Navnene på de mest berømte kunstnere fra renæssancen. Store renæssancesmalere

De første forløbere for renæssancekunst dukkede op i Italien i 1300 -tallet. Denne tids kunstnere, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) og (primært) Giotto (1267-1337), da de lavede lærreder af traditionelle religiøse temaer, begyndte de at bruge nye kunstneriske teknikker: bygge volumetrisk sammensætning, brugen af ​​landskabet i baggrunden, hvilket gjorde det muligt for dem at gøre billeder mere realistiske, livlige. Dette adskilte deres arbejde skarpt fra den tidligere ikonografiske tradition, fyldt med konventioner i billedet.
Begrebet bruges til at betegne deres kreativitet Proto -renæssance (1300 -tallet - Trecento) .

Giotto di Bondone (ca. 1267-1337) - italiensk kunstner og arkitekt fra proto-renæssancen. En af nøglefigurerne i den vestlige kunsthistorie. Efter at have overvundet den byzantinske ikon-malerietradition blev han den sande grundlægger af den italienske malerskole, udviklede en helt ny tilgang til at skildre rummet. Giottos værker var inspireret af Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo.


Tidlig renæssance(1400 -tallet - "Quattrocento").

I begyndelsen af ​​1400 -tallet Filippo Brunelleschi (1377-1446), florentinsk lærd og arkitekt.
Brunelleschi ville gøre opfattelsen af ​​de vilkår og teatre, han rekonstruerede, mere visuel og forsøgte at skabe geometrisk perspektivbilleder ud fra sine planer for et bestemt synspunkt. I denne søgning blev opdaget direkte perspektiv.

Dette tillod kunstnere at opnå perfekte billeder af tredimensionelt rum på maleriets flade lærred.

Et andet vigtigt skridt på vejen til renæssancen var fremkomsten af ​​ikke-religiøs, sekulær kunst. Portræt og landskab har etableret sig som uafhængige genrer... Selv religiøse emner fik en anden fortolkning - renæssancens kunstnere begyndte at se deres karakterer som helte med udtalte individuelle træk og menneskelig motivation for handlinger.

De mest berømte kunstnere i denne periode er Masaccio (1401-1428), Mazolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - den berømte italienske maler, den største mester i den florentinske skole, reformator af maleriet i Quattrocento -æraen.

Fresco. Mirakel med statir.

Maleri. Korsfæstelse.

Fresco. Historien om dronningen af ​​Sheba. San Francesco Kirke i Arezzo

Forår.

Venus 'fødsel.

Leonardo di ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - Italiensk kunstner (maler, billedhugger, arkitekt) og videnskabsmand (anatom, naturforsker), opfinder, forfatter.

Selvportræt

Dame med en hermelin. 1490. Czartoryski -museet, Krakow

Mona Lisa (1503-1505 / 1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Eremitagemuseet.

Madonna Benoit(Madonna med en blomst). 1478-1480

Madonna af nelliken. 1478

I løbet af sit liv lavede Leonardo da Vinci tusindvis af noter og tegninger om anatomi, men udgav ikke hans arbejde. Ved at foretage en obduktion på menneskers og dyrs kroppe formidlede han præcist skeletets struktur og indre organer inklusive små dele... Ifølge professor i klinisk anatomi Peter Abrams, videnskabeligt arbejde da Vinci var 300 år forud for sin tid og overgik på mange måder den berømte "Grey's Anatomy".

Liste over opfindelser, både virkelige og tilskrives ham:

Faldskærm, tilolesc slot, icykel, tankh, llette bærbare broer til hæren, shorn, tilatapult, srev, duldent teleskop.

Michelangelo Buonarrotis malerier og skulpturer er fulde af heroisk patos og på samme tid en tragisk fornemmelse af humanismens krise. Hans malerier forherliger menneskets styrke og kraft, skønheden i hans krop, samtidig med at han understreger hans ensomhed i verden.

Michelangelos geni satte ikke kun et aftryk på renæssancens kunst, men også på alle andre verdenskultur... Dets aktiviteter er hovedsageligt forbundet med to italienske byer - Firenze og Rom.

Imidlertid var kunstneren i stand til at realisere sine mest ambitiøse ideer netop i maleriet, hvor han fungerede som en sand fornyer af farve og form.
Efter ordre fra pave Julius II malede han loftet i Det Sixtinske Kapel (1508-1512), der repræsenterede bibelsk historie fra verdens skabelse til oversvømmelsen og omfatter mere end 300 figurer. I 1534-1541 udførte han i det sixtinske kapel for pave Paul III en storartet, dramatisk kalkmaleri " Den sidste dom».
Det Sixtinske Kapel 3D.

