Klassik simfoniya neçə hissədən ibarətdir? Simfoniya

Simfoniya(yunan "konsonans" dan) - bir neçə hissədən ibarət orkestr üçün bir parça. Konsert orkestr musiqisi arasında simfoniya ən musiqi formasıdır.

Klassik quruluş

Sonata ilə quruluşunun nisbi oxşarlığına görə simfoniyanı orkestr üçün möhtəşəm sonata adlandırmaq olar. Sonata və simfoniya, həmçinin trio, kvartet və s. "sonata-simfonik sikl"ə - əsərin siklik musiqi formasına aiddir, burada partiyalardan ən azı birini (adətən birinci) təqdim etmək adətdir. sonata forması. Sonata-simfonik sikl sırf instrumental formalar arasında ən böyük tsiklik formadır.

Sonatada olduğu kimi klassik simfoniyanın dörd hərəkəti var:
- birinci hissə, sürətli templə, sonata şəklində yazılır;
- ikinci hissə, yavaş hərəkətdə, rondo şəklində, daha az tez-tez sonata və ya variasiya şəklində yazılır;
- üç hissəli formada üçüncü hərəkət, şerzo və ya minuet;
- dördüncü hissə, sürətli templə, sonata şəklində və ya rondo, rondo sonata şəklində.
Əgər birinci hissə mülayim tempdə yazılıbsa, əksinə, ondan sonra sürətli ikinci və yavaş üçüncü hissə (məsələn, Bethovenin 9-cu simfoniyası) ola bilər.

Simfoniyanın orkestrin böyük gücü üçün nəzərdə tutulduğunu nəzərə alsaq, onun hər bir hissəsi, məsələn, adi bir hissədən daha geniş və təfərrüatlı şəkildə yazılmışdır. piano sonatası, çünki simfonik orkestrin ifadə vasitələrinin zənginliyi musiqi düşüncəsinin müfəssəl təqdimatını təmin edir.

Simfoniya tarixi

Simfoniya terminindən istifadə edilmişdir Qədim Yunanıstan, Orta əsrlərdə və əsasən müxtəlif alətləri, xüsusən də eyni anda birdən çox səs çıxara bilən alətləri təsvir etmək üçün. Beləliklə, Almaniyada simfoniya 18-ci əsrin ortalarına qədər idi ümumi termin klavesin növləri üçün - spinets və bakirələr, Fransada sözdə barrel orqanları, klavesinlər, iki başlı nağaralar və s.

"Birlikdə səslənən" musiqi parçalarını ifadə edən simfoniya sözü 16-17-ci əsrlərə aid bəzi əsərlərin adlarında yer almağa başladı, məsələn, Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 və Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Enistichee, info), 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) və Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Domeniko Scarlattinin rəhbərliyi altında inkişaf edən simfoniya son XVIIəsr. Bu forma o dövrdə artıq simfoniya adlanırdı və üç ziddiyyətli hissədən ibarət idi: allegro, andante və allegro, bir bütövlükdə birləşdi. Məhz bu forma tez-tez orkestr simfoniyasının birbaşa sələfi kimi qəbul edilir. "Uvertüra" və "simfoniya" terminləri 18-ci əsrin çox hissəsində bir-birini əvəz edən mənada istifadə edilmişdir.

Simfoniyanın digər mühüm əcdadları ən sadə formalarda və əsasən eyni açarda bir neçə hissədən ibarət orkestr süitası və simli və kontinuo üçün konserti xatırladan, lakin solo alətləri olmayan forma olan ripieno konserti idi. Bu formada Cüzeppe Torellinin əsərləri yaradılmışdır və bəlkə də ən məşhur ripieno konserti İohann Sebastian Baxın “Brandenburq Konserti No. 3”dür.

Simfoniyanın klassik modelinin banisi hesab olunur. Klassik simfoniyada yalnız birinci və sonuncu hərəkətlər eyni düyməyə malikdir, orta hərəkətlər isə əsasa yaxın düymələrlə yazılır ki, bu da bütün simfoniyanın açarını müəyyən edir. Klassik simfoniyanın görkəmli nümayəndələri Volfqanq Amadey Motsart və Lüdviq van Bethovendir. Bethoven simfoniyanı kəskin şəkildə genişləndirdi. Onun 3 nömrəli ("Qəhrəmanlıq") simfoniyası getdikcə daha çox miqyas və emosional diapazona malikdir. erkən əsərlər, onun 5 nömrəli Simfoniyası indiyə qədər yazılmış ən məşhur simfoniyadır. Onun 9 nömrəli simfoniyası sonuncu hissədə solistlər və xor üçün hissələri daxil edən ilk "xor simfoniyalarından" birinə çevrilir.

Romantik simfoniya bir əlaqəyə çevrildi klassik forma romantik ifadə ilə. Proqramlaşdırma meyli də inkişaf edir. Görünür. Romantizmin əsas fərqləndirici xüsusiyyəti formanın böyüməsi, orkestrin tərkibi və səs sıxlığı idi. Bu dövrün ən görkəmli simfonik bəstəkarları arasında Frans Şubert, Robert Şumann, Feliks Mendelson, Hektor Berlioz, İohannes Brams, P.İ. Çaykovski, A. Brukner və Qustav Maler var.

19-cu əsrin ikinci yarısından və xüsusən 20-ci əsrdə simfoniyanın daha da transformasiyası baş verdi. Dörd hissədən ibarət quruluş isteğe bağlıdır: simfoniyalar birdən (7-ci simfoniya) on birə qədər (D. Şostakoviçin 14-cü simfoniyası) və ya daha çox hissədən ibarət ola bilər. Bir çox bəstəkarlar simfoniyaların ölçüsünü sınaqdan keçirdilər, ona görə də Qustav Maler “Min İştirakçının Simfoniyası” adlı 8-ci simfoniyasını yaratdı (onu ifa etmək üçün lazım olan orkestrin və xorların gücünə görə). Sonata formasının istifadəsi isteğe bağlıdır.
Bethovenin 9-cu simfoniyasından sonra bəstəkarlar simfoniyalara daha tez-tez daxil olmağa başladılar. vokal hissələri... Bununla belə, musiqi materialının miqyası və məzmunu dəyişməz olaraq qalır.

Görkəmli simfonik bəstəkarların siyahısı
Cozef Haydn- 108 simfoniya
Volfqanq Amadey Motsart - 41 (56) simfoniya
Lüdviq van Bethoven - 9 simfoniya
Frans Şubert - 9 simfoniya
Robert Şumann - 4 simfoniya
Feliks Mendelssohn - 5 simfoniya
Hector Berlioz - bir neçə proqram simfoniyası
Antonín Dvořák - 9 simfoniya
Johannes Brahms - 4 simfoniya
Pyotr Çaykovski - 6 simfoniya (həmçinin "Manfred" simfoniyası)
Anton Brukner - 10 simfoniya
Qustav Mahler - 10 simfoniya
- 7 simfoniya
Sergey Rachmaninoff - 3 simfoniya
İqor Stravinski - 5 simfoniya
Sergey Prokofyev - 7 simfoniya
Dmitri Şostakoviç - 15 simfoniya (həmçinin bir neçə kamera simfoniyası)
Alfred Şnitke - 9 simfoniya

Çoxsaylı musiqi janrları və formaları arasında ən şərəfli yerlərdən biri simfoniyaya aiddir. 19-cu əsrin əvvəllərindən bu günə kimi əyləncə janrı kimi meydana çıxmış musiqi sənətinin heç bir növü kimi öz dövrünü ən həssas və dolğun şəkildə əks etdirir. Bethoven və Berliozun, Şubert və Bramsın, Maler və Çaykovskinin, Prokofyevin və Şostakoviçin simfoniyaları dövr və şəxsiyyət, bəşəriyyət tarixi və dünya yolları haqqında geniş miqyaslı düşüncələrdir.

Simfonik sikl, bir çox klassik və müasir nümunələrdən bildiyimiz kimi, təxminən iki yüz əlli il əvvəl formalaşmışdır. Lakin bu tarixən qısa müddət ərzində simfoniya janrı nəhəng bir yol keçmişdir. Bu yolun uzunluğu və əhəmiyyəti məhz onunla müəyyənləşirdi ki, simfoniya öz dövrünün bütün problemlərini özündə cəmləşdirir, dövrün mürəkkəb, ziddiyyətli, nəhəng təlatümləri ilə dolu, hissləri, iztirabları, mübarizələri özündə əks etdirə bilirdi. insanların. XVIII əsrin ortalarında cəmiyyətin həyatını təsəvvür etmək və Haydnın simfoniyalarını xatırlamaq kifayətdir; böyük sarsıntılar son XVIII- 19-cu əsrin əvvəlləri - və onları əks etdirən Bethovenin simfoniyaları; cəmiyyətdəki reaksiya, məyusluq - və romantik simfoniyalar; nəhayət, bəşəriyyətin 20-ci əsrdə dözməli olduğu bütün dəhşətləri - və bu nəhəng, bəzən faciəli yolu aydın görmək üçün Bethovenin simfoniyalarını Şostakoviçin simfoniyaları ilə müqayisə edin. İndi az adam xatırlayır ki, başqa sənətlərə aid olmayan bu ən mürəkkəb sırf musiqi janrının başlanğıcı nə idi, mənşəyi nədir.

Gəlin 18-ci əsrin ortalarında musiqili Avropaya qısa nəzər salaq.

