Renessanssin musiikki, kuten kuvataiteet ja kirjallisuus, palasi muinaisen kulttuurin arvoihin. Hän ei vain ilahduttanut korvaa, vaan sillä oli myös henkinen ja emotionaalinen vaikutus kuulijoihin.

Taiteen ja tieteen elpyminen XIV-XVI-luvuilla. oli suurten muutosten aikakausi, joka merkitsi siirtymistä keskiaikaisesta elämäntavasta nykypäivään. Musiikin säveltäminen ja esittäminen sai tänä aikana erityisen merkityksen. Kreikan ja Rooman muinaisia ​​kulttuureja tutkineet humanistit julistivat musiikin kirjoittamisen hyödylliseksi ja jaloksi ammatiksi. Uskottiin, että jokaisen lapsen tulisi oppia laulamaan ja hallitsemaan soittimien soittaminen. Tätä varten arvovaltaiset perheet hyväksyivät muusikoita koteihinsa antamaan oppitunteja lapsilleen ja viihdyttämään vieraita.

Suosittuja työkaluja. XVI vuosisadalla. uusia soittimia ilmestyi. Suosituimmat olivat ne, jotka olivat musiikin ystäville helppoja ja yksinkertaisia ​​soittaa ilman erityisiä taitoja. Viulsista ja niihin liittyvistä kynityistä viuluista tuli yleisimpiä. Viola oli viulun edelläkävijä, ja sitä oli helppo soittaa otelaudan poikki olevien nauhojen (puiset nauhat) ansiosta, jotka auttoivat osumaan oikeaan säveleen. Viulun ääni oli hiljainen, mutta kuulosti hyvältä pienet salit. Toisen säröillä kynityn instrumentin - luutun - säestyksellä he lauloivat, kuten nyt kitaralla.

Tuolloin monet ihmiset halusivat soittaa nokkahuilua, huiluja ja käyrätorvia. Uusille luoduille kirjoitettiin monimutkaisin musiikki - cembalo, neitsyt (englantilainen cembalo, joka on pienikokoinen) ja urut. Samalla muusikot eivät unohtaneet säveltää yksinkertaisempaa musiikkia, joka ei vaatinut korkeaa esiintymistaitoa. Samaan aikaan musiikillisessa kirjoittamisessa tapahtui muutoksia: raskaat puiset painopalikat korvattiin italialaisen Ottaviano Petruccin keksimillä liikkuvilla metallikirjaimilla. Julkaistut musiikkiteokset myytiin nopeasti loppuun, ja yhä useammat ihmiset alkoivat liittyä musiikkiin.

Musiikin ohjeet.

Uudet soittimet, nuottien painaminen ja musiikin laaja suosio vaikuttivat kamarimusiikin kehitykseen. Kuten nimestä voi päätellä, se oli tarkoitettu soitettavaksi pienissä saleissa pienen yleisön edessä. Esiintyjiä oli useita, lauluesityksiä vallitsi, koska laulutaide oli tuolloin paljon kehittyneempää kuin musiikin soittaminen. Lisäksi humanistit väittivät, että kuuntelijaan vaikuttaa eniten kahden taiteen - musiikin ja runouden - "ihana fuusio". Joten Ranskassa chanson (moniääninen laulu) erottui genrenä ja Italiassa - madrigal.

Chansonit ja madrigalit.

Noiden vuosien chansonit esitettiin useilla äänillä koskettaviin runoihin, joilla on laaja temaattinen kirjo - ylevästä rakkauden teemasta arkeen maaseudun elämään. Säveltäjät sävelsivät säkeisiin hyvin yksinkertaisia ​​melodioita. Myöhemmin tästä perinteestä syntyi madrigal - teos 4 tai 5 äänelle vapaalla runoteemalla.

Myöhemmin, jo 1500-luvulla, säveltäjät tulivat siihen tulokseen, että madrigalilta puuttui äänen syvyyttä ja voimaa, joita aina haettiin muinaisessa Kreikassa ja Roomassa, ja alkoivat herättää henkiin muinaisia ​​musiikillisia mittareita. Samaan aikaan jyrkkä muutos nopeissa ja tasaisissa tempoissa heijasti mielialan ja tunnetilan muutoksia.

Niinpä musiikki alkoi "maalata sanoja" ja heijastaa tunteita. Esimerkiksi nouseva ääni voi tarkoittaa huippua (korkeutta), laskeva voi tarkoittaa laaksoa (surun laakso), hidas tempo voi tarkoittaa surua, tempon kiihtymistä ja korvalle miellyttäviä harmonisia melodioita - onnea, ja tarkoituksella pitkä ja terävä dissonanssi merkitsi surua ja kärsimystä. Aikaisemmassa musiikissa vallitsi harmonia ja koherenssi. Nyt se perustui polyfoniaan ja kontrastiin, heijastaen ihmisen rikasta sisäistä maailmaa. Musiikki on syventynyt, se on saanut persoonallisen luonteen.

Musiikillinen säestys.

Juhlat ja juhlat olivat renessanssin tunnusmerkki. Tuon aikakauden ihmiset juhlivat kaikkea - pyhien päivistä kesäkauden saapumiseen. Katukulkueiden aikana muusikot ja laulajat lausuivat balladeja runsailla lavoilla pyörillä, esittivät monimutkaisimpia madrigaaleja ja näyttelivät dramaattisia esityksiä. Yleisö odotti erityisen innolla "eläviä kuvia" musiikin säestyksellä ja maisemalla mekaanisen pilven muodossa, josta skenaarion tarjoama jumaluus laskeutui.

Samaan aikaan kirkolle sävellettiin majesteettisin musiikki. Tämän päivän mittakaavassa kuorot eivät olleet niin suuria - 20-30 henkilöä, mutta heidän äänensä vahvistettiin orkestereihin tuotujen pasuunan ja kornettipillien soinnilla, ja suurilla juhlapyhinä (esim. jouluna) laulajia kerättiin kaikista maista. alueen yli yhdeksi suureksi kuoroksi. Vain katolinen kirkko uskoi, että musiikin tulee olla yksinkertaista ja ymmärrettävää, ja siksi se asetti esimerkkinä Giovanni Palestrinan pyhää musiikkia, joka kirjoitti lyhyitä teoksia hengellisistä teksteistä. On huomattava, että myöhemmin maestro itse joutui ekspressiivisen ja voimakkaan "uuden" musiikin vaikutuksen alle ja alkoi kirjoittaa monumentaalisia ja värikkäitä teoksia, jotka vaativat huomattavia taitoja kuorolaulussa.

Renessanssin aikana instrumentaalimusiikkia kehitettiin laajalti. Tärkeimpiä soittimia ovat luuttu, harppu, huilu, oboe, trumpetti, urut erilaisia ​​tyyppejä(positiiviset, kannettavat), cembalolajikkeet; viulu oli kansansoitin, mutta uusien jousisoittimien, kuten alttoviulun, kehityksen myötä viulusta tulee yksi johtavista soittimista.

Jos ajattelutapa uusi aikakausi herää ensin runoudessa, saa loistavan kehityksen arkkitehtuurissa ja maalauksessa, sitten musiikissa alkaen kansanlaulu vallitsee kaikilla elämänaloilla. Kirkkomusiikkikin nähdään nykyään enemmän kuin taiteilijoiden raamatullisia aiheita käsitteleviä maalauksia, ei pyhänä, vaan iloa ja nautintoa tuottavana asiana, josta säveltäjät, muusikot ja kuorot ovat itse huolehtineet.

Sanalla sanoen, kuten runoudessa, maalauksessa, arkkitehtuurissa, tapahtui käännekohta musiikin kehityksessä, musiikin estetiikan ja teorian kehittyessä, uusien genrejen, erityisesti synteettisten taiteen muotojen, kuten oopperan ja baletti, joka pitäisi nähdä renessanssina, välitti vuosisatoja.

Alankomaiden musiikki 1400- ja 1500-luvuilla on täynnä suurten säveltäjien nimiä, muun muassa Josquin Despres (1440 - 1524), josta Zarlino kirjoitti ja joka palveli ranskalaisessa hovissa, jossa ranskalais-flaamilainen koulu kehittyi. Uskotaan, että hollantilaisten muusikoiden korkein saavutus oli kuoromessu a capella, joka vastasi goottilaisten katedraalien pyrkimystä ylöspäin.

Saksassa urkutaide kehittyy. Ranskassa hoviin perustettiin kappeleita ja järjestettiin musiikkifestivaaleja. Vuonna 1581 Henrik III hyväksyi "musiikin pääintendantin" viran hovissa. Ensimmäinen "musiikin pääohjaaja" oli italialainen viulisti Baltazarini de Belgioso, joka esitti "kuningattaren komedian baletin", esityksen, jossa musiikki ja tanssi esitetään ensimmäistä kertaa näyttämönä. Näin hovibaletti syntyi.

Clement Janequin (n. 1475 - n. 1560), erinomainen ranskalaisen renessanssin säveltäjä, on yksi moniäänisen laulugenren perustajista. Nämä ovat 4-5-äänisiä teoksia, kuten fantasialauluja. Maallinen moniääninen laulu - chanson - on yleistynyt Ranskan ulkopuolella.

1500-luvulla musiikin painaminen levisi ensimmäisen kerran. Vuonna 1516 roomalainen venetsialainen kirjailija Andrea Antico julkaisi kokoelman näppäimistöjä varten tarkoitettuja frottoleja. Italiasta tulee cembalojen ja viulujen luomisen keskus. Monet viulutyöpajat ovat avoinna. Yksi ensimmäisistä mestareista oli kuuluisa Andrea Amati Cremonasta, joka loi perustan viulunvalmistajien dynastialle. Hän teki merkittäviä muutoksia olemassa olevien viulujen suunnitteluun, mikä paransi ääntä ja toi sen lähemmäksi modernia ilmettä.

Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - erinomainen italialainen luuttu ja renessanssin säveltäjä, loi Italian maineen maana virtuoosi muusikot. Häntä pidetään edelleen kaikkien aikojen parhaana luutunsoittajana. Myöhään keskiajan taantuman jälkeen musiikista tuli tärkeä elementti kulttuuri.

Vuonna 1537 espanjalainen pappi Giovanni Tapia rakensi Napoliin ensimmäisen musiikkikonservatorion "Santa Maria di Loreto", joka toimi mallina myöhemmille.

Adrian Willart (n. 1490-1562) - hollantilainen säveltäjä ja opettaja, työskennellyt Italiassa, ranskalais-flaamilaisen (hollantilaisen) moniäänisen koulukunnan edustaja, venetsialaisen koulukunnan perustaja. Willaert kehitti musiikkia kaksoiskuorolle, tämä perinne on paljon kuoromusiikkia saavuttaa huippunsa barokin aikakauden alussa Giovanni Gabrielin teoksessa.

Renessanssin aikana madrigal saavutti huippunsa ja siitä tuli aikakauden suosituin musiikkityyli. Toisin kuin Trecento-kauden aikaisemmat ja yksinkertaiset madrigalit, renessanssin madrigaalit kirjoitettiin useille (4-6) äänelle, usein ulkomaalaisten toimesta, jotka palvelivat vaikutusvaltaisten pohjoisten perheiden hovissa. Madrigalistit pyrkivät luomaan korkeaa taidetta käyttämällä usein myöhäiskeskiajan suurten italialaisten runoilijoiden: Francesco Petrarcan, Giovanni Boccaccion ja muiden muokattua runoutta. Madrigalin tyypillisin piirre oli tiukkojen rakenteellisten kanonien puuttuminen, pääperiaatteena oli ajatusten ja tunteiden vapaa ilmaisu.

Säveltäjät, kuten venetsialaisen koulukunnan edustaja Cipriano de Rore ja ranskalais-flaamilaisen koulukunnan edustaja Roland de Lassu (Orlando di Lasso italialaisen luovan elämänsä aikana), kokeilivat kromatismin, harmonian, rytmin, tekstuurin ja muiden lisäämistä. musiikillisen ilmaisun keinot. Heidän kokemuksensa jatkuu ja huipentuu Carlo Gesualdon manieristiseen aikakauteen.

Toinen tärkeä moniääninen laulumuoto oli villanella. Napolissa suosittujen laulujen pohjalta se levisi nopeasti kaikkialle Italiaan ja meni myöhemmin Ranskaan, Englantiin, Saksaan. 1500-luvun italialainen villanella antoi vahvan sysäyksen sointuaskelmien ja sitä kautta harmonisen tonaalisuuden kehittymiselle.

Oopperan syntymä (Florentine Camerata).

Renessanssin loppua leimasi musiikkihistorian tärkein tapahtuma - oopperan synty.

Ryhmä humanisteja, muusikoita ja runoilijoita kokoontui Firenzeen johtajansa kreivi Giovanni De Bardin (1534 - 1612) suojeluksessa. Ryhmän nimi oli "kamerata", sen pääjäseniä olivat Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (tähtitieteilijä Galileo Galilein isä), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri ja Ottavio Rinuccini nuorempana.

Ensimmäinen dokumentoitu ryhmän kokous pidettiin vuonna 1573, ja "Florence Cameratan" aktiivisimmat vuodet olivat 1577 - 1582.