Giorgiones og Titians værker kendetegnes ved deres interesse for landskabet, poetisering af plottet. Begge kunstnere opnåede stor dygtighed inden for portrætkunst, ved hjælp af hvilke de formidlede karakter og rige indre verden deres karakterer.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - Italiensk kunstner, repræsentant for den venetianske malerskole.

Sovende Venus. 1510

Judith. 1504 g

Titian malede billeder om bibelske og mytologiske emner, han blev berømt som portrætmaler. Han modtog ordrer fra konger og paver, kardinaler, hertuger og fyrster. Titian var ikke engang tredive år gammel, da han blev anerkendt som den bedste maler i Venedig.

Selvportræt. 1567 g

Venus fra Urbinskaya. 1538

Portræt af Tommaso Mosti. 1520

Sen renæssance.
Efter den romerske sæk af kejserlige styrker i 1527 gik den italienske renæssance ind i en kriseperiode. Allerede i sene Raphaels arbejde blev der skitseret en ny kunstnerisk linje, som modtog navnet manérisme.
Denne æra er præget af oppustede og brudte linjer, forlængelse eller endda deformation af figurer, ofte nøgen, spænding og unaturlige stillinger, usædvanlige eller bizarre effekter forbundet med størrelse, belysning eller perspektiv, brug af en kaustisk kromatisk skala, overbelastet sammensætning osv. manérisme Parmigianino , Pontormo , Bronzino- boede og arbejdede ved hoffet for hertugerne i Medici -huset i Firenze. Senere spredte manistisk mode sig over hele Italien og videre.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "bosiddende i Parma") (1503-1540,) Italiensk kunstner og grafiker, repræsentant for manerer.

Selvportræt. 1540

Portræt af en kvinde. 1530.

Jacopo Robusti, bedre kendt som Tintoretto (1518 eller 1519-1594) - maler fra den venetianske skole i senrenæssancen.

Den sidste nadver... 1592-1594. San Giorgio Maggiore Kirke, Venedig.

Kristus på korset. OKAY. 1577. Privat samling.

Treenighed. 1579 Prado.

Renæssancens utvivlsomt præstation var den geometrisk korrekte konstruktion af billedet. Kunstneren byggede billedet ved hjælp af de teknikker, han udviklede. Det vigtigste for den tids malere var at observere proportionerne af objekter. Selv naturen faldt under de matematiske tricks til at beregne proportionaliteten af ​​et billede med andre objekter i billedet.

Med andre ord søgte kunstnere under renæssancen at formidle en præcis skildring af for eksempel en person på baggrund af naturen. Hvis vi sammenligner det med moderne teknikker til at genskabe et set billede på et lærred, vil et fotografi med efterfølgende justeringer sandsynligvis hjælpe med at forstå, hvad renæssancekunstnerne stræbte efter.

Renæssancemalere mente, at de havde ret til at rette naturens mangler, det vil sige, hvis en person havde grimme ansigtstræk, rettede kunstnerne dem på en sådan måde, at ansigtet blev sødt og attraktivt.

Leonardo Da Vinci

Renæssancen er blevet så takket være mange kreative individer der levede dengang. Verdensberømte Leonardo da Vinci (1452 - 1519) skabte et stort antal mesterværker, hvis omkostninger anslås i millioner af dollars, og kendere af hans kunst er klar til at overveje hans malerier i lang tid.

Leonardo begyndte sine studier i Firenze. Hans første lærred, skrevet omkring 1478, er "Benois Madonna". Så var der kreationer som "Madonna i grotten", "Mona Lisa", ovennævnte "Sidste aftensmad" og mange andre mesterværker, skrevet af en titan fra renæssancen.

Sværhedsgraden af ​​geometriske proportioner og nøjagtig gengivelse af en persons anatomiske struktur er det, der kendetegner Leonard da Vincis maleri. Ifølge ham er kunsten at skildre visse billeder på lærred en videnskab, og ikke bare en slags hobby.

Raphael Santi

Raphael Santi (1483 - 1520) kendt i kunstverdenen som Raphael skabte sine værker i Italien. Hans malerier er gennemsyret af lyrik og ynde. Raphael er en repræsentant for renæssancen, der skildrede mennesket og hans liv på jorden, han elskede at male væggene i Vatikanets katedraler.

Malerierne forrådte figurernes enhed, proportional korrespondance mellem rum og billeder, farvens euphoni. Jomfruens renhed var grundlaget for mange af Raphaels malerier. Hans allerførste billede af Guds Moder er den sixtinske Madonna, som blev malet af en berømt kunstner tilbage i 1513. Portrætterne, der blev skabt af Raphael, afspejlede det ideelle menneskelige billede.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445 - 1510) er også en renæssancemaler. Et af hans første værker var maleriet "Tilbedelse af magi". Subtil poesi og drømmelighed var hans første manerer inden for overførsel af kunstneriske billeder.