Klassik sənət ölkəsi olan İtaliyada hamının trendsetteri Avropa ölkələri, opera ali hökmranlıq edir. Opera-seriya deyilən (“ciddi”) üstünlük təşkil edir. İçərisində canlı fərdi təsvirlər yoxdur, əsli yoxdur dramatik hərəkət... Opera Seria müxtəlif növ alternativdir ruh halları, şərti simvollarda təcəssüm olunur. Onun ən mühüm hissəsi bu dövlətlərin ötürüldüyü ariyadır. Qəzəb və qisas ariyaları, şikayət ariyaları (lamento), kədərli yavaş ariyalar və sevincli cəsarətli ariyalar var. Bu ariyalar o qədər ümumiləşdirilmişdi ki, onları tamaşaya heç bir zərər vurmadan bir operadan digərinə köçürmək olardı. Əslində, bəstəkarlar bunu tez-tez edirdilər, xüsusən də mövsümdə bir neçə opera yazmalı olduqda.

Melodiya opera-seriyanın elementi oldu. Məşhur italyan bel kanto sənəti burada özünün ən yüksək ifadəsini tapmışdır. Ariyalarda bəstəkarlar bu və ya digər halın təcəssümünün həqiqi zirvələrinə çatmışlar. Musiqi ilə sevgi və nifrət, sevinc və ümidsizlik, qəzəb və kədər o qədər canlı və inandırıcı şəkildə çatdırılırdı ki, müğənninin nəyi oxuduğunu anlamaq üçün mətni eşitməyə ehtiyac yox idi. Bu, mahiyyətcə təcəssüm etdirmək üçün nəzərdə tutulmuş mətnsiz musiqiyə yol açdı insan hissləri və ehtiras.

İntermediyalardan - opera-seriyanın aktları arasında ifa olunan və onunla əlaqəli olmayan daxil edilmiş səhnələr - onun şən bacısı, komik opera həvəskarı yarandı. Məzmuna görə demokratik (onun xarakterləri yox idi mifoloji qəhrəmanlar, padşahlar və cəngavərlər və sadə insanlar xalqdan), o, bilərəkdən saray sənətinə qarşı çıxdı. Opera həvəskarı təbiiliyi, hərəkət canlılığı və çox vaxt folklorla birbaşa bağlı olan musiqi dilinin kortəbiiliyi ilə seçilirdi. Bu, səsli dil twisters, komik parodiya koloratur, canlı və yüngül rəqs melodiyaları ehtiva edir. Aktların finalları personajların bəzən hamısını birdən oxuduğu ansambllar şəklində baş verdi. Bəzən belə finalları "top" və ya "qarışıqlıq" adlandırırdılar ki, hərəkət sürətlə onlara yuvarlandı və intriqa çaşqın oldu.

İnstrumental musiqi də İtaliyada inkişaf etmişdir və hər şeydən əvvəl opera ilə ən sıx bağlı olan janr - uvertüra. Opera tamaşasına orkestr girişi kimi o, operadan ariyaların melodiyalarına bənzər parlaq, ifadəli musiqi mövzularını götürdü.

O dövrün italyan uvertürası üç bölmədən ibarət idi - sürətli (Alleqro), yavaş (Adagio və ya Andante) və yenidən sürətli, əksər hallarda bir minuet. Bunu sinfoniya adlandırdılar - yunan dilindən tərcümədə - consonance. Zaman keçdikcə uvertüralar təkcə pərdə açılana qədər teatrda deyil, müstəqil orkestr əsərləri kimi ayrıca ifa olunmağa başladı.

17-ci əsrin sonu - 18-ci əsrin əvvəllərində İtaliyada eyni zamanda istedadlı bəstəkar olan skripka virtuozlarının parlaq qalaktikası meydana çıxdı. Ekspressivliyinə görə insan səsi ilə müqayisə oluna bilən musiqi aləti olan skripkanı mükəmməl mənimsəmiş Vivaldi, İomelli, Lokatelli, Tartini, Korelli və başqaları geniş skripka repertuarını, əsasən, sonata adlanan parçalardan (italyan sonaresindən -) yaratmışlar. səs). Onlarda Domeniko Skarlattinin, Benedetto Marçellonun və digər bəstəkarların klavier sonatalarında olduğu kimi, sonradan simfoniyaya keçən bəzi ümumi struktur xüsusiyyətləri formalaşmışdır.

Fransanın musiqi həyatı başqa cür formalaşmışdı. Onlar çoxdan söz və hərəkətlərlə əlaqəli musiqini sevirlər. Balet sənəti yüksək inkişaf etmişdir; operanın xüsusi növü yetişdirilirdi - kral sarayının özünəməxsus həyatını, onun etiketini, şənliklərini özündə əks etdirən Korneil və Racine faciələrinə bənzər lirik faciə.

Fransa bəstəkarları həm süjetə, həm proqrama, həm musiqinin şifahi tərifinə, həm də yaradıcılığa diqqət yetirmişlər instrumental parçalar... "Yalğalayan papaq", "Orakçılar", "Dəf" - bu, ya janr eskizləri, ya da eskizləri olan klavesin parçalarının adı idi. musiqili portretlər- "Zərif", "Zərif", "Zəhmətkeş", "Natiq".

Bir neçə hissədən ibarət daha iri əsərlər rəqsdən yaranmışdır. Sərt alman allemandı, sürüşən Fransız zəngi kimi mobil, əzəmətli ispan sarabandası və sürətli gigue - İngilis dənizçilərinin alovlu rəqsi - Avropada çoxdan tanınır. Onlar instrumental süita janrının əsasını təşkil edirdilər (fransız süitasından - ardıcıl). Süitaya tez-tez başqa rəqslər də daxil edilirdi: minuet, qavot, polonez. Allemandın önündə giriş müqəddiməsi səslənə bilər, süitanın ortasında ölçülüb rəqs hərəkəti bəzən sərbəst ariya ilə kəsilirdi. Amma süitanın əsasını dörd müxtəlif rəqs növü təşkil edir müxtəlif millətlər- şübhəsiz ki, dördünü qeyd edən eyni ardıcıllıqla mövcud idi müxtəlif əhval-ruhiyyə dinləyicini başlanğıcın sakit hərəkətindən həyəcanlı tələsik sona qədər istiqamətləndirir.

Süitalar təkcə Fransada deyil, bir çox bəstəkarlar tərəfindən yazılmışdır. Böyük İohann Sebastian Bax, adı da almandır musiqi mədəniyyəti o dövrün ümumiyyətlə bir çox musiqi janrları bir-birinə bağlıdır.

ölkələrdə Alman dili, yəni çoxsaylı alman krallıqları, knyazlıqları və yepiskopluqları (Prussiya, Bavariya, Sakson və s.), eləcə də müxtəlif sahələr o zamanlar "musiqiçilər xalqı"nın daxil olduğu çoxmillətli Avstriya imperiyası - Habsburqların əsarətində olan Çexiya - instrumental musiqi çoxdan becərilirdi. İstənilən kiçik şəhərdə, qəsəbədə, hətta kənddə skripkaçılar və violonçel ifaçıları olurdu, axşamlar həvəskarların həvəslə ifa etdiyi solo və ansambl əsərləri səslənirdi. Musiqi yaratmaq üçün mərkəzlər adətən kilsələr və onlara bağlı məktəblər idi. Müəllim, bir qayda olaraq, bayramlarda çıxış edən kilsə orqanisti idi musiqi fantaziyaları bacardıqları qədər. Böyük Alman protestant mərkəzlərində, məsələn, Hamburq və ya Leypsiqdə musiqi yaradıcılığının yeni formaları formalaşdı: orqan konsertləri kafedrallarda. Bu konsertlərdə prelüdlər, fantaziyalar, variasiyalar, xor tərtibatı və ən əsası fuqalar səslənirdi.

Fuqa ən çox kompleks görünüşİ.S. yaradıcılığında zirvəyə çatan polifonik musiqi. Bax və Handel. Adı Latın fuga - qaçışdan gəlir. Bu, səsdən səsə keçid edən (çalışan!) tək bir mövzuya əsaslanan polifonik parçadır. Eyni zamanda, hər biri səs adlanır melodiya xətti... Belə sətirlərin sayından asılı olaraq fuqa üç, dörd, beş hissəli və s. ola bilər. Fuqanın orta bölməsində mövzu bütün səslərdə tam səsləndikdən sonra işlənməyə başlayır: sonra onun başlanğıc görünür və yenidən yox olur, sonra genişlənir (onu təşkil edən qeydlərin hər biri iki dəfə uzun olacaq), sonra daralır - buna artımda mövzu, azalmada mövzu deyilir. Ola bilər ki, mövzu daxilində enən melodik hərəkətlər yüksəlir və əksinə (mövzu dövriyyədədir). Melodik hərəkət bir düymədən digərinə keçir. Fuqanın yekun bölməsində - Reprise - mövzu başlanğıcda olduğu kimi, parçanın əsas tonallığına qayıdaraq yenidən dəyişməz səslənir.

Bir daha xatırladaq: söhbət 18-ci əsrin ortalarından gedir. Çox tezliklə mütləq monarxiyanı süpürüb aparacaq aristokratik Fransanın bağırsaqlarında partlayış baş verir. Yeni vaxt gələcək. İnqilabi hisslər hələ də gizli şəkildə hazırlanarkən, fransız mütəfəkkirləri mövcud nizama qarşı çıxırlar. Onlar bütün insanların qanun qarşısında bərabərliyini tələb edir, azadlıq, qardaşlıq ideyalarını bəyan edirlər.