He uskoivat musiikin "menneen huonoon" ja pyrkivät palaamaan muotoon ja tyyliin. muinainen Kreikka uskoen, että musiikin taitoa voidaan parantaa ja sitä kautta myös yhteiskunta paranee. Camerata kritisoi olemassa olevaa musiikkia sen liiallisesta polyfonian käytöstä tekstin ymmärrettävyyden ja teoksen runollisen osan menettämisen kustannuksella ja ehdotti uuden musiikkityylin luomista, jossa monodista tekstiä säestää instrumentaalimusiikki. . Heidän kokeilunsa johtivat uuden laulumusikaalisen muodon luomiseen - resitatiiviin, jota Emilio de Cavalieri käytti ensin ja joka myöhemmin liittyi suoraan oopperan kehitykseen.

Ensimmäinen virallisesti tunnustettu ooppera, joka täytti nykyajan vaatimukset, oli ooppera Daphne, joka esiteltiin ensimmäisen kerran vuonna 1598. Daphnen kirjoittajat olivat Ottavio Rinuccinin libretto Jacopo Peri ja Jacopo Corsi. Tämä ooppera ei ole säilynyt. Ensimmäinen säilynyt ooppera on samojen kirjoittajien Jacopo Perin ja Ottavio Rinuccinin "Eurydice" (1600). Tämä luova liitto loi edelleen monia teoksia, joista suurin osa on kadonnut.

pohjoinen herätys.

Myös pohjoisen renessanssin musiikki on kiinnostavaa. 1500-luvulle mennessä siellä oli rikas kansanperinne, pääasiassa laulu. Musiikki soi kaikkialla Saksassa: juhlissa, kirkossa, klo sosiaaliset tapahtumat ja sotilasleirillä. Talonpoikaissota ja uskonpuhdistus aiheuttivat uuden nousun kansanlaulutaiteeseen. On monia ilmeikkäitä luterilaisia ​​virsiä, joiden tekijää ei tunneta. Kuorolaulusta on tullut olennainen luterilaisen jumalanpalveluksen muoto. Protestanttinen laulu vaikutti koko eurooppalaisen musiikin myöhempään kehitykseen.

Erilaisia ​​musiikkimuotoja Saksassa 1500-luvulla. Se on hämmästyttävää: baletteja ja oopperoita lavastettiin sulkaina. On mahdotonta olla mainitsematta sellaisia ​​nimiä kuin K. Paumann, P. Hofheimer. Nämä ovat säveltäjiä, jotka sävelsivät maallisia ja kirkkomusiikkia, ensisijaisesti uruille. Heidän rinnallaan on erinomainen ranskalais-flaamilainen säveltäjä, hollantilaisen koulukunnan edustaja O. Lasso. Hän on työskennellyt monissa eurooppalaiset maat. Yhteenveto ja innovatiivisesti kehitetty eri eurooppalaisten saavutuksista musiikkikoulut renessanssi. Kultti- ja maallisen kuoromusiikin mestari (yli 2000 sävellystä).

Mutta todellisen vallankumouksen saksalaisessa musiikissa teki Heinrich Schutz (1585-1672), säveltäjä, bändimestari, urkuri ja opettaja. Kansallisen säveltäjäkoulun perustaja, suurin I.S.:n edeltäjistä. Bach. Schütz kirjoitti ensimmäisen saksalainen ooppera Daphne (1627), ooppera-baletti Orpheus ja Eurydice (1638); madrigaaleja, hengellisiä kantaatti-oratoriosävellyksiä ("passions", konsertot, motettit, psalmit jne.).

Venäjän federaation opetusministeriö

Moskovan valtion avoin pedagoginen yliopisto

niitä. M.A. Sholokhova

Esteettisen kasvatuksen laitos

ESSEE

"Renessanssin musiikki"

5. kurssin opiskelijat

Päätoiminen - kirjeenvaihtoosasto

Polegaeva Lyubov Pavlovna

Opettaja:

Zatsepina Maria Borisovna

Moskova 2005

Renessanssi - Länsi- ja Keski-Euroopan maiden kulttuurin kukoistusaika siirtymäkaudella keskiajalta uuteen aikaan (XV-XVII vuosisatoja). Renessanssin kulttuurilla ei ole kapeaa luokkaluonnetta ja se heijastelee usein laajojen kansanjoukkojen tunnelmaa, musiikkikulttuurissa se edustaa useita uusia vaikuttavia luovia koulukuntia. Koko tämän ajanjakson kulttuurin tärkein ideologinen ydin oli humanismi - uusi, ennennäkemätön ajatus henkilöstä vapaana ja kattavasti kehittyneenä olentona, joka kykenee edistymään rajattomasti. Ihminen on taiteen ja kirjallisuuden pääaihe, renessanssikulttuurin suurimpien edustajien - F. Petrarch ja D. Boccaccio, Leonardo da Vinci ja Michelangelo, Rafael ja Titianus - luovuus. Suurin osa tämän aikakauden kulttuurihenkilöistä oli itsekin monilahjakkaita ihmisiä. Joten Leonardo da Vinci ei ollut vain erinomainen taiteilija, vaan myös kuvanveistäjä, tiedemies, kirjailija, arkkitehti, säveltäjä; Michelangelo tunnetaan paitsi kuvanveistäjänä, myös maalarina, runoilijana ja muusikkona.

Tämän ajanjakson maailmankuvan ja koko kulttuurin kehitykseen vaikutti muinaisten mallien noudattaminen. Musiikissa uuden sisällön mukana kehittyy myös uusia muotoja ja genrejä (laulut, madrigaalit, balladit, oopperat, kantaatit, oratoriot).

Kaikella renessanssin kulttuurin eheydellä ja täydellisyydellä, sille on ominaista epäjohdonmukaisuuden piirteet, jotka liittyvät uuden kulttuurin elementtien kutomiseen vanhan kanssa. Tämän ajanjakson taiteen uskonnolliset teemat eivät vain ole olemassa, vaan myös kehittyvät. Samalla se muuttuu niin paljon, että sen pohjalta luodut teokset koetaan sellaisiksi genren kohtauksia jalojen ja tavallisten ihmisten elämästä.

Renessanssin italialainen kulttuuri kävi läpi tiettyjä kehitysvaiheita: syntyessään 1300-luvun lopulla se saavutti huippunsa 1400-luvun puolivälissä - 1500-luvun alussa. XVI vuosisadan toisella puoliskolla. tulee pitkä feodaalinen reaktio maan taloudellisen ja poliittisen taantuman vuoksi. Humanismi on kriisissä. Taiteen taantuminen ei kuitenkaan ole suinkaan heti osoitus: italialaiset taiteilijat ja runoilijat, kuvanveistäjät ja arkkitehdit loivat vuosikymmeniä taiteellisesti arvokkaimpia teoksia, eri luovien koulujen välisten siteiden kehittymistä, kokemusten vaihtoa maasta muuttaneiden muusikoiden välillä. maalle eri kappeleissa työskentely muuttuu merkkiaikaksi ja mahdollistaa puhumisen koko aikakaudelle yhteisistä trendeistä.

Renessanssi on yksi eurooppalaisen musiikkikulttuurin historian loistavimpia sivuja. Josquinin, Obrechtin, Palestrinan, O. Lasson, Gesualdon suurnimien tähdistö, joka avasi uusia horisontteja musiikilliselle luovuudelle ilmaisuvälineissä, polyfonian rikkaudessa, muotojen mittakaavassa; perinteisten genrejen kukoistava ja laadullinen uudistuminen - motettit, messut; uusien mielikuvien vahvistaminen, uudet intonaatiot moniäänisten laulusävellysten alalla, instrumentaalimusiikin nopea kehitys, joka nousi esiin lähes viiden vuosisadan alistamisen jälkeen: muut musiikinteon muodot, ammattimaisuuden kasvu kaikilla musiikin alueilla. musiikillinen luovuus: näkemysten muutos musiikkitaiteen roolista ja mahdollisuuksista, uusien kauneuskriteerien muodostuminen: humanismi todella nousevana suuntauksena kaikilla taiteen osa-alueilla - kaikki tämä liittyy käsityksiin renessanssista. Renessanssin taiteellinen kulttuuri on tieteeseen perustuva henkilökohtainen alku. 1400-1600-luvun polyfonistien epätavallisen monimutkainen taito, heidän virtuoositekniikkansa esiintyi rinnakkain arkipäivän tanssien kirkkaan taiteen, maallisten genrejen hienostuneisuuden kanssa. Lyyrinen dramaattisuus saa yhä enemmän ilmaisua hänen teoksissaan. Lisäksi ne ilmentävät selvemmin tekijän persoonallisuutta, taiteilijan luovaa yksilöllisyyttä (tämä ei ole tyypillistä vain musiikkitaiteelle), minkä ansiosta voimme puhua humanisoinnista renessanssitaiteen johtavana periaatteena. Samaan aikaan kirkkomusiikki, jota edustavat sellaiset suuret genret kuin messu ja motetti, jatkaa jossain määrin renessanssin taiteen "goottilaista" linjaa, jonka tavoitteena on ensisijaisesti luoda uudelleen jo olemassa oleva kaanon ja sitä kautta jumalallisuuden ylistäminen.

Lähes kaikkien tärkeimpien genrejen, sekä maallisten että hengellisten, teoksia rakennetaan jonkin aiemmin tunnetun musiikkimateriaalin pohjalta. Se voisi olla monofoninen lähde motetteissa ja erilaisissa maallisissa genreissä, instrumentaalisovituksissa; se voi olla kaksi ääntä, jotka on lainattu kolmiäänisestä sävellyksestä ja sisällytetty samaan tai toiseen genreen kuuluvaan uuteen teokseen ja lopuksi täydellinen kolmi- tai neliääninen (motetti, madrigali, eräänlaisen esikuvan roolissa). malli” suuremman muodon (massan) teoksesta.

Ensisijainen lähde on yhtä suosittu, laajalti tunnettu sävelmä (kuoro- tai maallinen laulu) ja mikä tahansa tekijän sävellys (tai äänet siitä), muiden säveltäjien prosessoima ja vastaavasti erilaisilla ääniominaisuuksilla varustettu, erilainen taiteellinen idea.

Esimerkiksi motettigenressä ei juuri ole teoksia, joilla ei olisi alkuperäistä alkuperäiskappaletta. Suurimmalla osalla 1400-1500-luvun säveltäjäjoukkoja on myös alkulähteitä: esimerkiksi Palistrinassa kaikkiaan yli sadasta messusta löytyy vain kuusi lainattomalla pohjalla kirjoitettua. O. Lasso ei kirjoittanut yhtäkään messua (58:sta) tekijän materiaaliin.

Samalla voidaan havaita, että alkulähteiden ympyrä, johon kirjoittajat luottavat, on varsin selkeästi merkitty. G. Dufay, I. Okegem, J. Obrecht, Palestrina, O. Lasso ja muut näyttävät kilpailevan keskenään, kerta toisensa jälkeen viitaten samoihin melodioihin, ammentaen niistä joka kerta uusia taiteellisia impulsseja teoksiinsa, pohtien sävelmiä uudelleen. alkuperäisinä intonaatioina polyfonisten muotojen prototyyppeinä.

Teoksen suorittamisessa käytettiin tekniikkaa - polyfoniaa. Polyfonia on polyfoniaa, jossa kaikki äänet ovat samanarvoisia. Kaikki äänet toistavat samaa melodiaa, mutta eri aikoina, kuin kaiku. Tätä tekniikkaa kutsutaan jäljitelmäpolyfoniaksi.

1400-luvulle mennessä oli muotoutumassa ns. "tiukan kirjoittamisen" polyfonia, jonka säännöt (äänenjohtamisen, muotoilun normit jne.) oli kiinnitetty tuolloin teoreettisiin kirjoituksiin ja olivat muuttumattomana lakina. kirkkomusiikin luominen.

Toinen yhteys, kun esiintyjät lausuivat eri melodioita samaan aikaan ja erilaisia ​​tekstejä kutsutaan kontrastipolyfoniaksi. Yleensä "tiukka" tyyli tarkoittaa välttämättä polyfoniaa kahdesta tyypistä: jäljitelmä tai kontrasti. Juuri jäljitelmä ja vastakkainen moniäänisyys mahdollisti moniäänisten motettien ja messujen säveltämisen jumalanpalvelukseen.

Motetti on pieni kuorolaulu, joka on yleensä sävelletty johonkin suosittuun melodiaan, useimmiten johonkin vanhasta kirkon sävelestä ("gregoriaaniset laulut" ja muut kanoniset lähteet sekä kansanmusiikki).

1400-luvun alun myötä useiden Euroopan maiden musiikkikulttuurissa renessanssin aikakaudelle ominaiset piirteet tulevat yhä selvemmiksi. Alankomaiden renessanssin varhaisten polyfonistien joukossa näkyvä Guillaume Dufay (Dufay) syntyi Flanderissa noin vuonna 1400. Hänen teoksensa ovat itse asiassa yli puoli vuosisataa hollantilaisen musiikkikoulun historiasta, joka muodostui 1400-luvun toisella neljänneksellä.

