Kamarisinstrumentaali genrepeli miniatyyri. Wolfgang Amadeus Mozart

Suunniteltu esittämään pienessä huoneessa pienen joukon esiintyjiä.

Termi ”kamarimusiikki” otettiin ensimmäisen kerran vastaan ​​vuonna 1555 N. Vi-chen-ti-no. XVI-XVII vuosisatojen aikana "ka-mer-noy" na-zy-va-onko maallinen musiikki-ku (in-cal-ny, myös 1600-luvulta lähtien myös nuyu), ääni-chav-shuyu talon mashissa -ne olosuhteet ja kahdessa; v XVII-XVIII vuosisatoja useimmissa Euro-ro-py-pihan shin-st-ve-maissa mu-zy-kan-you no-si-onko nimi "ka-mer-mu-zy-kan-tov" (Venäjällä -sii on aine-st-in-va-lo-nimike 1800-luvulla-1800-luvun alussa; Av-st-ry: ssä ja Saksassa ulkomaisten -stru-men-ta-list-stov so-no- els-ei-ei). 1700-luvulla kamarimusiikki zvu-cha-la ve-li-kosvetsky sa-lo-nakh kapealla zn-to-kov- ja li-bi-te-lei-ympyrällä, XIX alussa vuosisadan suu-rai-wa-olivat pub-henkilökohtaisia ​​ka-mer-nye -konsertteja XIX puolivälissä vuosisadalla niistä on tullut osa eurooppalaista musiikkielämää. Ras-pro-st-ra-no-no-no-public-private-konserteilla ka-mer-ny-us-pol-no-te-la-mi alkoi kutsua ammattimaista mu-zy-kan-tov, you-play -laulajia konserteissa Kamarimusiikki... Us-to-chi-ty-py ka-mer-no-go an-samb-la: du-et, trio, quar-tete, quin-tete, sec-stet, sep-tete, ok-tete, mutta- ei, de-qi-meth. In-cal-ny en-sambl, ko-to-ro-go-koostumuksessa se tulee lähellä-zi-tel-mutta 10-20 is-half-ni-te-lei, kuten oikea-vi- lo, na-zy-va-sya ka-mer-nym ho-rum; in-st-ru-mental-tal-ny-sambl, volume-e-di-nyayu-shih yli 12 is-full-ni-te-lei,-ka-mer-nym tai-ke-st-rum ( gran-ni-tsy välillä w-du ka-mer-ny ja pieni sym-phonic tai-ke-st-rum not-op-re-de-len-ny).

Kehittynein kamarimusiikin in-st-ru-ment-tal-naya -muoto on syklinen co-na-ta (17-18-luvuilla-trio-co-na-ta, suola co-na-ta ilman co-pro-w-de-ny tai co-pro-w-de-no basso-con-ti-nuo; klassiset kuvat -tsy-paikassa A. Ko-rel-li, I.S.Ba-ha). 1700-luvun toisella puoliskolla J. Haydn, K.Dit-ters-dor-fa, L.Bok-ke-ri-ni, V.A. klassisesta yhteistyöstä (sol-noy ja an-samb-le-voy), trio, quar-te-ta, quin-te-ta (one-no-time-no with ti-pi-za-qi -hän on puoliksi ni-tel-s-st-vov), us-ta-no-saw-las op-re-de-len-naya yhteys ha-rak-te-rumin välillä-lo-ze- niya ka-zh-doy -juhlat ja mahdollisesti-nos-mi inst-st-ru-men-ta, ko-ro-go varten hän pre-na-zn-che-na (ennen-anna-mennä-ka-los käyttö -yhden ja saman co-chi-ne-nian eri täyteys niin eri sata-va-mi inst-st-ru-men-tov). In-st-ru-ment-tal-no-go an-samb-la (bow-to-go quar-te-ta) 1800-luvun alkupuoliskolla so-chi-nya-li L. van Beth -ho-ven, F. Shu-bert, F. Men-del-son, R. Shu-man ja monet muut com-zi-to-ry. 1800-luvun jälkipuoliskolla kamarimusiikin näytteitä loivat I. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Sme-ta-na, A. Dvor-Jacques XX vuosisadalla-K. De-bus-si, M. Ra-vel, P. Hin-de-mit, L. Janacek-, B. Bar-tok ja muut.

Venäjällä kamernoe mu-zi-tsi-ro-va-ras-pro-stra-ni-el on ollut 1770-luvulta lähtien; ensimmäinen in-st-ru-men-tal-nye en-samb-li na-pi-sal DS Bort-nyan-sky. Kamarimusiikin edelleen kehittäminen A.A.Alyab-e-va, M.I.-taiteellinen taso P.I. Suuri huomio ude-la-li ka-mer-no-mu an-samb-lyu S. I. Ta-ne-ev, A. K. Gla-zun-nov, S. V. Rakh -man-ni-nov, N. Ya. Myas-kov -sky, DD Shos-ta-kovich, SS Pro-kof-ev. Historiallisen kehityksen aikana kamarimusiikin tyyli on muuttunut merkittävästi, ja se on tullut lähemmäksi sim-phoni-che-skim vir-tu-oz-no-concert-nym (qu-te-sim-pho-ni-zation) -tov Bet-ho-ve-na, Chay-kov-sko-go, quar-te-tov ja quin-te-tov-Shu-man-na ja Brahm-sa, konsertti-no-sti co-na-takh viululle ja pianolle: nro 9 "Krey-tse-ro-howl" Bet-ho-ve-na, so-na-te Fran-ka, nro 3 Brahmsa, nro 3 Gri- ha).

Toisaalta XX-luvulla laaja-ro-jotkut rodut-pro-country-not-ni-get-chi-li sim-phonies ja konsertit ei-iso-sho th-th-li-th-st -va inst-st-ru-men-tov, josta tuli erilainen-mutta-sty-mi ka-mer-zh-dv: ka-mer-naya sim -phony (esimerkiksi 14. sym-phoniya Shos- ta-ko-vi-cha), "mu-zy-ka for ..." (Mu-zy-ka jousille, shokille ja che-les-sts Bar-to-ka), konsertti-ti-but jne Kamarimusiikin erityislaji on in-st-ru-ment-tal-ny-nia-ty-ry (XIX-XX-luvulla ne ovat harvoin-to-e-di-nya-sya-sya ). Niitä ovat: piano-kappaleet ilman sanoja "Men-del-so-na, pies-si Shu-ma-na, wal-si, nok-tür-nes, pre-lyu-dii and etu-dy F. Sho- p-na, ka-ulotteinen piano co-chi-no-nia pienessä muodossa AN Skrya-bin, Rakh-ma-ni-no-va, N. K Met-no-ra, pianokappaleet Chai-kov-sko -go, Pro-coffee-e-va, monia kappaleita erilaisille kotimaisten ja ulkomaisten beige-com-in-zi-to-ditch -inst-ru-men-tosille.

1700-luvun lopulta ja erityisesti 1800-luvulta lähtien Za-nya-la- ja vo-kal-naya -kamarimusiikin (laulu- ja ro-man-sa-tyylilajit) merkittävä paikka on ollut merkittävä. Kom-po-zi-to-ry-ro-man-ti-ki esitteli in-cal-noi min-nia-tyu-ry -lajin sekä pe-sen-ny-syklit ("Pre-red stranded- ni-chi-ha "ja F. Shu-ber-ta" Winter way ", R. Shu-man" Love in-this "jne.). 1800-luvun jälkipuoliskolla I. Brahms kiinnitti paljon huomiota kamarimusiikkiin, X. -ny: n genren luovaan työhön. Shi-ro-jonkinlainen laulu-ni- ja ro-man-sa-po-lu-chi-li-tyylilajin kehitys Venäjällä, taiteelliset korkeudet M.I.Glin-ka, PI Chaikovsky, AP Bo-ro-din, MP Mu-sorgsky, NA V. Rakh-man-ni-nov, S. S. Pro-kof-ev, D. D. Shos-ta-kovich, G. V. Svir-dov.