İctimai həyatdakı dəyişiklikləri əks etdirən sənət Avropanın siyasi atmosferindəki dəyişikliklərə həssasdır. Buna misal göstərmək olar ölməz komediyalar Beaumarchais. Bu, musiqiyə də aiddir. İndi nəhəng tarixi əhəmiyyətə malik hadisələrlə dolu çətin bir dövrdə, köhnə, çoxdan formalaşmış musiqi janrlarının və formalarının dərinliklərində yeni, həqiqətən də inqilabi janr - simfoniya yaranır. O, keyfiyyətcə, əsaslı şəkildə fərqlənir, çünki o, həm də yeni təfəkkür növünü təcəssüm etdirir.

Təsadüfi deyil ki, Avropanın müxtəlif ərazilərində ilkin şərtlərə malik olmaqla simfoniya janrı nəhayət alman dili ölkələrində formalaşıb. italiyada milli sənət opera var idi. İngiltərədə orada baş verənlərin ruhu və mənası tarixi proseslər milli ingilis bəstəkarı olan, əslən alman olan Georg Handelin oratoriyalarını ən dolğun şəkildə əks etdirir. Fransada dünyanı həyəcanlandıran yeni fikirləri daha konkret, birbaşa və anlaşılan ifadə edən başqa sənət növləri, xüsusilə də ədəbiyyat və teatr ön plana çıxdı. Volterin əsərləri, Russonun "Yeni Eloza", Monteskyenin "Fars məktubları" üstü örtülü, lakin kifayət qədər başa düşülən formada oxuculara mövcud nizamın kostik tənqidini təqdim edir, cəmiyyətin quruluşu ilə bağlı öz versiyalarını təklif edirdi.

Bir neçə onillikdən sonra musiqiyə gəldikdə, inqilabi qoşunların sıralarında bir mahnı meydana çıxdı. Bunun ən parlaq nümunəsi zabit Rouge de Lisle tərəfindən bir gecədə yaradılan və Marselaz adı ilə dünya şöhrəti qazanan Reyn ordusunun mahnısıdır. Mahnıdan sonra kütləvi şənliklər və yas mərasimləri musiqisi səslənib. Və nəhayət, operanın finalında qəhrəmanın və ya qəhrəmanın tiran tərəfindən təqib edilməsini və onların xilasını özündə ehtiva edən “xilas operası”.

Simfoniya isə həm formalaşması, həm də tam qavrayış üçün tamam başqa şərtlər tələb edirdi. Həmin dövrün ictimai dəyişikliklərinin dərin mahiyyətini ən dolğun şəkildə əks etdirən fəlsəfi fikrin “ağırlıq mərkəzi” sosial tufanlardan uzaq Almaniyada sona çatdı.

Orada əvvəlcə Kant, sonra isə Hegel öz yeni fəlsəfi sistemlərini yaratdılar. Fəlsəfi sistemlər kimi simfoniya da - musiqi yaradıcılığının ən fəlsəfi, dialektik-prosessual janrı nəhayət ki, yalnız yaxınlaşan tufanların uzaq əks-sədalarının çatdığı yerdə formalaşdı. Bundan başqa, sabit instrumental musiqi ənənəsi inkişaf etmişdir.

Yeni bir janrın yaranması üçün əsas mərkəzlərdən biri Mannheim - Bavariya Seçici Pfalzının paytaxtı idi. Burada, Seçici Karl Teodorun parlaq sarayında, 18-ci əsrin 40-50-ci illərində, o dövrdə Avropanın bəlkə də ən yaxşısı olan əla orkestr saxlanılırdı.

O vaxta qədər simfonik orkestr hələ başlanğıc mərhələsində idi. Məhkəmə kilsələrində və kafedrallarda sabit tərkibli orkestr qrupları yox idi. Hər şey hökmdarın və ya hakimin ixtiyarında olan vasitələrdən, əmr verə bilənlərin zövqündən asılı idi. Əvvəlcə orkestr ya saray tamaşalarını, ya da şənlik və təntənəli mərasimləri müşayiət edərək yalnız tətbiqi rol oynayırdı. Və bu, ilk növbədə, opera və ya kilsə ansamblı kimi qəbul edildi. Əvvəlcə orkestr skripka, leyta, arfa, fleyta, qoboy, fransız buynuzları, nağaralardan ibarət idi. Tədricən sıra genişləndi, simli alətlərin sayı artdı. Vaxt keçdikcə skripkalar köhnə violanı əvəz etdi və tezliklə orkestrdə aparıcı mövqe tutdu. Ağac nəfəsli alətlər - fleyta, qoboy, fagot - birləşdi ayrı bir qrup, mis borular, trombonlar da var idi. Orkestrdə məcburi alət səs üçün harmonik əsas yaradan klavesin idi. Onun arxasında adətən orkestrin rəhbəri dayanırdı, o, ifa edərək eyni zamanda giriş üçün göstərişlər verirdi.

17-ci əsrin sonlarında zadəganlar məhkəmələrində mövcud olan instrumental ansambllar geniş yayıldı. Parçalanmış Almaniyanın çoxsaylı kiçik şahzadələrinin hər biri öz ibadətgahına sahib olmaq istəyirdi. Orkestrlərin sürətli inkişafı başladı, orkestr ifaçılığının yeni üsulları meydana çıxdı.

Mannheim Orkestri 30 simli, 2 fleyta, 2 qoboy, klarnet, 2 fagot, 2 truba, 4 fransız buynuzları, timpanidən ibarət idi. Bu, sonrakı dövrün bir çox bəstəkarlarının əsərlərini yaratdığı müasir orkestrin əsasını təşkil edir. Orkestrə görkəmli musiqiçi, bəstəkar və skripka virtuozu çex Yan Vatslav Stamitz rəhbərlik edirdi. Orkestrin artistləri arasında həm də öz dövrünün ən böyük musiqiçiləri, nəinki virtuoz instrumentalistlər, həm də istedadlı bəstəkarlar Frans Xaver Rixter, Anton Filz və başqaları var idi. Onlar heyrətamiz keyfiyyətləri - skripka vuruşlarının əlçatmaz bərabərliyi, ən incə dərəcələri ilə məşhurlaşan orkestrin ifaçılıq məharətinin əla səviyyəsini müəyyən etdilər. dinamik çalarlar, əvvəllər ümumiyyətlə istifadə olunmayıb.

Müasir tənqidçi Bosslerin fikrincə, "fortepiano, forte, rinforzandoya dəqiq riayət edilməsi, səsin tədricən böyüməsi və gücləndirilməsi və sonra onun gücünün güclə eşidiləcək bir səsə qədər azalması - bütün bunları yalnız Mannheimdə eşitmək olardı. ." 18-ci əsrin ortalarında Avropaya səyahətə çıxan ingilis musiqisevər Berni də onun fikirlərini belə ifadə edir: “Bu qeyri-adi orkestrin bütün imkanlarını göstərmək və böyük təsir bağışlamaq üçün kifayət qədər yer və cəhətləri var. Məhz burada Yomellinin əsərlərindən ilhamlanan Stamitz ilk dəfə adi opera uvertüralarından kənara çıxdı... belə bir səs kütləsinin yarada biləcəyi bütün effektlər sınaqdan keçirildi. Məhz burada kreşendos və diminuendos doğuldu və əvvəllər əsasən əks-səda kimi istifadə edilən və adətən onunla sinonim olan fortepiano və forte öz çalarları olan musiqi rəngləri kimi tanınırdı..."

Məhz bu orkestrdə ilk dəfə dördhissəli simfoniyalar səsləndi - eyni tipə uyğun qurulan və əvvəllər mövcud olan musiqi janrlarının və formalarının bir çox xüsusiyyətlərini özündə cəmləşdirən və keyfiyyətcə fərqli bir şəkildə əridən ümumi qanunlara malik olan bəstələr; yeni birlik.

İlk akkordlar həlledici, dolğun, sanki diqqəti cəlb edir. Sonra geniş, süpürgəçi keçidlər. Yenə də akkordlar, arpeqik hərəkətlə əvəzlənir, sonra isə canlı, elastik, sanki açılan yay, melodiya. Deyəsən, o, sonsuza qədər açıla bilər, lakin şayiənin istədiyindən daha tez ayrılır: ev sahiblərinə təqdim olunan qonaq kimi. böyük qəbul, onlardan uzaqlaşır, yerini izləyən başqalarına verir. Bir anlıq ümumi hərəkətdən sonra yeni bir mövzu meydana çıxır - daha yumşaq, qadına xas, lirik. Amma uzun səslənmir, keçidlərdə əriyir. Bir müddət sonra biz yenidən yeni açarda bir az dəyişdirilmiş ilk mövzuya sahibik. Musiqi axını sürətlə axır, simfoniyanın orijinal, əsas tonallığına qayıdır; ikinci mövzu üzvi şəkildə bu axına axır, indi xarakter və əhval-ruhiyyə baxımından birinciyə yaxınlaşır. Simfoniyanın birinci hissəsi tam səslənən şən akkordlarla başa çatır.

İkinci hərəkət, andante, simli alətlərin ifadəliliyini üzə çıxararaq, yavaş, melodik şəkildə açılır. Bu, lirikanın, elegik meditasiyanın üstünlük təşkil etdiyi orkestr üçün bir növ ariyadır.