Dufay johti useita kappeleita, mukaan lukien paavin kappeli Roomassa, työskenteli Firenzessä ja Bolognassa ja vietti elämänsä viimeiset vuodet kotimaassaan Cambraissa. Dufayn perintö on rikasta ja runsasta: se sisältää noin 80 laulua (kamarilajit - vireles, balladit, rondo), noin 30 motettia (sekä henkistä että maallista, "laulu"), 9 täysmessua ja niiden erilliset osat.

Erinomainen melodisti, joka saavutti tiukan tyylin aikakaudella harvinaista melodian lyyristä lämpöä ja ilmaisua, hän kääntyi mielellään kansanmelodioihin alistaen ne taitavimmalle käsittelylle. Dufay tuo messuun paljon uutta: hän laajentaa kokonaisuuden sävellystä, käyttää kuorosoundin kontrasteja vapaammin. Yksi hänen parhaista sävellyksistään ovat massat "Pale Face", "Armed Man", jotka käyttävät lainattuja samannimiä kappalealkuperää olevia melodioita. Nämä kappaleet eri versioina muodostavat laajasti laajennetun intonaatio-teemaattisen pohjan, joka pitää koossa suurten kuorosyklien yhtenäisyyden. Merkittävän kontrapunktisoittajan polyfonisessa työstössä ne paljastavat syvyyksiinsa kätketyn ennen tuntemattoman kauneuden ja ilmaisumahdollisuudet. Dufayn melodia yhdistää harmonisesti hollantilaisen laulun kirpeän tuoreuden sen pehmenevään italialaiseen melodiaisuuteen ja ranskalaiseen graceuteen. Sen jäljittelevä polyfonia on vailla keinotekoisuutta ja kasoja. Joskus harvuudesta tulee liiallista, ilmaantuu tyhjiöitä. Tämä ei koske vain taiteen nuoruutta, joka ei ole vielä löytänyt ihanteellista rakenteen tasapainoa, vaan myös Cumbrian mestarille ominaiseen haluun saavuttaa taiteellinen ja ilmaisuvoimainen lopputulos vaatimattomimmilla keinoilla.

Dufayn nuorempien aikalaisten Johannes Okeghemin ja Jakob Obrechtin työt liitetään jo ns. toiseen hollantilaiseen koulukuntaan. Molemmat säveltäjät ovat aikansa suuria hahmoja, jotka määrittelivät hollantilaisen polyfonian kehityksen 1400-luvun jälkipuoliskolla.

Johannes Okegem (1425 - 1497) työskenteli suurimman osan elämästään Ranskan kuninkaiden kappelissa. Okeghemin edessä, Euroopan edessä, kiehtovana Dufayn pehmeä, melodinen laululyriikka, hänen massansa ja motettinsa naiivin lempeä ja arkaaisen kirkas eufonia, ilmestyi aivan erilainen taiteilija - "rationalisti, jolla on intohimoinen silmä" ja hienostunut ja tekninen kynä, toisinaan välttelevä lyriikkaa ja pyrkivä vangitsemaan mahdollisimman pian musiikkiin tiettyjä äärimmäisen yleisiä objektiivisen olemassaolon lakeja. Hän löysi hämmästyttävän kyvyn kehittää melodisia linjoja polyfonisissa kokoonpanoissa. Jotkut goottilaiset piirteet kuuluvat hänen musiikkiinsa: figuratiivisuus, ilmeisyyden ei-yksilöllisyys jne. Hän loi 11 kokonaista messua (ja useita niiden osia), mukaan lukien teema "Armed Man", 13 motettia ja 22 laulua. Suuret polyfoniset genret ovat hänelle etusijalla. Jotkut Okeghemin kappaleista saivat suosiota aikalaisten keskuudessa ja toimivat toistuvasti ensisijaisena perustana polyfonisille sovituksille suuremmissa muodoissa.

Okegemin luova esimerkki suurimmana mestarina ja puhtaana polyfonistina oli erittäin tärkeä hänen aikalaisilleen ja seuraajilleen: hänen tinkimätön keskittymisensä polyfonian erityisongelmiin herätti kunnioitusta, ellei ihailua, se synnytti legendan ja ympäröi hänen nimensä sädekehällä.

Niiden joukossa, jotka yhdistävät 1400-luvun seuraavaan, ei vain kronologisesti, vaan myös luovan kehityksen olemuksen kannalta, ensimmäinen paikka on epäilemättä Jacob Obrecht. Hän syntyi vuonna 1450 Bergen op Zoomissa. Obrecht työskenteli Antwerpenin, Cambrain, Bruggen ja muiden kappeleissa ja palveli myös Italiassa.

Obrechtin luovaan perintöön kuuluu 25 messua, noin 20 motettia ja 30 moniäänistä laulua. Hän peri edeltäjiltään ja vanhemmilta aikalaisilta pitkälle kehittyneen, jopa virtuoosisen moniäänisen tekniikan, jäljitelmäkanoniset polyfonian menetelmät. Obrechtin kokonaan polyfonisessa musiikissa kuulemme toisinaan erityistä vahvuutta ainakin ei-persoonallisista tunteista, vastakohtien rohkeutta suurissa ja pienissä rajoissa, melko "maanläheisiä", lähes arkipäiväisiä yhteyksiä äänien luonteessa ja muotoilun yksityiskohtia. Hänen maailmankuvansa lakkaa olemasta goottilainen. Hän siirtyy kohti Josquin Despresiä, renessanssin todellista edustajaa musiikin taiteessa.

Obrechtin tyyliin ovat ominaisia ​​yksilölliset piirteet, mukaan lukien poikkeaminen goottilaisesta irtautumisesta, vastustusta aiheuttava, tunteiden vahvuus ja yhteys arjen genreihin.

1500-luvun ensimmäinen kolmannes Italiassa on korkean renessanssin aikaa, luovan nousun ja ennennäkemättömän täydellisyyden aikaa, joka ilmentyy Leonardo da Vincin, Rafaelin ja Michelangelon suurissa teoksissa. Muodostuu tietty yhteiskuntakerros, jonka voimin järjestetään teatteriesityksiä ja musiikkilomia. Eri taideakatemioiden toiminta kehittyy.

Hieman myöhemmin musiikin taiteessa alkaa korkean vaurauden aika, ei vain Italiassa, vaan myös Saksassa, Ranskassa ja muissa maissa. Nuotinkirjoituksen keksimisellä on suuri merkitys musiikkiteosten levittämiselle.

Polyfonisen koulukunnan perinteet pysyvät vahvoina entiseen tapaan (erityisesti otokseen luottaminen on yhtä tärkeää), mutta suhtautuminen aiheen valintaan on muuttumassa, teosten tunne- ja figuratiivisuus lisääntyy, henkilökohtainen , autoriperiaate voimistuu. Kaikki nämä piirteet näkyvät jo italialaisen säveltäjän Josquin Despresin teoksissa. Hän syntyi noin 1450 Burgundiassa ja oli yksi 1400-luvun lopun ja 1500-luvun alun hollantilaisen koulukunnan suurimmista säveltäjistä. Kauniin äänensä ja kuulonsa saanut hän palveli nuoruudesta asti kuoronsoittajana kotimaassaan ja muissa maissa kirkkokuoroissa. Tämä varhainen ja läheinen kosketus korkeaan kuorotaiteeseen, kulttimusiikin suurten taiteellisten aarteiden aktiivinen ja käytännöllinen omaksuminen määritti pitkälti sen suunnan, johon tulevan neromestarin yksilöllisyys, tyyli ja genreintressit tuolloin kehittyivät.

Nuorempana Despres opiskeli sävellystaidetta I. Okeghemin johdolla, jolta hän myös kehittyi erilaisten soittimien soittamisessa.

Myöhemmin Josquin Despres kokeili kaikkia siihen aikaan olemassa olevia musiikkigenrejä luoden psalmeja, motetteja, messuja, musiikkia Herran kärsimyksestä, sävellyksiä Pyhän Marian kunniaksi ja maallisia lauluja.

Ensimmäinen asia, joka kiinnittää huomiota Despresin teoksissa, on silmiinpistävä kontrapunktinen tekniikka, jonka ansiosta kirjailijaa voidaan pitää todellisena kontrapistevirtuoosina. Huolimatta materiaalin täydellisestä hallussapidosta Despres kirjoitti kuitenkin hyvin hitaasti, erittäin kriittisesti tarkasteltuaan teoksiaan. Sävellysten koeesitysten aikana hän teki niihin paljon muutoksia yrittäen saavuttaa moitteetonta eufoniaa, jota hän ei koskaan uhrannut plexusten vastapainoksi.

Vain polyfonisia muotoja käyttämällä säveltäjä antaa joissain tapauksissa ylääänelle epätavallisen kauniin virtaavan melodian, jonka ansiosta hänen työnsä erottuu paitsi eufonialla, myös melodialla.

Haluamatta mennä tiukan vastapisteen ulkopuolelle, Despres valmistaa dissonanssien lieventämiseksi ne ikään kuin käyttämällä edellisessä konsonanssissa dissonanssia konsonanssin muodossa. Hyvin menestyksekkäästi Despres käyttää myös dissonansseja keinona parantaa musiikillista ilmaisua.

On huomattava, että J. Despresä voidaan oikeutetusti pitää paitsi lahjakkaana kontrapointin soittajana ja herkänä muusikkona, myös upeana taiteilijana, joka kykenee välittämään teoksissaan hienoimpiakin tunteiden sävyjä ja erilaisia ​​tunnelmia.

Josquin oli teknisesti ja esteettisesti parempi kuin 1400-luvun italialaiset ja ranskalaiset polyfonistit. Siksi puhtaasti musiikillisella alalla hän vaikutti heihin paljon enemmän kuin he vaikuttivat häneen. Kuolemaansa asti Despres johti Rooman, Firenzen ja Pariisin parhaita kappeleita. Hän on aina ollut yhtä omistautunut työlleen ja myötävaikuttanut musiikin levittämiseen ja tunnustamiseen. Hän pysyi hollantilaisena, "mestarina Condésta". Ja riippumatta siitä, kuinka loistavia olivat ulkomaiset saavutukset ja kunnianosoitukset, joita "musiikin mestarille" (kuten hänen aikalaisensa kutsuivat häntä) edelleen annettiin, hän, totellen vastustamatonta "maan kutsua", palasi jo taantuvien vuosien aikana Scheldtin rannoilla ja päätti vaatimattomasti elämänsä kaanonina.

Italiassa korkean renessanssin aikana maalliset genret kukoistivat. Laulugenret kehittyvät kahteen pääsuuntaan - yksi niistä on lähellä jokapäiväistä laulua ja tanssia (frotoles, villanelles jne.), kun taas toinen liittyy polyfoniseen perinteeseen (madrigal).

Madrigal erityisenä musiikillisena ja runollisena muotona tarjosi poikkeuksellisia mahdollisuuksia säveltäjän yksilöllisyyden ilmentymiseen. Hänen sanoitustensa pääsisältö, genrekohtaukset. Genret kukoistivat venetsialaisessa koulussa lavamusiikkia(yritä elvyttää muinainen tragedia). Instrumentaalimuodot itsenäistyivät (luuttiin, vihuelaan, urkuihin ja muihin soittimiin).

Bibliografia:

Efremova T.F. Uusi sanakirja Venäjän kieli. Selittävä - johdanto - M .: Rus. yaz..., 2000 -T. 1: A-O - 1209 s.

Lyhyt estetiikan sanakirja. M., Politizdat, 1964. 543 s.

Suosittu musiikin historia.

Tikhonova A. I. Renessanssi ja barokki: Kirja lukemiseen - M .: LLC Publishing House ROSMEN - LEHDISTÖ, 2003.- 109 s.

renessanssi, tai renessanssi(fr. renessanssi), - käännekohta kulttuurin historiassa Euroopan kansakuntia. Italiassa uudet suuntaukset ilmestyivät jo 1200-1400-luvun vaihteessa, muissa Euroopan maissa - 1400-1500-luvuilla. Renessanssin hahmot tunnustivat ihmisen - hänen edunsa ja oikeuden persoonallisuuden vapaaseen kehitykseen - korkeimmaksi arvoksi. Tätä maailmankuvaa kutsuttiin "humanismiksi" (latinasta humanus - "ihminen", "ihminen"). Humanistit etsivät harmonisen ihmisen ihannetta antiikin aikana, ja antiikin kreikkalaiset ja roomalaista taidetta toimi mallina heidän taiteelliselle luovuudelleen. Halu "elvyttää" muinaista kulttuuria antoi nimen koko aikakausi- Renessanssi, keskiajan ja uuden ajan välinen aika (1600-luvun puolivälistä nykypäivään).

Renessanssin maailmankuva heijastaa täydellisimmin taidetta, myös musiikkia. Tänä aikana, kuten myös keskiajalla, johtava paikka kuului laulavalla kirkkomusiikilla. Polyfonian kehitys johti polyfonian syntymiseen (kreikan sanasta "polis" - "lukuinen" ja "tausta" - "ääni", "ääni"). Tämän tyyppisessä polyfoniassa kaikki teoksen äänet ovat tasa-arvoisia. Polyfonia ei vain monimutkaisi teosta, vaan antoi tekijälle mahdollisuuden ilmaista henkilökohtaista ymmärrystä tekstistä, lisäsi musiikkia emotionaalisuutta. Polyfoninen sävellys luotiin tiukkojen ja monimutkaisten sääntöjen mukaan, mikä vaati säveltäjältä syvää tietoa ja virtuoosia. Polyfonian puitteissa kehittyivät kirkolliset ja maalliset genret.

