samalla - tuloksesta musiikillinen kehitys, sinfonisen syklin loppuun saattaminen.

Sellainen sinfonia muodostuu 1800-luvun alkuun mennessä, sellainen, yleisimmin sanottuna, on esimerkiksi Brahms tai Bruckner. Ja syntyessään hän ilmeisesti lainasi monet osat sviitistä.

Allemand, Couranta, Sarabande ja Gigue - neljä pakollista tanssia, neljä erilaista tunnelmaa, jotka ovat helposti jäljitettävissä varhaisissa sinfonioissa. Niissä tanssiminen ilmaistaan ​​hyvin selvästi, varsinkin finaalissa, joka melodian luonteeltaan, tempolta, jopa tahdin mittasuhteeltaan muistuttaa usein gigua. Totta, joskus sinfonian finaali on lähempänä oopperapuffan säkenöivää finaalia, mutta silloinkin sen suhde tanssiin, esimerkiksi tarantella, on epäilemättä. Mitä tulee kolmanteen osaan, sitä kutsutaan menuetiksi. Vain Beethovenin teoksissa scherzo korvaa tanssin - urhoollisen hoviherran tai töykeän tavallisen kansan -.

Siten vastasyntyneen sinfoniaan on imeytynyt monien musiikkigenrejen piirteet, lisäksi eri maissa syntyneet genret. Ja sinfonian muodostuminen ei tapahtunut vain Mannheimissa. Siellä oli Wienin koulu, jota edusti erityisesti Wagenzeil. Italiassa Giovanni Battista Sammartini kirjoitti orkesteriteoksia, joita hän kutsui sinfonioiksi ja jotka oli tarkoitettu konserttiesitys ei liity oopperaesitys... Ranskassa nuori, belgialaista alkuperää oleva säveltäjä François-Joseph Gossek kääntyi uuden genren puoleen. Hänen sinfoniansa eivät saaneet vastakaikua ja tunnustusta siitä lähtien ranskalainen musiikki Ohjelmointi vallitsi, mutta hänen työnsä vaikuttivat ranskalaisen sinfonian muodostumiseen, sinfoniaorkesterin uudistamiseen ja laajentamiseen. Tšekkiläinen säveltäjä František Micha, joka palveli aikoinaan Wienissä, kokeili laajasti ja menestyksekkäästi sinfonisen muodon etsinnässä. Hänen kuuluisalla maanmiehensä Josef Myslevichkalla oli mielenkiintoisia kokeita. Kaikki nämä säveltäjät olivat kuitenkin yksinäisiä, ja Mannheimiin syntyi kokonainen koulu, jolla oli myös käytössään ensiluokkainen "soitin" - kuuluisa orkesteri. Sen onnellisen tilaisuuden ansiosta, että Pfalzin vaaliruhtinas oli suuri musiikin ystävä ja hänellä oli tarpeeksi varoja maksaakseen siitä valtavat menot, Pfalzin pääkaupunkiin kokoontui upeita muusikoita eri maista - itävaltalaisia ​​ja tšekkejä, italialaisia ​​ja preussialaisia ​​- kukin. heistä osallistui oman panoksensa uuden genren luomiseen. Jan Stamitzin, Franz Richterin, Carlo Toeskin, Anton Filzin ja muiden mestareiden teoksissa sinfonia esiintyi niissä perusominaisuuksissa, jotka sitten siirtyivät wieniläisten klassikoiden - Haydnin, Mozartin, Beethovenin - teoksiin.

Uuden genren olemassaolon ensimmäisen puolen vuosisadan aikana on siis kehittynyt selkeä rakenteellinen ja dramaattinen malli, johon mahtuu monipuolinen ja erittäin merkittävä sisältö. Tämän mallin perustana oli muoto, joka sai sonaatin nimen eli sonaatti allegron, koska se kirjoitettiin useimmiten tällä tempolla ja myöhemmin tyypillisesti sekä sinfonia- että instrumentaalisonaatille ja konserttiin. Sen erikoisuus on erilaisten, usein vastakkaisten musiikkiteemien rinnastus. Sonaattimuodon kolme pääosaa - esitys, kehitys ja yhteenveto - muistuttavat klassisen draaman aloitusta, toiminnan kehitystä ja loppua. Lyhyen esittelyn jälkeen tai heti esittelyn alussa näytelmän "hahmot" kulkevat yleisön edessä.

Ensimmäistä musiikillista teemaa, joka soi teoksen päänäppäimessä, kutsutaan pääteemaksi. Useammin - pääteema, mutta oikein - pääpuolue, koska pääpuolueen sisällä, eli tietyssä segmentissä musiikillinen muoto, jota yhdistää yksi tonaliteetti ja mielikuvituksellinen yhteisyys, ajan myötä alkoi ilmaantua ei yksi, vaan useita erilaisia ​​teemoja-melodioita. Pääerän jälkeen, varhaisissa näytteissä suoralla vertailulla ja myöhemmissä - pienen linkityserän kautta, alkaa sivuerä. Hänen teemansa tai kaksi tai kolme eri aiheista vastakohtana pääasialliseen. Useimmiten sivuosa on lyyrisempi, pehmeämpi, naisellinen. Se kuulostaa eri avaimella kuin pää-, toissijainen (siis osan nimi) näppäin. Syntyy epävakauden ja joskus konfliktin tunne. Näyttely päättyy loppuosaan, joka varhaisissa sinfonioissa joko puuttuu tai toimii puhtaasti palveluroolina eräänlaisena pisteenä, esirippuna näytelmän ensimmäisen näytöksen jälkeen, ja myöhemmin, Mozartista alkaen, saa merkityksen riippumaton kolmas kuva sekä pää- ja toissijainen kuva.