I begyndelsen af ​​80'erne i 1400 -tallet malede den store kunstner væggene i Vatikanets kapel. Freskerne lavet af hans hånd er stadig slående.

Med tiden blev roen i antikkens bygninger, livligheden af ​​de skildrede karakterer, billedharmonien iboende i hans malerier. Desuden kendes Botticellis hobby for tegninger til berømte litterære værker, som også kun tilføjede hans herlighed ære.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564) er en italiensk maler, der også arbejdede under renæssancen. Hvad denne person vidste for mange af os ikke gjorde. Og skulptur og maleri og arkitektur samt poesi. Michelangelo malede ligesom Raphael og Botticelli væggene i Vatikanets templer. Det var trods alt kun den tids mest talentfulde malere, der var involveret i et så ansvarligt arbejde som at tegne billeder på væggene. Katolske katedraler... Han måtte dække mere end 600 kvadratmeter af Det Sixtinske Kapel med kalkmalerier, der skildrede forskellige bibelske emner. Det mest berømte værk i denne stil er kendt for os som "Den sidste dom". Betydningen af ​​den bibelske historie udtrykkes fuldstændigt og klart. En sådan nøjagtighed ved overførsel af billeder er karakteristisk for alt Michelangelos arbejde.

Renæssance (renæssance). Italien. XV-XVI århundreder. Tidlig kapitalisme. Landet styres af velhavende bankfolk. De er interesseret i kunst og videnskab.

De rige og indflydelsesrige samler de talentfulde og de kloge omkring sig. Digtere, filosoffer, malere og billedhuggere har daglige samtaler med deres lånere. Et øjeblik så det ud til, at mennesker blev styret af vismænd, som Platon ville.

De huskede de gamle romere og grækere. Som også byggede et samfund af frie borgere. Hvor hovedværdi- en person (selvfølgelig ikke tæller slaver).

Renæssance kopierer ikke kun kunsten fra gamle civilisationer. Dette er forvirring. Mytologi og kristendom. Realisme i naturen og sjælfuldhed af billeder. Fysisk skønhed og åndelig skønhed.

Det var bare et glimt. Periode Høj renæssance- det er omkring 30 år! Fra 1490'erne til 1527 Siden begyndelsen på storhedstiden for Leonardos kreativitet. Inden Roms sæk.

Mirage ideel verden hurtigt falmet. Italien viste sig at være for skrøbeligt. Hun blev snart slaver af en anden diktator.

Disse 30 år har imidlertid defineret hovedtrækkene Europæisk maleri 500 år frem! Op til .

Billedets realisme. Antropocentrisme (når en person - hovedperson og en helt). Lineært perspektiv. Oliemaling... Portræt. Landskab…

Det er utroligt, men i disse 30 år, flere geniale mestre... Som på andre tidspunkter er født en om 1000 år.

Leonardo, Michelangelo, Raphael og Titian er titaner fra renæssancen. Men man kan ikke undgå at nævne deres to forgængere. Giotto og Masaccio. Uden den ville der ikke være nogen renæssance.

1. Giotto (1267-1337)

XIV århundrede. Proto-renæssance. Dens hovedperson er Giotto. Dette er en mester, der på egen hånd revolutionerede kunsten. 200 år før højrenæssancen. Hvis det ikke var for ham, ville den æra, som menneskeheden er så stolt af, næppe være kommet.

Før Giotto var der ikoner og kalkmalerier. De blev skabt i henhold til de byzantinske kanoner. Ansigter i stedet for ansigter. Flade figurer. Manglende overholdelse af proportioner. I stedet for et landskab er der en guldbaggrund. Som for eksempel i dette ikon.

Og pludselig dukker Giottos kalkmalerier op. De har tredimensionelle figurer. Ædle menneskers ansigter. Trist. Trist. Overrasket. Gammel og ung. Forskellige.

Fresker af Giotto i Scrovegni Kirke i Padua (1302-1305). Til venstre: Klagesang over Kristus. Midt: Judas kys (detalje). Til højre: Bebudelse til St. Anne (Moder Mary), detaljer.

Giottos vigtigste skabelse er en cyklus af hans kalkmalerier i Scrovegni -kapellet i Padua. Da denne kirke åbnede for sognebørn, væltede skarer af mennesker ind i den. Fordi de aldrig har set noget lignende.

Giotto gjorde jo noget uden fortilfælde. Han oversatte lidt bibelske historier i et enkelt, forståeligt sprog. Og de er blevet meget mere tilgængelige almindelige mennesker.

Dette er det, der vil være karakteristisk for mange renæssancemestre. Lakoniske billeder. Karakterernes livlige følelser. Realisme.

Læs mere om malerens malerier i artiklen.

Giotto blev beundret. Men hans innovationer blev ikke udviklet yderligere. Moden for international gotik kom til Italien.