Üçüncü hərəkət zərif bir cəsarətli minuetdir. İstirahət, rahatlıq hissi yaradır. Və sonra, odlu qasırğa kimi, hərarətli bir final partlayır. belədir ümumi kontur, o dövrün simfoniyası. Onun mənşəyi çox aydın şəkildə izlənilə bilər. Birinci hissə ən çox opera uvertürasını xatırladır. Amma uvertüra yalnız ifa ərəfəsidirsə, burada hərəkətin özü səslərdə açılır. Tipik olaraq uvertüranın opera musiqi obrazları - qəhrəmanlıq fanfarları, toxunan mərsiyələr, fırtınalı camışlar - konkret səhnə vəziyyətləri ilə əlaqələndirilmir və xarakterik fərdi xüsusiyyətlər daşımır (xatırlayın ki, hətta Rossininin "Sevilya bərbəri"nə məşhur uvertüranın məzmunla heç bir əlaqəsi yoxdur. operanın və ümumiyyətlə, ilkin olaraq başqa opera üçün yazılmışdır!), opera tamaşasından ayrılaraq müstəqil həyata başlamışdır. Onlar ilkin simfoniyada asanlıqla tanınır - birinci mövzularda qəhrəmanlıq ariyalarının həlledici cəsarətli intonasiyaları, əsas adlandırılanlar, ikinci - ikinci dərəcəli adlanan mövzularda lirik ariyaların incə ah-nalələri.

Opera prinsipləri simfoniyanın fakturasında da öz əksini tapıb. Əgər əvvəllər instrumental musiqidə polifoniya üstünlük təşkil edirdisə, yəni bir-birinə qarışan bir neçə müstəqil melodiyanın eyni vaxtda səsləndiyi polifoniya, burada fərqli tipli polifoniya inkişaf etməyə başladı: bir əsas melodiya (ən çox skripka), ifadəli, əhəmiyyətli, bir melodiya ilə müşayiət olunur. onu yola salan müşayiət , onun fərdiliyini vurğulayır. Homofonik adlanan bu tip polifoniya ilkin simfoniyada üstünlük təşkil edir. Sonralar simfoniyada fuqadan götürülmüş qurğular meydana çıxır. Lakin 18-ci əsrin ortalarında fuqa qarşı çıxma ehtimalı daha yüksəkdir. Bir qayda olaraq, bir mövzu var idi (qoşa, üçlü və daha çox fuqalar var, lakin onlarda mövzular bir-birinə zidd deyil, əksinə qoyulur). Dəfələrlə təkrar olundu, amma heç nə ona zidd olmadı. Bu, mahiyyət etibarı ilə bir aksioma, sübut tələb olunmadan dəfələrlə irəli sürülən tezis idi. Simfoniyada əks: müxtəlif görünüşlərdə və sonrakı dəyişikliklərdə musiqi mövzuları görüntülərdə isə mübahisələr, ziddiyyətlər eşidilir. Ola bilsin ki, zəmanənin əlaməti məhz bunda ən qabarıq şəkildə əks olunur. Həqiqət artıq adi deyil. Onu axtarmaq, sübut etmək, müqayisə etməklə əsaslandırmaq lazımdır müxtəlif fikirlər fərqli baxışları soruşur. Fransada ensiklopediyaçılar belə edir. Bu, alman fəlsəfəsinin, xüsusən də Hegelin dialektik metodunun əsasını təşkil edir. Axtarış çağının ruhu isə musiqidə öz əksini tapır.

Beləliklə, simfoniya opera uvertürasından çox şey götürdü. Xüsusilə, uvertüra simfoniyada müstəqil hissələrə çevrilən təzadlı bölmələrin bir-birini əvəz etməsi prinsipini də əks etdirirdi. Onun birinci hissəsində - müxtəlif tərəflər, insanın müxtəlif hissləri, onun hərəkətində, inkişafında, dəyişmələrində, təzadlarında və münaqişələrində həyat. İkinci hissədə - əks, konsentrasiya, bəzən - sözlər. Üçüncüsü - istirahət, əyləncə. Və nəhayət, final - əyləncə, şənlik şəkilləri və eyni zamanda - nəticə musiqi inkişafı, simfonik dövrün tamamlanması.

Belə bir simfoniya 19-cu əsrin əvvəllərində formalaşacaq, belə ki, ən ümumi mənada, məsələn, Brahms və ya Bruckner olacaq. Və doğulduğu zaman o, yəqin ki, süitdən bir çox hissələri götürmüşdür.

Allemande, Couranta, Sarabande və Gigue - erkən simfoniyalarda asanlıqla izlənilən dörd məcburi rəqs, dörd fərqli əhval-ruhiyyə. Onlarda rəqs xüsusilə melodik xarakterinə, tempinə, hətta ölçü ölçüsünə görə çox vaxt giqaya bənzəyən finallarda çox aydın ifadə olunur. Düzdür, bəzən simfoniyanın finalı opera buffasının parıldayan finalına daha yaxın olur, lakin bu halda da onun rəqslə, məsələn, tarantella ilə əlaqəsi şübhəsizdir. Üçüncü hissəyə gəlincə, o, minuet adlanır. Yalnız Bethovenin yaradıcılığında şerzo rəqsi - cəsarətli saray əyanını və ya kobud adi insanları - əvəz edəcəkdir.

Beləliklə, yeni doğulmuş simfoniya müxtəlif ölkələrdə doğulmuş bir çox musiqi janrlarının və janrlarının xüsusiyyətlərini mənimsəmişdir. Simfoniyanın formalaşması təkcə Mannheimdə baş tutmadı. Xüsusilə Vaqenzeyl tərəfindən təmsil olunan Vyana Məktəbi var idi. İtaliyada Giovanni Battista Sammartini simfoniya adlandırdığı və üçün nəzərdə tutduğu orkestr əsərləri yazdı. konsert tamaşası ilə əlaqəli deyil opera tamaşası... Fransada əslən belçikalı gənc bəstəkar Fransua-Jozef Qossek yeni janra üz tutdu. Onun simfoniyaları o vaxtdan bəri qarşılanmadı və tanınmadı Fransız musiqi Proqramlaşdırma üstünlük təşkil etdi, lakin onun yaradıcılığı fransız simfoniyasının formalaşmasında, simfonik orkestrin yeniləşməsində və genişlənməsində rol oynadı. Bir vaxtlar Vyanada xidmət edən çex bəstəkarı Frantişek Micha simfonik forma axtarışında geniş və uğurla sınaqdan keçirdi. Onun məşhur həmyerlisi İosif Mysleviçka maraqlı təcrübələr keçirib. Bununla belə, bütün bu bəstəkarlar tənha idilər və Manheymdə bütöv bir məktəb formalaşmışdı ki, onun da sərəncamında birinci dərəcəli “alət” – məşhur orkestr vardı. Pfalz Seçicisinin böyük musiqi həvəskarı olması və ona böyük məsrəfləri ödəmək üçün kifayət qədər vəsaitə malik olması şansı sayəsində müxtəlif ölkələrdən böyük musiqiçilər - avstriyalılar və çexlər, italyanlar və prusslar Pfalzın paytaxtına toplaşdılar. onlardan yeni janrın yaranmasına öz töhfəsini verib. Yan Stamitz, Franz Rixter, Karlo Toeski, Anton Filz və başqa ustadların əsərlərində simfoniya həmin əsas xüsusiyyətlərdə yaranıb, sonralar Vyana klassiklərinin - Haydn, Motsart, Bethovenin yaradıcılığına keçib.

Beləliklə, yeni janrın mövcud olduğu birinci yarım əsr ərzində müxtəlif və çox əhəmiyyətli məzmunu özündə cəmləşdirə bilən aydın struktur və dramatik model inkişaf etmişdir. Bu modelin əsası sonata və ya sonata alleqro adını alan forma idi, çünki o, çox vaxt bu tempdə yazılır, sonralar həm simfoniya, həm də instrumental sonata və konsert üçün xarakterikdir. Onun özəlliyi müxtəlif, tez-tez ziddiyyət təşkil edən musiqi mövzularının üst-üstə düşməsidir. Sonata formasının üç əsas bölməsi - ekspozisiya, inkişaf və rekapitulyasiya - fəaliyyətin açılmasına, inkişafına və klassik dramın ifşasına bənzəyir. Qısa girişdən sonra və ya dərhal ekspozisiyanın əvvəlində tamaşanın “personajları” tamaşaçıların qarşısından keçir.

Əsərin əsas açarında səslənən ilk musiqi mövzusu əsas adlanır. Daha tez-tez - əsas mövzu, lakin daha doğrusu - əsas partiya, çünki əsas partiya daxilində, yəni müəyyən bir seqment musiqi forması, bir tonallıq və təxəyyül ümumiliyi ilə birləşərək zaman keçdikcə bir deyil, bir neçə fərqli mövzu-melodiya yaranmağa başladı. Əsas partiyadan sonra, ilk nümunələrdə birbaşa müqayisə yolu ilə, sonrakılarda isə kiçik birləşdirici partiya vasitəsilə yan partiya başlayır. Onun mövzusu və ya iki və ya üç müxtəlif mövzularəsasla ziddiyyət təşkil edir. Çox vaxt yan hissə daha lirik, yumşaq, qadına xasdır. O, əsas, ikinci dərəcəli (hissənin adı belədir) düymədən fərqli açarda səslənir. Qeyri-sabitlik və bəzən qarşıdurma hissi yaranır. Ekspozisiya ilkin simfoniyalarda ya yoxdur, ya da tamaşanın ilk pərdəsindən sonra bir növ nöqtə, pərdə kimi sırf xidməti rolunu oynayan, daha sonra isə Motsartdan başlayaraq, mənanı qazanan yekun hissə ilə başa çatır. əsas və ikinci dərəcəli obrazla birlikdə müstəqil üçüncü təsvir.