Sonaattimuodon keskiosa on kehitys. Kuten nimikin kertoo, siinä kehitetään, käyvät läpi ja kehittyvät ne musiikilliset teemat, joihin kuulijat näyttelyssä tutustuivat (eli ne, jotka oli esillä aiemmin). Samalla niitä esitetään uusilta, joskus odottamattomilta puolilta, niitä muokataan, niistä eristetään erilliset motiivit - aktiivisimmat, jotka myöhemmin törmäävät. Kehitys on dramaattisesti tehokas osa. Sen lopussa tulee huipentuma, joka johtaa repriisiin - muodon kolmanteen osaan, eräänlaiseen draaman lopputulokseen.

Tämän osion nimi tulee ranskan sanasta reprendre - jatkaa. Se on uudistus, esityksen toisto, mutta muutettu: molemmat osat soivat nyt sinfonian pääsävelsävelessä, ikään kuin kehitystapahtumat olisivat sopineet keskenään. Joskus toistossa tapahtuu muita muutoksia. Se voi olla esimerkiksi katkaistu (ilman näyttelyssä kuultuja teemoja), peilattu (ensin soi sivuosa ja vasta sitten pääosa). Sinfonian ensimmäinen osa päättyy yleensä codaan - johtopäätökseen, joka vahvistaa sonaatti allegron perustonalisuuden ja peruskuvan. Varhaisissa sinfonioissa coda ei ole suuri ja on pohjimmiltaan hieman kehittynyt loppuosa. Myöhemmin esimerkiksi Beethovenin teoksessa se saa merkittäviä mittasuhteita ja siitä tulee eräänlainen toinen kehitys, jossa jälleen kerran taistelussa saavutetaan väite.

Tämä muoto osoittautui todella universaaliksi. Sinfonian alusta nykypäivään asti se ilmentää onnistuneesti syvimmän sisällön, välittää ehtymättömän joukon kuvia, ideoita, ongelmia.

Sinfonian toinen osa on hidas. Tämä on yleensä syklin lyyrinen keskus. Sen muoto on erilainen. Useimmiten se on kolmiosainen, eli siinä on samanlaiset ääriosat ja niille vastakkainen keskikohta, mutta se voidaan kirjoittaa muunnelmien tai minkä tahansa muun muodossa, aina sonaattiin asti, joka eroaa rakenteellisesti vain ensimmäisestä allegrosta. hitaammin ja vähemmän tehokkaalla kehityksellä.

Kolmas osa - menuetin varhaisissa sinfonioissa ja Beethovenista nykypäivään - scherzo on yleensä monimutkainen kolmiosainen muoto. Tämän osan sisältöä on muokattu ja monimutkaistu vuosikymmenten aikana arki- tai hovitanssista monumentaalisiin voimakkaisiin scherzoihin. 1800-luvulla ja edelleen, mahtavat kuvat pahuudesta, väkivallasta Šostakovitšin, Honeggerin ja muiden 1900-luvun sinfonistien sinfonisissa jaksoissa. Toisesta alkaen puolet XIX luvulla scherzo vaihtaa yhä enemmän paikkoja hitaan osan kanssa, josta tulee sinfonian uuden käsitteen mukaisesti eräänlainen tunnereaktio ei vain ensimmäisen osan tapahtumiin, vaan myös scherzon kuviomaailmaan. (erityisesti Mahlerin sinfonioissa).

Varhaisten sinfonioiden syklin lopputulos on usein kirjoitettu rondosonaatiksi. Iloisten, hauskojen ja kimaltelevien jaksojen vuorottelu muuttumattoman tanssirefräänin kanssa - tämä rakenne seurasi luonnollisesti finaalin kuvien luonteesta, sen semantiikasta. Ajan myötä sinfonian ongelmien syventyessä sen finaalin rakenteen mallit alkoivat muuttua. Finaalit alkoivat ilmestyä sonaattimuodossa, muunnelmien muodossa, vapaassa muodossa ja lopuksi - oratorion piirteillä (kuoron kanssa). Myös hänen kuvansa ovat muuttuneet: ei vain elämänvahvistus, vaan joskus traaginen lopputulos (Tšaikovskin kuudes sinfonia), sovinto julman todellisuuden kanssa tai vetäytyminen siitä unelmien maailmaan, illuusioista on tullut sinfonisen syklin finaalin sisältö. viimeiset sata vuotta.

