Sinfonian 1. osan musiikkimuoto. Sinfonian kuunteleminen ja ymmärtäminen

Sana "sinfonia" käännetty kreikasta "konsonanssiksi". Todellakin, monien orkesterin soittimien ääntä voidaan kutsua musiikiksi vain silloin, kun ne ovat viritettyinä eivätkä anna ääniä itsestään.

Muinaisessa Kreikassa tämä nimi annettiin miellyttävälle ääniyhdistelmälle, yhteislaululle yhdessä. V Antiikin Rooma niin yhtyettä, orkesteria alettiin kutsua. Keskiajalla maallista musiikkia yleensä ja joitakin soittimia kutsuttiin sinfonioksi.

Sanalla on muita merkityksiä, mutta ne kaikki sisältävät yhteyden, osallistumisen, harmonisen yhdistelmän merkityksen; esimerkiksi Bysantin valtakunnassa muodostunutta kirkon ja maallisen vallan suhteen periaatetta kutsutaan myös sinfoniaksi.

Mutta tänään puhumme vain musiikillisesta sinfoniasta.

Sinfonian lajikkeet

Klassinen sinfonia on syklisessä sonaattimuodossa oleva musiikkiteos, joka on tarkoitettu sinfoniaorkesterin esitettäväksi.

Sinfoniassa (paitsi sinfoniaorkesteri) voi sisältää kuoroa ja laulua. Siellä on sinfoniat-sarjat, sinfoniat-rapsodiat, sinfoniat-fantasioita, sinfoniat-balladeja, sinfoniat-legendat, sinfoniat-runot, sinfoniat-requiemit, sinfoniat-baletit, sinfoniat-draamat ja teatterisinfoniat eräänlaisena oopperana.

Klassisessa sinfoniassa on yleensä 4 osaa:

ensimmäinen osa on mukana nopea tahti(allegro ) , sonaattimuodossa;

toinen osa sisään hidas tahti, yleensä muunnelmina, rondo, rondosonaatti, kompleksinen kolmiosainen, harvemmin sonaatti;

kolmas osa - scherzo tai menuetti- kolmiosaisessa da capo -muodossa triolla (eli A-trio-A-kaavion mukaisesti);

neljäs osa sisään nopea tahti, sonaattimuodossa, rondo- tai rondosonaattimuodossa.

Mutta on sinfoniaa, joissa on vähemmän (tai enemmän) osia. Mukana on myös yksiosaisia ​​sinfoniaa.

Ohjelmiston sinfonia on sinfonia, jolla on tietty sisältö, joka mainitaan ohjelmassa tai ilmaistaan ​​nimessä. Jos sinfoniassa on nimike, tämä nimike on minimiohjelma, esimerkiksi G. Berliozin Fantastic Symphony.

Sinfonian historiasta

Luoja klassinen muoto sinfoniat ja orkestraatiot otetaan huomioon Haydn.

Ja sinfonian prototyyppi on italialainen alkusoitto(instrumentaalinen orkesteriteos, joka esitetään ennen esityksen alkua: ooppera, baletti), joka muotoutui 1600-luvun lopulla. Merkittävän panoksen sinfonian kehittämiseen antoi Mozart ja Beethoven. Nämä kolme säveltäjää kutsutaan "wienin klassikoiksi". Wieniläiset klassikot loivat korkean tyypin instrumentaalinen musiikki, jossa kaikki figuratiivisen sisällön rikkaus ilmentyy täydellisenä taidemuoto. Myös sinfoniaorkesterin muodostumisprosessi - sen pysyvä kokoonpano, orkesteriryhmät - osui tähän aikaan.

V.A. Mozart

Mozart kirjoitti kaikissa aikakautensa muodoissa ja genreissä, piti oopperaa erityisen tärkeänä, mutta suurta huomiota omistettu sinfoniselle musiikille. Koska hän työskenteli koko elämänsä rinnakkain oopperoiden ja sinfonioiden parissa, hänen instrumentaalimusiikkinsa erottuu melodisuudesta. oopperan aaria ja dramaattinen konflikti. Mozart loi yli 50 sinfoniaa. Suosituimmat olivat kolme viimeistä sinfoniaa - nro 39, nro 40 ja nro 41 ("Jupiter").

K. Schlosser "Beethoven työssä"

Beethoven loi 9 sinfoniaa, mutta sinfonisen muodon ja orkestroinnin kehityksen osalta häntä voidaan kutsua klassisen aikakauden suurimmaksi sinfoniseksi säveltäjäksi. Hänen yhdeksännessä sinfoniassaan, tunnetuimmassa, kaikki sen osat sulautuvat yhdeksi kokonaisuudeksi läpimenevän teeman avulla. Tässä sinfoniassa Beethoven esitteli lauluosuudet, minkä jälkeen muut säveltäjät alkoivat tehdä tätä. Sinfonian muodossa sanoi uusi sana R. Schuman.

Mutta jo XIX vuosisadan toisella puoliskolla. sinfonian tiukat muodot alkoivat muuttua. Neliosaisesta tuli valinnainen: ilmestyi yksi osa sinfonia (Mjaskovski, Boris Tšaikovski), sinfonia alkaen 11 osaa(Shostakovich) ja jopa alkaen 24 osaa(Hovaness). klassinen loppu nopeassa tahdissa korvattiin hitaalla finaalilla (P.I. Tšaikovskin kuudes sinfonia, Mahlerin kolmas ja yhdeksäs sinfonia).

Sinfonioiden kirjoittajat olivat F. Schubert, F. Mendelssohn, I. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jan Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Tšaikovski, A. Borodin, N. Rimski-Korsakov, N. Myaskovsky, A. Skryabin, S. Prokofjev, D. Šostakovitš ja muut.

Sen kokoonpano, kuten jo sanoimme, muodostui aikakaudella Wieniläisiä klassikoita.

Sinfoniaorkesterin perustana on neljä soitinryhmää: jouset jouset(viulut, alttoviulut, sellot, kontrabassot) puupuhaltimet(huilu, oboe, klarinetti, fagotti, saksofoni kaikkine lajikkeineen - vanha nokkahuilu, shalmy, chalumeau jne. sekä joukko kansansoittimet- balaban, duduk, zhaleyka, huilu, zurna), messinki(torvi, trumpetti, kornetti, flugelhorn, pasuuna, tuuba) rummut(timpanit, ksylofoni, vibrafoni, kellot, rummut, kolmio, symbaalit, tamburiini, kastanetteja, tam-tam ja muut).

Joskus orkesteriin kuuluu muitakin soittimia: harppu, piano, urut(koskettimet ja puhallinsoitin, suurin soittimien tyyppi), celesta(pieni kosketin-lyömäsoitin, joka näyttää pianolta, kuulostaa kelloilta), cembalo.

Cembalo

Iso sinfoniaorkesteriin voi kuulua jopa 110 muusikkoa , pieni- enintään 50.

Kapellimestari päättää, kuinka orkesteri istuu. Nykyaikaisen sinfoniaorkesterin esiintyjien sijainnilla pyritään yhtenäiseen soorisiteettiin. 50-70 luvulla. 20. vuosisata levitän "Amerikkalaiset istuimet": ensimmäinen ja toinen viulu sijoitetaan johtimen vasemmalle puolelle; oikealla - alttoviulut ja sellot; syvyyksissä - puupuhaltimet ja messinki, kontrabasso; vasen - rummut.

Istuinjärjestelyt sinfoniaorkesterin muusikoille

Lukuisten musiikin lajien ja muotojen joukossa yksi kunniallisimmista paikoista kuuluu sinfonialle. Viihdelajina 1800-luvun alusta nykypäivään noussut se heijastelee herkimmin ja täydellisimmin aikaansa, kuten mikään muu musiikkitaiteen muoto. Beethovenin ja Berliozin, Schubertin ja Brahmsin, Mahlerin ja Tšaikovskin, Prokofjevin ja Šostakovitšin sinfoniat ovat laajamittaisia ​​pohdintoja aikakaudesta ja persoonasta, ihmiskunnan historiasta ja maailman tavoista.

Sinfoninen sykli, sellaisena kuin sen tunnemme monista klassisista ja nykyaikaisista esimerkeistä, muotoutui noin kaksisataaviisikymmentä vuotta sitten. Tämän historiallisen lyhyen ajanjakson aikana sinfoniagenre on kuitenkin edennyt pitkälle. Tämän polun pituuden ja merkityksen määräsi juuri se tosiasia, että sinfonia imeytyi kaikki aikansa ongelmat, pystyi heijastamaan aikakauden monimutkaisia, ristiriitaisia, täynnä kolossaalisia mullistuksia, ilmentämään sen tunteita, kärsimyksiä, kamppailuja. ihmiset. Riittää, kun kuvittelee yhteiskunnan elämää 1700-luvun puolivälissä - ja muistaa Haydnin sinfoniat; suuria mullistuksia myöhään XVIII- 1800-luvun alku - ja niitä heijastavat Beethovenin sinfoniat; reaktio yhteiskunnassa, pettymys - ja romanttiset sinfoniat; lopuksi kaikki kauhut, joita ihmiskunnan oli kestettävä 1900-luvulla - ja vertailla Beethovenin sinfoniaa Šostakovitšin sinfonioihin nähdäkseen selvästi tämän laajan, joskus traagisen polun. Nyt harvat muistavat, millaista alku oli, mikä oli tämän monimutkaisimman puhtaasti musiikillisen genren alkuperä, joka ei liity muihin taiteisiin.

Katsotaanpa nopeasti musiikillinen Eurooppa 1700-luvun puolivälissä.

Italiassa, klassisessa taiteen maassa, kaikkien Euroopan maiden suunnannäyttäjänä, hallitsee ooppera. Niin kutsuttu opera seria ("vakava") hallitsee. Siinä ei ole kirkkaita yksittäiskuvia, ei ole aitoa dramaattista toimintaa. Oopperasarja on vuorottelu erilaisista mielen tilat sisällytetty ehdollisiin merkkeihin. Sen tärkein osa on aria, jossa nämä tilat välittyvät. Luvassa on vihan ja koston aarioita, valituksia (lamento), surullisia hitaita aarioita ja iloisia bravuuria. Nämä aariat olivat niin yleisiä, että ne voitiin siirtää oopperasta toiseen ilman, että esitys vahingoittaisi. Itse asiassa säveltäjät tekivät näin usein, varsinkin kun heidän piti kirjoittaa useita oopperoita kauden aikana.

Melodiasta tuli osa oopperasarjaa. Italian bel canton kuuluisa taide on täällä korkeimmalla tasolla. Aariassa säveltäjät ovat saavuttaneet tietyn tilan ilmentymisen todelliset korkeudet. Rakkaus ja viha, ilo ja epätoivo, viha ja suru välitettiin musiikilla niin elävästi ja vakuuttavasti, että tekstiä ei tarvinnut kuulla ymmärtääkseen, mistä laulaja lauloi. Näin pohjimmiltaan valmistettiin maaperä tekstittömälle musiikille, joka on suunniteltu ilmentämään ihmisten tunteita ja intohimoja.

Välikappaleista - oopperasarjan esitysten ja siihen liittymättömän sisällön välissä suoritetuista välikohtauksista - nousi sen iloinen sisar, koominen ystäväooppera. Demokraattinen sisällöltään (sen päähenkilöt eivät olleet mytologisia sankareita, kuninkaat ja ritarit, vaan tavalliset ihmiset) hän vastusti itseään tarkoituksella hovitaidetta vastaan. Oopperaharrastaja erottui luonnollisuudesta, toiminnan eloisuudesta, musiikin kielen välittömyydestä, joka liittyy usein suoraan kansanperinteeseen. Se sisälsi vokaalisia kielenkäänteitä, koomista parodista koloratuuria, eloisia ja kevyitä tanssimelodioita. Näytelmien finaalit avautuivat yhtyeinä, joissa hahmoja he kaikki lauloivat samaan aikaan. Joskus tällaisia ​​finaaleja kutsuttiin "tangle" tai "sekaannukseksi", toiminta rullasi niihin niin nopeasti ja juonittelu osoittautui hämmentäväksi.