Wienistä tuli 1600 -luvun alussa yksi Euroopan suurimmista musiikkikeskuksista. Sidokset italialaiseen, tšekkiläiseen, puolalaiseen, saksalaiseen ja sitten venäläiseen kulttuuriin antoivat itävaltalaiselle musiikille ja keulataiteelle erityisen maun. Wienin klassisen koulun syntymisestä 1600 -luvun jälkipuoliskolla tuli Euroopan taiteen yleisin suuntaus. Kansanperinteet ovat saaneet riittävästi tilaa kehitykselleen. Musiikin ala on teatteriesitys, jossa on musiikkia ja tansseja, kulkueita - karnevaaleja, serenadeja kaduilla, upeita tuomioistuimen esityksiä aukioilla ja teattereissa. ”Kouluoopperat” ovat saamassa valtavaa suosiota, luostarit ja katedraalit kilpailevat mysteerien ja uskonnollisten oopperojen lavastamisesta. Tällainen kaikkialla läsnä oleva, laajalle levinnyt musiikin jakautuminen yhteiskunnan eri osille ei ole saanut tällaista kehitystä missään muussa maassa.

Alkaen kielisoittimia suosituimpia olivat viulu ja alttoviulu. Itävallan varhaisimmat musiikkiopetuksen keskukset olivat yliopistot, hovi- ja kirkkokapelit. Yksi Euroopan parhaista kappeleista on Wienin Habsburg Court Chapel (italialainen muusikko Antonio Salieri on yksi tämän kappelin johtajista). Kappeleita esiintyi myös muissa kaupungeissa. Leopoldin ja Wolfgang Amadeus Mozartin nimet liittyvät Salzburgin kappeliin.

1600 -luvun itävaltalaisen instrumentaalimusiikin päälajeja ovat instrumenttisviitti, concerto grosso, trio -sonaatin tyylilaji.

Johann Heinrich Schmelzer (1623-1680)- Itävaltalainen viulisti ja säveltäjä. Hänen nimensä liittyy uuden viulutyypin - soolovirtuoosin - syntymiseen. Hän oli yksi ensimmäisistä, joka kehitti italialaisen trio -sonaatin perinteen Itävallassa. Eniten merkittävää työtä Schmelzer on kuuden sonaatin kokoelma, jossa hän käyttää kaksoismerkkejä ja monimutkaisia ​​moniäänisiä tekniikoita.

Heinrich Bieber (1644-1704)- Itävaltalainen viulisti ja säveltäjä, Schmelzerin opiskelija ja seuraaja. Suurin viulisti Taide XVII vuosisadalla. Monista teoksista arvokkain on 15 viulun sonaatin (mukaan lukien ohjelmoidut) sykli, jossa käytetään scordaturaa, kaksoismusiikkia ja muita virtuoottisen viulutekniikan tekniikoita. Bieber kunnioittaa onomatopoeettisia tehosteita, jotka jäljittelevät satakielen, käen, kukon, viiriäisen laulua sekä sammakon, kanan ja kissan itkua. Passacaglia sooloviululle on 1600 -luvun viulutekniikan tietosanakirja.

Karl Dittersdorf (1739-1799)- yksi merkittävistä itävaltalaisista viulisteista ja säveltäjät XVIII vuosisadalla. Sen taso esittävät taiteet oli epätavallisen pitkä. Hän loi neljätoista viulukonserttoa, kaksitoista siirtoa kahdelle viululle ja sellolle, monia sinfonioita, kamari- ja oopperamusiikkia. Yhdessä J. Haydnin kanssa hänestä tuli klassisen kvartettityylin luoja sooloviululla.

Wienin musiikkikulttuuri loi edellytykset syntymiselle klassinen tyyli J. Haydnin ja W. A. ​​Mozartin teoksissa.

Joseph Haydn (1732-1809)- yksi niistä säveltäjistä, joiden teoksessa viulu kuulosti uudella tavalla. Viulu Haydnille on yksi hänen suosikki soittimistaan. Haydn kirjoitti musiikkia monenlaisissa genreissä ja muodoissa, mutta Haydnin tärkein merkitys on instrumentaalimusiikin (sinfoninen ja kamarinen) kehittämisessä. Hän omistaa valtavan määrän teoksia, mukaan lukien yhdeksän viulukonserttoa (neljä elossa), kaksitoista viulusonaattia, kuusi duettoa viululle ja alttoviululle, yli kahdeksankymmentä jousikvartettoa, triot, divertissementit ja muut kamariteokset. Hänen sinfonioissaan johtavassa roolissa ovat ensimmäiset viulut, joille on uskottu lähes kaikki temaattinen aineisto.

Hänen varhaiset sonaatit, kvartetit ja konsertit ovat silmiinpistäviä esimerkkejä tyylikäs tyyli ja tekniikka. Rokokoelementit näkyvät selvimmin Haydnin menueteissa, jotka voidaan huomata myös Mozartissa.

Kvartetot. Kvartetimusiikin lajissa Haydn soitti samaa roolia kuin sinfonisessa musiikissa, eli hän oli yksi tämän tyylilajin perustajista. Haydn kirjoitti kvartetteja kaikkialla luova polku mutta parhaat ovat 80- ja 90 -luvuilta.

Haydnin kvartetit kasvoivat kotimusiikin tekemisestä, jossa kvartettisoitto oli erittäin yleistä. Kuitenkin syvyyden ja kirkkauden ansiosta musiikillinen sisältö, sekä muodon täydellisyyden, Haydnin kvartetit ovat ylittäneet kodin musiikkielämän ja soittamisen kapeat puitteet olennainen rooli konserttielämässä.

Heillä ei ole enää ulkoisia koristeita niin sanotusta "gallantista" tyylistä, salonkimusiikin koristeellisesta loistosta. Ne yhdistävät kansantanssin ja kansanlaulumelodioiden yksinkertaisuuden sekä huomattavan hallinnan äänten vastakkaisesta plexuksesta ja muodon hienostumisesta. Monien kvartettien kimalteleva hauskuus, innostus ja kansanhuumori herättivät jopa kielteisen asenteen konservatiivisilta kriitikoilta, jotka näkivät Haydnin kvarteteissa ”loukkauksen ihmisarvoa kohtaan”

musiikki "," omahyväisyys ". Mutta ei vain iloinen innostus on ominaista Haydnin kamarimusiikille. Hänen kvarteteissaan tunnelmat ja tunteet vaihtelevat - kevyistä sanoituksista surullisiin, jopa traagisiin tunteisiin.

Kvartetissa Haydnin innovaatio on joskus jopa rohkeampi kuin sinfonioissa. Huolimatta ensimmäisen viulun johtavasta merkityksestä ylempänä äänenä, kaikilla neljällä soittimella on melko itsenäinen rooli kokonaisuuden kokonaisuudessa. Monissa teoksissa esitetään aiheiden toissijaisen toteuttamisen ja kehittämisen aikana kaikki neljä välinettä, joilla on melko aktiivinen rooli. Tämä antaa kvartetin tekstuurille erityisen moniäänisyyden homofonisella-harmonisella pohjalla, tekee koko musiikkikankaan liikkuvan. Haydn käyttää kvarteteissaan myös mielellään erityisesti moniäänisiä muotoja. Siten kvartettien finaalit ovat joskus fuugoja. Yleisesti uskotaan, että Beethoven otti ensimmäisenä fuusan kvartetin tyylilajiin viimeisissä opussissaan. Mutta ilmeisesti Haydn teki sen ennen Beethovenia!

Joissakin hänen kvarteteissaan keskiosat järjestetään uudelleen, toisin sanoen menuetti on toinen (eikä kolmas osa, kuten oli tapana), ja hidas osa on kolmanneksi ennen finaalia. Tämä muutos keskiosien järjestyksessä johtuu syklin äärimmäisten osien luonteesta ja suunnittelunäkökohdista, jotka liittyvät kontrastin periaatteeseen, joka on syklisen muodon taustalla. Sinfonian lajissa kahden keskiliikkeen uudelleenjärjestely suoritettiin ensin Beethovenin yhdeksännessä sinfoniassa.