Mutta takaisin tämän genren loistavan polun alkuun. 1700-luvun puolivälissä syntynyt se saavutti klassisen täydellisyytensä suuren Haydnin teoksessa.

kreikan kielestä. symponia - konsonanssi

Musiikkiteos orkesterille, pääosin sinfoninen, yleensä sonaattisyklisessä muodossa. Yleensä koostuu 4 osasta; on S. enemmän ja vähemmän osia, jopa yksiosainen. Joskus S.:ssä esitellään orkesterin lisäksi kuoro ja soolowokki. ääniä (siis tie S.-kantaattiin). On partituureja jousi-, kamari-, puhallin- ja muille orkesterisävellyksille, orkesterille soolosoittimella (S.-konsertti), uruille, kuorolle (kuoro S.) n vok. kokonaisuus (asema C). Konserttisinfonia - S. konsertti(soolo)soittimilla (2-9), rakenteellisesti konserttiin liittyvä. S. lähestyy usein muita genrejä: S.-sarja, S.-rapsodia, S.-fantasia, S.-balladi, S.-legenda, S.-runo, S.-kantaatti, S.-requiem, S.- baletti, S.-draama (eräänlainen kantaatti), teatteri. S. (suvun honer). Luonteeltaan S. voidaan verrata myös tragediaan, draamaan, lyriikkaan. runo, sankarillinen. eeppinen, päästä lähemmäksi genremuusien kiertokulkua. näytelmiä, kuvaa sarjaa. muusat. kuvia. Tyypillinen hän yhdistää osien kontrastin suunnittelun yhtenäisyyteen, moninaisten kuvien moninaisuuden ja muusojen eheyden. draama. S.:llä on sama paikka musiikissa kuin draamalla tai romaanilla kirjallisuudessa. Korkeimpana työkaluna. musiikkia se ylittää kaikki muut tyyppensä laajimmissa mahdollisuuksissa ilmentää keinoja. ideoita ja runsaasti tunnetiloja.

Alunperin kirjassa Dr. Kreikka, sana "S." tarkoitti harmonista sävelyhdistelmää (neljäs, kvintti, oktaavi) sekä yhteislaulua (yhtye, kuoro) yksimielisesti. Myöhemmin, Dr. Rooma, siitä tuli nimi instr. yhtye, orkesteri. Keskiviikkona. vuosisadan S. ymmärrettiin maalliseksi instr. musiikki (tässä mielessä termiä käytettiin Ranskassa jo 1700-luvulla), joskus musiikkia yleensä; lisäksi joitain muusoja kutsuttiin niin. työkalut (esim. pyörillä varustettu lyyra). 1500-luvulla. tätä sanaa käytetään otsikossa. kokoelma motettit (1538), madrigalit (1585), laulu-ohjaaja. sävellyksiä ("Sacrae symphoniae" - "Pyhät sinfoniat" G. Gabrieli, 1597, 1615) ja sitten instr. moniääninen näytelmiä (1600-luvun alku). Se on määritetty polyheadille. (usein sointu) jaksot, kuten wok-intro tai välisoitto. ja instr. teokset, erityisesti sarjojen, kantaattien ja oopperoiden introihin (alkusoittoihin). Oopperan S.:n (alkusoitto) joukossa hahmoteltiin kaksi tyyppiä: venetsialainen - kahdesta osasta (hidas, juhlallinen ja nopea, fuuga), kehitetty myöhemmin ranskaksi. alkusoitto, ja napolilainen - kolmiosainen (nopea - hidas - nopea), jonka esitteli vuonna 1681 A. Scarlatti, joka kuitenkin käytti muita osien yhdistelmiä. Sonaatti syklinen. muoto tulee vähitellen hallitsevaksi S.:ssä ja saa siinä erityisen monipuolisen kehityksen.

Erillään n. 1730 oopperasta, jossa örkki. johdanto säilytettiin alkusoittona, sivusta tuli itsenäinen. eräänlainen örkki. musiikkia. 1700-luvulla. täyttää sen perustana. sävellykset olivat jousia. soittimia, oboja ja käyrätorvia. S:n kehitykseen vaikutti decomp. örkkityypit. ja kamarimusiikki - konsertti, sarja, triosonaatti, sonaatti jne. sekä ooppera kokoonpanoineen, kuoroineen ja aarioineen, joiden vaikutus melodiaan, harmoniaan, rakenteeseen ja kuvamaailmaan on varsin huomattava. Kuinka konkreettista. genre S. kypsyi irtautuessaan muista musiikin genreistä, erityisesti teatterista, itsenäistyessään sisällöltään, muodoltaan, teemojen kehitykseltä ja luomalla sen sävellysmenetelmän, joka myöhemmin sai nimen sinfonia ja vuorostaan , oli valtava vaikutus monien alueiden muusoihin. luovuus.