Italiassa kehittyi myös instrumentaalimusiikki ja ennen kaikkea oopperaan läheisimmin liittyvä genre - alkusoitto. Oopperaesityksen orkesterin johdatuksena hän lainasi oopperasta kirkkaan, ilmeikäs musiikillisia teemoja samanlaisia ​​kuin aarioiden melodiat.

Tuon ajan italialainen alkusoitto koostui kolmesta osasta - nopea (Allegro), hidas (Adagio tai Andante) ja jälleen nopea, useimmiten menuetti. He kutsuivat sitä sinfoniaksi - käännettynä kreikasta - konsonanssiksi. Ajan myötä alkusoittoja alettiin esittää paitsi teatterissa ennen verhon avaamista, myös erikseen, itsenäisinä orkesterisävellyksinä.

1600-luvun lopulla ja 1700-luvun alussa Italiaan ilmestyi loistava galaksi virtuoosiviulistia, jotka olivat samalla lahjakkaita säveltäjiä. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli ja muut, jotka hallitsivat täydellisesti viulua - musiikki-instrumenttia, jota ilmeisyydessään voidaan verrata ihmisen ääni, - loi laajan viuluohjelmiston pääasiassa sonaateista (italialaista sonaresta - soundiin). Niissä, kuten Domenico Scarlattin, Benedetto Marcellon ja muiden säveltäjien klaviersonaateissa, kehittyi joitain yhteisiä rakenteellisia piirteitä, jotka sitten siirtyivät sinfoniaan.

Muodostunut eri tavalla musiikki Elämä Ranska. Sanaan ja toimintaan liittyvää musiikkia on rakastettu siellä pitkään. Balettitaide oli erittäin kehittynyttä; viljeltiin erityistä oopperatyyppiä - lyyristä tragediaa, joka muistuttaa Corneillen ja Racinen tragedioita, jossa oli jälki kuninkaallisen hovin erityisestä elämästä, sen etiketistä ja juhlallisuuksista.

Ranskalaiset säveltäjät vetosivat instrumentaalinäytelmiä luodessaan musiikin juoneeseen, ohjelmaan, sanalliseen määritelmään. "Flying Cap", "Reapers", "Tambourine" - niin sanotut cembalokappaleet, jotka olivat joko genren luonnoksia tai musiikillisia muotokuvia - "Graceful", "Gentle", "Hardworking", "Flirty".

Lisää suuria töitä, joka koostuu useista osista, syntyi tanssista. Tiukka saksalainen allemande, liikkuva, kuten liukuva ranskalainen kello, majesteettinen espanjalainen sarabande ja nopea gigue - englantilaisten merimiesten tulitanssi - ovat olleet Euroopassa jo kauan tunnettuja. Ne olivat instrumentaalisarjan genren perusta (ranskalaisesta sarjasta - sekvenssi). Sarjaan sisältyi usein muitakin tansseja: menuetti, gavotti, poloneesi. Ennen allemandea saattoi kuulua johdatteleva alkusoitto, sarjan keskellä mitattu tanssiliike joskus keskeytetään vapaalla aarialla. Sarjan selkäranka on kuitenkin neljä erilaista tanssia eri kansoja- oli varmasti läsnä muuttumattomana sekvenssinä, hahmotellen neljä erilaista tunnelmaa, joka johdatti kuulijan alun rauhallisesta liikkeestä jännittävään kiihkeään finaaliin.

Sarjat ovat kirjoittaneet monet säveltäjät, eivät vain Ranskassa. Heille merkittävän kunnianosoituksen antoi myös suuri Johann Sebastian Bach, jonka nimeen, samoin kuin koko tuon ajan saksalaiseen musiikkikulttuuriin, liittyy monia musiikkigenrejä.

Saksan kielen maissa eli lukuisissa Saksan kuningaskunnissa, ruhtinaskunnissa ja piispankunnissa (Preussi, Baijerin, Saksi jne.) sekä eri alueita Monikansallinen Itävallan valtakunta, johon tuolloin kuului "muusikoiden kansa" - Habsburgien orjuuttama Tšekki - on pitkään viljellyt instrumentaalimusiikkia. Missä tahansa pikkukaupungissa, kylässä tai jopa kylässä oli viulisteja ja sellistejä, iltaisin soi amatöörien innokkaasti soittamia soolo- ja yhtyekappaleita. Musiikin tekemiskeskuksista tuli yleensä kirkkoja ja niihin liittyviä kouluja. Opettaja oli pääsääntöisesti myös kirkon urkuri, joka parhaan kykynsä mukaan esitti musiikkifantasioita lomilla. Suurissa saksalaisissa protestanttisissa keskuksissa, kuten Hampurissa tai Leipzigissä, syntyi myös uusia musiikin muotoja: urkukonsertteja katedraaleissa. Näissä konserteissa soi preludit, fantasiat, muunnelmat, kuorosovitukset ja mikä tärkeintä, fuugat.

Fuuga on monimutkaisin polyfonisen musiikin tyyppi, joka saavuttaa huippunsa J.S. Bach ja Händel. Sen nimi tulee latinan sanasta fuga - juokseminen. Se on yhteen teemaan perustuva polyfoninen kappale, joka liikkuu (juoksee!) äänestä toiseen. Tässä tapauksessa jokaista melodista riviä kutsutaan ääneksi. Tällaisten rivien lukumäärästä riippuen fuuga voi olla kolmi-, neli-, viisiosainen jne. laajenee (jokaisesta sen muodostavasta sävelestä tulee kaksinkertainen), sitten se kutistuu - tätä kutsutaan ns. teema kasvaa ja teema vähenee. Saattaa käydä niin, että teeman sisällä laskevat melodiset liikkeet muuttuvat nouseviksi ja päinvastoin (liikkeessä oleva teema). Melodinen liike siirtyy sävelestä toiseen. Ja fuugan viimeisessä osassa - Reprise -teema kuulostaa jälleen ennallaan, kuten alussa, palaten näytelmän pääsäveleen.

Muista vielä: me puhumme noin 1700-luvun puolivälissä. Aristokraattisen Ranskan sisimmässä on muodostumassa räjähdys, joka lakaisee pian pois absoluuttisen monarkian. Uusi aika tulee. Sillä välin vallankumouksellisia tunnelmia valmistellaan vain implisiittisesti, ranskalaiset ajattelijat vastustavat olemassa olevaa järjestystä. He vaativat kaikkien ihmisten tasa-arvoa lain edessä, julistavat vapauden ja veljeyden ajatuksia.

Taide, joka heijastaa yhteiskunnallisen elämän muutoksia, on herkkä Euroopan poliittisen ilmapiirin muutoksille. Esimerkki tästä ovat Beaumarchais'n kuolemattomat komediat. Tämä koskee myös musiikkia. Juuri nyt, monimutkaisessa, tapahtumarikkaassa kolossaalissa historiallinen merkitys aikakaudella vanhojen, vakiintuneiden musiikin genrejen ja muotojen syvyyksissä syntyy uusi, todella vallankumouksellinen genre, sinfonia. Siitä tulee laadullisesti, pohjimmiltaan erilainen, koska se ilmentää ja uusi tyyppi ajattelu.

On syytä ajatella, että ei ole sattumaa, että sinfonian tyylilaji muodostui lopulta saksan kielen maissa, koska sillä oli edellytyksiä Euroopan eri alueilla. Italiassa ooppera oli kansallistaidetta. Englannissa siellä tapahtuvien historiallisten prosessien henki ja merkitys heijastui parhaiten Georg Händelin oratorioissa, syntyperäisissä saksalaisissa, joista tuli englantilainen kansallissäveltäjä. Ranskassa muut taiteet nousivat etualalle, erityisesti kirjallisuus ja teatteri, konkreettisempia, suoraan ja ymmärrettävästi ilmaisevia uusia, maailmaa kiehtovia ideoita. Voltairen teokset, Rousseaun "Uusi Eloise", Montesquieun "Persialaiset kirjeet" verhotussa, mutta varsin ymmärrettävässä muodossa esittivät lukijoille kaustista kritiikkiä olemassa olevaa järjestystä kohtaan, tarjosivat omia versioitaan yhteiskunnan rakenteesta.

Kun useiden vuosikymmenten jälkeen se tuli musiikkiin, laulu tuli vallankumouksellisten joukkojen riveihin. Useimmat loistava esimerkki siihen - Reinin armeijan laulu, jonka upseeri Rouger de Lisle loi yhdessä yössä ja josta tuli maailmankuulu Marseillaise-nimellä. Laulun jälkeen ilmestyi joukkojuhlien ja suruseremonioiden musiikki. Ja lopuksi niin sanottu "pelastusooppera", jonka sisältönä oli sankarin tai sankarittaren vainoaminen tyrannin toimesta ja heidän pelastuksensa oopperan finaalissa.

Sinfonia sen sijaan vaati täysin erilaiset olosuhteet sekä muodostumiselle että täydelliselle havainnolle. Filosofisen ajattelun "painopiste", joka heijasti täydellisimmin tuon aikakauden sosiaalisten muutosten syvää olemusta, osoittautui Saksassa, kaukana yhteiskunnallisista myrskyistä.

Siellä he loivat uudet filosofiset järjestelmänsä, ensin Kantin ja myöhemmin Hegelin. Filosofisten järjestelmien tavoin sinfonia on filosofisin, dialektis-prosessuaalisin genre. musiikillinen luovuus, - muodostui lopulta sinne, missä vain kaukaiset kaiut tulevista ukkosmyrskyistä ulottuivat. Siellä on lisäksi kehittynyt vakaat instrumentaalimusiikin perinteet.

Mannheimista, Pfalzin Baijerin vaalipiirin pääkaupungista, tuli yksi uuden genren syntykeskuksista. Täällä, vaaliruhtinas Karl Theodorin loistavassa hovissa pidettiin 1700-luvun 40-50-luvuilla erinomainen, ehkä Euroopan paras orkesteri tuolloin.

Siihen mennessä sinfoniaorkesteri oli vasta muotoutumassa. Ja hovin kappeleissa ja katedraaleissa ei ollut orkesteriryhmiä, joilla oli vakaa kokoonpano. Kaikki riippui hallitsijan tai tuomarin käytettävissä olevista keinoista, niiden mausta, jotka pystyivät käskemään. Orkesterilla oli aluksi vain sovellettu rooli, joka seurasi joko hoviesityksiä tai juhlia ja juhlallisia seremonioita. Ja sitä pidettiin ennen kaikkea oopperana tai kirkkoyhtyeenä. Aluksi orkesteri sisälsi viuluja, luutuja, harpuja, huiluja, oboja, torvia ja rumpuja. Vähitellen sävellys laajeni, kielisoittimien määrä lisääntyi. Ajan myötä viulut syrjäyttivät muinaisen viulun ja nousivat pian johtavaan asemaan orkesterissa. Puupuhallinsoittimet - huilut, oboot, fagottit - yhdistyivät erillinen ryhmä, ilmestyi ja kupari - piiput, pasuunat. Äänen harmonisen pohjan luova cembalo oli orkesterissa pakollinen instrumentti. Häntä seurasi yleensä orkesterin johtaja, joka soittaessaan samalla antoi ohjeita sisäänpääsyyn.

1700-luvun lopulla instrumentaaliset yhtyeet, joka oli olemassa aatelisten hovissa, tuli laajalle levinneeksi. Jokainen pirstoutuneen Saksan lukuisista pikkuprinsseistä halusi oman kappelinsa. Orkesterien nopea kehitys alkoi, uusia orkesterisoittomenetelmiä syntyi.