Lisäksi "venäläisissä" kvarteteissa (nämä kvartetit oli omistettu Venäjän suurherttualle Paavalille, sitten valtaistuimen perilliselle) vuonna 1781 Haydn esittelee menuetin sijaan scherzon ja scherzandon, jotka joissakin niistä ovat toinen osa syklistä. Yleisesti hyväksytty mielipide, jonka mukaan Beethoven esitteli scherzon menuetin sijasta ensimmäistä kertaa sonaatti-sinfoniajaksossa, pitää paikkansa vain sinfonioiden ja sonaattien suhteen, mutta ei kvartettien osalta.

Haydnin lukuisat kvartetit, triot ja muut yhtyeet muodostavat merkittävän, tärkeän ja taiteellisesti arvokkaan osan klassista perintöä kamarisen instrumentaalimusiikin alalla

Haydnin teoksessa muodostuu klassisen viulun sonaatti ja viulukonsertto.

Haydn onnistui syntetisoimaan ammattimaisia ​​ja kansanperinteitä, toi musiikkiinsa kansan intonaatioita ja rytmejä.

Haydn oli yksi Wienin klassisen koulun suurimmista edustajista, ja sitä käytettiin laajalti musiikissaan ja hän ilmentää orgaanisesti itävaltalaista musiikillista kansanperinnettä kaikessa täydellisyydessään ja monimuotoisuutensa yhdistelmänä eri kansallisten elementtien kanssa: eteläsaksalainen, unkarilainen, slaavilainen. Slaavilaista alkuperää olevien kansanaiheiden joukossa Haydn käytti laajalti kroatiaa kansanaiheita... Usein hän kääntyi aitojen kansanmelodioiden puoleen, mutta useammin hän loi omat melodiansa sen hengessä kansanlauluja ja tanssia.

Itävaltalainen kansanperinne on juurtunut niin syvälle Haydnin työhön, että siitä on tullut hänen "toinen luonteensa". Monet melodiat, jotka olemme säveltäneet itse

Haydnista tuli suosittu ja lauloi jopa ne, jotka eivät tienneet luojansa nimeä.

Haydnin instrumentaalimusiikissa (soolo, kamari ja sinfonia) sonata-sinfoninen sykli on saanut täydellisen ja täydellisen klassisen ruumiillistuman. Teoksen kaikki neljä osaa, jotka yhdistyvät yhdeksi taiteelliseksi käsitteeksi, ilmaisevat elämän eri puolia. Yleensä ensimmäinen osa (sonata allegro) on dramaattisin, impulsiivisin; toinen osa (hidas) on usein lyyristen kokemusten, rauhallisen mietiskelyn ala; kolmas osa (menuetti) tuo tanssin ilmapiiriin ja yhdistää sonata-sinfonisen syklin 1600-1800-luvun tanssisviittiin; neljäs osa (finaali) sisältää tyylilajia ja jokapäiväistä elämää, ja se on erityisen lähellä kansanlaulua ja tanssimusiikkia. Haydnin teosten musiikilla on kokonaisuutena (muutamia poikkeuksia lukuun ottamatta) tyylilajia ja jokapäiväistä luonnetta, ei vain syklin kolmannen ja neljännen osan musiikki, vaan myös kaksi ensimmäistä musiikkia, joka on täynnä tanssia ja laulujen kirjoittamista. Mutta samaan aikaan jokaisella osalla on oma johtava dramaattinen tehtävänsä ja se osallistuu koko teoksen ajatuksen asteittaiseen kehittämiseen ja paljastamiseen.

W.A. Mozart (1756-1791) syntyi perheessä kuuluisa muusikko viulisti ja säveltäjä Leopold Mozart. Mozartin musiikillinen lahjakkuus ilmeni hyvin varhaisessa iässä, noin kolmen vuoden ikäisenä. Hänen isänsä Leopold oli yksi johtavista eurooppalaisista musiikinopettajat... Hänen kirjansa The Experience of a Solid Violin School julkaistiin vuonna 1756, Mozartin syntymävuonna. Wolfgangin isä opetti cembalon, viulun ja urkujen soittamisen perusteet.

Ensimmäiset tiedot Mozartin soittamisesta viululla ovat peräisin 4 -vuotiaasta. Ensimmäiset viuluteokset - 16 sonaattia viululle ja clavierille. Hän loi 6-7 konserttia viululle, sinfonian viululle ja alttoviululle, konsertin kahdelle viululle, kaksi konsertorondoa, Adagion ja Andanten, 35 viulun sonaattia, kaksi duolia viululle ja alttoviululle, dueton kahdelle viululle, triot, kvartetit, divertissementit ja muut kamariteokset.

Es-dur-konsertin aitous on edelleen epävarma. Viimeinen sooloviulukonsertti oli D-dur-konsertti, joka tunnetaan nimellä 7. Hän loi sen sisarensa syntymäpäivänä ja esitti sen ensimmäistä kertaa. Tämä oli yksi viimeisistä julkinen puhuminen Mozart viulistina. Konsertin historia on epätavallinen. Lähes 130 vuoden ajan tämä työ jäi tuntemattomaksi. Vuonna 1835 Bayolle tehtiin nimikirjoitettu kopio. Alkuperäinen katosi, ja vain toinen kopio löydettiin Berliinin kirjastosta. Molemmat kappaleet olivat lähes identtisiä, konsertti julkaistiin ja esitettiin ensimmäisen kerran vuonna 1907 useiden esiintyjien toimesta.

Mozartin työn erottuva piirre on hämmästyttävä yhdistelmä tiukkoja, selkeitä muotoja ja syvää emotionaalisuutta. Hänen työnsä ainutlaatuisuus on siinä, että hän ei vain kirjoittanut kaikissa aikakaudellaan esiintyneissä muodoissa ja tyylilajeissa, vaan jätti jokaiseen teokseen pysyvän merkityksen. Mozartin musiikki paljastaa monia yhteyksiä eri kansallisiin kulttuureihin (erityisesti italialaiseen), mutta se kuuluu Wienin kansalliseen maaperään ja sisältää suuren säveltäjän luovan persoonallisuuden leiman.

Mozart on yksi suurimmista melodisteista. Sen melodiassa yhdistyvät itävaltalaisten ja saksalaisten kansanlaulujen piirteet ja italialaisen cantilenan melodisuus. Huolimatta siitä, että hänen teoksensa erottuvat runoutta ja hienovaraista armoa, ne sisältävät usein rohkeita luonteeltaan melodioita, joissa on suuri dramaattinen patos ja vastakkaisia ​​elementtejä.

W.A.Mozartin viuluteoksen merkitystä ei voi yliarvioida. Se vaikutti paitsi Wienin koulun, myös muiden maiden säveltäjiin. Hänen teoksensa ovat esimerkki viulun tulkinnasta, esimerkki sen ilmaisukykyjen käytöstä. Mozartilta tulee viulukonserton sinfonisointilinja, viulun virtuoosi taiteellinen käyttö konsertti -instrumenttina.

1700 -luvun jälkipuoliskon instrumentaalimusiikin alalla Mozart, joka käytti ja tiivisti vanhemman sukupolven Mannheimin ja Wienin mestarien parhaat saavutukset ja myös Haydnin luovan kokemuksen, saavutti korkeimmat huiput. Molemmat suuret säveltäjät kuuluivat eri sukupolviin, ja on luonnollista, että Mozart opiskeli taitojaan kehittäessään Haydnin teoksista, joita hän arvosteli suuresti. Mutta luova evoluutio Mozart osoittautui paljon kiihkeämmäksi kuin Haydnin kehitys, parhaat teokset jotka (Lontoon sinfoniat, viimeiset kvartetit, oratoriot) on kirjoitettu Mozartin kuoleman jälkeen. Siitä huolimatta Mozartin kolme viimeistä sinfoniaa (1788) sekä jotkut hänen aikaisemmista sinfonioistaan ​​ja kamariteoksistaan ​​edustavat historiallisesti kypsempää eurooppalaisen instrumentalismin vaihetta kuin Haydnin viimeiset luomukset.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) Seuraava tärkein vaihe valaistusajan kamarisinstrumentaalisen yhtyeen tyylikehityksessä liittyy Ludwig van Beethovenin teokseen. Vuonna 1787 Wienissä ollessaan hän vieraili Mozartissa ja ihaili hänen taiteitaan. Viimeisen Wieniin siirtymisen jälkeen Beethoven parani säveltäjänä I. Haydnin kanssa. Nuorten Beethovenin konserttinäytökset Wienissä, Prahassa, Berliinissä, Dresdenissä ja Budassa olivat valtava menestys. Beethoven saa laajaa tunnustusta esiintyjänä ja säveltäjänä. 1700 -luvun alkuun mennessä hän oli kirjoittanut monia teoksia pianolle sekä eri kamari- ja instrumentaaliyhtyeille.