Sonata formasının orta hissəsi inkişafdır. Adından göründüyü kimi, burada dinləyicilərin ekspozisiyada tanış olduqları (yəni əvvəllər nümayiş etdirilənlər) musiqi mövzuları işlənir, dəyişikliyə, inkişafa məruz qalır. Eyni zamanda, onlar yeni, bəzən gözlənilməz tərəflərdən göstərilir, dəyişdirilir, onlardan ayrı-ayrı motivlər - daha sonra toqquşan ən fəal olanlar təcrid olunur. İnkişaf çox təsirli bir bölmədir. Onun sonunda kulminasiya nöqtəsi gəlir ki, bu da təkrara gətirib çıxarır - formanın üçüncü bölməsi, dramın bir növ ifşası.

Bu bölmənin adı fransızca reprendre - davam etmək sözündən gəlir. Bu, ekspozisiyanın təzələnməsi, təkrarıdır, lakin dəyişdirilmişdir: hər iki hissə indi simfoniyanın əsas açarında səslənir, sanki inkişaf hadisələri ilə razılığa gəlir. Bəzən reprizdə başqa dəyişikliklər də olur. Məsələn, o, kəsilə bilər (ekspozisiyada səslənən mövzuların heç biri olmadan), güzgülənə bilər (əvvəlcə yan hissə səslənir, sonra isə əsas hissə). Simfoniyanın ilk hərəkəti adətən koda ilə başa çatır - sonata alleqrounun əsas tonallığını və əsas obrazını təsdiq edən nəticə. İlkin simfoniyalarda koda böyük deyil və mahiyyət etibarı ilə bir qədər işlənmiş yekun hissədir. Daha sonra, məsələn, Bethovendə o, əhəmiyyətli nisbətlər əldə edir və bir növ ikinci inkişafa çevrilir ki, burada bir daha mübarizədə bir təsdiq əldə edilir.

Bu forma həqiqətən universal oldu. Simfoniyanın yarandığı günlərdən bu günə qədər o, ən dərin məzmunu uğurla təcəssüm etdirir, tükənməz obrazlar, ideyalar, problemlər zənginliyini çatdırır.

Simfoniyanın ikinci hərəkəti ləngdir. Bu adətən dövrün lirik mərkəzidir. Onun forması fərqlidir. Çox vaxt üç hissədən ibarətdir, yəni oxşar ekstremal bölmələrə və orta ziddiyyətli hissələrə malikdir, lakin o, ilk alleqrodan strukturca fərqlənən sonata qədər variasiya və ya hər hansı digər formada yazıla bilər. daha yavaş temp və daha az təsirli inkişaf.

Üçüncü hissə - minuetin erkən simfoniyalarında və Bethovendən bu günə qədər - şerzo - adətən mürəkkəb üç hissəli formadır. Bu hissənin məzmunu onilliklər ərzində gündəlik və ya məhkəmə rəqslərindən monumental güclü şerzolara qədər dəyişdirilmiş və mürəkkəbləşdirilmişdir. 19-cu əsr və daha sonra, Şostakoviç, Honegger və 20-ci əsrin digər simfonistlərinin simfonik sikllərində şər, şiddətin nəhəng obrazlarına. İkinci ildən XIX əsrin yarısıəsrdə şerzo, simfoniyanın yeni konsepsiyasına uyğun olaraq, təkcə birinci hissədəki hadisələrə deyil, həm də şerzonun obrazlı dünyasına bir növ emosional reaksiyaya çevrilən yavaş hissə ilə yerlərini getdikcə dəyişir. (xüsusən Malerin simfoniyalarında).

Erkən simfoniyalarda dövrün nəticəsi olan final çox vaxt rondo sonata şəklində yazılır. Şən, parıldayan əyləncəli epizodların dəyişməz rəqs nəqarəti ilə növbələşməsi - belə bir quruluş təbii olaraq finalın obrazlarının təbiətindən, semantikasından irəli gəlirdi. Zaman keçdikcə simfoniyanın problemlərinin dərinləşməsi ilə onun final quruluşunun nümunələri dəyişməyə başladı. Finallar sonata şəklində, variasiya şəklində, sərbəst formada və nəhayət - oratoriya xüsusiyyətləri ilə (xor daxil olmaqla) görünməyə başladı. Onun obrazları da dəyişib: təkcə həyatın təsdiqi deyil, bəzən faciəvi nəticə (Çaykovskinin altıncı simfoniyası), qəddar reallıqla barışmaq və ya ondan xəyallar aləminə çəkilmək, illüziyalar simfonik siklin finalının məzmununa çevrilmişdir. son yüz il.

Ancaq bu janrın şərəfli yolunun başlanğıcına qayıdaq. 18-ci əsrin ortalarında yaranaraq böyük Haydnın yaradıcılığında klassik tamlığına çatdı.

yunan dilindən. simponiya - ahəng

Orkestr üçün musiqi əsəri, əsasən simfonik, adətən sonata-tsiklik formada. Adətən 4 hissədən ibarətdir; bir hissəyə qədər, getdikcə daha az hissələri olan S. var. Bəzən S.-də orkestrdən başqa, xor və solo vok təqdim olunur. səslər (buna görə də S.-kantata gedən yol). Simli, kameralı, nəfəsli və başqa orkestr əsərlərinin, solo alətlə orkestr üçün (S.-konsert), orqan, xor (xor S.) n vok üçün partituralar var. ansambl (stansiya C). Konsert simfoniyası - S. konsert (solo) alətləri ilə (2-dən 9-a qədər), konsertlə strukturca bağlı. S. tez-tez başqa janrlara yaxınlaşır: S.-suita, S.-rapsodiya, S.-fantaziya, S.-ballada, S.-əfsanə, S.-poema, S.-kantata, S.-rekviyem, S.- balet, S.-dram (bir növ kantata), teatr. S. (hörmətli cins). S. təbiətinə görə faciəyə, dramaturgiyaya, lirikaya da bənzədilə bilər. şeir, qəhrəmanlıq. epik, janr muses dövrünə yaxınlaşın. pyesləri, bir sıra təsvir edəcək. muses. şəkillər. Tipik o, hissələrin kontrastını dizaynın vəhdəti ilə, müxtəlif obrazların çoxluğu ilə muzaların bütövlüyünü birləşdirir. Drama. S. ədəbiyyatda dram və ya roman kimi musiqidə eyni yeri tutur. Ən yüksək alət növü kimi. musiqi təcəssüm vasitələrinin ən geniş imkanlarına görə bütün digər növlərini üstələyir. ideyalar və çoxlu emosional vəziyyətlər.

Əvvəlcə dr. Yunanıstan, "S." tonların ahəngdar birləşməsini (dördüncü, beşinci, oktava), eləcə də birgə oxumağı (ansambl, xor) nəzərdə tuturdu. Daha sonra Dr. Roma, bu instr adı oldu. ansambl, orkestr. Çərşənbə günü. əsr S. dünyəvi instr kimi başa düşülürdü. musiqi (bu mənada bu termin hələ 18-ci əsrdə Fransada işlədilirdi), bəzən ümumiyyətlə musiqi; Bundan əlavə, bəzi musalar belə adlanırdı. alətlər (məs. təkərli lira). 16-cı əsrdə. bu söz başlıqda işlənir. motetlər toplusu (1538), madrigallar (1585), vokal-instruktor. bəstələri (“Sacrae symphoniae” – “Sacred symphoniae” G. Gabrieli, 1597, 1615) və sonra instr. polifonik pyesləri (17-ci əsrin əvvəlləri). Çoxbucaqlılığa aid edilir. vok intro və ya intermediya kimi (çox vaxt akkord) epizodlar. və instr. əsərlər, xüsusən süitalara, kantatalara və operalara introlar (uvertüralar) üçün. Opera S. (uvertüra) arasında iki növ qeyd olunurdu: Venesiya - iki bölmədən (yavaş, təntənəli və sürətli, fuqa), sonralar fransızca işlənmişdir. uvertüra və Neapolitan - üç bölmədən (sürətli - yavaş - sürətli), 1681-ci ildə A. Scarlatti tərəfindən təqdim edildi, lakin hissələrin digər birləşmələrindən istifadə etdi. Sonata tsiklik forma tədricən S.-də dominant olur və onda xüsusilə çoxşaxəli inkişaf alır.

Ayrı duran təqribən. 1730 orc olduğu operadan. müqəddimə uvertüra şəklində qorunub saxlanıldı, səhifə müstəqil oldu. orc növü. musiqi. 18-ci əsrdə. əsas kimi yerinə yetirəcək. kompozisiya simli idi. alətlər, qoboylar və fransız buynuzları. S.-nin inkişafına dekompsiya təsir etmişdir. orc növləri. kamera musiqisi - konsert, süita, trio-sonata, sonata və s., eləcə də ansamblları, xorları və ariyaları ilə operanın melodiya, harmoniya, quruluş və obrazlılığa təsiri kifayət qədər nəzərə çarpır. Nə qədər konkret. janrı S. musiqinin digər janrlarından, xüsusən də teatrdan ayrıldıqca püxtələşdi, məzmun, forma, mövzuların işlənməsi və həmin bəstəkarlıq metodunun yaradılması baxımından müstəqillik qazandı ki, bu da sonralar simfonik musiqi adlanır və öz növbəsində bir çox sahələrə böyük təsir göstərir. yaradıcılıq.