Mannheimin orkesteri sisälsi 30 kielisoitinta, 2 huilua, 2 oboa, klarinetti, 2 fagottia, 2 trumpettia, 4 käyrätorvea, timpaneja. Tämä on nykyaikaisen orkesterin selkäranka, jonka sävellykseen monet myöhemmän aikakauden säveltäjät loivat teoksensa. Orkesteria johti erinomainen tšekkiläinen muusikko, säveltäjä ja viulisti-virtuoosi Jan Vaclav Stamitz. Orkesterin taiteilijoiden joukossa oli myös aikansa suurimpia muusikoita, ei vain virtuoosiinstrumentalisteja, vaan myös lahjakkaita säveltäjiä Franz Xaver Richter, Anton Filz ja muita. He määrittelivät orkesterin erinomaisen esitystaidon tason, joka tuli tunnetuksi hämmästyttävistä ominaisuuksistaan ​​- aiemmin saavuttamattomasta viulun iskujen tasaisuudesta, hienoimmista sävyistä dynaamiset sävyt ei aiemmin käytetty ollenkaan.

Bosslerin nykyarvostelijan mukaan "pianon, forten, rinforzandon tarkka huomioiminen, äänen asteittainen kasvu ja vahvistuminen ja sitten taas sen voimakkuuden väheneminen tuskin kuuluvaksi ääneksi - kaikki tämä kuului vain Mannheim." Englantilainen musiikin ystävä, joka teki matkan Eurooppaan 1700-luvun puolivälissä, Bernie toistaa: ”Tässä poikkeuksellisessa orkesterissa on tarpeeksi tilaa ja puolia näyttääkseen kaikki kykynsä ja tuottaakseen mahtavan vaikutuksen. Juuri täällä Yomellin teoksista inspiroitunut Stamitz ylitti ensimmäistä kertaa tavanomaiset oopperaalkulaulut ... kaikkia tehosteita, joita tällainen äänimassa voi tuottaa, kokeiltiin. Täällä syntyivät crescendo ja diminuendo sekä piano, joka oli aiemmin pääasiassa kaikua ja joka oli yleensä sen synonyymi, ja forte tunnistettiin. musiikilliset värit joilla on omat sävynsä..."

Juuri tässä orkesterissa soitettiin ensimmäistä kertaa neliääniset sinfoniat - teokset, jotka rakennettiin yhden tyypin mukaan ja joilla oli yhteisiä kuvioita, jotka omaksuivat monia jo olemassa olevien musiikin genrejen ja muotojen piirteitä ja sulattivat ne laadullisesti erilaiseksi; uutta yhtenäisyyttä.

Ensimmäiset soinnut ovat päättäväisiä, täyteläisiä, ikään kuin huomiota herättäviä. Sitten leveitä, lakaisuisia liikkeitä. Jälleen sointuja, korvattu arpeggioidulla liikkeellä, ja sitten - elävä, joustava, kuin avautuva kevät, melodia. Näyttää siltä, ​​että hän voi avautua loputtomasti, mutta lähtee nopeammin kuin huhu haluaa: kuin vieras, joka esiteltiin talon omistajille iso vastaanotto, siirtyy pois heistä antaen tietä muille niitä seuraaville. Hetken yleisliikkeen jälkeen ilmaantuu uusi teema - pehmeämpi, naisellinen, lyyrinen. Mutta se ei kuulosta pitkältä, liukenee kohtiin. Jonkin ajan kuluttua meillä on jälleen ensimmäinen teema, hieman muutettuna, uudessa avaimessa. Musiikkivirta virtaa nopeasti palaten sinfonian alkuperäiseen, pääsäveleen; toinen teema sulautuu orgaanisesti tähän virtaukseen ja lähestyy nyt ensimmäistä luonteeltaan ja tunnelmaltaan. Sinfonian ensimmäinen osa päättyy täyteläisiin iloisiin sointuihin.

Toinen osa, andante, etenee hitaasti, melodisesti ja paljastaa kielisoittimien ilmeisyyden. Tämä on eräänlainen aaria orkesterille, jossa lyyrisyys ja eleginen meditaatio hallitsevat.

Kolmas osa on tyylikäs uljas menuetti. Se luo rentoutumisen, rentoutumisen tunteen. Ja sitten, kuin tulinen pyörretuuli, syttynyt viimeinen räjähtää. Tällainen on yleisesti ottaen tuon ajan sinfonia. Sen alkuperä jäljitetään hyvin selvästi. Ensimmäinen osa muistuttaa eniten oopperan alkusoittoa. Mutta jos alkusoitto on vain esityksen kynnys, niin tässä itse toiminta avautuu äänissä. Tyypillisesti oopperalliset alkusoiton musiikkikuvat - sankarilliset fanfaarit, koskettavat lamentot, ihailijoiden villi riemu - eivät liity tiettyihin näyttämötilanteisiin eivätkä sisällä tyypillisiä yksilöllisiä piirteitä (muistakaa, että edes kuuluisassa Rossinin "Sevillan parturi" -alkulaulussa ei ole mitään liittyi oopperan sisältöön ja ylipäätään se oli alun perin kirjoitettu toista oopperaa varten!), irtautui oopperaesityksestä ja aloitti itsenäisen elämän. Ne ovat helposti tunnistettavissa varhaisessa sinfoniassa - sankariaarioiden ratkaisevat rohkeat intonaatiot ensimmäisissä, pääteemoissa, lyyristen aarioiden lempeät huokaukset toisessa - niin sanotuissa sivuteemoissa.

Oopperaperiaatteet vaikuttavat myös sinfonian tekstuuriin. Jos aiemmin instrumentaalimusiikissa hallitsi polyfonia, eli polyfonia, jossa useita itsenäisiä melodioita toisiinsa kietoutuneena soi samanaikaisesti, niin täällä alkoi kehittyä erityyppistä polyfoniaa: yksi päämelodia (useimmiten viulu), ilmeikäs, merkitsevä, mukana sen herättävä säestys korostaa hänen yksilöllisyyttään. Tämäntyyppinen polyfonia, jota kutsutaan homofoniseksi, hallitsee täysin varhaista sinfoniaa. Myöhemmin fuugasta lainattuja tekniikoita esiintyy sinfoniassa. 1700-luvun puolivälissä sitä voitiin kuitenkin verrata fuugaan. Siellä oli pääsääntöisesti yksi teema (fuugaa on kaksinkertainen, kolminkertainen ja enemmän, mutta niissä teemoja ei vastusteta, vaan niitä verrataan). Hän toisti itseään monta kertaa, mutta mikään ei kiistänyt häntä. Se oli pohjimmiltaan aksiooma, teesi, jota toistuvasti väitettiin ilman todisteita. Sinfoniassa on päinvastainen: erilaisten musiikillisten teemojen ja kuvien ulkoasussa ja muutoksissa kuullaan kiistat ja ristiriidat. Ehkä tämä on aikojen silmiinpistävin merkki. Totuus ei ole enää itsestäänselvyys. Sitä on etsittävä, todistettava, perusteltava vertailemalla erilaisia ​​mielipiteitä, selventämällä eri näkökulmia. Tätä tietosanakirjailijat tekevät Ranskassa. Saksalainen filosofia rakentuu tälle, erityisesti Hegelin dialektiselle menetelmälle. Ja etsinnän aikakauden henki heijastuu musiikissa.

Joten sinfonia otti paljon oopperan alkusoitosta. Erityisesti vastakkaisten osien vuorottelun periaate hahmotettiin alkusoitossa, joka sinfoniassa muuttui itsenäisiksi osiksi. Sen ensimmäisessä osassa - eri puolia, ihmisen erilaiset tunteet, elämä sen liikkeessä, kehitys, muutokset, kontrastit ja konfliktit. Toisessa osassa - pohdintaa, keskittymistä, joskus - sanoituksia. Kolmannessa - rentoutuminen, viihde. Ja lopuksi finaali - kuvia hauskasta, riemuitsemisesta ja samalla - tuloksesta musiikillinen kehitys, sinfonisen syklin loppuun.

Tällainen sinfonia tulee olemaan alku XIX luvulla, niin yleisimmillä termeillä se tulee olemaan esimerkiksi Brahmsin tai Brucknerin kohdalla. Ja syntyessään hän ilmeisesti lainasi monet osat sviitistä.

Allemande, courante, sarabande ja gigue ovat neljä pakollista tanssia, neljä erilaista tunnelmaa, jotka ovat helposti jäljitettävissä varhaisissa sinfonioissa. Tanssittavuus niissä näkyy hyvin selkeästi, varsinkin finaalissa, joka usein muistuttaa jigiä melodian, tempon, jopa taktimerkkien luonteelta. Totta, joskus sinfonian finaali on lähempänä ooppera-buffan säkenöivää finaalia, mutta silloinkin sen sukulaisuus tanssiin, esimerkiksi tarantellaan, on kiistaton. Mitä tulee kolmanteen osaan, sitä kutsutaan menuetiksi. Vain Beethovenin teoksissa scherzo tulee korvaamaan urhoollisen hovimiehen tai töykeän kansantanssin.

Siten vastasyntyneen sinfoniaan sisältyi monien musiikkigenrejen piirteitä, lisäksi myös vuonna syntyneitä genrejä. eri maat Vai niin. Ja sinfonian muodostuminen ei tapahtunut vain Mannheimissa. Siellä oli Wienin koulu, jota edusti erityisesti Wagenseil. Italiassa Giovanni Battista Sammartini kirjoitti orkesteriteoksia, joita hän kutsui sinfonioiksi ja jotka oli tarkoitettu konserttiesitys ei liity oopperan esitykseen. Ranskassa nuori säveltäjä, belgialainen François-Joseph Gossec, kääntyi uuden genren puoleen. Hänen sinfoniansa eivät saaneet vastakaikua ja tunnustusta, sillä ranskalaista musiikkia hallitsi ohjelmointi, mutta hänen työnsä vaikuttivat ranskalaisen sinfonian kehitykseen, sinfoniaorkesterin uudistamiseen ja laajentamiseen. Tšekkiläinen säveltäjä Frantisek Micha, joka palveli aikoinaan Wienissä, kokeili paljon ja menestyksekkäästi etsiessään sinfonista muotoa. Mielenkiintoisia kokemuksia olivat kuuluisan maanmiehensä Josef Myslevichkan kanssa. Kaikki nämä säveltäjät olivat kuitenkin yksinäisiä, ja Mannheimiin perustettiin kokonainen koulu, jolla oli lisäksi käytössään ensiluokkainen "soitin" - kuuluisa orkesteri. Sen iloisen tilaisuuden ansiosta, että Pfalzin vaaliruhtinas oli suuri musiikin ystävä ja hänellä oli tarpeeksi varoja maksaakseen siitä valtavat menot, Pfalzin pääkaupunkiin kokoontui upeita muusikoita eri maista - itävaltalaisia ​​ja tšekkejä, italialaisia ​​ja preussialaisia ​​- joista jokainen osallistui oman panoksensa uuden genren luomiseen. Jan Stamitzin, Franz Richterin, Carlo Toeschin, Anton Filzin ja muiden mestareiden teoksissa sinfonia syntyi pääpiirteissään, jotka sitten siirtyivät wieniläisten klassikoiden - Haydnin, Mozartin, Beethovenin - työhön.

Uuden genren olemassaolon ensimmäisen puolen vuosisadan aikana on siis kehittynyt selkeä rakenteellinen ja dramaattinen malli, johon mahtuu monipuolinen ja erittäin merkittävä sisältö. Tämän mallin perustana oli muoto, jota kutsuttiin sonaatiksi tai sonaatti allegroksi, koska se kirjoitettiin useimmiten tällä tempolla ja oli myöhemmin tyypillinen sekä sinfonia että instrumentaalisonaatit ja -konsertot. Sen erikoisuus on erilaisten, usein vastakkaisten musiikkiteemien rinnakkaisuus. Sonaattimuodon kolme pääosaa - esitys, kehitys ja uusinta - muistuttavat juonetta, toiminnan kehitystä ja loppua. klassista draamaa. Lyhyen esittelyn jälkeen tai heti esityksen alussa näytelmän ”hahmot” kulkevat kuulijoiden edessä.