Wienin klassisen koulun edustaja. Säveltäjä kirjoitti kaikissa genreissä, jotka olivat olemassa hänen aikanaan, mukaan lukien ooppera, baletti, musiikki dramaattisiin esityksiin, kuoroteokset. Mutta hänen perintönsä merkittävimmät ovat instrumentaaliteokset: piano-, viulu- ja sellosonaatit, konsertot pianolle, viululle, kvartetit, alkusoitot, sinfoniat

Beethoven kehitti muotoja Haydnin ja Mozartin jälkeen klassinen musiikki esittää pää- ja toissijaisten osapuolten tulkinnassa kontrastin periaatetta vastakohtien yhtenäisyyden ilmaisuna. Beethoven omisti viulun ja alttoviulun. Yksi varhaisimmista sävellyksistä - viulun muunnelmia aiheesta "Figaron avioliitto", nokturnia alttoviululle ja pianolle. L. Beethovenin konsertto viululle ja orkesterille - maailman viulukonsertin huippu musiikkikulttuuria... Jousille ja jousille Beethoven loi kolminkertaisen konserton viululle, sellolle ja pianolle ja orkesterille, kaksi romanssia viululle, kymmenen viulun sonaattia (5. - "Kevät", 9. - "Kreutzerov"), viisi sonaattia sellolle ja pianolle, muunnelmia sello ja piano (Händelin ja Mozartin teemoilla), kuusitoista kvartettia, kokoelma trioita viululle, sellolle ja pianolle. Ei voi muuta kuin muistaa L. Beethovenin sinfonista musiikkia: yhdeksän sinfoniaa, sinfoniset alkusoitot "Coriolanus" ja "Egmont", jotka ovat tulleet lujasti orkesterimusiikin ohjelmistoon.

Instrumentaalinen ja ennen kaikkea sinfoninen luovuus Ludwig van Beethovenilla on selkeä ohjelmallinen luonne. Beethovenin sankarillisten teosten pääsisältö voidaan ilmaista sanoilla: "Taistelun kautta voittoon". Dialektinen kamppailu elämän ristiriitojen välillä löytää Beethovenissa kirkkaan taiteellisen

suoritusmuoto, erityisesti töissä sonaattimuodossa- sinfoniat, alkusoitot, sonaatit, kvartetit jne. Ludwig van Beethoven kehitti laajalti sonaatin periaatteen, joka perustui vastakkaisten teemojen vastustamiseen ja kehittämiseen sekä yksittäisten teemojen ristiriitaisiin elementteihin. Verrattuna Beethovenin välittömien edeltäjien teoksiin Wienin klassisessa koulussa - W.A.Mozart ja J.Haydn - beethovenin sinfoniat ja sonaatit erottuvat suuresta rakentamisesta, pääaiheista materiaalia kehitetään intensiivisesti, yhteys lomakkeen osien välillä syvenee, ristiriitaisuuksien ja teemojen väliset ristiriidat voimistuvat. Beethoven jatkoi orkesterin henkilökunta, Haydnin hyväksymä ja vain hieman laajentanut sitä, mutta samalla hän saavutti orkesterin äänen valtavan voiman ja kirkkaat kontrastit. Ludwig van Beethoven muutti vanhan menuetin, joka oli osa sinfonioita ja sonaatteja, scherzoksi ja antoi tälle "vitsille" laajan ilmaisualueen - voimakkaasta helmeilevästä hauskanpidosta (kolmannessa sinfoniassa) ahdistuksen ja huolen ilmaisuun viides sinfonia). Finaalissa on erityisrooli sinfonioissa ja koodeissa (johtopäätökset) alkusoitoissa, sinfonioissa ja sonaateissa; niiden on tarkoitus ilmaista voittoisia tunteita.

Beethovenin teos on yksi maailman taiteen historian huippuista. Koko hänen elämänsä ja työnsä puhuu säveltäjän titaanisesta persoonallisuudesta, joka yhdisti nerokkaan musiikillisen lahjakkuuden hurjaan, kapinalliseen luonteeseen, jolla oli taipumaton tahto ja kyky valtavaan sisäiseen keskittymiseen. Korkea ideologia, joka perustui tietoisuuteen julkisista velvollisuuksista, oli Beethovenin tunnusmerkki kansalaismuusikkona. Nykyaikainen loistava Ranskan vallankumous, Beethoven heijasti työssään tämän aikakauden suuria suosittuja liikkeitä, sen edistyksellisimpiä ideoita. Vallankumouksellinen aikakausi määräsi Beethovenin musiikin sisällön ja innovatiivisen suunnan. Vallankumouksellinen sankaruus heijastui yhteen tärkeimmistä taiteellisia kuvia Beethoven - taisteleva, kärsivä ja lopulta voittoisa sankarillinen persoonallisuus.

Todellinen innovaattori, taipumaton taistelija, hän sisälsi rohkeita ideologisia käsitteitä hämmästyttävän yksinkertaiseen, selkeään musiikkiin, joka on kaikkien ymmärrettävissä leveät ympyrät kuuntelijoita. Aikakaudet, sukupolvet vaihtuvat, ja Beethovenin kuolematon musiikki innostaa ja ilahduttaa edelleen ihmisten sydämiä.

MBU DO "Simferopolin piirin lasten taidekoulu"

Kolchuginon haara

Raportti

aiheesta: "Kamarisinstrumenttimusiikin genre klassisten säveltäjien teoksissa "

Täyttäjä: säestäjä

Firsova Natalia Aleksandrovna

2015

Kamarisinstrumentaalinen genre klassisten säveltäjien teoksissa

Kamarinen instrumentaalimusiikki on aina ollut hienovarainen asia, joka reagoi ja reagoi kaikkiin nykyajan ilmiöihin: vallankumouksiin (sosiaaliset ja kulttuuriset), maailmanlaajuisiin yhteiskunnallisiin ja poliittisiin tapahtumiin, tieteelliseen ja teknologiseen kehitykseen, uusien suuntausten ja suuntausten ilmaantumiseen eri aloilla taiteesta. XXI -luku ei ollut poikkeus. Päällä tässä vaiheessa, yksi modernin kamarisinstrumenttimusiikin pääsuuntauksista on synteesi sanan laajimmassa merkityksessä: taiteen synteesi, eri genrejen ja musiikin suuntausten synteesi - toisin sanoen synteesi dialogin ja musiikin joustavuuden merkityksessä

tilaa.