Kun 100 år senere dukker en mester op, en værdig efterfølger til Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Begyndelsen af ​​1400 -tallet. Den såkaldte tidlige renæssance. En anden innovatør kommer ind på scenen.

Masaccio var den første kunstner, der brugte lineært perspektiv... Det blev designet af hans ven, arkitekten Brunelleschi. Nu er den afbildede verden blevet magen til den virkelige. Legetøjsarkitektur hører fortiden til.

Han adopterede Giottos realisme. Men i modsætning til sin forgænger kendte han allerede godt anatomi.

I stedet for Giottos klumpede figurer er de smukt byggede mennesker. Ligesom de gamle grækere.

Masaccio levede ikke langt liv... Han døde, som sin far, uventet. I en alder af 27.

Han havde dog mange tilhængere. Mestre i de næste generationer gik til Brancacci -kapellet for at lære af hans kalkmalerier.

Så Masaccios innovationer blev taget op af alle de store titaner fra højrenæssancen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci er en af ​​renæssancens titaner. Hvilket påvirkede maleriets udvikling på en kolossal måde.

Det var ham, der selv hævede status som kunstner. Takket være ham er repræsentanter for dette erhverv ikke længere kun håndværkere. Disse er åndens skabere og aristokrater.

Leonardo fik et gennembrud primært i portrætmaleri.

Han mente, at intet skulle distrahere fra hovedbilledet. Øjet bør ikke vandre fra en detalje til en anden. Så han dukkede op berømte portrætter... Lakonisk. Harmonisk.

Leonardos største innovation er, at han fandt en måde at gøre billederne ... levende.

Før ham lignede personerne i portrætterne mannequiner. Linjerne var sprøde. Alle detaljer spores omhyggeligt. Den malede tegning kunne på ingen måde være i live.

Men så opfandt Leonardo sfumato -metoden. Han skygger for stregerne. Gjorde overgangen fra lys til skygge meget blød. Hans karakterer synes at være dækket af en knap mærkbar dis. Karaktererne kom til live.

Siden vil sfumato gå ind i det aktive ordforråd for alle fremtidens store kunstnere.

Man tror ofte, at Leonardo selvfølgelig er et geni. Men han vidste ikke, hvordan han skulle afslutte noget. Og han blev ofte ikke færdig med at male. Og mange af hans projekter er forblevet på papir (i øvrigt i 24 bind). Og generelt blev han kastet ud i medicin, derefter til musik. Og selv kunsten at tjene på et tidspunkt var glad for.

Tænk dog selv. 19 malerier. Og han - største kunstner af alle tider og mennesker. Og nogle er ikke engang tæt på storhed. Samtidig skrev han 6.000 lærreder i sit liv. Det er indlysende, hvem der har højere effektivitet.

Omtrent det meste berømt maleri læs guiden i artiklen.

4. Michelangelo (1475-1564)

Michelangelo betragtede sig selv som billedhugger. Men det var han universel mester... Som hans andre kolleger fra renæssancen. Derfor er hans billedarv ikke mindre storslået.

Han genkendes primært af sine fysisk udviklede karakterer. Fordi han portrætterede et perfekt menneske. Hvor fysisk skønhed betyder åndelig skønhed.

Derfor er alle hans helte så muskuløse og modstandsdygtige. Selv kvinder og gamle mennesker.

Michelangelo. Fragmenter af den sidste doms fresko i Det Sixtinske Kapel, Vatikanet.

Michelangelo malede ofte karakteren nøgen. Og så var jeg ved at afslutte oven på tøjet. Så kroppen er så fremtrædende som muligt.

Han malede loftet i Det Sixtinske Kapel selv. Selvom det er flere hundrede figurer! Han lod ikke engang gnide malingen. Ja, han var en enspænder. Besidder en sej og skændig karakter. Men mest af alt var han utilfreds med ... sig selv.

Michelangelo levede et langt liv. Efter at have overlevet udryddelsen af ​​renæssancen. Det var en personlig tragedie for ham. Hans senere værker er fulde af sorg og sorg.

Generelt kreativ måde Michelangelo er unik. Hans tidlige arbejde er en forherligelse af den menneskelige helt. Fri og modig. V bedste traditioner Det gamle Grækenland... Ligesom hans David.

V de sidste år livet er tragiske billeder... En bevidst ru hugget sten. Som om foran os er monumenter for ofrene for fascismen i det 20. århundrede. Se på hans Pieta.

Skulpturer af Michelangelo på Akademiet finere kunst i Firenze. Til venstre: David. 1504 Til højre: Pieta fra Palestrina. 1555 g.

Hvordan er det muligt? En kunstner i et af hans liv gennemgik alle kunstfaser fra renæssancen til det 20. århundrede. Hvad skal de næste generationer gøre? Nå, gå din egen vej. Indser, at barren er blevet sat meget højt.