Ensimmäistä musiikillista teemaa, joka soi teoksen päänäppäimessä, kutsutaan pääteemaksi. Useammin - pääteema, mutta oikeammin - pääosa, koska pääosassa, eli tietyssä musiikillisen muodon segmentissä, jota yhdistää yksi keskeinen ja kuviollinen yhteisö, ajan myötä ei yksi, vaan useita eri teemoja -melodioita alkoi ilmestyä. Pääerän jälkeen, varhaisissa näytteissä suoralla vertailulla ja myöhemmissä pienen liitoserän kautta, alkaa sivuerä. Hänen teemansa tai kaksi tai kolme eri aiheista vastakohtana pääasialliseen. Useimmiten sivuosa on lyyrisempi, pehmeämpi, naisellinen. Se kuulostaa erilaiselta kuin pää-, toissijainen (siis puolueen nimi) avaimella. On epävakauden tunnetta ja joskus konflikteja. Näyttely päättyy loppuosaan, joka joko puuttuu varhaisista sinfonioista tai toimii puhtaasti apuroolina eräänlaisena pisteenä, esirippuna näytelmän ensimmäisen näytöksen jälkeen, ja saa myöhemmin Mozartista alkaen merkityksen itsenäinen kolmas kuva sekä pää- ja toissijainen kuva.

Sonaattimuodon keskiosa on kehitys. Kuten nimikin kertoo, siinä kehitetään, muutetaan ja kehitetään niitä musiikillisia teemoja, joihin kuulijat näyttelyssä tutustuivat (eli aiemmin esiteltiin). Samalla ne esitetään uusilta, joskus odottamattomilta puolilta, niistä erotetaan muunnettuja, erilliset motiivit - aktiivisimmat, jotka myöhemmin törmäävät. Kehitys on dramaattisesti tehokas osa. Sen lopussa tulee huipentuma, joka johtaa repriisiin - muodon kolmanteen osaan, eräänlaiseen draaman lopputulokseen.

Tämän osion nimi tulee ranskan sanasta reprendre - uudistaa. Se on uudistus, esityksen toisto, mutta muokattu: molemmat osapuolet soivat nyt sinfonian pääsävelsävelessä, ikään kuin kehitystapahtumat olisivat saaneet harmoniaan. Joskus toistossa tapahtuu muita muutoksia. Se voi olla esimerkiksi katkaistu (ilman näyttelyssä kuultuja teemoja), peilattu (ensin soi sivuosa ja vasta sitten pääosa). Sinfonian ensimmäinen osa päättyy yleensä koodaan - johtopäätökseen, joka vahvistaa sonaatin allegron pääsäteen ja pääkuvan. Varhaisissa sinfonioissa coda on pieni ja pohjimmiltaan hieman kehittynyt loppuosa. Myöhemmin, esimerkiksi Beethovenin kanssa, se saa merkittäviä mittasuhteita ja siitä tulee eräänlainen toinen kehitys, jossa taistelussa saavutetaan jälleen vahvistus.

Tämä muoto osoittautui todella universaaliksi. Sinfonian ajoista tähän päivään asti se on onnistuneesti ilmentänyt syvimmän sisällön, välittää ehtymättömän joukon kuvia, ideoita, ongelmia.

Sinfonian toinen osa on hidas. Yleensä tämä on syklin lyyrinen keskus. Sen muoto on erilainen. Useimmiten se on kolmiosainen, eli siinä on samanlaisia ​​ääriosia ja niihin vastakohtaisia ​​keskiosia, mutta se voidaan kirjoittaa myös muunnelmina tai minkä tahansa muuna, aina sonaattiin asti, joka eroaa rakenteellisesti ensimmäisestä. allegroa vain hitaammin ja vähemmän tehokkaalla kehityksellä.

Kolmas osa - varhaisissa sinfonioissa menuetti ja Beethovenista nykypäivään - scherzo - yleensä monimutkainen kolmiosainen muoto. Tämän osan sisältöä on muokattu ja monimutkaistu vuosikymmenten aikana arki- tai hovitanssista monumentaalisiin voimakkaisiin scherzoihin 1800-luvulla ja sen jälkeen, pelottaviin kuviin pahuudesta, väkivallasta Šostakovitšin, Honeggerin ja muiden 1900-luvun sinfonistien sinfonisissa jaksoissa. vuosisadalla. 1800-luvun toisesta puoliskosta lähtien scherzo vaihtoi yhä enemmän paikkoja hitaan osan kanssa, joka sinfonian uuden konseptin mukaisesti muodostuu eräänlaiseksi henkiseksi reaktioksi ei vain ensimmäisen osan tapahtumiin, vaan myös kohtaan kuvitteellinen maailma scherzo (erityisesti Mahlerin sinfonioissa).

Varhaisten sinfonioiden syklin lopputulos on useammin kirjoitettu rondosonaatiksi. Iloisten ja iloisesti kimaltelevien jaksojen vuorottelu jatkuvan tanssirefrenin kanssa - tällainen rakenne seurasi luonnollisesti finaalin kuvien luonteesta, sen semantiikasta. Ajan myötä sinfonian ongelmien syventyessä sen finaalin rakenteen säännönmukaisuudet alkoivat muuttua. Finaalit alkoivat ilmestyä sonaattimuodossa, muunnelmien muodossa, vapaassa muodossa ja lopulta - oratorion piirteillä (kuoron kanssa). Myös hänen kuvansa ovat muuttuneet: ei vain elämänvahvistus, vaan joskus traaginen lopputulos (Tšaikovskin kuudes sinfonia), sovinto julman todellisuuden kanssa tai pakeneminen siitä unimaailmaan, illuusioista on tullut sinfonisen syklin finaalin sisältö. viimeiset sata vuotta.

Mutta takaisin tämän genren loistavan polun alkuun. Se ilmestyi 1700-luvun puolivälissä ja saavutti klassisen täydellisyyden suuren Haydnin teoksessa.

kreikan kielestä symponia - konsonanssi

Musiikkiteos orkesterille, enimmäkseen sinfoninen, pääsääntöisesti sonaattisyklisessä muodossa. Yleensä koostuu 4 osasta; on S. enemmän ja vähemmän osia, jopa yksiosainen. Joskus S.:ssä esitellään orkesterin lisäksi kuoro ja soolowokit. ääniä (siis polku S.-kantaattiin). Musiikki-instrumentteja on jousi-, kamari-, puhallin- ja muille orkestereille, soolo-orkesterille (S. concerto), urkuille, kuorolle (kuoro S.) ja wokille. yhtye (vok. C). Konserttisinfonia - S. konsertti- (soolosoittimilla) (2-9), rakenteeltaan liittyy konserttiin. S. lähestyy usein muita genrejä: S. sarja, S. rapsodia, S. fantasia, S. balladi, S. legenda, S. runo, S. kantaatti, S. requiem, S.-baletti, S.-draama (tyyppi) kantaatti), teatteri. S. (Suku Onera). S. voidaan luonteeltaan myös verrata tragediaan, draamaan, lyriikkaan. runo, sankarillinen eeppinen, lähestyä genren muusojen kiertokulkua. näytelmiä, sarja kuvauksia. musiikkia maalaukset. Tyypillisessä muodossa Näytteissään hän yhdistää osien kontrastin suunnittelun yhtenäisyyteen, moninaisten kuvien moninaisuuden ja muusojen eheyden. dramaturgiaa. S.:llä on sama paikka musiikissa kuin draamalla tai romaanilla kirjallisuudessa. Koska korkein instr. musiikkia, se ylittää kaikki muut tyyppensä laajimmilla toteutusmahdollisuuksilla. ideoita ja tunnetilojen rikkautta.

Aluksi vuonna Dr. Kreikka, sana "S." tarkoitti harmonista sävelyhdistelmää (kvartti, kvint, oktaavi) sekä yhteislaulua (yhtye, kuoro) yhdessä. Myöhemmin kirjassa Dr. Rooma, siitä tuli instr. yhtye, orkesteri. Keskiviikkona. vuosisatoja S. ymmärsi maallisen instr. musiikki (tässä mielessä termiä käytettiin Ranskassa jo 1700-luvulla), joskus musiikkia yleensä; lisäksi joitain muusoja kutsuttiin niin. työkalut (esim. Kampiliira). 1500-luvulla tätä sanaa käytetään kokoelmat motettit (1538), madrigalit (1585), wok-instr. sävellyksiä ("Sacrae symphoniae" - "Pyhät sinfoniat", G. Gabrieli, 1597, 1615) ja sitten instr. polyfoninen näytelmiä (1600-luvun alku). Se on kiinteä polygonille. (usein sointupohjaisia) jaksoja, kuten wok-introja tai välisoittoja. ja instr. tuotannot, erityisesti sarjojen, kantaattien ja oopperoiden johdannot (alkusoitto). Oopperan S. (alkusoitto) joukossa hahmoteltiin kaksi tyyppiä: venetsialainen - kahdesta osasta (hidas, juhlallinen ja nopea, fuuga), kehitetty myöhemmin ranskaksi. alkusoitto, ja napolilainen - kolmesta osasta (nopea - hidas - nopea), jonka esitteli vuonna 1681 A. Scarlatti, joka kuitenkin käytti muita osien yhdistelmiä. Sonaatti syklinen. muoto tulee vähitellen hallitsevaksi S.:ssä ja saa siinä erityisen monipuolisen kehityksen.

Rajattu ok. 1730 oopperasta, jossa örkki. johdanto säilytettiin alkusoiton muodossa, S. itsenäistyi. eräänlainen örkki. musiikkia. 1700-luvulla täyttää sen perustana. sävellykset olivat jousia. soittimet, oboot ja torvet. S.:n kehitykseen vaikutti decomp. örkkityypit. ja kamarimusiikki - konsertto, sarja, triosonaatti, sonaatti jne. sekä ooppera kokoonpanoineen, kuoroineen ja aariaineen, joiden vaikutus sävelmän melodiaan, harmoniaan, rakenteeseen ja figuratiiviseen rakenteeseen S. on hyvin havaittavissa. Kuinka konkreettista. S.-genre kypsyi irtautuessaan muista musiikin genreistä, erityisesti teatterista, itsenäistyessään sisällöltään, muodoltaan, teemojen kehittämisessä, luoden sävellysmenetelmän, joka myöhemmin tunnettiin nimellä sinfonia ja jolla oli puolestaan ​​valtava vaikutus. monilla aloilla musiikkia luovuus.