S.:n rakenne on kehittynyt. S. perustui napolilaistyyppiseen 3-osaiseen sykliin. Usein venetsialaisten ja ranskalaisten esimerkkiä noudattaen. Alkusoitto S. sisälsi hitaan johdannon ensimmäiseen osaan. Myöhemmin S.:iin tuli menuetti - ensin 3-osaisen syklin lopetuksena, sitten yhtenä osana (yleensä kolmantena) 4-osaisessa jaksossa, jonka lopussa pääsääntöisesti rondo tai rondo sonaattimuotoa käytettiin. L. Beethovenin ajoista lähtien menuetti on korvattu scherzolla (3., joskus 2. osa), G. Berliozin ajoista lähtien - ja valssilla. S.:lle tärkeintä sonaattimuotoa käytetään ensisijaisesti ensimmäisessä osassa, joskus myös hitaassa ja viimeisessä osassa. 1700-luvulla. S. viljeli monia. hallita. Heidän joukossaan ovat italialaiset J. B. Sammartini (85 S., n. 1730-70, heistä 7 on kadonnut), Mannheim-koulun säveltäjät, jossa tšekit olivat johtavassa asemassa (F.K. .), edustajia ns. . esiklassinen (tai varhainen) Wieniläinen koulu(M. Monn, G. K. Wagenzeil ja muut), belgialainen F.J. Gossek, joka työskenteli Pariisissa, ranskalaisten perustaja. S. (29 sivua, 1754-1809, mukaan lukien "Metsästys", 1766; lisäksi 3 sivua hengelle. Orkesteri). Klassikko tyypin C. loi Austr. comp. J. Haydn ja W. A. ​​Mozart. "Sinfonian isän" Haydnin (104 s., 1759-95) teoksessa C:n muodostus saatiin päätökseen. Viihdyttävän arkimusiikin genrestä se muuttui hallitsevaksi vakavaksi instrumentaaliksi. musiikkia. Perustettu ja perustettu. sen rakenteen ominaisuudet. S. on kehittynyt sisäisesti vastakkaisena, määrätietoisesti kehittyvän ja yhtenäisenä sarjana yhteinen idea osat. Mozart esitteli draamaa S. jännitys ja intohimoinen lyriikka, loisto ja armo, antoivat hänelle vielä suuremman tyylillisen yhtenäisyyden (n. 50 C, 1764 / 65-1788). Hänen viimeinen S.- Es-duuri, g-molli ja C-duuri ("Jupiter") - sinfonian korkein saavutus. oikeusjuttu 1700-luvulla Mozartin luova kokemus heijastui myöhemmissä teoksissa. Haydn. Wieniläisen klassisen koulun (9 s. 1800-24) suorittaneen L. Beethovenin rooli on erityisen suuri S.:n historiassa. Hänen 3. ("Heroic", 1804), 5. (1808) ja 9. (laulukvartetti ja kuoro finaalissa, 1824) S. ovat esimerkkejä sankarillisuudesta. massoille osoitettu sinfonia, joka ilmentää vallankumousta. patos kerrossänky taistella. Hänen 6. S. ("Pastoraali", 1808) on esimerkki ohjelmoidusta sinfoniasta (katso Ohjelmoitu musiikki), ja 7. S. (1812), R. Wagnerin sanoin, on "tanssin apoteoosi". Beethoven laajensi S:n ulottuvuutta, dynamisoi sen dramatiikkaa ja syvensi temaattisuuden dialektiikkaa. kehitys, rikastettu int. rakentaa ja ideologinen merkitys KANSSA.

Austrille. ja se. romanttisten säveltäjien 1. kerros. 1800-luvulla tyypillisiä lyriikan genrejä ("Unfinished" Schubertin sinfonia, 1822) ja eeppistä (viimeinen on Schubertin 8. sinfonia) S sekä maisema- ja arkimusiikkia värikkäällä natilla. väritys ("italialainen", 1833 ja "skotlantilainen", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdi). Myös psykologia on kasvanut. S.:n rikkaus (4 R. Schumannin sinfoniaa, 1841-51, joissa hitaat kohdat ja scherzo ovat ilmeisimpiä). Spontaaniuden taipumus, joka on jo noussut klassikoiden joukossa. siirtyminen osasta toiseen ja teeman luominen. osien välinen yhteys (esim. Beethovenin 5. sinfoniassa) vahvistui romantikkojen keskuudessa, ja ilmaantui C, jossa osat seuraavat peräkkäin ilman taukoja (Mendelssohn-Bartholdin "Skotlannin" sinfonia, Schumannin 4. sinfonia).

Ranskalaisten kukoistus. S. viittaa vuosiin 1830-40, jolloin on innovatiivisia teoksia. G. Berlioz, romantiikan luoja. ohjelmisto C perustuu lit. juoni (5-osainen "Fantastic" C, 1830), S.-konsertti ("Harold in Italy", alttoviululle ja orkesterille, J. Byron, 1834), S.-oratorio ("Romeo ja Julia", draama. S. 6 osassa, solistien ja kuoron kanssa, W. Shakespearen mukaan, 1839), "Hautajaiset ja voittosinfonia" (hautajaismarssi, "oratorinen" pasuunasoolo ja apoteoosi - henkiorkesterille tai sinfonia. Orkesteri, halutessaan - ja kuoro, 1840). Berliozille on ominaista suurenmoinen tuotannon mittakaava, orkesterin kolossaali sävellys, värikäs instrumentointi hienostunein vivahtein. Filosofista ja eettistä. ongelma heijastui F. Lisztin sinfonioissa ("Faustin sinfonia", mutta J. V. Goethe, 1854, loppukuoro, 1857; "S. k." Jumalallinen komedia Dante, 1856). Hän toimi Berliozin ja Lisztin ohjelmallisen suunnan vastakohtana. komi. I. Brahms, joka työskenteli Wienissä. Hänen 4 S. (1876-85), kehittää perinteitä Beethoven ja romanttinen. sinfonia, yhdistetty klassikko. harmoniaa ja monipuolisuutta tunnetiloja... Tyyliltään samanlainen. toiveita ja ovat samalla yksilöllisiä ranskalaisia. Saman ajanjakson S. - C. Saint-Saensin (1887) 3rd S. (uruilla) ja S. Frankin S. d-moll (1888). A. Dvořákin S. "Uudesta maailmasta" (viimeinen, kronologisesti 9., 1893) ei vain tšekkiläisiä, vaan myös neekeri- ja intialaisia ​​muusoja taitettu. elementtejä. Itävallan merkittäviä ideologisia käsityksiä. sinfonistit A. Bruckner ja G. Mahler. Monumentaalisia töitä Brucknerille (8 S., 1865-1894, 9. ei valmis, 1896) on ominaista moniäänisen runsaus. kankaat (ork. taiteen vaikutus sekä mahdollisesti R. Wagnerin musiikkidraamat), emotionaalisen kasvun kesto ja voima. Mahlerin sinfoniaa varten (9 C., 1838-1909, joista 4 laulua, mukaan lukien 8. - "tuhannen osallistujan sinfonia", 1907; 10. ei ole valmis, D. Cook yritti viimeistellä sen luonnosten perusteella vuonna 1960; S.-kantaatti "Song of the Earth", 2 soololaulajaa, 1908), jolle on ominaista konfliktien ankaruus, ylevä paatos ja tragedia, joka ilmaisee uutuutta. varoja. Ikään kuin vastapainoksi heidän suurille sävellyksilleen, joissa käytetään rikkaita esiintymiä. laitteisto, kamarisinfonia ja sinfonia ilmestyy.