Hollannin moniääninen koulu. Alankomaat on historiallinen alue Luoteis-Euroopassa, johon kuuluvat nykyisen Belgian, Hollannin, Luxemburgin ja Koillis-Ranskan alueet. 1500-luvulle mennessä Alankomaat saavutti korkean taloudellisen ja kulttuurisen tason ja muuttui vauraaksi eurooppalaiseksi maaksi.

Siellä syntyi hollantilainen moniääninen koulu - yksi renessanssin musiikin suurimmista ilmiöistä. 1400-luvun taiteen kehitykselle oli tärkeää eri maiden muusikoiden kommunikointi, luovien koulujen keskinäinen vaikutus. Hollantilainen koulu omaksui Italian, Ranskan, Englannin ja Alankomaiden perinteet.

Sen näkyvät edustajat: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (noin 1400 - 27.11.1474, Cambrai), ranskalais-flaamilainen säveltäjä, yksi hollantilaisen koulukunnan perustajista. Polyfonisen perinteen perusta hollantilaisessa musiikissa loi Guillaume Dufay (noin 1400 - 1474). Hän syntyi Cambrain kaupungissa Flanderissa (provinssi Etelä-Alankomaissa) ja lauloi varhaisesta iästä lähtien kirkon kuorossa. Samanaikaisesti tuleva muusikko otti sävellyksen yksityistunteja. Nuoruudessaan Dufay meni Italiaan, missä hän kirjoitti ensimmäiset sävellyksensä - balladit ja motettit. Vuosina 1428-1437. hän palveli laulajana paavin kappelissa Roomassa; näiden vuosien aikana hän matkusti Italiaan ja Ranskaan. Vuonna 1437 säveltäjä otti pyhät tilaukset. Savoian herttuan (1437-1439) hovissa hän sävelsi musiikkia juhlallisiin seremonioihin ja vapaapäiviin. Jalot ihmiset arvostivat Dufayta suuresti - hänen ihailijoidensa joukossa oli esimerkiksi Medici-pariskunta (italialaisen Firenzen kaupungin hallitsijat). [Työskenteli Italiassa ja Ranskassa. Vuosina 1428-37 hän oli paavin kappelien laulaja Roomassa ja muissa Italian kaupungeissa, vuosina 1437-44 hän palveli Savoian herttuan luona. Vuodesta 1445 kaanoni ja johtaja musiikkitoimintaa Katedraali Cambraissa. Hengellisten (3-, 4-ääniset messut, motettit) sekä maallisten (3-, 4-äänisten) mestari ranskalaiset chansonit, italialaiset laulut, balladit, rondot) kansanmusiikin polyfoniaan ja renessanssin humanistiseen kulttuuriin liittyvistä genreistä. D:n taiteella, joka imeytyi eurooppalaisen musiikkitaiteen saavutuksiin, oli suuri vaikutus eurooppalaisen moniäänisen musiikin jatkokehitykseen. Hän oli myös musiikillisen kirjoittamisen uudistaja (D. tunnustetaan valkopäisten nuottien käyttöönotosta). Roomassa julkaistut D:n täydelliset teokset (6 osaa, 1951-66).] Dufay oli ensimmäinen säveltäjistä, joka aloitti messun säveltämisen yhtenäiseksi musiikkisävellykseksi. Kirkkomusiikin luomiseen tarvitaan poikkeuksellinen lahjakkuus: kyky ilmaista abstrakteja, aineettomia käsitteitä konkreettisin, aineellisin keinoin. Vaikeus piilee siinä, että tällainen sävellys ei toisaalta jätä kuuntelijaa välinpitämättömäksi ja toisaalta ei häiritse palvontaa, auttaa keskittymään syvemmin rukoukseen. Monet Dufayn messuista ovat inspiroituneita, täynnä sisäinen elämä; ne näyttävät auttavan hetkeksi nostamaan jumalallisen ilmoituksen verhon.

Usein massaa luodessaan Dufay otti hyvin kuuluisa sävelmä, johon hän lisäsi omansa. Tällaiset lainaukset ovat ominaisia ​​renessanssille. Erittäin tärkeänä pidettiin, että messu perustui tuttuihin melodioihin, joista palvojat helposti tunnistavat polyfoninen teos. Usein käytettiin katkelmaa gregoriaanisesta laulusta; maallisia teoksia ei suljettu pois.

Kirkkomusiikin lisäksi Dufay sävelsi motettit maallisista teksteistä. Niissä hän käytti myös monimutkaista polyfonista tekniikkaa.

Josquin Despres (1440-1521). Hollannin moniäänisen koulukunnan edustaja 1400-luvun jälkipuoliskolla. oli Josquin Despres (noin 1440-1521 tai 1524), jolla oli suuri vaikutus seuraavan sukupolven säveltäjien työhön. Nuoruudessaan hän palveli kirkon kuoropojana Cambraissa; otti musiikin oppitunnit Okegemissä. 20-vuotiaana nuori muusikko tuli Italiaan, lauloi Milanossa Sforzan herttuoiden (myöhemmin suuri italialainen taiteilija Leonardo da Vinci) ja paavin kappelissa Roomassa. Italiassa Despres alkoi luultavasti säveltää musiikkia. Aivan XVI vuosisadan alussa. hän muutti Pariisiin. Siihen mennessä Despres oli jo tiedossa, ja Ranskan kuningas Ludvig XII kutsui hänet hovimuusikkon virkaan. Vuodesta 1503 lähtien Despres asettui jälleen Italiaan, Ferraran kaupunkiin, Duke d "Esten hoviin. Despres sävelsi paljon, ja hänen musiikkinsa sai nopeasti tunnustusta useimmissa leveät ympyrät: häntä rakastivat sekä aatelisto että tavalliset ihmiset. Säveltäjä loi paitsi kirkkoteoksia, myös maallisia teoksia. Erityisesti hän kääntyi italialaisen kansanlaulun genreen - frottole (it. frottola, frottasta - "väkijoukko"), jolle on ominaista tanssirytmiä ja nopeaa tahtia. Despres toi kirkkomusiikkiin maallisten teosten piirteitä: raikas, eloisa intonaatio mursi tiukan irtautumisen ja herätti ilon ja olemisen täyteyden tunteen. Suhteellisuudentaju ei kuitenkaan koskaan pettänyt säveltäjää. Despresin polyfoninen tekniikka ei erotu hienostuneisuudesta. Hänen teoksensa ovat tyylikkään yksinkertaisia, mutta niissä näkyy tekijän voimakas äly. Tämä on hänen luomustensa suosion salaisuus.

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). Guillaume Dufayn nuorempia aikalaisia ​​olivat Johannes (Jean) Okeghem (noin 1425-1497) ja Jacob Obrecht. Dufayn tavoin Okegem oli kotoisin Flanderista. Koko elämänsä hän työskenteli kovasti; musiikin säveltämisen lisäksi hän toimi kappelin päällikkönä. Säveltäjä loi viisitoista messua, kolmetoista motettia, yli kaksikymmentä šansonia. Okegyomin teoksille on ominaista tiukka, keskittyminen ja pitkä pehmeä melodisten linjojen avautuminen. Hän kiinnitti suurta huomiota moniääniseen tekniikkaan ja pyrki siihen, että massan kaikki osat hahmotettaisiin kokonaisuutena. Säveltäjän luova tyyli näkyy myös hänen lauluissaan - niistä puuttuu melkein maallinen keveys, niiden luonne muistuttaa enemmän motetteja ja joskus massafragmentteja. Johannes Okegemia arvostettiin sekä kotimaassa että ulkomailla (hänet nimitettiin Ranskan kuninkaan neuvonantajaksi). Jakob Obrecht oli kuoronsoittaja Alankomaiden eri kaupunkien katedraaleissa, johti kappeleita; hän palveli useita vuosia Duke d "Esten hovissa Ferrarassa (Italia). Hän on kirjoittanut 25 messua, 20 motettia, 30 šansonia. Obrecht toi edeltäjiensä saavutuksia käyttäen paljon uutta Hänen musiikkinsa on täynnä kontrasteja, rohkeaa, vaikka säveltäjä kääntyy perinteisten kirkkogenrejen puoleen.

Luovuuden monipuolisuus ja syvyys Orlando Lasso. Hollannin renessanssimusiikin historiaa täydentää Orlando Lasson (oikea nimi ja sukunimi Roland de Lasso, noin 1532-1594) teos, jota hänen aikalaisensa kutsuivat "Belgian Orpheus" ja "Prince of Music". Lasso syntyi Monsissa (Flanderissa). Lapsuudesta lähtien hän lauloi kirkon kuorossa lyömällä seurakuntalaisia ​​upealla äänellä. Italian Mantovan kaupungin herttua Gonzaga kuuli vahingossa nuoren laulajan kutsuvan hänet omaan kappeliinsa. Mantovan jälkeen Lasso työskenteli lyhyen aikaa Napolissa ja muutti sitten Roomaan - missä hän sai yhden katedraalin kappelin päällikön aseman. 25-vuotiaana Lasso tunnettiin jo säveltäjänä, ja hänen sävellyksiään oli kysytty musiikin kustantajien keskuudessa. Vuonna 1555 julkaistiin ensimmäinen teoskokoelma, joka sisälsi motetteja, madrigaaleja ja šansonia. Lasso opiskeli kaikkea parasta, mitä edeltäjänsä (hollantilaiset, ranskalaiset, saksalaiset ja italialaiset säveltäjät) ovat luoneet, ja käytti heidän kokemustaan ​​työssään. Poikkeuksellisena persoonallisuutena Lasso pyrki voittamaan kirkkomusiikin abstraktin luonteen, antamaan sille yksilöllisyyttä. Tätä tarkoitusta varten säveltäjä käytti joskus genre- ja arkiaiheisia aiheita (teemoja kansanlauluja, tanssit), yhdistäen näin kirkolliset ja maalliset perinteet. Lasso yhdisti moniäänisen tekniikan monimutkaisuuden suureen emotionaalisuuteen. Hän menestyi erityisen hyvin madrigaaleissa, joiden teksteissä mielentila hahmoja, kuten Pyhän Pietarin kyyneleet (1593) italialaisen runoilijan Luigi Tranzillon säkeisiin. Säveltäjä kirjoitti usein suuri numeroääniä (viisi - seitsemän), joten hänen teoksiaan on vaikea esittää.

Vuodesta 1556 lähtien Orlando Lasso asui Münchenissä (Saksa), missä hän johti kappelia. Hänen elämänsä loppuun mennessä hänen arvovaltansa musiikillisissa ja taiteellisissa piireissä oli erittäin korkea, ja hänen maineensa levisi kaikkialle Eurooppaan. Hollannin moniäänisellä koululla oli suuri vaikutus Euroopan musiikkikulttuurin kehitykseen. Hollantilaisten säveltäjien kehittämät polyfonian periaatteet ovat yleistyneet ja monet taiteellisia tekniikoita 1900-luvun säveltäjät käyttivät tuotannossaan.

Ranska. Ranskalle XV-XVI-luvuista tuli tärkeiden muutosten aikakausi: Englannin kanssa käyty satavuotinen sota (1337-1453) päättyi XV vuosisadan loppuun mennessä. valtion yhdistäminen saatiin päätökseen; 1500-luvulla maassa käytiin uskonnollisia sotia katolilaisten ja protestanttien välillä. Vahvassa valtiossa, jossa vallitsi absoluuttinen monarkia, hovijuhlien ja kansanjuhlien rooli kasvoi. Tämä vaikutti taiteen, erityisesti musiikin, kehitykseen, joka seurasi tällaisia ​​toimia. Laulu- ja instrumentaaliyhtyeiden (kappelit ja konsortit), joissa esiintyi huomattava määrä esiintyjiä, määrä kasvoi. Sotilaskampanjoiden aikana Italiassa ranskalaiset tutustuivat saavutuksiin italialaista kulttuuria. He tunsivat syvästi ja hyväksyivät italialaisen renessanssin ideat - humanismin, halun harmoniaan ulkomaailman kanssa, elämästä nauttimiseen.

Jos Italiassa musiikillinen renessanssi yhdistettiin ensisijaisesti messuun, niin ranskalaiset säveltäjät kirkkomusiikkiin Erityistä huomiota omistettu maalliselle polyfoniselle laululle - chanson. Kiinnostus sitä kohtaan heräsi Ranskassa 1500-luvun ensimmäisellä puoliskolla, kun Clement Janequinin (noin 1485-1558) musiikkinäytelmien kokoelma julkaistiin. Juuri tätä säveltäjää pidetään yhtenä genren luojista.