S:n rakenne on kehittynyt. S.:n perustana oli napolilaistyyppinen 3-osainen sykli. Usein venetsialaisten ja ranskalaisten esimerkkiä seuraten. S.:n alkusoitto sisälsi hitaan johdannon ensimmäiseen osaan. Myöhemmin menuetti tuli S. - ensin 3-osaisen syklin finaalina, sitten 4-osaisen syklin yhtenä osana (yleensä 3.), jonka lopussa pääsääntöisesti rondoa tai rondosonaattia käytettiin. L. Beethovenin ajoilta menuetti korvattiin scherzolla (3., joskus 2. osa), G. Berliozin ajasta - ja valssilla. S.:lle tärkeintä sonaattimuotoa käytetään ensisijaisesti 1. osassa, joskus myös hitaassa ja viimeisessä osassa. 1700-luvulla C. viljeli monia. mestarit. Heidän joukossaan ovat italialainen J. B. Sammartini (85 S., n. 1730-70, joista 7 on kadonnut), Mannheim-koulun säveltäjät, jossa tšekit olivat johtavassa asemassa (F. K. Richter, J. Stamitz jne. .), edustajat ns. esiklassinen (tai varhainen) wieniläinen koulu (M. Monn, G. K. Wagenseil jne.), Belgialainen F. J. Gossec, joka työskenteli Pariisissa, oli ranskan perustaja. S. (29 S., 1754-1809, mukaan lukien "Metsästys", 1766; lisäksi 3 S. hengelle. Orkesteri). Klassikko tyypin S. loi itävaltalainen. comp. J. Haydn ja W. A. ​​Mozart. "Sinfonian isän" Haydnin (104 s., 1759-95) teoksessa sinfonian muodostus saatiin päätökseen, ja viihdyttävän arkimusiikin genrestä se muuttui hallitsevaksi vakavaksi instriksi. musiikkia. Hyväksytty ja pääasiallinen. sen rakenteen ominaisuudet. S. on kehittynyt sisäisesti vastakkaisena, määrätietoisesti kehittyvän ja yhtenäisenä sarjana yhteinen idea osat. Mozart teki näytelmän S. jännitys ja intohimoinen lyriikka, loisto ja armo, antoivat sille vielä suurempaa tyylillistä yhtenäisyyttä (n. 50 C, 1764/65-1788). Hänen viimeinen S. - Es-dur, g-moll ja C-dur ("Jupiter") - sinfonian korkein saavutus. puku 1700-luvulta. Mozartin luova kokemus heijastui myöhemmissä teoksissa. Haydn. Wieniläisen klassisen koulukunnan (9 S., 1800-24) loppuun saaneen L. Beethovenin rooli on erityisen suuri S.:n historiassa. Hänen 3. ("Heroic", 1804), 5. (1808) ja 9. (laulukvartetti ja kuoro finaalissa, 1824) S. ovat esimerkkejä sankarillisuudesta. massoille osoitettu sinfonia, joka ilmentää vallankumouksellista. patos nar. taistella. Hänen 6. S. ("Pastoraali", 1808) on esimerkki ohjelmasinfonismista (katso Ohjelmamusiikki), ja hänen 7. S. (1812), R. Wagnerin sanoin, on "tanssin apoteoosi". Beethoven laajensi sekularismin mittakaavaa, dynamisoi sen dramaturgiaa ja syvensi teeman dialektiikkaa. kehitystä, rikastuttaa sisäistä S:n rakenne ja ideologinen merkitys.

Itävaltalaiselle ja saksaksi. Romanttiset säveltäjät 1. puoliskolta. 1800-luvulla genret lyyrinen (Schubertin keskeneräinen sinfonia, 1822) ja eeppinen (Schubertin 8. sinfonia) S. sekä maisema-arjen S. värikkäällä nat. väritys ("italialainen", 1833 ja "skotlantilainen", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdy). Lisääntynyt ja psykologinen. S.:n rikkaus (4 R. Schumannin sinfoniaa, 1841-51, joissa hitaat liikkeet ja scherzot ovat ilmeisimpiä). Klassikoidenkin joukossa noussut trendi on välitön. siirtyminen osasta toiseen ja temaattisuuden luominen. osien väliset yhteydet (esim. Beethovenin 5. sinfoniassa) vahvistuivat romantikkojen keskuudessa, ilmaantui myös C, jossa osat seuraavat peräkkäin ilman taukoja (Mendelssohn-Bartholdyn "skotlantilainen" sinfonia, Schumannin 4. sinfonia).

Ranskan nousu S. viittaa vuosiin 1830-40, jolloin innovatiivisia tuotantoja syntyy. G. Berlioz, romantiikan luoja. ohjelmisto C, perustuu lit. juoni (5-osainen "Fantastic" C, 1830), C. concerto ("Harold in Italy", alttoviululle ja orkesterille, J. Byronin mukaan, 1834), C. oratorio ("Romeo ja Julia", draama. S. 6-osainen, solistien ja kuoron kanssa, W. Shakespearen mukaan, 1839), "Fueral and Triumphal Symphony" (hautajaismarssi, "oratorinen" pasuunasoolo ja apoteoosi - hengelle. orkesteri tai sinfoniaorkesteri, valinnaisesti - ja kuoro, 1840). Berliozille on ominaista tuotannon suurenmoinen mittakaava, orkesterin kolossaalinen koostumus, värikäs instrumentointi hienoilla vivahteilla. Filosofista ja eettistä. ongelmat näkyivät F. Lisztin sinfonioissa ("Faustin sinfonia", mutta J. W. Goethe, 1854, loppukuoro, 1857; "S. to" Jumalallinen komedia"Dante", 1856). Berliozin ja Lisztin ohjelmasuunnan vastakohtana se oli saksalainen. Komi. I. Brahms, joka työskenteli Wienissä. Hänen 4 S. (1876-85), kehittää perinteitä Beethoven ja romanttinen. sinfonia, yhdistetty klassikko. harmoniaa ja tunnetilojen vaihtelua. Tyyliltään samanlainen. toiveita ja samalla yksittäistä ranskaa. Saman ajanjakson S. - K. Saint-Saensin (1887) ja S. d-moll S. Frankin (1888) 3rd S. (uruilla). A. Dvořákin "Uudesta maailmasta" (viimeinen, kronologisesti 9. päivä 1893) ei vain tšekkiläisiä, vaan myös neekeri- ja intialaisia ​​muusoja taitettu. elementtejä. Itävallan merkittäviä ideologisia käsityksiä. sinfonistit A. Bruckner ja G. Mahler. monumentaalinen tuote. Brucknerille (8 S., 1865-1894, 9. ei valmis, 1896) on ominaista moniäänisen kylläisyys. kankaat (ork. taiteen vaikutus ja mahdollisesti myös R. Wagnerin musiikkinäytelmät), tunnekertymän kesto ja voima. Mahlerin sinfonialle (9 S., 1838-1909, niistä 4 laulua, mukaan lukien 8. - "Tuhannen osallistujan sinfonia", 1907; 10. ei ole valmis, D. Cook yritti viimeistellä sen luonnosten mukaan vuonna 1960; S.-kantaatti "Song of the Earth" 2 laulaja-solistilla, 1908) leimaa konfliktien terävyys, ylevä paatos ja tragedia, uutuus ilmaistaan. varoja. Ikään kuin vastakohtana heidän suurille sävellyksilleen, käyttäen rikasta esiintyjää. laitteisto, kamarisinfonia ja sinfonia ilmestyy.

1900-luvun S. merkittävimmät kirjailijat. Ranskassa - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (kansalaisuuden mukaan sveitsiläinen, 5 S., 1930-50, mukaan lukien 3. - "Liturginen", 1946, 5. - S. "kolme uutta" , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", 10 osaa, 1948); Saksassa - R. Strauss ("Koti", 1903, "Alppi", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, mukaan lukien 1. - "Artist Mathis", 1934, 3- I - "Harmony of the World", 1951), KA Hartman (8 S., 1940-62) jne. S.:n kehittämiseen osallistui sveitsiläinen X. Huber (8 S., 1881-1920, sis. 7. - "Sveitsiläinen", 1917), norjalaiset K. Sinding (4 S., 1890-1936), X. Severud (9 S., 1920-1961, mukaan lukien rakenteeltaan antifasistinen 5-7- I, 1941-1945), K. Egge (5 S., 1942-69), tanskalainen K. Nielsen (6 S., 1891-1925), suomalainen J. Sibelius (7 S., 1899-1924), romanialainen J Enescu (3 S., 1905) -19), hollantilainen B. Peiper (3 S., 1917-27) ja H. Badings (10 S., 1930-1961), ruotsalainen H. Rusenberg (7 S., 1919-69, ja S. for puhallin- ja lyömäsoittimet, 1968), italialainen JF Malipiero (11 S., 1933-69), brittiläinen R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, "Kevät") S. soololaulajille, sekakuorolle, poikakuorolle ja sinfoniaorkesterille, 1949), amerikkalaisille C. Ivesille (5 S., 1898-1913), W. Pistonille (8 S., 1937-65) ja R. Harrisille ( 12 S., 1933-69), veli E. Vila Lobos (S. 12, 1916-58) ym. Laaja valikoima C.-tyyppejä 1900-luku. luovuuden moninaisuuden vuoksi. suunnat, kansalliset koulut, kansanperinneyhteydet. Moderni S. ovat myös erilaisia ​​rakenteeltaan, muodoltaan ja luonteeltaan: ne vetoavat kohti läheisyyttä ja päinvastoin monumentaalisuutta; ei ole jaettu osiin ja koostuu useista. osat; perinteinen varasto ja vapaa koostumus; tavalliselle symbolille. orkesteri ja epätavallisia sävellyksiä jne. Yksi 1900-luvun musiikin suuntauksista. liittyy muinaisten - esiklassisten ja varhaisten klassisten - muusojen muuntamiseen. genrejä ja muotoja. Häntä kunnioittivat S. S. Prokofjev "Klassisessa sinfoniassa" (1907) ja I. F. Stravinsky sinfoniassa C ja "Sinfonia kolmessa osassa" (1940-45). Useissa S. 20 luvulla. on poikkeama vanhoista normeista atonalismin, atematismin ja muiden uusien sommitteluperiaatteiden vaikutuksesta. A. Webern rakensi S.:n (1928) 12-sävelsarjalle. "Avantgarden" S.:n edustajat syrjäyttivät decompin. uusia kokeellisia genrejä ja muotoja.

Ensimmäinen venäläisten joukossa säveltäjät kääntyivät musiikin genren puoleen (lukuun ottamatta D. S. Bortnyanskya, jonka konserttisinfonia 1790 kirjoitettiin kamariyhtyeelle) Mikh. Yu. Vielgorsky (hänen 2. C. esitettiin vuonna 1825) ja AA Alyabyev (hänen yksiosainen C. e-moll, 1830, ja sviittityyppinen päivätty 3-osainen C. Es-dur, jossa on 4 konserttitorvea). säilynyt), myöhemmin A. G. Rubinshtein (6 S., 1850-86, mukaan lukien 2. - "Ocean", 1854, 4. - "Dramaattinen", 1874). M. I. Glinka, keskeneräisen S.-alkulaulun kirjoittaja venäjän pohjalla. teemoilla (1834, valmistunut 1937 V. Ya. Shebalin) oli ratkaiseva vaikutus tyylin muodostumiseen. helvetin venäläinen. S. kaikkien sinfonioidensa kanssa. luovuus, jossa muiden genren sävellyksiä hallitsevat. S. Rusissa kirjoittajat lausutaan nat. hahmo, kuvia ihmisistä vangitaan. elämä, historiallinen tapahtumat heijastavat runouden aiheita. Mighty Handfulin säveltäjistä N. A. Rimski-Korsakov (3. s., 1865-74) oli ensimmäinen, joka kirjoitti S.. Venäjän luoja eeppinen A. P. Borodin (2 S., 1867-76; keskeneräinen 3., 1887, osittain muistiin tallentunut A. K. Glazunov) esiintyi S. Teoksissaan, erityisesti "Bogatyrskaya" (2.) S.:ssä, Borodin ilmensi jättimäisen lankun kuvia. vahvuus. Maailman sinfonian korkeimpien valloitusten joukossa - tuotanto. P. I. Tchaikovsky (6 S., 1800-93, ja ohjelma S. "Manfred", J. Byronin mukaan, 1885). Luonteeltaan lyyrisesti dramaattinen 4., 5. ja varsinkin 6. ("Säälittävä", hidas loppu) S. saavuttaa traagisen voiman ilmaistaessaan elämän törmäyksiä; ne ovat syvästi psykologisia. välittää läpitunkevasti monenlaisia ​​inhimillisiä kokemuksia. Eeppinen linja. С. , 2 C. kirjoitti M. A. Balakirev (1898, 1908), 3 C - R. M. Glier (1900-11, 3. - "Ilja Muromets"). Vilpittömät sanoitukset houkuttelevat sinua sinfonioihin. S. Kalinnikova (2 S., 1895, 1897), syvä ajatusten keskittyminen - S. c-moll S. I. Taneeva (1., itse asiassa 4., 1898), draama. patos - S. V. Rahmaninovin (3 S., 1895, 1907, 1936) ja A. N. Skrjabinin, 6-osan 1. (1900), 5-osan 2. (1902) ja 3-osaisen 3. ("Jumalan runo") luojan sinfoniat ", 1904), jolle on ominaista erityinen dramaturgia. eheys ja ilmaisuvoima.