5. Raphael (1483-1520)

Raphael blev aldrig glemt. Hans geni er altid blevet anerkendt. Og i løbet af livet. Og efter døden.

Hans karakterer er udstyret med sensuel, lyrisk skønhed. Det er ham, der med rette betragtes som den smukkeste kvindelige billeder nogensinde skabt. Deres ydre skønhed afspejler heltindernes åndelige skønhed. Deres sagtmodighed. Deres offer.

Berømte ord"Skønhed vil redde verden" sagde Fjodor Dostojevskij til Fr. Dette var hans yndlingsmaleri.

Sensuelle billeder er dog ikke de eneste stærk side Raphael. Han tænkte meget nøje over sammensætningen af ​​sine malerier. Han var en fuldendt arkitekt i maleriet. Desuden fandt han altid den enkleste og mest harmoniske løsning i organisering af rummet. Det ser ud til, at det ikke kan være anderledes.

Raphael levede kun 37 år gammel. Han døde pludselig. Fra blev forkølet og medicinsk fejl... Men hans arv er svær at overvurdere. Mange kunstnere idoliserede denne mester. Multiplicere hans sanselige billeder i tusinder af hans malerier.

Titian var en fuldendt kolorist. Han eksperimenterede også meget med komposition. Generelt var han en vovet og lys innovator.

For sådan en lysstyrke af talent elskede alle ham. Han kaldte ham "Kongen af ​​malere og kongemaler".

Apropos Titian, vil jeg sige Udråbstegn... Det var jo ham, der bragte dynamik til maleriet. Patos. Entusiasme. Lys farve. Udstråling af farver.

Mod slutningen af ​​sit liv udviklede han en usædvanlig skriveteknik. Hurtige, tykke slag. Han påførte malingen med en pensel og derefter med fingrene. Fra dette - billederne er endnu mere levende, ånder. Og plottene er endnu mere dynamiske og dramatiske.

Kan det ikke minde dig om noget? Selvfølgelig er dette en teknik. Og teknik kunstnere XIXårhundrede: Barbizonians og. Titian vil ligesom Michelangelo gennemgå 500 års maleri i et af hans liv. Derfor er han et geni.

O berømt mesterværk læs guiden i artiklen.

Renæssancekunstnere er kunstnere med stor viden. For at efterlade en sådan arv måtte man vide meget. Inden for historie, astrologi, fysik og så videre.

Derfor får hver af deres billeder os til at tænke. Hvad er det afbildet for? Hvad er den krypterede besked her?

Derfor tog de næsten aldrig fejl. Fordi de grundigt tænkte over deres fremtidige arbejde. Brug al bagagen af ​​deres viden.

De var mere end kunstnere. De var filosoffer. Forklarer verden for os gennem maleri.

Derfor vil vi altid være dybt interesserede i dem.

Renæssancen er en tid med intellektuel blomstring i Italien, som påvirkede menneskehedens udvikling. Denne vidunderlige tid startede i XIV århundrede og begyndte at falde i XVI århundrede. Det er umuligt at finde et enkelt område af menneskelig aktivitet, der ikke ville have været påvirket af renæssancen. Den blomstrende menneskelige kultur, kreativitet, kunst, videnskab. Politik, filosofi, litteratur, arkitektur, maleri - alt dette tog et nyt åndedrag og begyndte at udvikle sig i et usædvanligt hurtigt tempo. De fleste af de største kunstnere, der forlod om sig selv evig hukommelse i værkerne og som udviklede de fleste principper og love for maleri, levede og arbejdede de præcist på dette tidspunkt. Renæssancen er blevet en mundfuld for mennesker frisk luft og begyndelsen på et nyt liv, en reel kulturel revolution. Livsprincipperne i middelalderen kollapsede, og mennesket begyndte at stræbe efter det høje, som om det realiserede sin virkelige skæbne på Jorden - at skabe og udvikle sig.

Genfødsel betyder ikke andet, end en tilbagevenden til fortidens værdier. Fortidens værdier, herunder tro og oprigtig kærlighed til kunst, kreativitet, skabelse, er blevet genovervejet. Bevidsthed om mennesket i universet: mennesket som naturens krone, kronen af ​​guddommelig skabelse, selv er skaberen.

For det meste berømte kunstnere Renaissance, Alberti, Michelangelo, Raphael, Albrecht Durer og mange andre er. Med deres arbejde udtrykte de det generelle universbegreb, begrebet menneskets oprindelse, der var baseret på religion og myter. Vi kan sige, at det var dengang, kunstnernes ønske opstod om at lære at skabe et realistisk billede af en person, naturen, tingene samt immaterielle fænomener - følelser, følelser, stemninger osv. Oprindeligt blev Firenze betragtet som centrum for renæssancen, men i det 16. århundrede havde den erobret Venedig. Det var i Venedig, at de vigtigste velgørere eller lånere fra renæssancen, såsom Medici, paver og andre, blev fundet.