Clement Janequinin (1475-1560) tärkeimmät kuoro-ohjelmateokset. Lapsena Janequin lauloi kirkkokuorossa kotikaupungissaan Châtellerault'ssa (Keski-Ranskassa). Jatkossa hän opiskeli musiikin historioitsijoiden mukaan hollantilaisen mestarin Josquin Despresen tai hänen lähipiirinsä säveltäjän luona. Saatuaan pappeuden Janequin työskenteli valtionhoitajana (kuoronjohtajana) ja urkurina; sitten Guisen herttua kutsui hänet palvelemaan. Vuonna 1555 muusikosta tuli kuninkaallisen kappelin laulaja ja vuosina 1556-1557. - kuninkaallisen hovin säveltäjä. Clement Janequin loi kaksisataakahdeksankymmentä chansonia (julkaistu vuosina 1530-1572); kirjoitti kirkkomusiikkia - messuja, motetteja, psalmeja. Hänen laulunsa olivat usein kuvallisia. Kuulijan mielen edessä on kuvia taistelusta ("Marignanon taistelu", "Rentin taistelu", "Metzin taistelu"), metsästyskohtauksia ("Metsästys"), luontokuvia ("Linnunlaulu", "Satakieli" ", "Lark" ), jokapäiväiset kohtaukset ("Naisten chatter"). Hämmästyttävän kirkas, säveltäjä onnistui välittämään Pariisin arjen tunnelman chansonissa "Pariisin huudot": hän toi tekstiin myyjien huudahdukset ("Maito!" - "Piirat!" - "Artisokat!" - " Kala!" - "Tulit!" - "Kyhkyset!" - "Vanhat kengät!" - "Viini!"). Janequin ei juuri käyttänyt pitkiä ja juoksevia teemoja yksittäisiin ääniin ja monimutkaisiin polyfonisiin laitteisiin, vaan suosi nimenhuutoa, toistoja ja onomatopoiaa.

Toinen ranskalaisen musiikin suunta liittyy yleiseurooppalaiseen uskonpuhdistusliikkeeseen.

Kirkollisissa jumalanpalveluksissa ranskalaiset protestantit (hugenotit) hylkäsivät latinan ja polyfonian. Pyhä musiikki sai avoimemman, demokraattisemman luonteen. Yksi tämän tunnetuimmista edustajista musiikillinen perinne Claude Goudimelista (1514–1520–1572) tuli psalmien kirjoittaja raamatullisiin teksteihin ja protestanttisiin lauluihin.

Chanson. Yksi ranskalaisen renessanssin tärkeimmistä musiikkilajeista on chanson (fr. chanson - "laulu"). Sen alkuperä on sisällä kansantaidetta(eepisten tarinoiden riimeilevät säkeet musiikkiin), keskiaikaisten trubaduurien ja trouveurien taiteessa. Sisällöltään ja tunnelmaltaan chanson saattoi olla hyvinkin monipuolinen - oli rakkauslauluja, arkipäiväisiä, leikkisä, satiirinen jne. Säveltäjät ottivat teksteinä kansanrunoja ja nykyrunoutta.

Italia. Renessanssin alkaessa Italiassa arkipäiväinen musiikki eri instrumenteilla levisi; musiikin ystävien piirit syntyivät. V ammattialalla muodostivat kaksi voimakkainta koulukuntaa: roomalaisen ja venetsialaisen.

Madrigal. Renessanssin aikana maallisten genrejen rooli kasvoi. XIV vuosisadalla. madrigal esiintyi italialaisessa musiikissa (myöhään latinalaisesta matricale - "laulu äidinkielellä"). Se muodostettiin kansanlaulujen (paimenen) perusteella. Madrigalit olivat kaksi- tai kolmiäänisiä kappaleita, usein ilman instrumentaalinen säestys. Ne kirjoitettiin modernien italialaisten runoilijoiden säkeisiin, jotka kertoivat rakkaudesta; siellä oli lauluja jokapäiväisistä ja mytologisista aiheista.

1400-luvulla säveltäjät eivät juurikaan kääntyneet tämän genren puoleen; kiinnostus sitä kohtaan heräsi uudelleen vasta 1500-luvulla. 1500-luvun madrigalille on ominaista musiikin ja runouden läheinen yhteys. Musiikki seurasi joustavasti tekstiä heijastaen runolähteessä kuvattuja tapahtumia. Ajan myötä kehittyi omituisia melodisia symboleja, jotka ilmaisivat helliä huokauksia, kyyneleitä jne. Joidenkin säveltäjien teoksissa symboliikka oli filosofista, esimerkiksi Gesualdo di Venosan madrigaalissa "Minä kuolen, onneton" (1611).

Genren kukoistusaika osuu XVI-XVII vuosisadan vaihteeseen. Joskus samaan aikaan kappaleen esityksen kanssa sen juoni toistettiin. Madrigalista tuli perusta madrigal-komedialle (komedianäytelmän tekstiin perustuva kuorosävellys), joka valmisteli oopperan ulkoasun.

Roomalainen moniääninen koulu. Giovanni de Palestrina (1525-1594). Roomalaisen koulun johtaja oli Giovanni Pierluigi da Palestrina, yksi renessanssin suurimmista säveltäjistä. Hän syntyi Italiassa Palestrinan kaupungissa, jonka jälkeen hän sai sukunimensä. Lapsuudesta lähtien Palestrina lauloi kirkon kuorossa, ja aikuisikään tultuaan hänet kutsuttiin yhtyeenjohtajaksi (kuoronjohtajaksi) Pietarinkirkolle Roomaan; palveli myöhemmin Sikstuksen kappeli(paavin hovikappeli).

Rooma, katolisuuden keskus, houkutteli monia johtavia muusikoita. Eri aikoina täällä työskentelivät hollantilaiset polyfoniset mestarit Guillaume Dufay ja Josquin Despres. Heidän kehittämänsä sävellystekniikkansa häiritsi toisinaan palveluksen tekstin havaitsemista: se katosi hienon äänilangan taakse ja sanat eivät itse asiassa olleet kuultavissa. Siksi kirkon viranomaiset olivat varovaisia ​​​​tällaisten teosten suhteen ja kannattivat gregoriaaniseen lauluun perustuvan monofonian palauttamista. Kysymystä polyfonian hyväksyttävyydestä kirkkomusiikissa käsiteltiin jopa katolisen kirkon Trenton kirkolliskokouksessa (1545-1563). Lähellä paavia Palestrina vakuutti kirkon johtajat mahdollisuudesta luoda teoksia, joissa säveltäjän tekniikka ei häiritsisi tekstin ymmärtämistä. Todisteena hän sävelsi "Papa Marcellon messun" (1555), jossa yhdistyvät monimutkainen moniäänisyys ja jokaisen sanan selkeä ja ilmeikäs soundi. Siten muusikko "pelasti" ammattimaisen polyfonisen musiikin kirkon viranomaisten vainolta. Vuonna 1577 säveltäjä kutsuttiin keskustelemaan asteittaisen katolisen kirkon pyhien laulujen kokoelman uudistamisesta. 80-luvulla. Palestrina otti pyhät käskyt, ja vuonna 1584 hänestä tuli Music Masters -yhdistyksen jäsen - muusikoiden yhdistys, joka oli suoraan paavin alaisuudessa.

Palestrinan työ on täynnä kirkasta maailmankuvaa. Hänen luomansa teokset hämmästyttivät aikalaisia ​​sekä korkeimmalla taidolla että määrällä (yli sata messua, kolmesataa motettia, sata madrigaalia). Musiikin monimutkaisuus ei ole koskaan ollut esteenä sen käsitykselle. Säveltäjä tiesi kuinka löytää kultainen keskitie sävellysten hienostuneisuuden ja kuulijan ulottuvuuden välillä. Palestrina näki päätehtävänä kokonaisvaltaisen suuren teoksen kehittämisessä. Jokainen ääni hänen lauluissaan kehittyy itsenäisesti, mutta samalla muodostaa yhtenäisen kokonaisuuden muiden kanssa, ja usein äänet muodostavat kauneudeltaan silmiinpistäviä sointuyhdistelmiä. Usein ylemmän äänen melodia näyttää nousevan muiden yläpuolelle, hahmottaen polyfonian "kupolin"; kaikki äänet ovat sileitä ja kehittyneitä.

Seuraavan sukupolven muusikot pitivät Giovanni da Palestrinan taidetta esimerkillisenä ja klassisena. Monet ovat oppineet hänen kirjoituksistaan. erinomaisia ​​säveltäjiä XVII-VIII vuosisatoja

Toinen renessanssin musiikin suunta liittyy venetsialaisen koulukunnan säveltäjien työhön, jonka perustaja oli Adrian Villaart (noin 1485-1562). Hänen oppilaitaan olivat urkuri ja säveltäjä Andrea Gabrieli (1500-1520 - vuoden 1586 jälkeen), säveltäjä Cyprian de Pope (1515 tai 1516-1565) ja muita muusikoita. Jos Palestrinan teoksille on ominaista selkeys ja tiukka pidättyvyys, niin Willart ja hänen seuraajansa kehittivät upean kuorotyylin. Surround-äänen, sointisoiton saavuttamiseksi he käyttivät sävellyksessä useita kuoroja, jotka sijaitsevat temppelin eri paikoissa. Nimenhuutojen käyttö kuorojen välillä mahdollisti kirkon tilan täyttämisen ennennäkemättömillä tehosteilla. Tämä lähestymistapa heijasteli myös aikakauden humanistisia ihanteita kokonaisuutena - iloisuudellaan, vapaudellaan ja itse venetsialaisella hengellä. taiteellista perinnettä- hänen halunsa kaikkeen kirkkaaseen ja epätavalliseen. Venetsialaisten mestareiden työssä tuli monimutkaisempi ja musiikillinen kieli: se oli täynnä rohkeita sointuyhdistelmiä, odottamattomia harmonioita.

Renessanssin silmiinpistävä hahmo oli Carlo Gesualdo di Venosa (noin 1560-1613), Venosan kaupungin prinssi, yksi maallisen madrigalin suurimmista mestareista. Hän saavutti mainetta hyväntekijänä, luutun soittajana ja säveltäjänä. Prinssi Gesualdo oli ystäviä italialaisen runoilijan Torquato Tasson kanssa; Jäljelle jäi mielenkiintoisimmat kirjeet, joissa molemmat taiteilijat keskustelevat kirjallisuudesta, musiikista ja kuvataiteesta. Gesualdo di Venosa sävelsi monet Tasson runoista – näin syntyi joukko erittäin taiteellisia madrigaaleja. Myöhäisrenessanssin edustajana säveltäjä kehitti uudentyyppisen madrigalin, jossa tunteet olivat etusijalla - myrskyisiä ja arvaamattomia. Siksi hänen teoksiinsa ovat ominaisia ​​äänenvoimakkuuden vaihtelut, huokauksia ja jopa nyyhkytystä muistuttavat intonaatiot, teräväääniset soinnut ja vastakkaiset tempon vaihtelut. Nämä tekniikat antoivat Gesualdon musiikille ilmeisen, hieman omituisen luonteen, se iski ja samalla veti puoleensa aikalaisia. Gesualdo di Venosan perintö koostuu seitsemästä moniäänisten madrigalien kokoelmasta; henkisten sävellysten joukossa - "Pyhät hymnit". Nykyäänkään hänen musiikkinsa ei jätä kuuntelijaa välinpitämättömäksi.

Genrejen ja muotojen kehitys instrumentaalinen musiikki. Instrumentaalimusiikkia leimaa myös uusien genrejen ilmaantuminen, erityisesti instrumentaalikonsertto. Viulu, cembalo ja urut muuttuivat vähitellen soolosoittimiksi. Heille kirjoitettu musiikki mahdollisti lahjakkuuden näyttämisen paitsi säveltäjälle myös esiintyjälle. Ensinnäkin arvostettiin virtuositeettia (kykyä selviytyä teknisistä vaikeuksista), josta tuli vähitellen itsetarkoitus ja taiteellista arvoa monille muusikoille. 1600-1700-luvun säveltäjät eivät yleensä vain säveltäneet musiikkia, vaan myös soittivat taitavasti soittimia, opiskelivat pedagogista toimintaa. Taiteilijan hyvinvointi riippui pitkälti tietystä asiakkaasta. Pääsääntöisesti jokainen vakava muusikko halusi saada paikan joko monarkin tai varakkaan aristokraatin hovissa (monilla aateliston edustajilla oli omat orkesterit tai oopperatalot) tai temppelissä. Lisäksi useimmat säveltäjät yhdistivät helposti kirkon musiikin tekemisen maallisen suojelijan palvelukseen.

Englanti. Englannin kulttuurielämä renessanssin aikana liittyi läheisesti uskonpuhdistukseen. 1500-luvulla protestantismi levisi koko maahan. Katolinen kirkko menetti hallitsevan asemansa, anglikaanisesta kirkosta tuli valtio, joka kieltäytyi tunnustamasta joitain katolisuuden dogmeja (perussäännöksiä); suurin osa luostareista lakkasi olemasta. Nämä tapahtumat vaikuttivat englantilaiseen kulttuuriin, mukaan lukien musiikkiin. Musiikkiosastot avattiin Oxfordin ja Cambridgen yliopistoihin. Aateliston salongissa soittivat kosketinsoittimet: neitsyt (eräänlainen cembalo), kannettavat (pienet) urut jne. Kotimusiikin soittamiseen tarkoitetut pienet sävellykset olivat suosittuja. Sen ajan musiikkikulttuurin näkyvin edustaja oli William Byrd (1543 tai 1544-1623) - musiikin kustantaja, urkuri ja säveltäjä. Birdista tuli englantilaisen madrigalin esi-isä. Hänen teoksensa ovat tunnettuja yksinkertaisuudestaan ​​(hän ​​vältti monimutkaisia ​​polyfonisia laitteita), tekstiä seuraavan muodon omaperäisyydestä ja harmonisesta vapaudesta. Kaikilla musiikillisilla keinoilla on tarkoitus vahvistaa elämän kauneutta ja iloa, toisin kuin keskiaikainen ankaruus ja pidättyvyys. Madrigal-genressä säveltäjällä oli monia seuraajia.