Sen spesifisyyden vuoksi musiikkilaji ennen kaikkea kuuntelijan ja säveltäjän sisämaailmaan houkutteleva, juuri tämä genrealue kykeni majoittamaan melkein koko laajan valikoiman filosofisia ja esteettisiä käsitteitä sekä menneisyydestä että uudesta ja viimeajasta, mahdollisti yhteyden syventämisen musiikkitaidetta psykologian avulla kaikesta monimutkaisuudesta, monimuotoisuudesta ja joissakin tapauksissa epäselvyydestä löytää kuuntelija, asiantuntija, esiintyjä

Kamarimusiikin juuret ulottuvat keskiajalle. Termi "kamarimusiikki" on hyväksytty vuonnaXvi- XVIIvuosisatojen ajan, ja tämä termi ilmestyi ensimmäisen kerran vuonna 1635 italialaisen säveltäjän Joe Arrigonin kokoelmassa. Ero kirkon ja kamarimusiikin välillä esitettiin laulugenreissä 1500 -luvun puolivälissä. Varhaisimmat tunnetut esimerkit kamarimusiikista "L" anticamusicaridottaallamoderna "Nicolo Vicentino (1555), Venetsiassa G. Arrigoni julkaisi laulun" Concertidacamera ". Kamari -laulugenreinä XVII - XVIII alussa cc. kantta (cantatadacamera) ja duetti kehittyivät. XVII vuosisadalla. nimi "kamarimusiikki" laajennettiin koskemaan myös instrumentaalimusiikkia. Aluksi kirkko- ja kamarimusiikkimusiikki eivät eronneet tyyliltään: tyylilliset erot niiden välillä ilmenivät selvästi vasta 1700 -luvulla. I. I. Kvants kirjoitti vuonna 1752, että kamarimusiikki vaatii ”enemmän animaatiota ja ajatuksenvapautta kirkon tyyliin". Korkein instrumentaalinen muoto oli syklinen sonaatti (sonatadacamera), joka muodostettiin tanssisviitin perusteella. Yleisin oli XVII vuosisadalla. trio -sonaatti lajikkeineen - kirkko- ja kamarisonaatit, hieman vähemmän - soolosonaatti (ilman tai ilman bassocontinuoa). Corelli loi klassisia näytteitä triosonaateista ja soolo (bassocontinuo) -sonaateista. XVII-XVIII vuosisadan vaihteessa. syntyi konsertogrosso -tyylilaji, joka jaettiin aluksi myös kirkko- ja kamarilajikkeisiin. Esimerkiksi A. Corellissa tämä jako on hyvin selvä - hänen luomastaan ​​12 -konserttityylistä (op. 7) 6 on kirkon tyyliin ja 6 - kamarityyliin. Ne ovat sisällöltään samanlaisia ​​kuin hänen dachiesa- ja dacamera -sonaatit. 1700 -luvun puoliväliin mennessä. jako kirkko- ja kamarilajeihin on vähitellen menettämässä merkityksensä, mutta ero kamarimusiikin ja konserttimusiikin (orkesteri ja kuoro) välillä tulee yhä selvemmäksi.

1700 -luvun puolivälissä. teoksissa J. Haydn, K. Dittersdorf, L. Boccherini, W. A. ​​Mozart klassiset näkymät instrumentaaliyhtye - sonaatti, trio, kvartetti jne.

Rikas ilmaisumahdollisuuksia, instrumentaalinen yhtye (erityisesti jousikvartetto) herätti melkein kaikkien säveltäjien huomion ja siitä tuli eräänlainen sinfonisen tyylilajin "kamarihaara". Siksi yhtye heijastaa kaikkia 1600-2000-luvun musiikkitaiteen pääsuuntia. - klassismista (J. Haydn, L. Boccherini, W. A. ​​Mozart, L. van Beethoven) ja romantiikasta (F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann jne.) ultramoderniin abstraktionistisiin liikkeisiin. 1800 -luvun toisella puoliskolla. Erinomaisia ​​esimerkkejä instrumentaalisesta kamarimusiikista loivat I. Brahms, A. Dvořák, B. Smetana, E. Grieg, S. Frank XX -luvulla. - K. Debussy, M. Ravel, M. Reger, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok, B. Britten ja muut.

Venäläiset säveltäjät antoivat valtavan panoksen kamarisinstrumentaaliseen musiikkiin. Venäjällä kamarimusiikin leviäminen alkoi 70 -luvulla. XIX vuosisata. Ensimmäinen instrumentaaliset yhtyeet kirjoittanut D.S. Bortnyansky. Edelleen kehittäminen kamarimusiikki vastaanotettu A. A. Alyabyevilta, M. I. Glinkalta ja saavutti korkeimmat taiteet. taso P. I. Tšaikovskin ja A. P. Borodinin teoksissa: heidän kamariteoksilleen on ominaista voimakas kansallinen sisältö, psykologismi. Suuri huomio Kamariyhtyeelle antoivat A.K.Glazunov ja S.V.Rachmaninov, ja S.I.Taneeville siitä tuli luovuuden päätyyppi. Neuvostoliiton säveltäjien kamarinen instrumentaaliperintö on poikkeuksellisen rikas ja monipuolinen: sen päälinjat ovat lyyrinen-dramaattinen (N. Ya. Myaskovsky), traaginen (D. D. Shostakovich), lyyrinen-eepos (S. S. Prokofiev), A. I. Khachaturyan ja kansanlaji.

On syytä muistaa, että moderni kamarisinstrumentaalimusiikki on käynyt läpi kolme muodostumisjaksoa:

ensimmäinen jakso 1450–1650, jolle oli tunnusomaista alttoviulun ja muiden perheiden soittotekniikan kehittyminen, puhtaasti instrumentaalisen musiikin asteittainen erottaminen vapaasta tyylistä. Tämän ajanjakson säilyneistä teoksista, jotka on kirjoitettu erityisesti instrumentaalisille sävellyksille ilman ääntä, ovat Orlando Gibbonsin (1610) fantasioita ja kansoja, Giovanni Gabrielin (1615) sonaatteja;

toisella kaudella 1650–1750 leimasivat trio -sonaattien tyylilaji (yleensä ne koostuivat kahdelle viululle ja sellolle, jossa oli harmoninen perusta) ja muut yhtyeet, sekä instrumentaali että äänet, välttämättä mukana ns. digitaalinen basso (soinnut) näppäimistöinstrumentti... Kolmikon mestareita ovat tämän ajan sonaatit - ArcangeloCorelli, Henry Purcell, G.Händel;

Kolmas jakso vuodesta 1750 nykypäivään, jota hallitsee jousikvartetto, joka koostuu kahdesta viulusta, alttoviulusta ja sellosta.

Nykyään kamari-instrumentaalimusiikkia esittävät pääsääntöisesti kamariyhtyeet seuraavassa yhdistelmässä:

Sooloinstrumentti (jousi tai puhallin) ja piano;

Pianoduo (kaksi pianoa tai pianoa neljä kättä);

Jousitrio (viulu, alttoviulu ja sello); pianotrio (viulu, sello ja piano);

Jousikvartetto (kaksi viulua, alttoviulu ja sello);

Pianokvartetti (viulu, alttoviulu, sello ja piano);

Jousikvintetti (jousikvartetto sekä alttoviulu ja / tai sello);

Pianokvintetti (piano ja jousikvartetto) ja muut.

Koko XVIII vuosisadan ajan. kehitys oli nopeaainstrumentaalinen esiintymiskulttuuri... Kamarisinstrumentaalisen musiikin kehitys vuosisadan ensimmäisellä puoliskolla liittyi kutsuttujen ulkomaisten muusikoiden esiintymiseen, jotka opettivat venäläisiä aristokraatteja. Siten instrumentalismi levisi eliittiympäristön keskuuteen. 80-90 luvulla. ensimmäiset esimerkit venäläisestä kamarisinstrumentaalimusiikista ilmestyvät: venäläiset muusikot kehittävät soolosonaatin, muunnelmien ja kamariyhtyeiden tyylilajeja. Musiikin henkinen sisältö ilmenee instrumentaalialueella. Pietari I: n aikana instrumentaalimusiikki Venäjällä alkaa elpyä, mutta jo vahvan länsimaisen vaikutuksen alaisena.

Kamarisinstrumenttimusiikin nykyaikaiset tyylilajit muodostettiin lopulta Wieniläiset klassikot- J. Haydn, W. A. ​​Mozart, L. van Beethoven. Tämä on sonaatti, trio, kvartetti, kvintetti, yhtyeet, joissa suuri paikka on jousisoittimille.

Kamarisinstrumentaalinen musiikki imee muiden musiikkiluovien lajikkeiden tyylilliset piirteet. Jo L. van Beethoven sinfonisoi monin tavoin kvartettejaan, teki niistä kunnianhimoisempia sekä muodon että sisällön alalla. Ja hänen kuuluisa "Kreutzer -sonaatti" viululle ja pianolle on aidosti sinfoninen teos emotionaalisella voimakkuudellaan, monumentaalisuudellaan musiikillisia kuvia... Romanttisten säveltäjien F. Schubertin, F. Mendelssohnin, R. Schumannin, I. Brahmsin teoksissa lyyrinen periaate (erityisesti pienoiskoossa) oli epätavallisen vahva (F. Mendelssohnin "Songs without Words").