S.:llä on tärkeä paikka pöllöissä. musiikkia. Pöllöjen työssä. säveltäjät saivat erityisen rikkaan ja valoisaa kehitystä klassisen korkeat perinteet sinfonia. Pöllöt puhuttelevat S.:tä. kaikkien sukupolvien säveltäjät, alkaen vanhemmista mestareista - N. Ya. Myaskovsky, 27 S.:n luoja (1908-50, mukaan lukien 19. - puhallinorkesterille, 1939), ja SS Prokofjev, 7 S.:n (1917) kirjoittaja - 1952) ja päättyen lahjakkaisiin nuoriin säveltäjiin. Johtava hahmo pöllöjen alalla. S. - D. D. Šostakovitš. Hänen teoksessaan 15 S. (1925-71) paljastuvat ihmisen tietoisuuden syvyydet ja moraalin vakaus. voimat (5. - 1937, 8. - 1943, 15. - 1971), jännittäviä teemoja modernista (7. - ns. Leningradskaja, 1941) ja historiasta (11. - "1905", 1957; 12. - "1917", 1961), korkea humanistinen. ihanteita vastakohtana ovat synkät kuvat väkivallasta ja pahuudesta (5-osa 13., E. A. Jevtušenkon sanoituksiin, bassolle, kuorolle ja orkesterille, 1962). Perinteen kehittäminen ja moderni S.:n rakennetyyppejä, säveltäjä käyttää vapaasti tulkitun sonaattisyklin ohella (useille hänen S.-kappaleilleen sekvenssi on ominaista: hitaasti - nopeasti - hitaasti - nopeasti) käyttää muita rakenteita (esim. 11. - "1905"), houkuttelee ihmisääntä (solistit, kuoro). 11-osaisessa 14th S.:ssä (1969), jossa elämän ja kuoleman teema paljastuu laajaa sosiaalista taustaa vasten, kaksi lauluääntä solistellaan jousien tukemana. ja puhaltaa. työkaluja.

Lukuisten ihmisten edustajat työskentelevät tuottavasti S:n alueella. nat. pöllön oksat. musiikkia. Heidän joukossaan on huomattavia pöllömestareita. musiikkia, kuten A. I. Khachaturian - suurin käsivarsi. sinfonisti, värikkään ja temperamenttisen S.:n kirjoittaja (1. - 1935, 2. - "S. kellolla", 1943, 3. - S.-runo, urkuilla ja 15 lisäpillillä, 1947); Azerbaidžanissa - K. Karaev (hänen 3. S., 1965 erottuu), Latviassa - Y. Ivanov (15 S., 1933-72) jne. Katso neuvostomusiikkia.

Kirjallisuus: Glebov Igor (Asafiev B. V.), Modernin sinfonian rakentaminen, " Nykymusiikkia", 1925, nro 8; Asafiev B.V., Symphony, kirjassa: Essays on Soviet musical Creativity, osa 1, M.-L., 1947; 55 Soviet symphonys, L., 1961; Popova T., Symphony, M .-L., 1951; Yarustovsky B., Sinfoniat sodasta ja rauhasta, M., 1966; Neuvostoliiton sinfonia 50 vuotta, (säveltäjä), toim. GG Tigranov, L., 1967; Konen V., Teatteri ja sinfonia ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., Kansallisesta ja kansainvälisestä Neuvostoliiton sinfonia, kirjassa: Musiikki sosialistisessa yhteiskunnassa, voi. 1, L., 1969; Rytsarev S., Sinfonia Ranskassa ennen Berliozia, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchester depuis ses origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, V. 1898 . Lpz., 1926, hänen oma, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (venäjäksi - Weingartner P., Performance of Klassiset sinfoniat, volyymi. Neuvoja 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, nro 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le origini della synfonia, "RMI", 1913, v. 20, s. 291-346, 1914, v. 21, s. 97-121, 278-312, 1915, v 22, s. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (venäjäksi - Becker P., Symphony from Beethoven to Mahler, toim. ja johdantoartikkelit I. Glebov, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 4, H. 1, sama, Die Theorie der Sinfonie und die Beurteilung einzelner Sinfoniekomponisten bei den Musikschriftstellern des 18 Jahrhunderts, Lpz., 1925, Tutenberg Fr., Die opera buffa-Sinfonie und ihre klassi "Sinfonie und ihre "Beziehungenfnie" , Jahrg. 8, nro 4; hänen Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., XVIII vuosisadan sinfoniat, L., 1951; Borrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII sícle, v. 1-3, P., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B.S. Steinpress

Sinfonia on instrumentaalimusiikin monumentaalisin muoto. Lisäksi tämä väite pätee mihin tahansa aikakauteen - ja wieniläisten klassikoiden teoksiin, romantikoihin ja myöhempien suuntausten säveltäjiin ...

Aleksanteri Maykapar

Musiikkilajit: Sinfonia

Sana sinfonia tulee kreikan sanasta "sinfonia" ja sillä on useita merkityksiä. Teologit kutsuvat tätä oppaaksi Raamatun sanojen käyttöön. He kääntävät termin suostumukseksi ja sopimukseksi. Muusikot kääntävät tämän sanan konsonanssiksi.

Tämän esseen teemana on sinfonia musiikin tyylilajina. Osoittautuu, että musiikillisessa kontekstissa termillä sinfonia on useita erilaisia ​​merkityksiä. Näin ollen Bach kutsui upeita kappaleitaan klaverisinfonioihin, mikä tarkoittaa, että ne edustavat harmonista yhdistelmää, useiden (tässä tapauksessa kolmen) äänen yhdistelmää - konsonanssia. Mutta tämä termin käyttö oli poikkeus jo Bachin aikana - 1700-luvun ensimmäisellä puoliskolla. Lisäksi Bachin itse teoksessa hän merkitsi musiikkia, joka on täysin erilainen.

Ja nyt pääsemme lähelle esseemme pääteemaa - sinfoniaa suurena moniosaisena orkesteriteoksena. Tässä mielessä sinfonia ilmestyi vuoden 1730 tienoilla, jolloin oopperan orkesterijohdanto erosi itse oopperasta ja muuttui itsenäiseksi orkesteriteokseksi, jonka perustana oli italialaistyyppinen kolmiosainen alkusoitto.

Sinfonian affiniteetti alkusoiton kanssa ei ilmene vain siinä, että jokainen alkusoiton kolmesta jaksosta: nopea-hidas-nopea (ja joskus jopa hidas johdatus siihen) muuttui sinfoniassa itsenäiseksi erilliseksi osaksi, mutta myös siinä, että alkusoitto antoi sinfonialle idean pääteemojen (yleensä miehen ja naisen) vastakohtaisuuden ja näin sinfonialla suurmuotoisen musiikin edellyttämän dramaattisen (ja dramaturgisen) jännityksen ja juonittelun.

Sinfonian rakentavat periaatteet

Vuoret musiikkitieteellisiä kirjoja ja artikkeleita on omistettu sinfonian muodon ja sen kehityksen analysointiin. Sinfoniagenren edustama taiteellinen materiaali on sekä määrältään että muodoltaan valtavaa. Tässä voimme luonnehtia yleisimmät periaatteet.

1. Sinfonia on instrumentaalimusiikin monumentaalisin muoto. Lisäksi tämä väite pätee kaikkiin aikakausiin - ja wieniläisten klassikoiden teoksiin, romantikoihin ja myöhempien suuntausten säveltäjiin. Esimerkiksi Gustav Mahlerin taiteellisesti grandioosinen kahdeksas sinfonia (1906) on kirjoitettu valtavalle - jopa 1900-luvun alun ideoiden mukaiselle - esiintyjäjoukolle: suuri sinfoniaorkesteri laajeni 22 puupuhaltimella. ja 17 vaskisoitinta, partituurissa on myös kaksi sekakuoroa ja poikakuoro; tähän lisätään kahdeksan solistia (kolme sopraanoa, kaksi alttia, tenori, baritoni ja basso) ja backstage-orkesteri. Sitä kutsutaan usein "tuhannen osallistujan sinfoniaksi". Sen esittämiseksi on rakennettava uudelleen jopa erittäin suurten konserttisalien näyttämö.

2. Koska sinfonia on moniosainen teos (kolmi-, useammin neli- ja joskus jopa viisiosainen, esimerkiksi Beethovenin Pastoraali tai Berliozin Fantastinen), on selvää, että sellaisen muodon on oltava äärimmäisen hienostunut. sulkea pois yksitoikkoisuuden ja yksitoikkoisuuden. (Yksiosainen sinfonia on hyvin harvinainen, esimerkkinä N. Myaskovskyn sinfonia nro 21.)

Sinfonia sisältää aina monia musiikillisia kuvia, ideoita ja teemoja. Ne jakautuvat jotenkin osien kesken, jotka puolestaan ​​toisaalta ovat vastakkaisia ​​toistensa kanssa, toisaalta muodostavat tietyn korkeamman eheyden, jota ilman sinfoniaa ei nähdä yhtenä teoksena.

Antaaksemme käsityksen sinfonian osien koostumuksesta annamme tietoa useista mestariteoksista ...

Mozart. Sinfonia nro 41 "Jupiter", C-duuri
I. Allegro vivace
II. Andante cantabile
III. Menuetto. Allegretto-trio
IV. Molto Allegro

Beethoven. Sinfonia nro 3 Es-duuri op. 55 ("sankarillinen")
I. Allegro conbrio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. Finaali: Allegro molto, Poco Andante

Schubert. Sinfonia nro 8 h-molli (ns. "Unfinished")
I. Allegro moderato
II. Andante con moto

Berlioz. Fantastinen sinfonia
I. Unelmat. Passions: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. Pallo: Valse. Allegro non troppo
III. Kenttäkohtaus: Adagio
IV. Kulkue teloitukseen: Allegretto non troppo
V. Unelma sapatin yönä: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

Borodin. Sinfonia nro 2 "Bogatyrskaya"
I. Allegro
II. Scherzo. Prestissimo
III. Andante
IV. Finaali. Allegro

3. Suunnittelultaan monimutkaisin on ensimmäinen osa. Klassisessa sinfoniassa se on yleensä kirjoitettu niin kutsutussa sonaattimuodossa. Allegro. Tämän muodon erikoisuus on, että se törmää ja kehittyy sen mukaan vähintään kaksi pääteemaa, joista yleisimmillä termeillä voidaan puhua maskuliinista ilmaisua (tätä teemaa kutsutaan yleisesti pääjuhla, koska se kulkee ensimmäistä kertaa teoksen pääavaimessa) ja feminiinisissä (tämä sivujuhlat- se kuuluu johonkin asiaan liittyvistä päänäppäimistä). Nämä kaksi pääteemaa liittyvät jollain tavalla toisiinsa, ja siirtymistä pääteemasta sivuun kutsutaan yhdistävä osapuoli. Kaiken tämän musiikkimateriaalin esittelyllä on yleensä tietyllä tavalla loppu, tätä jaksoa kutsutaan nimellä viimeinen peli.

Jos kuuntelemme klassista sinfoniaa niin tarkkaavaisesti, että voimme erottaa nämä rakenteelliset elementit välittömästi ensimmäisestä tutustumisesta tiettyyn sävellykseen, löydämme ensimmäisen osan aikana muunnelman näistä perusteemoista. Sonaattimuodon kehittymisen myötä jotkut säveltäjät - ja Beethoven oli heistä ensimmäinen - pystyivät tunnistamaan feminiinisiä elementtejä maskuliinisen hahmon teemasta ja päinvastoin ja näiden teemojen kehittämisen aikana "valaisemaan" niitä eri tavoilla. Tämä on kenties kirkkain - sekä taiteellinen että looginen - dialektiikan periaatteen ruumiillistuma.