S.-nin quruluşu təkamül yolu keçmişdir. S. Neapolitan tipli 3 hissəli dövrəyə əsaslanırdı. Tez-tez Venesiya və Fransızlardan nümunə götürürlər. S.-dəki uvertüralara birinci hissənin yavaş girişi daxildir. Daha sonra minuet S.-yə daxil oldu - əvvəlcə 3 hissəli dövrün sonu kimi, sonra 4 hissəli tsiklin hissələrindən biri (adətən üçüncü) kimi, finalda, bir qayda olaraq, rondo. və ya rondo sonata formasından istifadə edilmişdir. L. Bethovenin dövründən minuet şerzo (3-cü, bəzən 2-ci hissə), Q. Berliozun dövründən - və vals ilə əvəz edilmişdir. S. üçün ən vacib olan sonata forması ilk növbədə birinci hissədə, bəzən yavaş və son hərəkətlərdə də istifadə olunur. 18-ci əsrdə. S. çoxlu becərdi. ustad. Onların arasında italyan J. B. Sammartini (85 C., təqribən 1730-70, onlardan 7-si itmişdir), çexlərin aparıcı mövqe tutduğu Manheim məktəbinin bəstəkarları (F.K. Rixter, J. Stamitz və s.) var. ), qondarma nümayəndələri. preklassik (və ya erkən) Vyana məktəbi(M. Monn, Q.K. Vagenzeil və başqaları), Parisdə işləyən belçikalı F.J.Qosek, fransızların banisi. S. (29 s., 1754-1809, o cümlədən "Ovçuluq", 1766; əlavə olaraq, 3 s. Nasos orkestr üçün). Klassik tip C. Austr tərəfindən yaradılmışdır. komp. J.Haydn və V.A.Motsart. “Simfoniyanın atası” Haydnın (104 S., 1759-95) yaradıcılığında C.-nin formalaşması başa çatmışdır.Əyləncəli məişət musiqisi janrından o, ciddi instrumentalın dominant növünə çevrilmişdir. musiqi. Qurulmuş və qurulmuşdur. onun strukturunun xüsusiyyətləri. S. daxili təzadlı, məqsədyönlü inkişaf edən və birləşən ardıcıllıq kimi inkişaf etmişdir ümumi fikir hissələri. Motsart dramaturgiyanı S. gərginlik və ehtiraslı lirizm, əzəmət və lütf ona daha da böyük bir üslub vəhdəti verdi (təxminən 50 C, 1764 / 65-1788). Onun sonuncu S.- Es-major, g-minor və C-major ("Yupiter") - simfoniyanın ən yüksək nailiyyəti. məhkəmə 18-ci əsr Motsartın yaradıcılıq təcrübəsi sonrakı əsərlərində öz əksini tapmışdır. Haydn. S. tarixində Vyana klassik məktəbini bitirmiş L. Bethovenin rolu (9 s., 1800-24) xüsusilə böyükdür. Onun 3-cü ("Qəhrəmanlıq", 1804), 5-ci (1808) və 9-cu (finalda vokal kvarteti və xorla, 1824) S. qəhrəmanlıq nümunələridir. inqilabı təcəssüm etdirən, kütlələrə ünvanlanan simfoniya. pafos çarpayısı döyüş. Onun 6-cı S. ("Pastoral", 1808) proqramlaşdırılmış simfoniya nümunəsidir (bax: Proqramlaşdırılmış musiqi), 7-ci S. (1812), R. Vaqnerin sözləri ilə desək, "rəqs apoteozudur". Bethoven S.-nin əhatə dairəsini genişləndirdi, dramaturgiyasını dinamikləşdirdi və tematik dialektikanı dərinləşdirdi. inkişaf, zənginləşdirilmiş int. qurmaq və ideoloji mənaİLƏ.

Avstriya üçün. və bu. romantik bəstəkarlar 1-ci mərtəbə. 19-cu əsr tipik janrlar lirik ("Yarımçıq" Şubert simfoniyası, 1822) və epik (sonuncu - Şubertin 8-ci simfoniyası) C, eləcə də rəngarəng nat ilə mənzərə və məişət musiqisidir. rəngləmə ("İtalyan", 1833 və "Şotlandiya", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdi). Psixologiya da inkişaf edib. S.-nin zənginliyi (R.Şumanın 4 simfoniyası, 1841-51, burada yavaş hərəkətlər və şerzo ən ifadəlidir). Klassiklər arasında artıq yaranmış kortəbiilik meyli. bir hissədən digərinə keçid və tematik qurulması. hərəkətlər arasında əlaqə (məsələn, Bethovenin 5-ci simfoniyasında) romantiklər arasında gücləndi və hərəkətlərin fasiləsiz bir-birinin ardınca ardınca getdiyi C meydana çıxdı (Mendelsson-Bartoldinin "Şotlandiya" simfoniyası, Şumanın 4-cü simfoniyası).

Fransızların çiçəklənmə dövrü. S. yenilikçi əsərlərin olduğu 1830-40-cı illərə aiddir. Romantikanın yaradıcısı G. Berlioz. lit əsasında C proqram təminatı. süjet (5 hissəli "Fantastik" C, 1830), S.-konsert ("Harold İtaliyada", viola və orkestr üçün, C. Bayron, 1834), S.-oratoriya ("Romeo və Cülyetta", dram. S. 6 hissədə, solistlər və xor ilə, V. Şekspirdən sonra, 1839), "Cənazə və zəfər simfoniyası" (cənazə marşı, "oratorik" trombon solo və apoteoz - ruh orkestr və ya simf üçün. Orkestr, iradəsi ilə - və xor, 1840). Berlioz möhtəşəm istehsal miqyası, orkestrin nəhəng tərkibi, incə nüanslarla rəngarəng alətlər ilə xarakterizə olunur. Fəlsəfi və etik. problem F. Listin simfoniyalarında ("Faust simfoniyası", lakin J. V. Höte tərəfindən, 1854, yekun xorla, 1857; "S. k.") öz əksini tapmışdır. İlahi komediya Dante, 1856). Berlioz və Lisztin proqram istiqamətinə antipod kimi o, hərəkət etdi. komi. Vyanada işləyən İ.Brams. Onun 4 S. (1876-85), Bethoven ənənələrini inkişaf etdirərək və romantik. simfoniya, birləşdirilmiş klassik. harmoniya və müxtəliflik emosional vəziyyətlər... Üslubda oxşar. istəkləri və eyni zamanda fərdi fransız. Eyni dövrün S. - 3-cü S. (orqanla) C. Saint-Saens (1887) və S. d-moll S. Frank (1888). S. A. Dvořákın "Yeni dünyadan" əsərində (axırıncı, xronoloji olaraq 9-cu, 1893) təkcə çex deyil, həm də zənci və hind muzaları sındırılıb. elementləri. Avstriyanın mühüm ideoloji konsepsiyaları. simfonistlər A. Brukner və Q. Mahler. Monumental əsərlər Brukner (8 s., 1865-1894, 9-cu tamamlanmamış, 1896) polifonik zənginliyi özünəməxsusdur. parçalar (təşkilati sənətin təsiri, həmçinin R.Vaqnerin musiqili dramları kimi), emosional quruculuqların müddəti və gücü. Mahlerin simfoniyası üçün (9 C., 1838-1909, onlardan 4-ü oxuma ilə, o cümlədən 8-cisi - "min iştirakçının simfoniyası", 1907; 10-cusu tamamlanmayıb, onu eskizlərə uyğun tamamlamaq cəhdi D. Kuk 1960; 2 solo ifaçı ilə S.-kantata “Yer üzünün nəğməsi”, 1908) konfliktlərin kəskinliyi, ülvi pafos və faciə ilə səciyyələnir, yenilik ifadə edir. vəsait. Sanki böyük kompozisiyalarından fərqli olaraq zəngin ifaçılardan istifadə edirlər. aparat, kamera simfoniyası və simfonietta meydana çıxır.