1900-luvun merkittävimmät kirjailijat Ranskassa - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (kansalaisuuden mukaan sveitsiläinen, 5 S., 1930-50, mukaan lukien 3. - "Liturginen", 1946, 5. - S. "kolme uutta" , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", 10 osaa, 1948); Saksassa - R. Strauss ("Koti", 1903, "Alppi", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, mukaan lukien 1. - "Taiteilija Matis", 1934, 3- I - "Harmony of the World", 1951), KA Hartman (8 S., 1940-62) ja muut. S.:n kehittämiseen osallistui sveitsiläinen H. Huber (8 S., 1881-1920, sis. 7. - "Sveitsiläinen", 1917), norjalaiset K. Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, mukaan lukien rakenteeltaan antifasistinen 5-7-i, 1941-1945) , K. Egge (5 S., 1942-69), tanskalainen K. Nielsen (6 S., 1891-1925), suomalainen J. Sibelius (7 S., 1899-1924), romanialainen J. Enescu (3 S. , 1905-19), hollantilainen B. Peiper (3 S., 1917-27) ja H. Badings (10 S., 1930-1961), ruotsalainen H. Rosenberg (7 S., 1919-69, ja S. for henki ja lyömäsoittimet, 1968), italialainen JF Malipiero (11 S., 1933-69), englantilainen R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S. Requiem, 1940, "Kevät" "S. soololaulajille, sekakuorolle, poikakuorolle ja sinfoniaorkesterille, 1949), amerikkalaisille C. Ivesille (5 S., 1898-1913), W. Pistonille (8 S., 1937-1965) ja R. Harrisille (12 C, 1933-69), bras Ilets E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) ym. Laaja valikoima tyyppejä C. 1900-luku. luovuuden moninaisuuden vuoksi. ohjeet, nat. koulut, kansanperinneyhteydet. Moderni S. ovat myös erilaisia ​​rakenteeltaan, muodoltaan, luonteeltaan: taipuvaisia ​​kohti läheisyyttä ja päinvastoin monumentaalisuutta; ei ole jaettu osiin ja koostuu monikosta. osat; trad. varasto ja vapaa koostumus; tavalliselle sinfonialle. orkesteri ja epätavallisia sävellyksiä jne. Yksi 1900-luvun musiikin suuntauksista. liittyy vanhojen - esiklassisten ja varhaisten klassisten - muusien muuntamiseen. genrejä ja muotoja. Hänelle annettiin kunnianosoitus SS Prokofjeville hänen "Klassisessa sinfoniassa" (1907) ja IF Stravinskylle sinfoniassa C ja "Sinfonia kolmessa osassa" (1940-45). Useissa S. 20-luvulla. poikkeaminen aikaisemmista normeista paljastuu atonalismin, atematismin ja muiden uusien sommitteluperiaatteiden vaikutuksesta. A. Webern rakensi S.:n (1928) 12-sävelsarjalle. "Avantgardin" edustajien joukossa S. on korvattu useilla. uusia kokeellisia genrejä ja muotoja.