Bird loi myös henkisiä teoksia (messuja, psalmeja) ja instrumentaalimusiikkia. Neitsytlauluissa hän käytti kansanlaulujen ja tanssien motiiveja.

Säveltäjä todella halusi kirjoittamansa musiikin "onnellisen sisältävän ainakin vähän hellyyttä, rentoutumista ja viihdettä", William Byrd kirjoitti esipuheessaan yhden musiikkikokoelmansa.

Saksa. Saksalaisen musiikkikulttuurin yhteys uskonpuhdistusliikkeeseen. 1500-luvulla Saksassa alkoi uskonpuhdistus, joka muutti merkittävästi maan uskonnollista ja kulttuurista elämää. Uskonpuhdistajat olivat vakuuttuneita tarpeesta muuttaa jumalanpalveluksen musiikillista sisältöä. Tämä johtui kahdesta syystä. XV vuosisadan puoliväliin mennessä. kirkkomusiikin genreissä toimineiden säveltäjien moniäänisyys saavutti poikkeuksellisen monimutkaisuuden ja hienostuneisuuden. Joskus syntyi teoksia, joita äänten melodisen rikkauden ja pitkien laulujen vuoksi suurin osa seurakuntalaisista ei voinut havaita ja kokea henkisesti. Lisäksi jumalanpalvelus pidettiin latinaksi, italialaisten ymmärrettävää, mutta saksalaisille vierasta.

Uskonpuhdistusliikkeen perustaja Martti Luther (1483-1546) uskoi, että kirkkomusiikin uudistus oli tarpeen. Ensinnäkin musiikin pitäisi edistää seurakunnan jäsenten aktiivisempaa osallistumista jumalanpalvelukseen (tämä oli mahdotonta moniäänisiä sävellyksiä esitettäessä) ja toiseksi herättää empatiaa raamatullisia tapahtumia kohtaan (mitä esti jumalanpalveluksen suorittaminen latinaksi). Niinpä kirkkolaululle asetettiin seuraavat vaatimukset: melodian yksinkertaisuus ja selkeys, tasainen rytmi ja selkeä laulamisen muoto. Tältä pohjalta syntyi protestanttinen laulu - päägenre Saksan renessanssin kirkkomusiikkia. Vuonna 1522 Luther käänsi Uuden testamentin saksaksi - tästä lähtien jumalanpalvelus tuli mahdolliseksi äidinkielellä.

Luther itse sekä hänen ystävänsä, saksalainen musiikkiteoreetikko Johann Walter (1490-1570) osallistuivat aktiivisesti koraalien melodioiden valintaan. Tällaisten melodioiden päälähteet olivat kansanmusiikin henkiset ja maalliset laulut - laajalti tunnetut ja helposti ymmärrettävät. Melodiat joihinkin Lutherin itse säveltämiin koraaleihin. Yksi niistä, "Herra on kalliomme", tuli uskonpuhdistuksen symboliksi 1500-luvun uskonnollisissa sodissa.

Meistersingers ja heidän taiteensa. Toinen kirkas sivu renessanssin saksalaisesta musiikista liittyy Meistersingerien (saksa: Meistersinger - "mestarilaulaja") - runoilijoiden ja laulajien työhön käsityöläisten ympäristöstä. He eivät olleet ammattimuusikoita, vaan ennen kaikkea mestareita - aseseppät, räätälit, lasittajat, suutarit, leipurit jne. Tällaisten muusikoiden kaupunkiliittoon kuului erilaisten käsitöiden edustajia. 1500-luvulla Meistersinger-yhdistykset olivat olemassa monissa Saksan kaupungeissa.

Meistersingers sävelsi kappaleensa tiukkojen sääntöjen mukaan, luovaa aloitetta rajoittivat monet rajoitukset. Aloittelijan täytyi ensin hallita nämä säännöt, sitten opetella laulamaan kappaleita, sitten säveltämään sanoituksia muiden melodioihin ja vasta sitten hän saattoi luoda oma biisi. Kuuluisten Meistersingerien ja Minnesingerien sävelmiä pidettiin näytemelodioina.

1500-luvun erinomainen mestarilaulaja. Hans Sachs (1494-1576) oli kotoisin räätälin perheestä, mutta nuoruudessaan hän jätti vanhempainkodin ja matkusti ympäri Saksaa. Vaelluksensa aikana nuori mies oppi suutarin ammatin, mutta mikä tärkeintä, hän tutustui kansantaiteeseen. Sachs oli hyvin koulutettu, tunsi antiikin ja keskiajan kirjallisuuden erittäin hyvin, luki Raamattua sisään saksankielinen käännös. Hän oli syvästi imeytynyt uskonpuhdistuksen ajatuksiin, joten hän kirjoitti ei vain maallisia, vaan myös hengellisiä lauluja (yhteensä noin kuusi tuhatta laulua). Hans Sachs tuli tunnetuksi myös näytelmäkirjailijana (katso artikkeli "Renessanssin teatteritaide").

Renessanssin soittimet. Renessanssin aikana soittimien koostumus laajeni merkittävästi, jo olemassa oleviin jousiin ja puhallinsoittimiin lisättiin uusia lajikkeita. Heidän joukossaan erityinen paikka on alttoviuluilla - jousijousiperheellä, joka hämmästyttää äänen kauneudella ja jaloudella. Ne muistuttavat muodoltaan modernin viuluperheen soittimia (viulu, alttoviulu, sello) ja niitä pidetään jopa välittöminä edeltäjiään (musiikkikäytännössä ne esiintyivät rinnakkain 1700-luvun puoliväliin asti). Siinä on kuitenkin ero, ja se on merkittävä. Altoviuluissa on resonoivien kielten järjestelmä; niitä on yleensä yhtä monta kuin tärkeimpiä (kuudesta seitsemään). Resonoivien kielten värähtelyt saavat alttoviulun kuulostamaan pehmeältä, samettiselta, mutta soitinta on vaikea käyttää orkesterissa, koska kielten suuresta määrästä johtuen se karkaa nopeasti vireestä.

Pitkään aikaan alttoviulun ääntä pidettiin musiikin hienostuneisuuden mallina. Viola-perheessä on kolme päätyyppiä. Viola da gamba on suuri soitin, jonka esiintyjä asetti pystysuoraan ja puristi sivuilta jaloillaan (italialainen sana gamba tarkoittaa polvea). Kaksi muuta lajiketta - viola da braccio (sanasta braccio - "kyynärvarsi") ja viol d "amour (fr. viole d" amour - "rakkauden alttoviulu") oli suunnattu vaakasuoraan, ja kun niitä soitettiin, ne painettiin olkapäätä vasten. Viola da gamba on soundiltaan lähellä selloa, viola da braccio on lähellä viulua ja viol d'amour on lähellä alttoviulua.

Joukossa kynitty soittimia Renessanssin pääpaikka on luuttu (puolan lutnia, arabiasta "alud" - "puu"). Se tuli Eurooppaan Lähi-idästä 1300-luvun lopulla, ja 1500-luvun alkuun mennessä tälle instrumentille oli valtava ohjelmisto; Ensin laulettiin lauluja luutun säestyksellä. Luutulla on lyhyt runko; yläosa litteä ja alempi muistuttaa pallonpuoliskoa. Leveään kaulaan on kiinnitetty nauhoilla jaettu kaula ja instrumentin pää on taivutettu taakse lähes suorassa kulmassa. Halutessasi voit nähdä luutun muotoisen kulhon muistutuksen. Kaksitoista kieltä on ryhmitelty pareittain, ja ääni erotetaan sekä sormilla että erityisellä levyllä - plectrumilla.

XV-XVI vuosisatojen aikana syntyi erilaisia ​​näppäimistöjä. Tällaisten instrumenttien päätyyppejä - cembalo, klavikordi, cembalo, neitsyt - käytettiin aktiivisesti renessanssin musiikissa, mutta niiden todellinen kukoistus tuli myöhemmin.

Historioitsija Jules Michelet käytti 1800-luvulla ensimmäisenä "renessanssin" käsitettä. Artikkelissa käsiteltävät muusikot ja säveltäjät kuuluivat XIV-luvulla alkaneeseen ajanjaksoon, jolloin kirkon keskiaikainen valta korvattiin maallista kulttuuria kiinnostuksensa ihmispersoonaa kohtaan.

Renessanssin musiikki

Euroopan maat astuivat eri aikoina uuteen aikakauteen. Hieman aikaisemmin ne syntyivät Italiasta, mutta hollantilainen koulukunta hallitsi musiikkikulttuuria, jossa ensimmäistä kertaa katedraaleihin luotiin erityisiä metrioita (suojia) tulevien säveltäjien kouluttamiseksi. Tuon ajan päätyylilajit on esitetty taulukossa:

Suurin osa renessanssista Alankomaissa - tämä on Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Suuri hollantilainen

Johannes Okegem Hän sai koulutuksen Notre Dame Metrisassa (Antwerpenissä), ja 1400-luvun 40-luvulla hänestä tuli kuorolainen herttua Charles I:n (Ranska) hovissa. Myöhemmin hän johti kuninkaallisen hovin kappelia. Eläessään kypsään vanhuuteen hän jätti suuren perinnön kaikissa genreissä vakiinnuttuaan erinomaisena polyfonistina. Hänen 13 messunsa, nimeltään Chigi codex, käsikirjoitukset ovat tulleet meille, joista yksi on maalattu 8 äänelle. Hän ei käyttänyt vain muiden, vaan myös omia melodioitaan.

Orlando Lasso syntyi modernin Belgian (Mons) alueella vuonna 1532. Hänen musiikillinen kyky ilmestyi varhaislapsuudessa. Poika siepattiin kotoa kolme kertaa, jotta hänestä tuli loistava muusikko. Hän vietti koko aikuisikänsä Baijerissa, jossa hän esiintyi tenorina herttua Albrecht V:n hovissa ja johti sitten kappelia. Hänen erittäin ammattitaitoinen tiiminsä vaikutti Münchenin muuttamiseen Euroopan musiikilliseksi keskukseksi, jossa monet kuuluisia säveltäjiä renessanssi.

Sellaiset kyvyt kuin Johann Eckard, Leonard Lechner, italialainen D. Gabrieli tulivat opiskelemaan hänen luokseen . Hän löysi viimeisen lepopaikkansa vuonna 1594 Münchenin kirkon alueelta jättäen jälkeensä suurenmoisen perinnön: yli 750 motettia, 60 messua ja satoja lauluja, joista suosituin oli Susanne un jour. Hänen motettinsa ("Sibylien ennustukset") olivat innovatiivisia, mutta hänet tunnetaan myös maallisesta musiikistaan, jossa oli paljon huumoria (vilanella O bella fusa).

italialainen koulu

Erinomaiset italialaiset renessanssin säveltäjät kehittivät perinteisten tyylien lisäksi aktiivisesti instrumentaalimusiikkia (urut, kielisoittimia, clavier). Luutista tuli yleisin soitin, ja 1400-luvun lopulla ilmestyi pianon edelläkävijä, cembalo. Kansanmusiikin elementtien pohjalta kehittyi kaksi vaikutusvaltaisinta säveltäjäkoulua: roomalainen (Giovanni Palestrina) ja venetsialainen (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi otti nimen Palestrina Rooman lähellä sijaitsevan kaupungin nimellä, jossa hän syntyi ja jossa hän palveli pääkirkko kuorojohtaja ja urkuri. Hänen syntymäaikansa on hyvin likimääräinen, mutta hän kuoli vuonna 1594. Pitkän elämänsä aikana hän kirjoitti noin 100 messua ja 200 motettia. Paavi Pius IV ihaili hänen "Paavi Marcellus-messuaan", ja siitä tuli katolisen pyhän musiikin malli. Giovanni on vokaalilaulun kirkkain edustaja ilman säestystä.

Andrea Gabrieli Giovanni työskenteli yhdessä oppilaansa ja veljenpoikansa kanssa Pyhän Markuksen kappelissa (XVI vuosisata) ja "värjäsi" kuoron laulua urkujen ja muiden soittimien soinnilla. Venetsialainen koulukunta painottui enemmän maalliseen musiikkiin, ja Sophokleen Oidipuksen tuotannossa Andrea Gabrielin näyttämöllä kirjoitettiin kuoromusiikkia, esimerkkiä kuoropolyfoniasta ja oopperataiteen tulevaisuuden ennustaja.

Saksalaisen koulun piirteet

Saksan maa esille Ludwig Senfl 1500-luvun paras polyfonisti, joka ei kuitenkaan saavuttanut hollantilaisten mestareiden tasoa. Myös käsityöläisten (meisterlaulajien) runoilija-laulajalaulut ovat renessanssin erikoismusiikkia. Saksalaiset säveltäjät edustivat lauluyrityksiä: tinaseppiä, suutarit, kutojat. He yhdistyivät koko alueella. Nürnbergin laulukoulun erinomainen edustaja oli Hans Sachs(elinvuodet: 1494-1576).