Sinfonian koko ensimmäinen osa on rakennettu kolmiosaiseen muotoon, jossa ensin pääteemat esitellään kuulijalle, ikään kuin näytteillä (siksi tätä osaa kutsutaan näyttelyksi), sitten ne läpikäyvät kehittymisen ja muunnoksen ( toinen osa on kehitys) ja lopuksi palaa - joko alkuperäisessä muodossaan tai jossain uudessa laadussa (reprise). Tämä on eniten yleinen kaava, jossa jokainen suurista säveltäjistä teki jotain omaa. Siksi emme tapaa kahta identtistä rakennetta, ei vain eri säveltäjiltä, ​​vaan myös yhdeltä. (Tietenkin, jos puhumme suurista tekijöistä.)

4. Sinfonian tavallisesti myrskyisän ensimmäisen osan jälkeen tulee varmasti olla tilaa lyyriselle, rauhalliselle, ylevälle, sanalla sanoen hidastettuna virtaavalle musiikille. Aluksi tämä oli sinfonian toinen osa, ja sitä pidettiin melko tiukana sääntönä. Haydnin ja Mozartin sinfonioissa hidas osa on juuri toinen. Jos sinfoniassa on vain kolme osaa (kuten Mozartin 1770-luvulla), hidas osa osoittautuu todella keskimmäiseksi. Jos sinfonia on neliosainen, niin varhaisten sinfonioiden hitaan osan ja nopean finaalin väliin sijoitettiin menuetti. Myöhemmin, Beethovenista alkaen, menuetti korvattiin nopealla schertolla. Kuitenkin jossain vaiheessa säveltäjät päättivät poiketa tästä säännöstä, ja sitten hitaasta osasta tuli sinfonian kolmas ja scherzosta toinen osa, kuten näemme (tarkemmin kuulemme) A. Borodinin " Bogatyr" sinfonia.

5. Klassisten sinfonioiden finaalille on ominaista vilkas liike tanssin ja laulun piirteillä, usein kansan henki. Joskus sinfonian finaali muuttuu todelliseksi apoteoosiksi, kuten Beethovenin yhdeksännessä sinfoniassa (op. 125), jossa kuoro ja solistit tuotiin sinfoniaan. Vaikka tämä oli innovaatio sinfoniagenrelle, se ei ollut Beethovenille itselleen: jo aikaisemmin hän oli säveltänyt Fantasian pianolle, kuorolle ja orkesterille (op. 80). Sinfonia sisältää F. Schillerin oodin "Ilolle". Finaali on niin hallitseva tässä sinfoniassa, että sitä edeltävät kolme osaa nähdään valtavana johdannona siihen. Tämän päättymisen toteuttaminen kutsulla "Hug, miljoonat!" YK:n yleisistunnon avajaisissa - paras osoitus ihmiskunnan eettisistä pyrkimyksistä!

Upeita sinfoniantekijöitä

Joseph Haydn

Joseph Haydn eli pitkän iän (1732–1809). Hänen luovan toimintansa puolen vuosisadan ajanjaksoa linjaa kaksi tärkeää seikkaa: JS Bachin kuolema (1750), joka päätti polyfonian aikakauden, ja Beethovenin kolmannen ("sankarillisen") sinfonian kantaesitys, joka merkitsi alkua. romantiikan aikakausi. Näiden viidenkymmenen vuoden aikana vanhat musiikilliset muodot - messu, oratorio ja concerto grosso- korvattiin uusilla: sinfonia, sonaatti ja jousikvartetti. Pääpaikka, jossa näissä genreissä kirjoitetut teokset nyt kuulostivat, eivät olleet kirkot ja katedraalit, kuten ennen, vaan aatelisten ja aristokraattien palatsit, mikä puolestaan ​​johti musiikillisten arvojen muutokseen - runous ja subjektiivinen ilmaisu tulivat muotiin. .

Kaikessa tässä Haydn oli edelläkävijä. Usein - vaikkakaan ei tarpeeksi oikein - häntä kutsutaan "sinfonian isäksi". Jotkut säveltäjät, kuten Jan Stamitz ja muut ns. Mannheim-koulukunnan edustajat (Mannheim 1700-luvun puolivälissä oli varhaisen sinfonian linnoitus), olivat alkaneet säveltää kolmiosaisia ​​sinfonioita jo paljon aikaisemmin kuin Haydn. Haydn kuitenkin vei tämän muodon paljon korkeammalle tasolle ja osoitti tien tulevaisuuteen. Hänen varhaisissa teoksissaan on C. F. E. Bachin vaikutuksen leima, kun taas hänen myöhemmissä teoksissaan ennakoidaan täysin erilaista tyyliä - Beethovenia.

Samalla on huomionarvoista, että hän alkoi luoda sävellyksiä, jotka saivat tärkeän musiikillisen merkityksen, kun hän ylitti neljänkymmenen vuoden virstanpylvään. Hedelmällisyys, monimuotoisuus, arvaamattomuus, huumori, kekseliäisyys – se tekee Haydnista pään ja hartioiden yläpuolella aikalaistensa.

Monet Haydnin sinfonioista ovat saaneet nimikkeitä. Annan muutaman esimerkin.

A. Abakumov. Pelaa Haydnia (1997)

Kuuluisa sinfonia nro 45 oli nimeltään "Farewell" (tai "Sinfonia kynttilänvalossa"): viimeiset sivut sinfonian finaali, yksi kerrallaan muusikot lopettavat soittamisen ja poistuvat lavalta, jäljellä on vain kaksi viulua, täydentäen sinfonian kyselysointulla la - f-terävä. Haydn itse kertoi puolihuumorin version sinfonian alkuperästä: Prinssi Nikolai Esterhazy ei kerran päästänyt orkesterisoittimia Esterhazista Eisenstadtiin, jossa heidän perheensä asuivat, kovin pitkään. Halutessaan auttaa alaisiaan Haydn sävelsi "Jäähyväiset"-sinfonian päätelmän hienovaraisen vihjeen muodossa prinssille - ilmaistuna musiikillisia kuvia lomapyyntöjä. Vihje ymmärrettiin, ja prinssi antoi asianmukaiset käskyt.

Romantiikan aikakaudella sinfonian humoristinen luonne unohdettiin, ja he alkoivat antaa sille traagisen merkityksen. Schumann kirjoitti vuonna 1838 muusikoista, jotka sammuttivat kynttilänsä ja poistuivat lavalta sinfonian finaalin aikana: "Eikä kukaan nauranut tälle, koska naurulle ei ollut aikaa."

Sinfonia nro 94 "Timpaaniiskulla eli yllätys" on saanut nimensä hitaan osan humoristisesta vaikutuksesta - sen rauhanomaisen tunnelman rikkoo terävä timpaniisku. Nro 96 "Miracle" sai niin kutsutun satunnaisten olosuhteiden vuoksi. Konsertissa, jossa Haydn johti tätä sinfoniaa, yleisö ryntäsi hänen esiintymisellään salin keskeltä vapaille eturiville, ja keskiosa oli tyhjä. Sillä hetkellä aivan salin keskellä kattokruunu romahti, vain kaksi kuuntelijaa loukkaantui lievästi. Aulassa kuului huudahduksia: ”Ihme! Ihme!" Haydn itse teki syvän vaikutuksen hänen tahattomasta monien ihmisten pelastuksesta.

Sinfonian nro 100 nimi "Military" päinvastoin ei ole ollenkaan sattumanvarainen - sen ääriosat sotilaallisilla signaaleilla ja rytmeillä piirtävät selvästi musiikillisen kuvan leiristä; jopa tässä oleva Menuetti (kolmas osa) on melko reipas "armeijan" varasto; turkkilaisten lyömäsoittimien sisällyttäminen sinfonian partituuriin ilahdutti Lontoon musiikin ystäviä (vrt. Mozartin Turkin marssi).

Nro 104 "Salomon": eikö tämä ole kunnianosoitus impressariolle - John Peter Salomonille, joka teki niin paljon Haydnin hyväksi? Totta, Salomon itse tuli Haydnin ansiosta niin kuuluisaksi, että hänet haudattiin Westminster Abbeyyn "sitä, että hän toi Haydnin Lontooseen", kuten hänen hautakiveessään on osoitettu. Siksi sinfoniaa tulisi kutsua täsmälleen "kanssa a Lomon" eikä "Salomo", kuten joskus löytyy konserttiohjelmat, joka suuntaa kuulijat väärin raamatulliseen kuninkaaseen.

Wolfgang Amadeus Mozart

Mozart kirjoitti ensimmäiset sinfoniansa kahdeksanvuotiaana ja viimeisen 32-vuotiaana. Heidän kokonaismääränsä on yli viisikymmentä, mutta useita nuorempia ei ole säilynyt tai niitä ei ole vielä löydetty.

Jos otat huomioon Alfred Einsteinin, suurimman Mozartin asiantuntijan, neuvoja ja vertaat tätä lukua vain yhdeksään Beethovenin sinfoniaan tai neljään Brahmsin sinfoniaan, käy heti selväksi, että sinfoniagenren käsitys on erilainen näillä säveltäjillä. Mutta jos valitsemme Mozartista ne hänen sinfoniansa, jotka ovat todella, kuten Beethovenin, suunnattu tietylle ihanteelliselle yleisölle, toisin sanoen koko ihmiskunnalle ( humanitas), sitten käy ilmi, että Mozart kirjoitti myös enintään kymmenen tällaista sinfoniaa (sama Einstein puhuu "neljästä tai viidestä"!). "Praha" ja vuoden 1788 sinfonioiden kolmikko (nro 39, 40, 41) ovat hämmästyttävä panos maailman sinfonian aarrekammioon.

Näistä kolmesta viimeisestä sinfoniasta keskimmäinen, nro 40, on tunnetuin. Sen kanssa kilpailevat vain Pikku yöserenadi ja Le nozze di Figaro -oopperan alkusoitto. Vaikka suosion syitä on aina vaikea määrittää, yksi niistä voi tässä tapauksessa olla avaimen valinta. Tämä sinfonia on kirjoitettu g-molli - harvinaisuus Mozartille, joka piti parempana iloisia ja iloisia duurisävelsäveliä. Neljästäkymmenestäyhdestä sinfoniasta vain kaksi on kirjoitettu mollissa (tämä ei tarkoita, etteikö Mozart olisi kirjoittanut mollimusiikkia suuriin sinfonioihin).

Hänen pianokonsertoissaan on samankaltaisia ​​tilastoja: 27:stä vain kahdessa on pääsävelsävel molli. Ottaen huomioon synkät päivät, jolloin tämä sinfonia luotiin, saattaa vaikuttaa siltä, ​​että sävelen valinta oli ennalta määrätty. Tässä luomuksessa on kuitenkin jotain muutakin kuin yksittäisen ihmisen jokapäiväiset surut. On muistettava, että tuolloin saksalaiset ja itävaltalaiset säveltäjät yhä useammat joutuivat ideoiden ja kuvien vallassa esteettiseen kirjallisuuden suuntaukseen, nimeltään "Storm and Drang".

Uuden osan nimen antoi F. M. Klingerin draama Sturm und Drang (1776). ilmestyi suuri määrä draamoja, joissa on uskomattoman tuliset ja usein epäjohdonmukaiset hahmot. Säveltäjiä kiehtoi myös ajatus ilmaista äänillä intohimojen dramaattista voimakkuutta, sankarillista taistelua, usein toteutumattomien ihanteiden kaipuuta. Ei ole yllättävää, että tässä ilmapiirissä Mozart kääntyi myös mollinäppäimiin.

Toisin kuin Haydn, joka oli aina varma, että hänen sinfoniansa esitettäisiin - joko ennen prinssi Esterhazya tai Lontoon tapaan Lontoon yleisön edessä - Mozartilla ei koskaan ollut tällaista takuuta, ja siitä huolimatta hän oli hämmästyttävän tuottelias. Jos hänen varhaiset sinfoniansa ovat usein viihdyttäviä tai, kuten nyt sanoisimme, "kevyt" musiikkia, niin hänen myöhemmät sinfoniansa ovat minkä tahansa sinfoniakonsertin "ohjelman kohokohta".