Der er ingen tvivl om, at renæssancetiden påvirkede udviklingen af ​​hele menneskeheden i enhver forstand af ordet. Den tids kunstværker er stadig blandt de dyreste, og deres forfattere har for altid efterladt deres navne i historien. Renæssancemalerier og skulpturer betragtes som uvurderlige mesterværker og er stadig en vejledning og et eksempel for enhver kunstner. Den unikke kunst er slående i sin skønhed og dybde i design. Enhver er forpligtet til at vide om denne ekstraordinære tid, som var i vores fortids historie, uden den arv, som det er absolut umuligt at forestille sig vores nutid og fremtid.

Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)

Raphael Santi - Madonna

Navnene på renæssancekunstnerne har længe været omgivet universelt anerkendt... Mange domme og vurderinger om dem er blevet aksiomer. Alligevel er det ikke kun en rettighed, men også en kunsthistorisk pligt at være kritisk over for dem. Først da bevarer deres kunst sin sande betydning for eftertiden.

Piero della Francesca

Piero della Francesca var indtil for nylig den mindst kendte og anerkendte. Virkningen på Piero della Froncesca af de florentinske mestre i det tidlige femtende århundrede, såvel som hans gensidige indflydelse på hans samtidige og efterfølgere, især på den venetianske skole, blev det med rette noteret. Imidlertid er Piero della Francescas usædvanlige, fremtrædende position i italiensk maleri endnu ikke tilstrækkeligt forstået. Formentlig vil hans anerkendelse med tiden kun vokse.

Piero della Francesca (c. 1420-1492) italiensk maler og teoretiker, repræsentant for den tidlige renæssance

Hans største og smukkeste værk er cyklussen af ​​kalkmalerier om temaet "Korsets historie" i Arezzo (1452-1466). Arbejdet blev udført i henhold til den lokale købmand Bachchis vilje. Måske deltog en gejstlig, en eksekutor af afdødes vilje, i udviklingen af ​​programmet. Piero della Francesca støttede sig på den såkaldte "Golden Legend" af J. da Vorajina. Han havde også forgængere blandt kunstnere. Men hovedidéen tilhørte naturligvis ham. Det viser klart kunstnerens visdom, modenhed og poetiske følsomhed.

Næppe den eneste billedcyklus i den tid i Italien, "Korsets historie", har en dobbelt betydning. På den ene side præsenteres her alt, hvad der fortælles i legenden om, hvordan træet voksede, hvorfra Golgata -korset blev hamret, hvordan det senere manifesterede sig. mirakuløs kraft... Men da individuelle billeder ikke er i kronologisk rækkefølge, synes denne bogstavelige betydning at trække sig tilbage i baggrunden. Kunstneren arrangerede malerierne på en sådan måde, at de giver en idé om forskellige former. menneskeliv: om det patriarkalske - på scenen for Adams død og i overførslen af ​​korset af Heraclius, om det sekulære, hoffet, byen - i scenerne for Dronningen af ​​Sheba og i Findelsen af ​​korset, og endelig om militæret, kamp - i "Victory of Constantine" og "Victory of Heraclius". Faktisk dækkede Piero della Francesca næsten alle aspekter af livet. Hans cyklus omfattede: historie, legende, hverdag, arbejde, naturbilleder og portrætter af hans samtidige. I byen Arezzo, i kirken San Francesco, politisk underlagt Firenze, var der den mest bemærkelsesværdige kalkmaleri Italiensk renæssance.

Piero della Francescas kunst er reel frem for ideel. Et rationelt princip hersker i ham, men ikke rationalitet, der er i stand til at drukne hjertets stemme. Og i denne henseende personificerer Piero della Francesca renæssancens lyseste og mest frugtbare kræfter.

Andrea Mantegna

Mantegnas navn er forbundet med ideen om en humanistisk kunstner, der er forelsket i romersk antik, bevæbnet med omfattende viden om gammel arkæologi. Hele sit liv tjente han Mantuan -hertugene d'Este, var deres hofmaler, udførte deres ordrer, tjente dem trofast (selvom de ikke altid gav ham, hvad han fortjente) .Men dybt i hans sjæl og i kunsten var han uafhængig, dedikeret til hans høje Mantegna -kunsten er alvorlig, undertiden grusom til nådesløshed, og i denne adskiller den sig fra Piero della Francescas kunst og nærmer sig Donatello.