Hän syntyi räätälin perheeseen, ja hän työskenteli koko ikänsä suutarina, joka herätti eruditionsa sekä musiikillisia ja kirjallisia kiinnostuksen kohteitaan. Hän luki Raamattua suuren uskonpuhdistajan Lutherin tulkinnassa, tunsi muinaisia ​​runoilijoita ja arvosti Boccaccioa. Kansanmuusikkona Sachs ei hallinnut polyfonian muotoja, vaan loi lauluvaraston melodioita. Ne olivat lähellä tanssia, helppo muistaa ja niillä oli tietty rytmi. Useimmat kuuluisa teos oli "Silver Chant".

Renessanssi: Ranskan muusikot ja säveltäjät

Ranskan musiikkikulttuuri koki todellisen renessanssin vasta 1500-luvulla, kun maassa valmisteltiin sosiaalista maaperää.

Yksi parhaista edustajista on Clement Janequin. Tiedetään, että hän syntyi Chatelleraultissa (1400-luvun lopulla) ja hänestä tuli laulava poika kuninkaan henkilökohtaiseksi säveltäjäksi. Hänen luovasta perinnöstään on säilynyt vain Attenyanin julkaisemat maalliset laulut. Niitä on 260, mutta ajan kokeen kestäneet ovat saaneet todellista mainetta: "Linnunlaulu", "Metsästys", "Lark", "Sota", "Pariisin huudot". Muut kirjailijat painostivat niitä jatkuvasti uudelleen ja käyttivät niitä tarkistamiseen.

Hänen laulunsa olivat moniäänisiä ja muistuttivat kuorokohtauksia, joissa onomatopoeian ja cantilena-äänityksen lisäksi kuului teoksen dynamiikasta vaikuttavia huudahduksia. Se oli rohkea yritys löytää uusia kuvantamismenetelmiä.

Joukossa kuuluisia säveltäjiä Ranska - Guillaume Cotelet, Jacques Maudui, Jean Baif, Claudin Lejeune, Claude Goudimel , antoi musiikille harmonisen varaston, mikä vaikutti suuren yleisön musiikin omaksumiseen.

Renessanssin säveltäjät: Englanti

Englannin 1400-luvulla vaikuttivat teokset John Dubsteil ja XVI - William Byrd. Molemmat mestarit kiinnostivat pyhää musiikkia. Bird aloitti urkurina Lincolnin katedraalissa ja päätti uransa Royal Chapelissa Lontoossa. Ensimmäistä kertaa hän onnistui yhdistämään musiikin ja yrittäjyyden. Vuonna 1575 säveltäjästä tuli yhteistyössä Talliksen kanssa monopoli musiikkiteosten julkaisemisessa, mikä ei tuonut hänelle voittoa. Mutta heidän omistusoikeutensa puolustaminen tuomioistuimissa vei paljon aikaa. Hänen kuolemansa jälkeen (1623) häntä kutsuttiin kappelin virallisissa asiakirjoissa "musiikin perustajaksi".

Mitä renessanssi jätti jälkeensä? Bird piti julkaistujen kokoelmien (Cantiones Sacrae, Gradualia) lisäksi monia käsikirjoituksia, katsoen ne soveltuviksi vain kotipalvontaan. Myöhemmin julkaistut madrigaalit (Musica Transalpina) osoittivat italialaisten kirjailijoiden suurta vaikutusta, mutta useita messuja ja motetteja sisältyi pyhän musiikin kultarahastoon.

Espanja: Cristobal de Morales

Espanjalaisen musiikkikoulun parhaat edustajat matkustivat Vatikaanin läpi esiintyen paavin kappelissa. He tunsivat hollantilaisten ja italialaisten kirjailijoiden vaikutuksen, joten vain harvat onnistuivat tulemaan kuuluisiksi maansa ulkopuolella. Espanjalaiset renessanssin säveltäjät olivat luovia polyfonisteja kuoroteoksia. Kirkkain edustaja Cristobal de Morales(XVI vuosisata), joka johti metrisiä Toledossa ja koulutti useamman kuin yhden opiskelijan. Josquin Despresin seuraaja Cristobal toi erikoistekniikan useisiin homofonisiksi kutsuttuihin sävelluksiin.

Kirjoittajan kaksi requiemiä (viimeinen viidelle äänelle) sekä messu "Armed Man" saivat suurimman mainetta. Hän kirjoitti myös maallisia teoksia (kantaatti rauhansopimuksen solmimisen kunniaksi vuonna 1538), mutta tämä koskee hänen enemmän varhaisia ​​töitä. Hän johti elämänsä lopussa kappelia Malagassa ja pysyi pyhän musiikin kirjoittajana.

Päätelmän sijaan

Renessanssin säveltäjät ja heidän teoksensa valmistelivat 1600-luvun instrumentaalimusiikin kukoistamista ja uuden genren - oopperan - syntymistä, jossa monien äänien monimutkaisuus korvataan päämelodian johtavan ensisijaisuudella. He tekivät todellisen läpimurron musiikillisen kulttuurin kehityksessä ja loivat perustan modernille taiteelle.

Tiivistelmä: Renessanssin musiikki

LIITTOVALTION KOULUTUSVIRASTO

SEI HPE "Mari State University"

Peruskoulun tiedekunta

Erikoisuus: 050708

"Pedagogia ja perusopetuksen menetelmät"

Osasto: "Alusasteen pedagogiikka"

Testata

"Renessanssin musiikki"

Joškar-Ola 2010

Renessanssin (renessanssin) aikakausi on kaikentyyppisten taiteiden kukoistusaika ja niiden hahmojen vetovoima muinaisiin perinteisiin ja muotoihin.

Renessanssilla on epätasaiset historialliset ja kronologiset rajat Euroopan eri maissa. Italiassa se alkaa 1300-luvulla, Alankomaissa se alkaa 1400-luvulla, ja Ranskassa, Saksassa ja Englannissa sen merkit näkyvät selkeimmin 1500-luvulla. Samalla eri luovien koulujen välisten siteiden kehittyminen, maasta maahan muuttaneiden, eri kappeleissa työskennelleiden muusikoiden kokemusten vaihto on muodostumassa ajan merkkinä ja mahdollistaa puhumisen yhteisistä trendeistä. koko aikakausi.

Renessanssin taiteellinen kulttuuri on tieteeseen perustuva henkilökohtainen alku. 1400-1500-luvun polyfonistien epätavallisen monimutkainen taito, heidän virtuoositekniikkansa tuli toimeen kirkasta taidetta jokapäiväiset tanssit, maallisten genrejen hienostuneisuus. Lyyrinen dramaattisuus saa yhä enemmän ilmaisua hänen teoksissaan.

Joten, kuten näemme, renessanssikausi on vaikea ajanjakso musiikkitaiteen kehityksen historiassa, joten näyttää järkevältä tarkastella sitä yksityiskohtaisemmin kiinnittäen samalla asianmukaista huomiota yksittäisiin persoonallisuuksiin.

Musiikki on ainoa maailmankieli, sitä ei tarvitse kääntää, sielu puhuu sielulle siinä.

Averbakh Berthold.

Renessanssimusiikki tai renessanssimusiikki viittaa eurooppalaisen musiikin kehitysvaiheeseen noin vuosien 1400 ja 1600 välillä. Italiassa musiikkitaiteen uusi aikakausi alkoi XIV-luvulla. Hollantilainen koulu muotoutui ja saavutti ensimmäiset huippunsa 1400-luvulla, minkä jälkeen sen kehitys laajeni, ja vaikutus vallitsi tavalla tai toisella muiden kansallisten koulujen mestarit. Renessanssin merkit ilmenivät selvästi Ranskassa 1500-luvulla, vaikka sen luovia saavutuksia olivat suuria ja kiistattomia jopa aiempina vuosisatoina.

TO XVI vuosisadalla viittaa taiteen nousuun Saksassa, Englannissa ja joissakin muissa renessanssin kiertoradalla mukana olevissa maissa. Ja kuitenkin ajan mittaan uusi luova liike tuli ratkaisevaksi koko Länsi-Euroopalle ja vastasi omalla tavallaan Itä-Euroopan maissa.

Renessanssin musiikki osoittautui täysin vieraaksi karkeille ja ankarille äänille. Harmonian lait muodostivat sen pääolemuksen.

Johtopaikka oli edelleen varattuna henkistä musiikkia, soi jumalanpalveluksen aikana. Renessanssin aikana hän säilytti keskiaikaisen musiikin pääteemoja: ylistystä Herralle ja maailman Luojalle, pyhyyttä ja uskonnollisen tunteen puhtautta. Tällaisen musiikin päätavoite, kuten yksi sen teoreetikoista sanoi, on "miellyttää Jumalaa".

Messut, motettit, hymnit ja psalmit muodostivat musiikillisen kulttuurin perustan.

Messu - musiikillinen sävellys, joka on kokoelma latinalaisen rituaalin katolisen liturgian osia, joiden tekstit on sävelletty yksi- tai moniääniseen lauluun, soittimien kanssa tai ilman, roomalaiskatolisen kirkon juhlallisen jumalanpalveluksen musiikilliseen säestykseen ja korkea- protestanttiset protestanttiset kirkot, esimerkiksi Ruotsin kirkossa.

Musiikillisesti arvokkaita messuja esitetään myös jumalanpalveluksen ulkopuolella konserteissa, ja monet myöhempien aikojen messut on sävelletty erityisesti joko esitykseen konserttisali tai minkä tahansa juhlan yhteydessä.

Kirkkomessu, joka palaa gregoriaanisen laulun perinteisiin melodioihin, ilmaisi selkeimmin musiikillisen kulttuurin olemuksen. Kuten keskiajalla, massa koostui viidestä osasta, mutta nyt siitä on tullut majesteettisempi ja laajempi. Maailma ei enää näyttänyt ihmisestä niin pieneltä ja havaittavalta. Tavallista elämää maallisineen iloineen on jo lakattu pitämästä syntisenä.

Motetti (fr. motetti alkaen mot- sana) - polyfonisen varaston vokaalipolyfoninen teos, yksi keskeisistä tyylilajeista Länsi-Euroopan keskiajan ja renessanssin musiikissa.

Hymni (antiikin Kreikan ὕμνος) on juhlallinen laulu, jossa ylistetään ja ylistetään jotakuta tai jotain (alun perin jumaluutta).

Psalmi (kreikaksi ψαλμός "ylistyslaulu"), r.p. psalmi, pl. psalmit (kreikaksi ψαλμοί) ovat juutalaisen (heprea תהילים‎) ja kristillisen uskonnollisen runouden ja rukouksen (Vanhasta testamentista) hymnejä.

Ne muodostavat Psalterin, Vanhan testamentin 19. kirjan. Psalmien kirjoittaja on perinteisesti liitetty kuningas Daavidille (noin 1000 eKr.) ja useille muille kirjoittajille, mukaan lukien Abrahamille, Moosekselle ja muille legendaarisille henkilöille.

Yhteensä psalteri sisältää 150 psalmia, jotka on jaettu rukouksiin, ylistyksiin, lauluihin ja opetuksiin.

Psalmeilla on ollut valtava vaikutus kansanperinteeseen, ja ne ovat olleet monien sananlaskujen lähde. Juutalaisuudessa psalmeja laulettiin laulujen muodossa säestyksen kanssa. Jokaisella psalmilla ilmoitettiin pääsääntöisesti esitystapa ja "malli" (gregoriaanisessa laulussa nimeltä intonaatio), eli vastaava sävelmä. Psalteri on ottanut tärkeän paikan kristinuskossa. Psalmeja laulettiin jumalanpalveluksissa, kotirukouksissa, ennen taistelua ja muodostelmissa liikuttaessa. Aluksi niitä lauloi koko seurakunnan yhteisö. Psalmeja laulettiin a cappella, vain kotona soittimien käyttö oli sallittua. Esityksen tyyppi oli resitatiivi-psalmodinen. Kokonaisten psalmien lisäksi niistä käytettiin myös yksittäisiä, ilmeisimpiä säkeitä. Tältä pohjalta syntyi itsenäisiä lauluja - antifonia, asteittaista, polkua ja hallelujaa.

Vähitellen maalliset suuntaukset alkoivat tunkeutua kirkon säveltäjien teoksiin. Kansanlaulujen teemoja, jotka eivät ole sisällöltään lainkaan uskonnollisia, tuodaan rohkeasti kirkkolaulujen moniääniseen kankaaseen. Mutta nyt se ei ollut ristiriidassa aikakauden yleisen hengen ja tunnelmien kanssa. Päinvastoin, musiikissa jumalallinen ja inhimillinen yhdistyivät hämmästyttävällä tavalla.

Pyhä musiikki saavutti huippunsa 1400-luvulla. Alankomaissa. Täällä musiikkia arvostettiin enemmän kuin muita taiteen muotoja. Hollantilaiset ja flaamilaiset säveltäjät olivat uusien sääntöjen edelläkävijöitä polyfoninen(polyfoninen) esitys - klassikko " tiukka tyyli". Tärkein sävellystekniikka Hollannista tuli mestareita jäljitelmä- saman melodian toisto eri äänillä. Johtava ääni oli tenori, jolle uskottiin tärkein toistuva melodia - cantus firmus ("muuttumaton melodia"). Basso soi tenorin alapuolella ja altto yläpuolella. Korkein, eli kaiken yläpuolella kohoava, ääni kutsuttiin sopraano.