Ensimmäinen venäläisten joukossa. säveltäjät kääntyivät S:n genren puoleen (paitsi D.S.Bortnyansky, jonka "Concert Symphony", 1790, on kirjoitettu kamariyhtye) Miika. Y. Vielgorsky (hänen 2. S. esitettiin vuonna 1825) ja A. A. Aljabyev (hänen yksiosainen C. e-moll, 1830 ja päivätty 3-osainen C. Es-dur -sviittityyppi, jossa on 4 konserttitorvea) , myöhemmin AG Rubinshtein (6 S., 1850-86, mukaan lukien 2. - "Ocean", 1854, 4. - "Dramaattinen", 1874). MI Glinka, keskeneräisen S.-alkulaulun kirjoittaja venäjän pohjalla. teemoilla (1834, valmistui 1937 V. Ya. Shebalin) oli ratkaiseva vaikutus tyylin muodostumiseen. helvetin rus. S. kaikella sinfoniallaan. luovuus, jossa muiden genrejen sävellykset hallitsevat. S. rus. kirjoittajat lausutaan nat. luonnetta, kuvia kerroksista otetaan. elämä, historioitsija. tapahtumia, runouden motiivit heijastuvat. Mighty Handfulin säveltäjistä N. A. Rimski-Korsakov oli ensimmäinen S.:n (3 S., 1865-74) kirjoittajana. Venäjän luoja. eeppinen. S. oli A. P. Borodin (2 S., 1867-76; keskeneräinen 3., 1887, osittain muistista tallentunut A. K. Glazunov). Teoksissaan, erityisesti "Heroic" (2nd) S.:ssä, Borodin ilmensi kuvia jättimäisestä lankkuvuodesta. vahvuus. Maailman sinfonismin korkeimpien saavutusten joukossa - ihminen. P. I. Tchaikovsky (6 S., 1800-93, ja ohjelma S. "Manfred", kirjoittanut J. Byron, 1885). 4., 5. ja erityisesti 6. ("Säälittävä", hidas loppu) S., lyyrisesti dramaattinen, saavuttaa traagisen voiman elämän törmäysten ilmaisussa; heillä on syvä psykologinen. tunkeutumalla välittää rikkaan kirjon inhimillisiä kokemuksia. Eeppinen linja. S.:tä jatkoi A. K. Glazunov (8 S., 1881-1906, mukaan lukien 1. - "Slavjanskaja"; keskeneräinen 9., 1910, - yksi osa, instrumentointi G. Ya. Yudin vuonna 1948), 2 S. kirjoittanut MA Balakirev (1898, 1908), 3 S. - RM Glier (1900-11, 3. - "Ilja Muromets"). Sinfoniat houkuttelevat sinua sydämellisillä sanoilla. S. Kalinnikov (2 S., 1895, 1897), syvä ajatuksen keskittyminen - S. c-moll S. I. Tanejev (1., itse asiassa 4., 1898), draama. säälittävä - S. V. Rahmaninovin (3 S., 1895, 1907, 1936) ja A. N. Skryabinin, 6-osan 1. (1900), 5-osaisen 2. (1902) ja 3-osan 3:n ("Jumalallinen runo") sinfoniat , 1904), joka on tunnusomaista erikoisdraamatekijältä. eheys ja ilmaisuvoima.

S.:llä on tärkeä paikka pöllöissä. musiikkia. Pöllöjen työssä. säveltäjät saivat erityisen rikkaan ja elävän kehityksen klassisen musiikin korkeista perinteistä. sinfonia. Pöllöt kääntyvät S:n puoleen. kaikkien sukupolvien säveltäjät, alkaen vanhemmista mestareista - N. Ya. 1952) ja päättyen lahjakkaisiin säveltäjänuoriin. Pöllöjen alan johtava hahmo. S. - D. D. Šostakovitš. Hänen 15 sivullaan (1925-71) paljastuvat ihmisen tietoisuuden syvyydet ja moraalin vankkumattomuus. joukot (5. - 1937, 8. - 1943, 15. - 1971), jotka ilmentävät aikamme (7. - ns. Leningrad, 1941) ja historian (11. - "1905", 1957; 12. - "1917", 1961) jännittäviä teemoja ), korkea humanistinen. ihanteet vastustavat synkkiä kuvia väkivallasta ja pahuudesta (5-osa 13, E. A. Jevtušenkon sanoista bassolle, kuorolle ja orkesterille, 1962). Perinteen kehittäminen. ja moderni rakennetyyppejä S., säveltäjä käyttää vapaasti tulkitun sonaattisyklin ohella (joillekin hänen S.-kirjoituksistaan ​​on ominaista sekvenssi: hidas - nopea - hidas - nopea), käyttää muita rakenteita (esim. 11. - " 1905"), houkuttelee ihmisääntä (solistit, kuoro). 11-osaisessa 14th S.:ssä (1969), jossa elämän ja kuoleman teema paljastuu laajaa sosiaalista taustaa vasten, sooloillaan kaksi lauluääntä jousien tukemana. ja puhaltaa. työkaluja.

Lukuisten työntekijöiden edustajat työskentelevät tuottavasti S. alueella. nat. pöllön oksia. musiikkia. Heidän joukossaan on huomattavia pöllömestareita. musiikkia, kuten A. I. Khachaturyan - suurin käsivarsi. sinfonisti, värikkään ja temperamenttisen S.:n kirjoittaja (1. - 1935, 2. - "S. kellolla", 1943, 3. - S.-runo, urkuilla ja 15 lisätrumpetilla, 1947); Azerbaidžanissa - K. Karaev (hänen 3. S., 1965), Latviassa - J. Ivanov (15 C, 1933-72) jne. Katso neuvostomusiikkia.