Andrea Mantegna. Selvportræt i Ovetari-kapellet

Han synger af romersk tapperhed, næsten bedre end romerne selv gjorde det. Hans helte er klædt i rustninger og statuer. Hans klippebjerge er præcist udskåret med billedhuggerens mejsel. Selv skyerne, der svæver på himlen, ser ud til at være støbt af metal. Blandt disse fossiler og støbninger er kamphærdede helte, modige, hårde, ihærdige, dedikeret til pligtfølelse, retfærdighed, klar til selvopofrelse. Mennesker bevæger sig frit i rummet, men står i rækkefølge i række og danner et skinn af stenrelieffer. Denne verden af ​​Mantegna charmerer ikke øjet, det gør hjertet koldt. Men man kan ikke andet end at indrømme, at den blev skabt af kunstnerens åndelige impuls. Derfor var kunstnerens humanistiske erudition, ikke råd fra sine lærde venner, men hans stærke fantasi, hans lidenskab, bundet af vilje og selvsikker dygtighed, her af afgørende betydning.

Før os er et af de mest betydningsfulde fænomener i kunsthistorien: store mestre står ved deres intuition i overensstemmelse med deres fjerne forfædre og gør, hvad de fejler senere til kunstnere som har studeret fortiden, men ikke er i stand til at ligne den.

Sandro Botticelli

Botticelli blev opdaget Engelsk præ-Raphaelites... Men selv i begyndelsen af ​​det 20. århundrede, med al beundringen for sit talent, blev han ikke "tilgivet" for afvigelser fra almindeligt accepterede regler- perspektiver, chiaroscuro, anatomi. Efterfølgende blev det besluttet, at Botticelli vendte tilbage til gotisk. Vulgar sociologi har opsummeret sin forklaring på dette: "feudal reaktion" i Firenze. Ikonologiske fortolkninger etablerede Botticellis forbindelser med en kreds af florentinske neoplatonister, især tydeligt i hans berømte malerier "Forår" og "Venus fødsel".

Selvportræt af Sandro Botticelli, fragment af altertavlen "Adoration of the Magi" (ca. 1475)

Når man læser moderne videnskabelige kommentarer til dette maleri, er det svært at tro, at kunstneren selv kunne gå så dybt ind mytologisk plot, for at komme med alle mulige finesser i fortolkningen af ​​figurer, som selv i dag ikke umiddelbart kan forstås, og i gamle dage blev de tilsyneladende kun forstået i Medici -kredsen. Det er mere sandsynligt, at de blev foreslået kunstneren af ​​en eller anden erudit, og det lykkedes ham at opnå, at kunstneren begyndte at interlinear oversætte de verbale serier til den visuelle. Det mest dejlige ved Botticellis maleri er de enkelte figurer og grupper, især gruppen af ​​de tre nåde. På trods af at den blev spillet uendeligt mange gange, har den ikke mistet sin charme den dag i dag. Hver gang du ser hende, oplever du et nyt angreb af beundring. Botticelli formåede virkelig at kommunikere til sine skabninger evig ungdom... En af de videnskabelige kommentarer til maleriet antydede, at dansen af ​​nåde udtrykker ideen om harmoni og uenighed, som de florentinske neoplatonister ofte talte om.

Botticellis uovertrufne illustrationer tilhører " Guddommelig komedie". Den, der så hans ark, mens han læste Dante, vil altid huske dem. Han var som ingen anden gennemsyret af ånden i Dantes digt. Nogle tegninger til Dante bærer karakteren af ​​en præcis grafisk linje for digtet. Men smukkeste er dem, hvor kunstneren forestiller sig og komponerer i Dante's ånd. Der er de fleste af disse blandt illustrationerne til paradis. Det ser ud til, at maleri -paradis var det sværeste for renæssancens kunstnere, der så elskede den velduftende jord Botticelli giver ikke afkald på renæssanceperspektivet, fra rumlige indtryk, afhængigt af betragtningens synsvinkel.Men i paradis rejser han sig til overførslen af ​​selve objektets ikke-perspektiviske essens. Hans figurer er vægtløse , lyset trænger ind i dem, rummet findes uden for jordens koordinater.Legemer er indskrevet i en cirkel, som i et symbol på den himmelske sfære.

Leonardo Da Vinci

Leonardo er et af de generelt anerkendte genier fra renæssancen. Mange betragter ham som den første kunstner på den tid, under alle omstændigheder kommer hans navn først og fremmest i tankerne, når det kommer til vidunderlige mennesker Renæssance. Og derfor er det så svært at afvige fra de sædvanlige meninger og overveje hans kunstneriske arv med et åbent sind.

Selvportræt, hvor Leonardo fremstillede sig selv som en gammel vismand. Tegningen opbevares i Det Kongelige Bibliotek i Torino. 1512 g.