Matemaattisten laskelmien avulla hollantilaiset ja flaamilaiset säveltäjät onnistuivat laskemaan kaavan musiikillisten intervallien yhdistämiseksi. päätavoite sävellyksestä tulee hoikka, symmetrinen ja suurenmoinen, sisäisesti täydellinen äänirakennelma. Yksi tämän koulukunnan kirkkaimmista edustajista Johannes Okeghem (n. 1425-1497) sävelsi matemaattisten laskelmien perusteella motetin 36 äänelle!

Okeghemin teoksissa ovat edustettuina kaikki hollantilaiselle koulukunnalle tyypilliset genret: messu, motetti ja chanson. Hänelle tärkein genre on messu, hän osoitti olevansa erinomainen polyfonisti. Okeghemin musiikki on erittäin dynaamista, melodinen linja liikkuu laajalla alueella, sillä on laaja amplitudi. Samaan aikaan Okeghemille on ominaista tasainen intonaatio, puhtain diatoninen ja ikivanha modaalinen ajattelu. Siksi Okeghemin musiikkia luonnehditaan usein "äärettömyyteen suunnatuksi", "kelluvaksi" hieman irrallaan kuvaavassa ympäristössä. Se liittyy vähemmän tekstiin, runsas laulu, improvisatiivinen, ilmeikäs.

Hyvin harvat Okeghemin kirjoitukset ovat säilyneet:

noin 14 massaa (11 kokonaan):

Requiem Missa pro Defunctis (maailmanhistorian ensimmäinen moniääninen requiem musiikkikirjallisuus);

9-13 (eri lähteiden mukaan) motettit:

yli 20 sansonia

On monia teoksia, joiden omistus Okegemin on kyseenalaistettu, muun muassa kuuluisa motetti "Deo gratias" 36 äänelle. Jotkut nimettömät chansonit on katsottu Okegemiksi tyylin samankaltaisuuden perusteella.

Okeghemin kolmetoista massaa on säilytetty 1400-luvun käsikirjoituksessa, joka tunnetaan nimellä Chigi-koodeksi.

Massoista vallitsevat neliosaiset massat, kaksi viisiosaista ja yksi kahdeksanosainen massa. Messujen teemoina Ockeghem käyttää kansanmusiikkia ("L'homme armé"), omia ("Ma maistresse") tai muiden tekijöiden melodioita (esim. Benchois "De plus en plus" -kirjassa). On messuja ilman lainattuja teemoja ("Quinti toni", "Sine nomine", "Cujusvis toni").

Motettit ja chanson

Okeghemin motettit ja chanson ovat suoraan hänen massansa vieressä ja eroavat niistä pääasiassa mittakaavaltaan. Motettien joukossa on loistavia, juhlavia teoksia sekä tiukempia henkisiä kuorosävellyksiä.

Tunnetuin on juhlallinen kiitosmotetti "Deo gratias", joka on kirjoitettu neljälle yhdeksänääniselle sävellykselle ja siksi sitä pidetään 36-äänisenä. Itse asiassa se koostuu neljästä yhdeksänosaisesta kaanonista (neljästä eri aiheesta), jotka seuraavat peräkkäin hieman päällekkäin seuraavan alun ja edellisen päätteeksi. Overdubissa on 18 ääntä, motetissa ei ole varsinaisia ​​36 ääntä.

Yhtä kiinnostava on hollantilaisen säveltäjän Orlando Lasson (n. 1532-1594) työ, joka loi yli kaksituhatta kultti- ja maallista teosta.

Lasso on aikansa tuottelias säveltäjä; valtavan perinnön vuoksi hänen teostensa (joista monet olivat tilaustyöt) taiteellista merkitystä ei ole vielä täysin arvostettu.

Hän työskenteli yksinomaan laulugenreissä, mukaan lukien yli 60 messua, requiem, 4 intohimon sykliä (kaikkien evankelistien mukaan), pyhän viikon virkailijat (erityisen merkittäviä ovat suurtorstai, pitkäperjantai ja pitkä lauantai), yli 100 magnificatia , hymnejä, fobourdoneja, noin 150 ranskaa. chanson (hänen chanson "Susanne un jour", parafraasi Raamatun tarinasta Susannasta, oli yksi suosituimmista näytelmistä 1500-luvulla), italialainen (villanelles, moresques, canzones) ja saksalainen laulu (yli 140 Lieder), noin 250 madrigalia.

Lassolle on ominaista yksityiskohtaisin tekstikehitys eri kielillä, sekä liturgisilla (mukaan lukien Pyhän Raamatun tekstit) että vapaasti sävelletyillä. Konseptin vakavuus ja dramaattisuus, laajennetut niteet erottuvat teoksista "Pyhän Pietarin kyyneleet" (7-äänisten henkisten madrigaaleiden sarja Luigi Tranzillon runoihin, julkaistu vuonna 1595) ja "Daavidin katumuksen psalmit" (käsikirjoitus vuodelta 1571) folio-muodossa, jota koristavat G. Milichin kuvitukset, jotka tarjoavat arvokasta ikonografista materiaalia elämästä, mm. musiikillista viihdettä baijerilainen tuomioistuin).

Maallisessa musiikissa huumori ei kuitenkaan ollut Lassolle vieras. Esimerkiksi chansonissa "Juomalla kolmessa persoonassa juominen jaetaan" (Fertur in conviviis vinus, vina, vinum) kerrotaan uudelleen vanha anekdootti Vagantien elämästä; kuuluisassa kappaleessa "Matona mia cara" saksalainen sotilas laulaa rakkausserenadin, sekaisin italialaisia ​​sanoja; hymnissä "Ut queant laxis" jäljitellään onnetonta solfeggointia. Lukuisia valoisia lyhyitä Lasson kappaleita on kirjoitettu erittäin kevytmielisiin säkeisiin, esimerkiksi chanson "Nainen katsoi kiinnostuneena linnaan / Luonto katsoi marmoripatsasta" (En un chasteau ma dame ...), ja jotkut laulut (etenkin tapat) sisältävät säädytöntä sanastoa.

maallista musiikkia Renessanssia edustivat eri tyylilajit: madrigalit, laulut, kanzonit. Musiikki, joka lakkasi olemasta "kirkon palvelija", alkoi nyt kuulostaa ei latinaksi, vaan äidinkielellä. Suosituin maallisen musiikin tyylilaji oli madrigals (italialainen Madrigal - laulu äidinkielellä) - moniäänisiä kuorosävellyksiä, jotka on kirjoitettu rakkaussisällön lyyrisen runon tekstiin. Useimmiten tähän tarkoitukseen käytettiin kuuluisien mestareiden runoja: Dante, Francesco Petrarch ja Torquato Tasso. Madrigaleja eivät esittäneet ammattilaulajat, vaan kokonainen amatööriyhtye, jossa jokaista osaa johti yksi laulaja. Madrigalin päätunnelma on surua, melankoliaa ja melankoliaa, mutta mukana oli myös iloisia, eloisia sävellyksiä.

Nykyaikainen musiikkikulttuurin tutkija D.K. Kirnarskaya huomauttaa:

"Madrigal käänsi koko renessanssin musiikillisen järjestelmän ylösalaisin: messun tasainen ja harmoninen melodinen plastisuus romahti ... myös muuttumaton cantus firmus, musiikillisen kokonaisuuden perusta, katosi ... tavanomaiset menetelmät "tiukan kirjoittamisen" kehittämiseen... väistyi emotionaalisille ja melodisille jaksojen kontrasteille, joista jokainen yritti välittää tekstin sisältämää runollista ajatusta mahdollisimman ilmeikkäästi. Madrigal horjutti lopulta "tiukan tyylin" heikkeneviä voimia.

Yhtä suosittu maallisen musiikin genre oli laulu soittimien säestyksellä. Toisin kuin kirkossa soitettava musiikki, laulut olivat melko yksinkertaisia ​​esittää. Heidän riimitekstinsä oli selkeästi jaettu 4-6 rivin säikeisiin. Lauluissa, kuten madrigaaleissa, hyvin tärkeä sai tekstin. Esitettynä runolliset linjat eivät saa kadota moniäänisessä laulussa. Laulut olivat kuuluisia ranskalainen säveltäjä Clement Janequin (n. 1485-1558). Clement Janequin kirjoitti noin 250 chansonia, enimmäkseen 4 äänelle, Pierre Ronsardin, Clement Marotin, herra de Saint-Gelen, nimettömien runoilijoiden runoihin. Mitä tulee 40 chansoniin, Janequinin kirjoittaja moderni tiede kiistat (mikä ei kuitenkaan heikennä itse tämän kiistanalaisen musiikin laatua). Koti erottava piirre hänen maallinen moniääninen musiikkinsa - ohjelmallinen ja kuvallinen. Kuuntelijan mielen edessä on kuvia taistelusta ("Marignanon taistelu", "Rentyn taistelu", "Metzin taistelu"), metsästyskohtauksista ("Linnunlaulu", "Satakielen laulu", "Lark"), jokapäiväisestä kohtauksia ("Naisten chattailu"). Janequin välittää elävästi Pariisin arjen tunnelmaa chansonissa "Cries of Paris", jossa kuullaan katukauppiaiden huudot ("Maito!" - "Piirakat!" - "Artisokat!" - "Kala!" - "Tutkutukset" !" - "Kyhkyset!" - "Vanhat kengät!" - "Viini!"). Kaikella tekstuurin ja rytmin kekseliäisyydellä Janequinin musiikki harmonian ja kontrapunktin alalla pysyy hyvin perinteisenä.

Renessanssi merkitsi alkua ammattimainen säveltäjä luovuus. Tämän uuden suuntauksen silmiinpistävä edustaja on epäilemättä Palestrina (1525-1594). Hänen perintöönsä kuuluu monia pyhän ja maallisen musiikin teoksia: 93 messua, 326 hymnia ja motettia. Hän on kirjoittanut kaksi nidettä maallisia madrigaleja Petrarkan sanoihin. Hän työskenteli pitkään kuoronjohtajana Pietarinkirkossa Roomassa. Hänen luomaansa kirkkomusiikkiin on ominaista puhtaus ja tunteiden ylevyys. Säveltäjän maallinen musiikki on täynnä poikkeuksellista henkisyyttä ja harmoniaa.

Olemme renessanssin velkaa muodostumiselle instrumentaalinen musiikki Miten itsenäisiä lajeja taide. Tällä hetkellä on rivi instrumentaalikappaleita, muunnelmia, alkusoittoja, fantasioita, rondo, toccata. Soittimista erityisen suosittuja ovat urut, cembalo, alttoviulu, erilaiset huilut ja 1500-luvun lopulla. - viulu.

Renessanssi päättyy uusien musiikkigenrejen ilmaantumiseen: soololaulu, oratorio ja ooppera. Jos aiemmin temppeli oli musiikkikulttuurin keskus, niin siitä lähtien musiikki on soinut oopperatalossa. Ja se tapahtui näin.

Italialaisessa Firenzen kaupungissa XVI vuosisadan lopussa. Lahjakkaat runoilijat, näyttelijät, tiedemiehet ja muusikot alkoivat kerääntyä. Kukaan heistä ei silloin ajatellut mitään löytöä. Ja kuitenkin heidän oli määrä tehdä todellinen vallankumous teatteri- ja musiikkitaiteessa. Jatkaessaan antiikin kreikkalaisten näytelmäkirjailijoiden teosten tuotantoa he alkoivat säveltää omaa musiikkiaan, joka vastasi heidän mielestään antiikin draaman luonnetta.

Jäsenet kamerat(kuten tätä yhteiskuntaa kutsuttiin) harkitsi huolellisesti mytologisten hahmojen monologien ja dialogien musiikillista säestystä. Näyttelijöiden piti esittää puheosuudet recitatiivi(resitointi, laulupuhe). Ja vaikka sanalla oli edelleen johtava rooli musiikin suhteen, ensimmäinen askel otettiin kohti niiden lähentymistä ja harmonista fuusiota. Tällainen suoritus sallittu lisää välittää ihmisen sisäisen maailman rikkautta, hänen henkilökohtaisia ​​kokemuksiaan ja tunteitaan. Tällaisten lauluosien perusteella syntyi aarioita- valmistuneet jaksot sisään musiikkiesitys myös oopperassa.

Oopperatalo voitti nopeasti rakkauden ja tuli suosituksi paitsi Italiassa myös muissa Euroopan maissa.

Luettelo käytetystä kirjallisuudesta

1) tietosanakirja nuori muusikko / Säv. V.V. Meduševski, O.O. Ochakovskaja. - M .: Pedagogiikka, 1985.

2) Maailma taidekulttuuria. Alkuperästä XVII vuosisadalle: oppikirja. 10 solulle. Yleissivistävä koulutus humanitaariset instituutiot / G.I. Danilova. - 2. painos, stereotypia. – M.: Bustard, 2005.

3) Materiaalit renessanssimusiikin arkistosta: http://manfredina.ru/