Venäläisten säveltäjien teoksissa kamarisinstrumenttien tyylilajeja tulkittiin hyvin erikoisella ja syvästi kansallisella tavalla. Venäläisen kansan aliäänen elementtejäpolyfoniamuuttivat orgaanisesti ja luonnollisesti itseään A.P. Borodinin ja A.K. Glazunovin kvarteteissa, P. T. Tšaikovskin trioissa ja kvarteteissa. PI Tchaikovsky loi suhteellisen pienen määrän sävellyksiä instrumentaaliyhtyeille: kolme jousikvartettoa (lukuun ottamatta yhtä varhaista, kirjoitettu konservatorion opiskeluvuosina eikä saanut sarjanumeroa), jotka tekijä on luonut viiden vuoden aikana -vuosi (1871-1875), pianotrio ja jousisekstetti. Toinen kvartetti, joka muuten oli yksi kirjoittajan suosikkiteoksista, yhdistää myös folk-genren ja persoonallisen lyyrisen periaatteen.

Vuosina 1900-1917 Venäjällä instrumentaalimusiikki herätti venäläisten säveltäjien suurta huomiota. Voimme sanoa, että hänellä ei ole koskaan ollut näin merkittävää sijaa heidän työssään. A. Glazunov, S. Tanejev, S. Rahmaninov, A. Scriabin, A. Ljadov, A. Arensky, S. Lyapunov, N. Medtner, aloittelija S. Prokofjev luovat valtavan määrän instrumentaalisia kappaleita silmiinpistävää sisällössä, tyylissä ja lajityypissä. Ensinnäkin on syytä huomata kehitys konserttilaji, joka jopa alkoi nousta esiin joidenkin säveltäjien keskuudessa "syrjäyttäen" sinfonian ( Pianokonsertit S. Rahmaninov, S. Prokofjev). Viulukonsertteja ei ollut paljon tällä kertaa.

Kronologinen luettelo avautuu A. S. Arenskyn konsertilla (1901), joka jatkaa tässä teoksessa P. I. Tšaikovskin perinteitä; sitä seurasivat A. K. Glazunovin (1904) ja S. M. Lyapunovin (1915) konsertit. M. A. Balakirevin ja A. K. Glazunovin vaikutus heijastui jälkimmäisen työhön.

Kronologisesti tämän ajanjakson venäläisen viulukonserton kehittämisen päättää S. Prokofjevin (1915–1917) ensimmäinen konsertti viululle ja orkesterille. Suuri konserttisuunnitelman teos - Sviitti viululle ja orkesterille (1909) - kirjoitti S.I.Taneev. Näin pienellä määrällä nimettyjä sävellyksiä on aitoja mestariteoksia - A. Glazunovin konsertto, S. Prokofjevin ensimmäinen konsertti, jotka kuuluvat maailman viuluklassikoiden kultarahastoon. 1900 -luvun ensimmäiset vuosikymmenet olivat venäläisen sonaatin kukoistus, mutta pääasiassa pianolle.

Myös paljon viulu- ja pianosonaatteja kirjoitettiin, vaikka niiden joukossa ei ollut niin silmiinpistäviä ilmiöitä kuin pianosonaatit A. Skriabin tai S. Prokofjev. Valtaosalla tämän ajan viulun sonaateista ei ole innovatiivista luonnetta, joka jatkaa passiivisesti venäläisten klassikoiden perinteitä ja lisäksi epigone-akateemisessa mielessä. Tällainen on C. A. Cuin (1911) sonaatti, joka ei tuolloin herättänyt mitään vastausta; tällaisia ​​ovat "belyaevilaisten" sonaatit - V. I. Malishevsky, A. A. Winkler, joissa jotkut houkuttelevat sivut eivät riko kokonaiskuva"Akateeminen" hyvinvointi ja tyylikkyys.

Nämä ovat eufonisia, mutta vähän omaperäisiä sävellyksiä, joissa vallitsevat kansallisuudeltaan ja tyyliltään neutraalit teemat, vaikka myös venäläiset intonaatiot liukuvat läpi. AF Gediken viulusonaatti eroaa merkittävästi "Bach" -alueen beljajevilaisten teoksesta. L. V. Nikolajevin melodisesti miellyttävä sonaatti sai suhteellisen suuren suosion viulistien keskuudessa (joka säilyi Neuvostoliiton aikoina).

Tämän tyylilajin viuluteoksista tulisi erottaa erityisen herkkä ja hienostunut taiteilija G.V. Catoiren kaksi sonaattia. G. Catoiren työn juuret ovat P. Tšaikovskin, S. Tanejevin, A. Glazunovin musiikissa, joka on oikukas yhdistelmä impressionistien ja A. Scriabinin tyylielementtien kanssa. Suuri sonaatti viululle ja pianolle, op. 15 G. Catoire, jossa on kiihkeä runo, osa I, "Barcarole", ja impressionistinen finaali (fantastinen "ups"), on arvioitava yhdeksi tuon aikakauden venäläisen viulun sonaatin tyylilajin kehityksen huippuista.

MF Gnesinin sonaatilla on synkkä subjektivistinen sävy, jossa juutalaisen kansanlaulun intonaatiot annetaan hienojen kromatoitujen harmonioiden puitteissa. Yksi parhaista venäläisistä viulusonaateista - Sonata op. 21 h-moll (1909-1910), N.K. Medtner. Pienet muodot ovat melko kehittyneitä, mutta jopa niissä lajityypin ja tyylin monimuotoisuutta viulukirjallisuus on huomattavasti huonompi kuin piano. Sen vallitseva paikka on lyyrisen ja genren näytelmiä- romansseja, elegioita, "heijastuksia", "unia", mazurkasia ja valsseja, joissa on joskus ripaus intiimiä sanoitusta ja salonki.

Lyyrisesti ja tyylilajina, joilla on taipumus romantiikkamelodioihin, A. Arenskyn näytelmät "Presdelaier", 6 luonnosta viululle ja pianolle, A. T. Grechaninov "Lullaby", "Reflection", "Regrets" - op. 9, 1895, F. Akimenko "Kehtolaulu", 1902, J. Vitola "Kaksi kappaletta", "Romanssi", S. Barmotinin sviitti "Prelude", "Little Poem", "Lullaby", "Scherzando", "Ecloga" , "Mazurka", "Elegy", "Oriental Picture", "Little Waltz". Taiteellisesti merkittävimmät pienten muotojen viulukappaleet kuuluvat A.K.Glazunoville, nämä ovat "Meditaatio" ja "Mazur-oberek", jotka on säveltänyt kirjailija itse viululle ja orkesterille. "Meditaatiosta" tuli ohjelmisto, joka esitettiin viulistien konserteissa.

NK Medtner kirjoitti useita viulukappaleita: 3 nokturnia (op. 16, 1907), 2 kanzonia (op. 43, 1924).

Useimmat 1900 -luvun alun merkittävistä venäläisistä säveltäjistä kunnioittivat kamariyhtyegenrejä, ja joillekin kamarimusiikista tuli luovuuden päämuoto (S.I.Taneev). Samalla on korostettava, että 1800 -luvun venäläisten klassikoiden perinteet osoittautuivat instrumentaalikokoonpanon alalla erityisen pysyviksi ja ehkä akateemisuuden taipumukset ilmenivät erityisen voimakkaasti .

Lukuun ottamatta A. Glazunovia, kaikki Belyaev -piirin säveltäjien työt olivat erittäin akateemisia. Tätä musiikkialuetta ei ole tarttunut uusiin suuntauksiin. Lähes poikkeus oli Kolme kappaletta jousikvartetti I.F. Stravinsky (1914). Kamariyhtyelajit houkuttelivat monia Belyaev -piirin säveltäjiä. Tämän ajan kamarikirjallisuudessa P. Tšaikovskin voimakkaat vaikutukset ilmenivät. Ne ovat hyvin havaittavissa AS Arenskyssä kahdessa kvartetissa ja 2 pianotrioissa. Ensimmäinen pianotrio (1894) oli erityisen suosittu, kiehtova romanttisella melodialla ja elegialaisilla tunnelmilla.