Leonardo var en stor videnskabsmand, en klog tænker, forfatter, forfatter til "traktaten", en opfindsom ingeniør. Hans alsidighed hævede ham over niveauet for de fleste kunstnere på den tid og udgjorde samtidig en vanskelig opgave for ham - at kombinere en videnskabelig analytisk tilgang med kunstnerens evne til at se verden og direkte overgive sig til følelse. Denne opgave optog efterfølgende mange kunstnere og forfattere. Med Leonardo fik det karakter af et uløseligt problem.

Lad os for en stund glemme alt det, der hviskes til os af den smukke myte om kunstner-videnskabsmanden, og vi vil bedømme hans maleri på samme måde, som vi bedømmer maleriet af andre mestre i hans tid. Hvad får hans arbejde til at skille sig ud fra deres? Først og fremmest årvågenhed for vision og højt præstationskunst. De bærer præg af udsøgt håndværk og den fineste smag... I maleriet af sin lærer Verrocchio "Dåben" malede unge Leonardo en engel så sublim og sofistikeret, at ved siden af ​​ham virker den smukke engel Verrocchio enkel og baseret. I årenes løb blev "æstetisk aristokrati" i Leonardos kunst endnu stærkere. Dette betyder ikke, at ved de suveræne domstole blev hans kunst hoflig, høfligt. Under alle omstændigheder kan du aldrig kalde hans Madonna bondekvinder.

Han tilhørte samme generation som Botticelli, men han talte misbilligende, endda spottende, da han anså ham for at være bag tiden. Leonardo selv bestræbte sig på at fortsætte søgen efter sine forgængere inden for kunsten. Uden at begrænse sig selv til rum og volumen sætter han sig selv til opgave at mestre det stille lysmiljø, der omslutter objekter. Dette betød det næste trin i kunstnerisk forståelse. den virkelige verden, åbnede til en vis grad vejen for venetianernes kolorisme.

Det ville være forkert at sige, at fascinationen for videnskab forstyrrede Leonardos kunstneriske arbejde. Denne mands geni var så enorm, hans dygtighed var så høj, at selv et forsøg på at "tage halsen på hans sang" ikke kunne dræbe hans kreativitet. Hans gave som kunstner brød konstant igennem alle begrænsninger. I hans kreationer fanger den umiskendelige troskab i øjet, bevidsthedens klarhed, børstens lydighed, den virtuose teknik. De erobrer os med deres charme, som en besættelse. Den, der så "La Gioconda" husker, hvor svært det er at bryde væk fra det. I en af ​​hallerne i Louvre, hvor hun var ved siden af de bedste mesterværker Italiensk skole, hun vinder og hersker stolt over alt, hvad der hænger omkring hende.

Leonardos malerier danner ikke kæder som mange andre renæssancekunstnere. I hans tidlige værker, som "Benois Madonna", er der mere varme og spontanitet, men i hende gør eksperimentet sig også gældende. "Tilbedelse" i Uffizi er en fremragende undermaling, en temperamentsfuld, livlig skildring af mennesker, der ærbødigt henvender sig til en yndefuld kvinde med en baby i skødet. I "Madonna of the Rocks" er der en charmerende engel, en krøllet ungdom, der kigger ud af billedet, men frastødt af den mærkelige idé om at overføre iddilia til hulens mørke. Den herliggjorte "Sidste aftensmad" har altid glædet sig over karakterernes velmærkede karakterisering: blide John, strenge Peter, skurken Judas. Det faktum, at sådanne livlige og ophidsede figurer er placeret tre i en række, på den ene side af bordet, ligner imidlertid en uberettiget konvention, vold mod den levende natur. Dette dog store Leonardo da Vinci, og da han malede billedet sådan, betyder det, at han opfattede det sådan, og dette nadver vil forblive i århundreder.

Observation og årvågenhed, som Leonardo kaldte kunstnere i sin "traktat", er ikke begrænset til hans kreative muligheder... Han forsøgte bevidst at anspore sin fantasi ved at se på væggene revnet fra alderdom, hvor seeren kan forestille sig ethvert plot. I den berømte Windsor -tegning af det sanguine "Thunderstorm" af Leonardo, hvad der blev åbenbaret for hans øjne fra en bjergtop. En række Windsor -tegninger om temaet globale oversvømmelse- bevis på en virkelig strålende indsigt fra kunstner-tænkeren. Kunstneren skaber tegn, der ikke aner, men som fremkalder en følelse af forbløffelse blandet med rædsel. Tegningerne blev skabt af den store mester i en eller anden form for profetisk delirium. Alt er sagt i dem mørk tunge visioner af John.

Leonardos indre uenighed om de tilbagegående dage gør sig gældende i to af hans værker: Louvre "Johannes Døberen", Turinens selvportræt. I et sent selvportræt i Torino ser kunstneren, der er nået alderdommen, åbent på sig selv i spejlet på grund af rynkende øjenbryn - han ser træk af forfald i sit ansigt, men han ser også visdom, et tegn på "efteråret" af livet".