Kirjallisuus: Glebov Igor (Asafiev B.V.), Modernin sinfonian rakentaminen, "Nykymusiikki", 1925, nro 8; Asafiev B.V., Sinfonia, kirjassa: Essays on Soviet musical Creativity, osa 1, M.-L., 1947; 55 Neuvostoliiton sinfoniaa, L., 1961; Popova T., Sinfonia, M.-L., 1951; Yarustovsky B., Sinfoniat sodasta ja rauhasta, M., 1966; Neuvostoliiton sinfonia 50 vuotta, (sävel.), Otv. toim. G. G. Tigranov, L., 1967; Konen V., Teatteri ja sinfonia ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., Kansallisesta ja kansainvälisestä Neuvostoliiton sinfoniassa, kirjassa: Musiikki sosialistisessa yhteiskunnassa, osa. 1, L., 1969; Rytsarev S., Sinfonia Ranskassa ennen Berliozia, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchester depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, B. 1898 . Lpz., 1926; ego, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (venäläinen käännös - Weingartner P., Performance of Klassiset sinfoniat, vol. Vinkkejä kapellimestareille 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, nro 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le origini della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20, s. 291-346, 1914, v. 21, s. 97-121, 278-312, 1915, v 22, s. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (venäjäksi - Becker P., Symphony from Beethoven to Mahler, toim. Ja johdantoartikkeli I. Glebov, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4, H. 1, ego, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre Beziehungen 7, Jahzur2 klassis19. 8, nro 4; ego, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., XVIII vuosisadan sinfoniat, L., 1951; Vorrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3, P., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B.S. Steinpress

Pitkään luettu" Sinfoninen musiikki" Tilda-palvelussa

http://hanke134743. tilda. ws/ sivu621898.html

Sinfoninen musiikki

Musiikkiteoksia suunniteltu sinfoniaorkesterin esitettäväksi.

Tuulipuhallin: Trumpetti, Tuba, Pasuuna, Voltorn.

Puupuhaltimet: oboe, klarinetti, huilu, fagotti.

Jouset: Viulu, alttoviulu, sello, kontrabasso

Rummut: Bassorumpu, virveli, Tamtam, Timpani, Celesta, Tambourine, Symbaalit, Castanets, Maracas, Gong, Triangle, Bells, Ksylofoni

Muut sinfoniaorkesterin instrumentit: Urku, Celesta, Cembalo, Harppu, Kitara, Piano (Flandpiano, Pianano).

Soittimen sointiominaisuudet

Viulu: Herkkä, kevyt, kirkas, melodinen, selkeä, lämmin

Viola: Matta, pehmeä

Sello: Rikas, paksu

Kontrabasso: Kuuro, ankara, synkkä, paksu

Huilu: Viheltävä, kylmä

Oboe: Nenä, nenä

Klarinetti: Matta, jousi

Fagotti: Tukeutunut, paksu

Trumpetti: kiiltävä, kirkas, kevyt, metallinen

Sarvi: Pyöristetty, pehmeä

Pasuuna: Metallinen, terävä, voimakas.

Tuba: Kova, paksu, raskas

Päälajit sinfoninen musiikki:

Sinfonia, sarja, alkusoitto, sinfoninen runo

Sinfonia

- (kreikasta. sinfonia - "yhdenmukaisuus", "suostumus")
orkesterimusiikin johtava genre, monimutkainen, rikkaasti kehitetty moniosainen teos.

Sinfonia ominaisuuksia

Se on suuri musiikillinen genre.
- Peliaika: 30 minuutista tuntiin.

Pää näyttelijä ja esiintyjä - sinfoniaorkesteri

Sinfoniarakenne (klassinen muoto)

Koostuu 4 osasta, jotka ilmentävät ihmisen elämän eri puolia

1 osa

Nopein ja dramaattisin, jota joskus edeltää hidas intro. Kirjoitettu sonaattimuodossa, nopeaan tahtiin (allegro).

Osa 2

Rauhallinen, mietiskelevä, rauhallisille luontokuville omistettu, lyyrisiä kokemuksia; surullinen tai traaginen tunnelma.
Ääniä hidastettuna, on kirjoitettu rondon muotoon, harvemmin sonaatti- tai variaatiomuotoon.

Osa 3

Tässä on peli, hauskaa, kuvia kansan elämää... Se on scherzo tai menuetti kolmiosaisessa muodossa.

Osa 4

Nopea loppu. Seurauksena on, että kaikki osat erottuvat voitokkaasta, juhlallisesta, juhlallisesta luonteesta. Se on kirjoitettu sonaattimuodossa tai muodossa rondo, rondo sonaatti.

Mutta on myös sinfoniaa, joissa on vähemmän (tai enemmän) osia. Mukana on myös yksiosaisia ​​sinfonia.

Sinfonia luovuudessa ulkomaiset säveltäjät

• • Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)

108 sinfoniaa

Sinfonia nro 103 "Tremolo Timpanin kanssa"

Sen nimi " tremolo-timpanien kanssa»Sinfonia vastaanotettiin ensimmäisen tahdin ansiosta, jossa timpanit soittavat tremoloa (italiaksi tremolo - vapina), joka muistuttaa kaukaisia ​​ukkosen jylinää,
tonic soundissa E flatissa. Näin alkaa hidas yhtenäinen johdanto (Adagio) ensimmäiseen osaan, jolla on syvästi keskittynyt luonne.

• • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

56 sinfoniaa

Sinfonia nro 40

Yksi tunnetuimmista Mozartin viimeisistä sinfonioista. Sinfonia saavutti suuren suosion epätavallisen vilpittömän musiikkinsa ansiosta, joka oli ymmärrettävissä laajimmalle kuuntelijapiirille.
Sinfonian ensimmäisessä osassa ei ole johdatusta, vaan se alkaa välittömästi pääosan allegron teeman esittelyllä. Tämä aihe on kiihtynyt; samalla hän erottuu melodisuudesta ja vilpittömästä.