Ludwig van Beethoven

Beethoven kirjoitti yhdeksän sinfoniaa. Niistä on luultavasti enemmän kirjoja kuin tässä perinnössä on muistiinpanoja. Hänen sinfonioistaan ​​suurimmat ovat Kolmas (E-duuri, "Heroic"), Fifth (c-molli), Kuudes (F-duuri, "Pastoraali"), yhdeksäs (d-molli).

... Wien, 7. toukokuuta 1824. Yhdeksännen sinfonian ensiesitys. Säilyneet asiakirjat todistavat, mitä silloin tapahtui. Ilmoitus tulevasta ensi-illasta oli jo huomionarvoinen: "Hra Ludwig van Beethovenin järjestämä Grand Academy of Music pidetään huomenna 7. toukokuuta.<...>Solisteina esiintyvät Mademoiselle Sontag ja Mademoiselle Unger sekä herrat Heitzinger ja Seipelt. Orkesterin konserttimestari on Schuppanzig ja kapellimestari herra Umlauf.<...>Ludwig van Beethoven osallistuu henkilökohtaisesti konsertin ohjaukseen."

Tämä johtajuus johti lopulta siihen, että Beethoven johti sinfonian itse. Mutta kuinka tämä voi tapahtua? Loppujen lopuksi Beethoven oli jo kuuro siihen aikaan. Käännytään silminnäkijöiden kertomuksiin.

"Beethoven johti itseään, tai pikemminkin, hän seisoi kapellimestarikonsolin edessä ja elehti kuin hullu", kirjoitti historialliseen konserttiin osallistunut orkesterin viulisti Josef Böhm. - Hän venytteli, sitten melkein kyykkyssä, heilutellen käsiään ja taputellen jalkojaan, ikään kuin hän itse haluaisi soittaa kaikkia soittimia samanaikaisesti ja laulaa koko kuorolle. Itse asiassa Umlauf oli vastuussa kaikesta, ja me muusikot katselimme vain hänen keppiään. Beethoven oli niin innoissaan, että hän ei täysin huomannut, mitä hänen ympärillään tapahtui, eikä kiinnittänyt huomiota taputuksen myrskyyn, joka tuskin saavutti hänen tajuntansa kuulonaleneman vuoksi. Jokaisen numeron lopussa minun piti kertoa hänelle tarkalleen, milloin hänen oli käännyttävä ympäri, ja kiittää yleisöä aplodeista, minkä hän teki erittäin kömpelösti.

Sinfonian lopussa, kun aplodit jo jyrisivät, Caroline Unger lähestyi Beethovenia, pysäytti varovasti kätensä - hän jatkoi edelleen johtamista ymmärtämättä, että esitys oli ohi! ja kääntyi huoneeseen päin. Sitten kaikille kävi selväksi, että Beethoven oli täysin kuuro...

Menestys oli valtava. Tarvittiin poliisin väliintulo, jotta aplodit lopetettiin.

Peter Iljitš Tšaikovski

Sinfonian genressä P.I. Tšaikovski loi kuusi teosta. Viimeinen sinfonia - Kuudes, h-molli, op. 74 - nimesi hänet "Säälittäväksi".

Helmikuussa 1893 Tšaikovski keksi suunnitelman uudelle sinfonialle, josta tuli kuudes. Yhdessä kirjeessään hän sanoo: "Matkan aikana minulla oli idea toisesta sinfoniasta ... sellaisella ohjelmalla, joka jää mysteeriksi kaikille ... Tämä ohjelma on eniten subjektiivisuutta täynnä, ja Olen usein matkan aikana hyvin itkenyt sitä henkisesti säveltäessäni."

Säveltäjä äänitti kuudennen sinfonian hyvin nopeasti. Kirjaimellisesti viikossa (4.-11. helmikuuta) hän äänitti koko ensimmäisen osan ja puolet toisesta. Sitten työn keskeytti joksikin aikaa matka Klinistä, jossa säveltäjä silloin asui, Moskovaan. Palattuaan Kliniin hän työskenteli kolmannessa osassa helmikuun 17. ja 24. helmikuuta välisenä aikana. Sitten oli toinen tauko, ja maaliskuun toisella puoliskolla säveltäjä sai valmiiksi finaalin ja toisen osan. Orkestrointia jouduttiin lykkäämään jonkin verran, koska Tšaikovskilla oli suunnitteilla useita muita matkoja. 12. elokuuta orkestraatio valmistui.

Kuudennen sinfonian ensiesitys pidettiin Pietarissa 16. lokakuuta 1893 kirjailijan johdolla. Tšaikovski kirjoitti ensiesityksen jälkeen: ”Tässä sinfoniassa tapahtuu jotain outoa! Ei se, että hän ei pitänyt siitä, mutta se aiheutti hämmennystä. Mitä tulee minuun, olen siitä ylpeämpi kuin mistään muusta sävellyksestäni. Muut tapahtumat olivat traagisia: yhdeksän päivää sinfonian ensiesityksen jälkeen P. Tšaikovski kuoli yllättäen.

V. Baskin, Tšaikovskin ensimmäisen elämäkerran kirjoittaja, joka oli läsnä sekä sinfonian ensiesityksen yhteydessä että sen ensiesityksen yhteydessä säveltäjän kuoleman jälkeen, kun E. Napravnik johti (tämä esityksestä tuli voitto), kirjoitti: "Muistamme surullisen tunnelman, joka vallitsi Noble Assemblyn salissa 6. marraskuuta, kun "Pateettinen" sinfonia esitettiin toisen kerran, mitä ei täysin arvostettu ensimmäisellä esityksellä Tšaikovskin itsensä johdolla. Tässä sinfoniassa, josta valitettavasti tuli säveltäjämme joutsenlaulu, hän oli uusi paitsi sisällöltään, myös muodoltaan; tavallisen sijasta Allegro tai Presto se alkaa Adagio lamentoso jättää kuulijan surullisimmalle tuulelle. Siinä Adagio säveltäjä ikään kuin jättää hyvästit elämälle; asteittainen morendo Koko orkesterin (italialainen - häipyminen) muistutti meitä "Hamletin" kuuluisasta lopusta: " Loput on hiljaa"(Edelleen - hiljaisuus)".

Voisimme puhua vain lyhyesti vain muutamasta mestariteoksesta sinfonista musiikkia, lisäksi jättäen syrjään varsinainen musiikillinen kudos, koska tällainen keskustelu vaatii todellista musiikin ääntä. Mutta tästäkin tarinasta käy selväksi, että sinfonia genrenä ja sinfoniat ihmishengen luomina ovat korvaamaton lähde suurin ilo. Sinfonisen musiikin maailma on laaja ja ehtymätön.

"Art"-lehden nro 08/2009 materiaalien mukaan

Julisteessa: Iso sali D. D. Šostakovitšin mukaan nimetty Pietarin akateeminen filharmonia. Tori Huang (piano, USA) ja Philharmonic Academic Symphony Orchestra (2013)

SINFONIA

SINFONIA

1. Suuri musiikkikappale orkesterille, joka koostuu yleensä 4 osasta, joista ensimmäinen ja usein viimeinen on kirjoitettu sonaattimuodossa (musiikki). "Sinfoniaa voidaan kutsua suureksi sonaattiksi orkesterille." N. Solovjov .

3. trans., mitä. Yksi iso kokonaisuus, jossa useat lukuisat komponentit sulautuvat yhteen. Kukkien sinfonia. Tuoksujen sinfonia. "Nämä äänet sulautuivat kuurouttavaksi sinfoniaksi päivän työstä." Maksim Gorki .

4. Aakkosellinen sanahakemisto kirkkokirjoille (kirkko., lit.). Sinfonia Vanhasta Testamentista.

Sanakirja Ushakov. D.N. Ushakov. 1935-1940.

Katso, mitä "SYMPONIA" on muissa sanakirjoissa:

Katso suostumus ... Sanakirja venäjän synonyymeistä ja ilmaisuista, jotka ovat merkitykseltään samanlaisia. alla. toim. N. Abramova, M.: Venäjän sanakirjat, 1999. sinfonia, harmonia, sopimus; konsonanssi, sanakirjahakemisto, sinfoniakirja venäjän synonyymien sanakirja ... Synonyymien sanakirja

- (Kreikan konsonanssi). Hieno musiikkiteos orkesterille. Venäjän kielen vieraiden sanojen sanakirja. Chudinov A.N., 1910. SINFONIIA kreikka. sinfonia, synistä, yhdessä ja puhelin, ääni, harmonia, äänien harmonia. ... ... Venäjän kielen vieraiden sanojen sanakirja

Sinfonia nro 17: Sinfonia nro 17 (Weinberg). Sinfonia nro 17 (Mozart), G-duuri, KV129. Sinfonia nro 17 (Myaskovsky). Sinfonia nro 17 (Karamanov), "Amerikka". Sinfonia nro 17 (Slonimsky). Sinfonia nro 17 (Hovaness), Sinfonia metalliorkesterille, op. 203 ... ... Wikipedia

sinfonia- ja no. sinfonia f. , se. sinfonia lat. symphonia gr. sinfoniakonsonanssi. Krysin 1998. 1. Suurikokoinen musiikkiteos orkesterille, joka koostuu 3 4 osasta, jotka eroavat toisistaan ​​musiikin luonteeltaan ja tempoltaan. Säälittävä sinfonia...... Venäjän kielen gallismien historiallinen sanakirja

Naiset, kreikka, musiikki harmonia, äänten konsonanssi, moniääninen konsonanssi. | Erityinen polyfoninen muoto musiikillinen sävellys. Haydenin sinfonia. | Sinfonia vanhasta, päällä Uusi testamentti, sarja, osoitus paikoista, joissa samaa sanaa muistetaan. Selittävä ...... Dahlin selittävä sanakirja

- (latinalainen sinfonia, kreikan sanasta symphonia consonance, sopimus), teos sinfoniaorkesterille; yksi instrumentaalimusiikin tärkeimmistä genreistä. Klassisen tyypin sinfonia kehittyi wieniläisen klassisen koulukunnan säveltäjien keskuudessa J. ... ... Nykyaikainen tietosanakirja

- (kreikan sanasta symphonia consonance) sinfoniaorkesterille tarkoitettu musiikkiteos, joka on kirjoitettu sykliseen sonaattimuotoon; instrumentaalimusiikin korkein muoto. Yleensä koostuu 4 osasta. Klassinen sinfoniatyyppi muotoutui kon. 18 aikaisin 1800-luku... Suuri tietosanakirja

Sinfonia- (latinalainen sinfonia, kreikan kielestä symphonia - konsonanssi, sopimus), teos sinfoniaorkesterille; yksi instrumentaalimusiikin tärkeimmistä genreistä. Klassisen tyypin sinfonia kehittyi wieniläisen klassisen koulukunnan säveltäjien keskuudessa - J. ... ... Kuvitettu tietosanakirja

SYMPONIA, ja naisille. 1. Suuri (yleensä neliosainen) musiikkiteos orkesterille. 2. käänn. Harmoninen yhdiste, jonka yhdistelmä (kirja). C. kukat. C. värit. C. ääniä. | adj. sinfoninen, oh, oh (yhdelle merkitykselle). S. orkesteri ...... Ožegovin selittävä sanakirja

- (Kreikka konsonanssi) orkesterisävellyksen nimi useissa osissa. S. on konsertto-orkesterimusiikin laajin muoto. Rakenteeltaan samankaltaisuuden vuoksi sonaatin kanssa. S.:tä voidaan kutsua loistavaksi sonaattiksi orkesterille. Miten…… Brockhausin ja Efronin tietosanakirja

Kirjat

• Sinfonia. 1, A. Borodin. Sinfonia. 1, Partituuri, Orkesterille Painostyyppi: Partituuri Instrumentit: orkesteri Toistettu vuoden 1862 painoksen alkuperäisellä kirjoittajalla.…