Tähän mennessä yksi yleisimmistä teoksista, jota on käytetty laajasti harjoittelussa, on edelleen S. V. Rahmaninovin Elegiac-trio nro 2 (d-moll), joka on omistettu P. I. Tšaikovskin (1893) muistoksi. Tšaikovskin pianotrio: Nykyaikainen kamarisinstrumenttimusiikki ideologisessa ja taiteellisessa merkityksessään on tullut suhteessa sinfoniseen musiikkiin; sinfonia sen sijaan osoittautuu usein lähelle kamarityyliä, kuten esimerkiksi D. D. Shostakovichin 14. ja 15. sinfonia.

Kamarinen instrumentaalimusiikki on tarkoitettu pienille esiintyjille. Sille on ominaista huomio ihmisen sisäiseen maailmaan persoonana, toisin kuin monien ihmisten pyrkimysten yleistävä ilmaus sinfoniassa. Sinfonian monumentaalisuus korosti tehokasta virtuoosisuutta instrumentaalikonsertti periaatteessa epätyypillinen kamarimusiikille. Päinvastoin, se erottuu taloudesta. ilmaisukeinot yksittäisten osapuolten suurella riippumattomuudella ja jokaisen yhtyeen jäsenen luovalla toiminnalla. Aluksi kamarimusiikki oli tarkoitettu kapealle kuulijakunnalle ja sitä soitettiin usein kotona, myöhemmin pienissä erityisissä konserttisaleissa.

Kamarimusiikki edellyttää tiettyä instrumentoinnin hallitsevaa toimintoa tietty painovoima virtuoosisuutta, jonka vuoksi tyylilajien tyylisisäiset porrastukset saavat joskus vain järjestyssuunnan suhteessa tärkeimpiin määrällisiin parametreihin.

Nykyaikainen kamarisinstrumentaali ideologisessa ja taiteellisessa merkityksessään on tullut suhteessa sinfoniseen musiikkiin; sinfonia osoittautuu usein lähellä kamarityyliä, mikä näkyy selvästi M. Khalitovan teoksissa.

Itä -Euroopan musiikissa ja nykyään siihen voidaan katsoa liittyvän krimin tataarimusiikkia, samoin kuin kansallisten sävellyskoulujen muodostumisen yhteydessä kamarityylien mukauttaminen kansallisesti perustuu aktiivisemmin viime vuosisadan puolivälistä lahjaksi. Siksi perinteiset kamarimusiikkilajit säilyvät täällä pidempään ja siten kiinnostus klassikkoon kamarin henkilökunta esimerkiksi M. Khalitovan teoksissa: konsertti "Ashyk-name", konsertti trumpetille ja orkesterille "Demerdzhin juurella", "Epitafi sellolle ja orkesterille" ja muut.

Casio SA-46 digitaalinen syntetisaattori pienestä koostaan ​​ja vain 32 näppäimestään huolimatta ei ole vain lelu, vaan täydellinen soitin aloittelijoille. Ensinnäkin siinä on vankka 8-sävelinen moniäänisyys ja loistava ääni kaikilta 100 sisäänrakennetulta soinnilta ja 50 tyyliltä. Ja toiseksi, tämän mallin mininäppäimistö sopii erinomaisesti lasten sormille.

4690 hieroa

Muistikirja muistiinpanoille 16l. RHYTHM JAZZ / A4 (205 * 280 mm), yksivärinen lohko, offset 65 g, värillinen. kannet, offsetpaperi 120 g. Kiinnitys - niitti pitkällä sivulla /

27 hieroa

Casio SA-47 digitaalinen syntetisaattori pienestä koostaan ​​ja vain 32 näppäimestään huolimatta ei ole vain lelu, vaan täydellinen soitin aloittelijoille. Ensinnäkin siinä on vankka 8-sävelinen polyfonia ja loistava ääni kaikilta 100 sisäänrakennetulta ääneltä ja 50 tyyliltä. Ja toiseksi, tämän mallin mininäppäimistö on täydellinen lasten sormille.

Yksi kosketus suosikkiäänestäsi: Piano / urut -kytkinpainike mahdollistaa nopean äänenvalinnan. Vaihda vain painamalla painiketta.

Laaja 100 -sävyinen ohjelmisto tarjoaa erinomaista laatua.

Melodioita jokaiseen makuun: 100 oppimismusiikkia antaa sinulle mahdollisuuden hallita eri tyylejä.

Selkeä ja käyttäjäystävällinen: LCD-näyttö tarjoaa nopean pääsyn kaikkiin instrumenttitoimintoihin.

Valitse oikea rytmi. Rumputyynyt ovat hieno johdanto digitaalisen rummutuksen maailmaan. Viisi painiketta, erilliselle rummulle tai lyömäsoittimelle, helpottavat rytmin soittamista ja mahdollistavat soolon yhdellä napautuksella.

Kyky sammuttaa melodia - tehokas menetelmä hallita oikea käsi... Oppimiseen tarjotaan 10 sävellystä.

4690 hieroa

44-näppäiminen Casio SA-76 digitaalinen syntetisaattori tarjoaa kaikille aloittelijoille ainutlaatuisen musiikkikokemuksen. 100 sävyä, 50 tyyliä, sisäänrakennetut kappaleet oppimiseen, uusin ääniprosessori vakavalla 8-nuotin polyfonialla tällaisille syntetisaattoreille sekä LCD-näyttö, joka auttaa ymmärtämään 2-rivistä nuotit- kaikki tämä tekee instrumentista erinomaisen avustajan aloittelevalle muusikolle.

Yksi kosketus suosikkiäänestäsi: Piano / urut -kytkinpainike mahdollistaa nopean äänenvalinnan. Vaihda vain painamalla painiketta.

Laaja 100 -sävyinen ohjelmisto tarjoaa erinomaista laatua.

Melodioita jokaiseen makuun: 100 oppimismusiikkia antaa sinulle mahdollisuuden hallita erilaisia ​​tyylejä.

Selkeä ja käyttäjäystävällinen: LCD-näyttö tarjoaa nopean pääsyn kaikkiin instrumenttitoimintoihin.

Valitse oikea rytmi. Rumputyynyt ovat hieno johdanto digitaalisen rummutuksen maailmaan. Viisi painiketta, erilliselle rummulle tai lyömäsoittimelle, helpottavat rytmin soittamista ja mahdollistavat soolon yhdellä napautuksella.

Kyky sammuttaa melodia on tehokas tapa hallita oikea käsi. Oppimiseen tarjotaan 10 sävellystä.

Kaiuttimet: 2 x 0,8 W

Verkkolaite ei sisälly toimitukseen.

5890 hieroa

Ernie Ball Hybrid Slinky -sarja on täydellinen yhdistelmä Super Slinky- ja Regular Slinky -langoista. Näitä kieliä voidaan käyttää myös sähköakustisissa kitaroissa. Ernie Ball -jouset on valmistettu korkeimpien laatustandardien ja valmistusprosessitekniikan mukaisesti niiden lujuuden, luotettavuuden ja kestävyyden varmistamiseksi.

Ernie Ball Hybrid Slinky on teräksinen kuusikulmainen ydin, jossa on nikkelipinnoitettu teräskääre. Jouset on valmistettu erityisesti karkaistusta hiiliteräksestä, joka tarjoaa tasapainoisen äänentoiston ja vapauttaa instrumenttisi täydellisesti.

Ydin: teräs

499 hieroa

Ernie Ball Reinforced Plain (RPS) -sarja on vahvistettu versio Slinky -kielistä. Kolme ensimmäistä nauhaa on varustettu erityisellä pronssikäämityksellä, joka varmistaa pallojen kiinnityksen kiertymisen - tämä estää niitä purkautumasta, mikä on valitettavasti melko yleistä. Kolme viimeistä merkkijonoa ovat ominaisuuksiltaan samanlaisia ​​kuin Nickel Wound -sarjan kielet. Hybrid Slinky RPS Nickel Wound -langat on valmistettu erityisesti suunnitelluista materiaaleista, joten ne ovat riittävän lujia kestämään rikkoutumista, mikä puolestaan ​​takaa niiden kestävyyden. Ja kaikki tämä ei ole haitallista Ernie Ball -merkkijonojen kirkkaalle ja rikkaalle äänelle, joka auttaa muusikoita ympäri maailmaa luomaan oman ainutlaatuisen luovan tilan.