• • Ludwig van Beethoven (1770—1827)

9 sinfoniaa

Sinfonia nro 5

Sinfonia iskee lakonisella esitystavallaan, muotojen kompaktuudellaan, kehittymiseen pyrkivällään, se näyttää syntyneen yhdestä luovasta impulssista.
"Näin kohtalo koputtaa ovellemme", Beethoven sanoi.
tämän kappaleen avauspalkeista. Sinfonian päämotiivin kirkas ekspressiivinen musiikki mahdollistaa sen tulkitsemisen kuvana ihmisen kamppailusta kohtalon iskuja vastaan. Sinfonian neljä osaa esitetään tämän taistelun vaiheina.

• • Franz Schubert(1797—1828)

9 sinfoniaa

Sinfonia nro 8 "Unfinished"

Yksi maailman sinfonian runollisimmista sivuista, uusi rohkea sana tässä monimutkaisimmassa musiikkityylilajissa, joka avasi tien romantiikalle. Tämä on ensimmäinen lyyrinen ja psykologinen draama sinfoninen genre.
Siinä ei ole 4 osaa, kuten klassisten säveltäjien sinfoniat, vaan vain kaksi. Tämän sinfonian kaksi osaa jättävät kuitenkin vaikutelman hämmästyttävästä eheydestä, uupumuksesta.

Sinfonia venäläisten säveltäjien teoksissa

• • Sergei Sergeevich Prokofjev (1891— 1953)

7 sinfoniaa

Sinfonia nro 1 "Klassikko"

Nimetty "klassiseksi", koska se säilyttää 1700-luvun klassisen muodon ankaruuden ja logiikan, ja samalla se erottuu modernista musiikin kielestä.
Musiikki on täynnä teräviä ja "piikikäs" teemoja, kiihkeitä kohtia Tanssilajien (poloneesi, menuetti, gavotti, laukka) erikoisuuksia hyödyntäen. Ei ole sattumaa, että musiikkiin luotiin sinfonia koreografisia sävellyksiä.

• • Dmitri Dmitrievich Šostakovitš(1906—1975)

15 sinfoniaa

Sinfonia nro 7 "Leningradskaya"

Vuonna 1941 säveltäjä vastasi sinfonialla nro 7 kauheita tapahtumia Toinen maailmansota omistettu Leningradin piiritykselle (Leningradin sinfonia)
"Seitsemäs sinfonia on runo taistelustamme, tulevasta voitostamme", Šostakovitš kirjoitti. Sinfonia sai maailmanlaajuisen tunnustuksen fasismin vastaisen taistelun symbolina.
Pääteeman kuiva äkillinen melodia, lakkaamaton rummunsoitto luo valppauden, ahdistuneen odotuksen tunteen.

• • Vasily Sergeevich Kalinnikov (1866-1900)

2 sinfoniaa

Sinfonia nro 1

Kalinnikov aloitti ensimmäisen sinfoniansa kirjoittamisen maaliskuussa 1894 ja lopetti tasan vuotta myöhemmin, maaliskuussa 1895.
Sinfonia ilmensi eloisimmin säveltäjän lahjakkuutta - vilpitöntä avoimuutta, spontaanisuutta, lyyristen tunteiden rikkautta. Sinfoniassaan säveltäjä ylistää luonnon kauneutta ja loistoa, venäläistä elämää personoimalla Venäjän kuvan, venäläisen sielun, venäläisen musiikin kautta.

• • Peter Iljitš Tšaikovski (1840—1893)

7 sinfoniaa

Sinfonia nro 5

Sinfonian johdanto on hautajaismarssi. "Täydellinen ihailu kohtaloa kohtaan... selvittämätöntä kohtaloa kohtaan", Tšaikovski kirjoittaa luonnoksissaan.
Tällaisella vaikealla voittamisella ja sisäisellä taistelulla säveltäjä pääsee voittoon itsestään, epäilyksistään, henkisestä eripurasta ja tunteiden hämmennyksestä.
Pääidean kantaja on pakattu, rytmisesti elastinen teema, jossa on muuttumaton vetovoima alkuperäiseen soundiin, joka kulkee läpi syklin kaikki osat.

"Musiikin tarkoitus on koskettaa sydämiä"
(Johann Sebastian Bach).

"Musiikin tulee sytyttää tuleen ihmissydämistä"
(Ludwig van Beethoven).

"Musiikin, jopa kaikkein kauheimmissa dramaattisissa tilanteissa, on aina valloitettava korva, pysyttävä aina musiikina."
(Wolfgang Amadeus Mozart).

”Musiikkimateriaali eli melodia, harmonia ja rytmi on varmasti ehtymätöntä.
Musiikki on aarre, johon jokainen kansallisuus antaa oman panoksensa yhteisen edun hyväksi."
(Peter Iljitš Tšaikovski).

Rakasta ja opi musiikin suurta taidetta. Se avaa sinulle koko maailman korkeita tunteita, intohimoja, ajatuksia. Se tekee sinusta henkisesti rikkaamman. Musiikin ansiosta löydät itsestäsi uusia voimia, joita et ennen tuntenut. Näet elämän uusissa väreissä ja väreissä"
(Dmitry Dmitrievich Šostakovitš).