20-ci əsrin görkəmli müəllifləri Fransada - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (millətinə görə İsveçrə, 5 S., 1930-50, o cümlədən 3-cü - "Liturgical", 1946, 5-ci - S. "üç re", 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turanqalila", 10 hissədə, 1948); Almaniyada - R. Ştraus ("Ev", 1903, "Alp", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, o cümlədən 1-ci - "Rəssam Matis", 1934, 3- I - "Harmoniya The World”, 1951), KA Hartman (8 S., 1940-62) və başqaları S.-nin inkişafına İsveçrə H. Huber (8 S., 1881-1920, o cümlədən . 7-ci) töhfə vermişdir. - “İsveçrə”, 1917), norveçlilər K. Sindinq (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, o cümlədən 5-7- i dizaynı ilə antifaşist, 1941-1945) , K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Fin J. Sibelius (7 S., 1899-1924), Rumıniya J. Enesku (3 S. , 1905-19), holland B. Peiper (3 S., 1917-27) və H. Badings (10 S., 1930-1961), isveçli H. Rosenberg (7 S., 1919-69 və S. üçün) ruh və zərb alətləri, 1968), italyan JF Malipiero (11 S., 1933-69), ingilis R. Vogan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S. Requiem, 1940, "Bahar" " S. solistlər, qarışıq xor, oğlan xoru və simfonik orkestr üçün, 1949), amerikalılar C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) və R. Harris ( 12 C, 1933-69), braz İlets E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) və başqaları.. Çox müxtəlif növlər C. 20-ci əsr. yaradıcılığın çoxluğuna görə. istiqamətlər, nat. məktəblər, folklor əlaqələri. Müasir S. quruluş, forma, xarakter baxımından da müxtəlifdir: yaxınlığa, əksinə, monumentallığa meylli; hissələrə bölünməyən və cəmdən ibarətdir. hissələri; ticarət. anbar və sərbəst kompozisiya; adi simfoniya üçün. orkestr və qeyri-adi kompozisiyalar üçün və s. 20-ci əsrin musiqisində cərəyanlardan biri. köhnə - pre-klassik və erkən klassik - museslərin modifikasiyası ilə əlaqələndirilir. janr və formalar. “Klassik simfoniya”da (1907) S.S.Prokofyevə, “C” simfoniyasında İ.F.Stravinskiyə və “Üç hissəli simfoniya”da (1940-45) ona hörmət göstərilib. Bir sıra S. 20-ci əsrdə. atonalizm, atematizm və digər yeni kompozisiya prinsiplərinin təsiri altında əvvəlki normalardan kənarlaşma aşkarlanır. A.Vebern S.-ni (1928) 12 tonluq seriya üzərində qurdu. "Avanqard"ın nümayəndələri arasında S. dekompasiya ilə əvəzlənir. yeni eksperimental janr və formalar.

Ruslar arasında birinci. bəstəkarlar S. janrına üz tutdular (“Konsert simfoniyası” 1790-cı ildə yazılmış D.S.Bortnyanski istisna olmaqla). kamera ansamblı) Mika. Y. Vielqorski (2-ci S. 1825-ci ildə ifa olunur) və A. A. Alyabyev (onun bir hissəli C. e-moll, 1830 və tarixi göstərilməyən 3 hissəli C. Es-dur süita növü, 4 konsert buynuzu qorunub saxlanılmışdır) , daha sonra AG Rubinstein (6 S., 1850-86, o cümlədən 2-ci - "Okean", 1854, 4-cü - "Dramatik", 1874). Rus dilinin altındakı yarımçıq S.-uvertüranın müəllifi M.İ.Qlinka. mövzular (1834, 1937-ci ildə V. Ya. Şebalin tərəfindən tamamlanmışdır) üslubun formalaşmasına həlledici təsir göstərmişdir. lənət rus. S. bütün simfoniyası ilə. başqa janrların kompozisiyalarının üstünlük təşkil etdiyi yaradıcılıq. S. rus dilində. müəlliflər nat tələffüz edir. xarakter, çarpayıların şəkilləri çəkilir. həyat, tarixçi. hadisələr, poeziyanın motivləri öz əksini tapmışdır. “Qüdrətli ovuc”un bəstəkarlarından S.-nin müəllifi kimi birinci N. A. Rimski-Korsakov olmuşdur (3 S., 1865-74). Rus dilinin yaradıcısı. epik. S. A.P. Borodin idi (2 S., 1867-76; yarımçıq 3-cü, 1887, A.K. Qlazunov tərəfindən qismən yaddaşdan yazılmışdır). Borodin əsərində, xüsusən də “Qəhrəmanlıq” (2-ci) S.-də nəhəng taxta çarpayının obrazlarını təcəssüm etdirmişdir. güc. Dünya simfonizminin ən yüksək nailiyyətləri arasında - insan. P. İ. Çaykovski (6 S., 1800-93 və proqram S. "Manfred", C. Bayron, 1885). 4-cü, 5-ci və xüsusilə 6-cı ("Pathetic", yavaş bitən) S., lirik-dramatik xarakterli, həyatın toqquşmalarının ifadəsində faciəvi gücə çatır; onlar dərin psixolojidir. nüfuzetmə ilə zəngin insan təcrübələrini çatdırır. Epik xətt. S. A. K. Qlazunov tərəfindən davam etdirilmişdir (8 S., 1881-1906, o cümlədən 1-ci - "Slavyanskaya"; yarımçıq 9-cu, 1910, - bir hissə, 1948-ci ildə Q. Ya. Yudin tərəfindən hazırlanmış) , 2 S. yazılmış M.Ə. Balakirev (1898, 1908), 3 S. - RM Glier (1900-11, 3-cü - "İlya Muromets"). Simfoniyalar sizi ürəkdən gələn sözləri ilə cəlb edir. S. Kalinnikov (2 S., 1895, 1897), düşüncənin dərin konsentrasiyası - S. c-moll S. İ. Taneyev (1-ci, əslində 4-cü, 1898), dram. pafoslu - S. V. Raxmaninovun (3 S., 1895, 1907, 1936) və 6-cı hissənin 1-ci (1900), 5-ci hissənin 2-ci (1902) və 3-cü hissənin ("The Divine") yaradıcısı A. N. Scriabin-in simfoniyaları. , 1904), xüsusi dramaturq tərəfindən seçilir. bütövlük və ifadə gücü.

S. bayquşlarda mühüm yer tutur. musiqi. Bayquşların işində. bəstəkarlar klassik musiqinin yüksək ənənələrinin xüsusilə zəngin və parlaq inkişafını aldılar. simfoniya. Bayquşlar S-ə üz tuturlar. böyük ustadlardan başlayaraq bütün nəsillərin bəstəkarları - N. Ya. 1952), istedadlı bəstəkar gənclərə qədər. Bayquşlar sahəsində aparıcı fiqur. S. - D. D. Şostakoviç. Onun 15 səhifədə (1925-71) insan şüurunun dərinlikləri, əxlaqın dönməzliyi açılır. dövrümüzün (7-ci - Leninqrad adlanan, 1941) və tarixin (11-ci - "1905", 1957; 12-ci - "1917", 1961-ci illərin həyəcan verici mövzularını özündə əks etdirən qüvvələr (5-ci - 1937, 8-ci - 1943, 15-ci - 1971). ), yüksək humanist. ideallar zorakılığın və şərin tutqun təsvirlərinə qarşıdır (5-13-cü hissə, E. A. Yevtuşenkonun sözlərinə görə, bas, xor və orkestr üçün, 1962). İnkişaf edən ənənə. və müasir quruluş növləri S., bəstəkar sərbəst şərh edilmiş sonata dövrü ilə yanaşı (onun S. bir sıra ardıcıllığı ilə xarakterizə olunur: yavaş - sürətli - yavaş - sürətli), digər strukturlardan istifadə edir (məsələn, 11-də - " 1905"), insan səsini cəlb edir (solistlər, xor). Həyat və ölüm mövzusunun geniş sosial fonda açıldığı 11 hissədən ibarət 14-cü S.də (1969) simlərlə dəstəklənən iki oxuyan səs solodur. və zərbə. alətlər.

S. rayonunda çoxsaylı əhalinin nümayəndələri məhsuldar çalışırlar. nat. bayquşların budaqları. musiqi. Onların arasında görkəmli bayquş ustaları da var. musiqi, məsələn, A. I. Xaçaturyan - ən böyük qol. simfonist, rəngarəng və temperamentli S. müəllifi (1-ci - 1935, 2-ci - "Zəngli S.", 1943, 3-cü - S.-poema, orqan və 15 əlavə truba ilə, 1947); Azərbaycanda - K. Qarayev (onun 3-cü S., 1965-ci ili seçilir), Latviyada - C. İvanov (15 C, 1933-72) və s. Bax sovet musiqisi.

Ədəbiyyat: Qlebov İqor (Asafiev B.V.), Müasir simfoniyanın qurulması, "Çağdaş musiqi", 1925, № 8; Asafiyev B.V., Simfoniya, kitabda: Sovet musiqi yaradıcılığına dair oçerklər, cild 1, M.-L., 1947; 55 Sovet simfoniyası, L., 1961; Popova T., Simfoniya, M.-L., 1951; Yarustovski B., Müharibə və sülh haqqında simfoniyalar, M., 1966; 50 il sovet simfoniyası, (komp.), Otv. red. G. G. Tigranov, L., 1967; Konen V., Teatr və Simfoniya ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., Sovet simfoniyasında milli və beynəlxalq, kitabda: Sosialist cəmiyyətində musiqi, cild. 1, L., 1969; Rytsarev S., Berliozdan əvvəl Fransada Simfoniya, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchester depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, B. 1189. . Lpz., 1926; ego, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (rusca tərcümə - P. Weingartner, Performance of classical simfonies, vol. 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, No. 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le originali della sinfonia, "RMI", 1913, v. 20, səh. 291-346, 1914, v. 21, səh. 97-121, 278-312, 1915, v 22, səh. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (rusca tərcüməsi - Becker P., Symphony from Beethoven to Maler, red. Və giriş məqaləsi İ. Qlebov, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4, H. 1, ego, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und Ja72urzg19. 8, №4; eh, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., XVIII əsr simfoniyaları, L., 1951; Vorrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII siècle, v. 1-3, S., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und Romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B.S.Steinpress

Uzun oxu" Simfonik musiqi" Tilda xidmətində

http: //layihə134743. tilda. ws/ səhifə621898.html

Simfonik musiqi

Musiqi əsərləri simfonik orkestr tərəfindən ifa olunmaq üçün nəzərdə tutulmuşdur.

Küləkli mis: Trompet, Tuba, Trombon, Voltorn.