Jousimittari: 9-11-16-26-36-46
Käämitys: nikkelöity teräs
Ydin: teräs

602 hieroa

Native Instruments Komplete Audio 6 sisältää kaiken mitä tarvitset musiikin tallentamiseen, toistamiseen ja esittämiseen. Suhteellisen pienessä, kestävässä metallikotelossa on neljä analogista I / O: ta, digitaalinen I / O. Kaksi mikrofonituloa

Luultavasti kaikki eivät ole välinpitämättömiä musiikille. Se seuraa ihmiskuntaa erottamattomasti, on mahdotonta määrittää tarkasti, milloin ihminen oppi havaitsemaan sen. Todennäköisesti tämä tapahtui, kun esi -isämme, joka yritti ilmaista tunteitaan, osui lattialle. Siitä lähtien ihminen ja musiikki ovat erottamattomasti sidoksissa toisiinsa, nykyään on monia sen tyylilajeja, tyylejä ja ohjeita. Tämä on kansanperinnettä, hengellistä ja lopuksi klassista instrumentaalista - sinfonista ja kamarimusiikkia. Lähes kaikki tietävät, mikä tämä suunta on, kuinka kamarimusiikki on olemassa, mutta mitkä ovat sen erot ja piirteet - harvat. Yritetään selvittää se myöhemmin artikkelissa.

Kamarimusiikin syntyhistoria

Kamarimusiikin historia ulottuu keskiajalle. 1500 -luvulla musiikki alkoi mennä pidemmälle kirkon kirkot... Jotkut kirjoittajat alkoivat kirjoittaa teoksia, joita esitettiin kirkon seinien ulkopuolella pienelle asiantuntijoille. On huomattava, että aluksi nämä olivat vain lauluosia, ja kamarinen instrumentaalimusiikki ilmestyi paljon myöhemmin. Mutta ensin asiat ensin.

Kamarimusiikki on lumoavaa. Tämä nimi tulee italialaisesta sanasta camera ("huone"), luultavasti kaikki muistavat. Toisin kuin kirkko ja teatterimusiikkia Kamari oli alun perin tarkoitettu esitettäväksi sisätiloissa pienelle ryhmälle kapealle kuulijakunnalle. Esitys tapahtui pääsääntöisesti kotona ja myöhemmin pienissä konserttisaleissa. Kamarisinstrumentaalinen musiikki saavutti suosionsa huippunsa 1700-1900-luvuilla, jolloin vastaavia konsertteja järjestettiin rikkaiden talojen kaikissa olohuoneissa. Myöhemmin aristokraatit esittivät jopa muusikoiden kokopäiväisiä tehtäviä.

Kamarimusiikkikuvia

Aluksi kamarimusiikkia oli tarkoitus esittää pienen ihmisryhmän edessä, jotka olivat sen tuntijoita ja asiantuntijoita. Ja sen huoneen koko, jossa konsertti pidettiin, antoivat esiintyjille ja kuuntelijoille mahdollisuuden olla läheisessä yhteydessä toisiinsa. Kaikki tämä loi ainutlaatuisen kuulumisen tunnelman. Ehkä siksi tällaiselle taiteelle on ominaista korkea kyky löytää lyyrisiä tunteita ja erilaisia ​​ihmekokemuksia.

Kamarimusiikin tyylilajit on suunniteltu mahdollisimman tarkasti lähetettäväksi lakonisten, mutta samalla perusteellisesti todennettujen keinojen avulla. Toisin kuin silloin, kun osat esittävät instrumenttiryhmät, tällaisissa sävellyksissä jokaiselle soittimelle on kirjoitettu oma osa, ja ne kaikki ovat käytännössä samanarvoisia keskenään.

Kamarisinstrumentaalisen kokoonpanon tyypit

Historian kehittyessä myös kamarimusiikki kehittyi. Se, että tällaisella suunnalla on esiintyjiä koskevia erityispiirteitä, ei vaadi todisteita. Nykyaikaisia ​​instrumentaaliyhtyeitä ovat:

• duetot (kaksi esiintyjää);
• kolmikko (kolme jäsentä);
• kvartetit (neljä);
• kvintetit (viisi);
• sekstetit (kuusi);
• septit (seitsemän);
• oktetit (kahdeksan)
• nonetit (yhdeksän);
• desimettejä (kymmenen).

Samaan aikaan instrumentaalinen koostumus voi olla hyvin monipuolinen. Se voi sisältää molemmat merkkijonot, ja vain kielet tai vain tuulet voidaan sisällyttää yhteen ryhmään. Ja voi olla sekakammion kokoonpanoja - piano kuuluu niihin erityisen usein. Yleensä niiden kokoonpano rajoittuu vain yhteen asiaan - säveltäjän mielikuvitukseen, ja se on useimmiten rajaton. Lisäksi on myös kamariorkestereita - kollektiiveja, joihin kuuluu enintään 25 muusikkoa.

Instrumentaaliset kamarimusiikkilajit

Kamarimusiikin nykyaikaiset lajityypit muodostettiin sellaisten suurten säveltäjien teosten vaikutuksesta kuin W. A. ​​Mozart, L. Beethoven, I. Haydn. Nämä mestarit loivat teoksia, jotka olivat vertaansa vailla sisällön ja emotionaalisen syvyyden suhteen. Sonaatit, duetot, triot, kvartetit ja kvintetit olivat kerran kunnianosoitus 1800 -luvun tunnetuimmille romantikoille: F. Mendelssohn, R. Schumann, F. Schubert, F. Chopin. Lisäksi instrumentaalisten miniatyyrien (nocturnes, intermezzo) genre sai tuolloin valtavan suosion.

Siellä on myös kamarikonsertteja, sviittejä, fuugoja, kantaatteja. 1700 -luvulla kamarimusiikin tyylilajit olivat hyvin erilaisia. Lisäksi ne absorboivat muiden suuntausten ja tyylien tyylillisiä piirteitä. Esimerkiksi L. Beethovenin halu työntää sellaisen ilmiön rajoja kuin kamarimusiikki on niin selvästi jäljitettävissä, että sellainen teos kuin Kreutzer -sonaatti ei ole monumentaalisuudeltaan ja tunnevoimakkuudeltaan millään tavalla huonompi kuin sinfoniset luomukset.

Laulavan kamarimusiikin tyylilajit

1800 -luvulla laulu kamarimusiikki sai valtavan suosion. Uusia taidelaulun ja romantiikan tyylilajeja kunnioitettiin R. Schumannille, F. Schubertille, I. Brahmsille. Venäläiset säveltäjät ovat antaneet korvaamattoman panoksen maailman kamarimusiikkikokoelmaan. M. I. Glinkan, P. I. Tšaikovskin, M. P. Mussorgskin, M. A. Rimsky-Korsakovin upeat romanssit eivät jätä ketään välinpitämättömäksi vieläkään. Lisäksi pienet palaset, on myös kamarioopperan tyylilaji. Se merkitsee pienen esiintyjien läsnäoloa eikä vaadi suurta tilaa tuotannolle.

Kamarimusiikkia tänään

Tietysti nykyään ei käytännössä ole taloja, joissa kamarimusiikkia soitetaan rajoitetun ihmisryhmän ympäröimänä, kuten menneinä vuosisatoina. Toisin kuin nykyiset stereotypiat, tämä suunta on kuitenkin edelleen erittäin suosittu. Urku- ja kamarimusiikkitalot ympäri maailmaa keräävät miljoonia faneja teoksina klassisia säveltäjiä ja nykykirjailijoita... Festivaaleja järjestetään säännöllisesti, missä kuuluisat ja nousevat esiintyjät jakavat taiteitaan.