Ağac nəfəsli çalarlar: qoboy, klarnet, fleyta, fagot.

Simlər: Skripka, Viola, Violonçel, Kontrbas

Zərb alətləri: Bas nağara, tələ nağara, Tamtam, Timpani, Celesta, Tambourine, Cymbals, Castanets, Maracas, Gong, Triangle, Bells, Ksilofon

Simfonik orkestrin digər alətləri: Orqan, Celesta, Klavsen, Arp, Gitara, Piano (Grand fortepiano, Pianano).

Alət tembrinin xüsusiyyətləri

Skripka: Zərif, yüngül, parlaq, melodik, aydın, isti

Viola: tutqun, yumşaq

Violonçel: Zəngin, qalın

Kontrabas: Kar, sərt, tutqun, qalın

Fleyta: Fısıltı, soyuq

Qoboy: burun, burun

Klarnet: Tutqun, yay

Fagot: Boğulmuş, qalın

Trompet: Parlaq, Parlaq, Yüngül, Metalik

Fransız buynuz: yuvarlaq, yumşaq

Trombon: Metalik, kəskin, güclü.

Tuba: Sərt, qalın, ağır

Əsas janrlar simfonik musiqi:

Simfoniya, süita, uvertüra, simfonik poema

Simfoniya

- (yunan dilindən. simfoniya - “Uzunluq”, “razılıq”)
orkestr musiqisinin aparıcı janrı, mürəkkəb zəngin işlənmiş çoxhissəli əsər.

Simfonik xüsusiyyətləri

Böyükdür musiqi janrı.
- Səs müddəti: 30 dəqiqədən bir saata qədər.

Əsas aktyor və ifaçı - simfonik orkestr

Simfonik quruluş (klassik forma)

İnsan həyatının müxtəlif tərəflərini özündə cəmləşdirən 4 hissədən ibarətdir

1 hissə

Ən sürətli və ən dramatik, bəzən yavaş bir girişdən əvvəl. Sonata şəklində, sürətli templə yazılmışdır (alleqro).

2-ci hissə

Dinc, düşüncəli, təbiətin dinc şəkillərinə həsr olunmuş, lirik təcrübələr; kədərli və ya faciəli əhval-ruhiyyə.
Yavaş hərəkətdə səslənir, rondo şəklində, daha az tez-tez sonata və ya variasiya şəklində yazılır.

3-cü hissə

Budur oyun, əyləncə, şəkillər xalq həyatı... Üç hissəli formada şerzo və ya minuetdir.

4-cü hissə

Sürətli sonluq. Nəticədə, bütün hissələr qalib, təntənəli, bayram xarakteri ilə seçilir. Sonata şəklində və ya rondo, rondo sonata şəklində yazılır.

Lakin daha az (və ya daha çox) hissələri olan simfoniyalar da var. Birhissəli simfoniyalar da var.

Yaradıcılıqda simfoniya xarici bəstəkarlar

• • Frans Cozef Haydn (1732 - 1809)

108 simfoniya

103 nömrəli simfoniya "Tremolo Timpani ilə"

Bunun adı " tremolo timpani ilə»Simfoniya, timpaninin uzaqdan gələn ildırım gurultusunu xatırladan tremolo (italyanca tremolo - titrəmə) ifa etdiyi birinci bar sayəsində alındı.
E flat-də tonik səsdə. Dərin konsentrasiya xarakteri daşıyan birinci hissəyə yavaş unison girişi (Adagio) belə başlayır.

• • Volfqanq Amadey Motsart (1756-1791)

56 simfoniya

40 nömrəli simfoniya

Motsartın son simfoniyalarının ən məşhurlarından biri. Simfoniya qeyri-adi səmimi, ən geniş dinləyici dairəsi üçün başa düşülən musiqisi sayəsində böyük populyarlıq qazandı.
Simfoniyanın birinci hissəsinin giriş sözü yoxdur, ancaq alleqro əsas hissəsinin mövzusunun təqdimatı ilə dərhal başlayır. Bu mövzu həyəcanlıdır; eyni zamanda melodikliyi və səmimiliyi ilə seçilir.

• • Lüdviq van Bethoven (1770—1827)

9 simfoniya

5 nömrəli simfoniya

Simfoniya lakonik təqdimatı, formaların yığcamlığı, inkişafa can atması ilə heyran qalır, sanki vahid yaradıcılıq impulsunda doğulur.
Bethoven dedi: "Tale qapımızı belə döyür".
bu parçanın açılış barları haqqında. Simfoniyanın əsas motivinin parlaq ifadəli musiqisi onu insanın taleyin zərbələri ilə mübarizəsinin mənzərəsi kimi şərh etməyə imkan verir. Simfoniyanın dörd hərəkəti bu mübarizənin mərhələləri kimi təqdim olunur.

• • Frans Şubert(1797—1828)

9 simfoniya

8 nömrəli simfoniya "Yarımçıq"

Dünya simfoniyası xəzinəsinin ən poetik səhifələrindən biri, romantizmə yol açan bu ən mürəkkəb musiqi janrında yeni cəsur söz. Bu, ilk lirik və psixoloji dramdır simfonik janr.
Klassik bəstəkarların simfoniyaları kimi 4 yox, cəmi iki hissədən ibarətdir. Bununla belə, bu simfoniyanın iki hissəsi heyrətamiz bütövlük, tükənmə təəssüratı yaradır.

Rus bəstəkarlarının əsərlərində simfoniya

• • Sergey Sergeyeviç Prokofyev (1891— 1953)

7 simfoniya

1 nömrəli simfoniya "Klassik"

"Klassik" adlandırıldı, çünki 18-ci əsrin klassik formasının sərtliyini və məntiqini özündə saxlayır, eyni zamanda müasir musiqi dili ilə seçilir.
Musiqi kəskin və "tikanlı" mövzularla, rəqs janrlarının özəlliklərindən istifadə etməklə (polonez, minuet, qavot, gallop) hərəkətli keçidlərlə doludur. Təsadüfi deyil ki, musiqiyə simfoniyalar yaranıb xoreoqrafik kompozisiyalar.

• • Dmitri Dmitriyeviç Şostakoviç(1906—1975)

15 simfoniya

7 nömrəli "Leninqradskaya" simfoniyası

1941-ci ildə 7 nömrəli simfoniya ilə bəstəkar cavab verdi dəhşətli hadisələr Leninqradın mühasirəsinə həsr olunmuş II Dünya Müharibəsi (Leninqrad Simfoniyası)
Şostakoviç yazırdı: “Yeddinci Simfoniya bizim mübarizəmiz, qarşıdan gələn qələbəmiz haqqında şeirdir”. Simfoniya faşizmə qarşı mübarizənin simvolu kimi dünya miqyasında tanınıb.
Əsas mövzunun quru, kəskin melodiyası, aramsız nağara ritmi ayıqlıq, həyəcanlı gözləmə hissi yaradır.

• • Vasili Sergeyeviç Kalinnikov (1866-1900)

2 simfoniya

1 nömrəli simfoniya

Kalinnikov ilk simfoniyasını 1894-cü ilin martında yazmağa başladı və düz bir il sonra, 1895-ci ilin martında bitirdi.
Simfoniya bəstəkarın istedadının xüsusiyyətlərini - səmimi açıqlığı, kortəbiiliyi, lirik hisslərin zənginliyini ən parlaq şəkildə təcəssüm etdirirdi. Bəstəkar simfoniyasında təbiətin gözəlliyini və əzəmətini, rus həyatını tərənnüm edir, rus musiqisi vasitəsilə Rusiyanın obrazını, rus ruhunu təcəssüm etdirir.

• • Pyotr İliç Çaykovski (1840—1893)

7 simfoniya

5 nömrəli simfoniya

Simfoniyanın girişi cənazə marşıdır. Çaykovski öz qaralamalarında yazır: “Taleyə... ağlasığmaz taleyə tam heyranlıq”.
Beləliklə, bəstəkar çətin aşmaq və daxili mübarizə yolundan keçərək özünə, şübhələrinə, ruhi nifaqına, hisslərin çaşqınlığına qalib gəlir.
Əsas ideyanın daşıyıcısı siklinin bütün hissələrindən keçən orijinal səsə dəyişməz cazibə ilə sıxılmış, ritmik elastik mövzudur.

"Musiqinin məqsədi qəlblərə toxunmaqdır"
(Johann Sebastian Bax).

“Musiqi insan qəlbindən od vurmalıdır”
(Lüdviq van Bethoven).

“Musiqi, hətta ən dəhşətli dramatik situasiyalarda belə, həmişə qulağı ovsunlamalı, həmişə musiqi olaraq qalmalıdır”.
(Volfqanq Amadey Motsart).

“Musiqi materialı, yəni melodiya, harmoniya və ritm, şübhəsiz ki, tükənməzdir.
Musiqi bir xəzinədir, hər bir millətin ümumi rifah üçün öz töhfəsini verir.
(Pyotr İliç Çaykovski).

Böyük musiqi sənətini sevin və öyrənin. O, sizə yüksək hisslər, ehtiraslar, düşüncələr dünyası açacaq. Bu sizi mənəvi cəhətdən zənginləşdirəcək. Musiqi sayəsində siz özünüzdə əvvəllər sizə məlum olmayan yeni qüvvələr tapacaqsınız. Siz həyatı yeni rənglərdə və rənglərdə görəcəksiniz"
(Dmitri Dmitrieviç Şostakoviç).